Tuesday, December 31, 2013

El nuevo encantamiento musical de MIRIODOR


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Reducido al trío de Pascal Globensky [teclados, sintetizadores y piano], Rémi Leclerc [batería, percusión, teclados y tocadiscos] y Bernard Falaise [guitarras, bajo, teclados, banjo y tocadiscos], el grupo franco-canadiense MIRIODOR volvió al ruedo fonográfico en setiembre de 2013 con este excelente disco titulado “Cobra Fakir”, siempre por vía del sello Cuneiform Records. Con un repertorio que consta de 11 piezas en una secuencia que dura poco más de 50 minutos, “Cobra Fakir” revela inequívocamente que este ensamble que ha cultivado su rol de figura puntera del rock-in-opposition desde mediados de los 80s está firmemente decidido a motivar nuevas creaciones sonoras a despecho de las crisis internas que surgen en el camino. En unas actuaciones recientes, MIRIODOR operó como cuarteto con la adición del bajista Nicolas Lessard sobre el escenario, por lo que tenemos motivos razonables para sospechar que habrá una nueva revitalización del formato más habitual en la historia del grupo. Notamos en los créditos del disco que el grupo contó con cierto apoyo de parte del Conseil des Arts es des Lettres du Québec en la elaboración de este material fonográfico, lo cual refleja uno de esos raros casos en que la institucionalidad política se preocupa por incentivar la persistencia de la vanguardia artística de su propia región: ¡ojalá hubiera un montón de casos así en todo el mundo! Bueno, vayamos ahora a los detalles del disco en cuestión, ¿vale?


Durando 3 ¾ minutos, ‘La Roue’ abre el álbum con un colorido suntuoso ampliamente marcado por articulaciones atonales de un motivo central bien definido, el mismo que además resulta sabiamente ornamentado con efectos percusivos y suaves florituras de sintetizador. Luego sigue la pieza homónima, la cual porta una notable cuota de aires jazz-rockeros que tienen algo de WEATHER REPORT y de FRANK ZAPPA. Como dura casi 9 minutos, el grupo cuenta con espacios cómodos para articular y expandir los diversos motivos que emergen en el transcurso, varios de los cuales también reflejan vínculos estilísticos con los paradigmas de NATIONAL HEALTH, HENRY COW y HAPPY THE MAN. Más breve y más juguetón, pero igualmente portador de una vibrante aura de sofisticación, ‘RVB7’ exhibe una dinámica mezcla de MANEIGE y GENTLE GIANT, mientras que ‘Paris-Roubaix’ se mete en zonas de jazz vanguardista aparentemente descoyuntado al modo de una hipérbole surrealista del modelo de TORTOISE. Juntas, estas dos piezas ocupan un espacio de 6 minutos y pico que sirve para que el oyente se complazca en apreciar coloridos meticulosamente elaborados antes de meterse en los recovecos grisáceos que ofrece ‘Titan’, una pieza que muestra vínculos con el paradigma de PRESENT y el del KING CRIMSON 73-75 dentro de un esquema sónico marcado por una densidad voraz y ceremoniosa que coquetea sutilmente con el post-rock. La irrupción de un breve pasaje de cadencias rítmicas inspiradas en el Latin-jazz funge como ingeniosa distracción. Hasta ahora, “Cobra Fakir” resulta un impecable catálogo de rutas de viaje repletos de creatividad excelsa, y justamente cuando el oyente se pregunta qué otra sorpresa tiene entre manos MIRIODOR surge ‘Un Cas Sibérien’, el cual se instala en el terreno del nu-jazz con total soltura: siendo un tema tan llamativo dentro de su dinamismo futurista, es una pena que su duración llegue apenas a los dos minutos y medio, pero bueno, el disco tiene que continuar con lo que queda del repertorio. 

 

La dupla de ‘Speed-dating Sur Mars’ y ‘Tandem’ ocupa un total de 15 ½ minutos, lo cual significa que el grupo está preparado para elaborar viajes musicales más extensos. El primero de estos temas está claramente situado bajo los parámetros de la tradición francófona del rock-in-opposition francófono, pero matizando notoriamente su natural tendencia a lo oscurantista con esa frescura y dinamismo tan propios de la personalidad histórica de MIRIODOR. El segundo, por su parte, refleja un retorno al terreno de ‘Cobra Fakir’, esto es, un híbrido ágil y fluido de rock-in-opposition, jazz-rock, Canterbury y sinfonismo de vieja escuela. Si la tríada de ‘Paris-Roubaix’, ‘Titan’ y ‘Un Cas Sibérien’ nos reveló una serie de recursos para la apertura a nuevas ideas de parte del grupo, esta díada de ‘Speed-dating Sur Mars’ y ‘Tandem’ nos muestra cómo la banda tiene todavía muchos matices que explorar dentro de la tradición ya forjada. ‘Maringouin’ dibuja un paisaje sereno y etéreo, tendiendo puentes nuevamente con el paradigma de TORTOISE. En el caso de ‘Space Cowboy’ tenemos un simpático ejercicio de jazz-rock suave adornado con artificios space-rockeros. El repertorio del disco se cierra con ‘Expérience 7’, un breve viaje cósmico que sigue las huellas del tema precedente pero que esta vez está signado por imponentes retazos electrónicos a lo CLUSTER.


MIRIODOR nunca falla, esto podemos decir como conclusión concisa de nuestra apreciación general de este muy buen disco que es “Cobra Fakir”: es como si MIRIODOR fuese una entidad inagotable que trasciende a las situaciones específicas de la presencia o ausencia de algunos integrantes particulares. Este disco es esencialmente una demostración genuina de la inquietud que tiene la banda por explorar nuevos caminos mientras mantiene el foco de su propia esencia histórica. Bien por ellos y bien por nosotros, los que amamos el género progresivo en todas sus vertientes.


