tag:blogger.com,1999:blog-113038262024-03-19T08:22:43.349-04:00Autopoietican - Apuntes de Musica Progresiva ContemporaneaSigo tan sediento de absoluto como cuando tenia veinte años, pero la delicada crispacion, la delicia acida y mordiente del acto creador o de la simple contemplacion de la belleza, no me parecen ya un premio, un acceso a una realidad absoluta y satisfactoria.Jose Zegarra Holderhttp://www.blogger.com/profile/08264990568672019469noreply@blogger.comBlogger2039125tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-15962916821481638232024-03-19T00:05:00.000-04:002024-03-19T00:05:44.488-04:00JON DURANT: el momento de una serie de experimentos musicales con sus colegas COLIN EDWIN y ANDI PUPATO<div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOoRp6qRct7Uwpzlj87OIpAbeY6qibPIdNVyGOCZgEszWvM6VRk93RKo5yT1p8qMaD_ymyJy8ILBj5eG4900w9c7bEjuhfkuT6oqdMM70Lv8JGMbol8m6PI_rw548PaD6EzzO6xaHyZhomAyVNVnt5rQcqT12eB5wsTZV3JgThv_EtswjAHmta/s1400/Momentariy%20Cover%20(1400).jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1400" data-original-width="1400" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOoRp6qRct7Uwpzlj87OIpAbeY6qibPIdNVyGOCZgEszWvM6VRk93RKo5yT1p8qMaD_ymyJy8ILBj5eG4900w9c7bEjuhfkuT6oqdMM70Lv8JGMbol8m6PI_rw548PaD6EzzO6xaHyZhomAyVNVnt5rQcqT12eB5wsTZV3JgThv_EtswjAHmta/w400-h400/Momentariy%20Cover%20(1400).jpg" width="400" /></a></div></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"> <br />HOLA, AMIGOS DE
AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.<br /><o:p> <br /></o:p>El mes de marzo
de 2024 nos trajo, entre otras cosas, un disco emergido de la asociación de tres excelentes músicos, el estadounidense JON DURANT [guitarra-sintetizador, guitarras eléctricas con y sin
trastes, Cloud Guitar y efectos], el británico COLIN EDWIN [bajo acústico sin trastes y contrabajo] y el suizo ANDI PUPATO
[batería y percusión]. El disco en cuestión se titula “Momentarily” y fue publicado a inicios del presente mes de marzo por el sello Alchemy Records como un trabajo solista de DURANT. Estrictamente hablando, se trata de algo verídico pues el material co</span><span style="font-family: georgia;">ntenido en “Momentarily” comenzó su existencia como una serie de improvisaciones experimentales de DURANT, las mismas que poco más tarde arregló para un formato de trío; pero, </span><span style="font-family: georgia;">también es cierto que los tres músicos involucrados crearon diálogos muy orgánicos a la hora de concretar el contenido del disco que hoy comentamos. DURANT tiene tiene una muy
respetable trayectoria solista en las áreas del jazz contemporáneo y el
ambient-prog, además de haber armado proyectos ocasionales con grandes nombres como STEPHAN THELEN, ROBERT JÜRJENDAL y el propio EDWIN en BURNT BELIEF. También ha trabajado anteriormente con PUPATO en FRACTAL SEXTET. Es justo resaltar que cada uno de los compañeros de este viaje de DURANT cuenta con sus propias trayectorias bien curtidas (EDWIN es principalmente famoso por haber sido integrante de
PORCUPINE TREE por una larga temporada). Teniendo en cuenta lo afines que son estos tres señores al ideal del rock vanguardista, no es de extrañar que pusieran sus fuerzas
creativas prestamente al servicio de este nuevo proyecto iniciado por DURANT. En cuanto a la realización de las sesiones de grabación, éstas se repartieron entre los estudios hogareños que los tres tienen en sus respectivas ciudades de residencia: Portland, Londres y Zurich. El propio DURANT se hizo cargo de la mezcla, mientras que la masterización estuvo en manos de Dana White en el estudio Specialized Mastering de Oregon. Vayamos ahora a los detalles específicos del repertorio contenido en </span><span style="font-family: georgia;">“Momentarily”.</span><span style="font-family: georgia;"> </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><o:p> <br /></o:p>Durando 6
minutos y pico, ‘In A Moment’ abre el repertorio con un despliegue de sutilezas densas y climas grisáceos a través de los cuales se asientan unas delicadamente líricas líneas de guitarra. En base a ellas, se va desarrollando una atmósfera contemplativa en clave jazz-progresiva que se siente mayormente gentil, aunque también contiene leves indicios de inquietud en su esquema melódico, los mismos que son aprovechados por el encubierto ímpetu de la batería. <span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">‘Bitter Wind’ sigue a continuación para dar un viraje ensoñador al esquema sonoro introducido por la primera pieza, siendo así que la gracilidad con la que se arma el permanente momentum elabora una nebulosidad envolvente. El swing de la batería a veces crea unas vibraciones exóticas con un contenido vigor sensual mientras la guitarra-sintetizador emula mágicamente los tonos evocadores de vientos orientales. En general, tenemos aquí un regreso del TERJE RYPDAL 1987-1991 a través del filtro de la faceta más etérea de TORTOISE con algunos insumos extra que provienen del cosmos musical de TREY GUNN. </span>Con la
subsiguiente dupla de ‘Not Always Raining’ y ‘Raki’, el colectivo sigue
explorando climas y texturas dentro de su bien trazado enfoque grupal. El primero de estos
temas mencionados refuerza convincentemente la aureola misteriosa que envolvió al tema de entrada, pero esta vez late una estela crepuscular que se enfila hacia lo introspectivo en medio de un ambiente muy calmado. La consonancia común entre los secos efectos percusivos y las flotantes líneas de la guitarra-sintetizador ayudan a impulsar un aura surrealista a la atmósfera cinematográfica general. A mitad de camino, la pieza adquiere un moderado incremento de luminosidad dentro de un amable enclave fusionesco que capitaliza el potencial expresivo del motif central. En cuanto a ‘Raki’, se trata de una escursión frontalmente focalizada en el discurso de la fusión contemporánea, centrándose en un flujo de cadencias orientales firmemente emanadas por la batería mientras la guitarra y el bajo llenan espacios con elegante soltura. El anterior tímido fulgor de </span><span style="font-family: georgia;">‘Not Always Raining’ se convierte en esplendor amplificado para el armazón de ‘Raki’.</span><span style="font-family: georgia;"> </span><span style="font-family: georgia; mso-spacerun: yes;"> </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><o:p> <br /></o:p>Con el muy
significativo título de ‘Rockets In Kyiv’ emerge la pieza más extensa del álbum
con su espacio de poco menos de 11 ½ minutos. Los fraseos prologares de la guitarra exorcizan aires de estupor y tristeza, instaurando los cimientos para lo que se va a llevar a cabo desde la confluencia de las tres voluntades muslcales actuantes. Poco a poco, el bajo va encontrando espacios de hermanamiento con las armonías de la guitarra mientras la parte percusiva todavía va tanteando los posibles caminos por lo que, más tarde o más temprano, habrá de transitar para completar la ingeniería musical en curso... Y ese momento llega apenas pasada la frontera del tercer minuto. Así las cosas, el encuadre melódico se manifiesta de una forma muy bien definida, logrando plasmar un halo de nostalgia que, de alguna manera, también suena a esperanza. He aquí lo más exuberante y señorial de todo el repertorio, un sublime viaje por los surcos del jazz-fusion con convincente colorido exótico. ‘For A Moment’ pone el broche
final con un regreso a la dimensión introvertida, elaborando un motif bien marcado con ciertos ornamentos etéreos que se añaden a lo largo del camino para gestar ciertos recursos de controlada agilidad. A través de la atmósfera abstracta, se notan los cálidos vientos expresivos que brotan de la guitarra durante la segunda mitad de esta pieza. Todo esto fue lo que se nos brindó en </span><span style="font-family: georgia;">“Momentarily” desde los cuarteles del maestro JON DURANT con el creativo apoyo de los no menos magistrales COLIN EDWIN y ANDI PUPATO. Se trata de una hermosa exhibición de meditaciones musicales encajadas en una controlada variedad de grooves y atmósferas. La creatividad destilada a través de estos varios juegos de sutileza y la fineza de las composiciones mismas hacen de éste un gran disco para las vanguardias jazzera y progresiva del año 2024. </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-57830332484589832662024-03-17T00:00:00.000-04:002024-03-17T00:00:10.958-04:00PHASE OF TWILIGHT: una excelente novedad dentro del rock progresivo estadounidense del momento<div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZ3kqkLfBjlC5uQdgSOC021sl0nSjlrij0-4L1SF2oCGQmn30J_XQQGNwl4B3GEvwuqC8Kq1N85VitKSHQ5MIfuVm9zd0RkrCqP04YpOxMH24WYkEUxgAHyI1oeACbCVZUVeActAcY31aEBJUbE1TcCAdzswSvaXF_Lqd4f_eRnN7I9sGNNBAT/s1200/a0377560218_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1197" data-original-width="1200" height="399" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZ3kqkLfBjlC5uQdgSOC021sl0nSjlrij0-4L1SF2oCGQmn30J_XQQGNwl4B3GEvwuqC8Kq1N85VitKSHQ5MIfuVm9zd0RkrCqP04YpOxMH24WYkEUxgAHyI1oeACbCVZUVeActAcY31aEBJUbE1TcCAdzswSvaXF_Lqd4f_eRnN7I9sGNNBAT/w400-h399/a0377560218_10.jpg" width="400" /></a></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><br /></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA
CÉSAR INCA.</span><br /><o:p style="font-family: georgia;"> <br /></o:p><span style="font-family: georgia;">Hoy presentamos el nuevo proyecto del
músico y compositor estadounidense Mark Cook. El proyecto se llama PHASE OF
TWILIGHT y, además de tener a Mark Cook a la Warr Guitar, el bajo sin trastes,
los teclados y la percusión, también tiene a Bill Bachman [batería] y John
Galvan [guitarra y pedales Moog Taurus]. Bachman tiene varios años trabajando
con Cook en excelentes grupos como HERD OF INSTINCT y SPOKE OF SHADOWS. Galvan, por su parte, es un músico con formación clásica. El trío
ha publicado recientemente un EP homónimo, más exactamente, el 2 de marzo
pasado. El material contenido en este lanzamiento independiente fue compuesto colectivamente
por el trío, siendo así que las ulteriores labores de mezcla y masterización
estuvieron a cargo del maestro Cook. La bella foto de la portada fue hecha por Anne
Galvan.</span><br /><o:p style="font-family: georgia;"> </o:p></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggmXjBHFh_il3vyTAbT8IWtzNr6szzQS9QithkAIfftyJw1hsm_UmRW3dsQrpO9XB4F8UMCkFJujiTkEaXIoIb6OYXGRsUbXSlwlqY6qr_xT5IAVbI2Z0VkmRPpCKpsXxpdPH4lQZcXIl50HzQFQ-W8YhgrsCHA-od6gk2AWFDl7YgwECRiBSR/s700/a3967038462_16.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="700" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggmXjBHFh_il3vyTAbT8IWtzNr6szzQS9QithkAIfftyJw1hsm_UmRW3dsQrpO9XB4F8UMCkFJujiTkEaXIoIb6OYXGRsUbXSlwlqY6qr_xT5IAVbI2Z0VkmRPpCKpsXxpdPH4lQZcXIl50HzQFQ-W8YhgrsCHA-od6gk2AWFDl7YgwECRiBSR/s320/a3967038462_16.jpg" width="320" /></a></div></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><o:p style="font-family: georgia;"><br /></o:p><span style="font-family: georgia;">Durando casi 8 ½ minutos, la pieza titulada
‘Moments Bass By’ abre el repertorio con un gran derroche de elegancia. La primera ambientación es ceremoniosa y ostenta una garra rockera desarrollada tras un efectivo muro de contención; los elegantes fraseos de la guitarra dialogan fluidamente con las florituras del bajo mientras la batería va desarrollando diversos grooves a lo largo del camino. Una vez pasada la frontera del tercer minuto, las cosas empiezan a soltarse con la secuendia de dos puentes: el primero se explaya en un breve ejercicio de flotante space-rock, el segundo exhibe una explosión de musculatura progresiva. Así las cosas, el trío adopta una garra donde, a pesar de volver a la ceremoniosidad originaria, ya es inocultable su renovada incandescencia rockera, siendo así que el solemne epílogo llena espacios por doquier. ‘Document’ sigue a continuación para
erigirse (en nuestra humilde opinión) como el cénit del repertorio. Sus muestras de sofisticado fulgor son diligentemente imponentes tras un preludio tentativo, siendo así que el cuerpo central se siente muy cómodo cruzando los discursos del heavy prog y el jazz-rock en su seno. Opera aquí un híbrido de ATTENTION DEFICIT con los DJAM KARET de la etapa 1989-97, añadiéndose un resplandor especial a la focalización de los diversos grooves que se van sucediendo. El solo de guitarra que emerge a mitad de camino es sublime y también es de destacar el garbo tremendamente radiante con el que se arma la sección final en base a la síntesis entre dos de los motivos aparecidos anteriormente. El cierre del EP lo trae ‘Forward View’, una pieza contemplativa que explora serenos climas cinematográficos que oscilan entre lo impresionista y lo cósmico. Hay un talante crepuscular en las sobrias escalas de guitarra que marcan la pauta inicial; por su parte, las capas de sintetizador apuntan hacia lo noctámbulo, lo cual termina orientando el perfilamiento del esquema sonoro de la segunda mitad. </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">Allende su brevedad, </span><span style="font-family: georgia;">“Phase Of Twilight” </span><span style="font-family: georgia;">debe ser valorado como el muy buen disco que es. Mantenemos nuestra atención en este nuevo grupo PHASE OF TWILIGHT para ver qué más hace en el futuro próximo. Su propuesta sonora, siendo tan versátil y potente como es, emerge como una nueva fuerza creativa interesante dentro de la actual escena progresiva estadounidense.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><o:p style="font-family: georgia;"> <br /></o:p><o:p style="font-family: georgia;"> <br /></o:p><span lang="EN-US" style="font-family: georgia;">Muestra de
“Phase Of Twilight”.-<br /></span><span style="font-family: georgia;">Document: </span><a href="https://herdofinstinct.bandcamp.com/track/document" style="font-family: georgia;">https://herdofinstinct.bandcamp.com/track/document<br /></a><o:p style="font-family: georgia;"> </o:p></div>
César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-62068952011308880832024-03-14T00:13:00.002-04:002024-03-14T00:13:36.731-04:00La cuarta dimensión de los maestros del prog sinfónico japonés ELECTRIC ASTURIAS<div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><div style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"> <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgShSqrbLtmSsy7cmNnGAYCvb_x8s1pB8J2qVhkbUOMGTblaGq31m-pYoseLoBiT7ddckrsQ0EU9ycT6Hq8Lz7NsWNZED6u6oDCWQq_QKFLSr1MDqjMC5Daime5y011r5Et0QppkzWYQBlKy6LL-GxvqOIcqsCpcGnavo-hp30VJkSqR_IEbZKi/s1200/a1583506569_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgShSqrbLtmSsy7cmNnGAYCvb_x8s1pB8J2qVhkbUOMGTblaGq31m-pYoseLoBiT7ddckrsQ0EU9ycT6Hq8Lz7NsWNZED6u6oDCWQq_QKFLSr1MDqjMC5Daime5y011r5Et0QppkzWYQBlKy6LL-GxvqOIcqsCpcGnavo-hp30VJkSqR_IEbZKi/w400-h400/a1583506569_10.jpg" width="400" /></a></div></span></div><span style="font-family: georgia;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><o:p> <br /></o:p></span>HOLA, AMIGOS DE
AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.<br /><o:p> <br /></o:p>Hoy es el turno
de exponer nuestra apreciación sobre el más reciente trabajo del ensamble
japonés ELECTRIC ASTURIAS, el cual se titula “Dimensions” y fue publicado el 4
de octubre del pasado año 2023, siendo distribuido por el sello Musea Records. El
quinteto conformado por Yoh Ohyama [bajos], Satoshi Hirata [guitarras], Tei
Sena [violín], Kiyotaka Tanabe [batería] y Eiji Nakamura [teclados] vuelve a
lucir sus galones de destreza para generar exquisita música prog-sinfónica para
nuestros tiempos. Siendo Ohyama el compositor de la banda y uno de sus
fundadores en la época originaria de 1983-1993. Fue con su retorno al estrado público a
inicios del nuevo milenio a través del frente triádico de ASTURIAS, ACOUSTIC ASTURIAS
y ELECTRIC ASTURIAS que este grupo ha logrado hacerse de un sitial importante
dentro del actual escenario progresivo internacional. “Dimensions” es el decimoprimer
álbum desde el inicio de esta nueva fase y el cuarto que lleva la firma de
ELECTRIC ASTURIAS. Todavía recordamos el impacto tan positivo que nos dejó el
trabajo precedente “Trinity”, el cual data de enero de 2019. Veamos ahora los
detalles del repertorio contenido en este disco.<br /><o:p> <br /></o:p>Durando poco
menos de 7 minutos, ‘La Porte De l’Enfer’ abre el repertorio con una exquisita demostración de preciosismo melódico encapsulado en un bloque de estilizada energía, algo que el grupo maneja a su antojo desde siempre. Asentándose mayormente sobre un tempo de 5/4, la banda elabora una cruza entre los paradigmas de YES, DARRYL WAY y sus ilustres compatriotas de KBB. La inclusión de un paraje intermedio donde predomina lo ceremonioso permite a la vivacidad esencial de esta pieza airearse un poco. Gran inicio de álbum al cual sigue de inmediato ‘Stone Circle’, una pieza mágicamente cautivadora que se inserta sólidamente en el área del sinfonismo clásico, lo cual pone a la gente de ELECTRIC ASTURIAS en consonancia con TEE e IL CASTELLO DI ATLANTE. Esta vez, los teclados se hacen cargo de la dirección general del entramado sónico grupal, siendo así que también se incluye algunas florituras de bajo en ciertos pasajes de tendencia introspectiva. De todas maneras, que quede claro que todavía opera en el centro nuclear el fulgor extrovertido que antes signó al tema de apertura. ‘Karma’ se explaya por un generoso espacio de casi
8 minutos y su misión principal consiste en expandir el potencial de versatilidad expresiva que tiene el grupo. Todo comienza con un enclave ceremonioso de un motif jazzero al estilo romántico, usando un motif que se toma su tiempo para dejar constancia de su presencia. Tras un interludio aguerrido guiado por estilizadamente oscuros riffs de guitarra, el vals se reinstaura con confianza para erigirse ya como el cuerpo central al que apuntaba. Cuando llega el turno de ‘<span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">Shippuu Jinrai’, la banda capitaliza e incrementa los réditos de su faceta más extrovertida, creando una pieza llamativa cuya mezcla de luminosidad e intrepidez la convierte en la versión violín-céntrica de uno de sos estándares más ágiles de la leyenda de FOCUS. Hay espacio para algún solo de sintetizador en medio del camino, algo que impulsa la adición de cromatismos interesantes al asunto.<br /><o:p></o:p></span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><o:p> <br /></o:p></span>La suite ‘Fourth
Dimension’ ocupa un espacio de poco menos de 20 ¼ minutos y, claro está, carga
sobre sus espaldas la misión de encapsular los registros más grandilocuentes y
palaciegos dentro del ideario grupal. Tras un breve preludio de violín y teclado, la instrumentación global se instala a sus anchas en la concreción de dinamismos razonablemente sofisticados bajo la sempiterna guía del prog sinfónico. Alrededor de la frontera del tercer minuto y medio, la cosa vira hacia un motif intenso y sofisticado donde el grupo gesta uno de los momentos más fastuosos del disco; dicho motif aterriza finalmente en una senda un poco más relajada bajo la guía del violín, siendo así que el ensamble pronto recupera algo de la vivacidad precedente. De hecho, ésta se remodela agudamente en el siguiente motif, el cual establece vínculos con los legendarios paradigmas de YES y ELP. Un pasaje solemne signado por una atmósfera fastuosamente gótica emerge antes de llegar a la frontera del undécimo minuto, algo que siembra el camino del lirismo envolvente y evocador en base a una gentileza cristalina. Cuando el violín se pone a hacer escalas virtuosas, se anuncia el arribo de otra sección vivaz y contundente, la misma que se explaya a paso firme hasta el climático momento final. La magnificencia de siempre es sistemáticamente engalanada por una agilidad especial. El cierre del disco llega de
la mano de ‘Solace Of The Caged Bird’, pieza que tiene la peculiaridad de
contar con las letras y el canto de </span><span style="white-space-collapse: preserve;"><span style="font-family: georgia;"><span style="background-color: rgba(0, 0, 0, 0.05);">Kazuhiro Watanabe</span><span style="background-color: white;">.</span></span></span><span style="font-family: georgia;"> Se trata, en lo esencial, de una balada progresiva que algunas confluencias tiene con el paradigma de HAPPY THE MAN, especialmente en lo referente a la inserción de recursos de jazz-fusion y Canterbury en medio del claro imperio de lo sinfónico. Las vibraciones ensoñadoras creadas para la ocasión inundan la espiritualidad nostálgica de la canción a través de meandros donde se alternan lo contemplativo y lo festivo.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">Todo esto fue lo que se nos ofreció desde los cuarteles de ELECTRIC ASTURIAS con “Dimensions”, un disco hermoso y refinado que supone una exitosa exploración de la cuarta dimensión musical del mencionado ensamble y un paso más para el camino del escenario prog-sinfónico japonés en este milenio. Un disco muy hermoso y muy recomendable, en pocas palabras.<br /><o:p> <br /></o:p><o:p> <br /></o:p><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">Muestras de “Dimensions”.-<br /></span>La Porte De l’Enfer:
<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><a href="https://asturias.bandcamp.com/track/la-porte-de-lenfer">https://asturias.bandcamp.com/track/la-porte-de-lenfer<br /></a><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">Stone Circle: <a href="https://asturias.bandcamp.com/track/stone-circle">https://asturias.bandcamp.com/track/stone-circle<br /></a></span>Fourth
Dimension: <span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><a href="https://asturias.bandcamp.com/track/fourth-dimension"><span lang="ES-PE" style="mso-ansi-language: ES-PE;">https://asturias.bandcamp.com/track/fourth-dimension</span></a></span></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-67105840127277727052024-03-11T00:00:00.002-04:002024-03-11T00:00:35.875-04:00BONDAGE FRUIT: resurrección de un gran referente del eclecticismo progresivo japonés<div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"> </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAujFqwZ7bGvXYc1MQK34Orx4k1doAfZKQ9nKoQ1G_XTd1bLIU70zV_1657N_yzAovvDhBeFsfWMTtpKEZNHXrlrf2_qf5pDPpHl-HsmzODKW6_do31Ybi5DfHyjM4QBCAm66kFXuyIQ2hbW2xANh_rwXb0sVbi4w7p9ZPxLNMUY3UUEePHcpq/s1003/cover_494181122024_r.webp" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1003" data-original-width="1000" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAujFqwZ7bGvXYc1MQK34Orx4k1doAfZKQ9nKoQ1G_XTd1bLIU70zV_1657N_yzAovvDhBeFsfWMTtpKEZNHXrlrf2_qf5pDPpHl-HsmzODKW6_do31Ybi5DfHyjM4QBCAm66kFXuyIQ2hbW2xANh_rwXb0sVbi4w7p9ZPxLNMUY3UUEePHcpq/w399-h400/cover_494181122024_r.webp" width="399" /></a></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><br /></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA
CÉSAR INCA.</span><br /><o:p style="font-family: georgia;"> <br /></o:p><span style="font-family: georgia;">Hoy tenemos unas muy buenas noticias desde
la vanguardia progresiva japonesa: se trata del retorno de BONDAGE FRUIT tras
un hiato de 19 años. El sello Maboroshi No Sekai publicó el 25 de enero pasado
el séptimo disco de este legendario ensamble de rock progresivo experimental,
el sexto de estudio: su título es simplemente “Bondage Fruit VII”. El colectivo
recurrente de Kido Natsuki [guitarras], Katsui
Yuji [violín], Ohtsubo Hirohiko [bajos], Takara Kumiko [vibráfono y percusiones]
y Okabe Youichi [batería, percusiones y tambor electrónico]</span><span style="font-family: georgia;"> reactiva a lo grande el posicionamiento musical de </span><span style="font-family: georgia;">BONDAGE FRUIT en esta fase de resurrección</span><span style="font-family: georgia;">. Este disco supone
una nueva exploración, tras muchos años de ausencia, en su visión musical
aguerrida y dinámica donde se cruzan los patrones del jazz-rock, el avant-prog y la fusión contemporánea; su trayectoria fonográfica que va desde 1994 a 2005 ha dejado grandes
recuerdos en los coleccionistas del género progresivo dedicado a explorar sus matices más experimentales, siendo así que sus tres
primeros discos de estudio y el sexto eran los más habitualmente elogiados. Natsuki
se ha mantenido bastante activo en varios proyectos desde antes de que BONDAGE
FRUIT entrara en su largo receso, especialmente en los grupos KOREKYOJINN y THE
WORLD HERITAGE. Yuji también se ha mantenido ocupado en grupos como el ya
mencionado THE WORLD HERITAGE y TWIN TAIL. Todo el material aquí contenido fue
compuesto por Natsuki, mientras que los arreglos fueron el fruto de la labor
grupal. Las sesiones de grabación tuvieron lugar en el Yatsugatake Hoshi to
Niji Recording Studio en agosto de 2023. La mezcla estuvo a cargo de Uchida
Naoyuki Makisato Lab, mietras que la masterización fue realizada por Mitsukazu
Tanaka en Studio Chatri. El resultado general es el de un magno despliegue de creatividad jazz-progresiva que nos ha dejado una muy grata impresión; este retorno supuso una inquietud sistemáticamente luminosa.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><span lang="EN-US"><o:p> </o:p></span></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><span lang="EN-US"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWQV4NyAkZ1l0n5asHPqUq773O3OSPj-DP518J2qxihbYT74QyZ0fQ-82ZL-RIUd6gboOFtVf14zHfQ7OdzvGeIiSjkl7OnJP7RIMYaTDo84LBseM67yhCiqUgdhuNjI9g3JOipiyJP1JPL2tgIaO-EwS9slE1M8uful55gNCz28mMegrkFEig/s600/R-29733211-1707384393-6450.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="296" data-original-width="600" height="198" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWQV4NyAkZ1l0n5asHPqUq773O3OSPj-DP518J2qxihbYT74QyZ0fQ-82ZL-RIUd6gboOFtVf14zHfQ7OdzvGeIiSjkl7OnJP7RIMYaTDo84LBseM67yhCiqUgdhuNjI9g3JOipiyJP1JPL2tgIaO-EwS9slE1M8uful55gNCz28mMegrkFEig/w400-h198/R-29733211-1707384393-6450.jpg" width="400" /></a></div></span></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><span lang="EN-US"><o:p><br /></o:p></span>Pasemos ya a los detalles del repertorio contenido en “Bondage Fruit VII” para justificar la última noción del párrafo anterior. ‘Aoi Kikai’ ocupa los primeros 6 ¼ minutos del disco y
lo hace desplegando una calidez especial sobre un groove llamativamente marchosos que comienza con arquitectónicas cadencias de la percusión tonal. El violín y la guitarra, al delinear el relativamente sencillo motif central, abre espacios para que el ensamble íntegro se suelte en una extroversión cautivadora. Eso sí, a mitad de camino, emerge un puente signado por una aureola de arcana solemnidad, la cual se deja arropar por un lirismo envolvente. Se trata de un brere reposo antes del regreso del fulgor predominante. Sigue a continuación la dupla de ‘Mori No Okite’ y ‘Furiko’,
diseñada para seguir ampliando las estrategias sónicas del ensamble. ‘Mori No
Okite’ es un delicado ejercicio de ágil fusión con un imponente espíritu bucólico facilitado por el impacto que tiene el encuadre de la guitarra acústica y las percusiones para instaurar el ambiente general de la composición. Hay un vitalismo patente operando en las interacciones entre los músicos, pero ese vitalismo se halla meticulosamente contenido por la cristalina claridad del desarrollo melódico. En este sentido, la voz del violín se erige como una guía del trayecto colectivo, estando algunas florituras de la guitarra al servicio del realce de la algarabía musical. Por su parte, ‘Furiko’ se mete de lleno en un área jazz-rockera con connotaciones Mahavishnunescas y un talante ligeramente Crimsoniano, aunque también laten unas vibraciones fusionescas que emparentan con las que fueron tan explícitas en la pieza precedente. También se pueden advertir algunas confluencia con los paradigma de grupos indonesios tales como TOHPATI ETHNOMISSION o SIMAKDIALOG. Es algo así como el hermano macho alfa de </span><span style="font-family: georgia;">‘Mori No Okite’ que hace gala de su particular musculatura. El epílogo es sereno y evocador, un buen golpe de efecto.</span><span style="font-family: georgia;"> ‘</span><span lang="EN-US" style="font-family: georgia;">Kuroi Ikimono’ es como una cruza entre BOUD DEUN y LED BIB, un viaje a través de agradables trazos temáticos en medio de un despliegue de garra expresiva que, en ciertas ocasiones estratégicas, abre espacios para algunos ornamentos vanguardistas. La solidez con la que el bajo aporta algunas virguerías a mitad de camino merece una mención especial por su forma de iluminar los meandros de</span><span style="font-family: georgia;">l bloque sonoro.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><span lang="EN-US"> <o:p></o:p></span><span lang="EN-US"><o:p> <br /></o:p></span>El quinto tema del álbum se titula ‘Caminante’
