Wednesday, January 29, 2014

KAYO DOT agita las linternas de la vanguardia progresiva estadounidense


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

La siempre activa y reactiva banda estadounidense KAYO DOT, liderada por el talentoso compositor y multi-instrumentista Toby Driver, vuelve a la carga con “Hubardo”, una ambiciosa obra que se focaliza en una síntesis de la oscura intensidad electrizante de los dos primeros discos, las exploraciones de tendencia rock-in-opposition que se pusieron en marcha desde “Blue Lambency Downward” y el legado de MAUDLIN OF THE WELL, siendo así que dicha síntesis – rotunda y apasionada – es la catapulta para generar nuevas energías para la visión musical del grupo, especialmente en lo que se refiere a sustentar su inherente fortaleza sónica con rebosantes dosis de polícromas musicalidades. Este disco fue editado para download digital y en formato de triple vinilo en abril del pasado año 2013. La formación de KAYO DOT para esta ocasión incluye, cómo no, a la figura dominante de Toby Driver [al bajo, sintetizadores, órgano, pianos acústico y eléctrico Rhodes, percusión y canto], así como a sus terratenientes de siempre Mia Matsumiya [al violín], Terran Olson [a la flauta, clarinete, saxo alto, órgano, piano y sintetizador] y Tim Byrnes [a la trompeta y corno], además del saxofonista-clarinetista Daniel Means, el guitarrista Ron Varod y el baterista Keith Abrams. 


El proyecto de “Hubardo” se basa en una historia y las letras de un viejo camarada del Sr. Driver: Jason Byron, vocalista, teclista y poeta en los primeros álbumes de MAUDLIN OF THE WELL. Este reencuentro creativo tiene sentido porque “Hubardo” fue concebido desde el punto de partida como una revisión de todo lo que ha hecho KAYO DOT desde su primer disco “Choirs Of The Eye” – heredero directo de la línea avant-metalera que motivaba la visión artística de MAUDLIN OF THE WELL – hasta la enérgica revitalización del rock-in-opposition que KAYO DOT ha planteado de forma tan particular en sus últimos trabajos (de “Coyote” en adelante). Esta exigencia musical se basa, a su vez, en la exigencia conceptual que implica el contar con una estructura narrativa y una serie de poemas de antemano, lo cual determina el enfoque de posibles expansiones y necesarias restricciones al entramado compositivo de la obra. Hablando específicamente sobre el concepto de “Hubardo”, tengamos en cuenta que esta palabra significa “linterna” en lengua enochiana, y que el hilo conductor de las letras de las canciones apunta hacia la búsqueda de una luz que nos pueda guiar al escape de un mundo oscurecido por la confusión y la insatisfacción.


Vayamos ahora al repertorio del disco, el cual se abre con ‘The Black Stone’, tema que se explaya en más de 10 ½ minutos de ambientaciones mortuorias y delirios espectrales: comenzando con una superposición de guitarreos minimalistas, nebulosas orquestaciones de cuerdas, inquietantes ornamentos percusivos y lentos cantos guturales, la armazón sónica se concretiza finalmente en un ejercicio de musicalidad exaltadamente oscura que no resulta para nada ajena a los legados de UNIVERS ZERO y PRESENT, pero que también es receptiva del doom y el death metal. ‘Crown-In-The-Muck’ sigue a continuación para llevar esta festividad tanática hacia dimensiones épicas donde la intensidad reinante se siente empapada de factores sludge. Así las cosas, el ensamble está preparado para impulsarse confiadamente hacia el fragor (engañosamente) caótico de ‘Thief’, que es una de las piezas más electrizantes que haya surgido jamás de las fuentes de KAYO DOT o MAUDLIN OF THE WELL: los continuos quiebres rítmicos y marcados contrastes de ambientes que tienen lugar a través de la ilación multi-temática son simplemente fantásticas: las intuiciones dramáticas de los integrantes del grupo saben cómo amalgamarse bien a través de la ostentosamente compleja composición que sostiene a sus intervenciones. Y como es de esperar, el canto gutural entra a tallar en ciertos pasajes signados por una aureola fatalista. Con la dupla de ‘Vision Adjustment To Another Wavelength’ y ‘Zlida Caosgi (To Water The Earth)’, temas que añaden elementos de free-jazz al esquema sonoro grupal, la exaltación se reafirma e incluso acrecienta en una maraña de tensiones emocionales y perturbaciones espirituales que se aglutinan en una desesperada búsqueda de paz al final del túnel… y esa paz habrá de llegar finalmente.

Durando casi 9 ½ minutos, ‘The First Matter (Saturn In The Guise Of Sadness)’ cierra este primer volumen con un aire reposado e introspectivo, claramente emparentado con el estándar del post-rock,y también con una importante presencia de las capas de teclado, las cuales aportan un elemento space-rockero al asunto. A pesar de que a mitad de camino, este viaje vira hacia una dimensión un tanto densa sobre un tempo de 10/8, queda claro que la paz de la contemplación reemplaza a los mil y un disfraces sónicos de la angustia que se nos revelaron en los temas precedentes. ‘The Second Operation (Lunar Water)’ nos remite a los tiempos de “Blue Lambency Downward” y el testamento de MAUDLIN OF THE WELL “Part The Second”, con sus cándidas atmósferas melancólicas sumergidas bajo una luminosidad otoñalmente etérea. De hecho, esa sensación melancólica queda pertinentemente realzada con la participación de una coral que aporta un aire místico adicional al asunto. ‘Floodgate’ nos devuelve momentáneamente a la plenitud mortuoria que había signado la mayor parte de la espiritualidad musical del primer volumen, de hecho enfatizando sus aristas más áridas. La secuencia de ‘And He Built Him A Boat’ y ‘Passing The River’ nos revela un repaso sólido y efectivo de la línea de trabajo desarrollada por Toby Driver y sus secuaces en sus dos últimos trabajos, “Stained Glass” y “Gamma Knife”, con sus vibraciones áridas y vulnerables que emanan de un bien logrado afiatamiento de estándares del post-metal y del jazz experimental. Así, la banda se encamina hacia el glorioso punto final que brindan los 14 minutos y pico de ‘The Wait Of The World’.

 

“Hubardo” es, ante todo, una oferta monumental que supone un registro de magnificencia como todo lo que ha venido haciendo KAYO DOT desde su inicio. Se nos prometió una síntesis al modo de una mirada hacia la propia historia en su camino hacia el presente y eso es justamente lo que se ha encapsulado en este triple vinilo: tal vez se trate de una obra decisiva dentro de la instancia todavía vigente donde se mueve KAYO DOT… y solo podemos esperar a que vengan próximos trabajos en el futuro para ver si se confirma esta optimista hipótesis.


