Sunday, June 30, 2013

IL CERCHIO D'ORO mantiene viva la tradición progresiva italiana


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión contamos con la presencia del grupo italiano IL CERCHIO D’ORO so pretexto de su reciente lanzamiento fonográfico “Dedalo E Icaro”. La historia de este grupo es toda una odisea, pues se formó en un tiempo tan lejano como el año 1974 por iniciativa los hermanos Terribile (Gino a la batería y Giuseppe al bajo) y el teclista Franco Piccolini… ¡y recién en el nuevo milenio ha tenido ocasión de lograr contratos de grabación! En el presente año 2013, a cinco de su celebrado concept-disc “Il Viaggio Di Colombo”, este quinteto completado por Roberto Giordana [guitarras] y Piuccio Pradal [voz y guitarra acústica de 12 cuerdas] nos trae un nuevo trabajo conceptual basado en la trágica aventura de este dúo de padre e hijo en su pugna por liberarse de su aprisionamiento en el laberinto de Creta. IL CERCHIO D’ORO cuenta en esta ocasión con significativas colaboraciones a lo largo del repertorio del álbum: Pino Sinnone, baterista original de THE TRIP, toca en la canción de apertura; Giorgio “Fico” Piazza, el bajista original de PREMIATA FORNERIA MARCONI, hace lo propio en el cuarto; y los héroes de DELIRIUM Martin Grice y Ettore Vigo aportan valiosos sonidos en los temas segundo y último. Estos datos no solo reflejan hechos concretos, sino también una simbología precisa sobre el compromiso de IL CERCHIO D’ORO con la revitalización del legado de la vieja escuela sinfónica italiana; veamos cómo se plasma esta misión en el repertorio del disco que traemos ahora a colación.


Cual mensaje de presentación, ‘Il Mio Nome È Dedalo’ abre el disco con casi 5 minutos de expansiones melódicas bien llevadas a lo largo de coloridos extrovertidos que hacen resonar los legados de PFM y ALPHATAURUS con pulcra solvencia. La dupla de ‘Labirinto’ y ‘La Promessa’ se encarga de enfatizar la fastuosidad sinfónica de la banda a través de su espacio conjuntado de 16 minutos y pico. La dinámica doradamente refinada con que se hilan los motivos de ‘Labirinto’ porta aires de familia con el estándar de IL CASTELLO DI ATLANTE; la flauta del invitado de lujo Grice ayuda bastante a la hora de realzar la expresividad manierista de los pasajes más alegres de la pieza. ‘La Promessa’, por su parte, adopta un aura más ceremoniosa, inspirada en la faceta más lánguida de la espiritualidad reflexiva de la tradición progresiva: elementos del GENESIS de “Trespass”, PINK FLOYD, NEW TROLLS y APOTEOSI se amalgaman fluidamente para motivar la gestación de esta conexión multi-temática. Por lo general es la guitarra quien ocupa un lugar protagónico relevante en el esquema de trabajo instrumental, pero cuando emerge un entusiasta pasaje moderadamente filudo a partir de la barrera del sexto minuto, el protagonismo es alternado con el sintetizador mientras la dupla rítmica despliega una musculatura esencial para sostener el clímax conclusivo. ‘L’arma Vincente’ baja notoriamente los niveles de energía expresiva para retrotraerse a climas bucólicos envueltos en una aureola meditativa: las presencias de la guitarra eléctrica y del Mini-Moog realzan esa magia particular para añadirle una intensidad pertinentemente controlada. Los siguientes 7 minutos y pico del álbum están ocupados por ‘Una Nuova Realtà’, pieza que vuelve a las ambientaciones que habían sido predominantes en ‘Labirinto’ y ‘La Promessa’, hilando pasajes estilizadamente intensos y recursos de majestuosa solemnidad con ingenio y pulcritud.

   


‘Oggi Volero’ es una semi-balada que se sitúa a medio camino de los estándares de L’UOVO DI COLOMBO y NEW TROLLS, mientras que ‘Il Sogno Spezzato’ ofrece un nuevo ejercicio de exquisitez sinfónica retro en sigilosa afinidad con el patrón de ALPHATAURUS. Durando poco más de 5 minutos, ‘Ora Che Son Qui (Icaro Ia Fine)’ cierra el álbum con un aire de etérea melancolía, una tristeza serena plenamente capturada por el suave desarrollo melódico. Los ornamentos del saxo de Grice son preciosos, pero posiblemente hubiera valido la pena arreglar la pieza a fin de darles un espacio más amplio para su lucimiento, pero... bueno, así son las cosas. Como balance final, nos quedamos complacidos con el modo tan cabal en que IL CERCHIO D’ORO se luce con este disco “Dedalo E Icaro”, el mismo que deberá ser debidamente apreciado por los eternos fanáticos de la vieja escuela prog-sinfónica.  


Muestra de “Dedalo E Icaro”.-
Labirinto: http://www.youtube.com/watch?v=oxuOFPv2G2c

Thursday, June 27, 2013

FIVE-STOREY ENSEMBLE. un nuevo baluarte bielorruso del chamber-rock


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hoy nos toca hablar de FIVE-STOREY ENSEMBLE, una abundante agrupación bielorrusa que es producto de la escisión de RATIONAL DIET. Si el grupo que acabamos de mencionar fue un baluarte importante del chamber-rock de Europa Oriental durante la segunda mitad del primer decenio del nuevo milenio, pues FIVE-STOREY ENSEMBLE emerge como la sólida continuación de esta visión. El drama que se suscitó en 2011 mientras RATIONAL DIET sucumbía a sus propias tensiones internas dividiéndose en dos bandos, éste y ARCHESTRA, ha llegado a buenos resultados en el mediano plazo, al menos para esta vertiente que conocemos por ahora. El disco “Not That City”, editado en febrero último por el sello AltRock, muestra bellamente la vitalidad de FIVE-STOREY ENSEMBLE, afirmando con cada sonido y cada compás que no es un simple apéndice de otra entidad, sino un ente con su propia esencia y su propia forma. El total de 10 componentes está conformado por Vitaly Appow [fagot y saxos], Alexander But’ko [acordeón], Andrey Evdolimov [guitarras acústica y eléctrica], Natalja Malashkova [oboe], Olga Podgaiskaja [piano, teclados y canto], Olga Polakova [flauta], Anastasia Popova [violín], Nikolay Semitko [batería y percusión], Sergey Dolgushev [canto] y Vyachslav Plesko [contrabajo]. Además, este enjambre sónico ocasionalmente se aumenta con las colaboraciones del bajsta Dmitry Maslowsky, el guitarrista Jury Korogoda, el violinista Cirill Christia y la cellista Nadia Christia. Tenemos garantizado, con solo leer estos créditos, un bloque sonoro fehacientemente pleno: arquitecturas pomposas e ingenierías laberínticas con un empleo de los materiales del ruido remodelados bajo leyes vanguardistas de aleación.