(así, en español) y causa un impacto inmediato con esas impresionantes florituras de guitarra acústica que abren presurosamente la senda del desarrollo temático. Con las columnas edificadas por las percusiones y la batería, el contexto sonoro donde se elabora el entramado grupal queda listo para que el violín dibuje texturas renovadoras para el bien definido centro temático. Lo que suena aquí dejarse llevar por el embrujo de los dos primeros álbumes de RETURN TO FOREVER. ‘Cypress’ es la pieza más extensa del repertorio oficial con
su duración de poco más de 13 ½ minutos. El imperio de la gracilidad fusionesca sobre un compás sutilmente complejo donde se entrecruzan lo arábigo con lo tropical hacen que la maraña instrumental se emparente cercanamente con el que impulsó al tema anterior. Eso sí, la presencia de la guitarra eléctrica y el rol más determinante de la batería dentro de la dupla percusiva hacen que este tema conquiste una garra muy particular, la cual se transforma fácilmente en fastuosidad. Alrededor de la frontera del quinto minuto, todo vira sorprendente hacia un recurso de minimalismo introspectivo bajo la guía de las percusiones tonales, cuyos aleteos se refuerzan con las adiciones de ornamentos de violín y percusiones. Cuando la guitarra entra a tallar, se prepara un crescendo cuyas formas se van armando a lo largo del camino hasta concretarse en un intenso despliegue de electrizante júbilo donde el nervio y la magia se hermanan en una única potencia expresiva. Excelente epílogo para el que tal vez sea el cénit del repertorio oficial. ‘Happy Bastard’ trae consigo el broche final y lo hace saludando a sus colegas de THE ARISTOCRATS con unos aires extrovertidos que los propios BONDAGE FRUIT ya habían explorado en </span><span style="font-family: georgia;">“Bondage Fruit VI”</span><span style="font-family: georgia;">. Las cadencias afrobrasileñas aportadas por algunos pasajes percusivos refuerzan el alborozo reinante. El golpe final es contundente, pero todavía queda el </span><i style="font-family: georgia;">bonus track</i><span style="font-family: georgia;"> ‘Three Voices’, que
se alarga por un generoso espacio de 13 ¾ minutos: es una versión un poco más reducida del tema de apertura del antes mencionado </span><span style="font-family: georgia;">“Bondage Fruit VI”</span><span style="font-family: georgia;">. Percibimos aquí lo que básicamente se puede describir como una combinación de los ambientes y grooves que signaron a los temas #1 y #4; así pues, se redunda en el hecho de que este disco hereda varios aspectos del anterior. De pasada, no podemos evitar resaltar cuán cautivador es el ensoñador epílogo de esta pieza.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOqzyGGAcPITA4ybTi9D0AV3FAE_EeNtfeHz-iGrwh_OgmyvsHb4YoiwEE3QjE9fqgYbZVJBgz9_dSferC1fIKek2_k2sHegCTTAYIAbYjy0gQdpZvPHKozKieOIWKirP8avTpyUbsP2uuluRowqoFEH5m4mz4_Z4zcrgLafOrl1r_wTiy6cmJ/s600/R-29733211-1707384396-6780.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="296" data-original-width="600" height="198" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOqzyGGAcPITA4ybTi9D0AV3FAE_EeNtfeHz-iGrwh_OgmyvsHb4YoiwEE3QjE9fqgYbZVJBgz9_dSferC1fIKek2_k2sHegCTTAYIAbYjy0gQdpZvPHKozKieOIWKirP8avTpyUbsP2uuluRowqoFEH5m4mz4_Z4zcrgLafOrl1r_wTiy6cmJ/w400-h198/R-29733211-1707384396-6780.jpg" width="400" /></a></div><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">Todo esto fue lo que se nos brindó en “Bondage Fruit VII”, el testimonio de la decisiva resurrección de BONDAGE FRUIT como una entidad activa dentro de la escena progresiva japonesa. La propuesta ecléctica y rotunda de BONDAGE FRUIT nunca fue olvidada y da gusto que podamos volver a hablar sobre ella en tiempo presente. Un disco totalmente recomendable y, sin todavía concluirse el primer tercio del año 2024, podemos asegurar que se impone como una de las obras progresivas más destacadas del momento. </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div>
César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-32523893611436561062024-03-09T09:48:00.002-05:002024-03-09T21:33:32.126-05:00RICHARD WRIGHT: la renovación de un viejo sueño musical <div style="text-align: left;"> </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXpeh_Rhztln4mdD6kpw-4GYT19gCA8qZpwIRhyphenhyphen7NXJw9K5sOkgjv391Z7-XGIpfnMzp9Wxf6ZCLXhFSr-jvjxLEpZSJwh-2LrQvWkJv_N6GAYMVVdz_S6zMmFgOF7EiUAfC2iZWFkp2gs-Mn3lQe6NwS4vdUUEgaPX8eRqj1tqqlYAxvqJqfw/s800/s-l1600.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="800" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXpeh_Rhztln4mdD6kpw-4GYT19gCA8qZpwIRhyphenhyphen7NXJw9K5sOkgjv391Z7-XGIpfnMzp9Wxf6ZCLXhFSr-jvjxLEpZSJwh-2LrQvWkJv_N6GAYMVVdz_S6zMmFgOF7EiUAfC2iZWFkp2gs-Mn3lQe6NwS4vdUUEgaPX8eRqj1tqqlYAxvqJqfw/w400-h400/s-l1600.jpg" width="400" /></a></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br />HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA
CÉSAR INCA.<br /> <br />Hoy viajamos al pasado para revisar un
disco clásico del art-rock británico de fines de los 70: nos referimos a “Wet
Dream”, el primer álbum solista de RICHARD WRIGHT, el teclista histórico de la
legendaria banda PINK FLOYD. Originalmente publicado el 22 de setiembre de 1978
por los sellos Harvest (en el Reino Unido) y Columbia (en los EE.UU. y Canadá),
“Wet Dream” recibió una reedición remezclada y remasterizada de parte de Steven Wilson en
setiembre del pasado año 2023, aproximadamente en el 45to. aniversario de su
publicación original. El anuncio de esta reedición se hizo el 28 de julio
anterior, justamente la fecha en que WRIGHT hubiera cumplido 80 años (él
falleció el 15 de setiembre de 2008, víctima del cáncer de pulmón). WRIGHT,
además de cantar, tocó los pianos acústico y eléctrico, el órgano Hammond y el
sintetizador Oberheim. Los colaboradores fueron Snowy White (guitarras), Larry
Steele (bajo), Mel Collins (saxofones y flauta) y Reg Isidore (batería y
percusión). Si bien WRIGHT concretó este primer disco solista más de 10 años después del debut fonográfico de PINK FLOYD (ese legendario disco </span><span style="font-family: georgia;">“The Piper At The Gates Of Dawn”</span><span style="font-family: georgia;">), él ya dio indicios tempranos de ser una fuente de recursos musicales para la banda desde el segundo LP </span><span style="font-family: georgia;">“A Saucerful Of Secrets” con las canciones </span><span style="font-family: georgia;">‘Remember A Day’ </span><span style="font-family: georgia;">y </span><span style="font-family: georgia;">‘See-saw’, insertadas en una psicodelia contemplativa con imponente lirismo</span><span style="font-family: georgia;">. En esa línea también están dos canciones pertenecientes a sendos singles posteriores: el lado B </span><span style="font-family: georgia;">‘Paint Box’ y el lado A </span><span style="font-family: georgia;">‘It Would Be So Nice’. Esta última canción se emparenta con el paradigma jubiloso de THE BEACH BOYS, pero poco tiempo después, encontramos en la mitad de estudio de </span><span style="font-family: georgia;">“Ummagumma” (1969) un magnífico despliegue orquestal donde se suceden pasajes góticos con otros vanguardistas: la suite cuatripartita </span><span style="font-family: georgia;">‘Sysyphus’,</span><span style="font-family: georgia;"> auténtica declaración de principios sobre cómo se sentía WRIGHT preparado para explorar nuevos caminos de grandilocuencia dentro de la banda. En fin, será con sus aportes como compositor y arreglista de matices y orquestaciones diversas en los clásicos álbumes Floydianos </span><span style="font-family: georgia;">“Meddle” (1971), </span><span style="font-family: georgia;">“Dark Side Of The Moon” (1973) y </span><span style="font-family: georgia;">“Wish You Were Here” (1975) que este señor apuntalará su muy personal sello dentro de la tradición rockera británica de los 70 en adelante. Sus exploraciones de sonidos seguirán adelante en el repertorio del álbum conceptual </span><span style="font-family: georgia;">“Animals” (1977), pero su rol como compositor ya estaba muy reducido, y seguiría reduciéndose en el tiempo que le quedaba de membrecía en las filas de PINK FLOYD. De todas formas, antes de que llegara ese momento, </span><span style="font-family: georgia;">“Wet Dream” sería un testimonio de sus aún existentes energías creativas. El propio WRIGHT fungió de productor para su debut solista: las sesiones de grabación tuvieron lugar en los Super Bear Studios de Berre-Les Alpes, Francia, entre el 10 de enero y los 14 de febrero de 1978, fungiendo John Etchells y Patrick Jauneaud como ingenieros de sonido. El diseño artístico estuvo a cargo de Hipgnosis. Colateralmente, su compañero de banda David Gilmour también grabó su debut solista en ese lugar y se publicó en el mismo año 1978 con el mismo responsable del diseño artístico. WRIGHT es el autor casi exclusivo de toda la música y todas las letras salvo en el caso de la penúltima canción, donde su entonces esposa Juliette hizo la letra.</span></div><br /><div style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgnoTRdWTb9hxtuIo8Rnpf7SiDf2-_Aw1EdM2wK5kP0EBcq5BaTgVtL1_HHaoR8rsKQXyp94PVDLJeuSo3SJr2QudShJp_apcngjFfQPraYCE_YHsuZSVm9gQ1c580ZCuCv2CpJzFQlh0EdXIua4j2D9TfUWReDYMjXSh0Z863DGk0J4wEfVYU/s600/R-2455463-1377624922-2562.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgnoTRdWTb9hxtuIo8Rnpf7SiDf2-_Aw1EdM2wK5kP0EBcq5BaTgVtL1_HHaoR8rsKQXyp94PVDLJeuSo3SJr2QudShJp_apcngjFfQPraYCE_YHsuZSVm9gQ1c580ZCuCv2CpJzFQlh0EdXIua4j2D9TfUWReDYMjXSh0Z863DGk0J4wEfVYU/w200-h200/R-2455463-1377624922-2562.jpg" width="200" /></a> <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjj3Pm1GfOF_9neYFeEK2c9QjP9MFgk9XB_NLmq1WcCuhtMv19NEyVO2vkaEx7FKRx5AFAbembgBoyeGL0yaTrjGLIujqVquaYmsxHvHyDiwDRrjyFSPZRCeTYiBrACgh3pPmB-VYEZcxCsp9ivH1NgSo0Tz_rhTcoLkEw-8Sl_CAry3J9C2puC/s600/R-409930-1506580157-4556.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="590" data-original-width="600" height="197" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjj3Pm1GfOF_9neYFeEK2c9QjP9MFgk9XB_NLmq1WcCuhtMv19NEyVO2vkaEx7FKRx5AFAbembgBoyeGL0yaTrjGLIujqVquaYmsxHvHyDiwDRrjyFSPZRCeTYiBrACgh3pPmB-VYEZcxCsp9ivH1NgSo0Tz_rhTcoLkEw-8Sl_CAry3J9C2puC/w200-h197/R-409930-1506580157-4556.jpg" width="200" /></a><br /><br /></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">Por mucho tiempo, el sello One Way Records era el único sello que se había encargado de publicar este disco en CD, y prácticamente estaba descatalogado desde la segunda década del nuevo milenio. Steven Wilson estaba sumamente entusiasmado con la labor a realizar en esta nueva y definitiva reedición. Sus declaraciones para el diario <i>The Telegraph</i> son muy elocuentes: </span><span style="font-family: georgia;"><i>“Quedó enterrado en ese momento; nunca ha habido una campaña
de reedición adecuada que yo sepa. Entonces, si imaginas que hay un álbum
perdido de Pink Floyd de la década de 1970 que nunca has escuchado, esto es
algo así". </i>Añade:<i> “Aquí tenemos un álbum de la década de 1970 que tiene
mucho de ese ADN... hay mucho de lo que asocias con el Pink Floyd clásico,
especialmente a “Wish You Were Here”. El órgano Hammond, los leves acordes de
jazz, su voz... todo está en este disco.” * </i></span><span style="font-family: georgia;">Los primeros 7 ¾ minutos (o poco más) de
“Wet Dream” están ocupados por ‘Mediterranean C’ y ‘Against The Odds’, dos
temas que instauran varias de las líneas de trabajo a ser desarrolladas en el
disco como un todo. El primero de estos temas mencionados está marcado por la suave parsimonia de los acordes de piano, a los cuales se suma una capa orquestal de sintetizador, la misma que traza el terreno por el que los ornamentos armónicos de teclado y sintetizador se alternan en el enroiquecimiento de la atmósfera general. Cuando entran a tallar los aportes de la guitarra, el aura orquestal ve aumentado su señorío al modo de una cruza entre BARCLAY JAMES HARVEST y el PINK FLOYD de 1975. En cuanto a ‘Against
The Odds’, se trata de una balada progresiva bastante conmovedora donde el lirismo gestado se pone al servicio de las vibraciones contemplativas exorcizadas por el canto de WRIGHT: </span><i><span style="font-family: georgia;">“We’ve come
through before, / Now we ask for more. / Seems to me we can’t escape at all. / Words
have no meaning, / But, oh, such a feeling. / Can there be a way out of here?”</span></i><span style="font-family: georgia;">. El fraseo final de la guitarra acústica es grandilocuente... E incluso nos hace desear que la canción durase un poco más, pero llega el turno de ‘Cat Cruise’, que es, lo adelantamos, nuestro tema favorito del disco. Exhibe una manifestación de fastuosidad, contenida pero imparable, a partir del empuje inicial de los dos temas precedentes. En lo básico, se trata de un viaje instrumental a través de elegantes y amables texturas donde el esquema temático, en la segunda mitad, intensifica su encanto con el beneficio que trae la ampliación del swing central; la batería es muy precisa a la hora de agitar las cosas dentro de los bien definidos confines melódicos creados para la ocasión, los cuales se preservan sólidamente bajo un patrón de romanticismo estilizado. La verdad que WRIGHT y sus compinches (en especial, Collins) se destacan en la comunión gestora de una ingeniería musical cristalinamente colorida. Todo un cénit del álbum. </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"> </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiE53Uit_DI97NhHro6wyHkXJvaY9vl-otfzrE1MZFLiU8aIjfqwxyF32ax9Zho7bc36w7pTtsBAvCe4kehcGQXpmekLPF7pnbf7AkegYNMo6cgqsg3hiXvBMSzg4gycVaOacLsiBHMx7ytUvyKp28cJWXM3Ge3Ret47AZtqrnJqHSPG5B2ndY8/s600/R-27796485-1691314749-1247.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="599" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiE53Uit_DI97NhHro6wyHkXJvaY9vl-otfzrE1MZFLiU8aIjfqwxyF32ax9Zho7bc36w7pTtsBAvCe4kehcGQXpmekLPF7pnbf7AkegYNMo6cgqsg3hiXvBMSzg4gycVaOacLsiBHMx7ytUvyKp28cJWXM3Ge3Ret47AZtqrnJqHSPG5B2ndY8/w199-h200/R-27796485-1691314749-1247.jpg" width="199" /></a> <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiayRrcWbgZlDLftWyU7Gij8N1tN7QsBqjAAU2tQd2cx-HuDS-s08vqQ6xBxb2HUInGxFzNqGIMbG2k-Q7MVdqY7VvyTH6eD5Op4N1eOw1MEt48mFnh_oWglu2ixP14HDYmHDY8gHm0lGwCFCXcatBeme0Z8jIbJVKjTl0obaKzDfm_x1uNWJMC/s599/R-27796485-1691314748-4503.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="587" data-original-width="599" height="196" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiayRrcWbgZlDLftWyU7Gij8N1tN7QsBqjAAU2tQd2cx-HuDS-s08vqQ6xBxb2HUInGxFzNqGIMbG2k-Q7MVdqY7VvyTH6eD5Op4N1eOw1MEt48mFnh_oWglu2ixP14HDYmHDY8gHm0lGwCFCXcatBeme0Z8jIbJVKjTl0obaKzDfm_x1uNWJMC/w200-h196/R-27796485-1691314748-4503.jpg" width="200" /></a></div><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><span style="font-family: georgia;">‘</span><span style="font-family: georgia;">Summer Elegy’ ostenta un fulgor particular a la hora de retomar la magia introspectiva que signó a aquellos dos primeros temas del álbum, un fulgor más modesto y, si se quiere, una tonalidad más concisa. ‘Waves’ trabaja con un compás de blues para dar un nuevo giro de tuerca al tipo de envolventes pasajes melódicos y atmósferas serenas que él exploró tan fehacientemente en los discos de PINK FLOYD de los años 1973 y 1975. El rol protagónico del saxofón está apoyado confiadamente sobre los otoñales ropajes fabricados por los teclados (órgano, piano eléctrico y sintetizador) con una actitud cinematográfica. La segunda mitad del repertorio se abre con la pieza más larga del mismo: dura
6 ¼ minutos y se titula ‘Holiday’, siendo otra balada progresiva de corte introspectivo, esta vez conectándose levemente con el paradigma de ELTON JOHN. En esta ocasión, es la guitarra eléctrica quien pone el broche de oro al despliegue instrumental. La letra retrata una turbulencia interior que está en abierto contraste con la etérea calma de las bases de piano y el encuadre grupal. </span><i><span style="font-family: georgia;">“How was I
to know quite so soon / That dreams can turn a life around. / It seems there is
no single way to live our days / Between these lines. / I know you see a man who’s
not quite sure who he is / Or where he stands.”</span></i> <span style="font-family: georgia;">‘Mad Yannis Dance’, a despecho de lo que pudiera insinuar la connotación festiva de su título, es un viaje de sonoridades cristalinamente etéreas que se arman dentro de una ingeniería melódica grácil y flotante sobre un compás de vals sinfónico. Los ornamentos del saxo soprano y las percusiones parecen traer consigo una brisa refrescante para el desarrollo temático. Vamos, que algo así no hubiese estado fuera de lugar en </span><span style="font-family: georgia;">“Wish You Were Here”, o en su defecto, en un disco de THE ALAN PARSONS PROJECT, NOVALIS o ELOY.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"> </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfNDp9c5eUDBdNE6OdnNbNV4P8RVyXJR5RMnn5Msrj9_eBZtB4tqwUqDWRoPu3CXUluHGqBpAl8oTAq8r2_5K3xPdRU-tCCs0UHFSx8F24HN0gBVFO0R3GGB_TxVR5EXc2FupalvqwUfV6RNriCS5dkO2w1ExH0MU8kyNYVBwAzLJxSHPEkOQ1/s599/R-27796485-1691314716-4313.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="261" data-original-width="599" height="174" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfNDp9c5eUDBdNE6OdnNbNV4P8RVyXJR5RMnn5Msrj9_eBZtB4tqwUqDWRoPu3CXUluHGqBpAl8oTAq8r2_5K3xPdRU-tCCs0UHFSx8F24HN0gBVFO0R3GGB_TxVR5EXc2FupalvqwUfV6RNriCS5dkO2w1ExH0MU8kyNYVBwAzLJxSHPEkOQ1/w400-h174/R-27796485-1691314716-4313.jpg" width="400" /></a></div><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><span style="font-family: georgia;">Cuando llega el turno de ‘Drop In From The Top’, WRIGHT recrea una estrategia jazzera para que el ensamble explore los aspectos más relajados del art-rock dentro de un encuadre palaciego. Tal vez tengamos aquí el mejor solo de White en todo el disco, aportando acentuaciones blueseras a través de un refinado filtro progresivo que lo acerca más a un Martin Barre o un Jeff Beck que a un Eric Clapton. De hecho, su aparición resulta crucial a la hora de potenciar la musculatura del esquema melódico en curso. El penúltimo tema del disco porta el sugerente título de ‘Pink’s Song’: tal como dijimos en el primer párrafo, la letra es de la entonces esposa de WRIGHT. Última balada del álbum, su principal ornamento procede de las hermosas florituras de la flauta. Esta canción cumple con la misión de plantear un momento de relax entre las piezas precedente y subsiguiente. El cierre del álbum llega de la mano de ‘Funky Deux’,
un instrumental metido en la onda del Euro-jazz con ribetes funky (no ajenos a
cosas que aparecen ocasionalmente en la discografía de PINK FLOYD, aunque
también podemos asegurar que hay más cercanía estilística con STEELY DAN). El groove tiene
una soltura sobria y muy bien definida, siendo así que el saxo realiza una
excelente labor: para hacernos una idea de a qué va esto, se acerca un poco a la faceta más serena de los PASSPORT de 1976-80 y un poco más a los FOCUS de 1978. Todo esto es lo que se gestó en “Wet Dream” a fines de los 70 y que no merece ser olvidado: esta reedición del año 2023 puede ayudar mucho a revivir la visión musical individual de RICHARD WRIGHT, un señor que aportó cosas muy relevantes a los PINK FLOYD de las mejores épocas, no dejó de aportar buenas ideas en el periodo post-Waters, y además, cuenta con un puñado de discos solistas más que decentes. Nunca es tarde para recuperar la experiencia de este disco: un mensaje de agradecimiento al más allá para RICHARD WILLIAM WRIGHT (28 de julio de 1943 - 15 de setiembre de 2008). <br /> <br /> <br />Muestras de “Wet Dream”.-<br /><span lang="EN-US">Against All Odds: </span></span><a href="https://www.youtube.com/watch?v=fq081zNXtEQ"><span style="font-family: georgia;">https://www.youtube.com/watch?v=fq081zNXtEQ</span></a></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><span lang="EN-US">Cat
Cruise: <a href="https://www.youtube.com/watch?v=Th-w6ITLQPw">https://www.youtube.com/watch?v=Th-w6ITLQPw<br /></a></span><span lang="EN-US">Holiday:
</span><a href="https://www.youtube.com/watch?v=KZdevHpzW7s"><span lang="EN-US">https://www.youtube.com/watch?v=KZdevHpzW7s<br /></span></a>Funky Deux: <a href="https://www.youtube.com/watch?v=PAm9FUyE9ug">https://www.youtube.com/watch?v=PAm9FUyE9ug</a></span></div><div style="clear: both; text-align: left;"><br /></div><div style="clear: both; text-align: left;"><br /></div><div style="clear: both; text-align: left;"><span style="font-family: georgia; font-size: x-small;">* El reportaje íntegro de <i>The Telegraph</i> se encuentra en este
enlace: <a href="https://www.telegraph.co.uk/music/artists/rick-wright-pink-floyd-wet-dream-2023-feud/">https://www.telegraph.co.uk/music/artists/rick-wright-pink-floyd-wet-dream-2023-feud/</a></span></div><div style="clear: both; text-align: left;"><br /></div>César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-50457461557109959972024-03-06T00:06:00.001-05:002024-03-06T00:06:44.793-05:00THIERRY ZABOITZEFF: un nuevo pasaje en un largo trayecto <div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4lFL9pcKXV93EFEF1ycxUVkmp6Jw_wPFjyWtLOGtoML-Wz4PNab0ovM5Z3JaFR0JgPxtoh2mX1_xXxeJs_zDtiaXNPlyPQOydPLxrZO2FdTrVNAkOISITWDVIdPu2seKE5SkHV34x55T2Pytkd0WA89V9kZloKlp7o2KYWC7C4tFAcBM7tTSG/s700/a3087044293_16.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="700" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4lFL9pcKXV93EFEF1ycxUVkmp6Jw_wPFjyWtLOGtoML-Wz4PNab0ovM5Z3JaFR0JgPxtoh2mX1_xXxeJs_zDtiaXNPlyPQOydPLxrZO2FdTrVNAkOISITWDVIdPu2seKE5SkHV34x55T2Pytkd0WA89V9kZloKlp7o2KYWC7C4tFAcBM7tTSG/w400-h400/a3087044293_16.jpg" width="400" /></a></div></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br />Hoy tenemos la afortunada ocasión de presentar el nuevo trabajo fonográfico del maestro francés THIERRY ZABOITZEFF, quien además de tener una larga trayectoria solista como compositor y multiinstrumentista, es célebre por haber formado parte por mucho tiempo del colectivo ART ZOYD. </span><span style="font-family: georgia;">“La Passage” es el título del disco en el cual nos detenemos ahora, habiendo sido publicado</span><span style="font-family: georgia;"> el pasado 9 de febrero con la coparticipación de los sellos WTPL Music y Monstre Sonore. El maestro ZABOIYZEFF formó parte de esa banda baluarte del RIO francófono que hemos mencionado antes tocando el bajo y el vionocello, mayormente, pero también hizo aportes a las percusiones, los sintetizadores, la guitarra y los efectos de sonido a lo largo de su membrecía, la cual duró entre el tiempo de su álbum debut </span><span style="font-family: georgia;">“</span><span style="font-family: georgia;">Symphonie Pour Le Jour Où Brûleront Les Cités</span><span style="font-family: georgia;">”</span><span style="font-family: georgia;"> (1976) hasta </span><span style="font-family: georgia;">“</span><span style="font-family: georgia;">Häxan</span><span style="font-family: georgia;">”</span><span style="font-family: georgia;"> (1997), o sea, estuvo allí tanto en la época inicial de centramiento en instrumentos de cámara con ideas surrealistas como en la ulterior etapa de predominio del futurismo maquinista. En su debut solista de 1984 </span><span style="font-family: georgia;">“Prométhée”, ZABOITZEFF se hizo cargo de todos los instrumentos en su propia expansión particular de la fase futurista que se estaba iniciando en el mundo de ART ZOYD, y no fue hasta 1992 que este maestro volvió a lucirse con su segunda obra solista </span><span style="font-family: georgia;">“Dr. Zab & His Robotic Strings Orchestra”. A inicios de los 80, colaboró en un tema de un disco de los legendarios belgas UNIVERS ZÉRO. Volviendo al disco </span><span style="font-family: georgia;">“La Passage”, el buen THIERRY, compositor de todos los temas, ejecuta el bajo, los teclados, el cello, las programaciones y los tratamientos electroacústicos, además de hacer algunas vocalizaciones. El único otro músico es el trompetista invitado Jean-Pierre Soarez. Tras el proceso de grabación, ZABOITZEFF se hizo cargo de la de mezcla y la remasterización. A despecho de su relativa brevedad (no llega a los 35 minutos de duración), </span><span style="font-family: georgia;">“La Passage” es una obra excelente que sabe dar un giro refrescante al ideal inmortal de la música progresiva que apunta hacia sus extremos más vanguardistas.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6a5St_Bv8k_pSAljW488BjTypjudY0EmOXSxj5H-XCxDMRhdy9LzG6oOrVOrHcJ65kDxvZvbcviC_JAafk-Q-J4lEYCidZvHpsNxL3R8eiF5-sMiAkeup_L2nkER64a8xBT4-P9UF6HsPl-oB8anH7GR3c1MlpNF_1-LSiw5m09TH863CC_ks/s1200/0024132705_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="1200" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6a5St_Bv8k_pSAljW488BjTypjudY0EmOXSxj5H-XCxDMRhdy9LzG6oOrVOrHcJ65kDxvZvbcviC_JAafk-Q-J4lEYCidZvHpsNxL3R8eiF5-sMiAkeup_L2nkER64a8xBT4-P9UF6HsPl-oB8anH7GR3c1MlpNF_1-LSiw5m09TH863CC_ks/w400-h266/0024132705_10.jpg" width="400" /></a></div><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><span style="font-family: georgia;">¿Y por qué decimos que es una obra excelente? Repasemos los detalles del disco para aclarar debidamente nuestra posición. ‘À La Poursuite Du Zoyd’ se encarga de dar el puntapié inicial a las cosas con una exhibición de capas de sonido siniestras donde los ornamentos orquestales y el punzante riff de bajo marcan la pauta para el bien definido motif central. Mientras se van sumando los teclados, la guitarra, los espectrales monólogos y los efectos sonoros, el vitalismo esencial de la pieza va ahondando a paso firme en las vibraciones tensas que brotan de su seno. Los aportes de la trompeta sirven para añadir un elemento fastuoso al asunto. Comenzó con un convincente cénit el disco. A continuación, sigue ‘La Forêt’, que con sus más de 14 ½ minutos
de duración es la pieza más larga de este disco. Un calmo soliloquio (de autoría de </span><span style="font-family: georgia;"><span style="background-color: white; color: #202124; text-wrap: nowrap;">François-René de Chateaubriand)</span> nos introduce a un hermoso y sobrio pasaje de piano que pronto es acompañado por unas gráciles armonías de sintetizador, aunque se trata de un breve espejismo, pues pronto nos introducimos en un paraje surrealista donde la externa aureola reposada no puede negar el hecho de que oculta algo inquietante tras su ensimismado telón. Los teclados siguen marcando la senda temática, pero hay algo nuevo en su grisácea parsimonia que se explaya a través de los ruidos de gente que está organizando medidas de movilización. Y es a poco de pasar la frontera del tercer minuto que las orquestaciones de cello se hermanan con el piano para asentar el primer cuerpo central. Ostentando un impresionismo oscurantista que ocasionalmente deja algunos espacios efímeros para la calidez, la pieza va fluyendo a través de cauces expresivos marcados por un ambiente cinematográfico y un aura expectante. El segundo cuerpo central gana en densidad mientras sigue la senda trazada por el primero, mientras que el tercero se habrá de ubicar en un sector intermedio. El clímax final porta una frescura vibrante mientras redondea los recursos más señoriales que se han exhibido en algunos momentos precedentes. Los ruidos de la naturaleza con el protagonismo de los grillos es el epílogo perfecto. Otro momento culminante del disco.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">‘Poster Boy’ nos brinda, por fin, una atmósfera amable donde lo lírico predomina con cristalina elegancia dentro de un enclave sónico donde lo electrónico y lo acústico interactúan en una maraña bien articulada.* </span><span style="font-family: georgia;">El cuarto tema