Muestras de “Hubardo”.-


Monday, January 27, 2014

Las erupciones sónicas que nos trajo FIRE! en 2013


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

FIRE!, el trío sueco avant-jazz-progresivo conformado por el saxofonista Mats Gustafsson, el bajista Johan Berthling y el baterista-percusionista Andreas Werliin, ha vuelto a las andadas con “(Without Noticing)”, un disco que hace justo lo contrario que lo que su título directamente implica. Se trata de una obra diseñada para agitar la conciencia del oyente, envolviéndola en una parafernalia tensa e incendiaria y haciendo ostentación de ello mientras lo hace. Publicado por el sello Rune Grammofon en agosto pasado, este disco nos muestra al trío concentrado en su propia formación exclusiva tras haber grabado dos discos colaborativos con JIM O’ROURKE y OREN AMBARCHI entre 2011 y 2012. FIRE! se muestra firme en su negocio de motivar nuevos caminos para el jazz-rock de vanguardia amalgamándolo con notorios elementos de psicodelia progresiva, electrónica entre lo kraut y lo industrial, post-rock y la tradición del free-jazz. Vayamos ahora a los detalles del repertorio de este disco, ¿vale?


Tras un inquietante preludio de sonidos procesados en una suerte de pesadilla futurista en ‘Standing On a Rabbit’, ‘Would I Whip’ nos revela un jam de casi seis minutos de duración donde el grupo se focaliza en una cadencia elegante e intensa, alimentada por suaves dosis de expresionismo oscurantista que irrumpen continuamente del saxo de Gustafsson. ‘Your Silhouette On Each’ es una notable excursión en el discurso esencial post-rockero con un inteligente énfasis en ambientes minimalistas que realzan efectivamente la aureola de angustia contenida que es tan común en varias entidades musicales exponentes de esta vertiente. Tras este momento de languidez espiritual viene otro de exaltación neurótica que bebe tanto de las aguas de MASSACRE como de KING CRIMSON, sobre una base pulsátil que se siente muy a lo krautrock: ‘At Least On Your Door’ es el título de este torrente sónico al cual nos estamos refiriendo ahora, todo un ejemplo de cómo se le puede sacar el jugo a una idea simple para darle una dimensionalidad fastuosa. ‘Tonight. More. Much More’ vuelve a la actitud minimalista antes exhibida en ‘Your Silhouette On Each’ para remodelarla con un filo psicodélico más pronunciado. Por su parte, ‘Molting Slowly’ – que con sus 10 minutos de duración se erige en el tema más extenso del disco – refleja una ingeniosa confluencia de free-jazz y nu-jazz impregnada de psicodelia Crimsoniana, más algunos guiños  la leyenda de TORTOISE en su faceta más oscura. El trayecto del disco concluye con ‘Mostly Stare’, el epílogo que reitera la vitalidad angustiada industrial de ‘Standing On a Rabbit’: he aquí un adecuado retrato sonoro de la estructura enajenante de la sociedad moderna.


Todo esto fue “(Without Noticing)”, toda una aventura de 42 minutos donde FIRE! declara su compromiso con el presente y el futuro del jazz-rock vanguardista. Fans de COMBAT ASTRONOMY, ZS, ELEPHANT9 y JOHN ZORN no tendrán problemas en integrarse espiritualmente con esta visión abstracta que proponen Gustafsson, Johan Berthling y Andreas Werliin.


Muestras de “(Without Noticing)”.-

Saturday, January 25, 2014

JAMES PLOTKIN y PAAL NILSSEN-LOVE o la música progresiva como estremecimiento


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos en las manos un catálogo de viajes sónicos experimentales perpetrados por el guitarrista estadounidense JAMES PLOTKIN y el baterista noruego PAAL NILSSEN-LOVE: este catálogo se congrega bajo el título de “Death Rattle”, disco publicado por el sello Rune Grammofon a fines de 2013. Ninguno de estos tipos es un novato. PLOTKIN tiene una trayectoria sólida como integrante de bandas (los metaleros industriales de OLD y los doom metaleros de KHANATE, por ejemplo) y como solista desde la segunda mitad de los 80s, jugando con los discursos del metal, el post-metal y el noise en contextos diversos pero haciendo gala de las mismas dosis de solvencia e ingenio. NILSSEN-LOVE, por su parte, es un baterista bastante curtido en la escena jazzera noruega, con algunos años de estudios académicos en su currículum, además de varios premios a la excelencia musical. Su amor por las áreas más desafiantes del jazz contemporáneo y el noise lo movieron a fundar proyectos interesantes de free-jazz como ELEMENT y THE THING (este último incluye al saxofonista MATS GUSTAFSSON, otra figura omnisciente de la vanguardia jazzera nórdica), y lo convierte en el cómplice ideal de PLOTKIN en esta gallarda aventura musical que es “Death Rattle”, una aventura diseñada para que el oyente de turno la experimente como un desafío radical.


Bueno, vayamos ahora a los detalles del disco. ‘The Skin, The Colour’ da inicio al repertorio elaborando una extravagante armonización de instrumentos que buscan encontrarse mientras dan vueltas en derredor de sus propias vibraciones individuales. Tras un largo tiempo tanteando el fortalecimiento del encuentro deseado, la amalgama de batería y guitarra se concretiza en un frenesí denso y brumoso donde el discurso del free-jazz se alimenta crucialmente de ambientaciones neuróticas propias de la eterna escuela de la psicodelia. La segunda pieza, titulada ‘Primateria’, expone una estrategia semejante a la del primer tema pero con un énfasis mayor en lo psicodélico, lo cual implica un realce de las atmósferas cósmicas: éstas se basan fundamentalmente en los fraseos filudos y múltiples efectos de guitarra, mientras que la batería desestructura continuamente cualquier posibilidad de esquema rítmico para hacer que los tambores y platillos se eleven hacia un vuelo expresivo deconstructivo. Los coqueteos con el krautrock según el modelo del primer GURU GURU son evidentes, y en líneas generales, este tema constituye una estupenda odisea progresivo-psicodélica. Hasta ahora tenemos 23 ½ minutos de experimentación aguerrida y nos espera otro tanto con los dos temas que habrán de completar el repertorio del disco: ‘Cock Circus’ y el que justamente le da título. ‘Cock Circus’ se encarga de retomar la lógica exploratoria de ‘The Skin, The Colour’ para darle una refrescante robustez, incluso brindarle un dinamismo más árido: se trataría, pues, de un clímax especial del álbum. En fin, ‘Death Rattle’ ocupa los últimos 10 minutos y pico del disco con una nueva aventura que redondea exitosamente los parámetros de vitalismo posmoderno que el dúo se ha trazado. La primera mitad se focaliza en un retrato de estremecimientos y arrebatos que se explayan entre lo tanático y lo voraz; la segunda se relaja para plasmar el desvanecimiento definitivo en los brazos de la muerte.   


Esta asociación de JAMES PLOTKIN y PAAL NILSSEN-LOVE ha logrado gestar en “Death Rattle” una obra sabiamente diseñada para usar el arte del sonido como mecanismo para estremecer oídos y conciencias. Esto es experimentación progresiva llevada hasta límites extremos de su genuinidad.