Muestras de “Cobra Fakir”.-
Expérience 7 [vídeo-clip]: http://www.youtube.com/watch?v=kzfiTGNzt28


Sunday, December 29, 2013

Viajemos al purgatorio musical de OCTOBER EQUUS


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

OCTOBER EQUUS vuelve a la carga con un nuevo disco: “Isla Purgatorio”. Se trata de la segunda obra fonográfica de este grupo español para el año 2013, después de “Permafrost”. Para esta ocasión, Ángel Ontalva [guitarra], Amanda Pazos Cosse [bajo] y Vasco Trilla [batería y percusión] reciben el regreso de los vientos al esquema sonoro de la banda de la mano del saxofonista Alfonso Muñoz. Es la primera vez que el grupo registra un disco sin alguien que se haga cargo de los teclados, lo cual sirve como una variación interesante: el resultado más patente es el recurrente dominio (que no es invasivo ni excluyente) del factor jazzero dentro del compromiso que OCTOBER EQUUS siempre ha mantenido con la línea vanguardista del discurso progresivo. Podemos notar ciertos vínculos con los paradigmas de NUCLEUS y SOFT MACHINE, pero sobre todo priman los nexos con el modelo del primer HENRY COW (etapa del “Leg End”) y los espectros más contemporáneos que enarbolan entidades como LED BIB, GUTBUCKET y DOUBT. Si en “Permafrost”, los teclados de Víctor Rodríguez servían para sustentar el lado fastuoso de la clave esencial de OCTOBER EQUUS, ahora que el saxo es la única contraparte a la guitarra de Ontalva, la banda se pone a explorar otros matices donde la agilidad del momento se prioriza sobre la búsqueda de esplendor arquitectónico. Entre otras cosas, es de admirar que esta banda sea capaz de moverse entre registros disímiles con tanta solvencia en plazos tan apurados: apenas terminado de mezclar y editar “Permafrost”, el grupo armó esta nueva alineación para crear y grabar el material de “Isla Purgatorio” entre mayo y octubre del presente. Vayamos ahora a los detalles del disco en cuestión.       


‘Neutoma’ abre el álbum con un despliegue de vigor expresivo que inmediatamente exhibe su dinámica mezcla de jazz-rock y psicodelia progresiva: el breve prólogo tiene un aura siniestramente dadaísta, pero una vez instalada la pauta sónica del cuarteto en bloque, los duendes de la vitalidad y la extroversión imponen su ley. ‘Totems’ sigue a continuación para auscultar esta vitalidad y darle un filo un poco más áspero. La pieza homónima es un viaje que dura menos de un minuto y cuarto cuya función es de lírico puente hacia un tema tan desconcertante como ‘Sin Permiso’, el cual desarrolla su cuerpo central a medio camino entre HENRY COW y la escuela jazz-progresiva gala  que era muy adepta a emplear liberalmente recursos del free jazz (HONEYELK, YOG SOTHOTH, PATAPHONIE). La verdad que ‘Sin Permiso’ porta un notorio colorido a través de su bizarra estructura, y ello ayuda a que se genere un interesante contraste con el siguiente tema, titulado ‘Nocturno’, el cual hila texturas crepusculares bajo un clima de inquietante oscuridad. He aquí un oportuno retrato sónico de lo nocturno como misterio amenazante. A continuación se suceden el talante juguetón de ‘Medusa’ y la vitalidad robusta de ‘Arena Negra’: con estos dos temas, OCTOBER EQUUS redondea eficazmente la exposición del esquema de trabajo en el cual se concentra en esta oportunidad. Pero aún quedan dos excelentes temas para completar el repertorio del disco: ‘Euryale’ y ‘La Ofrenda’. ‘Euryale’ logra plasmar una refrescante exploración en la dinámica más sofisticada del ensamble, mientras que ‘La Ofrenda’ vuelve a dar una nueva vuelta de tuerca a su faceta más extrovertida. Definitivamente, en estos diez minutos y pico que suman ambos temas podemos disfrutar de un cierre consistentemente electrizante.   


No llega siquiera a los 40 minutos de duración “Isla Purgatorio”, pero su margen de tiempo es más que suficiente para exponer y elaborar la fuerza de carácter de OCTOBER EQUUS en esta peculiar permutación. Este grupo nunca falla, o al menos, se ha mantenido infalible hasta el día de hoy, pero más que nada, cabe recalcar que 2013 ha sido su año; este disco es una gallarda despedida de año y un impulso para las nuevas cosas que vendrán de su parte en tiempos venideros. ¡Recomendado!


Muestras de “Isla Purgatorio”.-

Thursday, December 26, 2013

La música fugitiva de DARÍO ÍSCARO


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión nos fijamos en el genial guitarrista y compositor argentino DARÍO ÍSCARO, quien ha retomado parcialmente el proyecto ANTIHÉROE para su disco de 2013 “Ánima Fugitiva”: literalmente, este disco está firmado por ÍSCARO y ANTIHÉROE PROJECT. No busquemos aquí una continuación de la línea de trabajo desarrollada en los discos “Antihéroe” (1998) y “Entretejido Cósmico” (2007), sino más bien una labor de introspección trasladada al lenguaje de la música donde este maestro oriundo de Córdoba crea nuevos caminos para su inquieta creatividad. A lo largo del disco se muestra una instrumentación espartana que a veces incluye percusiones orientales a cargo de Martín Díaz, además de algunas intervenciones esporádicas del trombón (del invitado Pablo Fenoglio), el cello (del invitado Gustavo Lorenzatti) y una guitarra adicional (del invitado Juampy Juárez); no son pocas las ocasiones en las que ÍSCARO se basta con su guitarra para expresar lo que quiere expresar en el momento. El oído atento puede encontrar varias confluencias entre las sonoridades creadas por ÍSCARO y los paradigmas respectivos de ROBERT FRIPP y DAVID TORN, además de sus recurrentes inquietudes por explorar nuevos caminos del jazz-fusión: también podrá disfrutar de unos interesantes enfoques de la música oriental a través de un filtro psicodélico-progresivo. El repertorio de “Ánima Fugitiva” fue registrado y producido en el estudio bonaerense Casafrida entre setiembre y noviembre de 2011, siendo publicado por Viajero Inmóvil en 2013.


La primera sección de la idea homónima abre el álbum en un etéreo caos de texturas y fraseos espartanos antes de que ‘Vimanas I’ entre en acción para desplegar el primero de varios vuelos sonoros donde los ritmos exóticos y los contrapuntos se amalgaman en un fino equilibrio de densidad y frescura. Luego sigue ‘Atonal Duet’: siendo el único tema del álbum que no fue compuesto por ÍSCARO, el autor Juampy Juárez, también guitarrista, entabla justamente un breve dueto atonal con ÍSCARO. Juárez volverá más adelante para el séptimo tema, ‘Luces En El Cerro’, donde la idea de hacer un armado dual de desarrollos atonales es llevado hacia una mayor expansión. Antes de esto último, Íscaro nos lleva a un intimismo contemplativo en ‘Ferwin’, para elaborar luego un nuevo ejercicio de delicado delirio en ‘Ánima Fugitiva II’ y desarrollar un elegante juego psicodélico-oriental en ‘Purusha’. ‘Avatares Porteños’ contiene una de las composiciones más entrañablemente evocativas del álbum: ÍSCARO saca buen provecho de su solitaria guitarra para llevarnos por los senderos de la faceta serena de la melancolía. ‘Años De Apatía’, a contrapelo de su título, no tiene nada de apático y sí mucho de vigoroso: la sensual energía que destila la pieza en base a su estructura rítmica se complementa ágilmente con el colorido plasmado por el bloque sonoro, siendo así que el trombón ocupa un rol destacado en este entramado. Esta ilación de ‘Avatares Porteños’ y ‘Años De Apatía’ es muy efectiva a la hora de representar las variaciones de ambientes que caracterizan al disco en general.