del repertorio lleva el peculiar título de ‘Twisted Zoydian Song’. Algo de la amabilidad expresiva de la pieza anterior persiste aquí, pero se nota que lo que predomina es un retorno a los climas inquietantes (capitalizados por los turbadores arreglos corales). Dado que hay varios pasajes marcados por un llamativo groove cibernético, el asunto no resulta tan tétrico ni tan lóbrego como en las dos primeras piezas del álbum; lo que sí hay es un vitalismo desosegado que, al revestirse de majestuosidad, proyecta un fulgor bizarro. Toco concluye con la pieza justamente homónima,
la misma que ocupa un espacio de casi 5 ½ minutos. ‘Le Passage’ es una exploración de convergencias entre el chamber-rock y la electrónica de inspiración kraut, lo cual hace que el cierre del álbum adquiera un talante cósmico. La gentileza de las líneas de trompeta, los arreglos corales y los sencillos fraseos de guitarra acompañan a las meticulosas bases sintetizadas se abre a los cielos como una fuente de genuino fulgor contemplativo. Todo esto es lo que nos ofrece el veterano e incombustible crack de la vanguardia progresiva radical THIERRY ZABOITZEFF con “La Passage”, un nuevo pasaje en un largo trayecto de aventuras e investigaciones en los terrenos más complejos y osados de la música contemporánea. ¡¡Totalmente recomendable!!</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><o:p> <br /></o:p><o:p> <br /></o:p>Muestras de “La Passage”.-<br />À La Poursuite Du Zoyd’: <a href="https://thierryzaboitzeff.bandcamp.com/track/la-poursuite-du-zoyd-extended">https://thierryzaboitzeff.bandcamp.com/track/la-poursuite-du-zoyd-extended<br /></a>La Forêt: <a href="https://www.youtube.com/watch?v=o--jnL9JoVU">https://www.youtube.com/watch?v=o--jnL9JoVU</a></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><br /></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><br /></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia; font-size: x-small;">* Esta pieza fue originalmente compuesta para el film de NATAHLIE BORGERS <i>Fang den Haider</i>.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><br /></div>César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-47992146143309174972024-03-04T00:03:00.001-05:002024-03-04T00:03:23.917-05:00SEMIRAMIS: la resurrección más allá del final<div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpOht-r58ZMpo9ZIbtVf3dxhmofrY0_95mhtqUdiAwNZjWlYx6PGtG2QiS4NlKDxHeN4UCSvw6LvLVK-bzzaKWVTERjqbYyTYeLN82MQwqwjZuWFyW0_einYUubph6hW5r2AKCt5EAlcnQTnvKcBUaKr8S2YF3nMIUDKEYBJdYSwQuiOm6Nv0K/s700/a2600922201_16.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="700" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpOht-r58ZMpo9ZIbtVf3dxhmofrY0_95mhtqUdiAwNZjWlYx6PGtG2QiS4NlKDxHeN4UCSvw6LvLVK-bzzaKWVTERjqbYyTYeLN82MQwqwjZuWFyW0_einYUubph6hW5r2AKCt5EAlcnQTnvKcBUaKr8S2YF3nMIUDKEYBJdYSwQuiOm6Nv0K/w400-h400/a2600922201_16.jpg" width="400" /></a></div></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"> <br /></span><span style="font-family: georgia;">HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA
CÉSAR INCA.<br /></span><o:p><span style="font-family: georgia;"> <br /></span></o:p><span style="font-family: georgia;">Hoy tenemos una ocasión especial para
volver nuestra mirada hacia la escena progresiva: se trata del segundo disco de
estudio del legendario grupo romano SEMIRAMIS, el cual porta el simbólico
título de “La Fine Non Esiste” y sucede por poco más de medio siglo de esa
joya titulada “Dedicato A Frazz”, testimonio único de cuando el grupo era un
colectivo de niños prodigio de la avanzada progresiva de su país. De esa
alineación conformada por Paolo Faenza, Marcello Reddavide, Giampiero Artegiani
y los hermanos Michele y Maurizio Zarrillo, sólo queda Faenza, quien sigue
estando a cargo de la batería y el vibráfono. El resto de la actual alineación,
que es un sexteto, consiste en Ivo Mileto [bajo], Emanuele Barco [guitarras
eléctricas], Marco Palma [guitarras acústicas de 6 y 12 cuerdas], Giovanni Barco [voz] y Daniele
Sorrenti [piano, órgano, sintetizadores y flauta]. Todo esto se inició como una idea discurrida por Faenza, Artegiani y Maurizio Zarrillo en el año 2013 sobre la reformación de SEMIRAMIS, lo cual se concretó al año siguiente. Aunque Zarrillo había dejado la banda antes de su disolución poco antes de mediados de 1974, ni él ni sus otros dos excompañeros querían reisgnarse a la idea de que el hermoso y peculiar álbum </span><span style="font-family: georgia;">“Dedicato A Frazz” (1973) tuviese que ser su único legado para la historia del rock progresivo. Así las cosas, y dejando en paz a sus excolegas Michele Zarrillo y Marcello Reddavide, unieron fuerzas con el vocalista y guitarrista acústico Vito Ardito, el guitarrista Antonio Trapani, el teclista-flautista Daniele Sorrenti (momentáneamente reemplazado por Rino Amato) y el bajista Ivo Mileto, mientras Artegiani prefería quedarse como colaborador ocasional a las recitaciones. El fallecimiento de Zarrillo en el año 2017 rompió este momentum, pero eso no impidió la publicación de </span><span style="font-family: georgia;">“Frazz Live”, un DVD/CD en directo que recogía una actuación de los nuevos SEMIRAMIS en Génova. Al poco tiempo, el proyecto se retomó, quedando Faenza como único integrante original del grupo tras el abandono de un Artegiani ya postrado (falleció en 2019). La alineación vigente concretó este disco que comentamos ahora, publicado tanto en CD como en vinilo anaranjado por Vinyl Magic el pasado 23 de febrero. Aquí se incluye alguna narración que nos dejó Artegiani antes de partir al más allá. Maurizio Pinna se hizo cargo de las labores de mezcla y masterización; el arte gráfica es de la autoría de Massimiliano Angelotti.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlzLzYcUBeGjHyx5NWwAW2b1Co3cUqtnfhVaNnd7JjuF3bYU4hWiZyIo84xNukJeUTF13AN2ezVFE1S10Edla18xpZZJzS-aHx3qxNdDtPHxrqA3VDDqtA8kLQOQPJWZ0MAu1r_FOw4sF_QaDG5kIUBC3WWk8zjHF4IbZ1SLzgS-V1FKy4R667/s600/R-29802067-1707938263-6544.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlzLzYcUBeGjHyx5NWwAW2b1Co3cUqtnfhVaNnd7JjuF3bYU4hWiZyIo84xNukJeUTF13AN2ezVFE1S10Edla18xpZZJzS-aHx3qxNdDtPHxrqA3VDDqtA8kLQOQPJWZ0MAu1r_FOw4sF_QaDG5kIUBC3WWk8zjHF4IbZ1SLzgS-V1FKy4R667/w400-h400/R-29802067-1707938263-6544.jpg" width="400" /></a></div></div><o:p><span style="font-family: georgia;"> </span></o:p></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">Repasemos ahora los detalles de “La Fine Non Esiste”. Abre el disco ‘In Quel Secondo Regno’, una canción situada sobre un medio tiempo que se maneja con bastante garra rockera, sintiéndose como una estrategia de dar aires Purpleianos a una cruza entre ALPHATAURUS y MUSEO ROSENBACH. El hermanamiento de guitarra eléctrica y órgano resulta crucial a la hora de enfatizar las vibraciones ceremoniosas del motif central, el cual todavía preserva una estilización sinfónica reconocible. El ocasional empleo de un compás en 7/8 y la inserción de un interludio cósmicamente impresionista (incluyendo la recitación de un pasaje del Canto I del <i>Purgatorio</i> de <i>La Divina Comedia</i> de DANTE) ayudan a realzar la sofisticación que opera en medio del nervio rockero. Un
excelente inicio de álbum... o reinicio de la vieja visión musical de la banda,
como se prefiera. ‘Cacciatore Di Ansie’ sigue a continuación con la misión
explícita de capitalizar la fastuosidad heavy-progresiva que se instauró en la canción inicial para mezclarla con una cristalina lucidez melódica que se siente relativamente rayana con el folk-rock. Los momentos de placidez se alternan fluidamente con otros marcados por una solemne densidad, siendo así que estos SEMIRAMIS actuales asientan líneas de confluencia con bandas como LA COSCIENZA DI ZENO, IL BACIO DELLA MEDUSA y NOT A GOOD SIGN. De hecho, se nota un incremento en la versatilidad y el preciosismo vertidos en la edificación de múltiples recovecos temáticos. Un cénit decisivo del álbum. ‘Donna Dalle Ali D’acciaio’ es una canción inspirada en la heroína de los vuelos Amelia Earhart. Comienza con un evocador preludio de piano, vibráfono y guitarra acústica, lo cual prepara el terreno para que la primera parte cantada se acomode dentro de un despliegue sinfónico con elementos pastorales. Eso sí, los arreglos de teclados anuncian un aura sombría que pronto se perfilará a través del uso de un ímpetu rockero contundente. En esta nueva situación, la banda elabora un llamativo intermedio instrumental de matices Emersonianos, el mismo que aterriza en una fabulosa sección cantada final orientada hacia lo festivo. Con esta nueva luz brindanda para el vigor rockero en curso, la canción conquista un excelso clímax progresivo y se alza como otro cénit del repertorio. </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">Cuando llega el turno de ‘Non Chiedere A Un Dio’, nos reciben unas campanadas y una cautivadora figura de guitarra acústica apoyada sobre unas gráciles capas de sintetizador. De a pocos, el ensamble íntegro arma un groove gentil y vivaz cuyos comedidos matices folklóricos permiten la instalación de un júbilo musical bastante refinado. Es como un matrimonio de YES y LE ORME con factores bucólicos vertidos desde la faceta pastoral de aquel viejo SEMIRAMIS. De hecho, ésta es la canción en que se revive a Frazz, el clown protagonista del disco de 1973, siendo así que la letra gira en torno a la pregunta de si realmente hace falta morir para liberar y curar el alma, y más bien, la música puede swervir como vehículo para esa redención ansiada. Los dos últimos temas del disco duran cerca de 7 minutos cada uno: ‘Tenda Rossa’ y ‘Sua Maestà Il Cuore’ son sus títulos respectivos, y su ilación misma permite al disco completar el realce de sus mejores cualidades estéticas para sus instancias finales. El primero de estos temas mencionados está insrpiado en otra figura de la aviación, el italiano Umberto Nobile: él viajó junto a un equipo de apoyo hacia el Polo Norte en 1928 y su avión se estrelló, salvándose él y unos cuantos del equipo. Comienza con un ímpetu rockero muy en línea con URIAH HEEP hasta que entran a tallar unos quiebres sinfónicos de inspiración Yessiana; a partir de allí, no hay camino de retorno para el despliegue de majestuosos vigor que se ha de plasmar tanto en las líneas vocales como en el expresionista esquema instrumental. A poco de pasada la frontera del cuarto minuto, la pieza vira hacia un clima ceremonioso que se proyecta hacia una fastuosidad romántica, la cual, a su vez, sirve de puente para un solemne epílogo que coquetea con lo introvertido. En cuanto a ‘Sua Maestà Il Cuore’, comienza recogiendo parte del rotundo expresionismo que signó a la canción precedente, esta vez, con un esquema musical menos suntuoso, aunque no por ello, menos vigoroso. A mitad de camino, todo se detiene menos el piano, que abre camino a una sección meditabunda donde el canto parece exorcizar viejas memorias de un tiempo más feliz. Cuando el bloque instrumental entero entra en acción, bajo la guía de la guitarra eléctrica y con el ímpetu provisto por los ornamentos de la batería en el swing en tiempo de vals, la contemplación se convierte en desgarro. En el último medio minuto, la canción regresa al fuego inicial con una dosis extra de sofisticación. </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsJMDQebUbaAs3JfwXktqvV5m_iaZ9a9r0FMGtv68nuOcvKC0dNbeMiW_f41hq-Zj6xvfbGNGltcckH1AKvaDfBv-w2qGzHxviLYgXGX12jtJHFoppwOlQT7ys1hhrgtRo9rmP-MYVhlNiw30UWdKvnvs7DxwIpRugpBzxue-lXy64T8DhUzh5/s600/R-29802067-1707938250-3438.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsJMDQebUbaAs3JfwXktqvV5m_iaZ9a9r0FMGtv68nuOcvKC0dNbeMiW_f41hq-Zj6xvfbGNGltcckH1AKvaDfBv-w2qGzHxviLYgXGX12jtJHFoppwOlQT7ys1hhrgtRo9rmP-MYVhlNiw30UWdKvnvs7DxwIpRugpBzxue-lXy64T8DhUzh5/w200-h200/R-29802067-1707938250-3438.jpg" width="200" /></a> <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhONwisNepoUQccaGwsftikf_YeHnxWzNrng8pHbPRojc4nVmQliwjfeLOJN1mvhKawMjfyAOgZtf9UedHg7Lbp4f5B6gnTkCyZW4c8hedbyuJSBC_BDRzyWvjVQoyMsb5i6x7dYEnbBtxaKVAgDU5faCJloslEZ-z098JKD0x4_3yBMx6CzkgZ/s600/R-29802067-1707938257-1941.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhONwisNepoUQccaGwsftikf_YeHnxWzNrng8pHbPRojc4nVmQliwjfeLOJN1mvhKawMjfyAOgZtf9UedHg7Lbp4f5B6gnTkCyZW4c8hedbyuJSBC_BDRzyWvjVQoyMsb5i6x7dYEnbBtxaKVAgDU5faCJloslEZ-z098JKD0x4_3yBMx6CzkgZ/w200-h200/R-29802067-1707938257-1941.jpg" width="200" /></a></div></div><o:p><span style="font-family: georgia;"> <br /></span></o:p></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">Todo esto fue lo que nos brindó con “La Fine Non Esiste” desde los cuarteles de la reformada entidad SEMIRAMIS, la cual demuestra que ha resucitado a paso firme, contando con suficientes recursos para seguir generando buena música progresiva. Así como lo hicimos en la retrospectiva de aquel viejo disco de 1973, también dedicamos la reseña del nuevo disco a las memorias de Maurizio Carrillo y Giampiero
Artegiano (fallecidos en 2017 y 2019, respectivamente), agradeciéndoles por todo lo bueno que hicieron en nombre del ideal del rock artístico de su país. En sí mismo, este nuevo disco </span><span style="font-family: georgia;">“La Fine Non Esiste”</span><span style="font-family: georgia;"> </span><span style="font-family: georgia;">se erige como un referente importante para el rock progresivo italiano de 2024; efectivamente, no existe punto final para el sendero musical de SEMIRAMIS.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><o:p><span style="font-family: georgia;"> <br /></span></o:p><o:p><span style="font-family: georgia;"> <br /></span></o:p><span style="font-family: georgia;">Muestras de “La Fine Non Esiste”.-<br /></span><span style="font-family: georgia;">I</span><span style="font-family: georgia;">l Caciatore Di Ansie: <a href="https://semiramisgroup.bandcamp.com/track/cacciatore-di-ansie">https://semiramisgroup.bandcamp.com/track/cacciatore-di-ansie<br /></a></span><span style="font-family: georgia;"><span style="line-height: 107%;">Donna
Dalle Ali D’acciaio : <a href="https://semiramisgroup.bandcamp.com/track/donna-dalle-ali-dacciaio">https://semiramisgroup.bandcamp.com/track/donna-dalle-ali-dacciaio</a></span></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">Sua Maestà Il Cuore: <a href="https://semiramisgroup.bandcamp.com/track/sua-maest-il-cuore">https://semiramisgroup.bandcamp.com/track/sua-maest-il-cuore</a></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><br /></div>César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-85923282566852080212024-03-02T08:49:00.001-05:002024-03-02T10:04:28.640-05:00Dedicado a SEMIRAMIS<div style="text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgf_EtBzCcWdcIM0ZG8--h39mQGCxwfutxbHtBonsBbF40zXgOUjqUJvTz9Lm78JwdP4z6QTSMLpVIUKMRAVTy_I6Ex2XQBQ78H93XnU7KoY2ePf1mI0zz2__Uz0K2DEypYdnlQtm5x4ItHK5oSWfTiaMUAsHYojeXYMdDS1ovlUhi-PqIjtw/s600/semiramis1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgf_EtBzCcWdcIM0ZG8--h39mQGCxwfutxbHtBonsBbF40zXgOUjqUJvTz9Lm78JwdP4z6QTSMLpVIUKMRAVTy_I6Ex2XQBQ78H93XnU7KoY2ePf1mI0zz2__Uz0K2DEypYdnlQtm5x4ItHK5oSWfTiaMUAsHYojeXYMdDS1ovlUhi-PqIjtw/w400-h400/semiramis1.jpg" width="400" /></a></div><div><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia;"><span style="background-color: white;">HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.</span></span></div><div><span style="font-family: georgia;"><span style="background-color: white;"><br /></span></span></div><div><span style="font-family: georgia;"><span style="background-color: white;">Hoy realizamos una retrospectiva de una banda italiana de niños prodigio del rock progresivo italiano de los 70s. Nos estamos refiriendo a SEMIRAMIS, quinteto conformado por </span></span><span style="background-color: white; font-family: georgia;">Paolo Faenza [batería, vibráfono, otras percusiones y efectos de sonido], </span><span style="background-color: white; font-family: georgia;">Marcello Reddavide [bajo, campanas tubulares y efectos de sonido], Giampiero Artegiani [guitarras clásica y acústica de 12 cuerdas, y sintetizador]</span><span style="background-color: white; font-family: georgia;"> Michele Zarrillo [guitarras eléctricas y acústicas, y voz] y </span><span style="background-color: white; font-family: georgia;">Maurizio Zarrillo [pianos clásico y eléctrico, órgano Eminent, sintetizador, clavecín y sistro] y cuyo único álbum </span><span style="font-family: georgia;">“Dedicato A Frazz” es uno de los más peculiares y alucinantes que se han hecho durante la primera generación del rock progresivo italiano. El nombre del grupo se dice Semíramis en español, y se corresponde a la legendaria reina asiria Sammuramat, cuya presencia trascendió hasta la comovisión religiosa de Egipto, Grecia y Roma para instalarse como figura mítica, específicamente, como diosa de la fertilidad y la belleza. ¿Y cómo surgió este grupo de inquietos jóvenes absortos en el ideal del rock artístico? </span><span style="font-family: georgia;">Los orígenes de
la banda datan del año 1970, cuando el teclista Maurizio Zarrillo unió fuerzas
con dos primos, el bajista Marcello Reddavide y el baterista Memmo Pulvano, teniendo
todos ellos 15 años de edad. Al año, se incorporó el vocalista Maurizio Macioce (quien se hacía llamar Maurizio Macos),
pero en 1972 éste fue reemplazado por el hermando menor de Maurizio, Michele,
quien también tenía mañana para la guitarra. Cuando se sumó Artegiani
– otro adolescente talentoso que aportaba labores a las guitarras acústicas y
el sintetizador – el ahora quinteto ya estaba preparado para tocar en varios
festivales al aire libre. En uno de ellos compartieron cartel con luminarias
como OSANNA y BANCO DEL MUTUO SOCCORSO; el baterista de este último grupo llegó
a prestar su instrumento a Pulvano. El grupo llegó al año 1973 con el mismo
Pulvano siendo reemplazado por Faenza, un aspecto muy relevante pues,
además de ser muy creativo con la batería, su obsesión con el vibráfono permitió
a SEMIRAMIS enriquecer aún más su espectro sonoro. Y bueno, ya el grupo contaba
con suficientes composiciones propias para llenar un LP: sólo faltaba el
contrato de grabación. “Dedicato A Frazz” es el nombre de ese disco (único
disco) que el colectivo de SEMIRAMIS alcanzó a grabar merced al sello Trident. El productor fue Robert Cunningham. El pintor inglés Gordon Faggeter se encargó de hacer la peculiar y hermosa portada, además del diseño gráfico general. </span><span style="font-family: georgia;">Se trata de un álbum conceptual que narra las peripecias y reflexiones del personaje titular (cuyo nombre se deriva de la unión de las iniciales de los apellidos de los cinco integrantes), un clown que explora todos los matices de la vida urbana y las actitudes de la gente de la calle, que parece ser noble pero, en realidad, esconde bajo sus máscaras de hipocresía sus egoísmos y crueldades, las que llevan al circo donde trabaja a una crisis sin solución. También se va desengañando del modo en que la gente no sabe apreciar las maravillas de la naturaleza, lo cual le hunde en una horrible depresión que le lleva a hacer un examen negativo de su propia condición humana, un sufrimiento que sólo puede acabar con el suicidio. Reddavide hizo las letras de todas las canciones, mientras que toda la música fue compuesta por Michele Zarrillo. Los arreglos y los efectos especiales ya fueron añadidos por todos los integrantes durante el proceso de grabación.</span></div><div><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVtU4cZk6MWME6oIQooc0CFnWBGVa8D5PfRuzFl8ecTCWF5tigFx-yVIQlokfkUUDoGIqLBgTSRUEy0tDtKmmE77xOffdxWRkzm2JsVxnlgXBjoNsyYu8D976dhY4eaE80XPTb6-euuDdGuzSKYnS_ekdqtpTGp9Ntidth-qGwXyfr9JcudA/s1200/semiramis2.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="1200" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVtU4cZk6MWME6oIQooc0CFnWBGVa8D5PfRuzFl8ecTCWF5tigFx-yVIQlokfkUUDoGIqLBgTSRUEy0tDtKmmE77xOffdxWRkzm2JsVxnlgXBjoNsyYu8D976dhY4eaE80XPTb6-euuDdGuzSKYnS_ekdqtpTGp9Ntidth-qGwXyfr9JcudA/w400-h200/semiramis2.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div><span style="font-family: georgia;">Bueno, vayamos a los detalles del repertorio de “Dedicato A Frazz”. Ocupando los 6 primeros minutos del disco, ‘La Bottega Del Rigattiere’ da el puntapié inicial a las cosas. El breve prólogo está dominando por unas capas y ornamentos de sintetizadores sobre los que se descarga una impetuosa llovizna de notas de vibráfono, siendo así que de este extraño entramado brotan las escalas iniciales de las guitarras acústicas para dar inicio a un motif folk-rockero con ribetes moderadamente pesados que se conecta con el paradigma de OSANNA, añadiéndose matices de PREMIATA FORNERIA MARCONI mientras la banda avanza hacia un segundo motif más ceremonioso donde predominan las vibraciones prog-sinfónicas. Tras este brillante tema de inicio llega el turno de </span><span style="font-family: georgia;">‘Luna Park’, canción destinada a explorar más a fondo esa combinación de vigor y delicadeza que se mostró anteriormente. Esta vez, las partes fuertes son más frenéticas al centrarse en un barroquismo vivaz bajo la guía dual de la primera guitarra y el piano. Tras un breve puente de inclinaciones jazzeras surge una sección cantada donde se encadenan sinfonismo y prog-folk; la ahora predominante calidez se explaya a sus anchas antes de que irrumpa el <i>reprise d</i>el contundente motif inicial para el epílogo. Una mención especial debe ir para la labor de la guitarra, que exhibe algunas de sus virguerías más espectaculares de todo el álbum. </span><span style="font-family: georgia;">‘Un Zoo Di Vetro’ es la canción encargada de cerrar el lado A del disco y lo hace dando un paso más allá en el eclecticismo aventurero de la banda. Dura poco menos de 6 minutos, pero tiene el aliciente de tener una estructura más versátil que la canción que inició el álbum: crea la impresión de una minúscula obra de teatro con escenas diversas que se van sucediendo con un frenesí que casi raya con lo caótico. Una primera sección refleja una remodelación psicodélica de una danza palaciega renacentista con ribetes circenses, siendo así que unas notas sostenidas de los sintetizadores se conectan con una segunda sección en la que el grupo despliega una garra al estilo de IL BALLETTO DI BRONZO recargada con agitaciones siniestras y agresivas. El guitarreo Hendrixiano es fenomenal. La tercera sección es un despliegue de serenos climas pastorales marcados por la interconexión entre las dos guitarras acústicas y el vibráfono. Los comedidos ornamentos de este último se transforman en intrépidas emanaciones <i>free form </i>que se apoderan casi en exclusiva del clima misterioso que signa al epílogo (hay ciertos aportes tenues de sintetizador y percusión por allí).</span><div><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia;">‘Per Una Strada Affollata’ es la pieza que abre el lado B y lo hace recogiendo los ecos del dinamismo de la canción #2 del mismo modo que retoma la extravagancia sistemática de la canción #3, añadiendo refrescantes recursos de diversidad temática. Un motif inicial de inspiración barroca es transportado con aires juguetones y ornamentado por una ágil vivacidad rockera: lo que suena es como una idea perdida del primer álbum de BANCO DEL MUTUO SOCCORSO que ha sido remodelada por IL BALLETTO DI BRONZO. Una vez que todo se detiene de manera cortante, emerge un hermoso y ceremonioso solo de guitarra clásica donde lo introspectivo impone una atmósfera totalmente nueva. Una vez terminada ésta, el grupo regresa al barroquismo travieso filtrado a través de una rotunda acidez rockera, terminando todo con una neuróticamente rabiosa miniatura cantada. </span><i><span style="font-family: georgia;">“Nel
centro di un mondo lontano dal mondo in cui crede, crede! / È la paura che
scorre nel sangue ma cade davanti palazzi. / Chiudendo la strada e battendo la
porta di casa, casa!”</span></i><span style="font-family: georgia;"> La dupla de </span><span style="font-family: georgia;">‘Dietro Una Porta Di Carta’ y </span><span style="font-family: georgia;">‘Frazz’ se explaya en los ecos de fastuosidad y versátil dinamismo emanados de </span><span style="font-family: georgia;">‘Per Una Strada Affollata’ para hacer que lo sublime se retroalimente eficientemente. El primero de estos temas mencionados comienza con una primera sección marcada por un talante ceremonioso y calmo que se deja arropar por una ambientación razonablemente fastuosa. Su segunda sección se centra en una mezcla de heavy prog y sinfonismo que incluye algunos recursos psicodélicos. En cuanto a </span><span style="font-family: georgia;">‘Frazz’, se explaya a lo largo de una cuidadosa ilación de atmósferas diversas que van desde un barroquismo electrizante hacia una contemplación bucólica, pasando luego a una neurótica metralla pesada, para luego terminar con un clima sinfónico conmovedor</span><span style="font-family: georgia;">. </span><span style="font-family: georgia;">‘Clown’ se encarga de cerrar el repertorio del álbum con expansiones de varios de los modismos estilísticos que se han delineado fehacientemente en la secuencia de las cuatro canciones precedentes. Un prólogo expectante anuncia la cercanía del destino fatal del protagonista, abriendo paso poco después a un cuerpo central muy vivaz cuyo aguerrido nervio se instala fluidamente sobre un compás inusual. El epílogo pastoral se deja envolver por una atmósfera grisácea muy afin al conexto funerario del momento. Las gentiles orquestaciones del sintetizador aportan una discreta calidez al enclave instrumental. </span><i><span style="font-family: georgia;">“Le promesse a
quel signore / Che disprezza un nano stanco, / Che truccato nel suo circo / Piange
e cala giù il sipario. / Ultima luce su un pagliaccio, / Solo al centro di sé
stesso.”</span></i> <span style="font-family: georgia;">La última nota simultáneamente tocada al sintetizador y al vibráfono es la misma con la que comenzó la primera canción del álbum: la idea de un círculo que se cierra dentro de su propia imaginería narrativa.</span></div><div><div><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4gkMC0qINrjCIzud3wpCpgKMO5tzMf0xStqmLOqQOfXJC5H1CL0iRDTByLnnK3WvVKxf4SAsBcbl6f0KqnYVGKgb64B1bKm7cLZBgvlG92QcgjoLmCkcJNDAPybj9IScDeEuA5irN5ocRfdbWVKufjA0Y6hPXXa_M2X5yY4dWnxrSekaYgVQZ/s600/R-2966211-1483541390-1523.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4gkMC0qINrjCIzud3wpCpgKMO5tzMf0xStqmLOqQOfXJC5H1CL0iRDTByLnnK3WvVKxf4SAsBcbl6f0KqnYVGKgb64B1bKm7cLZBgvlG92QcgjoLmCkcJNDAPybj9IScDeEuA5irN5ocRfdbWVKufjA0Y6hPXXa_M2X5yY4dWnxrSekaYgVQZ/s320/R-2966211-1483541390-1523.jpg" width="320" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br /></div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">“Dedicato A Frazz” no fue un éxito de ventas precisamente, aunque SEMIRAMIS mantuvo una actividad productiva en actuaciones en vivo tanto en Roma como en ciudades cercanas. Cuando llegó el año 1974, el grupo pasó por una crisis seria que hizo que el bajista Toni Massarutto y el teclista Giulio Ferrarin reemplazaran a Raddavide y Maurizio Zarrillo, quienes dejaron la banda. La nueva alineación no duró mucho y el grupo terminó resignándose a su disolución antes de que el año 1974 llegase a su ecuador. Michele Zarrillo formó parte de unos IL ROVESCIO DELLA MEDAGLIA que también estaban en sus últimas caminatas, pero no por mucho tiempo.<span> Faenza y Artegiani formaron el grupo pop CARILLON entre 1979 y 1981. Posteriormente</span>, Michele Zarrillo y Giampiero Artegiani forjaron existosas carreras como cantautores y productores de otros artistas del pop; por fin les llegaron la fama y los galardones. Si bien parecía que todo esto era lo que el Dios Destino tenía reservado para la realidad de SEMIRAMIS, la cosa fue muy distinta desde hace algunos años. En efecto, en 2013, Faenza, Artegiani y Maurizio Zarrillo acordaron reformar la banda con músicos nuevos, cosa que se concretó efectivamente al año siguiente. Más aún, en el presente primer tercio del año 2024 ya hay un segundo disco de estudio de SEMIRAMIS en el mercado, pero dejamos esto aquí para hablar sobre ello en otra ocasión. Por ahora, nos limitamos a expresar nuestro agrado por que exista un disco tan excelso y lleno de creatividad como </span><span style="font-family: georgia;">“Dedicato A Frazz”.</span><span style="font-family: georgia;"> Dedicamos esta
retrospectiva <i>in memoriam</i> a Maurizio Zarrillo y Giampiero Artegiani, quienes
nos dejaron el 11 de julio de 2017 y el 4 de febrero de 2019, respectivamente.