Muestra de “Death Rattle”.-

Wednesday, January 22, 2014

Bajo el signo de INGRANAGGI DELLA VALLE


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hoy nos toca fijarnos en el grupo romano INGRANAGGI DELLA VALLE, el cual se inició a fines de 2010 y que en 2013 editó por vía de Black Widow Records su disco debut “In Hoc Signo”, uno de los más celebrados en la escena italiana durante el año pasado. La edición de este trabajo se realizó en formato digital y de vinilo simultáneamente. La germinación de la banda se debe a la iniciativa conjunta del teclista Mattia Liberati y el guitarrista Flavio Gonnellini – colegas en la banda de jazz-rock The Big Chill – junto con Edoardo Arrigo, multi-instrumentalista que se concentró en tocar bajo para la ocasión, y el baterista Shanti Colucci, quien además trajo consigo un arsenal de percusiones orientales. A mediados de 2011 entró en acción el violinista Marco Gennarini, lo cual ayudó bastante a desarrollar la idea de hacer un disco progresivo conceptual sobre la Primera Cruzada. Esta idea se basaba en conjugar el legado de la primera generación de rock progresivo con los fundamentos jazz-rockeros de donde partían los integrantes originales: el elemento faltante, un vocalista con carácter y gusto por lo teatral, se hizo presente cuando Igor Leone entró en escena.  

 

Hay detalles interesantes que mencionar a la hora de revisar el proceso de gestación de “In Hoc Signo” como obra fonográfica. Por ejemplo, que Mattias Olsson (sí, el mismo que fue integrante de ÄNGLAGÅRD) realizó una labor importante en la producción del álbum, además de tocar la batería en el noveno tema del mismo. Hay otro colaborador de lujo en el disco, más exactamente el último tema: David Jackson (sí, el mismo de VAN DER GRAAF GENERATOR), quien aporta su pericia al saxo y la flauta para añadir un mayor grosor sónico al ensamble italiano: no es la primera vez que Jackson se junta con músicos progresivos italianos, pues en los últimos años ha tocado con la alineación reformada de OSANNA. En realidad, son varios los colaboradores ocasionales en el repertorio de “In Hoc Signo”, como Fabrizio Proietti, quien toca la guitarra clásica en el cuarto tema ‘Via Egnatia’, y varios bajistas que se turnan (Marco Bruno, Edoardo Arrigo, y el más recurrente Simone Massimi, quien también aporta contrabajo al arsenal instrumental).   


El disco empieza con una efímera ‘Introduzione’ de guitarra clásica y violín que abre paso al esplendor intenso y estilizado de ‘Cavalcata’, todo un homenaje al PREMIATA FORNERIA MARCONI de aquellos tiempos del “Per Un Amico” y “L’Isola Di Niente”, con toques añadidos de la escuela de OSANNA. ‘Mare In Tempestà’ prosigue por esta estrategia de meticulosa musicalidad hermanada con intensidad, sin perder la oportunidad de realzar el factor jazzero en el armado del esquema rítmico. ‘Via Egnatia’ empieza con un tenor ceremonioso y sigiloso, pero pronto vuelve a la fabulosa expresividad heredada de las dos canciones precedentes. En la dupla de ‘L’Assedio Di Antiochia’ y ‘Fuga Da Amman’ encontramos a la banda explorando más a fondo su capacidad de crear una sofisticación vitalista y electrizante en su propuesta musical. El primero de estos dos temas, al durar 8 minutos y pico, da oportunidad a la banda a elaborar con mayor detenimiento las ilaciones de motivos y los cambios de ambientes, dándole así un nuevo giro de tuerca a su asombrosa capacidad de operar como una maquinaria bien armonizada. En el caso del segundo tema nos topamos con una brillante excursión en los senderos de MAHAVIHNU ORCHESTRA y RETURN TO FOREVER, lo cual permite a la banda darle un swing particularmente incendiario al esquema sonoro que ha venido armando. Esta misma estrategia se reitera en la introducción instrumental de ‘Kairuv’an’, pero luego transita hacia parajes más netamente sinfónicos cuando llega la parte cantada, así como los ulteriores desarrollos instrumentales, muy impregnados de los legados de PFM, ARTI + MESTIERI y YES.

‘Musqat’ conforma un nuevo cénit con su reactivación del sinfonismo jazzeado esencial para la banda al aportar un carácter más fiero a los guitarreos, además de incorporar unas tremendas florituras de batería que más parecen propias de un solo de Colucci mientras sus compañeros van a lo suyo. La dupla de ‘Jangala Mem’ e ‘Il Vento Del Tempo’ no nos muestra nada nuevo en cuanto a expansión estilística, pero sí tiene para destacar la idea de fomentar recursos de lirismo contemplativo en medio de la habitual extroversión espiritual que suele marcar el esquema sonoro de la banda. Así las cosas, el grupo elabora los momentos más calmados de estas canciones explorando aires de sutileza, y para eso solo tiene que utilizar su esencial refinamiento con una actitud diferente. Los últimos 9 ½ minutos del álbum están ocupados por ‘Finale’. Esta canción encapsula todas las dimensiones coloridas y épicas que han conformado las numerosas partes extrovertidas del repertorio precedente, llevándolas a una intensidad culminante, en no poca medida sustentadas por las electrizantes líneas de violín y los aportes de los vientos (como dijimos antes, a cargo del veterano David Jackson). 


Resumiendo a modo de conclusión, “In Hoc Signo” ha sido una de las sorpresas más alucinantes de la música progresiva hecha en Italia en 2013: INGRANAGGI DELLA VALLE es un punto de referencia muy recomendable en cualquier buena colección dedicada al género.


Muestras de “In Hoc Signo”.-

Sunday, January 19, 2014

El mandamiento progresivo de BUSHMAN'S REVENGE


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En este día nos toca a fijarnos en el grupo noruego y su disco “Thou Shalt Boogie!”. El grupo en cuestión es un trío conformado por el guitarrista Even Helte Hermansen, el bajista Rune Nergaard y el baterista-percusionista Gard Nilssen; a lo largo de este disco que reseñamos aquí, el teclista David Wallumrørd opera como un invitado tremendamente gravitante al órgano Hammond. BUSHMAN’S REVENGE es un grupo que ya lleva más de 10 años en la actividad musical, cultivando una mezcla robusta de jazz-rock y psicodelia de vieja escuela dentro de un esquema progresivo bastante intenso. Su disco debut de estudio “Cowboy Music” data de 2007, y a finales de 2013 lanzó “Thou Shalt Boogie!”, el sexto, tanto en formato de vinilo como de CD.