La tercera sección de la idea de ‘Ánima Fugitiva’ (otra vez aleatoria y deconstructiva) es sucedida por el candor de ‘Vimanas II’, y de allí pasamos a un ejercicio de minimalismo cósmico con ‘Revelación’. Esto último resulta motivador como resorte del alma para proyectarse hacia los cielos más recónditos, antes de que la aureola reflexiva y un tanto misteriosa de ‘Meconaissance’ nos lleve hacia un nuevo contacto con la tierra para observarla con una nueva mirada. La cuarta sección de ‘Ánima Fugitiva’ es un puente al despliegue de atmósferas grisáceas que se realiza en ‘Sonámbula’, una pieza cuya sección inicial tiene muchas afinidades con el legado del chamber-rock en lo que concierne al diálogo entre guitarra y trombón, aunque cuando la percusión entra a tallar, el aspecto de fusión vanguardista vuelve a ser dominante. ‘Aparición’ crea un híbrido entre el minimalismo cósmico de ‘Revelación’ y los sesudos recovecos atonales de ‘Luces En El Cerro’. La sección quinta de ‘Ánima Fugitiva’, con sus casi 4 ½ minutos de duración, es la más larga, y también es la pieza a cargo de cerrar el álbum. Su dinámica consiste en expandir los trazos etéreos de las cuatro secciones anteriores, aprovechando el mayor espectro temporal de que dispone para darle vueltas más contundentes al clima inquietantemente onírico que ha venido marcando esta idea específica.


“Ánima Fugitiva” es una tremenda cita musical que DARÍO ÍSCARO nos plantea con su visión artística forjada con los años y con nuevos horizontes para su proyección creativa. ¡A no perderse esta cita con ÍSCARO y ANTIHÉROE PROJECT!


Muestras de “Ánima Fugitiva”.-

Tuesday, December 24, 2013

Feliz Navidad y un Próspero Año 2014 para todos/as



Una entrañable Nochebuena, una feliz Navidad y un muy Próspero Año Nuevo para todos/as los/as amigos/as de AUTOPOIETICAN


I BELIEVE IN FATHER CHRISTMAS

They said there'll be snow at Christmas
They said there'll be peace on Earth
But instead it just kept on raining
A veil of tears for the Virgin Birth
I remember one Christmas morning
A winter's light and a distant choir
And the peal of a bell and that Christmas Tree smell
And their eyes full of tinsel and fire

They sold me a dream of Christmas
They sold me a Silent Night
And they told me a fairy story
'Till I believed in the Israelite
And I believed in Father Christmas
And I looked at the sky with excited eyes
'Till I woke with a yawn in the first light of dawn
And I saw him and through his disguise

I wish you a hopeful Christmas
I wish you a brave New Year
All anguish, pain and sadness
Leave your heart and let your road be clear
They said there'll be snow at Christmas
They said there'll be peace on Earth
Hallelujah! Noel! Be it Heaven or Hell
The Christmas you get you deserve


YO CREO EN PAPÁ NOEL

Dijeron que habrá nieve en Navidad
Dijeron que habrá paz sobre la Tierra
Pero en cambio solo siguió lloviendo
Un velo de lágrimas por el Nacimiento Inmaculado
Yo recuerdo una mañana de Navidad
Una luz de invierno y un coro distante
Y el repique de una campana y el olor de aquel árbol de Navidad
Y sus ojos llenos de espumillones y fuego

Me vendieron un sueño de Navidad
Me vendieron una Noche Silenciosa
Y me contaron una historia de hadas
Hasta que creí en el Israelita
Y yo creí en Papá Noel
Y miré al cielo con ojos emocionados
Hasta que desperté bostezando ante la primera luz del amanecer
Y lo miré y vi a través de su disfraz

Te deseo una Navidad llena de esperanza
Te deseo un valeroso Año Nuevo
Que toda la angustia, el dolor y la tristeza
Abandonen tu corazón y tu camino se aclare
Dijeron que habrá nieve en Navidad
Dijeron que habrá paz sobre la Tierra
!Aleluya! !Noel! Ya sea un Paraíso o un Infierno
La Navidad que se recibe es la que se merece



Monday, December 23, 2013

MANUEL MIRANDA hace florecer nuevos horizontes en la fusión contemporánea peruana


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

MANUEL MIRANDA, quien ostenta desde hace muchos años el sobrenombre de “El Señor de los Vientos” en el circuito de la fusión contemporánea peruana, vuelve a imponer su señorío musical con su nueva placa “Horizontes”. Después de haberse abocado a la exploración renovadora de diversas tradiciones musicales locales en “Brujos Voladores” (su disco anterior del año 2008), ahora MIRANDA busca expandir su discurso musical asumiendo explícitamente un lenguaje cosmopolita, para así dar una nueva vuelta de tuerca a sus propias inquietudes fusionescas, las cuales nunca escondió desde los tiempos de su primer álbum “Asociación Libre” (de 1998). En el caso específico de “Horizontes” es que MIRANDA, con el diestro apoyo de diversos colaboradores repartidos en varios temas del nuevo disco, ahora le da un enfoque más concreto a su propio eclecticismo, haciendo que la secuencia de estas nuevas composiciones refleje una bitácora donde se hace nuevas anotaciones con cada nuevo horizonte que va emergiendo, cautivador y luminiscente, en el trayecto. 