Un agradecimiento eterno a ellos y a sus tres compañeros de primeras aventuras que aún están entre
nosotros por habernos brindado una obra tan notable dentro del
amplio panorama del rock progresivo italiano de primera generación. ¡Muy bien
hecho, muchachos! ¡No es nada fácil hacer un disco destinado a ser legendario!... ¡¡Y encima, a la primera!!</span></div><div style="text-align: left;"><br /></div><div style="text-align: left;"><br /></div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">Muestras de “Dedicato A Frazz”.-</span></div><div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><span>La Bottega Del Rigattiere: </span><a href="https://www.youtube.com/watch?v=8UcjZgt-9OE">https://www.youtube.com/watch?v=8UcjZgt-9OE</a></span></div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><span>Luna Park: </span><a href="https://www.youtube.com/watch?v=T2PVgfv0OR4">https://www.youtube.com/watch?v=T2PVgfv0OR4</a></span></div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><span>Per Una Strada Affollata: </span><a href="https://www.youtube.com/watch?v=dM7Ta_pF17g">https://www.youtube.com/watch?v=dM7Ta_pF17g</a></span></div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><span>Clown: </span><a href="https://www.youtube.com/watch?v=KFU9mbRlYMI">https://www.youtube.com/watch?v=KFU9mbRlYMI</a></span></div><div style="text-align: left;"><br /></div></div></div>César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-10669298836986583652024-02-28T00:06:00.000-05:002024-02-28T00:06:20.019-05:00Sombras y luces de la aventura vanguardista del dúo COLIN EDWIN & ROBERT JÜRJENDAL <div style="text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"> </span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjvFRryogjZTnxattXZfH0UqwMMoeD4PTz0ogXdMU6Qxcs-uKhuSk8HhgptJfKCEd-IsTd1StX-jcfZHCMK6a9bn5WPydfMKrRTlHOxwMpH7UMQcwABmn0PmECm3n4KEb8cpKbfJI0GOUgqtbZuDcDSbev96KFfj5tW1YUHxptJ7CiP4B00ejr/s1200/a0189134929_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjvFRryogjZTnxattXZfH0UqwMMoeD4PTz0ogXdMU6Qxcs-uKhuSk8HhgptJfKCEd-IsTd1StX-jcfZHCMK6a9bn5WPydfMKrRTlHOxwMpH7UMQcwABmn0PmECm3n4KEb8cpKbfJI0GOUgqtbZuDcDSbev96KFfj5tW1YUHxptJ7CiP4B00ejr/w400-h400/a0189134929_10.jpg" width="400" /></a></div></div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br />HOLA,
AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.<br /><o:p> <br /></o:p>En
esta ocasión presentamos el disco “The Weight Of A Shadow”, de autoría
compartida del británico COLIN EDWIN y el estonio ROBERT JÜRJENDAL; el disco en
cuestión fue publicado el 4 de noviembre del pasado año 2023 por el sello Hard World, estando sus coordenadas estilísticas
situadas en una cruza entre el avant-prog, el ambient y el jazz experimental contemporáneo. EDWIN se hace cargo de
los bajos con y sin trastes, el contrabajo, la guitarra e-bow y las
programaciones sintetizadas, mientras que JÜRJENDAL realiza sus labores con la
guitarra eléctrica, la U8 Touch Guitar y la guitarra de 12 cuerdas. El primero de ellos es particularmente popular por su larga estadía en PORCUPINE TREE, aunque también cuenta con membrecías en O.R.K., BURNT BELIEF, METALLIC TASTE OF BLOOD y otros proyectos ocasionales. Por su parte, JÜRJENDAL está o ha estado vinculado a UMA, SLOW ELECTRIC y JAN BANG, indicio claro de inquietudes eclécticas dentro del jazz, la electrónica y el art-rock. De hecho, fue colaborando en SLOW ELECTRIC, proyecto de Tim Bowness, en el año 2011, que estos dos maestros se conocieron. Éste es el segundo disco del dúo, siendo el primero </span><span style="font-family: georgia;">“Another World” (2018).</span><span style="font-family: georgia;"> El material
contenido en “The Weight Of A Shadow” fue grabado en el estudio NightSpace UK y en el Aaviku
Farmstead Studio, los centros de grabación particulares de cada uno de estos
maestros. La mezcla fue realizada por el propio EDWIN y el ulterior proceso de
masterización estuvo en manos de Paul Mex en el estudio Mex One Recordings. Veamos ahora los detalles estrictamente musicales del repertorio de “The Weight Of A Shadow”.</span></div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><o:p> <br /></o:p>La
dupla inaugural de ‘Barely Visible’ y ‘Cyclic Drift’ pone muchas cartas de la
baraja dual sobre la mesa. El primero de estos ítems mencionados se centra en un clima otoñal con tintes crepusculares, los mismos que asumen pronto unos recursos debidamente mesurados de fuerza expresiva, focalizándose en el estándar jazz-progresivo. En cuanto a </span><span style="font-family: georgia;">‘Cyclic Drift’, se trata de algo un poco similar al tenor general de la pieza inaugural, pero esta vez hay un mayor énfasis en el potencial del groove basado en el jazz experimental que tanto le gusta al dúo emplear</span><span style="font-family: georgia;">. De esta manera, se nota una mayor robustez en la persistente estrategia de hacer música progresiva etérea con un amplio realce de los paisajes sónicamente cinematográficos. El tercer tema es el que justamente da título al
disco; el enfoque de trabajo expuesto en </span><span style="font-family: georgia;">‘The Weight Of A Shadow’ se apoya en un mayor grado de sutileza expresiva que el empleado en la secuencia de los dos temas iniciales. Eso implica que el motif central se delinea con un enfoque minimalista, siendo así que éste está alimentado por una gentil calidez situada entre lo ensoñador y lo nostálgico en medio de una sobria luminosidad. Justamente aquí está la clave a seguir explorando en otros temas posteriores del presente álbum.</span><span style="font-family: georgia;"> ‘Time To Find The Sun’ exhibe 5 minutos de señorío sónico signado por un lirismo imponente que sabe contener su patente majestuosidad dentro de un ambientación gentilmente crepuscular. La luz musical aquí presente goza de la dosis estrictamente necesaria, algo crucial para convertir a este tema en uno de los más hermosos del disco. ‘</span><span lang="EN-US" style="font-family: georgia;">Soul Blizzard’, el tema que sigue a continuación, se encarga de expandir esa luz y darle al persistente espíritu contemplativo una fastuosidad más explícita. Cuando llega el turno de ‘Unknown
Hands’, el dúo retoma la aureola cinematográfica que signó a la pieza homónima mientras le da un gentil cariz jazzero; mientras tanto, los ornamentos provistos por las percusiones programadas refuerzan el carácter etéreo de lo que suena. </span><span style="font-family: georgia;">‘The
Grid’ trabaja con una cruza de post-rock y ambient sobre un groove lo suficientemente sofisticado como para que las predominantes vibraciones contemplativas se dejen arropar por un convincente preciosismo. He aquí un punto de encuentro entre el paradigma de los STICK MEN y el de TORTOISE, he aquí un cénit especial del álbum.</span></div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"> </span></div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">‘Springunal’ es algo que nos toma un poco por sorpresa pues es un campo de expresión para una tensión renovadora dentro del ideario de EDWIN & JÜRJENDAL. El vitalismo flotante de los desarrollos temáticos futuristas que se van hilando a lo largo del camino reflejan un cuadro sonoro de oscurantismo controlado, algo así como un armazón de 2 o 3 ideas perdidas de UNIVERS ZÉRO que fueron a parar a manos de los TANGERINE DREAM de la etapa 1977-80. Tras este peculiar viaje, emerge ‘Penumbra’, y es justo eso lo que gestan los dos músicos, una penumbra densa donde la tensión de la pieza precedente es reemplazada por una inquietud misteriosa que prefiere explayarse de a pocos en vez de estallar en una fiesta macabra de angustias diversas. No es así la cosa, pues lo que aquí tenemos es un enfoque controlado de un nervioso desasosiego que el intelecto no llega a racionalizar del todo. ‘Shadow Ritual’ se sitúa en un espacio intermedio entre los dos temas precedentes: un trayecto cavernícola donde la exterioridad futurista y la introspección enigmática se intersectan bajo la guía de una serenidad reflexiva progresivamente estilizada. El guitarreo Frippiano ayuda mucho a reforzar el segundo de los factores mencionados. En comparación, ‘Sub
Flow’ resulta más relajado, pues es un ejercicio de parsimonioso space-rock progresivo sobre unas cadencias exóticas y un sencillo motif de inspiración oriental. Una vez más, regresan al frente los resabios de la pieza homónima. El tema encargado de cerrar este repertorio es ‘Back To The Light’, y lo hace recurriendo a la faceta más lírica del dúo. El cautivador centro melódico es manejado con una sutileza bien perfilada (tal vez en coqueteo con el post-rock) mientras las florituras de la Touch Guitar procuran enriquecer el potencial de tonalidades progresivas que guarda dicho centro melódico. Todo esto fue “The Weight Of A Shadow”, una bitácora de excelsas sombras y luces reflejadas en las exquisitas travesías musicales que el colectivo de COLIN EDWIN y ROBERT JÜRJENDAL ha gestado en el susodicho trabajo fonográfico. Muchas gracias a ellos por este estupendo disco que recomendamos en cualquier buena fonoteca abierta a la música vanguardista. <br /><o:p> <br /></o:p><o:p> <br /></o:p>Muestras
de “The Weight Of A Shadow”.-<br />Cyclic
Drift: <a href="https://music.colinedwin.co.uk/track/cyclic-drift">https://music.colinedwin.co.uk/track/cyclic-drift<br /></a>Time
To Find The Sun: <a href="https://music.colinedwin.co.uk/track/time-to-find-the-sun">https://music.colinedwin.co.uk/track/time-to-find-the-sun<br /></a>The
Grid: <a href="https://music.colinedwin.co.uk/track/the-grid">https://music.colinedwin.co.uk/track/the-grid<br /></a>
<o:p></o:p>Penumbra:
<a href="https://music.colinedwin.co.uk/track/penumbra">https://music.colinedwin.co.uk/track/penumbra</a></span></div><div style="text-align: left;"><br /></div>
César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-49523213447254309242024-02-25T09:36:00.000-05:002024-02-25T09:36:05.293-05:00RAFFO y su verídica cosecha de flores en el jardín de la fusión contemporánea<div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"> </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSOV6CrtKweMe_xgaVfPnt17hzeUMtj1Otw_Zr2Zgq1fjoX-rM4PgS4tdar3mRLMXUMjB1qQnSvHxaRKCkeiUxzKCQq9JuPEg41RhMbJWKGvr5Ve6S9cMzWYEbkoIzv7QN-_dVkZxhSW4WCDJ-rg1dTgJ1rVDCaQf9ymqu47TVoRGHmWZLPvRI/s500/500x500-000000-80-0-0.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSOV6CrtKweMe_xgaVfPnt17hzeUMtj1Otw_Zr2Zgq1fjoX-rM4PgS4tdar3mRLMXUMjB1qQnSvHxaRKCkeiUxzKCQq9JuPEg41RhMbJWKGvr5Ve6S9cMzWYEbkoIzv7QN-_dVkZxhSW4WCDJ-rg1dTgJ1rVDCaQf9ymqu47TVoRGHmWZLPvRI/w400-h400/500x500-000000-80-0-0.jpg" width="400" /></a></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span><span style="font-family: georgia;">HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span><span style="font-family: georgia;">Hoy tenemos el enorme placer de hablar
sobre el nuevo disco de JUAN “POLLO” RAFFO, o simplemente RAFFO: el disco en
cuestión se titula “La Falacia Del Espantapájaros – Música De Flores Vol. 6” y
fue publicado en noviembre del pasado año 2023. Además de los teclados de
RAFFO, suenan a lo largo del repertorio el bajo de Tomás Pagano y la batería de
Rodrigo Genni. El material aquí contenido fue grabado por César Silva en El
Hornero, Pablo López Ruiz en Doctor F y Rodrigo Genni en Estudio Lerma; más
adelante, los procesos de mezcla y masterización estuvieron a cargo de César
Silva en El Hornero. El arte y
y el diseño gráfico son de la autoría de Emmanuel Panza. </span><span style="font-family: georgia;">El título del
disco responde al tipo de falacia que se estudia en la lógica filosófica (en inglés
es <i>the strawman fallacy</i>): se trata de la pretensión de haber refutado una
posición al rebatir una versión exagerada o simplificada de una posición que,
en realidad, es más sutil y rica que lo que pretende el (fracasado) refutador. Se trata del primer disco que RAFFO y sus colegas hacen tras el fallecimiento del saxofonista-clarinetista Martín Rur, quien se lució enormemente en esta serie de discos de <i>Música De Flores</i>. Con sólo apreciar sus sólidos aportes en los dos volúmenes anteriores (</span><span style="font-family: georgia;">“Brindis” y </span><span style="font-family: georgia;">“Llueve Sobre La Biblioteca Central”, de los años 2016 y 2019, respectivamente</span><span style="font-family: georgia;">) advertimos que el cosmos de la fusión contemporánea argentina tenía en él a una estrella de gran calibre: la dedicatoria que se le hace en los créditos de este nuevo disco es muy merecida. En fin, el arte tiene su propia manera de dejar que la vida continúe sacando de sí nuevas cosas para iluminar al mundo, y ahora es el turno para brillar de </span><span style="font-family: georgia;">“La Falacia Del Espantapájaros”: adelantamos que aquí opera un nivel más contenido de exuberancia estilística que la existente en los dos discos mencionados más arriba, pero que conste que el vigor expresivo del ensamble sigue siendo tan inspirado como siempre. Justifiquemos ahora, paso por paso, este diagnóstico previo de parte nuestra.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><br /></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><span>‘Siete De Cada Cinco’ da inicio al
repertorio con un aura solemne que sabe conllevar muy solventemente la combinación de un groove moderadamente suelto con una prestancia señorial empapada de serenidad. La labor de los teclados alterna momentos de gracilidad fusionesca (un poco al estilo del legendario Joe Zawinul) con otros marcados por un estilizado barroquismo; mientras tanto, la dupla rítmica preserva un swing impoluto con algunos espacios abiertos para que el bajo elabore unas florituras pertinentes bajo el manto de los solos y bases armónicas creados por RAFFO, garantizándose así el manejo de algunos quiebres folklóricos en pasajes estratégicos. Luego sigue ‘Pretexto’, tema que se extiende por un espacio de 6 ¾
minutos para llegar a ser ítem individual más extenso del repertorio. Todo comienza muy sigilosamente, como saliendo de a pocos de un escondrijo mientras se impone un ambiente misterioso, pero ya pasada la frontera del segundo minuto, el motif central aclara su presencia a la hora de instaurar un clima contemplativo. Las orquestaciones de teclado que emergen durante el último minuto añaden una elegante fastuosidad al asunto, un suave resplandor en medio de la neblina introspectiva. Cuando llega el turno de ‘Persecución’, el ensamble se dispone a virar radicalmente hacia lo extrovertido en clave jazz-progresiva, siendo así que el bajo asume un rol co-protagónico junto a los teclados. Lo que suena aquí parece un híbrido de GENTLE GIANT y JAN HAMMER con algunos aditivos extra de fusión tanguera que ayudan a incrementar el potencial vitalista diseñado para la ocasión. La
dupla de ‘Preludio Al Rulo’ y ‘El Rulo’ abre campo a otra exhibición de señorial lirismo de parte del colectivo triádico. El primero de estos temas mencionados recoge parte del fulgor sónico de la pieza precedente y lo remodela con unas vibraciones conmovedoras que parecen tomar algunos trucos de la cámara impresionista mientras instaura su cálido motif fusionesco. En cuanto a ‘El Rulo’, se trata de un inspirado ejercicio de jazz de salón donde se mezclan la alegría serena y la calma entusiasta, siendo así que la labor de la batería permite al trío conectarse con algunos ambientes folklóricos. Los parajes más exultantes del piano motivan al ensamble íntegro crear un clímax refinado y contundente.<br /></span></span><span style="font-family: georgia;"><span><o:p> <br /></o:p></span></span><span style="font-family: georgia;"><span>Con el simpático título de ‘Cuidado Con Las
Imitaciones’ emerge una pieza bastante ágil donde los músicos actuantes trabajan con el júbilo y la sensualidad que emanan al unísono de los esquemas rítmicos, grooves y desarrollos temáticos planteados. Los tres últimos ítems del repertorio son las
tres partes de la ambiciosa idea musical que da título al álbum. ‘La Falacia del
Espantapájaros, Pt. 1’ dura 7 ½ minutos y su misión consiste en recoger las sucesivas siembras de la pieza precedente y de la que abrió el álbum para gestar un enérgico viaje a través de las áreas del rock progresivo y el jazz-rock sobre un sólido enclave fusionesco. Se dejan sentir aquí las influencias de los WEATHER REPORT de 1974 y los RETURN TO FOREVER de 1973 con algunos guiños extra a la escuela del Canterbury (especialmente, los SOFT MACHINE de los discos tercero y cuarto). La inclusión de un interludio experimental de tenor deconstructivo es un inteligente recurso de variedad expresiva en medio del esplendor reinante. ‘La Falacia Del Espantapájaros, Pt. 2’ comienza con una serena figura de piano, la misma que termina expandiéndose por varios meandros expresivos bajo una ingeniería ensoñadora con ribetes contemplativos. La serenidad persiste de manera consistente mientras se deja ornamentar por algunos arrebatos comedidos del piano. Finalmente, ‘La Falacia del Espantapájaros, Pt. 3’ retoma lo más extrovertido y juguetón del jolgorio fusionesco que ya signó a varias piezas precedentes, haciendo que los 4 minutos de su duración pasen volando. Todo esto fue lo que se nos ofreció desde el cuartel del maestro RAFFO y sus secuaces con “La Falacia Del Espantapájaros – Música De Flores Vol. 6”. Con una carrera, tanto solista como en grupos, que va más allá de las cuatro décadas, RAFFO nos demuestra que su frescura creativa, su iniciativa para explorar mil mundos sonoros y su virtuosismo siguen intactos. Es por eso que este disco es todo lo contrario de una falacia: es una verídica cosecha de hermosas ideas musicales dentro del jardín de perpetua belleza musical que está bajo el mando del maestro RAFFO. En resumen... ¡¡un disco totalmente recomendable!!<br /></span></span><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">Muestras de “La Falacia Del Espantapájaros
– Música De Flores Vol. 6”.-<br /></span><span style="font-family: georgia;">Siete De Cada Cinco: <a href="https://www.youtube.com/watch?v=QgggkkI6Mic">https://www.youtube.com/watch?v=QgggkkI6Mic<br /></a></span><span style="font-family: georgia;">Pretexto: <a href="https://www.youtube.com/watch?v=YBBzUpJ_0tA">https://www.youtube.com/watch?v=YBBzUpJ_0tA<br /></a></span><span style="font-family: georgia;">La Falacia Del Espantapájaros, Pt. 1: <a href="https://www.youtube.com/watch?v=OU8caGaNJFQ">https://www.youtube.com/watch?v=OU8caGaNJFQ</a></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><br /></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span>
</span></div>
César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-80688097324479816752024-02-23T00:08:00.000-05:002024-02-23T00:08:53.222-05:00Un paso adelante en el monumental trayecto Zeuhl del colectivo francés RHÙN<div style="text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEieXWxvDBWPjfbqTzJdt-okj2Nq1CRFz_sF_tUKzXBUzr5rgakgYD6KMswVjptQxJXFPvT26OXL1fsmymqu3yWM5q-9dGjqCAzSvfSr8YR8X0nEqrk4ztkMfZ0n1hmCwKYUOcWi0u33t_QiYKjQVZBU-1lYb6XEiFhwyP3f0HMtDUAISu8AT3e-/s700/a1896179206_16.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="700" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEieXWxvDBWPjfbqTzJdt-okj2Nq1CRFz_sF_tUKzXBUzr5rgakgYD6KMswVjptQxJXFPvT26OXL1fsmymqu3yWM5q-9dGjqCAzSvfSr8YR8X0nEqrk4ztkMfZ0n1hmCwKYUOcWi0u33t_QiYKjQVZBU-1lYb6XEiFhwyP3f0HMtDUAISu8AT3e-/w400-h400/a1896179206_16.jpg" width="400" /></a></div></div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA
CÉSAR INCA.</span></div>
<div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"> <br />El trayecto de música progresiva Zeuhl para
el nuevo milenio sigue vigente gracias a la iniciativa y la creatividad de ensambles
como el conjunto francés RHÙN, el cual ya se lució a mediados del pasado año 2023
con el disco “Tozïh” y ahora lo sigue haciendo con “Tozzos”, cuyo lanzamiento
oficial está programado para el próximo 8 de marzo (dentro de muy pocos días). Al igual que ese disco que
mencionamos antes, la publicación de “Tozzos” está en manos de Baboon Fish
Label; de hecho, es una continuación conceptual de “Tozïh” en relación con una
contemplación crítica del mundo que nos rodea donde la pobreza, el conflicto y
la crueldad predominan hasta el punto de llevar a la especie humana a sus
carencias vitales y morales más extremas. La alineación de RHÙN está conformada
por Captain Flapattak [batería y canto], Retsim Käh [bajo y canto], Charlotte
Pace [violín], Chfab Kaouenn [teclados y canto], Jean Bonëth [saxofones alto y barítono] y Ludal
Le Chacal [voz principal y teclados]. Captain Flapattak compuso todos los temas salvo el penúltimo, cuya autoría corresponde a Raphaël Martin. El material contenido en “Tozzos” fue grabado en la École Paul Le Flem, en Servon-sur-Vilaine; los ulteriores procesos de mezcla y masterización estuvieron a cargo de Kevin Brosse y Christophne Menanteau, respectivamente. Adelantamos que este disco contiene un drenaje de mayor robustez sonora que su predecesor, preservando el gusto por la tensión rotunda y las texturas grandilocuentes que consignan la marca de la casa. Bueno, repasemos ahora los detalles del repertorio de “Tozzos”.<br /> <br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><div style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhom7cm5fMgVQF-LSqGzyCjBlpgH1NHWQJhdDgVO4HcZbF-HTfqZ4v3V7JdxvADW_HLv14kMlBGHZ5yEOpkr9S17XqYyKNM3od-HPa2aB8qnWpFrEAS3YVBZN5FWako03Ruc4odRjVifgITS34YuPRzakU__oUNT48iQOwcbmUmR6hX0kcB1i9A/s1200/0034877520_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1158" data-original-width="1200" height="309" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhom7cm5fMgVQF-LSqGzyCjBlpgH1NHWQJhdDgVO4HcZbF-HTfqZ4v3V7JdxvADW_HLv14kMlBGHZ5yEOpkr9S17XqYyKNM3od-HPa2aB8qnWpFrEAS3YVBZN5FWako03Ruc4odRjVifgITS34YuPRzakU__oUNT48iQOwcbmUmR6hX0kcB1i9A/s320/0034877520_10.jpg" width="320" /></a></div> </span></div><span style="font-family: georgia;">El repertorio de “Tozzos” comienza con ‘Xïem
(Où Les Troubadours Nus Mitraillent Les Babouins Morveux)’, tema que dura 13
minutos y pico, siendo, de hecho, el más extenso de los cuatro que se contienen aquí. El pasaje inicial es ceremonioso, basándose en una confluencia entre el carácter envolvente de las sofisticadas líneas melódicas trazadas por la comunicón de violín y vientos y la exuberancia explícita de la batería. De esta manera, el motif central dispone de un espacio generoso para poder instalarse presurosamente, lo cual, a su vez, lleva a una presta disposición para la emergencia de recovecos temáticos que, mayormente, son guiados por los teclados; todavía no se llega a la frontera del tercer minuto y nos hallamos caminando sobre un puente de armazón gótico que, a su vez, nos transporta hacia una aureola misteriosa que no esconde los ribetes de siniestra inquietud que laten a flor de piel. Una vez que el ensamble entero retorna a la senda de la extroversión, el asunto se torna más denso que antes, siendo así que el fulgor multicolor que atraviesa a las interacciones instrumentales ostentan aires de suntuosa neurosis. Los ulteriores cánticos añaden matices fantasmagóricos a esa neurosis con el fin de gestar un proceso de festejos oscurantistas que se sitúan en un terreno intermedio entre los MAGMA de 1974-76 y los SHUB-NIGGURATH de 1986. Los aspectos belicosos son los que más se destacan dentro de la ingeniería musical diseñada para la segunda mitad de esta pieza: el festejo quiere ahora llegar a una cúspide climática amenazadora sin renunciar siquiera a un ápice de elegancia estructural. Se engarza a los últimos cánticos de este cénit de entrada el cántico que inicia el segundo tema del álbum: éste goza de un generoso espacio de expansión expresiva (dura 10 minutos) y responde al título de ‘Henc (J’aurai Voulu
Tuer Le Vendeur De Jasmin)’. Llega pronto el momento de la focalización crucial del entramado de vientos, teclados y violín, el cual se entraga a la elaboración de una foresta sónica bastante solemne. ¿Se metió SUN RA en una misión de remodelación del paradigma Zeuhl heredado directamente de MAGMA y la gente de RHÙN se convirtió en el colectivo exorcista de tal remodelación? Podría decirse que sí, al menos hasta poco antes de llegar a la frontera del quinto minuto, pues es entonces que el grupo se arroja a un ejercicio de vitalismo extravagante en clave jazz-rockera dentro de un esquema avant-progresivo marcado por una jovialidad urgente. El epílogo en clave de jazz suave es un interesante recurso de variedad. </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">‘Theusz Amstrad’ tiene una </span><span style="font-family: georgia;">metralla inicial donde se combinan aires de batalla y subterfugios de danza ceremonial: aquí opera una vivacidad esplendorosa, una explosión de fulgor espiritual que se trasluce inequívocamente a través de las orquestaciones y el robusto encuadre de bajo, batería y teclados. Pero dicho fulgor está orientado hacia la exaltación de un fuego cósmico que no existe para calmar a las almas, sino para invitarles a ahogarse en su propia catarsis en busca de una posible reconstrucción impredecible</span><span style="font-family: georgia;">. Algo inherentemente perturbador hay en los abstractos solos del sintetizador, mientras los ornamentos de saxofón apuntalan inmisercordemente a la absorbente musculatura donde se emplazan las delirantes intervenciones insteumentales. Se notan las conexiones con las líneas de trabajo de NEOM y LE GRAND SBAM. ‘Zöfm’ dura cerca de 8 ½ minutos y es el último