Durando casi 4 minutos, ‘I Am An Astronaut’ abre el álbum con un trepidante viaje psicodélico donde la armazón sonora se afirma inteligentemente en medio del vigoroso esquema rítmico generado desde la batería y las majestuosas capas del órgano Hammond. Definitivamente, este jam es lo suficientemente llamativo como para que el oyente quede positivamente intrigado respecto a lo que le aguarda en lo que queda del disco, que es bastante. Con un espacio de 17 ¼ minutos, ‘Baklengs Inn I Fuglekassa’ es la segunda pieza del álbum y la más extensa del mismo. Con una primera sección de más de 6 minutos armada sobre un tempo de blues, el ensamble elabora un genial jam psicodélico no exento de matices jazz-rockeros, mostrando ciertas afinidades con los también escandinavos ELEPHANT9, pero sobre todo, estableciendo vínculos con el inmortal legado de HENDRIX. Cuando el viaje torna hacia la siguiente sección, marcadamente etérea, el asunto se emparenta con PINK FLOYD (etapa del “Ummagumma”), GURU GURU y el paradigma de SUN RA en su faceta más relajada. El terreno está fértil para un retorno del motivo inicial, el cual empieza a brotar patentemente antes de llegar a la barrera del minuto 14, pero enriquecida con el impacto de la proyección cósmica elaborada en el intermedio. ‘Waltz Me Baby, Waltz Me All Night Long’ reitera la clave de blues eléctrico, esta vez focalizándose en atmósferas introspectivas y contemplativas: la disposición serena del mundo interior del ego casi se materializa en el aire mientras los espartanos fraseos de la guitarra de Hermansen van fluyendo plácidamente. ‘Kugeln Und Kraut’ es el segundo tema más largo del disco, ocupando un espacio de casi 14 ½ minutos: en abierto contraste con la pieza precedente, establece altas dosis de colorido y sofisticación en una robusta mezcla de space-rock, psicodelia progresiva y rock duro clásico. Bien se puede describir este tema como la cruza perfecta entre ASH RA TEMPEL, el HENDRIX de la época de su asociación con BUDDY MILES y el DEEP PURPLE pre-71. Hay motivos más que razonables para elegir a este tema como la cumbre de “Thou Shalt Boogie!”, toda un declaración de principio sobre lo que BUSHMAN’S REVENGE tiene en su norte estético. Incluso, para reforzar la entidad paradigmática de esta pieza, su sección final retoma el motivo central de ‘Baklengs Inn I Fuglekassa’. El disco termina con el breve tema ‘Hurra For Mamma’, un epílogo jazzero inmerso en una cálida sutileza: es el refugio final del fuego que ha estado ardiendo con diversas intensidades y colores, optando ahora por reposar en medio de las cenizas para volver a llamear en el futuro.


En fin, “Thou Shalt Boogie!” resulta una impecable e implacable joya musical que nos invita a prestar atención muy seriamente a BUSHMAN’S REVENGE: éste es un descubrimiento tardío que amerita una investigación concienzuda de parte de los coleccionistas minuciosos de música vanguardista de nuestros tiempos.


Muestra de “Thou Shalt Boogie!”.-

Friday, January 17, 2014

VANISHED FROM EARTH, una grata aparición en la movida progresiva argentina


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy prestamos nuestros oídos al grupo argentino VANISHED FROM EARTH, un proyecto progresivo co-dirigido por el guitarrista Rodrigo San Martín y el teclista Fernando Refay: su entramado instrumental se complete con el baterista-percusionista Mike Buenaventura y el bajista Ignacio Gulich, siendo así que el vocalista Charlie Giardina funge como invitado especial a la hora de cantar las abundantes letras que ocupan el homónimo disco debut de este proyecto. El estilo de Giardina parece ubicarlo un punto intermedio entre Rob Sowden (otrora de ARENA) y Jon Bon Jovi. “Vanished From Earth”. Quienes estamos familiarizados con trabajos solistas previos de San Martín y Refay adivinamos de inmediato que se trata de un emparejamiento de mentes musicales muy afines entre sí: preocupación por cuidar la limpieza de los desarrollos melódicos y el preciosismo de sus ejecuciones son los dos elementos comunes centrales, y justamente ellos son los que signan la esencia musical de este proyecto. Se trata, en el sentido genuino de la palabra, un súper-grupo. A la hora de identificar afinidades y confluencias con otras entidades progresivas del momento podemos mencionar a RETSAM SURIV (también de Argentina), IGNATIUS y SPOCK’S BEARD, así como DREAM THEATER, SHADOW GALLERY y el ARENA post-“The Visitor”. San Martín fue el encargado de la producción de sonido de este disco, el cual fue grabado entre marzo y setiembre de 2012, siendo publicado a fines de ese mismo año.


La pieza homónima es en realidad un prólogo de 2 ½ minutos de duración cuya función es la de asentar el camino para la serie de melodías y atmósferas que habrá de ocupar el álbum: esta excursión de etéreos ambientes Floydianos abre la puerta a ‘Hydra’, un ejercicio intenso y bien pulido de dinamismo típicamente progresivo en consonancia con la áreas contemporáneas del prog-metal y el sinfonismo retro inspirado en los legados de EMERSON, LAKE & PALMER y YES. Los ágiles diálogos entre guitarra y sintetizador y el breve pasaje impetuoso de piano se muestran como los implementos más impresionantes de este gran tema. En muchos parajes del disco apreciaremos la habilidad que tiene este grupo de casar la vieja tradición del progresivo y algunos de sus estándares contemporáneos en su estrategia sonora. Luego sigue ‘Fight The Power’, un tema con un gancho más directo que se amolda al estándar del rock duro, aunque con sus debidos ornamentos estilizados de teclado que garantizan la presencia del factor prog-sinfónico, algo así como una cruza entre DEEP PURPLE y el primer ASIA. ‘Daenerys’ brinda un esquema musical patentemente más ambicioso: partiendo de una estructura básica de semi-balada sinfónica a lo SPOCK’S BEARD, el desarrollo temático incluye un hermoso interludio marcado por los teclados que se siente emparentado con las mejores tradiciones de MARRILLION y PENDRAGON, así como un final épico que hubiera puesto orgulloso al GENESIS de la etapa de cuarteto. ¡Ojalá ese final hubiera tenido mayor tiempo de expansión! Pero bueno, es hora de abrir campo a ‘The Girl In The Mirror’, la segunda canción más larga del álbum con una duración de 12 minutos. Empezando con una sección lenta e introspectiva basada en el dueto de voz y guitarra acústica, la siguiente sección irrumpe como una erupción sónica pomposa inspirada equitativamente en la fastuosidad de EMERSON, LAKE & PALMER y la vitalidad preciosista del PENDRAGON de los últimos años, sin que falte ese toque de DREAM THEATER. A partir de ahí, la alternancia de pasajes agresivos e introspectivos se va armando de manera consistente.


‘Pandora’ emerge después del esplendor exultante de las dos piezas precedentes para aportar un poco de calma espiritual: de manera sorpresiva, los instrumentistas se proyectan hacia un sereno viaje que coquetea un poco con los estándares del post-rock, utilizando un motivo minimalista básica y explorando su expansión recurrente bajo una ambientación contenida marcada por sobrios ribetes psicodélicos. Una buena idea que resultó muy bien hecha, la verdad que sí. En fin, la suite ‘Grey Matter Absence’ ocupa los últimos 25 ½ minutos del álbum. Las secciones de esta suite guardan los siguientes títulos autónomos: ‘Intro’, ‘Apparently No Choice’, ‘Possible Reasons’, ‘A Different Me’, ‘Brainwashing’, ‘No Self Control’, ‘Meandering Thoughts’, ‘Gamble Your Life’, ‘Reflection?’, ‘A Nice Spin’ y ‘Precious Coda’ – 11 secciones en total. El enfoque global de esta suite redondea eficazmente las pautas sonoras ampliamente predominantes a lo largo del álbum: equilibrios entre el sinfonismo de vieja escuela, el neo-prog y el prog-metal; acentuación dramática en las partes cantadas y varios pasajes instrumentales; guitarreos a lo HOWE y SATRIANI; teclados a lo WAKEMAN, EMERSON y NOLAN; una dupla rítmica correctamente amalgamada para manejar con pulcra fluidez los diversos cambios de ritmos y atmósferas. De hecho, en esta suite, el peso de las sonoridades más aguerridas es proporcionalmente menor dentro del conjunto en comparación con otros temas previos como ‘Hydra’ o ‘The Girl In The Mirror’: el factor sinfónico es el principal recurso en las estrategias sonoras en curso, y además, se incluye en algún momento un impresionante solo de bajo que sirve para impulsar el groove inherente a una de las secciones.