El florecimiento de este catálogo de horizontes sonoros empieza justamente con la pieza que da título al disco: su elaboración de melodías y ambientes de inspiración andina se beneficia de la adición de sobrias dosis de coloridos mágicos del Lejano y el Medio Oriente. Esta estrategia se magnifica con estupendo vigor creativo en las dos siguientes piezas, ‘Cholo Chino’ y ‘La Ruta De La Seda’: ‘Cholo Chino’, tras un prólogo ceremonioso, pronto muestra su esencia vitalista y celebratoria del encuentro entre lo chino y lo andino, incorporando cadencias tropicales en su ágil esquema rítmico; por su parte, ‘La Ruta De La Seda’ persiste en ello pero esta vez focalizándose en atmósferas envolventes donde la estructura rítmica provista por las percusiones exóticas en 5/4 y las orquestaciones progresivas de teclado arman el encuadre perfecto para que la flauta dibuje el motivo central. Nuestros dos siguientes viajes musicales nos llevan a Brasil y Argentina, respectivamente, trabajando atmósferas evocativas diferentes que coinciden en portar una aureola etérea al plasmarse en sonido organizado. En el primer caso nos topamos con ‘Barroco Samba’, una reconstrucción estilizadamente traviesa del ‘Preludio No. 2’ de Johann Sebastian Bach en clave de samba. En el segundo caso nos topamos con ‘Tango En 6’, una reconstrucción de estándares armónicos del tango encapsulada en un esquema de World-Music electrónico. Virando hacia un bloque sonoro más extrovertido, ‘Do Si Sib’ nos muestra a un MIRANDA rindiendo un vigoro e ingenioso tributo simultáneo a WEATHER REPORT, HERBIE HANCOCK y YELLOW JACKETS. Para esta ocasión le acompañan el bajista Luciano Dizenchaus, el teclista Gustavo Rivero, el baterista Christian Colaizo y el percusionista Facundo Guevara: el ensamble funciona a las mil maravillas, congeniando hermosamente en un groove irresistiblemente llamativo.


Contando todavía con los aportes de los colaboradores antes mencionados – con la excepción del bajo, que ahora está a cargo de Marcelo Torres – MIRANDA elabora la primera de varias miradas serenas al interior del espíritu con ‘Playa Distante’: este tema es un bolero jazz-tropical que apuesta por un relajante romanticismo. Más adelante tenemos a ‘La Soledad’ y ‘El Viaje’. ‘La Soledad’ es como un paisaje onírico donde la neurosis se hunde en una misteriosa calma, la cual se explaya sostenidamente antes de que en los últimos segundos irrumpa una frenética coda en clave de electrónica industrial. ‘El Viaje’ es una cálida excursión por los parajes del flamenco fusión (mención especial para el guitarrista Ernesto Hermoza) con añadidos matices del folklore afro-peruano. Habiendo transitado del romanticismo a la tensión contenida y de allí a la espiritualidad ensoñadora, es hora de volver con todo al sendero de la extroversión, es hora de ‘Latinoamericana’, una pieza que ya tiene varios años de estancia en el repertorio de MIRANDA y que por fin se plasma en un disco. Se trata de una versión en vivo que data de la época en que el teclista Henry Ueunten y el guitarrista Víctor Hugo Glenny formaban parte del ensamble de apoyo: la pieza sustenta una hermosa exaltación de los ritmos del folklore sudamericano, fusionando cadencias de la cueca y el guaraní con alegre soltura…. Y como siempre, la flauta de MIRANDA se luce con suntuoso fulgor a través del bloque sonoro grupal. Es como volver a los tiempos del segundo disco “Tinku” por un espacio de casi 8 minutos. ‘Cahuachi’ sigue a continuación para remontarnos hacia ambientes ritualistas envueltos bajo una estilizada densidad: el nombre del tema corresponde a un centro ceremonial de la cultura Nazca. El último horizonte sonoro del disco es ‘Caminos’, un collage de atmósferas orientales y sudamericanas que finalmente desemboca en una marejada electrónica a lo acid jazz con matices psicodélicos.    

 

Tal como indica el propio MANUEL MIRANDA en la última cara del empaque de este disco, “los instrumentos han viajado con el hombre desde siempre”: no podemos encontrar palabras más adecuadas para una síntesis conclusiva sobre nuestra apreciación general de “Horizontes”, un disco recomendable para quienes valoran el arte de la música como viaje por los múltiples rincones del espíritu humano.


Muestras de “Horizontes”.-

Latinoamericana [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=LskkWN3gvjk

Saturday, December 21, 2013

Los hechos y relatos metal-progresivos de FUGHU


 

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy volcamos nuestros oídos a FUGHU, quinteto argentino metal-progresivo conformado por Santiago Burgi [voz y algo de guitarra acústica], Ariel Bellizio [guitarras y coros], Marcelo Malmierca [teclados y algo de guitarra], Juan Manuel López [bajo, coros y algo de guitarra] y Alejandro López [batería y percusión]. Este grupo bonaerense se formó a fines del milenio anterior, pero recién en 2009 pudo registrar su disco debut “Absence”, el cual fue bien recibido en el underground de su país. No cabe duda que su designación como grupo abridor para DREAM THEATER en 2008 supuso un espaldarazo importante para la banda. Pero tal vez el mejor espaldarazo de FUGHU esté plasmado en la concreción de su segunda obra, titulada “Human”. El desarrollo musical de “Human” se divide en dos discos, “The Facts” y “The Tales”. El primero de estos ítems mencionados dura poco menos de 40 minutos, mientras que el segundo va un poco más allá de los tres cuartos de hora: si el primero da prioridad a climas densos y agresivos, el segundo tiene un colorido más desarrollado, lo cual implica que el disfrute y comprensión de cualquiera de estos dos capítulos solo puede completarse con el otro. “The Facts” es un disco conceptual propiamente dicho, mientras que “The Tales” es una suma de canciones desde donde se ofrecen diferentes visiones sobre la condición humana. Vayamos a los detalles de estos dos discos, ¿vale?


‘Void’ abre el volumen de “The Facts”: se trata de una pieza ceremoniosa muy llamativa, casi íntegramente instrumental pero con un monólogo inicial que muestra un patetismo introspectivo. Con ‘Quirk Of Fate’, el grupo empieza a poner toda la carne en el asador en lo que se refiere a la armazón y expansión de esquemas musicales: los aires de familia con VANDEN PLAS y el DREAM THEATER 92-95 son fáciles de detectar. Además, la presencia del vocalista Damian Wilson como invitado es un verdadero lujo, bien aprovechado en tanto que la ambientación dramática de la pieza se ajusta muy bien al canto de Wilson. Basado en un evocativo motivo de piano, ‘The Play’ está más cercano a los patrones de las baladas neo-progresivas de PENDRAGON, mientras que ‘Climb’ establece una ágil confluencia entre los estándares de RIVERSIDE y el ARENA post-“The Visitor”. ‘Vater’ incorpora fuertes dosis de elemento de psicodelia prog-electrónica y ambient dentro de una composición marcada por un convincente vigor rockero. Tanto en ‘Climb’ como en ‘Vater’, el grupo cuenta con la participación invitada de otro cantante: Darío Schmunck, especialista en bel canto. ‘Winter’, a modo de contrapunto, despliega una fastuosa combinación de prog-metal, neo-prog y estándares Floydianos de la época “Wish You Were Here”, generando así un cénit decisivo dentro de este volumen. ‘Till The Day I Die’ se basa en un breve monólogo atormentado, sirviendo principalmente como preludio a la canción homónima, la misma que ocupa los últimos 7 ½ minutos del álbum. En efecto, ‘The Facts’ cierra este volumen con una dimensionalidad teatralizada en el canto y una pulida robustez arquitectónica que nos puede hacer recordar tanto a la esencia histórica de FATES WARNING como a la faceta más filuda del mejor DREAM THEATER.