Pero vayamos ahora al repertorio en sí. ‘The Harbinger’ abre el disco con una contundente expresividad que decide mantenerse en un nivel razonablemente contenido en el punto de inicio… ya habrá tiempo de sobra para poner las cartas sobre la mesa. El terreno queda preparado para ‘Bondman’s Wings’, que hábilmente se proyecta hacia una intensidad especial con un rico vuelo musical que se alza imperialmente imponente desde la armazón forjada por la primera pieza. La combinación de pomposa ceremoniosidad e inescrutable desasosiego funciona muy bien a la hora de plasmar el dramatismo electrizante inherente a la idea musical en curso. Así, las cosas, ‘The Incommunication’ prosigue en las exploraciones de esta ambientación tan intensa para llevarla a un clímax de oscura densidad: definitivamente, la dupla de ‘Bondman’s Wings’ y ‘The Incommunication’ conforma un cénit poderoso para un disco que recién está entrando en calor. Con la llegada de ‘To Ringfly’, el ensamble explora brevemente su faceta más lírica, jugando ágilmente con un motivo explícitamente primaveral: casi se acerca a ARANIS, por decirlo de algún modo, aunque también se puede reconocer aires de familia con el estándar de HAMSTER THEATRE. ‘A Disappearing Road’ nos reencauza por senderos densos, semejantes a los de la música pagana de la Edad Media pero bajo la tutela de Rachmaninov, hasta llegar a un epílogo caótico donde el desorden opera como una fuerza expresiva rotunda. La ilación que va desde el perturbado señorío de ‘A Disappearing Road’ hasta la ceremoniosidad dispersamente dramática de ‘The Unpainted’ hasta la de sitúa la vitalidad esencial del ensamble en nuevas cimas de bizarra exquisitez, cuya clave está en mantener una consistencia robustamente pulcra en las ambiciosas estructuras musicales que completan el rompecabezas orquestal.


‘Yesterday Dormant’ vuelve sobre los pasos de ‘Bondman’s Wings’ mientras que ‘The Protector’ retoma esa combinación de modernismo y arqueología bajo-medieval que había caracterizado al cuerpo principal de ‘A Disappearing Road’, aunque esta vez o hace con menos ganas de crear tensión y más bien con miras a desarrollar una atmósfera que oscila entre lo lúdico y lo melancólico. A estas alturas del partido, lo que queda del álbum no está para brindarnos más sorpresas: FIVE-STOREY ENSEMBLE ha puesto bien en claro dónde quiere situarse y bajo qué reglas del juego mueve sus fichas sonoras. Ahora lo que resta es añadir matices sobre el camino dentro de un esquema bien acordado, y el caso de ‘Fear-Dream’ encaja en este segundo estándar. Su presencia en el repertorio sirve para aportar una fastuosidad envolvente que nos hace recordar un poco al ISILDUR’S BANE de los tres primeros volúmenes del proyecto “Mind”. El caso de ‘Amid The Smoke And Different Question’ es el del reforzamiento de las aristas más perturbadoramente oscuras de la banda, utilizando en momentos estratégicos un atrevido recurso de yuxtaposición de motivos. Finalmente, la pieza homónima retoma las ambientaciones predominantes en ‘To Ringfly’, ‘The Protector’ y ‘The Incommunication’ para ensalzar los aspectos más líricos del ideario musical expuesto en el álbum: la plenitud sónica y la refinada arquitectura desarrollada en la ilación de motivos son simplemente espectaculares.  

          

FIVE-STOREY ENSEMBLE realmente ha sabido hacer gala de sus recursos y logísticas a todo pulmón, orgulloso de sus ambiciones y sin asumir tapujos de ningún tipo: su sonido recargado de explosividades cerebrales promete revitalizar la herencia viviente del chamber-rock. “Not This City” es un excelente punto de referencia para la música avant-progresiva hecha en 2013.   


Muestras de “Not This City”.-

Monday, June 24, 2013

TAIPUVA LUOTISUORA o la refrescante estilización del nuevo paradigma space-rockero escandinavo


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hoy nos toca hablar de nuestra primera aproximación a una estupenda banda finlandesa llamada TAIPUVA LUOTISUORA, la misma que combina space-rock, stoner y rock duro de vieja escuela dentro de un esquema progresivo muy vitalista y tremendamente atractivo. “8” es el título de su más reciente disco, pero no pensemos que se trata de su octavo trabajo fonográfico (es el quinto), solo que contiene ocho piezas en su repertorio. Después de algunos cambios ligeros de formación a través de los 11 años que tienen de fundada la banda, sus integrantes hoy por hoy son la dupla guitarrera de Ville Eriksson y Jani Puistovaara, el bajista Juha Eriksson, el teclista Esko Grundström (que también se encarga del kantele), el violinista Tero Pajunen y el baterista Taneli Korpinen. El grupo surgió en la localidad de Rauma, logrando debutar discográficamente con un EP homónimo en el año 2003. Apoyándose en las influencias de OZRIC TENTACLES,  HIDRIA SPACEFOLK y QUANTUM FANTAY, el esquema musical de TAIPUVA LUOTISUORA aporta una frescura especial al actual escenario space-rockero merced a su empleo de estructuras firmes para orientar el camino y las expansiones de los jams básicos y melodías.   


Los primeros 13 minutos del álbum están sucesivamente ocupados por ‘Volantum Machina’ y ‘Kajaani’… y valgan verdades, suponen ambos temas un entremés consistente y contundente. ‘Volantum Machina’ despliega un vigor fantástico que sabe ornamentarse con bien calculadas variantes rítmicas y realces épicos en momentos estratégicos mientras mantiene incólume el groove que se impone desde el primer segundo. Por su parte, ‘Kajaani’ se explaya en sonoridades rockeras más frontales, haciendo guiños claros al rock duro clásico y el stoner haciendo gala de una intrepidez propia de HAWKWIND pero con la fineza de sus compatriotas de HIDRIA SPACEFOLK. El empleo de un breve interludio de piano eléctrico antes del clímax final es solo una primera muestra del aura de refinamiento que Grundström es capaz de invocar a la hora de enriquecer desde una perspectiva genuinamente progresiva el bloque sonoro que habitualmente está centrado en los guitarreos duales. ‘Adversarius’ prosigue por las exploraciones frontales en el estándar del stoner de vieja escuela a través de su filtro esencial space-rockero durante su primera mitad. La presencia siguiente de ‘Volucris Orbita’ fomenta el enriquecimiento de las coordenadas dentro de las cuales el grupo se ha estado moviendo a la hora de plasmar sus ideas: retomando algunas de las atmósferas centrales de ‘Volantum Machina’,  acentúa los ornamentos cósmicos de su contorno sónico para explotar más a fondo el trabajo de colorido estructurado al cual el grupo es tan afecto.

 

La dupla de ‘Eventa’ e ‘Infinitum’ está a cargo de suavizar un poco la cuestión, pues en estos temas se desarrolla una notoria matización de las labores de los dos guitarristas mientras que se la dupla rítmica desarrolla una dimensionalidad importante por el lado del jazz-rock. En ambos temas, la irrupción de cálidos pasajes de guitarras acústicas en algunos momentos ayuda a realzar el lirismo en torno al cual la labor grupal se concentra de manera especial. ‘Muovia Tehdään Öljystä’ se vuelve a remontar hacia las facetas más extrovertidas del ensamble, y lo hace desarrollando niveles de complejidad compositiva en base a una inteligente y dinámica síntesis de muchas de las atmósferas dominantes en varios temas precedentes… e incluso se da un coqueteo abierto con el modelo clásico del prog sinfónico en ciertos parajes fastuosos. Durando casi 7 minutos, ‘Evomere’ emerge para cerrar el álbum, y lo hace aprovechando el impacto del vigor sinfónicamente fastuoso del tema precedente en confluencia con la delicadeza melódica que antes se había explayado en la dupla de ‘Eventa’ e ‘Infinitum’: el violín se hace notar como guía de los demás instrumentos en varios parajes.