 

Atención a VANISHED FROM EARTH: vale la pena integrarlo a una colección progresiva que se precie de ser buena y oportunamente actualizada. Ojalá que este disco no sea la única ocasión en que este ensamble plasme sus ideas, pues ellas reflejan muy bien el estado vital del rock progresivo de nuestros días.  


Muestras de “Vanished From Earth”.-

Wednesday, January 15, 2014

El suero rockero de CIVICO 23


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de presentar al joven grupo italiano CIVICO 23 y su álbum debut “Siero Progressivo”. Fundado en Roma en octubre de 2010 bajo la iniciativa del cantante Massimo “Joe” Galatone y el bajista Lorenzo Gaudino, la banda pasó un año entero perfilando su formación definitiva con los dos guitarristas Daniel Parisi y Federico Cianfarra, el teclista Simone Mastrodonato y el baterista-percusionista Francesco Cossio. “Siero Progressivo” es su carta de presentación, publicada por el sello Lizard Records en junio pasado. A grandes rasgos, la propuesta progresiva de esta banda refleja un ágil híbrido del sinfonismo y el rock duro de vieja escuela (bebiendo de las aguas de GENESIS y PFM con la misma soltura con que se deja quemar por las brasas de LED ZEPPELIN y URIAH HEEP): prog heavy contundente y convincente. Vayamos a los detalles de “Siero Progressivo”, ¿vale?


Ocupando un espacio de poco más de 6 minutos, ‘Umida Cenere’ abre el álbum con un gancho bien perfilado y un dinamismo rockero suficientemente estilizado: el peso de los dobles guitarreos arma un apropiado esquema sonoro desde donde se impulsan los solos que salen a colación en momentos estratégicos. ‘Il Menestrello’ es un interludio narrado basado en un clima pastoral de tenor renacentista, el mismo que anuncia el arribo de la siguiente canción, ‘Il Cavaliere Illuso’, la cual despliega una aureola de sofisticación patentemente signada por bien articulados cambios de ritmos y ambientes, incluyendo algunos momentos de línea manierista. La dupla de ‘Urano’ y ‘Paura Infinita’ permite al grupo seguir explorando las pautas de su propuesta musical, especialmente en lo que se refiere a la potenciación de su vigor rockero: la banda empieza a coquetear abiertamente con estándares del prog-metal a fin de darle a su recurrente pesadez sónica una nueva frescura, aunque sin dejar de recurrir a los guiños a la tradición hard-rockera de los 70s.  Así las cosas, se da impulso para que en I Sette Angeli’ la banda empiece a incorporar más concienzudamente elementos de la esencia sinfónica de la vieja escuela italiana: se hacen notar factores sonoros heredados de IL ROVESCIO DELLA MEDAGLIA y MUSEO ROSENBACH a través del filtro que A PIEDI NUDI y MALIBRAN ya habían instaurado en la época del revival 90ero. Aureo’ es un nuevo interludio narrativo breve, esta vez desplegado sobre fraseos serenos de piano eléctrico.


Es en este momento que CIVICO 23 se siente preparado para acometer sus dos composiciones más ambiciosas de este álbum: ‘Delirio Ad Occhi Chiusi’ y ‘L’Ultimo Grido Di Galeria’. ‘Delirio Ad Occhi Chiusi’ nos muestra a la banda explorando senderos de majestuosa introspección y apasionamiento estilizado, transitando de una a otra dimensión con soltura y fluidez. No es tanto en los arreglos rítmicos sino en la riqueza melódica que se explaya a través de la ilación de motivos y atmósferas lo que refleja esta fastuosidad tan arrolladora. Por su parte, ‘L’Ultimo Grido Di Galeria’ empieza destacándose en primer lugar por ocupar un espacio de 13 minutos y pico. La banda aprovecha la ocasión para desarrollar un dramatismo épico a través de las variantes temáticas en curso, que van desde el sinfonismo hasta la psicodelia pesada, y de allí a un minimalismo aleatorio de clara intencionalidad tétrica que se extiende a través de un larguísimo interludio. Con la secuencia de un crescendo filudamente rockero y un cierre acústico se concluye el tema mostrando, en su conjunto, un esplendor musical convincente. El epílogo del álbum, ‘Rimane Il Mare’, es el último monólogo, narrado con variados fondos de corrientes fluviales, tamborileos tribales y arpegios de guitarra. ¡Y todo concluye con una puerta que se abre y cierra!


“Siero Progressivo” es un disco de esos que hacen falta para sorprendernos más allá de los guetos específicos que ya están bien asentados dentro del variopinto universo progresivo de nuestros tiempos: el eclecticismo vivaz y desfachatado de CIVICO 23, alimentado por un vigor rockero punzante y voraz, lo convierte en una de las voces más interesantes de la escena del art-rock italiano de 2013.


Muestras de “Siero Progressivo”.-
Delirio Ad Occhi Chiusi: https://soundcloud.com/officialcivico-23/delirio-ad-occhi-chiusi?in=officialcivico-23/sets/siero-progressivo    

Sunday, January 12, 2014

IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE muestra su nueva caza de colores y sueños progresivos


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy prestamos atención al grupo italiano IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE y su segunda obra fonográfica “AlieNatura”. El estilo de la banda sigue ahondando en la vertiente hard-sinfónica que tuvo un amplio terreno en la primera generación progresiva italiana (MUSEO ROSENBACH, ALPHATAURUS, BIGLIETTO PER L’INFERNO), así como el lirismo refinado de unos GENESIS y unos YES. Bajo el inteligente comando de la creativa y bella Elisa Montaldo (quien, además de hacerse cargo de los teclados y la concertina, toca instrumentos de cuerda y percusión de la época renacentista y aporta voces adicionales), la banda cuenta ahora con el nuevo vocalista Francesco Ciapica – reemplazando así al legendario “Lupo” Galifi de MUSEO ROSENBACH – además de los instrumentistas repitentes Giulio Canepa [a las guitarras y coros], Fabio Gremo [al bajo, guitarra clásica y coros] y Paolo Tixi [a la batería y coros]. En comparación con el disco homónimo de 2010, que supuso una de las más agradables sorpresas de la actual escena progresiva italiana, “AlieNatura” porta una fuerza más medida y un cuidado más meticuloso del lirismo inherente a las composiciones en los primeros temas, siendo así que el factor sinfónico se siente más conmovedor en la mayoría de las canciones que conforman este repertorio nuevo. Ya para los tres últimos se nota una línea de continuidad con el mencionado primer disco. Es de celebrar que el grupo haya podido mantenerse activo en este negocio tan difícil como es el del rock progresivo: incluso ha podido llevar su música a escenarios asiáticos, como testimonia su registro en vivo “Live In Seoul”, publicado a inicios de 2013 y que incluye la interpretación del clásico de MUSEO ROSENBACH “Zarathustra”… Bueno, Lupo Gallifi aún era integrante de la banda por aquel entonces.