tema del repertorio: su estrategia básica se enfoca en retomar varias de las pautas predominantes de los dos primeros temas del álbum, dándoles un vigor renovador. De hecho, se nota que hay una incandescencia incrementada en los pasajes neuróticos, lo cual obliga al bloque de instrumentistas a dialogar dentro de un encuadre más electrizante. Es como si se quisiera terminar el disco con la danza definitiva, la exaltación tras la cual no debe quedar nada... Pero llegamos a la frontera del quinto minuto con un inesperado viraje hacia una caverna lúgubre donde hay que moverse con una parsimonia crepuscular. La densidad de lo noctámbulo se materializa en una masa imponente que se va expandiendo con maciza altivez, motivando uan mezcla de pavor y exaltación con inescrutable elegancia. Y así termina todo. Como balance final, nos queda claro que la gente de </span><span style="font-family: georgia;">RHÙN se ha vuelto a lucir con éste, su nuevo disco, lo cual hasta resulta natural al saber que se trata del fruto del mismo aluvión de inspiración musical que permitió la gestación de su brillante disco de laño pasado. El grupo ha necesitado menos de 40 minutos para dar rienda suelta a su gloria musical en este momento de su trayecto vigente: </span><span style="font-family: georgia;">“Tozzos” es un monumental deleite que sirve de indicio muy claro de que la escena francesa sigue siendo una intensiva fuerza generadora de las propuestas más osadas dentro del polivalente discurso progresivo. ¡¡¡Totalmente recomendable este nuevo trabajo de </span><span style="font-family: georgia;">RHÙN</span><span style="font-family: georgia;">!!!</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"> <br /> <br />Muestras de “Tozzos”.-<br /><span lang="EN-US">Xïem (Où
Les Troubadours Nus Mitraillent Les Babouins Morveux): <a href="https://rhunmusic.bandcamp.com/track/x-em-o-les-troubadours-nus-mitraillent-les-babouins-morveux">https://rhunmusic.bandcamp.com/track/x-em-o-les-troubadours-nus-mitraillent-les-babouins-morveux<br /></a></span><span lang="EN-US" style="line-height: 107%;">Theusz Amstrad: <a href="https://rhunmusic.bandcamp.com/track/theusz-amstrad">https://rhunmusic.bandcamp.com/track/theusz-amstrad</a></span></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div>
César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-72145380758068003462024-02-20T00:00:00.000-05:002024-02-20T00:00:27.915-05:00El cuarto vuelo del proyecto italiano ELLESMERE a través de los cielos progresivos<div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJqs8MTgcGufm7QcUuc-4Oe60aAaonlBbfkrQlUOrqbtPOinsOBR2bbS5wa2YDFbs_AyQUUd12Mg1fS6ISlbKyKgJ8goZf0BF9jhjGnFugLQxXArd-bVonDa77n8_DjeRnQMoRUJotf3SqU18mn_SEuJ71M8Ro4UUNTjHZbTGk_8gg8HEFjz5w/s1200/a0237961510_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJqs8MTgcGufm7QcUuc-4Oe60aAaonlBbfkrQlUOrqbtPOinsOBR2bbS5wa2YDFbs_AyQUUd12Mg1fS6ISlbKyKgJ8goZf0BF9jhjGnFugLQxXArd-bVonDa77n8_DjeRnQMoRUJotf3SqU18mn_SEuJ71M8Ro4UUNTjHZbTGk_8gg8HEFjz5w/w400-h400/a0237961510_10.jpg" width="400" /></a></div><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><span>Hoy tenemos el gusto de presentar el nuevo disco de ELLESMERE, el proyecto progresivo del músico y compositor italiano </span><span style="background-color: white; color: #050505; white-space-collapse: preserve;">Roberto Vitelli; el disco en cuestión se titula </span>“Stranger Skies” y fue publicado el pasado 12 de enero (hace muy poco) en CD y vinilo por vía del sello EMS Records.<span style="background-color: white; color: #050505; white-space-collapse: preserve;"> Vitelli toca los bajos Rickenbacker y Fender y los teclados (incluyendo sintetizadortes Moog y Yamaha), siendo así que el cuarteto central de ELLESMERE se completa con </span><span style="background-color: white; color: #050505; white-space-collapse: preserve;">Giacomo Anselmi [guitarras], Mattias Ols</span><span style="background-color: white; color: #050505; white-space-collapse: preserve;">son [batería y percusión] y </span><span style="background-color: white; color: #050505; white-space-collapse: preserve;">John Wilkinson [voz]. Sí, aquí está el mismo Olsson que hallamos en varios grupos y proyectos dentro y fuera de su Escandinavia natal desde los inicios de los 90. También hay otros invitados ilustres de diversas generaciones y nichos progresivos en la lista de colaboradores ocasionales: los teclistas </span><span style="background-color: white; color: #050505; white-space-collapse: preserve;">Tomas Bodin, </span><span style="background-color: white; color: #050505; white-space-collapse: preserve;">Clive Nolan, Bob Hodges y Stefano Vicarelli, el flautista John Hackett, el maestro David Jackson al saxofón y la flauta, y Riccardo Romano a las guitarras acústicas de 6 y 12 cuerdas, además de los coros. </span></span><span style="font-family: georgia;">“Stranger Skies” sucede a su muy celebrado antecesor </span><span style="font-family: georgia;">“Wyrd”, disco del año 2020 que recibió mucha atención de parte del público adepto al prog de todo el mundo y que, al igual que éste, contaba con una pléyade de veteranos del género en sus diversas áreas: VAN DER GRAAF GENERATOR, THE FLOWER KINGS, ARENA, STEVE HACKETT BAND, FONDERIA, LA BATTERIA, RANESTRANE, etc. Las sesiones de grabación del nuevo material aquí contenido se realizaron entre los años 2022 y 2023 en varios estudios, estando los ulteriores procesos de mezcla y masterización a cargo de Riccardo Romano. Rodney Matthews es el autor del arte gráfica. Bueno, veamos los detalles del repertorio contenido en </span><span style="font-family: georgia;">“Stranger Skies”.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPpnq0X3mkQ5eoddO0m2DGe_f4JcV9JPOvysFOebdrrLS_o4ybL4sT2aG7BvYxKPppD7qkMniqge6jQMOqewBXyCW_3XmkrLeGq7jLHx3ZeAwRFsR2V23sTChKYlF7zpLGmtUVJ8IG7jOXKqO_a2LC4eQOFrG8-j8C1voghWeMIP8GqKHYbtcB/s599/R-29656816-1706728993-4991.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="599" data-original-width="587" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPpnq0X3mkQ5eoddO0m2DGe_f4JcV9JPOvysFOebdrrLS_o4ybL4sT2aG7BvYxKPppD7qkMniqge6jQMOqewBXyCW_3XmkrLeGq7jLHx3ZeAwRFsR2V23sTChKYlF7zpLGmtUVJ8IG7jOXKqO_a2LC4eQOFrG8-j8C1voghWeMIP8GqKHYbtcB/s320/R-29656816-1706728993-4991.jpg" width="314" /></a></div><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><span style="font-family: georgia;">Todo comienza
con ‘Northwards’, una pieza típicamente encuadrada bajo los coordenadas del paradigma prog-sinfónico con sus estereotipos de preciosismo fastuoso. La parte introductoria se deja llevar por una magnificencia cinematográfica que nos puede hacer recordar tanto a UK como a los IQ de los dos últimos discos. El cuerpo central, movido sobre un agitado compás de 7/8, sigue una senda híbrida de los ARENA del nuevo milenio y los PALLAS de la fase 1998-2005, añadiendo a la receta varios tintes de los GENESIS de 1978. En este momento, la pieza es un sólido ejemplo de vitalismo suntuoso dentro de un bien delineado esquema progresivo cuya patente ortodoxia no es ajena al ingenio desarrollado en la interacción entre los instrumentos. La batería se luce en varios momentos, logrando que las orquestaciones armadas por los teclados hagan sentir su propia fuerza expresiva. La sección epilogar redondea inspiradamente la faena con sus oscilaciones reflexivas, siendo así que las vibraciones palaciegas que han sido dominantes a lo largo de la pieza llegan a concretar una eficaz efusividad. Sigue ‘Tundra’ a continuación para explorar más a fondo la faceta neo-progresiva del proyecto, tendiendo puentes con GALAHAD y con los antes mencionados PALLAS con unas nociones más sofisticadas del groove y de los desarrollos melódicos. Hay una contundencia rotunda en la amalgama instrumental que subyace al canto, pero dicha amalgama que tanto coqueta con el prog-metal melódico sabe ceñirse muy rígidamente a la esencia de lo sinfónico en clave modernizada. Hay que hacer una mención especial al excelente solo de guitarra que emerge en la sección final, llenando espacios con una inteligente combinación de sentido melódico y llamativo virtuosismo. ‘Crystallized’ es un fabuloso instrumental cuya primera parte se concentra en climas bucólicos muy a lo GENESIS para luego ceder el paso a un dinámico ejercicio de preciosismo melódico donde los teclados, el saxofón y la guirarra organizan un armazón magnético. Con la soltura exhibida por la dupla rítmica, se garantiza la fluidez en la ilación entre los pasajes más aguerridos y los más serenos. Cuando llega
el turno de ‘Artica’, el ensamble se dispone a gestar una cruza entre los espíritus de los dos primeros temas del álbum, reforzando de manera muy convincente el colorido sónico que es tan predominante en el ideario de Vitelli.<br /><o:p> <br /></o:p>La segunda
mitad del repertorio está ocupada por las dos piezas más extensa del mismo: ‘Stranger
Skies’, que dura 12 ¼ minutos, y ‘Another World’, que ocupa un espacio de casi
11 ¾ minutos. La pieza homónima comienza con una solemnidad contemplativa ornamentada con unos ribetes cuasi-góticos que se emparentan con el PÄR LINDH PROJECT. No tarda mucho el ensamble en hacer valer su vigor colectivo mientras transporta a la solemnidad inicial a un nivel más elevado de señorío. La sofisticación melódica y el carácter razonablemente intrincado de la ingeniería rítmica son concretados con refinada precisión en medio de la sucesión de los diversos motivos. De hecho, a poco de pasada la frontera del tercer minuto, el ensamble se pone a jugar con una alternancia entre estándares Tullianos y Emersonianos a fin de darle un giro definitorio a los versátiles climas que van apareciendo a lo largo del tema. Todos los esquemas de trabajo predominantes en los dos primeros temas del álbum vuelven a activarse, esta vez, con un manejo más sosegado de las manifestaciones y eclosiones de fastuosidad. Los ornamentos de los vientos ayudan mucho a fomentar la magnificencia deseada para el ambicioso paisaje a ser plasmado en el corazón de la segunda mitad. El epílogo es meditabundo, a medio camino entre lo romántico y lo pastoral, al modo de un filtro Yessiano del paradigma de LE ORME. En cuanto a </span><span style="font-family: georgia;">‘Another World’, comienza con el pasaje más aguerrido de todo el disco sobre un compás inusual que sabe alternar grooves orgánicos con otros más mecánicos. Comenzando todo con un momentum tan asertivo, éste se mantiene e incluso se va enriqueciendo continuamente con sucesivos solos de sintetizador, saxofón y guitarra.</span><span style="font-family: georgia;"> Aquellos momentos en los que el frenesí estructural se deja contener un poco abren paso a la inserción de matices melódicos envolventes: no son recursos de contrapeso sino de complemento a la ambientación predominante. Eso sí, a poco de pasada la barrera del noveno minuto, surge un calmado intermedio de piano y orquestaciones sintetizadas donde parece que nos adentramos en el terreno de THE ENID con añadidas tonalidades surrealistas. Casi sin darnos cuenta, hemos llegado al aterrizaje final de esta última excursión grupal. De esta manera termina “Stranger Skies”, el cuarto vuelo del colectivo de ELLESMERE a través de los cielos progresivos de nuestos tiempos, aterrizando como lo hace en un terreno de grandiosidad musical. El Sr. Vitelli y sus ilustres secuaces se han vuelto a lucir con esta nueva obra fonográfica: ya mencionamos que </span><span style="font-family: georgia;">“Wyrd” había recibido bastantes elogios en las comunidades de apreciación de rock progresivo y nos parece que </span><span style="font-family: georgia;">Stranger Skies” merece una recepción similar, especialmente si la incrementada fuerza expresiva dentro de la línea de trabajo de ELLESMERE es considerada como un punto a favor.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><o:p> <br /></o:p><o:p> <br /></o:p>Muestras de “Stranger
Skies”.-<br /><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">Northwards: <a href="https://ellesmere-ams.bandcamp.com/track/northwards">https://ellesmere-ams.bandcamp.com/track/northwards<br /></a></span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">Crystallized: <a href="https://ellesmere-ams.bandcamp.com/track/crystallized">https://ellesmere-ams.bandcamp.com/track/crystallized<br /></a></span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">Stranger Skies: <a href="https://ellesmere-ams.bandcamp.com/track/stranger-skies">https://ellesmere-ams.bandcamp.com/track/stranger-skies</a></span></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><br /></div><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-4937634771412892342024-02-17T20:21:00.001-05:002024-02-17T20:23:47.190-05:00THE TRACKERS y un poderoso vodevil jazz-rockero<div style="text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0vlY7U1domOgPmCoAGZx-fmdZBN6NgP2T1EGDIIlgiq3poGCQYBetmPuVcXThyf8-rLxDx95hQiuNQYYWjQ9rCqTdRQlAvQmC1o5M4VNxmrbins8FDxwghyphenhyphenJhHQxuLLL9EQqdfsG6HDEaP-_MM3lsYm-DgNteQWZPFKmXpcRR2HQ5YRtiqvzU/s599/R-22491227-1683379853-3549.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="546" data-original-width="599" height="365" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0vlY7U1domOgPmCoAGZx-fmdZBN6NgP2T1EGDIIlgiq3poGCQYBetmPuVcXThyf8-rLxDx95hQiuNQYYWjQ9rCqTdRQlAvQmC1o5M4VNxmrbins8FDxwghyphenhyphenJhHQxuLLL9EQqdfsG6HDEaP-_MM3lsYm-DgNteQWZPFKmXpcRR2HQ5YRtiqvzU/w400-h365/R-22491227-1683379853-3549.jpg" width="400" /></a></div><div><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia;">HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.</span></div><div><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia;">Hace poco hemos descubierto este proyecto jazz-rockero multinacional conformado por el baterista-teclista británico Gary Husband y el guitarrista-sintetista noruego Alf Terje Hana: el proyecto común de estos dos maestros de llama THE TRACKERS y el disco que se gestó a partir de allí se llama </span><span style="font-family: georgia;">“Vaudeville 8:45”</span><span style="font-family: georgia;">. En este disco publicado durante la primera mitad de marzo del año 2022 por el sello Abstract Logix, Husband toca, además de la batería, el piano eléctrico, el órgano y sintetizador; por su parte, Hana se hace cargo de un arsenal de guitarras eléctricas, acústica de 12 cuerdas, la guitarra de octavas, la guitarra barítono, el sitar eléctrico y los sintetizadores, además de hacer algunas programaciones y efectos de sonido con el modulador de anillo. El dúo contó con una buena cantidad de luminarias para hacer sus respectivos aportes al bajo: Jimmy Johnson, Etienne Mbappé, Jimmy Haslip, Øyvind Grong, Mark King, Kevin Scott y Guy Pratt. </span><span style="font-family: georgia;">“Vaudeville 8:45” contiene 9 temas en la edición física con un décimo tema asequible solamente en los blogs de Bandcamp de los propios protagonistas de este proyecto</span><span style="font-family: georgia;"><span>. ¿Y cómo se conocieron ellos? Resulta que el Sr. Hana, fan de Allan Holdsworth desde que escuchó los discos donde aparecía Husband tocando batería y teclados, invitó a éste a grabar un solo de sintetizador en uno de los temas de su álbum de 2016 </span><span>“Invisible Colours”</span><span>. La idea de ir más allá y formar un proyecto concreto juntos fue motivada originalmente por la sensación de soledad que experimentó Husband tras el fallecimiento del genio Allan Holdsworth, lo cual le hizo buscar una asociación con Hana: de hecho, el buen Gary estaba seguro de querer trabajar en un power-trío con guitarra, y hasta ya se le había ocurrido el nombre para este proyecto. THE TRACKERS, por supuesto. El proceso de grabación se llevó a cabo principalmente en el </span>Alstone Studio de la localidad noruega de Stavanger, y dos lugares de Londres: los Eastcote Studios y el Studio 154. Ya cada bajista invitado registró su aporte en su respectivo estudio doméstico. Ulteriormente, Hans Ole Kristiansen se hizo cargo de la mezcla mientras que Björn Engelmann hizo lo propio con la masterización. Bueno, veamos ahora los detalles estrictamente musicales de este disco que nos convoca ahora. </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcJwQuF2_Ueyls6BLWlAAfPhSP_nbtNSYdIJGmqnmzWiJniK1jWLbG-hw8JThLcdBZSEcTgXY6T4HY4x_dAV8h7hT3TRh1SmcJGcTZvaknM68aCfkSb64887mk5SW1uaGiV2e228GSI4gRPgXeiv3QGwhx8ytMfGXx26tOb9hqpteigp_OeHRp/s600/R-22491227-1683379851-5509.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="532" data-original-width="600" height="284" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcJwQuF2_Ueyls6BLWlAAfPhSP_nbtNSYdIJGmqnmzWiJniK1jWLbG-hw8JThLcdBZSEcTgXY6T4HY4x_dAV8h7hT3TRh1SmcJGcTZvaknM68aCfkSb64887mk5SW1uaGiV2e228GSI4gRPgXeiv3QGwhx8ytMfGXx26tOb9hqpteigp_OeHRp/s320/R-22491227-1683379851-5509.jpg" width="320" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">‘Two Foxes’ abre el álbum con un inconfundible e inapelable despliegue de vigor rockero sobre un tempo parsimonioso que permite al trío actuante jugar con ornamentos psicodélicamente progresivos para que se engalane señorialmente el sencillo motif principal. De paso, también se engalana el llamativo groove en curso para que aumente su magnetismo. Un inicio de álbum genuinamente impactante al que sigue a continuación ‘</span><a name="_Hlk148124792"><span style="font-family: georgia;">The Drowning’, una pieza cuyo centro temático y swing son un poco más complejos que los del tema de apertura, lo cual se hace notar más precisamente porque el vigor expresivo está más comedido. De esta manera, se nos brinda un ejercicio de majestuosiad jazz-rockera que se focaliza en un punto intermedio entre los paradigmas respectivos del Terje Rypdal de inicios de los 80 y el Allan Holdsworth de la etapa 1989-93. Ojalá tuviera una duración mayor que los casi 3 ½ minutos que le concedió el dúo, pero es que ya llega el turno del tercer tema, que es ‘Nisco</span></a><span style="font-family: georgia;">’. Cercano en groove al tema de apertura, tiene su propia esencia particular al desplegar un vitalismo aristocrático con una imponente exquisitez. Básicamente, se trata de un despliegue de funk filtrado por una sonoridad hard-rockera que mantiene la suficiente gracilidad como para abrirse a exploraciones jazzeras y progresivas al unísono. Todo un cénit del repertorio. ‘The Middle Distance’ es el tema más extenso del repertorio oficial con sus 7 minutos y pico de duración. En lo central, sigue la senda de la pieza precedente con un esquema rítmico más solemne y una suntuosidad más discretamente repartida; esto último permite al dúo y a su invitado de turno (Haslip) encontrar espacios de lucimiento aquí y allá, siempre para el beneficio mayor de la pieza presente. Hay pasajes donde la guitarra parece ser ejecutada por un Rypdal poseído por el fantasma de Hendrix bajo la guía de John Scofield. El primero de estos temas mencionados</span><span style="font-family: georgia;">‘Wolf Moon’</span><span style="font-family: georgia;"> es el primer tema del álbum donde realmente se explora terrenos introspectivos, pero que conste que todavía queda nervio expresivo por salir a flote. En este escenario, la sutileza de tenor impresionista es la que inicialmente impone la lógica musical mientras la batería añade musculatura a la sutileza reinante, Este detalle resulta crucial para que, más adelante, el asunto vire hacia una inspección de cromatismos y vibraciones densas que coquetean con el paradigma Crimsoniano desde el terreno del jazz-prog donde se fusionan el avant con el Canterbury. La sección final es el hogar del <i>reprise</i> del ambiente inicial. Otro cénit decisivo del álbum. </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">Con la dupla de ‘Wide Awake Running’ y ‘Deep Stepping’, el dúo y sus colaboradores de turno (los bajistas Mark King y Jimmy Johnson, respectivamente) siguen expandiendo su paleta sonora. El primero de estos temas mencionados, tras un prólogo lírico de tenor cinematográfico, asienta firmemente un cuerpo central de corte jazz-funky que abre campo a un fulgor extrovertido y alborozado que se condice mucho con el paradigma de David Torn y el vitalismo peculiar de los STICK MEN. </span><span style="font-family: georgia;">El segundo de ellos, por su parte, despliega una robustez extravagante inversamente proporcional a su duración (ocupa un espacio de menos de 3 minutos). Alternando pasajes rudos y otros cadenciosos en base a un desarrollo temáticoc gentilmente disonante, el ensamble logra crear una gallarda travesura jazz-rockera. </span><span style="font-family: georgia;">‘Garden Of Bliss’ comienza insertándose en el terreno de BRUFORD LEVIN UPPER EXTREMITIES con añadidos toques ambient que ponen al dúo en sintonía con lo que hacen maestros como COLIN EDWIN y CÉDRIC THEYS. Un enérgico interludio establece conexiones con recursos sónicos que ya hemos apreciado en piezas precedentes. </span><span style="font-family: georgia;">‘Living Time’ trae el cierre del repertorio oficial con un nuevo ejercicio de vitalista jazz-rock con estilizados resabios progresivos que, en esta ocasión, hacen gala de su magnificencia estructural para afilar el fulgor reinante. Tal como dijimos al inicio de la presente reseña, hay un <i>bonus track</i> sólo disponible en los blogs de Bandcamp de Husband y Hana, el cual se titula </span><span style="font-family: georgia;">‘All I Need’.</span><span style="font-family: georgia;"> Este tema que dura poco menos de 8</span><a name="_Hlk148124792"><span style="font-family: georgia;"> ½ minutos canaliza elegantemente una serie de vicistudes sonoras que van desde el jazz-rock de tenor Zappiano hasta la fusión con elementos reggae, pasando por deconstrucciones osadamente vanguardistas que se enraízan simultáneamente en las tradiciones del free jazz y de la psicodelia de formas aleatorias. De hecho, una vez que estas deconstrucciones entran a tallar, se disponen a ocupar inmisericordemente todos los espacios que se expanden desde la sinergia de los instrumentistas actuantes; los incendescentes efluvios abstractos crean una aureola de perturbaciones solipsistas cuya fiereza parece emerger de un augjero negro para crear una agitada e inaudita materia en forma de sonido. </span></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><a name="_Hlk148124792"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><a name="_Hlk148124792"><span style="font-family: georgia;">Todo esto fue </span></a><span style="font-family: georgia;">“Vaudeville 8:45”, uan experiencia única de música jazz-progresiva que el talentoso colectivo de THE TRACKERS tuvo a bien gestar para beneplácito del público melómano capaz de apreciar lo bizarro y lo ecléctico bajo un ropaje distinguido y majestuoso. Aunque llegue un poco tarde esta rseña, nunca es demasiado tarde para destacarlo como un ítem totalmente recomendable para cualquier fonoteca de rock progresivo y jazz-rock que presuma de ser buena. </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">Muestras de </span><span style="font-family: georgia;">“Vaudeville 8:45”</span><span style="font-family: georgia;">.-</span></div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><span>Two Foxes: </span><a href="https://garyhusband-ablx.bandcamp.com/track/two-foxes">https://garyhusband-ablx.bandcamp.com/track/two-foxes</a></span></div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><span>Nisco: </span><a href="https://athana.bandcamp.com/track/nisco-feat-yvind-grong">https://athana.bandcamp.com/track/nisco-feat-yvind-grong</a></span></div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><span>Wolf Moon: </span></span><a href="https://athana.bandcamp.com/track/wolf-moon-feat-kevin-scott" style="font-family: Aptos, sans-serif; font-size: 11pt;">h</a><a href="https://athana.bandcamp.com/track/wolf-moon-feat-kevin-scott"><span style="font-family: georgia;">ttps://athana.bandcamp.com/track/wolf-moon-feat-kevin-scott</span></a></div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><span>Living Time: </span><a href="https://athana.bandcamp.com/track/living-time-feat-guy-pratt">https://athana.bandcamp.com/track/living-time-feat-guy-pratt</a></span></div><div style="text-align: left;"><br /></div>César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-63803294007058826332024-02-16T06:47:00.000-05:002024-02-16T06:47:18.488-05:00SCHIZOFRANTIK: una verdadera ilusión progresiva desde Alemania<div style="text-align: left;"> </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmTFRHddVXhzNPg9jWhskY5WszAB-yin6AuOa6E-CDweAGSny5ze-un9nAxOg5oMWOUCPUv8UX-9-ZWLIyL1eF44Z8UztTaD8C1kBqwzZyH712Al_LeKYll5sYNXDsdglnyMR_6DVIjM1LYrboX-BKOvnzMVmzpY85W36AVOn9t2vG9z4m0Q/s1200/a1763264170_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmTFRHddVXhzNPg9jWhskY5WszAB-yin6AuOa6E-CDweAGSny5ze-un9nAxOg5oMWOUCPUv8UX-9-ZWLIyL1eF44Z8UztTaD8C1kBqwzZyH712Al_LeKYll5sYNXDsdglnyMR_6DVIjM1LYrboX-BKOvnzMVmzpY85W36AVOn9t2vG9z4m0Q/w400-h400/a1763264170_10.jpg" width="400" /></a></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br />HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">Hoy se da la ocasión de presentar “Truth Is An Illusion”, el más reciente trabajo fonográfico del grupo alemán SCHIZOFRANTIK, el mismo que fue publicado el 15 de julio del pasado año 2023 por el sello RecordJet. Este grupo formado en el año 1998 comenzó sus días como trío, pero desde hace un tiempo opera como un dúo, siendo cuarteto en los conciertos: sus integrantes actuales son </span><span style="font-family: georgia;"><span style="background-color: white;">Martin Mayrhofer [guitarras, teclados, bajo y voz]</span><span style="background-color: white;"> y </span><span style="background-color: white;">Christian Schichtl [batería]. Peter Brown aporta el contrabajo al segundo tema de este disco. Mayrhofer no es solamente el autor del material de la banda, sino que también se hizo cargo de la ingeniería de sonido en las sesiones de grabación, la mezcla y la masterización. </span></span><span style="font-family: georgia;">“Artoutrage”, que data del año 1998, fue lo primero que publicó este grupo asentado en la localidad de Munich, el cual fue desarrollando una línea de trabajo ecléctica donde confluyen el prog-metal, el neo-prog, el rock psicodélico contemporáneo y el retro-prog enraizado en los 90. Fue a partir del tiempo de los dos discos siguientes,</span><span style="font-family: georgia;">“Access Permitted” y</span><span style="font-family: georgia;"> </span><span style="font-family: georgia;">“Oddities” (de los años 2005 y 2011, respectivamente), que SCHIZOFRANTIK hizo sentir su presencia dentro de la escena progresiva europea. De hecho, ya desde el año 2011, el grupo ha podido mantener cierta regularidad en su producción musical. Vayamos ahora a los detalles del repertorio de </span><span style="font-family: georgia;">“Truth Is An Illusion”.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span face=""Open Sans", Arial, sans-serif" style="background-color: white; font-size: 13px;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4ustRpradczxUDuM7d7wrHJMTRdajDIaQu1u7sfZrhN_FihFsoUhuGQqWy7zT3sP1QVxxybfG3dFmyzaHlyZq5mVcqfhlAuQFmm66BilJa0xTR-SIU4ixd-PMgaq09LEfMKPtguT6y1bl3yYZmfEjbrPWq1Vx6G1dagOqV_t3pGHOtN5uV8k1/s599/R-27400062-1691155208-6184.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="599" data-original-width="591" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4ustRpradczxUDuM7d7wrHJMTRdajDIaQu1u7sfZrhN_FihFsoUhuGQqWy7zT3sP1QVxxybfG3dFmyzaHlyZq5mVcqfhlAuQFmm66BilJa0xTR-SIU4ixd-PMgaq09LEfMKPtguT6y1bl3yYZmfEjbrPWq1Vx6G1dagOqV_t3pGHOtN5uV8k1/s320/R-27400062-1691155208-6184.jpg" width="316" /></a></div><span face=""Open Sans", Arial, sans-serif" style="background-color: white; font-size: 13px;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">Durando cerca