Una vez completado nuestro recorrido de “8”, podemos notar que su primera mitas está concentrada en declarar el posicionamiento del grupo como fuerza space-rockera y la segunda mitad está concentrada en reformular dicha fuerza con una persistente intuición de sofisticación. Para concluir, éste es un disco agradable y marchoso que se hace notar por su manera tan particularmente refinada de estructurar la dinámica propia del estándar del space-rock. Son 46 minutos y pico de deleite progresivo lo que nos brinda la gente de TAIPUVA LUOTISUORA: vale la pena explorar en lo que este grupo ha venido aportando a la avanzada psicodélica de los últimos años, y definitivamente, “8” es un lugar correcto desde donde comenzar la exploración melómana en cuestión.


Muestra de “8”.-

Friday, June 21, 2013

El retorno y triunfo de un DIFÍCIL EQUILIBRIO


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Este momento nos toca sacar a colación al power-trío DIFÍCIL EQUILIBRIO y su nuevo disco “La Pèrdua”. Renovando su asociación con las presencias de Ismael Palacios [bajo, guitarra y voz] y Joan Santanach [guitarras] más la constante de Lluís Rodrigues [batería, percusión, brunzidor y samplers], el grupo hace un robusto acto de presencia con este disco, cuya trama conceptual gira en torno a una visión crítica de la crisis sociopolítica que embarga a Europa desee hace tiempo, además de rendir tributo a los movimientos de indignados que llevan las voces de protesta a las calles. A lo largo del álbum, DIFÍCIL EQUILIBRIO se hace acompañar por Marçal Font y Guio al canto, Laia Capdevila a la viola, Yolanda Borlado a la flauta, Neus Tur al clarinete y J-Push al saxofón. El repertorio consta de dos mitades autónomamente tituladas “A Este Lado” y “L’Altre Costat”: la primera se caracteriza notoriamente por prodigarse en brindar ideas frescas al esquema grupal, mientras que la segunda se focaliza firmemente en la visceralidad experimental que ha sido y sigue siendo el baluarte central del trío.

 
Con una ‘Intro’ de menos un minuto y medio que se empapa de matices Crimsonianos por doquier empieza la sección “A Este Lado”, preparando el terreno para que emerja ‘Promesa De Futuro’ al modo de una aventura a lo PRIMUS que sirve de base para alegatos y retratossociales: el despliegue vocal en la primera mitad de la pieza es poco usual en el mundo musical de la banda, pero aquí funciona como un efectivo llamado de alerta, el mismo que es finalmente cerrado por un sereno pasaje centrado en los arpegios de guitarra y los sobrios coloridos de viola. Es aquí que surge ‘Fuegos En El Sol’, tema que establece climas guitarreros efusivamente dramáticos sobre un inteligente juego de cadencias contenidas a cargo de la dupla rítmica. La dupla de ‘Entre Nosotros’ y ‘Tu Alma Mi Ambición’ navega sobre aguas un tanto más asequibles: la primera de estas canciones ofrece una dinámica popera que ofrece un ágil híbrido entre el Crimsonismo de la etapa 82-84 y el estándar de eso que se suele denominar rock alternativo; por su parte, ‘Tu Alma Mi Ambición’ se basa en un esquema de balada de rock duro, centrándose en evocaciones melódicas bien perfiladas. ‘Reacción En Cadena’ hace gran honor a su título elaborando una secuencia de acordes en una concatenación repetitiva que da vueltas sobre sí misma con un refinado efectismo: una ingeniosa reformulación de la influencia del último KING CRIMSON. El recurso de creciente tensión es aportado por las sarcásticas arengas que ahondan en el círculo de las paradojas internas del modelo capitalista – «¡gritad conmigo “el trabajo os hará libres”!». El abrupto final de este tema aterriza inesperadamente en el lirismo suavemente entristecido de ‘Palabras Prohibidas’, una pieza cabalmente pastoral: la hermosa arquitectura de las escalas de guitarra acústica se realza poderosamente en el clímax final cuando se añaden la viola y las maderas.

 
 
La sección “L’Altre Costat” comienza con las dos partes de la pieza homónima, que juntas ocupan un total de casi 11 minutos. ‘La Pèrdua Part I’ despliega una atmósfera tenebrosa cuyo núcleo rítmico se sustenta sobre una cadencia casi marcial, y eso ayuda enormemente a mantener un clima opresivo a lo PRESENT. ‘La Pèrdua Part II’ se inserta para virar hacia una atmósfera alevosamente sutil que desde sus propias entrañas proyecta poco a poco una fuerza expresiva, un crescendo poderoso que lleva la ingeniería recurrente de la pieza hacia una luminosidad tanática. Estos dos temas se benefician de las incorporaciones de partes de saxo a la hora de explotar sus respectivos coloridos sonoros, y lo mismo sucede con la pieza siguiente ‘First Steps Of A Long Journey’, aunque esta vez el registro es muy diferente: esta pieza en cuestión está diseñada con dibujos pincelados en base a efectos digitales de guitarra y saxo, al modo de las vertientes futuristas del krautrock cuando se orienta hacia el ruidismo. El cuarto y último tema de la sección “L’Altre Costat” dura 8 minutos y pico: ‘Heatwave’. En efecto, se trata de una versión del tema que da título al quinto disco de estudio de UNIVERS ZERO, el cual DIFÍCIL EQUILIBRIO remodela al modo de una cruza de PRESENT y GUAPO (pre-“Elixirs”), a la par que preserva una fidelidad al espíritu de la composición original.

El disco contiene tres bonus tracks. El primero, ‘Litúrgia Pagana’, es un ejercicio deconstructivo de un compás tribal cuyo dinamismo telúrico se reformula en un esquema cibernético. Por su parte, ‘Diu La Gent (Rumors)’ es una improvisación de fuerte carga Crimsoniana (al modo de ‘Industry’ de los tiempos de “Three Of A Perfect Pair” con pinceladas añadidas de ‘Starless And Bible Black’), y dado que estamos metidos en el meollo carmesí del ideal progresivo, pues DIFÍCIL EQUILIBRIO cierra esta serie de bonus tracks con una versión del inmortal ‘21st Century Schizoid Man’: para esta versión, el bajo lo toca Joan Francisco (ex-miembro de la banda) mientras que Jordi Atenza se encarga del canto.  

 
En fin, como balance general, “La Pèrdua” supone un retorno vital y una nueva victoria artística de DIFÍCIL EQUILIBRIO en esta etapa de su trayectoria: esto solo puede suponer, en nuestra opinión, una ganancia para la comunidad de amantes de la música progresiva.
 