Yendo de una vez al repertorio de “AlieNatura”, ‘Kaze (Ciò Che Il Vento Porta Con Sé)’ da inicio al disco con unas viñetas musicales signadas por exóticas cadencias y atmósferas que nos remiten a la tradición renacentista y al Oriente Cercano, dejando también espacio para un momentáneo jam rockero estilizadamente robusto donde los guitarreos y ellas florituras de piano armonizan muy bien. A continuación sigue la dupla de ‘Senza Colori’ e ‘Il Passo’, dos piezas que destilan inmensas dosis de espiritualidad intimista a través de sus respectivas arquitecturas melódicas. En el primero de estos temas hay un delicado equilibrio en la evidente energía expresiva que porta el bloque instrumental, mientras que en el segundo hay una fastuosidad que implosiona de manera más rotunda; de hecho, su esquema temático es más ambicioso, incluyendo una mayor diversidad de melodías y atmósferas en un buen aprovechamiento de la más larga duración otorgada a la pieza en cuestión. El siguiente tema, ‘Fino Alla Veta’, empieza con un aura ceremoniosa más pronunciada que en cualquiera de los dos temas precedentes, pero a mitad de camino aumenta su intensidad expresiva para tornarse más filudo, un resabio de su homónimo disco debut, sin duda. ‘Onirica Possessione’ se proyecta hacia el primer cénit decisivo del disco, afianzando nuevas conexiones estilísticas con el legado del primer álbum en tanto que contiene un dramatismo bastante pronunciado en varios momentos estratégicos, especialmente aquellos donde se conjugan lo circense y lo gótico.

 

‘Notturno’ es una breve pieza de tenor romántico y con un canto tremendamente manierista a cargo de Elisa Montaldo, un oportuno momento de contemplación reflexiva antes de que irrumpa la suite final ‘Il Cacciatore’. Ocupando los últimos 14 minutos y pico (casi 15) del disco, dicha suite consta de las secciones ‘La Vera Preda’, ‘Volo Di Rapace’, ‘La Lince’, ‘Il Lupo’ y la que justamente se titula ‘Il Cacciatore’. Empezando con una enérgica parafernalia rockera a medio tiempo, ésta paulatinamente se vuelve más aguerrida por unos cuantos minutos antes de aterrizar hacia atmósferas más cálidas, a veces inclinadas hacia una languidez etérea y otras inmersas en una estilización clásica de carácter barroco, siempre idóneas para jugar con ilaciones melódicas prístinas que culminan en un hermoso solo de piano. El ensamble instrumental, que traza aires de familia con sus compatriotas de LE PORTE NON APERTE, NUOVA ERA y AREKNAMÉS, ha jugado hábilmente con las posibilidades de expresividad dramática inherentes al paradigma prog-sinfónico a través de un uso moderado de su fuerza rockera, y para cuando llegamos al pasaje solista de piano, se va armando el fundamento para el retorno del ensamble total, primero retomando el motivo marcado por una languidez etérea y luego finalizando el asunto con el motivo inicial, esta vez con un carácter épico más pronunciado.


Todo esto fue “AlieNatura”, un muy buen disco que deja a IL TEMPIO DELLA CLESSIDRA bien instalado en el sitial importante dentro de la escena retro-progresiva italiana que conquistó por asalto en el tiempo de aquel disco debut. Se puede debatir sobre cuál de ambos está mejor logrado como obra integral, pero nos parece que está fuera de discusión que los dos tienen mucho que ofrecer al coleccionista progresivo de nuestros días.


Muestras de “AlieNatura”.-
Il Passo [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=Hp1T0Ywpcjc

Thursday, January 09, 2014

THE WORM OUROBOROS y la música que estaba destinada a ser


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de prestar nuestros oídos al novel grupo bielorruso THE WORM OUROBOROS y su más reciente disco “Of Things That Never Were”, publicado por el sello Fading Records en setiembre de 2013. Este ensamble formado y dirigido por el multi-instrumentista Sergey Gvozdyukevich (a cargo de los teclados, la flauta, la guitarra acústica y el canto) se completa con el guitarrista-tecladista Vladimir Sobolevsky, el bajista Alexey Zapolsky y el baterista Eugene Zarkhin, además de contar con la colaboración adicional de Vitaly Appow (quien tocaba vientos en RATIONAL DIET y ahora lo hace en sus dos grupos derivados FIVE STOREY ENSEMBLE y THE ARCHESTRA) en algunos temas. “Of Things That Never Were” fue publicado por la asociación de los sellos italianos Fading Records y AltrOck, y su repertorio ha sido elaborado en el transcurso de algunos años: la gente de THE WORM OUROBOROS ha tenido un ímpetu creativo prácticamente desde el primer díade su fundación.  


‘L’Impasse Sainte Bérégonne’ abre el repertorio con una prestancia melódica que se siente tan sobria como fastuosa: el desarrollo de las orquestaciones de teclado y los ornamentos de flauta son los ítems motivadores de los aportes de los demás instrumentos. Tras este revelador preludio, ‘Shelieth’ se proyecta como el tema que realmente inicia el cocimiento de la musicalidad que la banda tiene proyectada como núcleo central del disco, creando una hermosa confluencia de sinfonismo y Canterbury al modo de un HAPPY THE MAN mezclado con GILGAMESH, más algunas sazones del CAMEL de “Mirage”. Los coloridos aportados por los sucesivos solos de guitarra y sintetizador en diversas expansiones del cuerpo central son bellísimos. ‘Ladybird On A Moebius Strip’ es un relajante interludio pastoral con base de guitarra acústica y flauta que abre paso a la estilizada inquietud de ‘The Pear-Shaped Man’, una pieza cantada que varía totalmente de registro para explayarse en mecanismos sónicos inspirados en VAN DER GRAAF GENERATOR, aunque pasados por los filtros de AREKNAMÉS y DISCIPLINE. Este impulso expresionista es sucedido por la candidez intimista de ‘Dan Angel’ (una composición de guitarra acústica que parece sacada de los infinitos archivos de ANTHONY PHILLIPS) y el esplendor vitalista de ‘Pirates In Pingaree’, todo un cénit del disco donde la banda elabora una sonoridad dignamente heredera de los cánones de CAMEL, THE ENID y lo mejor de la obra solista de RICK WAKEMAN, añadiendo una coda que se nota a leguas empapada de cadencias Crimsonianas (del “Larks’ Tongues In Aspic”).