El volumen de “The Tales” con una pieza tan frontalmente poderosa como ‘The Human Way’, la cual muestra una ambientación sólidamente equilibrada entre lo fastuoso y lo oscuro: con algunos leves coqueteos con el paradigma del rock industrial, FUGHU se mueve con plena soltura dentro del estándar prog-metalero, reiterando los paralelos duales con DREAM THEATER y VANDEN PLAS que mencionamos en relación con ciertas piezas del capítulo de “The Facts”. A continuación, la cadena de ‘Inertia’ y ‘Dry Fountain’ se sigue explayando en recursos de dramatismo a la par que atenúa el vigor rockero a fin de explorar atmósferas más intimistas: esto se traduce en el desarrollo de atmósferas sobrias en ciertos momentos calculados de ‘Inertia’ y el enfoque de cálida balada rockera psicodélica que se le da a ‘Dry Fountain’. ‘Twisted Mind’ nos muestra un despliegue de vitalidad prog-metal-electrónica al estilo del PORCUPINE TREE de los últimos discos, lo cual sirve muy bien para avivar el fuego de la pasión explícita tras el ejercicio de retraimiento precedente. Esta pieza tiene bastante gancho, por lo que se siente muy corta cuando termina, esta misma sensación de que algo muy impactante nos deja con algo de miel en los labios al final se reitera con ‘Goodbye’, una canción que condensa fluidamente los espíritus de las tres canciones precedentes. Cargando sobre sus espaldas la misión de suceder al clímax doble de ‘Twisted Mind’ y ‘Goodbye’, ‘Evil Eyes’ se orienta explícitamente hacia un predominio de expresividad crudamente dramática bajo el patrón del prog-metal, una vez que pasó por un engañosamente lánguido prólogo. ‘Mayhem’ concluye este volumen perpetrando un clímax decisivo para el doble concepto: la polenta rockera y la estilización sónica se conjugan enormemente dentro del encuadre instrumental mientras el vocalista se luce de manera rotunda. El hecho de que el núcleo temático opere sobre un medio tiempo permite que las ideas melódicas en curso dispongan de un campo expresivo oportuno para reflejar un dramatismo contundente. Caben menciones especiales para el guitarrista invitado Jeff Kollman (colaborador habitual de ASIA FEATURING JOHN PAYNE, entre otras cosas) así como para GEA, quien toca el didgeridoo: estos aportes añaden aún más vitalidad al bloque sonoro de la canción.  

 

Definitivamente, la gente de FUGHU se ha anotado una canasta de tres puntos con esta obra doble: “Human” es una consistente demostración del ingenio y la vitalidad que ofrece el área más fuerte de la escena progresiva argentina contemporánea, por lo que se hace digna de elogios y solamente elogios.


Muestras de “Human”.-
Inertia [video-clip]: http://www.youtube.com/watch?v=xeqUj--PwZk

Wednesday, December 18, 2013

LEVIN MINNEMANN RUDESS: una fórmula ganadora para la grandeza musical


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Fantástico súper-grupo este trío que congrega a TONY LEVIN, MARCO MINNEMANN y JORDAN RUDESS: vamos… que con solo mencionar sus nombres ya hay razones sobradas para sentir estremecimientos de admiración, y si encima se juntan para hacer un disco, pues tenemos una fórmula ganadora. Bien es verdad que no hay nada infalible en esta vida y que incluso los mejores planes pueden derivar en fracasos, pero éste no es el caso en lo absoluto. Lo que este trípode de LEVIN MINNEMANN RUDESS nos ha traído con “LMR” es una joya signada por una musicalidad rotunda y una vitalidad contundente: con el primero asumiendo roles en bajos, stick y cello, el segundo centrado en su batería y aportando algo de guitarra ocasionalmente, y el tercero luciéndose en los teclados, el Continuum y el Seaboard, tenemos la garantía de que la musicalidad va a ser suntuosa y exigida para esta particular misión progresiva.


‘Marcopolis’ abre el disco con casi cinco minutos de gloria expresionista que se basa en una confluencia de los legados de EMERSON, LAKE & PALMER y RETURN TO FOREVER, ostentando a su vez un toque contemporáneo. Si esta muestra de colorida extroversión resulta idónea para iniciar la experiencia de este disco, ‘Twitch’ se hace eco de la misma para guiarla por la senda del jazz-rock psicodélico con una actitud un poco más ligera, pero igualmente signada por esa sofisticación típica del género progresivo… especialmente en algunos breves pasajes donde se desarrollan variantes inesperadas. ‘Frumius Banderfunk’ parece un planeta sónico que orbita entre LIQUID TENSION EXPERIMENT y PLANET X, mientras que ‘The Blizzard’ nos lleva hacia un sendero de lirismo introvertido, en no poca medida inspirado en estándares de HAPPY THE MAN, DIXIE DREGS y la obra solista del propio RUDESS. Durando 7’50”, ‘Mew’ resulta la segunda pieza más extensa del álbum: heredando directamente el lirismo del tema precedente, lo remodela con un aura expresiva que redunda en afinidades con otros ítems del jazz-rock-progresivo contemporáneo (como CAB, NIACIN…). La coherencia de su desarrollo melódico y el despliegue de estilización que cada uno de estos maestros hace en sus propias labores la convierten en un imponente cénit del disco. La dupla de ‘Afa Vulu’ y ‘Descent’ regresa a la florida y alegre extroversión que antes marcaron las pautas temáticas de ‘Marcopolis’ y ‘Twitch’.

Para cuando llegamos a ‘Scrod’ ya tenemos una idea de los cimientos esenciales de este ensamble: este tema en particular funciona como paradigma de la mayor parte del álbum tomado como un todo. ‘Orbiter’ retorna a la faceta introvertida del trío, elaborando una idea musical que porta un aura space-rockera muy atractiva... ¡Ojalá hubiera sido un poco más larga! Pero bueno, el disco continúa y lo hace con ‘Enter The Core’, una pieza marcada por una espiritualidad relajante y cuyo mayor impacto está en la forja y consistencia del swing de la dupla rítmica en aras de sostener la hiperbólica presencia de RUDESS. Acto seguido, ‘Ignorant Elephant’ preserva esta estrategia para darle una mayor polenta rockera al asunto, lo cual implica, hasta cierto punto, una retoma de lo que habíamos escuchado antes en ‘Frumius Banderfunk’. ‘Lakeshore Lights’ pone más énfasis en el factor jazzero, ostentando una lealtad doble al modelo contemporáneo de unos TRIBAL TECH y a los viejos paradigmas de CHICK COREA y JAN HAMMER: el motivo central es ciertamente muy bello, además que los desarrollos y variantes ulteriores son manejados con suma fineza. ‘Dancing Feet’ es un jam contenido que sirve para ostentar síncopas y elaborar atmósferas etéreas, pero más que nada, sirve como anticipación de ‘Service Engine’, el tema que ocupa los últimos 8 ½ minutos del disco. ‘Service Engine’ es un viaje progresivo de gran altura, mayormente dominado por un manejo contenido del vigor esencial del trío, llevando finalmente a un clímax conclusivo robustamente épico.