Muestras de “La Pèrdua”
Fuegos En El Sol:  http://www.youtube.com/watch?v=pe1yeF6mixM
Reacción En Cadena: http://www.youtube.com/watch?v=UliA1ZEFdSo
Heatwave [original de UNIVERS ZERO – en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=0T8tfkPrE6Q

Tuesday, June 18, 2013

La magnifique et fasteuse désolation du RICHARD PINHAS


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy no solo anunciamos sino que celebramos el hecho de que RICHARD PINHAS aporte un nuevo trabajo musical para el presente año 2013: “Desolation Row”. Este músico francés ha sabido mantenerse ocupado desde su carrera estrictamente solista y también colaborando en proyectos (como por ejemplo, un trío con dos integrantes de DJAM KARET en UKAB MAERD). Es un hecho que su labor más reconocida habitualmente es la de fundador y líder de HELDON, ensamble pionero de la música progresiva electrónica con una actitud anarquista y postmoderna, desde 1974 hasta 1979, generando obras magnas como “Agneta Nilsson”, “Un Rêve Sans Conséquence Spéciale” y “Stand By”. Pero también es un hecho es que PINHAS ha sobrevivido ampliamente a la estructura estética de HELDON hasta el día de hoy: no olvidemos, además, que mientras el ideal de HELDON se mantenía vivo con sus incesantes cambios de formación, PINHAS también iniciaba su trayectoria solista con discos como “Rizòsphere” y “Chronolyse”. Se puede decir que el primer disco solista de PINHAS post-HELDON, “L’ethique” del año 1982, el paradigma musical de este genio francés reforzaba las columnas y tuercas definitivas de su feroz arquitectura creativa. Más de 30 años después, y con una carrera razonablemente bien sostenida, “Desolation Row” nos demuestra que la brillantez de RICHARD PINHAS sigue siendo magistralmente auténtica y vorazmente osada, y de hecho, muchas de sus sonoridades más tremendistas y angustiadas nos recuerdan a los clímax feroces de los clásicos de HELDON “Un Rêve Sans Conséquence Spéciale” y “Stand By”. Para esta ocasión, el maestro francés, quien ya peina algunas canas de un hombre de 62 años, se hace acompañar de una nutrida serie de colaboradores tremendamente eficientes: Oren Ambarchi [batería, guitarra y recursos electrónicos], Lasse Marhaug [recursos electrónicos y efectos], Etienne Jaumet [sintetizadores análogos y saxofón], Noel Akchote [guitarras en estéreo], Eric Borelva [batería] y Duncan Nilsson [recursos electrónicos y efectos].



Durando casi 16 ½ minutos, ‘North’ abre el disco en una suerte de perpetuo punto álgido donde las pérfidamente pulsaciones mecánicas de los sintetizadores y las ominosamente compulsivas texturas de los guitarreos se imponen en un ejercicio incesante de luminosidad tanática. La batería instaura desarrollos de un swing ingenioso que permiten añadir un ágil dinamismo sobre el cual pueda instalarse el foco de este torbellino de fuego. Con una cadencia menos intensa y una aureola más ceremoniosa, ‘Square’ elabora una fluida combinación de esquematismo rítmico en la batería y tonalidades jazzeras en los guitarreos bajo el ropaje de capas de teclado o soundscapes de guitarra. La bien resuelta tensión entre la visceralidad de la psicodelia, la espontaneidad inteligente del jazz y la dinámica imponente de la experimentación electrónica hacen que el jam central de ‘Square’ mantenga su magnetismo a lo largo de sus casi 9 minutos de extensión. También dura cerca de 9 minutos el siguiente tema, titulado ‘South’, el cual cumple con la misión de explayarse en atmósferas inquietantes y crepusculares, llevando el legado de psicodelia y jazz-rock recibido de la pieza anterior hacia dimensiones más oníricas. Definitivamente, la espiritualidad retratada en esta pieza está reposada una suerte de solaz, pero el aura de inquietud se revela misteriosamente arrolladora a través de la fachada externa de serenidad contemplativa que se muestra al frente de una estructura musical genuinamente tensa.


El cuarto tema porta el emblemático título ‘Moog’: sí, ‘Moog’, en doble homenaje al sintetizador más famoso de los 70s y el personaje que lo inventó, Robert Albert Moog. PINHAS y sus colaboradores de turno se engarzan en una esforzada labor de hilar y conjugar copiosas atmósferas y ambientaciones electrónicas sobre un ritmo sintético ágil durante los primeros 12 minutos. Es obvio que la idea guía de esta pieza es celebrar el Moog como mecanismo de arte moderno, celebrando sus potenciales de fuerza expresiva; esto se refleja cabalmente en la manera en que los músicos se orientan hacia un talante ensoñador que sabe cómo ajustarse propiamente al esquema rítmico en curso. La segunda sección de la pieza se centra en un ejercicio de denso lirismo que tiende puentes hacia el estándar del TANGERINE DREAM 75-78 y el CLUSTER 74-76: ahora, la idea guía de celebración se focaliza en el jolgorio emocional que supone el acto de crear. Los últimos 25 minutos del álbum están ocupados por la dupla de ‘Circle’ y ‘Drone 1’. ‘Circle’ retoma la espiritualidad de ‘North’ pero le otorga un esquema sonoro más cercano al de ‘Square’. Específicamente cabe destacar el modo en que se resaltan varias capas cibernéticas con el propósito de opacar alevosamente el planteamiento dibujado por la dupla de guitarra y batería; esta “agresión” desde dentro funciona como agente motivador de una neurosis musical muy bien lograda. Por su parte, ‘Drone 1’ es una celebración exhaustiva de la ansiedad desquebrajada del ruidismo: PINHAS crea texturas arrojadas al aire cuales piedras de la honda de David para convertirlas en texturas angustiadas con las cuales se pretende crear un nuevo cobijo para la mente, ciertamente electrizada por el ímpetu enajenante de la pieza en cuestión.

 

Todo esto fue “Desolation Row”, un nuevo muestrario desafiante de la vitalidad postmoderna que RICHARD PINHAS nos ha enrostrado como su raison d’être desde aquellos viejos tiempos de los primeros álbumes de HELDON. “Desolation Row” es, para decirlo de la forma más sencilla posible, un disco fastuoso y magnífico, un manifiesto claro y directo de lo apocalíptico del mundo que habitamos tanto como de la psique que se alberga en nuestro interior.    


Muestras de “Desolation Row”.-

Saturday, June 15, 2013

UNREAL CITY - la joven voracidad de la nueva realidad progresiva italiana


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de hablar de UNREAL CITY, uno de muchos nuevos grupos que siguen incesantemente surgiendo en la presente escena progresiva italiana para llenarla de excelencia y energía. La formación de UNREAL CITY consiste de Emanuele Tarasconi [teclados, sintetizadores y voz], Francesca Zanetta [guitarras eléctricas y acústicas], Francesco Orefice [bajo y coros] y Federico Bedostri [batería y percusión]. El grupo surgió en Parma en 2008 bajo la iniciativa de los dos primeros, y una vez que se completó como cuarteto, se dio abasto para publicar un demo en 2010. Tras lamaduración del proyecto y ciertos cambios de integrantes en la dupla rítmica, llegó el verano de 2012 cuando la gente de UNREAL CITY estableció contacto con Fabio Zuffanti, quien quedó encantado con la propuesta musical de la banda y consecuentemente les ofreció una dirección artística mientras le conseguía un contrato discográfico compartido con Mirror Records y BTF: todo esto llevó a la concreción del disco debut “La Crudeltà Di Aprile” a inicios del presente año 2013.  