Como para no perder la costumbre, nos topamos con otra breve pieza pastoral, esta vez cantada, la cual se titula ‘The Magi’ antes de pasar a ‘Soleil Noir’, otro tema cantado con un mayor desarrollo musical. En este último nos topamos con una interesante cruza del GENESIS de “Trespass” y el VAN DER GRAAF GENERATOR de “Godbluff”, explorando ambientes intimistas desde una actitud reflexiva, un tanto distante, pero rodeada de lirismo. Con la ilación de ‘The Curfew’ y ‘Return To The Cold Sea Of Nothing’ tenemos 16 ½ minutos de expansiones sonoras que sirven para que el cuarteto refuerce decisivamente el eclecticismo que ha venido practicando con ingenio y convicción. ‘The Curfew’ porta un aura etérea desarrollada sobre un esquema muy dinámico que se basa por igual en el jazz-rock y el rock sinfónico tradicional: en este sentido, nos recuerda a lo que por su lado hace una banda como DELUGE GRANDER. Por su parte, ‘Return To The Cold Sea Of Nothing’ nos remite a los patrones del clasicismo romántico y barroco para focalizarse más propiamente en lo sinfónico. El epílogo del disco, ‘Hope’, exhibe un último trayecto breve hacia paisajes pastorales: un oportuno momento de reflexión intimista después de gozar de dos largas composiciones diseñadas con enorme boato.


“Of Things That Never Were” ha sido una de las más gratas revelaciones de la escena progresiva mundial en el pasado año 2013: THE WORM OUROBOROS se ha prodigado a lo grande en ésta, su primera manifestación musical – ojalá no sea la última.

P.D.: No vale confundir a este grupo bielorruso con otro estadounidense llamado igual y que practica un estilo híbrido de sludge y post-metal.


Muestras de “Of Things That Never Were”.- 

Monday, January 06, 2014

Arcos y bóvedas de sonido con THE ARCHESTRA


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos topamos con THE ARCHESTRA, uno de los dos vértices musicales que se generaron tras la disolución del notable exponente bielorruso de chamber-rock RATIONAL DIET (el otro es FIVE-STOREY ENSEMBLE). El disco debut de este colectivo, liderado por el violinista y generador de efectos computarizados Kirill Krystia, se titula “Arches” y fue publicado por el sello Soleil Zeuhl en marzo pasado (un mes después de que el sello AltrOck hiciera lo propio con el álbum de FIVE-STOREY ENSEMBLE). Como líder que se respete, Krystia es el encargado de componer todos los temas del álbum, y ciertamente esta situación parece revelar que él era la voz disonante en la última temporada de RATIONAL DIET, aspirando a que el grupo desarrollara una orientación más aguerrida en su núcleo sonoro. Bueno, si no ocurrió en RATIONAL DIET, pues para eso existe ahora THE ARCHESTRA. Los demás integrantes de este colectivo son Vitaly Appow [al fagot], Nikolay Semitko [a la batería], Ivan Lichko y Victoriya Bichkova turnándose al piano, Artem Frenkel y Dzmitry Maslouski turnándose al bajo, Nadia Krystia [al canto, violín y cello], Yuri Korogoda [a la guitarra], Evgenij Lukjanchik [a los saxofones] y Viacheslav Piesko [al contrabajo].


‘Hymn Of Another Reality’ es una delicia deconstructiva donde una tersa exhibicion de vulnerabilidad se ve interrumpida por densas capas disonantes de cuerdas, las mismas que abren la puerta a ‘Birth Of A Different Reality’, una pieza que nos remite de lleno al paradigma del primer álbum de UNIVERS ZERO, pero con ese toque contemporáneo que advertimos en representantes importantes del chamber-rock contemporáneo como los belgas de ARANIS, y también, cómo no, en lo que otrora era RATIONAL DIET. Esta línea de trabajo se perpetúa acto seguido en ‘Window’, aunque en esta ocasión el factor de densidad está más atenuado a favor de una mayor presencia de elementos líricos, probablemente inspirados en la música pagana de la era gótica. ‘Flowering Another Reality’ es una pieza más abiertamente juguetona que cualquiera de las anteriores, lo cual no quiere decir en lo absoluto que sea cándida: por el contrario, en algunos pasajes muestra algunas sonoridades frontalmente áridas, y su dadaísta cierre es clara muestra de que la espiritualidad alucinada es parte esencial del ideario musical de la banda. ‘Train’, el siguiente tema, se encarga de recalcar esa espiritualidad inquieta con un vigor convincente que penetra cada poro de su ostensiblemente compleja arquitectura. Esta secuencia de ‘Flowering Another Reality’ y ‘Train’ puede muy bien considerarse como un cénit decisivo del álbum, tras lo cual no viene mal un breve ejercicio de ágil dinamismo dirigido por las bases de piano y los aportes de las cuerdas y maderas: de eso se encarga ‘Simplification Of Another Reality’.

En el séptimo tema atestiguamos el inicio del concepto de ‘Triptych “Man, Penetration”’ con la sección ‘The First Day’. Esta sección despliega una estupenda síntesis de la ideología estética que ya conocemos en la banda: complejas excursiones multi-temáticas, rotundamente efectivos diálogos entre los músicos, extraordinaria fluidez en el manejo de los diversos ambientes que se van instalando y desinstalando. Tras un ‘Interlude’ de piano donde THE ARCHESTRA nos muestra una rara ocasión de silenciosa vulnerabilidad, la segunda sección ‘Night’ y la tercera sección ‘Last Day’ exhiben otros momentos de exuberante fastuosidad: ‘Night’ porta un aura señorial donde la energía se expresa de manera contenida, mientras que ‘Last Day’ capitaliza sólidamente la herencia de ‘The First Day’ creando nuevos pasajes tortuosos pletóricos de misteriosa belleza. Ocupando los últimos 4 ½ minutos del disco, la ilación de ‘Tocsin’ y ‘Anthem’: ‘Tocsin’ recibe mucho impacto de la altivez exaltada de ‘Window’, mientras que ‘Anthem’ nos devuelve a la calidez alterada con que se había iniciado el álbum.


Tenemos en THE ARCHESTRA una nueva opción de chamber-rock para la escena contemporánea de la música progresiva: “Arches” es un símbolo innegable de lo valioso que es lo que se hace en la vanguardia bielorrusa hoy en día.


Muestra de “Arches”.-

Triptych “Man, Penetration” 3. Last Day: https://soundcloud.com/udi-koomran/sets/the-archestra-arches-soleil

Friday, January 03, 2014

DISCIPLINE contempla su orden actual y echa un vistazo a su pasado caótico


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

El grupo estadounidense DISCIPLINE recibi{o el año 2014 con un doble testimonio: uno, el de la fuerza de voluntad que focalizó su energía creativa en el periodo de reencuentro desde donde se gestó esa maravilla fonográfica titulada “To Shatter All Accord”; el otro, el de sus inicios tentativos e impetuosos dentro del ideal del rock como motivo artístico. El primero de estos testimonios es el doble CD en vivo “This One’s For England”, mientras que el segundo es el rescate digital de su casete debut “Chaos Out Of Order”, el cual era de por sí un trabajo conceptual a la usanza de las expresiones más ambiciosas de la tradición del rock progresivo.