Es grandeza musical y solo eso lo que razonablemente se espera de una congregación como ésta: nos complace atestiguar que los 64 minutos y pico que dura “LMR” están abrumadoramente inundados de tal grandeza, con lo cual se confirma que este triángulo musical se diseñó con una fórmula ganadora. LEVIN MINNEMANN RUDESS ha hecho un trabajo muy bordado que queda como uno de los máximos referentes fonográficos progresivos de 2013.  


Muestra de “LMR”.-

Sunday, December 15, 2013

Atravesando paredes con ZEVIOUS y su poderosa propuesta progresiva


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da el momento de prestar atención a ZEVIOUS y su nuevo disco “Passing Through The Wall”. Este power-trío estadounidense afincado en Nueva York ostenta una línea de trabajo progresiva que porta bastantes afinidades con ATTENTION DEFICIT, XAAL, BOZZIO LEVIN STEVENS y KING CRIMSON. La idea de formar un grupo surgió en 1999 cuando el guitarrista Mike Eber y el bajista Johnny DeBlase se conocieron en Pennsylvania, cuando aún estaban en secundaria. Con el paso de los años, ya afincados en Nueva York y después de que se les uniera el primo de Mike, un baterista llamado Jeff, se gestó formalmente este trío con la misión de crear una música vigorosa y experimental donde se cruzaran los discursos del rock y el jazz dentro de un entramado sonoro netamente progresivo expansivamente basado en estándares del math-rock, el jazz-metal y el paradigma Crimsoniano. Tras un disco debut de 2008 donde el trío enfatizó la instrumentación acústica y otro más explícitamente electrizante que se publicó un año después bajo el título de “After The Air Raid”, se puede decir que ZEVIOUS ya había mostrado completamente su carta de presentación. Ahora tenemos en “Passing Through The Wall” un testimonio de madurez y robustez de su visión musical: repasemos a continuación el repertorio del presente disco al detalle.


‘Attend To Your Configuration’ abre el disco con una arquitectura de cadencias elaborada con vigor exquisito: en solo 2 ¾ minutos el trío da una clase magistral de cómo manejar síncopas y polirritmos para completar un fastuosamente denso paisaje musical. A continuación sigue ‘Was Solis’ para ofrecer un poco más de lo mismo y añadir elementos Crimsonianos y math-rockeros. Por su parte, ‘Pantocyclus’ se enfila más focalizadamente en el estándar del math-rock con un filtro psicodélico decisivamente pesado. Hasta aquí tenemos una secuencia de 13 minutos caracterizada por un dinamismo sofisticado donde la pletórica extroversión y la aguerrida tensión se funden en una compacta fuente de sonido que por sí sola llena espacios con inmensa soltura. ‘White Minus Red’ básicamente consiste en un entusiasta retorno a la zona de tensión polirrítmica de ‘Attend To Your Configuration’ pero con una mayor espacio de expansión (es la segunda pieza más  extensa del álbum con sus casi 7 minutos de duración), lo cual significa que el trío dispone ahora de explotar atmósferas neuróticas de manera más enfática. Jeff Eber es un baterista que nunca deja de lucirse, pero es de justicia hacer una especial mención al desempeño tan brutal y preciso que realiza en ‘White Minus Red’ – ¡realmente alucinante! ‘Crime Of Separate Action’ es otro tema de relativamente largo aliento, siendo así que la banda articula una fabulosa ilación de riffs y cadencias varias.

‘Entanglement’ despliega una curiosa mezcla de psicodelia cuasi-punk y math-rock a lo HELLA: el vigor dadaístamente juguetón de la pieza supone un clímax de frenesí rockero dentro del repertorio global del álbum. ‘A Tiller In The Tempest’ regresa a terrenos antes explorados en ‘Was Solis’ pero con aura de gracilidad un poco más pronunciada, mientras que la pieza homónima da prioridad al groove jazz-rockero para enfocar un motivo que se basa en una simpleza efectista. Nunca deja de sorprendernos cómo estos tres músicos pueden amalgamar sus mentes individuales en una inteligencia musical tan intrincada. ‘This Could Be The End Of The Line’ tiene varios aires de familia con ‘Attend To Your Configuration’, lo cual es muy pertinente para anticipar el inminente cierre del álbum. En efecto, los últimos 8 minutos de “Passing Through The Wall” están ocupados por ‘Playing The Cold Trade’, tema que se inserta en parajes de cariz post-rockero sobre una estructura rítmica en clave avant-jazzera: es como si el grupo se dedicara a contemplar el ocaso del pronto viejo día después de haberse dedicado a varios tipos de sofisticada juerga progresiva mientras el sol brillaba en el cielo. Es una ingeniosa idea ésta de ofrecer un abierto contraste frente a piezas como ‘White Minus Red’, ‘Entanglement’, ‘Was Solis’ y ‘This Could Be The End Of The Line’, las cuales se habían mostrado como expresiones centrales del modus operandi de la banda.


Valorando a “Passing Through The Wall” como un todo, se trata de una obra que reafirma el posicionamiento de ZEVIOUS como una expresión de orden mayor dentro de la vanguardia rockera estadounidense. Este trío realmente se las trae, considerando que con cada nueva entrega reaparece con un vigor aumentado y un descaro creativo impactante. ¡Hay que prestar atención a ZEVIOUS muy en serio!