El disco comienza su andanza con ‘Dell’Innocenza Perduta’, toda una exhibición de exaltaciones progresivas sabiamente modernizadas en un lapso generoso de 7 ½ minutos. La heroica introducción instrumental es seguida por una melancólica sección cantada; más adelante, un breve interludio en forma de rondó motiva la instauración de un cierre decisivamente épico. Tras esta fabulosa entrada, ‘Atlantis (Conferendis Pecuniis)’ se orienta hacia un ejercicio explícito de remodelaciones barrocas y manieristas dentro del enfoque sinfónico global de la banda: la introducción de un soliloquio y algún pasaje patentemente teatralizado en el desarrollo temático apunta a realzar el dramatismo general de la pieza, el cual nos recuerda a sus coetáneos de LA COSCENZA DI ZENO (y muy a lo APOTEOSI, vale acotar). ‘Catabasi (Descensio Ad Inferos)’ se orienta hacia climas más pronunciadamente góticos, en afinidad con lo hecho por A PIEDI NUDI e IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE: lo gótico se amalgama muy bien con los motivos pesados psicodélicos que se hilan más tarde, diseñados para ilustrar el horror propio de un viaje hacia los infiernos. De todas maneras, la canción hace un sorpresivo giro hacia un lirismo cándido a poco de traspasar la barrera del quinto minuto, marcando así el tenor del cierre definitivo. ‘Dove La Luce E’ Più Intensa’ ostenta desde el inicio un groove llamativo y contagioso, el cual habrá de signar muchos de los pasajes extrovertidos de la pieza en cuestión. La ilación de motivos está muy bien hecha, ostentando la estructura de una mini-suite que nos recuerda en buena parte a los estándares de BIGLIETTO PER L’INFERNO y METAMORFOSI (etapa del “Inferno”), bajo el poderoso manto de influencia de LA MASCHERA DI CERA como plataforma modernizadora.   


‘Ecate (Walpurgisnacht)’ retoma en cierta medida la aureola gótica de estilizaciones siniestras en su breve prólogo, pero muy pronto percibimos que el núcleo esencial de esta canción se apoya más bien en el impacto de la vitalidad de la pieza anterior; también notamos el impacto de la teatralidad manierista que formó parte de muchos momentos de ‘Atlantis’. Los últimos 18 minutos (o casi) del álbum están ocupados por la suite ‘Horror Vacui’, cuyas cuatro secciones se titulan sucesivamente ‘Le Radici Del Male’, ‘L’Assassino’, ‘Nel Sonno Della Ragione’ e ‘Il Baratro Della Follia’. De entrada, la pieza se explaya en desarrollos temáticos instrumentales repletos de florituras líricas estupendas, hiladas con coherencia de modo que su complejidad se siente ágil al oído: los cuatro primeros minutos son un símbolo real de la mayor gloria de la esencia del prog sinfónico. El primer motivo cantado se proyecta sobre un ritmo pausado en medio de una base melódica enmarcada en un colorido elegante; para el segundo, el grupo sube un poco la intensidad rítmica y aporta una espiritualidad un poco más densa al desarrollo melódico en curso, situándose en un parentesco con el primer LA MASCHERA DI CERA y CHIAVE DI VOLTA. Tras viajar de un motivo exaltado a otro más reposado, la banda aterriza en la frontera del minuto 12 en un pasaje introspectivo fielmente heredero de aquellos momentos entrañables en que PINK FLOYD (‘Echoes’) y GENESIS (‘Seven Stones’) trabajaban la faceta melancólica del estándar progresivo. Se trata de un hermoso interludio, sin duda, sirviendo como antesala a la última secuencia de partes cantadas y parajes instrumentales, secuencia que redondea la naturaleza fastuosa de la suite con pulcra solvencia.   


UNREAL CITY entra por la puerta grande en la gran ciudad progresiva que continuamente se viene renovando en la actual escena italiana: “La Crudeltà Di Aprile” es una carta de presentación perfecta del concepto de que el ideal del rock artístico no solo sigue vivito y coleando, sino que también es capaz de proyectarse a paso firme hacia futuros horizontes. ¡Muy recomendable!


Muestra de “La Crudeltà Di Aprile”.-

Dove La Luce E’ Più Intensa [vídeo-clip]: http://www.youtube.com/watch?v=TBlSuvJIPiE

Wednesday, June 12, 2013

La nueva estación de ASTRALIS


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos concentramos en el nuevo disco del grupo prog-sinfónico chileno ASTRALIS: “Fantasía De Invierno”. Recientemente publicado por el sello Mylodon Records, su repertorio consta de canciones compuestas entre los años 1989 y 1995: o sea, este disco es básicamente un repaso de viejas composiciones que se revelan ahora con el beneficio de la pericia y la madurez estilística que el grupo ha venido forjando en la secuencia de sus dos discos anteriores “Bienvenida Al Interior” y “Voces Del Bosque”. Dehecho, estos dos ítems conviertieron a ASTRALIS en una de las bandas más respetadas del círculo progresivo de su país. A lo largo de este nuevo disco, los únicos integrantes fijos son Patricio Alejandro Vera-Pinto [guitarrista, vocalista y compositor exclusivo] y Mauricio Arcís [bajista]; los demás participantes son el teclista Carlos González Nanjarí (para los dos últimos temas), el teclista Francisco Conejera (para los cinco primeros temas) y Luis Álvarez a la segunda guitarra, mientras que el baterista Jaime Labarca está acreditado como invitado para todos los temas.  


‘La Canción Es Libre’ abre el disco con un aire de exaltación prístino, un canto entusiasta a la esencia libre del arte musical que se arma en base a una claridad melódica bien pulida y un esquema rítmico marchoso, al modo de un YES post-70ero mezclado con el CAMEL 79-81. El siguiente tema, ‘La Marcha De Los Que Vienen’, prosigue en la expansión de esta extroversión sonora, aumentando la dosis de sofisticación en ciertos pasajes instrumentales así como el nivel de vigor rockero en la estructura general. Juzgando por el carácter magnético de su fuerza expresiva (volvemos a los paralelos con el YES contemporáneo, pero también añadimos algo del estándar retro resucitado por las versiones renovadas de KAIPA y KAYAK), tal vez hubiera valido la pena extender un poco más la duración de la canción, pero tras el paso de sus 4 minutos y 10 segundos debe seguir el tercer tema ‘Algo Tiene Que Cambiar’. Esta canción se proyecta sobre un compás más lento que los esbozados en los esquemas de las dos primeras canciones, lo cual tiene sentido en relación con el acento dramático de su letra ecologista, pero en lo referente a la generación de vigor rockero, todavía puede verse en ella una continuidad fluida. Portando una estructura propia de las baladas de rock duro, la armazón orquestal de teclados ayuda a sustentar solventemente el colorido típicamente sinfónico que la banda tiene en mente para este arreglo final. ‘Tristezas Del Juego’ es la primera canción con duración ambiciosa del disco: poco más de 8 minutos. Este detalle es importante porque la característica esencial de esta canción es la de explayarse en las más exultantes vibraciones rockeras del álbum, empezando con una sección a medio tiempo y culminando con una proactiva exhibición de fiero esplendor. El rol protagónico de los guitarreos es la clave para que el punche se concretice la manera tan contundente como lo hace.