de 7 ½ minutos, la pieza homónima da el puntapié inicial con un despliegue de genuino vigor rockero que se enrumba por un preciosismo consistente sobre un medio tiempo ajustado a una métrica poco común. Lo que suena en la sección prologar de </span><span style="font-family: georgia;">‘Truth Is An Illusion’ </span><span style="font-family: georgia;">es como un híbrido de los ANEKDOTEN de fines de los 90s con los PORCUPINE TREE del nuevo milenio más algunos matices del patrón neo-progresivo de unos APOGEE; las capas de teclado se ajustan a la perfección a las agitaciones emanadas de los contenidos riffs de la guitarra. Ya para la sección cantada, el groove se agiliza notoriamente y la banda se alista a exhibir un colorido un poco más suelto. Con estas dos palestras que se van alternando a lo largo del camino se edifica el llamativo discurso de esta estupenda canción de apertura. ‘Black Coats’ sigue a continuación con una actitud un poco más serena, incluso contemplativa, moviéndose sobre una cadencia de vals con algunos quiebres rítmicos ocasionales que añaden una oportuna dosis de sofisticación al swing. En cuanto a la logística instrumental, hay unos ciertos aires prog-pastorales a lo GENESIS que empapan el bien perfilado núcleo melódico que, en este contexto, sirve como una parada de relativo descanso. ‘Singularity’ sirve para que el grupo regresa a su faceta más enérgica con una explicitación firme mientras se vale de esquemas rítmicos razonablemente complejos a fin de realzar el señorío en curso. Proyectándose a un groove afín al paradigma de PORCUPINE TREE y sumándose algunas coincidencias con lo que hacía ARENA en su etapa 2000-03. Cuando llega el turno de ‘Princess
And Dinosaur’, el ensamble se dispone añadir musculatura y nervio a su logística sónica, coqueteando seriamente con el prog-metal aunque sin dejar de asentarse en el terreno familiar del prog moderno. El solo de sintetizador que entra a tallar a mitad de camino, siendo como es de sencillo en cuanto a su estructura compositiva, aporta un recurso de señorío al bloque sonoro integral. </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">El terreno está preparado para que ‘Closed Session’, la siguiente pieza, se meta de lleno en el área del prog-metal y perpetre un mecanismo ácidamente potente para asentar la ingeniería que ha de orientar el desarrollo temático. El contundente gancho de la pieza se sustenta mayormente en la eficiente fluidez con la que se concretan las interacciones entre los músicos. Cabe destacar cuánto se ha lucido la batería en la secuencia de estos tres temas. </span><span style="font-family: georgia;">La dupla de ‘Glashouse’
y ‘Salvatore’ pone el broche final al repertorio con una solvente grandilocuencia. El primero de estos temas mencionados sirve para que la banda regrese a esa grácil mezcla de PORCUPINE TREE y neo-prog que tan bien le resultó en la canción #3, aunque recibe todavía algunos resabios de las vibraciones fastuosas que signaron a las dos piezas precedentes. Lo que queda claro es que aquí sí se trabajó a conciencia un gancho directo para el desarrollo melódico, el cual cuenta también con varios aspectos sofisticados en su groove. En el caso de </span><span style="font-family: georgia;">‘Salvatore’</span><span style="font-family: georgia;">, se da en él una especie de renovación del enfoque sonoro de la banda al insertar ambientes nebulosos de tenor jazz-rockero (un poco al estilo de PLANET X) en medio de la vorágine prog-metalera con la que se concreta la espiritualidad preciosistamente vibrante del cuerpo central. Hay algo peculiarmente refrescante en lo que expresa esta pieza, lo cual redunda en una gran cierre para el repertorio. Todo esto es lo que el enérgico ensamble alemán SCHIZOFRANTIK nos han brindado con “Truth Is An Illusion”, un disco poderoso y colorido que funciona como una brisa de aire fresco dentro de la variada avanzada rockera alemana de nuestros tiempos y, particularmente, del año 2023 que se nos acaba de ir. En líneas generales, muy interesante y muy recomendable.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><o:p> <br /></o:p><o:p> <br /></o:p>Muestras de “Truth
Is An Illusion”.-<br />Truth Is An Illusion:
<a href="https://schizofrantik.bandcamp.com/track/truth-is-an-illusion">https://schizofrantik.bandcamp.com/track/truth-is-an-illusion<br /></a>Closed Session:
<a href="https://schizofrantik.bandcamp.com/track/closed-session">https://schizofrantik.bandcamp.com/track/closed-session</a></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">Salvatore: <a href="https://schizofrantik.bandcamp.com/track/salvatore">https://schizofrantik.bandcamp.com/track/salvatore</a></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><br /></div>César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-70573408165069141272024-02-13T00:04:00.002-05:002024-02-13T08:03:00.920-05:00Nuevas ocurrencias en la calle jazz-progresiva del maestro DUŠAN JEVTOVIĆ<div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><span style="font-size: small; font-weight: normal;"><span><br /></span></span></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><span style="font-size: small; font-weight: normal;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyaLbF_i1HbI6RaRAJHKD9fNKNVmKmLACSzdpfMQTloxyou5KmFD4Fg3qAwPsKBwqvuTSHzKGus_ycYejZ244NPjKFPr4Ren1wAI4m8-ZinV0lzyBv0O7XF2tqJE7P5vhG9uR4BBw8CVwRqNDM93PqpHZFT638yUBiL0Ywy3CCNxzxBT1edA/s1200/a3132351308_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyaLbF_i1HbI6RaRAJHKD9fNKNVmKmLACSzdpfMQTloxyou5KmFD4Fg3qAwPsKBwqvuTSHzKGus_ycYejZ244NPjKFPr4Ren1wAI4m8-ZinV0lzyBv0O7XF2tqJE7P5vhG9uR4BBw8CVwRqNDM93PqpHZFT638yUBiL0Ywy3CCNxzxBT1edA/w400-h400/a3132351308_10.jpg" width="400" /></a></div><br /></span></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><span style="font-size: small; font-weight: normal;"><span>HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.</span></span></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span><span style="font-family: georgia;">Hay buenas nuevas desde la calle jazz-progresiva donde el maestro serbio DUŠAN JEVTOVIĆ siempre encuentra nuevos lugares para nuevas creaciones y nuevas grabaciones. La buena nueva específica es la publicación de su disco </span><span style="font-family: Georgia, serif;">“City Hustling” el 9 de junio del pasado año 2023 (una noticia vieja y una reseña un poco tardía, es verdad)</span><span style="font-family: georgia;">. </span><span lang="ES" style="font-family: Georgia, serif;">Acompañan a JEVTOVIĆ el
mismísimo Tony Levin al bajo, el contrabajo y los efectos sonoros, además del baterista</span><span lang="ES" style="font-family: georgia;"> </span><span lang="ES" style="font-family: Georgia, serif;">Marko Djordjevic. El material de “City Hustling” fue grabado en el NRS
Recording Studio de Catskill, New York, en abril de 2019, siendo posteriormente
mezclado y masterizado por Juan Pablo Alcaro en Buenos Aires, Argentina. Parece mentira que esta maravilla haya estado escondida tras las bambalinas del proceso de publicación de música por más de 4 años, pero bueno, ya está a disposición de todo el mundo desde hace varios meses y eso está muy bien. Repasemos ahora las ocurrencias musicales contenidas en </span><span style="font-family: Georgia, serif;">“City Hustling”.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: Georgia, serif;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvrZOEiC9IzlWNPfZXFjkNJtWT0zD8C4iSl6AU1J_fEzd1BXP1nfsOOAD1AH8yxu6LwIkNsVG92WruhzKQNXzQEMfXH9rtdZVH_oFoJJJ-gD4zKRmny9WIalnvD0PalQZmlxqbwH7FF103OUlCc8y3XSHaKih1XZH-G7FhzNtzgAkG18LpsMvK/s851/342990873_576112720991073_7266218996570550329_n.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="310" data-original-width="851" height="146" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvrZOEiC9IzlWNPfZXFjkNJtWT0zD8C4iSl6AU1J_fEzd1BXP1nfsOOAD1AH8yxu6LwIkNsVG92WruhzKQNXzQEMfXH9rtdZVH_oFoJJJ-gD4zKRmny9WIalnvD0PalQZmlxqbwH7FF103OUlCc8y3XSHaKih1XZH-G7FhzNtzgAkG18LpsMvK/w400-h146/342990873_576112720991073_7266218996570550329_n.png" width="400" /></a></div></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia; font-size: small; font-weight: normal;">‘Carried By The Wind’ da el puntapié
inicial al repertorio y lo hace con un vigor bastante explícito desde los instantes iniciales, siendo así que el extrovertido groove armado para la ocasión se explaya fluidamente sobre una ingeniería rítmica razonablemente sofisticada a través de unos bien calculados meandros donde se alternan lo aguerrido y lo sutil. Los guitarreos exudan una elegancia total mientras atraviesan el aire con filuda energía mientras el esquema operativo del power-trío en bloque hace notar su comodidad a la hora de asentar su núcleo expresivo. Tras este impactante inicio, ‘5 Against 2’ sigue a continuación para dar un giro nuevo y más intenso (hasta podríamos decir, más tenso) a la extroversión todavía reinante en exclusiva. Esta vez, hay un giro jazz-rockero para la dinámica triádica que sirve de base para las conexiones dialécticas entre la alegría rítmica y la tensión expresiva con la que se maneja el jam. Si podemos imaginar a qué sonaría un híbrido entre JEFF BECK, el TERJE RYPDAL de 1975-77 y los MAHAVISHNU ORCHESTRA de los últimos meses del quinteto originario, pues podemos hacernos una buena idea de lo que se concreta en esta electrizante segunda pieza del álbum. ‘Do Da’ permite a las cosas calmarse un poco, siendo así que lo contemplativo y lo crepuscular se fusionan dentro de un jam noctámbulo. Si bien contiene algo de densidad en sus indicios externos, se nota en el desarrollo temático que se ha dado un viraje hacia lo introspectivo. Ojalá durara poco más de los casi 3 minutos que el trío ha otrogado a esta pieza, pero es que llega el turno de ‘Blues For A’. Esta pieza parece heredar algo de las vibraciones reflexivas de la precedente, pero también acoge bastantes registros de vehemencia y distinguida musculatura, especialmente, en la segunda mitad. JEVTOVIĆ está en su elemento y su guitarra expresa el entusiasmo que brota de su corazón a pesar de que este tema en particular no tiene una dinámica tan intensa como la de los dos primeros temas del álbum. </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia; font-size: small; font-weight: normal;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia; font-size: small; font-weight: normal;">El quinto tema
del repertorio es el más extenso del mismo con sus casi 8 ¾ minutos de duración
y se titula ‘Searching For New’. El pasaje prologar ostenta un tenor expectante y se toma su tiempo para ir sembrando el camino para la futura emergencia de algún cuerpo central, pero lo que en realidad hay en el horizonte próximo es la instauración de una atmósfera incandescentemente nerviosa, algo así como un fuego surrealista que se mantiene controlado a pesar de que las llamas se van engrosando con cada segundo. Este ejercicio de jazz-rock con base psicodélica que coquetea con las formas libres finalmente aterriza sobre un jam vivaz e intrépido donde el fuego nuclear ve sus llamaradas encauzarse de manera bien centrada. El jam no dura mucho, mas hace valer su rol de recurso resolutorio de la vitalidad compartida por los tres músicos. </span><span style="font-family: georgia; font-size: small; font-weight: normal;">‘I Don’t Know How’ es el segundo ítem más extenso del disco con sus cerca de 7 minutos de duración, un viaje sónico en clave jazz-progresiva que extrae lo mejor de la siembra de varios grooves y ambientes explorados en piezas anteriores. Comienza con un swing calmo y sereno para pronto virar hacia otro más animado y complejo desde el cual se recrea algo semejante a una cruza de KING CRIMSON y LED BIB. Esta instancia tiene suficiente fuerza como para encauzar lo que resta de este trayecto, incluyéndose un interludio etéreo y oscurantista; eso sí, la mayor parte está dominada por una extensión de la vivaz robustez que se ha impulsado desde entonces. Los momentos en los que el bajo se hace de espacios protagónicos y la batería capitaliza su dinamismo asientan las bases para una conclusión contundente. Para nosotros, éste es el cénit del álbum. ‘Improve’ trae consigo
el cierre del repertorio y lo hace con un masivo retorno al área de las formas libres, el mismo que se concreta con una aureola crepuscular bastante distinguida, hasta cierto punto, rayana con lo cósmico.</span><span lang="ES" style="font-family: Georgia, serif;"> </span><span style="font-family: Georgia, serif;">“City Hustling” es, a fin de cuentas, el testimonio de una gran labor artística que sigue cimentando a paso firme la trayectoria del maestro serbio DUŠAN JEVTOVIĆ, quien ya tiene un lugar segurado dentro de la élite jazz-progresiva de nuestros tiempos. Un disco muy recomendable. </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><span style="font-size: small; font-weight: normal;"><br /></span><span style="font-size: small; font-weight: normal;"><br /></span><span lang="EN-US">Muestras
de “City Hustling”.-<br /></span><span lang="EN-US">5 Against 2: </span></span><a href="https://dusanjevtovic.bandcamp.com/track/5-against-2" style="font-family: Georgia, serif;">https://dusanjevtovic.bandcamp.com/track/5-against-2</a></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">Searching For New: </span><a href="https://dusanjevtovic.bandcamp.com/track/searching-for-new-2"><span style="font-family: georgia;">https://dusanjevtovic.bandcamp.com/track/searching-for-new-2</span></a></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><span lang="EN-US">I Don’t
Know How: <a href="https://dusanjevtovic.bandcamp.com/track/i-don-t-know-how">https://dusanjevtovic.bandcamp.com/track/i-don-t-know-how</a></span></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><br /></div>César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-48039113145438767312024-02-10T00:02:00.002-05:002024-02-10T00:02:14.714-05:00DISEN GAGE: los explayamientos biónicos del eclecticismo progresivo ruso<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKs1cfk0W8hHtW9H22eeKVuocKjRGaIC0LP_D8QlnmeqtPxhZbRV-HxMEua5z70SrOmfxaOZPjhV7mZjwjI1N_eh_lAUJ-qIEVYQdEIyBSSeoFjNjrvicPcEpSWBz7kwfxCsfGwoJmrsZdCyA9A2SZ_YC2heMGS4WtnfdqXKlvadAReVqMoNb2/s1200/a1976131817_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKs1cfk0W8hHtW9H22eeKVuocKjRGaIC0LP_D8QlnmeqtPxhZbRV-HxMEua5z70SrOmfxaOZPjhV7mZjwjI1N_eh_lAUJ-qIEVYQdEIyBSSeoFjNjrvicPcEpSWBz7kwfxCsfGwoJmrsZdCyA9A2SZ_YC2heMGS4WtnfdqXKlvadAReVqMoNb2/w400-h400/a1976131817_10.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;">
<span><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Hoy se da el turno de presentar al grupo ruso DISEN GAGE so pretexto
del lanzamiento de su más reciente trabajo de estudio “Bionika”, el cual tuvo lugar el 24 de noviembre del pasado año 2023. El personal de DISEN GAGE que
gestó este disco, el octavo de su carrera, está conformado Konstantin
Mochalov [guitarras], Daria Solovyeva [sintetizadores y programaciones de ritmos], Anton Efimov [bajo] y Nikolay Filimonov [guitarras]. Se trata del octavo disco de larga duración de este ensamble cuyos
orígenes se remontan al año 1999 en la ciudad de Moscú. El estilo progresivo de
DISEN GAGE se proyecta hacia un eclecticismo ágil que incluye elementos flotantes propios del discurso space-rockero, expresiones de vigor psicodélico, coloridos de la avanzada kraut-electrónica, pulsaciones urgentes del rock industrial y estándares de lo que usualmente denominamos
avant-prog. </span><span style="font-family: georgia;">En algunas piezas del álbum, el cuarteto contó con las especiales
colaboraciones de </span></span><span style="font-family: georgia;"><span style="background-color: white;">Evgene Voronovsky [dvina y sintetizador], Misha</span></span><span style="font-family: georgia;"><span style="background-color: white;"> </span></span><span style="font-family: georgia;">“</span><span style="background-color: white; font-family: georgia;">MOX</span><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">”</span><span style="background-color: white; font-family: georgia;"> Salnikov [sintetizador, samples y grabaciones de campo] y Alexei Borisov [sintetizador]. El antes mencionado Borisov y </span><span style="background-color: white; font-family: georgia;">Michelle Salnikov también prestan sus voces para algunos efectos vocales que aparecen por ahí. </span><span style="font-family: georgia;">El material contenido en “Bionika” fue grabado con el colectivo
de DISEN GAGE fungiendo de directores de la ingeniería de sonido, la mezcla y
la producción; en cuanto a la masterización, ésta estuvo a cargo de Evgeny
Sanchillo en el estudio Sanchillo Vintage Recordings. El arte
gráfica es de la autoría de Alexander Medvedev, siguiendo un concepto propuesto
por Daria Solovyeva en base a la propia estructura conceptual del álbum en sí. La música de este disco se inspira en varias ideas relativas a las diferencias y la cohabitación entre lo humano y lo robótico, con una proyección futurista que incluye la inquietante utopía del nacimiento de niños semi-robóticos. Bueno, ya va siendo hora de repasar los detalles del repertorio de </span><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">“Bionika</span><span style="font-family: georgia;">”.</span></div><div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi29uuVO9Ahp-b4rhJAbbW2GMulCRSPvlIfhRD40B2BADTpCvTkyoo9ZlGdLX16_hIlSoGsYslTNce3kRl23-nh3MtFAO5O0cvF28IadsPM0eN2iSgc76dLO40m6jorH9TqespHHpFS5RnLzQO8ZQLC1keHN06GaoX1PBZL6bOcDArx2LGXnEVv/s1200/0034166764_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="742" data-original-width="1200" height="198" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi29uuVO9Ahp-b4rhJAbbW2GMulCRSPvlIfhRD40B2BADTpCvTkyoo9ZlGdLX16_hIlSoGsYslTNce3kRl23-nh3MtFAO5O0cvF28IadsPM0eN2iSgc76dLO40m6jorH9TqespHHpFS5RnLzQO8ZQLC1keHN06GaoX1PBZL6bOcDArx2LGXnEVv/s320/0034166764_10.jpg" width="320" /></a></div><div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Durando casi 12 minutos, </span><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">‘Fibers Have Grown Together’ es la pieza más extensa del repertorio y también la encargada de abrirlo. Todo empieza con perturbadores efectos de sintetizador que se proyectan hacia una tensa densidad cósmica, y no tarda mucho este recurso en convertirse en el trasfondo para la emergencia de los demás instrumentos. De esta manera, se gesta una atmósfera psicodélica con ribetes híbridos de post-rock y space-rock, y es bajo esa misma atmósfera que el grupo arma un jam con perpetuas vueltas a su potencial de climas cinematográficos. El ropaje sónico que utiliza la banda se emparenta con el paradigma de HAWKWIND y, hasta cierto punto, también la acerca a las agrupaciones compatriotas VESPERO y MAAT LANDER. El segundo tema del disco también tiene una generosa duración (cerca de 10</span><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"> 2 ½ minutos) y se titula precisamente </span><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">‘Bionika’. Este ítem homónimo, tras un breve prólogo de extrañas señales fusionesas, desarrolla una excursión en la electrónica con un talante más señorial que el exhibido por la pieza de entrada y una intensidad más ecléctica, a la par que se asienta sobre un groove más sereno. El grosor envolvente de los teclados, los vuelos lisérgicos de la guitarra y los bizarros cánticos nos suenan a ASH RA TEMPEL y THE COSMIC JOKERS a través de un filtro contemporáneo donde se hermanan los patrones de los legendarios OZRIC TENTACLES (etapa 1989-93) y DJAM KARET (sus tres últimos discos). En este momento del álbum, el colectivo de DISEN GAGE gana mucho en lo referente a la sofisticación creativa, especialmente, cuando los teclados refuerzan su rol protagónico con solos y texturas. Cuando llega el turno de ‘The Ghost Is The Shell’, la banda se pone a jugar con un groove machacón sobre un groove moderadamente ágil mientras gesta densos y musculares climas abstractos con afilados fraseos de guitarra e imponentes capas de sintetizador. El metal de los artefactos cibernéticos y el desgarro visceral de las inquietudes más rotundas del espíritu se unen en este majestuosamente desosegado jam. Este tema y el homónimo han instaurado sendos cénit del álbum en una secuencia sónica contundente. ‘Free Price’ es un ejercicio de misteriosa narrativa surrealista que nos sitúa en el terreno de FAUST merced al espíritu deconstructivo que opera a lo largo de las emergencias de los recursos sónicos (incluyendo los efectos vocales). Hasta podría decirse que aquí se da una versión krautrockera de los HENRY COW de 1975 con añadidos matices de los TANGERINE DREAM de la fase 1972-74.</span></div><div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><br /></span></div><div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">‘The Tower Reverse’ es un manifiesto de cómo sonaría una cruza entre la estrategia adustamente posmoderna de THIS HEAT y el oscurantismo de UNIVERS ZÉRO si se pusiese en manos del legendario colectivo de HARMONIA. El parentesco con las dos piezas precedentes (sobre todo, </span><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">‘Free Price’</span><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">) es muy patente, pero cabe añadir que aquí hay una agilidad renovadora. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘Clap Your Hands’, una pieza que, en buena medida, recoge los ecos de las dos anteriores, ocupando un espacio de alrededor de 9 </span><span style="background-color: white;"><span style="font-family: georgia;">¾</span></span><span face="arial, sans-serif" style="background-color: white; color: #4d5156; font-size: 14px;"> </span><span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">minutos. Su vitalismo oscuramente futurista se manfiesta con total premura dentro de un enclave centrado en una encrucijada de los caminos de NEU!, HELDON, HARMONIA y una versión retorcida de AKSAK MABOUL. En medio de la inescrutable neurosis que signa al desarrollo temático opera una constante ebullición celebratoria, la cual empieza a volverse particularmente intensa poco antes de atravesar la frontera del quinto minuto. De esta manera, la senda está oportunamente trazada para que se incremente la fastuosidad consistentemente, al menos, hasta que la coda traiga algunos instantes de caos y disolución. Todo esto fue lo que se nos brindó en </span><span style="font-family: georgia;">“Bionika” desde los cuarteles de DISEN GAGE, una banda que honra enormemente el ideal del rock progresivo a través de un filtro contemporáneo; dicho filtro insufla algo muy particular a la ecléctica visión musical de este grupo cuyos armazones sonoros cuentan con mucho ingenio creativo. DISEN GAGE existe desde antes que finalizara el milenio anterior y cuenta todavía con bastante fuelle para crear, en el último tramo del pasado año 2023, un disco así de impresionante. Totalmente recomendable este disco, la verdad que sí. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: georgia;">Muestras de “Bionika”.-<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: georgia;"><span>Bionika: </span></span><a href="https://disengage.bandcamp.com/track/bionika"><span style="font-family: georgia;">https://disengage.bandcamp.com/track/bionika</span></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: georgia;"><span>The Ghost Is The Shell: <o:p></o:p></span><a href="https://disengage.bandcamp.com/track/the-ghost-is-the-shell">https://disengage.bandcamp.com/track/the-ghost-is-the-shell</a></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: georgia;"><span>Clap Your Hands: </span><o:p></o:p><a href="https://disengage.bandcamp.com/track/clap-your-hands">https://disengage.bandcamp.com/track/clap-your-hands</a></span></div>
<br />César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-65143320505433580352024-02-07T00:33:00.000-05:002024-02-07T00:33:36.667-05:00Las perpetuas raíces de la excelencia progresiva mexicana: LUZ DE RIADA y su nuevo disco para el año 2024<div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAEf5Ml8_QyN6XWlg_KjN_63evxn1xySLIrASfDJveHEzAFCQxzAcP55h0AQc-iXG56SCg_StdLPdFuH3A5L__Opr4X6OAdPdKvFbJgWE14uxivmcJmzk5yYMXkgR1XI6StA8zY04rBhyphenhyphen5e93RzTqym3npQIlxprNa7mN_SA7ecY2HCVoUjmFl/s1200/a2787060910_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1077" data-original-width="1200" height="359" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAEf5Ml8_QyN6XWlg_KjN_63evxn1xySLIrASfDJveHEzAFCQxzAcP55h0AQc-iXG56SCg_StdLPdFuH3A5L__Opr4X6OAdPdKvFbJgWE14uxivmcJmzk5yYMXkgR1XI6StA8zY04rBhyphenhyphen5e93RzTqym3npQIlxprNa7mN_SA7ecY2HCVoUjmFl/w400-h359/a2787060910_10.jpg" width="400" /></a></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><span style="text-align: left;"> </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">HOLA, AMIGOS DE
AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.<br /><o:p> <br /></o:p>Hoy nos
complace enormemente presentar el que tal vez sea el primer lanzamiento
grandioso dentro de la escena progresiva latinoamericana, al menos, en la
modalidad digital; nos referimos a “Rizoma”, el nuevo disco del ensamble
mexicano LUZ DE RIADA, el cuarto en su discografía a 8 años de </span><span style="font-family: georgia;">“Cuentos y Fábulas Vol. 3”</span><span style="font-family: georgia;">. Publicado en el blog de Bandcamp del propio grupo a
inicios de enero, su publicación física en CD está programada para mediados de este mismo mes de febrero, mientras que su edición en vinilo ya está reservada para el 21 de abril.