Muestras de “Passing Through The Wall”.-

Thursday, December 12, 2013

EXIVIOUS nos trae su poderosa liminalidad jazz-metal-progresiva desde Holanda


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Hoy es el día de traer a colación al cuarteto holandés EXIVIOUS y su segunda placa “Liminal”, publicado en noviembre pasado por el sello Season Of Mist. Este grupo fue formado por el guitarrista Tymon Kruidenier y el bajista Robin Zielhorst (quienes otrora fueran integrante de CYNIC) en 1997, pero su actividad fue muy inconsistente e inestable por varios años. Recién en la segunda mitad del primer decenio del nuevo milenio pudo la banda contar con una alineación estable y una logística que le permitiera trabajar a gusto dentro de su trinchera jazz-prog-metalera, y así pudo editar su homónimo disco debut en 2009, sucedido cuatro años después por el mencionado “Liminal”. La alineación se completa con otro guitarrista llamado Michel Nienhuis, además del baterista Yuma van Eekelen. El pedigrí de estos músicos está ampliamente enraizado en el black metal, el thrash metal y el metal experimental: DODECAHEDRON, PESTILENCE, THE NEW DOMINION y los ya mencionados CYNIC integran los diversos currículums de estos cuatro maestros que han confluido en EXIVIOUS como cohabitantes de un hogar común.  


Yendo ahora a los detalles del disco en sí, nos topamos en primer lugar con ‘Entrust’, pieza repleta de cadencias que se mueven a medio camino entre la psicodelia pesada y el jazz-rock sobre el manejo refinado de un swing elegante. Una estupenda manera de ocupar los primeros 6 ½ minutos del álbum, una efectiva manera de llamar la atención del oyente, quien en la secuencia de los dos siguientes temas encuentra más motivos de peso para seguir hasta el final del disco. En efecto, ‘One’s Glow’ desarrolla un excitante viaje jazz-progresivo que sabe electrizar nuestros sentidos sin hacer un uso exagerado del vigor rockero, mientras que ‘Alphaform’ se focaliza en climas sosegados para así desplegar un ejercicio de prog-metal intimista, no ajeno a ciertos estándares propios de STEVE VAI. Cabe hacer una mención especial al baterista Van Eekelen en cuanto a su fantástico lucimiento en el primero de estos dos temas mencionados, y vaya si no vuelve a lucirse en el cuarto tema ‘Deeply Woven’, cuya sana dosis de complejidad y su fluido juego de contrastes en su desarrollo temático articulan prácticamente un manual científico de jazz-metal. La presencia del saxo soprano – cortesía del invitado Jonas Knutsson, toda una autoridad de la escena jazzera holandesa – en la última sección de este impresionante viaje musical ayuda a añadir un colorido especial al asunto, un colorido juguetón y tenso a la vez.

 

‘Triguna’ y ‘Open’ abren puertas a nuevas y refrescantes ideas en torno a la faceta extrovertida de la banda, reforzando su dinamismo poderoso donde los lenguajes del jazz-rock y el prog-metal se conjugan en una energía expresiva única. Engarzada en medio de ambas, ‘Movement’ ostenta un aura de reflexiva lucidez que se explaya plácidamente a través de un esquema musical calmo y sutil. En fin, el disco concluye con ‘Immanent’, tema que reconstruye las dinámicas y cadencias imperantes en ‘One’s Glow’ y ‘Deeply Woven’: el fade-out tiene un cierto elemento etéreo que se mete muy fluidamente dentro de la fuerza que naturalmente se irradia a partir de los guitarreos duales.

 

Así pues, como balance final, tenemos en “Liminal” un muy poderoso muestrario de vitalismo y creatividad que ayuda a perpetuar el viejo sueño del rock artístico dentro de la actual escena jazz-metal-progresiva: EXIVIOUS es una banda muy a tener en cuenta y vale la pena aprovechar el momento de este nuevo disco para explorar en toda la obra que ha venido haciendo hasta ahora. 


Muestras de “Liminal”.-
Alphaform: https://soundcloud.com/exivious/alphaform

Monday, December 09, 2013

La nueva danza celestial de DEWA BUDJANA: “Joged Kahyangan”


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Aún no se borran de nuestra mente las primeras experiencias de escuchar “Dawai In Paradise”, el disco que DEWA BUDJANA nos brindó a inicios del presente año 2013, y resulta que este virtuoso y creativo guitarrista jazz-progresivo indonesio nos trae un nuevo trabajo de estudio: “Joged Kahyangan” (Danzas del Paraíso en español). Grabado en julio de 2012 en la localidad estadounidense de Pasadena, BUDJANA contó en esta ocasión con el apoyo recurrente de magistrales individuos como el teclista Larry Goldings, el saxofonista-clarinetista Bob Mintzer, el bajista Jimmy Johnson y el baterista Peter Erskine; o sea, un pléyade de veteranos y talentosos músicos de sesión que están habituados a enfrentar nuevos retos cada día en esta tarea de plantear nuevas cosas en los discursos contemporáneos del jazz-rock y el jazz experimental. Goldings de por sí cuenta con una nutrida discografía solista, Mintzer tiene prestigio principalmente como integrante de YELLOWJACKETS, Erskine ha gozado de membrecías en WEATHER REPORT y STEPS AHEAD, además de colaborar con JACO PASTORIUS, AL DI MEOLE, etc., etc. Toda esta gama de personalidades y pericias se apresta para crear gallardas sonoridades jazz-progresivas fusionescas con dosis infinitas de fineza y estilización. Repasemos de forma detallada el repertorio de “Joged Kahyangan”.


‘Cloud Of Foggy’ abre el álbum con poco menos de 7 minutos de plena serenidad juguetona: alternando pautas rítmicas de 7/8 y 4/4, la contenida vitalidad desplegada por el ensamble permite que la envolvente belleza del motivo central se revele por sí misma a lo largo de su desarrollo temático. Luego sigue la pieza homónima, que se caracteriza por generar un aura introspectiva, casi romántica, donde guitarra acústica, piano y saxo se amalgaman hermosamente en la elaboración de la melodía central. Un momento destacado es cuando se produce el solo de clarinete, pues la elegante delicadeza con que ésta hace acto de presencia ayuda a darle un aire nuevo a la melodía central. Las alusiones al WEATHER REPORT de fines de los 70s son inevitables en este caso. Con la secuencia de ‘Dang Hyang Story’ y ‘As You Leave My Nest’, BUDJANA y sus compinches siguen explorando nuevas áreas de sonoridad sofisticada: el primero de estos temas traza puentes entre la estilización melódica propia del discurso progresivo y la magia exótica del jazz-fusión dentro de un dinamismo arquitectónico efectivo, mientras que el segundo se explaya en una balada relajada inspirada en una sensación de alegre ternura. Janis Siegel es invitada especial al canto en ‘As You Leave My Nest’ haciendo gala de su rango alto con absoluta clase.