Después del continuo despliegue de sofisticada fuerza rockera bajo diversas guisas y matices que ha tenido lugar a lo largo de los primeros 21 minutos del disco, llega la refrescante dupla de ‘Después De La Lluvia’ e ‘Invocación… Oda Y Adagio’. ‘Después De La Lluvia’ maneja un discurso folk-rockero ampliamente influido por las facetas líricas de YES y LE ORME, además de esa sensibilidad cándida que es tan peculiar en la tradición progresiva sudamericana. Por su parte, ‘Invocación…’ nos transporta hacia una dimensión más cargada de densidad emocional, al modo de una elegía introspectiva cuya aureola cósmica que envuelve al oyente y le somete a una rara conmoción. Las flotantes capas de teclado portan una ceremoniosidad casi Floydiana. La canción homónima cierra el álbum de una manera explícitamente fastuosa, pues se prodiga en un despliegue de musicalidad que sostiene un bien focalizado ingenio melódico en un espacio de casi 14 ½ minutos. En base a una confluencia del YES clásico, el PINK FLOYD del “Wish You Were Here” y la obsesión retro de HÖSTSONATEN, más algunas tonalidades modernas a lo ARENA, Vera-Pinto y sus compañeros de viajen realizan una travesía sonora de generosos coloridos y mágicas orquestaciones. Para decirlo de forma simple y sencilla, digamos que se trata de un fabuloso broche de oro para el disco.

 

ASTRALIS sigue tirando para adelante en su misión de mantener vigente el ideal del prog sinfónico en la escena chilena: habla muy bien del grupo en cuestión el que este material (recodemos lo dicho en el primer párrafo de esta reseña) recupere sus primeras composiciones. “Fantasía De Invierno” es un disco hermoso que puede y debe engalanar los estantes de una colección progresiva contemporánea mínimamente solvente.   


Muestras de “Fantasía De Invierno”.-    

Tuesday, June 11, 2013

ASTRALIS - un viaje retrospectivo al bosque interior del rock progresivo chileno


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión fijamos nuestra mirada y nuestros oídos en la banda chilena ASTRALIS. Este ensamble nació a principios del año 1999, en la comuna de Ñuñoa, bajo la iniciativa del guitarrista Patricio Vera-Pinto, quien funge como director artístico de la banda y compositor de todo el material: este veterano músico que ya desde los años 70s inició una trayectoria musical que incluye membresías en LUNALLENA y AMAPOLA. En cuanto al grupo ASTRALIS en sí, su propuesta sinfónica se basa en la confluencia del legado neo (MARILLION, PENDRAGON, tal vez un poco de ABEL GANZ) con los estándares sinfónicos propios de YES, el GENESIS 77-79 y el CAMEL post-Bardens. Tiene coincidencias con lo que bandas de otras áreas sudamericanas hacen también: CHANETON, ARION, TEMPUS FUGIT, DOGMA, CRISÁLIDA, etc. De esta manera, su disco debut de 2006 “Bienvenida Al Interior” manifestó un aporte sólido a la escena neo dentro del rock sudamericano actual. Junto a Vera-Pinto tocan Sergio Heredia [batería y percusión], Mauricio Arcís [bajo] y Juan Pablo Gaete [teclados].


Este disco cuenta con tres piezas que se expanden más allá de la frontera de los 10 minutos, además de dos temas que bordean los 8 minutos de duración: la banda asume frontalmente la proyección hacia composiciones de largo desarrollo. Así pues, ‘Bienvenida Al Interior’ abre el primer disco con una musicalidad envuelta en una aureola de cálido optimismo en su primera mitad, pero algún breve interludio de carácter tenso (manejado con mucho preciosismo) arma el terreno propicio para una momentánea variante endurecida de la expansión melódica en curso. A partir de aquí, el motivo central se retoma con un ceremoniosidad renovada. Luego sigue la dupla de ‘Nocturno Urbano’ y ‘Noventa Y Nueve’, diseñada para ahondar en la fastuosidad siempre latente en el esquema sonoro grupal. ‘Nocturno Urbano’ ostenta una languidez contemplativa que nos remite a los estándares de PINK FLOYD y CAMEL, pulcramente filtrados a través de la influencia de PENDRAGON (especialmente en sus parámetros sonoros plasmados en álbumes como “Not Of This World” y “Believe”). La última sección deja la languidez para remontar vuelo hacia un colorido sereno. Por su parte, ‘Noventa Y Nueve’ exhibe una expresividad más plenamente sofisticada, ostentando una arquitectura multi-temática más rica en variantes en las atmósferas y ambientes: cuando el cántico final de tenor Yessiano llega a su conclusión, se hace evidente que el disco conquista un cénit rotundo con este tema. ‘Doble Arcoiris’ elabora un viaje sonoro propio de lo que se espera de una semi-balada neo-progresiva; por su parte, ‘Bajo El Domo De Cristal’ empieza de forma similar, pero merced al impulso de la luminosidad más plena que exhibe su desarrollo lírico, la pieza termina elevándose hacia un clímax conclusivo eficazmente intenso. Los últimos 10 minutos y pico del disco están ocupados por ‘Kinnara’, el cual comienza reavivando la llama de la espiritualidad lánguida que antes había marcado a ‘Nocturno Urbano’. Un interludio armado en base a un flotante solo de guitarra arropado bajo capas cósmicas de teclado instaura el punto de quiebre para que la pieza vire hacia un dinamismo llamativamente extrovertido donde se cruzan los legados perpetuos de YES y GENESIS, siempre con su oportuno toque modernizado. Un cierre muy vitalista para un disco como “Bienvenida Al Interior”, cuyo mérito musical más saltante es su continua exhibición de inspirado preciosismo.

  

Con “Voces Del Bosque”, su segundo disco del año 2009, el grupo decidió enriquecer su propuesta sonora con la incorporación de elementos folk en modalidad estilizada y un acercamiento más profundo a la tradición sinfónica en sus facetas más cristalinas. La alineación del grupo acoge una ligera variante con el ingreso del nuevo teclista Mauricio Gaggero, aunque su antecesor Juan Pablo Gaete aún hace acto de presencia en un tema. La pieza homónima abre el disco con aires de naturaleza y atmósferas ensoñadoras muy a lo YES, logrando así abrir la experiencia del disco con un aura optimista y un colorido sónico frontal, el cual pronto muestra afinidades con estándares de LE ORME y ERIS PLUVIA de forma consistente hasta el final. Con esto, ASTRALIS se conecta en mayor afinidad con lo que en la escena argentina hace HÁBITAT, por ejemplo. Una mención especial debe ir hacia los solos de sintetizador, los cuales portan una magia bien desarrollada que sirve para darle un enfoque claro al encuadre melódico de la pieza. El segundo tema, ‘Caminos Internos’, nos muestra a la banda mostrando una dimensión más grácil de su esencia estilística, haciendo dos cosas a la vez: reforzar los roles de la guitarra y la batería a la hora de generar dinamismo rockero y explotar matices folclóricos de cueca en varios ornamentos rítmicos estratégicamente ubicados. Con ‘Los Pasantes’ (el tema con Gaete a los teclados), el cuarteto se mete de lleno en el estándar de LOS JAIVAS: alegre dinamismo andino traducido a refinamientos prog-sinfónicos, al estilo de los discos “Alturas De Machu Picchu” y “Aconcagua”. Siguiendo por esta línea folk-progresiva y añadiendo elementos de la herencia del CONGRESO 70ero, ‘Néctar De Luz’ emerge como una deliciosa cueca-rock donde el grupo explora la candidez propia de este emblemático ítem cultural chileno.