El colectivo liderado por Ramsés Luna [saxofones acústicos y sintético, y voz] se completa con
Luis Nasser [bajo]. Sergio Aldama [batería y percusión electrónica] y Édgar Arrellín [diseño
sonoro]. El ensamble contó también con las ocasionales participaciones del baterista Pat Mastelotto (sí, el mismo de STICK MEN, KING CRIMSON y TUNER), Mattias Olsson (sí, el mismo hombre de mil y un proyectos que se dio a conocer hace más de 30 años en ÄNGLAG</span><span style="font-family: georgia;"><span style="background-color: white;">Å</span>RD) también a la batería, Tim McCaskey (SONUS UMBRA, THE DEVIL</span><span style="font-family: georgia;">’</span><span style="font-family: georgia;">S STAIRCASE) a las guitarras eléctrica y acústica, Enoc Jiménez a la guitarra eléctrica, alguna verseada de Armando Palomas y una recitación de la poetisa brasileña Maria Lúcia Dal Farra con un poema de Floriano Martins (también brasileño, poeta y artista visual). La creación del material contenido en </span><span style="font-family: georgia;">“Rizoma” está repartida entre Luna y Nasser, ya sea por separado o como coautores. La producción del disco que ahora reseñamos estuvo a cargo de la banda, siendo así que las sesiones de grabación estuvieron bastante repartidas: los estudios EAR Audio y Luna Móvil de México y el, Subliminal Studio de Chicago sirvieron para registrar las baterías, los vientos y las cuerdas, respectivamente. Además, mastelotto y Olsson grabaron sus intervenciones en sus propios estudios. Los ulteriores procesos de mezcla y masterización estuvieron en manos de Edagr Arrellín en el antes mencionado Ear Audio. Bueno, repasemos ahora los detalles específico del repertorio. </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><o:p> <br /></o:p>Durando casi 6
minutos, ‘Auromboros’ abre el repertorio ostentando un aura solemne que se inserta dentro de una grisácea gracilidad donde se combinan lo sutil con lo muscular. El carácter mayormente parsimonioso del esquema rítmico hace posible que los pasajes vigorosos incorporen electrizantes matices Crimsonianos dentro a un desarrollo temático sólidamente proyectado hacia una cruza de jazz-fusión y psicodelia progresiva. Fuerte y extrovertido sin necesidad de ser intrépido, este tema inicia las cosas a lo grande. ‘Entropía’ sigue a continuación para darle un viraje nuevo al esquema de trabajo concretado en el tema de apertura. Esta vez, el distinguido fulgor manifestado sobre un groove contenido destila mayores dosis de sofisticación, lo cual se condice con un mayor énfasis en el factor fusionesco. El rol de la dupla rítmica se siente aún más complejo en su arquitectura mientras el ensamble, como un todo, controla la expresividad de su vigor potencial. Cuando
llega el turno de ‘Raíces’, el elemento fusionesco se torna ya dominante de una manera absorbente, siendo así que el lirismo diseñado para el desenvolvimiento de su foco temático se asienta plácidamente sobre las percusiones y las bases armónicas de guitarra acústica. ‘Atípica’ es la pieza más extensa del álbum con sus
7 minutos y pico de duración. Se trata de un ambicioso ejercicio de jazz-rock progresivo con unas vibraciones folklóricas que mezclan lo cálido con lo tenso. Una vez más, el vitalismo arquitectónico de la batería y la elegancia virtuosa del bajo se compenetran para gestar la columna vertebral idónea para el tema. Se incluye un teatral monólogo femenino que parece exorcizar a los fantasmas más urgentes de la conciencia: es Maria Lúcia Dal Farra recitando el poema <i>Canción del barco</i> de Floriano Martins. Para los minutos finales, los tonos contemplativos se incrementan para dejar que la guitarra acústica acomode sus exubernates líneas melódicas hasta el breve final etéreo. ‘Matanza De Chivos’ vira drásticamente hacia lo extrovertido tras una generosa expansión introductoria del groove instaurado por la batería. El asentamiento del bloque sonoro completo está diseñado para revelar una jovialidad surrealista que, a fin de cuentas, no deja en ningún momento de ser llamativa. ‘Todos Por La
Banqueta’ prosigue por esta senda de vivacidad mientras añade un poco de complejidad al diseño temático. Lo surrealista es reemplazado por lo dadaísta en clave de un carnaval que acoge algunos pasajes histriónicamente futuristas. </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">‘La Bestia’ y ‘La Danza Del Tlacololero’ son dos temas que duran 5 ¾
minutos y poco más de 5 ½ minutos, respectivamente. El primero de ellos establece una cruza entre las atmósferas principales de los dos primeros temas del álbum (tal vez, dando prioridad al segundo). Los momentos aguerridos son manejados con garra vigilante mientras la luminosa opulencia del discurso fusionesco delinea una expresividad mágica. Por su parte, </span><span style="font-family: georgia;">‘La Danza Del Tlacololero’ comienza con un prólogo desde donde se desata una particular lucidez experimental, para luego abrir campo a un cuerpo central que comienza bajo el signo de un swing afrolatino y termina con un</span><span style="font-family: georgia;"> jam prog-psicodélico. Este último, de a pocos, va subiendo la gradación de su contundente elocuencia, la misma que termina aterrizando sobre parajes orientales. </span><span style="font-family: georgia;">‘Ñuñoa’ supone un regreso pleno a las exultaciones exóticas del jazz-fusión, comenzando con una especie de danza ancestral que, en su debido momento, es sucedida por un motif más agresivo que se desarrolla bajo una remodelación psicodélica del esquema grupal. El groove inicial regresa para el prólogo. El repertorio
llega a su fin con ‘Mil Novecientos Quince’, una pieza que recoge los ecos del tema precedente y del que abrió el álbum. La solemnidad rockera progresivamente acicalada y el extraño embrujo de la fusión filtrada por la psicodelia se alternan en sus respectivos posicionamientos dentro de la misión común de consumar la ambiciosa composición creada para la ocasión. El final perfecto para “Rizoma”, que es, a fin de cuentas, un disco rotundo que derrocha creatividad y agilidad por todos sus eclécticos poros sonoros. Ello redunda en la confirmación de LUZ DE RIADA como una entidad de perpetua excelencia que engalana gloriosamente a la música progresiva latinoamericana de nuestros días. Este grupo mexicano preserva la gran envergadura estética que siempre ha caracterizado a su propuesta y ahora le da un vuelo más recio; sólo nos queda recomendar este disco para cualquier fonoteca mínimamente buena dedicada al rock artístico en todas sus vertientes.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><o:p> <br /></o:p><o:p> <br /></o:p>Muestras de “Rizoma”.-<br />Auromboros: <a href="https://luzderiada.bandcamp.com/track/auromboros-2">https://luzderiada.bandcamp.com/track/auromboros-2<br /></a>Atípica: <a href="https://luzderiada.bandcamp.com/track/atipica-2">https://luzderiada.bandcamp.com/track/atipica-2<br /></a>La Bestia: <a href="https://luzderiada.bandcamp.com/track/la-bestia-2">https://luzderiada.bandcamp.com/track/la-bestia-2</a></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">Mil Novecientos Quince:<a href="https://luzderiada.bandcamp.com/track/mil-novecientos-quince">https://luzderiada.bandcamp.com/track/mil-novecientos-quince</a></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><br /></div><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-54755586334227233742024-02-04T09:12:00.001-05:002024-02-04T09:21:39.347-05:00HERMETIC SCIENCE: una crónica progresiva de la pandemia y sus delirios<div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"> <br /><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIA-NvADRpxsoUnN9680D801MZHymQqVkdbwd2zrLhMJ4O9whBJdkbnUEcIH0Bvz7gTJquENYFS4r-6kgOdtT9PvaIQnovaNurMcOLD02imY5inNB9F8g89mOeabbug6mqnLn3jWZ7DdpLYOu7uBixQkaqoayNgDmDxqiPf8Ek_rkoRPRetaio/s1000/cover_3421820122023_r.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="897" data-original-width="1000" height="359" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIA-NvADRpxsoUnN9680D801MZHymQqVkdbwd2zrLhMJ4O9whBJdkbnUEcIH0Bvz7gTJquENYFS4r-6kgOdtT9PvaIQnovaNurMcOLD02imY5inNB9F8g89mOeabbug6mqnLn3jWZ7DdpLYOu7uBixQkaqoayNgDmDxqiPf8Ek_rkoRPRetaio/w400-h359/cover_3421820122023_r.jpg" width="400" /></a></div></div></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA
CÉSAR INCA.<br /></span><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p> <br /></o:p></span><span style="font-family: "Georgia",serif;">Hoy tenemos la ocasión especial de revisar
y reseñar el más reciente disco del ensamble progresivo estadounidense HERMETIC
SCIENCE, un álbum conceptual titulado “Deliria: A Chronicle Of 2020” que se
publicó a inicios de octubre del pasado año 2023. La alineación vigente de
HERMETIC SCIENCE consta del trío de Ed Macan [sintetizadores, piano y órgano
Hammond XB-2], Jeff Ruiz [bajo y efectos vocales] y Travis Strong [batería y
percusión], siendo así que son muchísimos años los años que separan a este nuevo disco de su precedente, el cual se titula </span><span style="font-family: Georgia, serif;">“These Fragments I Have Shored Against My Ruins”</span><span style="font-family: Georgia, serif;">. 15 años, para ser más exactos. El disco penúltimo que acabamos de mencionar y </span><span style="font-family: Georgia, serif;">“En Route”, que data del 2001, fueron los que pusieron a este colectivo liderado por Ed Macan en el mapa del rock progresivo del nuevo milenio, aunque los inicios de este proyecto datan de la primera mitad de los 90. El nombre de Ed Macan nos suena de algo, ¿verdad? Siendo, además de músico, profesor de música e historiador, es autor de dos libros muy célebres sobre la historia del rock progresivo en habla inglesa: </span><span style="font-family: Georgia, serif;"><i>Rocking the Classics: English Progressive Rock</i> y <i>Endless Enigma: A Musical Biography of Emerson, Lake and Palmer</i>.</span><span style="font-family: Georgia, serif;"> Volviendo a </span><span style="font-family: Georgia, serif;">“Deliria: A Chronicle Of 2020”, se trata del quinto trabajo de estudio de HERMETIC SCIENCE y, tal como se indica en el título, gira conceptualmente en torno a las calamidades, paranoias y tragedias ocasionadas por la pandemia. Este asunto, como es natural, ha impactado a mucha gente involucrada en la creación artística y el caso de los músicos rockeros no es la excepción: tenemos los casos de los (hasta ahora) últimos discos de entidades tan diversas como THE TANGENT, BANDA ELÁSTICA y DIALETO. Un aspecto especial de la logística sonora empleada en este disco reside en el hecho de que Macan ahora se concentra exclusivamente en los teclados, mientras que en otros discos previos de HERMETIC SCIENCE él también ejecutaba las percusiones tonales, dándoles amplios espacios de expresión. El sello independiente Hermeticum Records se hizo cargo de la producción y la publicación de este disco, el cual fue grabado en unos cuantos días de inicios de junio de 2023, siendo así que Macan compuso todos los temas el año anterior. Las sesiones de grabación tuvieron lugar en los Big Bang Studios de Loleta, California, siendo Jason Goldstein el ingeniero de sonido; en los mismos estudios tuvieron lugar los ulteriores procesos de mezcla y masterización. La portada hecha por Paul Whitehead (sí, el mismo que hizo portadas para GENESIS, VAN DER GRAAF GENERATOR, PETER HAMMILL, RENAISSANCE, HIGH TIDE, LE ORME, el concepto multi-grupal THE COLOSSUS OF RHODES, etc.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p> <br /></o:p></span><span style="font-family: "Georgia",serif;">‘Prelude (Main Theme)’ ocupa los primeros 2
¾ minutos de “Deliria: A Chronicle Of 2020” y lo hace ostentando la suntuosidad de que es capaz el trío, iniciándose con un breve pasaje envolvente que habrá de abrir paso a un despliegue de fulgores ondulantes muy fieles al canon prog-sinfónico. Un cruze entre los paradigmas del Patrick Moraz del primer álbum y el Keith Emerson de siempre. El desarrollo temático de ‘Deliria
2: Poison Seeds (Pts. 1 & 2)’ comienza estableciendo una óptica dramática, pintando un paisaje sónico de solemne densidad y grisácea emotividad. Las orquestaciones y ornamentos armónicos planteados por los teclados dibujan un claro escenario lúgubre sin dejar de lado la fastuosidad sinfónica; la batería sabe utilizar los ornamentos percusivos adecuados para brindar unos bien perfilados recursos de vigor expresivo. En una segunda instancia, las vibraciones grisáceas se atenúan notoriamente para dejar paso a un ejercicio de señorial vitalidad que algo tiene de extravagante en su extraño tenor festivo. ¿Será realmente festivo? </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">‘Deliria
3: The Mighty MAGA March Of Doom’ se enfila por una senda de agitaciones oscurantistas que toman lo más denso de la pieza precedente y las elevan hacia un nivel más intenso de garra avant-progresiva. Aquí tenemos una especie de cruza entre los paradigmas del grupo compatriota FAR CORNER y los legendarios belgas PRESENT. ‘Deliria 4: The Great Covid-19 Rave Of 2020’ tiene una sección prologar que se inserta prístinamente en la aureola tremendamente inquieta de la pieza anterior, pero esta vez se da una alternancia con otros pasajes extrovertidos que se emparentan de alguna manera con Wakeman y Pär Lindh.