La segunda mitad del álbum se inaugura con ‘Majik Blue’, tema que abre y cierra con un solemne motivo en 5/4 mientras su interludio se mete en terrenos del jazz-rock con tenor agresivo. ‘Erskoman’ nos lleva de regreso a la vitalidad serena que había caracterizado plenamente a ‘Cloud Of Foggy’ pero con un realce más explícito de la delicadeza para que la intensidad inherente al motivo central que el grupo elabora mantenga la sueva tersura del terciopelo: la guitarra sintetizada de BUDJANA dibuja uno de los mejores solos de todo el álbum. ‘Guru Mandala’ hace una estilizada remodelación de aires y ritmos folclóricos con una estructura preciosista semi-lenta: en algunos momentos donde se nota que el grupo se proyecta hacia la extroversión se hace un leve coqueteo con el discurso del jazz-funk. Durando 6 minutos y pico, ‘Borra’s Ballad’ da una nueva vuelta de tuerca a la dimensión introspectiva de este álbum: la guitarra acústica es la herramienta protagonista de este hermoso entramado sonoro, aunque también cabe destacar el precioso solo de órgano que realiza Goldings.


Todo esto fue “Joged Kahyangan”, un hermoso disco del género jazz-progresivo pletórico de estilizados coloridos melódicos: su esquema general tiene un aura más recurrentemente cosmopolita que su inmediato antecesor “Dawai In Paradise”, el cual ponía un énfasis más claro en el aspecto etno-fusionesco de los horizontes musicales de DEWA BUDJANA, lo cual hace que ambos discos tengan que ser apreciados como sendas partes de un conjunto de creatividad para tener en claro, desde nuestra posición de oyentes, lo que tiene que ofrecer al mundo este virtuoso guitarrista indonesio. En el caso específico de “Joged Kahyangan”, concluimos con una evaluación muy positiva.


Muestras de “Joged Kahyangan”.-



[Dedico con aprecio y camaradería esta reseña a mi hermano progresivo Gustavo Bolasini, del programa radial argentino El Retorno del Gigante, quien influyó en mi manera de apreciar el presente disco.]

Saturday, December 07, 2013

La réplica avant-progresiva de UNIT WAIL


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos topamos con el ensamble francés UNIT WAIL. Fundado y dirigido por el teclista Vincent Sicon Vantalon, este quinteto instrumental desarrolla un estilo avant-progresivo muy dinámico que hace que el aura oscurantista del rock in opposition y el frenesí tenso del Zeuhl converjan en una fuente sónica de expresividad rotunda. El grupo se completa con el guitarrista Frank W. Fromy (de por sí legendario dentro de la tradición avant-progresiva francesa por su membrecía en SHUB-NIGGURATH), el baterista Philippe Haxaire, el bajista Adrian Luna (de origen peruano, cabe añadir) y otro teclista llamado Emmanuel Pothier. El disco que el grupo edita ahora a fines de 2013 es “Retort”, el segundo dentro de su currículum vitae que sucede a “Pangaea Proxima”, del año pasado. ONE SHOT, GUAPO, HAPPY FAMILY y CARTEL CARNAGE son nombres que vienen pronto a nuestra mente a la hora de buscar referentes descriptivos para la propuesta estética que nos brinda UNIT WAIL: oscura, densamente extrovertida, atravesada por una equilibrada tensión y alimentada por sonoridades agresivas sujetas a una arquitectura sobriamente meticulosa. Todas estas referencias, a su vez, nos llevan más atrás hacia el paradigma de PRESENT: si el dúo de teclados logra imponer un lugar protagónico en cada una de las diez travesías musicales contenidas en este disco, sin duda que los guitarreos del maestro Fromy saben hacerse notar con sus perpetuamente amenazantes fumarolas inspiradas en el estilo de Roger Trigaux. Y cómo obviar el ensamblaje rítmico de Luna y Haxaire: la refinada crudeza del bajo del primero y los persistentes recursos de complejidad provistos por la batería del segundo construyen la columna vertebral idónea para el bloque grupal.


Yendo ahora a los detalles del repertorio de “Retort”, notamos que la dupla de ‘Kakodeamon’ y ‘Peregrinatio’ pone las cartas sobre la mesa con honestidad y poder de convencimiento: ambas piezas se caracterizan por expresar un vigor electrizante y estilizado, llamativo a través de su tendencia a dar prioridad a lo denso y lo oscuro en sus desarrollos temáticos y atmósferas. En cuanto a diferencias de detalle, ‘Kakodeamon’ da más espacio a la elaboración de pasajes etéreos, mientras que ‘Peregrinatio’ ostenta una mayor robustez en los momentos más agresivos. Con ‘Tertium Comparationis’, la banda explora en cómo hacer que el ahondamiento en grooves jazzeros en la dinámica rítmica y el realce de efectos cósmicos de sintetizador motiven matices renovadores en el constante oscurantismo al cual se apega tan convincentemente; de hecho, el resultado es óptimo, un cénit individual del álbum. ‘Concupiscentia Effrenata’ sigue a continuación con una estrategia basada en climas Crimsonianos articulados en una sonoridad jazz-psicodélica, mientras que la dupla de ‘Pumapunku’ y ‘Numinosity’, por su parte, establecen sendos ejercicios de enfatización en explotaciones de jams a modo de variantes ingeniosas dentro del esquema de trabajo propio del RIO francófono: una genial confluencia de space-rock y post-rock con su inefable filtro oscurantista a lo RIO.


Con la secuencia de ‘Agathodeamon’, ‘Coincidentia Oppositorum’ y ‘Fixatio’, el quinteto refuerza y expande su propuesta sonora con tremendas dosis de vigor y creatividad. En efecto, tenemos con ‘Agathodeamon’ una ágil combinación de funk Crimsoniano con atmósferas esenciales del paradigma de PRESENT, mientras que ‘Coincidentia Oppositorum’ retoma el predominio del groove jazzero y ‘Fixatio’ despliega una fastuosa síntesis de las ambientaciones centrales de los tres primeros temas del álbum. Ocupando los últimos 6 ¾ minutos del álbum, ‘Aqua Permanens’ exhibe un nivel de frescura suave que la banda solo había mostrado a ratos en el repertorio precedente. Sin tratarse de una composición calmada per se, esta pieza revela una dimensión contemplativa dentro del universo sónico del grupo que, al fin y al cabo, funciona muy bien como cierre. 


Todo esto fue “Retort”, una estupenda exhibición de música progresiva vanguardista que confirma por enésima vez que los paradigmas del Zeuhl y del rock-in-opposition francoparlante todavía sirven como coordenadas legítimas de creatividad en nombre del torcimiento y la remodelación del discurso rockero. UNIT WAIL nos ha dado toda una gozada para ir cerrando el año progresivo 2013 con grandiosa intensidad: gracias a Soleil Zeuhl por darle un espacio a esta banda en el circuito fonográfico, una banda que ciertamente vale la pena descubrir.


Muestra de “Retort”.-