“This One’s For England” fue registrado durante la actuación de DISCIPLINE en la edición de 2012del Rites Of Spring Music Festival, el 5 de mayo en el Majestic Theater de Gettysburg (Pennsylvania). Siendo un grupo que estaba resucitando con actuaciones en vivo desde el año 2008 después de un largo periodo de hibernación que causó como efecto que el segundo disco de la banda “Unfolded Like Staircase” fuese elevado al status de clásico del prog 90ero en varias redes y sitios web, y además tenía un disco nuevo bajo el brazo (“To Shatter All Accord”), la expectativa ante su participación en dicho festival era muy grande. A juzgar por los comentarios de los asistentes, y por supuesto, por lo que escuchamos en este disco doble, el grupo brindó una actuación enérgica y precisa, plagada de intensidad electrizante pero sin perder nunca la perspectiva de la musicalidad de cada pieza del repertorio. El título del doble álbum proviene de la letra de la magnífica suite ‘Rogue’, la cual cierra tanto el repertorio de “To Shatter All Accord” como la actuación de la banda. Definitivamente, ‘Rogue’ funciona muy bien como conclusión debido a su vitamínico dramatismo expresado a través de la ilación de motivos que ocupa casi un cuarto de hora de duración. También estuvo muy bien elegido el tema para abrir la presentación: ‘Circuitry’, una composición muscular y dinámica que hace honor a la leyenda de DISCIPLINE de convertirse en el VAN DER GRAAF GENERATOR del revival prog. El primer volumen de “This One’s For England” también contiene un temazo como ‘Before The Storm’, el cual se engarza con un fragmento del grisáceamente temperamental instrumental ‘Blueprint’. También contiene ese irónico canto a la decadencia de las urbes modernas que es ‘Dead City’. Al presentar esta canción en particular, Matthew Parmenter asegura que no pensaba específicamente en Detroit – precisamente la ciudad natal de DISCIPLINE – al  componer esta canción, en medio del ambiente de buen humor que invade al público asistente, pero sin duda que resulta una canción muy significativa teniendo en cuenta su reciente desgracia de convertirse en una ciudad con la mayor bancarrota de toda la historia de los EE.UU.


Si el segundo volumen termina con el esplendor dramáticamente neurótico de ‘Rogue’, el primero concluye con el envolvente olor a ensueño tanático que emana de ‘When She Dreams She Dreams In Color’. Esta pieza, una de las más intensas que han salido jamás de la inquieta mente musical de Matthew Parmenter, es la manifestación más pura de la desolación y la solitaria oscuridad de un alma torturada: aunque en el contexto del escenario nos privamos del solo de violín que aparece en el disco “To Shatter All Accord” durante la larga letanía instrumental final, la fuerza de carácter exhibida por las capas de teclado y el matiz hipnótico de la repetitiva base armónica de guitarra funcionan muy bien a la hora de plasmar la esencia de la canción. Temas clásicos de los dos primeros álbumes del grupo son ‘The Reasoning Wall’ y ‘Canto IV (Limbo)’, prácticamente infaltables… y como tales, aparecen en el repertorio del segundo volumen, ejecutados con maestría y vitalidad, e incluso rudeza frontal, como sucede en el climático intermedio rockero de ‘Rogue’. 

 

Pasamos ahora a “Chaos Out Of Order”, el ítem que nos abre una perspectiva única hacia la etapa de autoaprendizaje de DISCIPLINE, cuando aún era una banda en busca de fermentar y reforzar su propia identidad progresiva, pero ya con las agallas para tomarse en serio el ideal del rock como arte. Siendo todavía un trío de Parmenter (al canto, los teclados, el bajo, el violín, algunas partes de guitarra y percusión electrónica), el guitarrista Preston y el baterista Woody Saunders, queda claro que el grupo se toma en serio la locura de empezar su carrera fonográfica con una ópera-rock. Bueno, yendo al grano sin más preámbulos, este disco empieza con las dos partes de ‘Man & The Locust’: un prólogo frenético que suena a un híbrido de SONIC YOUTH y ULTRAVOX abre pronto el paso a una ceremoniosa sección cantada formada como balada progresiva, la cual manifiesta una mezcla de contemplativa melancolía y serena tristeza, con un claro dominio de los teclados. La dupla de ‘Still Night’ y ‘Trying To Catch My Senses’ sigue a continuación para insuflar los primeros aires de alegre expresividad del álbum: un rock’n’roll sofisticado que tiende puentes entre la tradición de THE DOOBIE BROTHERS y la de CURVED AIR. El gancho de ambas canciones nos hace lamentar que terminen dejándonos con la miel en los labios: la primera dura 3 ½ minutos, mientras que la segunda ni siquiera alcanza la frontera de los 2 minutos. Con ‘Uphill Climb’, el trío elabora una mezcla de SUPERTRAMP y YES que fluye muy bien gracias a un piano que asume el rol protagónico en la fundamentación del desarrollo melódico y el armado del swing; acto seguido, ‘Man In Transition’ muestra confluencias con el estándar neo-progresivo a la par que refleja  semejanzas con TOTO.



La segunda mitad del disco empieza con ‘The Conscious Slumber’, una breve balada donde se retoma la melancolía de ‘Man & The Locust’ para luego engarzarse con ‘Mickey Mouse Man’, que desarrolla un clima festivo al modo de un himno BEATLE-progresivo. El bloque de ‘Interlude’ y ‘Wrists’ se encarga de armar el clímax conclusivo del disco. ‘Interlude’ hila un crescendo psicodélico que se mantiene dentro de ciertas pautas de autoconstricción, terminando con sonidos de un teléfono y un cronómetro. Por su parte, ‘Wrists’ maneja varios discursos de sensibilidad introspectiva, transitando de lo etéreo a lo ceremonioso con una breve interrupción motivada por un breve intermedio a lo U.K. El bonus track de “Chaos Out Of Order” es ‘Peacemaker’, una composición que data de 1987 y dura casi 10 minutos. Con una fuerte presencia de las guitarras acústicas duales, la pieza se desarrolla con solvencia a través de varios cambios de motivos y ambientes: aires de GENESIS, YES y KANSAS se hacen notar ya en esta excursión multi-temática.      

 

Tenemos con estos dos ítems un testimonio de lo que DISCIPLINE significa para la escena progresiva estadounidense de los últimos 20 años, así como una entrañable memoria de sus tiempos primigenios. Y ahora que sabemos, por vía de su página web (http://www.strungoutrecords.com/), que el grupo está preparando su próximo trabajo de estudio, podemos estar seguros de que esta disciplina nos tiene deparado un nuevo arsenal de sonidos progresivos maravillosos para el futuro próximo.  


Muestra de “This One’s For England”.-

When She Dreams She Dreams In Color: http://www.youtube.com/watch?v=CE18oSK9dME