Los últimos 24 minutos y pico del álbum están ocupados por la dupla de ‘Estás Aquí’ y ‘Saraswati’. ‘Estás Aquí’ brinda una expansión ambiciosa sobre el equilibrio entre sinfonismo modernizado y prog-folk antes exhibido en ‘Caminos Internos’, con el gesto añadido de que el cuarteto aprovecha el extenso esquema dentro del cual arma la pieza para amplificar las potencialidades épicas del asunto, además de guiar el colorido esencial al sonido grupal hacia tonalidades más claroscuras (como un híbrido del IQ 80ero y el LE ORME de “Uomo Di Pezza”): la persistencia del interludio hace que el clima general sea denso, aunque sin perder la agilidad propia del neo-prog clásico de los 80s. Posiblemente sea justo catalogar a ‘Estás Aquí’ como el cénit decisivo del disco, aunque para nada implica esto desestimar lo que tiene que ofrecer ‘Saraswati’ a la clausura de “Voces Del Bosque”. Este tema, llamado como la diosa hindú de la sabiduría y las artes escénicas, traslada la línea de trabajo de ‘Caminos Internos’ y ‘Estás Aquí’ hacia un impulso marcado por influencias Floydianas y Camelianas, siendo así que la dupla rítmica se encarga de sustentar la vibración folclórica en el subsuelo del esquema instrumental (al modo de las secciones más solemnes de esa tremenda suite de LOS JAIVAS “La Poderosa Muerte”). ASTRALIS explota su faceta épica con impecable solvencia por segunda vez consecutiva, concluyéndola con majestuosos ruidos de oleaje, al modo de un egreso a las fuerzas de la naturaleza de donde había surgido el primer tema del álbum. Este disco, evaluado en bloque, supone un desarrollo muy personal del aporte que la banda pretende dar a la preservación del legado ideológico del rock artístico en su país y en el ámbito latinoamericano.

  

El año 2012 signa otro momento importante dentro de la historia de ASTRALIS: su tercer álbum “Confesiones de Invierno” ha estado pasando por un largo proceso de post-producción, llegando finalmente a su edición en esta primera mitad de 2013… pero ése es tema de otra reseña. En este momento, celebramos que ASTRALIS haya sido capaz de aportar un alto nivel de creatividad al paradigma del rock sinfónico, un bosque propio dentro de la aldea chilena.


Muestras de “Bienvenida Al Interior”.-

Muestras de “Voces Del Bosque”.-

Saturday, June 08, 2013

DIALETO - un lenguaje nuevo para las tribus actuales del rock progresivo brasileño


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión nos toca hablar de DIALETO, estupendo power-trío brasileño formado por Nelson Coelho [guitarra], Jorge Pescara [touch guitars] y Miguel Angel [batería], el mismo que se proyecta al mercado internacional de la mano de MoonJune Records como una agradable sorpresa en el mundo del rock progresivo. En efecto, con su original propuesta basada en la confluencia de jazz-rock, paradigma de BRUFORD/LEVIN, psicodelia de tendencia dura, elementos del KING CRIMSON (tanto de la etapa 73-74 como de la fase 80era) y fusión contemporánea, Nelson Coelho y sus compañeros se explayan hacia horizontes sonoros llenos de ingenio y vigor. “The Last Tribe”, tercer disco de su producción fonográfica hasta el momento, promete ser uno de los ítems más excitantes surgidos de tierras sudamericanas en el presente año 2013. Y adviértase que estamos hablando de una banda que se formó a fines de los 80s, pero recién en 2008 pudo darse abasto para publicar su disco debut “Will Exist Forever”, sucediéndolo dos años después con “Chromatic Freedom”. Fijándonos ahora en “The Last Tribe”, llegamos a la conclusión de que mejor es tarde que nunca en lo que se refiere a valorar la música bien hecha… pero antes de seguir ahondando en esta reflexión, vayamos a los detalles del disco.


Durando casi 6 ½ minutos, ‘Windmaster’ con una exquisita aura contemplativa que maneja un régimen sabiamente controlado de fuerza expresiva a lo largo de su recurrente motivo central en 6/8. A continuación sigue ‘Dorian Grey’, pieza que se enfila hacia sonoridades patentemente mucho más robustas, como haciendo una recapitulación Crimsoniana de un jam Zeppeliniano, portando ciertos aires de familia con BOZZIO LEVIN STEVENS y ATTENTION DEFICIT. La pieza homónima dura poco menos de dos minutos, un espacio corto pero suficiente para expresar un dinamismo exótico un poco más ligero a fin de que el tema siguiente, ‘Lydia In The Playground’, pueda exponer eficazmente un recurso de moderado contraste al exhibir un ambiente sonoro de tenor reflexivo: la sencilla estructura básica de su motivo central asume un vigor rockero necesario para aportar una dosis de densidad al asunto, pero es fácil de notar que la dimensión más vulnerable de la espiritualidad es el principal foco de inspiración para esta pieza en cuestión. En cierto modo, nos hace recordar a sus paisanos de ALGARAVIA. Su fade-out se siente muy repentino, pues el carácter llamativo del jam es inapelable, pero inmediatamente nos sentimos compensados con ‘Unimpossible’, tema que nos revela 7 ¾ minutos de ingeniosas creaciones y recreaciones de tensión musical. Dicha tensión se muestra contenida en sus dos primeros minutos, en base a una atmósfera expectante sustentada por el diálogo entre guitarra y touch guitar… pero una vez que la batería de Miguel Angel entra en acción, emerge toda la potencial musculatura de la pieza en un fluido ejercicio de combinación del KING CRIMSON de la era “Red” con las áreas más rudas del primer MAHAVISHNU ORCHESTRA y el estándar Hendrixiano. Tras esta estilizada tormenta sónica, ‘Tarde Demais’ se retrotrae hacia una sonoridad introspectiva, propia de un ambiente crepuscular, una despedida a la luz del día y el candor de la tarde. Las armazones de escalas y punteos por el dúo de Coelho y Pescara son simple y llanamente hermosos: la batería entra para el minuto final de modo que los otros dos instrumentos puedan adornar su esquema de acción con un realce de intensidad rockera.


La tríada de ‘Vintitreis’, ‘Whereisit’ y ‘Sand Horses’ añade renovados matices a nuestra exploración del disco. ‘Vintitreis’ establece una dinámica propia del mejor PAT METHENY GROUP pero con una presencia guitarrera más robusta en la que Coelho realiza una mezcla ingeniosa de FRIPP y JEFF BECK. Por su parte, ‘Whereisit’ establece un homenaje al rock duro de raíz bluesera, combinando una especie de estándar stoner y LED ZEPPELIN. Tal vez podamos notar ciertas confluencias con lo que antes hizo la banda en ‘Dorian Grey’, pero es menester resaltar que aquí es la pesadez del rock el que se alza como discurso predominante. En el caso de ‘Sand Horses’ tenemos un inteligente aprovechamiento de la polenta que se ha venido generando con la secuencia de los dos temas anteriores, con una dupla rítmica que añade ocasionalmente elementos juguetones a lo PRIMUS y un Coelho que exorciza sus “fantasmas Blackmorianos” sin complejos ni tapujos de ningún tipo. Esta ilación tripartita bien puede describirse como una expansión creciente de expresividad extrovertida. Cerrando el álbum, ‘Chromaterius’ regresa a lo netamente Crimsoniano, implementando una sólida hibridización del modelo 70ero de FRIPP & cía. con el modelo particular de BRUFORD/ LEVIN.


Todo esto fue “The Last Tribe”, una gozada de álbum que ha de situar a DIALETO en el centro de atención de los círculos progresivos en este año 2013 y años por venir. La verdad que este grupo merece algún tipo de reconocimiento positivo pues “The Last Tribe” es una de las cosas más recomendables que la vanguardia progresiva nos ha ofrecido en los últimos años.


Muestras de “The Last Tribe”.-

Wednesday, June 05, 2013

THE WRONG OBJECT o la exhibición continua de maravillosos sonidos jazz-progresivos



HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de hablar de THE WRONG OBJECT y su nuevo álbum “After The Exhibition”, nuevo ítem de MoonJune Records que inició su existencia a través del método de crowdfunding en julio del año pasado. Pues bien, ahora este disco es una realidad fáctica, una entidad espacio-temporal. Este combo de Michel Deville [guitarra eléctrica y guitarra sintetizada GR-09], Antoine Guenet [teclados y voz], Marti Melia [saxos tenor y bajo, y clarinete], François Lourtie [saxos tenor, alto y soprano, y voz], Pierre Mottet [bajo] y Laurent Delchambre [batería, percusiones, objetos y samples] ha edificado un nuevo repertorio signado por una arquitectura robusta y una ingeniería vigorosamente dinámica. Contando con el ocasional apoyo del legendario percusionista Benoit Moerlen (famoso principalmente por su presencia en el GONG post-Allen y en GONGZILLA), la banda se permite completar de manera adecuadamente fastuosa muchas instancias de su esquema rítmico, y como botón de muestra va el segundo tema del álbum, ‘Spanish Fly’, donde sus intervenciones a la marimba y al vibráfono electrónico añaden texturas pintorescas a la expansión de las extrovertidas cadencias que se van desarrollando con elegante complejidad. Por su parte, la presencia de la vocalista Susan Clynes en la canción ‘Glass Cubes’ ayuda a realzar el lirismo otoñal de la misma: esta canción conforma el momento de mayor relax emocional del disco, y de hecho, parece propio de un momento melancólico en un disco de HATFIELD & THE NORTH o de ROBERT WYATT, pero signado por la exuberancia inteligentemente organizada de Michel Delville y co. El rol protagónico del piano le permite dirigir con pulso firme el camino hacia la exaltación que se arma en el climático paraje final.


Pero ya que no hemos comenzado por el principio, pues lo mencionamos ahora mismo: la manera tan punzante con la que empieza “After The Exhibition” de la mano de ‘Detox Gruel’ solo puede describirse como 4 ¼ minutos de hermoso asalto sónico que de manera sostenida y continuada va haciendo gala de un fenomenal joie de vivre, una vitalidad celebratoria diseñada para contagiar masivamente el corazón del oyente con vibraciones positivas. Influencias de la vieja escuela de NUCLEUS y del FRANK ZAPPA de las big bands son evidentes, pero más evidente es ese matiz que Delville y sus secuaces saben proporcionar a sus viajes sonoros desde la raíz. Después de que ‘Spanish Fly’ prosigue por este tenor extrovertido y le añade buenas dosis de densidad dentro de una armazón elegantemente extravagante, emerge ‘Yantra’ para virar las cosas hacia una dimensión un poco más neurótica, incluso grisácea, aunque preservando intactas las dosis de vigor y fuerza expresiva que hasta ahora se han venido imponiendo rotundamente. La manera de combinar elementos de HENRY COW (etapa “Leg End”) y el WEATHER REPORT pre-Pastorius funciona con total naturalidad, dejando que el dinamismo que surge de la electricidad compartida por todos los instrumentos en acción se manifieste en toda su fulgor a través de la compleja estructura compositiva de la pieza. Mención especial para la dupla rítmica de Mottet y Delchambre… ¡cómo se han estado luciendo, pardiez! En estos primeros 18 minutos y pico del álbum ya tiene el oyente la certeza de que está cara a cara con un disco genial… y no hay más alternativa que seguir confirmando dicha certeza. Durando poco más de 3 ½ minutos, ‘Frank Nuts’ ofrece una ambientación menos compleja que las de las dos piezas anteriores, pero sigue siendo una fiel muestra de la sofisticación inherente a la visión de THE WRONG OBJECT: el refinamiento plasmado por la dupla de saxos (muy a lo Canterbury, valgan verdades) es fundamental para guiar el groove de los demás instrumentos.

  

La trilogía de ‘Jungle Cow’ ocupa un espacio de casi 15 ½ minutos. La primera parte se extiende por un espacio de casi 6 minutos de improvisaciones abstractas donde el ensamble entusiastamente se abandona a la lógica de la deconstrucción. La emergencia de un motivo lento de piano en 5/4 anuncia la instalación de la segunda parte, en la cual el grupo retoma en buena medida su faceta neurótica y grisácea, dándole un cariz de reflexiva inquietud merced al poderoso embrujo del solo de guitarra de Delville (una de sus más brillantes intervenciones en todo el disco). En fin, la tercera parte se encarga de explotar esta neurosis hacia una esplendorosa combinación de prog psicodélico y Canterbury (KING CRIMSON, SOFT MACHINE y NATIONAL HEALTH), donde la garra y la vibración meditabunda se conjugan de una manera perfectamente compacta. Durando 8 ½ minutos, ‘Glass Cubes’ se erige como la pieza más extensa del álbum. Después del pretexto para añoranzas y visiones introspectivas que nos brinda ‘Glass Cubes’, ‘Wrong But Not False’ evoca paisajes serenos de nuestra psique en base a un sencillo motivo armado con una bien llevada estilización: la armonización de los vientos y la etérea expresividad del piano eléctrico encarnan a la perfección esta forma de viaje espiritual, y cuando Delville impone un solo a lo PHIL MILLER-con-BILL CONNORS, la ambientación adquiere nuevos colores. ‘Flashlight Into Black Hole’ establece un pertinente intermedio entre la atmósfera del tema precedente y el colorido vitalista que antes apreciamos en ‘Detox Gruel’ y ‘Frank Nuts’: se podría muy bien describir a esta pieza como una síntesis, mientras que el tema de cierre, ‘Stammtisch’ (composición de Benoit Moerlen), encapsula más bien un afianzamiento de la faceta reflexiva de la banda, pero lejos de retrotraerse hacia recursos de tenor lánguido, se complace en expresionismos propios de ‘Yantra’ y ‘Glass Cubes’.   

  

Bueno, todo esto fue “After The Exhibition”… ¿y qué más queda decir sobre este álbum que es una genuina obra maestra jazz-progresiva del año 2013 y que su compra es ampliamente recomendable? Lo último que diremos en esta reseña es que THE WRONG OBJECT ha vuelto a demostrar que las equivocaciones no forman parte de su vocabulario artístico: cada obra suya es un acierto maravillosos de exhibición jazz-progresiva, y éste es uno de los aciertos más grandes en lo que va de su carrera fonográfica.


Muestra de “After The Exhibition”.-
Yantra: http://moonjunerecords.bandcamp.com/track/yantra 
Wrong But Not False: http://moonjunerecords.bandcamp.com/track/wrong-but-not-false

Frank Nuts [en vivo]: http://vimeo.com/23424692