</span><span style="font-family: "Georgia",serif;">La sección ‘Kyrie Eleison’ es
una miniatura etérea donde las capas sintetizadas van flotando con una cualidad cósmica, la misma que se refuerza con los ornamentos de percusión y bajo. De esta manera, el terreno se prepara para la emergencia de ‘Deliria
6: Armageddon Warm (Song For A Dying Planet)’, una pieza diseñada para retomar y capitalizar el preciosismo propio del estándar prog-sinfónico. A través de sus casi 7 minutos de duración, la pieza exhibe sus confluencias con YES, AFTER CRYING y HAPPY THE MAN con diversos grados de soltura, dependiendo del grado de pomposidad que se consigne en cada uno de los motivos sucesivos. Un gran cénit del álbum.<br /><o:p></o:p></span><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p> <br /></o:p></span><span style="font-family: "Georgia",serif;">‘Deliria 7: Minneapolis 05-25-20’ se orienta claramente hacia lo Emersoniano pero con una dosis mayor de tensión disonante que lo acerca también a los antes mencionados FAR CORNER. Las elucubraciones arcanas con las que se cierra esta sección séptima abren la puerta para la magna manifestación de ‘Deliria
8: In The Dark Shadow Of The Big Lie’, a la sazón, la sección más extensa con sus casi 10
¾ minutos de duración. Aquí hay de todo, desde pasajes abiertamente tétricos de raigambre gótica hasta otros marcados por una sedosa luminosidad barroca y otros centrados en un surrealismo solipsista. La imponente solemnidad con la que se traza el pasaje culminante acoge una musculatura filtrada a través de un señorío impresionista inauditamente combinado con matices góticos. Un gran cierre para otro magnífico cénit del repertorio. La miniatura epilogar ‘Deliria 9: Agnus Dei (Main Theme Reprise)’
hace lo que justamente dice su título, revitalizar el cuerpo central del primer tema y darle un ímpetu un poco más imponente. El modo tan cortante con el que se expone la última nota de piano es un golpe de efecto bastante logrado para finiquitar las cosas. Aquí concluye nuestra inspección de “Deliria: A Chronicle Of 2020”, un disco muy elegante y muy peculiar que se gestó con suma creatividad en los cuarteles del renacido ensamble estadounidense HERMETIC SCIENCE... como no podía ser de otra manera. Hemos decubierto un poco tarde este disco, pero ahora que lo hemos hecho, lo consideramos como uno de los más exquisitos aportes estadounidense al escenario progresivo del pasado año 2023. Totalmente recomendable.<br /></span><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p> <br /></o:p></span><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p> <br /></o:p></span><span style="font-family: "Georgia",serif;">Muestras de “Deliria: A Chronicle Of 2020”.-<br /></span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Deliria 3:
The Mighty MAGA March Of Doom: <span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span><span style="font-family: "Georgia",serif;"><a href="https://www.youtube.com/watch?v=yJEAkKaFWy4"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">https://www.youtube.com/watch?v=yJEAkKaFWy4<br /></span></a></span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Deliria
6: Armageddon Warm (Song For A Dying Planet): <a href="https://www.youtube.com/watch?v=Gdm-bx56KM4">https://www.youtube.com/watch?v=Gdm-bx56KM4<br /></a></span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Deliria
8: In The Dark Shadow Of The Big Lie: <a href="https://www.youtube.com/watch?v=KyPp5JRzAw0">https://www.youtube.com/watch?v=KyPp5JRzAw0</a></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><br /></div>
César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-11223657829345366212024-02-02T07:37:00.001-05:002024-02-02T14:18:25.286-05:00LA GOTA: persistencias a través del mar de la fusión progresiva argentina <div style="text-align: left;"> </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsmAH-hblJYjeLhRt79WNB0eEhjc_Wj5Ctn-qce_HXjRlDX65CG26rzKAMUHmxAWgAuuq2xgogYN5Vj0WfQQQRJsKr-4w0MRCmJBezQ_AqLctRmBgxVV2KOao7PicYPmvNWzJm7OvLUChFvSLXkKR3AX8rV-jnYAPWsCbi1RKFNM1QSGWl_O0-/s1200/a0153698618_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsmAH-hblJYjeLhRt79WNB0eEhjc_Wj5Ctn-qce_HXjRlDX65CG26rzKAMUHmxAWgAuuq2xgogYN5Vj0WfQQQRJsKr-4w0MRCmJBezQ_AqLctRmBgxVV2KOao7PicYPmvNWzJm7OvLUChFvSLXkKR3AX8rV-jnYAPWsCbi1RKFNM1QSGWl_O0-/w400-h400/a0153698618_10.jpg" width="400" /></a></div><br /><div style="text-align: left;"><span style="font-size: small;"><span style="font-family: georgia;">HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.</span></span></div><div style="text-align: left;"><span style="font-size: small;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-family: georgia;">En esta ocasión presentamos el más reciente lanzamiento fonográfica de una de las bandas más veteranas y emblemáticas del rock-fusión-progresivo de las dos últimas décadas: LA GOTA. Para la gestación de “Paisaje Interno”, que así se llama el nuevo disco, el ensamble rosarino operó con la alineación de Claudio
Zemp [guitarra], Ariel Mignani [bandoneón], Esteban Pereiro [teclados] y Nabil Schegtel
[batería], además de dos bajistas que se iban turnando: Pablo Cejas y Marcelo
Gallego. El disco en cuestión fue publicado por el sello Viajero Inmóvil el 23 de junio del pasado año 2023, siendo así que su director Felipe Abel Surkan fungió como productor fonográfico para la ocasión. Schegtel se hizo cargo de la ingeniería de sonido en las sesiones de grabación que tuvieron lugar en los Estudios del Tomate de Rosario en varias sesiones a lo largo del año 2023; también realizó los ulteriores procesos de mezcla y masterización. Zemp, quien es el líder histórico de la banda, es el autor de todo el material contenido en </span></span><span style="font-family: georgia;">“Paisaje Interno” con la excepción de un tema compuesto por Omar Torres y otro compuesto por </span><span style="font-family: georgia;">Fernando de Ascençao. Se trata del tercer disco de este grupo rosarino que debutó con </span><span style="font-family: georgia;">“RockTango” en el año 2000, y además. es el primero donde el bandoneón tiene un rol permanente dentro del esquema sonoro de LA GOTA. Veamos ahora los detalles del repertorio aquí contenido.</span></div><div style="text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlcKg6I1ptuJ-PkDmPaeEL3ck_MYFZOnQRKrd0jAQymHM45I2UMMi_D6ZGj2sB38w24a0ZDHriGwMgVw5QXC_d42CyT65uiYV3WM9R8pAt1w1kwkrVXyH3aeRUULj5POx2SJugO7fdPZRbBPOdDfoRSn2Vb6k1U_6xWV2MeeNlWa1HePuapxnb/s599/R-27668022-1689296495-5018.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="293" data-original-width="599" height="196" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlcKg6I1ptuJ-PkDmPaeEL3ck_MYFZOnQRKrd0jAQymHM45I2UMMi_D6ZGj2sB38w24a0ZDHriGwMgVw5QXC_d42CyT65uiYV3WM9R8pAt1w1kwkrVXyH3aeRUULj5POx2SJugO7fdPZRbBPOdDfoRSn2Vb6k1U_6xWV2MeeNlWa1HePuapxnb/w400-h196/R-27668022-1689296495-5018.jpg" width="400" /></a></div></div><div style="text-align: left;"><span style="font-size: small;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-family: georgia;">Durando 3 minutos y pico, ‘Sombras’ abre el
repertorio con un tenor ceremonioso que se centra en las acentuaciones rítmicas propias del compás típico del tango que se traducen al rock-fusión con raigambre progresiva. Los matices del bandonenón se hermana fluidamente con los riffs de la guitarra. Luego sigue la dupla de ‘Transformación’ y ‘Un Largo Cansancio’, la
cual se encarga de expandir los campos de expresión abiertos desde el punto de
partida. El primero de estos temas mencionados desarrolla un swing jazz-rockero a medio tiempo donde el bajo hace lucir sus florituras desde el primer instante, en este sentido, algo muy parecido a los SPINETTA JADE de los álbumes segundo y tercero. Se hace esperar el arribo de la guitarra para ocupar el centro protagónico del bloque instrumental, pero una vez que se instala, el desarrollo temático exhibe todo su potencial de amable fastuosidad. En cuanto a ‘Un Largo Cansancio’, se trata de una cautivadora y ensoñadora excursión en la faceta más reposada del ideario estético del ensamble, siendo así que su grácil esquema melódico es muy efectivo a la hora de reflejar una aureola contemplativa. La manera tan estilizada en que las vibraciones serenas se dejan mostrar a través de las interacciones de los instrumentos nos recuerda mucho a esa sistemática elegancia tan propia de otros grupos argentinos como CANTURBE y FOBOS, especialmente en los arreglos de los teclados. ‘Persistencia’ sube un poco el nivel de vigor expresivo mientras se mantiene dentro de un palaciego señorío prog-sinfónico. El bandoneón, el sintetizador y la guitarra alternan posicionamientos solistas a lo largo del jam básico. A pesar de tener una actitud totalmente distinta en su explicitación, nos suena emparentada espiritualmente con la pieza precedente. Tres cénit sucesivos del álbum. Con el muy elocuente título de ‘Spinetteando’ y un espacio de menos de 3 minutos, la banda se orienta hacia un aura de celebración en clave rockera con lo que eso conlleva de exultación; los teclados se encargan de enmarcar esta vivacidad dentro de un contexto preciosista. Esto parece como un homenaje a PESCADO RABIOSO a través de un filtro híbrido de CAMEL y YES. ‘Un Sombrero, Un
Farol Y Una Fábula’ elabora un muy inspirado ejercicio de fusión jazz-progresiva sobre una base de rock urbano. Los momentos más animados son inteligentemente controlados a fin de no romper con la dominante sobriedad que se impone sobre el esquema melódico, el cual se apoya principalmente en la presencia del bandoneón.<br /></span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></span></div><div style="text-align: left;"><div style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2GLenvojHFeiv8-S_wN085cJqfp3SblWU8oXM0mA1LauXu_d5vvuD2zQz79xWDR_gW_NCCVuLECm3hIOFFKIYMyVXOAfuS_T7bSKeoO72kov-gI-hynzEG9PoOcYYZF-wGjbUqDND1r5e3QxP-MfLgr5tSPNwwNbsWgDDUyIP1nufIsluLXZ5/s599/R-27668022-1689296516-7342.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="585" data-original-width="599" height="313" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2GLenvojHFeiv8-S_wN085cJqfp3SblWU8oXM0mA1LauXu_d5vvuD2zQz79xWDR_gW_NCCVuLECm3hIOFFKIYMyVXOAfuS_T7bSKeoO72kov-gI-hynzEG9PoOcYYZF-wGjbUqDND1r5e3QxP-MfLgr5tSPNwwNbsWgDDUyIP1nufIsluLXZ5/s320/R-27668022-1689296516-7342.jpg" width="320" /></a></div> </span></div><span style="font-size: small;"><span style="font-family: georgia;">Cuando llega el turno de la pieza homónima,
el ensamble se dispone nuevamente a explorar su faceta más reflexiva, incluso
llevándola a una intensificación muy particular. En efecto, ‘Paisaje Interno’ presenta y elabora un envolvente viaje progresivo donde lo sedoso y lo evocador se combinan fluidamente a través de un medio tiempo que sirve para exorcizar las influencias de los SPINETTA JADE del primer álbum, los CAMEL de 1977 y los GENESIS de la etapa de cuarteto. La eminente vitalidad que se trasliuce inequívocamente en el sofisticado paisaje melódico pintado para la ocasión se manifiesta con una arquitectónica elegancia donde las notas van atravesando todos los espacios de una tarde cercana al atardecer, un fulgor que dejó un poco atrás su clímax pero que sigue persistiendo con delicada prestancia. ‘Ya Viene’ es un tema más filudo aunque sigue utilizando un esquema rítmico un tanto contenido. Los ornamentos disonantes aportados por las líneas de bajo, las bases armónicas del teclado y algunos riffs de la guitarra son cruciales a la hora de instaurar un clima de expectativa ante algo misterioso que se ve venir y cuyas repercusiones se anticipan como, quizás, un tanto peligrosas. El hecho de que el bandoneón se dé maña para disfrutar de varios momentos de protagonismo dentro del bloque grupal permite que la pieza adquiera un colorido muy peculiar. Ocupando los 5 últimos minutos del repertorio, ‘Sexo,
Dignidad Y Muerte (Danza 2)’ expone un ingenioso desarrollo de primores progresivos. Su prólogo es un pasaje de piano que oscila entre lo romántico y lo impresionista, seguido éste de la instalación del motif central de parte del quinteto en bloque, el mismo que recoge ecos de los temas #2 y #4, pero con una gravedad nueva. Tras un breve interludio que abre espacios a un nuevo momento de lucimiento para el piano, el cuerpo melódico asciende en un crescendo de distinguido boato. El grupo se encarga de que el ascenso de fulgor sónico no se escape de sus manos, conectándose una vez más con la banda compatriota CANTURBE. 35 minutos o casi, eso es todo lo que ha necesitado la gente del talentoso grupo LA GOTA para brindarnos esta estupenda obra titulada </span></span><span style="font-family: georgia;">“Paisaje Interno”, la cual contiene un catálogo de refinadas excursiones musicales, convirtiéndose en una de las ofertas más hermosas que ha dado el rock progresivo argentino en su vertiente fusionesca a lo largo del recientemente fenecido año 2023. Muy recomendable.</span></div><div style="text-align: left;"><span style="font-size: small;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></span></div><div style="text-align: left;"><span style="font-size: small;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-family: georgia;"><span>Muestras de </span>“Paisaje Interno”.-<br /></span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-family: georgia;"><span>Transformación: </span><a href="https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/transformaci-n">https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/transformaci-n<br /></a></span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-family: georgia;"><span>Persistencia: </span><a href="https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/persistencia">https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/persistencia<br /></a></span></span><span style="font-size: small;"><span style="font-family: georgia;"><span>Paisaje Interno: </span><a href="https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/paisaje-interno">https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/paisaje-interno</a></span></span></div><div style="text-align: left;"><div><br /></div></div>César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-77445065590519682192024-01-30T08:32:00.000-05:002024-01-30T08:32:54.109-05:00THIS CELESTIAL ENGINE: un nuevo motor de la vanguardia rockera contemporánea <div style="text-align: left;"> </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzTeQnmpTWaqTA16T86T9v6B4Dun7Ir7kUvo-J0sHrKqs_fTMnEB4QUMcL5O1FHR0rJ_3P3h2xNKSXPTPLYTuBTzO2Y67GaGf8CJYBGHcbCewdU2Z8QKNsXI4Xhig54AZ7gUirG4V2tSGc9ZbHB2mYC1_KNs6k_Bzb0YL0Eg9KVHcOrUzlUdIP/s1200/a2684338539_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzTeQnmpTWaqTA16T86T9v6B4Dun7Ir7kUvo-J0sHrKqs_fTMnEB4QUMcL5O1FHR0rJ_3P3h2xNKSXPTPLYTuBTzO2Y67GaGf8CJYBGHcbCewdU2Z8QKNsXI4Xhig54AZ7gUirG4V2tSGc9ZbHB2mYC1_KNs6k_Bzb0YL0Eg9KVHcOrUzlUdIP/w400-h400/a2684338539_10.jpg" width="400" /></a></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br />HOLA,
AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.<br /> <br />Hoy
hacemos un viaje peculiar a Noruega para toparnos con un ensamble triádico de
músicos anglosajones: Roy Powell [piano, sintetizadores y loops], Dave Sturt [bajo, bajo
e-bow y efectos] y Ted Parsons [batería y percusión]. El trío asume el nombre
colectivo de THIS CELESTIAL ENGINE y su actividad creativa conjunta dio como
fruto un álbum homónimo que fue publicado por el sello Discus Music el pasado
10 de enero (hace muy poco). Conocemos a Sturt principalmente por haber sido
integrante de GONG, pero también ha sido colaborador de STEVE HILLAGE, JADE WARRIOR y BILL NELSON, entre otras luminarias;
Parsons ha sido integrante de SWANS, PRONG, FOETUS y GODFLESH y </span><span style="font-family: georgia;">estuvo alguna vez en las filas de KILLING JOKE</span><span style="font-family: georgia;">; finalmente, Powell es un veterano teclista con una amplia trayectoria solista que también ha colaborado con el legendario BILL LASWELL, además de haber sido integrante de THE NAKED TRUTH e INTERSTATIC. De origen
británico, Powell lleva varios años residiendo en Noruega y ha sido desde su
hogar de Oslo que convocó a sus compañeros de este proyecto. El esquema
estilístico de THIS CELESTIAL ENGINE se basa en una confluencia entre
avant-prog, psicodelia de formas libres, ambient y jazz contemporáneo. El material contenido en este disco fue
compuesto y grabado en vivo en los Stagger Home Studios de Oslo, en julio
de 2022, a diferencia del último tema, que fue grabado (también en vivo) en el
Kafé Hærverk, el 4 de mayo de 2021. El ulterior proceso de mezcla estuvo a
cargo de Dave Sturt. Repasemos ahora los detalles del repertorio contenido en “This Celestial Engine”.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><o:p></o:p> <br />Durando
poco menos de 15 ¼ minutos y siendo el tema más extenso del repertorio, ‘The
Astral Doctrine’ inicia el rumbo de las cosas comenzando con un ejercicio de sigiloso minimalismo que, de a pocos, va armando un paisaje básico sobre el que los platillos de la batería y las primeras florituras del bajo pueden asentar sus primeras aseveraciones antes de llegar a la frontera de lsegundo minuto y medio. Con el ingreso del piano en breve, ya se siente que hay algo más firme en el horizonte temático. De hecho, el piano hace gala de un sólido manejo de las sutilezas impresionistas, siendo así que antes de llegar a la frontera del sexto minuto, se puede palpar la atmósfera envolvente en curso. Cuando se acerca el límite del noveno minuto, se instala el motif central, el cual exhibe una gentileza ensoñadora no exenta de ciertos resabios de extraño misterio. El groove bien marcado de la batería se beneficia de los sobrios ornamentos del bajo mientras el piano va calculando cómo se puede ir soltando un poco más. En una segunda instancia, las cosas se tornan un poco más sofisticadas para enriquecer (que no quebrar) el espíritu expresivo que, finalmente, se concretó de la forma en que lo hizo. ‘Supranormal Headspace’ sigue a
continuación para darle un aura distinta a la ya instaurada línea de trabajo colectiva. Las texturas sónicas colectivas ya no disponen de sus recursos para crear un ambiente envolvente, sino para proyectar un vuelo a través de las facetas más luminosas del cosmos. El tenor futurista de los cálidos artilugios cibernéticos y los ribetes relajadamente amables del sencillo motif central apelan a una contemplación de algo que se revela desde el más allá. La batería pone de su parte al armar un swing prolijamente reposado y aportar adiciones percusivas de tendencia abstracta. ‘Any The Wiser’ se sitúa en el ecuador del álbum para establecer una aventura deconstructiva en clave de free-jazz con algunos bordados avant-progresivos. En contraste con la delicadeza externa de los sonidos manifiestos, la pieza en sí misma proyecta una turbación inquietante cerrada en su propio solipsismo. ¿Los SOFT MACHINE de 1973 retorcidos por una de las típicas quimeras oscurantistas de los UNIVERS ZÉRO de la etapa 1979-84? Tal vez sea esto algo así.<br /> <br />‘Rewire
My Subtext’ vuelve de lleno a la lógica de grandilocuencia aventurera que marcó a la primera pieza, y lo hace con una dosis mayor de extroversión, mostrando desde el punto de entrada sus ganas de oscilar a través de senderos de conmoción con una estrategia de estilizado nervio. Se puede decir que este cuarto tema del álbum recoge algunos ecos de la perturbación espiritual del tercero, pero, principalmente, su función es la de capitalizar el vitalismo misterioso y razonablemente denso con el que se impulsó el cuerpo central y el espiritu general de </span><span style="font-family: georgia;">‘The Astral Doctrine’.</span><span style="font-family: georgia;"> Cabe una mención especial para las vibraciones puntzantes que emite el bajo mientras la batería elabora su groove más señorial dentro de todo el álbum. Así las cosas, los teclados tienen amplio campo de acción para sus consignas y ornamentos; de hecho, los fraseos del piano que se explayan en el último tercio refuerzan la elegancia global del tema.</span><span style="font-family: georgia;"> El
cierre del repertorio llega de la mano de ‘Mindmelding’, la segunda pieza más
larga con su espacio de casi 11 ½ minutos. Operando en el contexto de una actuación en vivo, los tres músicos se sitúan en una posición de búsqueda de un diálogo mutuo mientras exploran sus propias visiones interiores. Hay una densidad omnipresente que se ubica entre lo arcano y lo inescrutable, la misma que parece ser la fuerza impulsora de los acercamientos deconstructivos que se van diseñando de a pocos en tiempo real. El vigor expresivo va <i>in crescendo </i>mientras se va llegando a la concreción de una cruza entre los paradigmas de SUN RA y JOHN ZORN con añadidos recursos de tensión psicodélica. Las ovaciones finales son justamente merecidas. El hecho de que exista un proyecto de dos músicos británicos y uno estadounidense instigado por uno de ellos desde su residencia noruega es bastante peculiar. Más peculiar y, claro, más relevante es la valentía visionaria que este ensamble tripartito de THIS CELESTIAL ENGINE ha sacado de sí para gestar una música tan osada y tan excelsa como la que se encapsula en este disco que hemos reseñado. Los nombres de este trío y el del disco “This Celestial Engine” deben ser anotados con letras grandes y doradas en nuestras agendas de nuevas exploraciones melómanas del año 2024.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"> <br /> <br />Muestras
de “This Celestial Engine”.-<br />The
Astral Doctrine: <a href="https://discusmusic.bandcamp.com/track/the-astral-doctrine">https://discusmusic.bandcamp.com/track/the-astral-doctrine<br /></a>Rewire
My Subtext: <a href="https://discusmusic.bandcamp.com/track/rewire-my-subtext">https://discusmusic.bandcamp.com/track/rewire-my-subtext</a></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><br /></div>César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-27389151303783075752024-01-28T08:50:00.000-05:002024-01-28T08:50:00.832-05:00El segundo rayo de fuego musical del trío belga APEX TEN<div style="text-align: left;"> </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDlk3X1dsIXRpRtzCtomFYw6OQWMCDVrbcHK9O3h0R29N3iIYOjXcv4GlKGsR4Trq7DOi1KSQDRWfnKc9Lg-gD4u2JxWb73M8nWq3fn8DUlpQQ7Ow9lgpzyeQNLslHUfycWcvf4woOpEziD790LR9Cl7o4rZHalRg-lT4jQXmCezA4bdRaub5A/s700/a3804819069_16.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="700" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDlk3X1dsIXRpRtzCtomFYw6OQWMCDVrbcHK9O3h0R29N3iIYOjXcv4GlKGsR4Trq7DOi1KSQDRWfnKc9Lg-gD4u2JxWb73M8nWq3fn8DUlpQQ7Ow9lgpzyeQNLslHUfycWcvf4woOpEziD790LR9Cl7o4rZHalRg-lT4jQXmCezA4bdRaub5A/w400-h400/a3804819069_16.jpg" width="400" /></a></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br />HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA
CÉSAR INCA.<br /> <br />En esta ocasión presentamos el disco más
reciente del grupo belga APEX TEN, el cual está conformado por Benoît Velez [guitarras
eléctrica y lap steel, Theremin y percusión], Brad Masaya [bajo, sintetizador, Theremin,
guitarra eléctrica, percusión y voz] y Alexis Radelet [batería y percusión]. El
disco en cuestión se titula “Aashray” y fue publicado el 5 de mayo del pasado año 2023. Es verdad que llega un poco tarde esta reseña, pero todo lo que se dice en ella es genuino. Este trío dedicado a cultivar un rock psicodélico pesado con fuerte
raigambre en la tradición stoner ya tiene en su haber un disco anterior llamado
“1st Session”, el mismo que le permitió hacerse notar dentro del ámbito de
apreciación de diversas propuestas de rock psicodélico en agosto de 2021. APEX
TEN también publicó un EP de estudio y un disco en vivo antes de llegar a “Aashray”.
Aquí cuenta el trío con las colaboraciones de Simon Lambert (sintetizador Moog,
efectos y carillón) y Thomas Mouton (tambor tibetano). El propio Lambert se hizo cargo de los procesos de mezcla y masterización del material contenido en este disco. François Andries es el autor del arte gráfica.<br /> <br />El álbum comienza con ‘Awakening’, un
estupendo tema que comienza con masivas agitaciones cósmicas de sintetizador para abrir camino a un cuerpo central parsimonioso y razonablemente denso, siendo así que esta densidad va en ascenso de manera muy meticulosa mientras avanzan los segundos. Los riffs básicos de guitarra y los muy curtidos ornamentos del bajo se erigen en una dupla lideresa del desarrollo temático, el mismo que exorciza una neblina del Limbo en sus últimas instancias. Mostrando afinidades simultáneas con PAPIR, AUTOMATISM y RED SPAROWES, el trío demuestra muy buen oficio a la hora de combinar space-rock y post-metal. Tras este estupendo inicio del disco llega el turno de ‘Unlock’, una pieza bastante ágil que se mueve cómodamente sobre las arenas de la psicodelia pesada mientras la batería brinda un oleaje casi mecánico que se inspira, en no poca medida, en el estándar de los legendarios NEU! con un toque extra de la robustez típica de HAWKWIND. Las evocadoras partes cantadas, aunque no son precisamente numerosas, sirven para azuzar el fulgor expresivo de las llamas sónicas que emergen de la aplanadora triádica de guitarra, bajo y batería. ‘Dazed’ emerge
para regresar a la atmósfera predominante del primer tema y brindarle un filo renovador mientras la batería elabora un swing un poco más sofisticado. De este modo, el bajo cuenta con más margen de maniobra para seguir concretando sus vibraciones más afiladas mientras la guitarra utiliza cadencias sutiles para esta nueva exhibición de garra. Esta misma garra aumentará su tensión para la segunda mitad, lo cual conlleva que el arsenal grupal se proyecte hacia una expansión más contundente. ‘Naga’ vira totalmente de dirección para centrarse en recursos de magia exótica filtrados a través de un ejercicio de arcana psicodelia ácida. Tras un buen rato en el que el grupo crea una ambientación sigilosa en base a enclaves sonoros etéreos, finalmente se asienta un solemne cuerpo central que nos suena a un post-rock remodelado por vibraciones de krautrock guitarra-céntricos al estilo del primer álbum de ASH RA TEMPEL. ‘Deaf Snake’ se centra en el stoner más químicamente puro, elaborando un groove lento que se eleva merced al brío altivo de los guitarreos y los traqueteos sísmicos del bajo.<br /> <br />La dupla final de ‘Brahma’ y ‘Godavari’ está conformada por las piezas respectivamente más breve y más extensa del repertorio: aquélla
dura cerca de 3 ½ minutos, ésta, 10 minutos y pico. ‘Brahma’ despliega una frescura extrovertida desde la cual el trío sigue recogiendo los ecos del tema #1, eso sí, con un talante más luminoso y una espiritualidad más ligera. Se percibe claramente una agilidad festiva en el desarrollo del sencillo jam sobre el que se centra el desarrollo temático. Por su parte, ‘Godavari’ elabora una exhibición genuinamente majestuosa de la facetas más estilizada de su propuesta musical. Todo comienza de una manera muy sobria, casi como flotando entre el patrón de los AGITATION FREE de los dos primeros álbumes y el de los PINK FLOYD de la etapa 1969-70 con ese vigor extra que emana de la esencia stoner del grupo. Una vez asentado el cuerpo central, éste se acomoda de inmediato en una llamativa evocación post-rockera con revuelos razonablemente pesados: podemos decir que notamos afinidades con MY SLEEPING KARMA. La pieza se deja llevar por su etérea y crepuscular palpitación a través de su ambicioso espacio, el mismo que puede acoger cabalmente estas sólidas expansiones. Los momentos marcados por las instancias de frontal robustez guitarrera emergen con total naturalidad en lugares estratégicos; otros que son más sutiles portan un aura de expectativa frente a alguna implosión rockera que no tardará mucho en aparecerse y hacer que su fuego se adueñe de la situación. Todo esto fue lo que se nos ofreció en “Aashray” desde los cuarteles de APEX TEN en el año 2023 que ya terminó; este ensamble belga se asienta a paso firme dentro de la avanzada rockera europea con su mezcla de músculo y creatividad ecléctica, por lo que hay que prestarle atención muy de cerca. <br /> <br /> <br />Muestras de “Aashray”.-<br /><span lang="EN-US">Awakening:</span><span lang="EN-US"> </span><a href="https://apexten.bandcamp.com/track/awakening"><span lang="EN-US">https://apexten.bandcamp.com/track/awakening<br /></span></a>Naga: <a href="https://apexten.bandcamp.com/track/naga">https://apexten.bandcamp.com/track/naga<br /></a>Godavari: <a href="https://apexten.bandcamp.com/track/godavari">https://apexten.bandcamp.com/track/godavari</a></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><br /></div>César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-45375053780636415522024-01-25T00:00:00.000-05:002024-01-25T00:00:51.503-05:00Una ronda de metralla avant-progresiva del colectivo francés ONE SHOT<div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqaUx3IwP5CoAPH-lyFfNXF0gMrB30ADzevpzTBNebKctaIyOi3SrpZBIq4k_KOJdnPoyLuf4DspquUa81cCs07sWUz2WF-rzVtzV6QN0uC1VIuM8ytxI-zYUK1XZeO_fGXsayPdiGuxnwN799B2GfhTE8RfPUiEhgTG3XezIkDDukTCIAU8kn/s1200/a1884282117_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1117" data-original-width="1200" height="373" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqaUx3IwP5CoAPH-lyFfNXF0gMrB30ADzevpzTBNebKctaIyOi3SrpZBIq4k_KOJdnPoyLuf4DspquUa81cCs07sWUz2WF-rzVtzV6QN0uC1VIuM8ytxI-zYUK1XZeO_fGXsayPdiGuxnwN799B2GfhTE8RfPUiEhgTG3XezIkDDukTCIAU8kn/w400-h373/a1884282117_10.jpg" width="400" /></a></div></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"> <br />HOLA, AMIGOS DE
AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.<br /><o:p> <br /></o:p>Con un poco de
demora, pero con el entusiasmo y la honestidad de siempre, presentamos el
último disco del colectivo avant-progresivo francés ONE SHOT, el cual consta de
Emmanuel Borghi [teclados], Philippe Bussonnet [bajos], Daniel Jeand’heur [batería]
y Bruno Ruder [teclados]. El disco en cuestión se titula “111” y fue publicado en
el último día de marzo del pasado año 2023. El grupo hizo en ese tiempo una
gira nacional para anunciar este nuevo acontecimiento dentro de su retomada
carrera musical, siendo un concierto en el Triton de París del 22 de abril el
evento de presentación oficial de este disco, el material aquí contenido fue
grabado en el mismo Triton en octubre de 2022, y también allí se realizaron las
labores de mezcla y masterización. Además, el sello que publicó “111” en CD y
vinilo se llama Le Triton, que es, en realidad, un centro cultural
multipropósito que incluye sala de conciertos, sala de exposiciones y, claro
está, un sello fonográfico. El concierto de presentación de este disco tuvo lugar en Estrasburgo el 23 de marzo de 2023, un evento que daba inicio a una gira nacional que también tuvo paradas en Lyon, París, Marsella, etc. Haciendo un poco de historia, los orígenes de ONE SHOT se remontan al último lustro del pasado milenio cuando Borghi y el ya difunto guitarrista James Mac Gaw, entonces unos jóvenes veteranos que pasaron una buena temporada en la legendaria banda MAGMA, decidieron fundar un ensamble de rock experimental con mucho dinamismo y un gusto por los climas densos y oscuros que usualmente se asocian con el paradigma Zeuhl. Unos años más tarde, Borghi se vio metido en una situación de tensiones personales con el maestro Christian Vander, y terminó acusándolo públicamente de ser un revisionista nazi y antisemita tras dar un portazo de salida de las filas de MAGMA. Más allá de esta controversia en la que no vale la pena ahondar más, cabe destacar que el disco homónimo de debut de ONE SHOT, que data del año 1999, fue muy bien recibido por el público progresivo. Después siguieron otros dos discos de estudio, además de un par de discos en vivo: uno del año 2011 y otro más reciente de 2022 titulado a </span><span style="font-family: georgia;">“</span><span style="font-family: georgia;">À James</span><span style="font-family: georgia;">”</span><span style="font-family: georgia;"> que recogía un concierto de homenaje póstumo a Mac Gaw. Hoy en día, </span><span style="font-family: georgia;">“111” nos muestra a un cuarteto que no sólo ha resucitado, sino que también ha remodelado su croquis sonoro con la presencia de dos teclados: esto implica necesariamente que los recursos expresivos deben ser remodelados dentro de la estética esencial de la banda, especialmente en los pasajes más explícitamente enérgicos. </span><span style="font-family: georgia;"> </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlL5A9SbUiVvPcXUR_g5qbq-gpCqmXkKLlddyf8u4e1O8U8wenxI1oK1Dw-2tVxDuVH2-kFhRug0aw0FoPg8vkUCYrcN_GIpmZDoZFcDt6tpgAvLXjJH_45gmIT3EEHwfcLSvWikXymTOxbV2AyttYqER_rev_fOMiPFcJTdYzbCA2pTDHQ9Ja/s600/R-25548226-1671814609-2839.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="545" data-original-width="600" height="291" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlL5A9SbUiVvPcXUR_g5qbq-gpCqmXkKLlddyf8u4e1O8U8wenxI1oK1Dw-2tVxDuVH2-kFhRug0aw0FoPg8vkUCYrcN_GIpmZDoZFcDt6tpgAvLXjJH_45gmIT3EEHwfcLSvWikXymTOxbV2AyttYqER_rev_fOMiPFcJTdYzbCA2pTDHQ9Ja/s320/R-25548226-1671814609-2839.jpg" width="320" /></a></div></div><span style="font-family: georgia;"><o:p> <br /></o:p>Yendo a los
detalles específicos del repertorio contenido en este disco, todo comienza con ‘Off The Grid’, una aventura aparentemente parca que frontalmente se inserta bajo una atmósfera ceremoniosa; mientras los teclados van armando una base temática solemne, la batería se encarga de apuntalar el groove central con una estilizada musculatura que el bajo sabe reforzar con convincente sobriedad. El ensamble se inserta claramente en el bosque musical de PRESENT utilizando herramientas de exploración provenientes de la fábrica de ESKATON y algunos mapas trazados con la brújula de los dos primeros discos de ZAO. A mitad de camino, la senda está definitivamente encaminada hacia una maciza e impenetrable masa de siniestra densidad cuyos signos y ademanes tétricos adquieren un aura de inquietante señorío. La vitalidad creciente que se explaya sobre el persistente groove ceremonioso se enrumba hacia un majesutoso clímax antes de un minúsculo descenso sobre un terreno inasible. Un impactante final para una pieza portadora de una rotunda fuerza de carácter. Tras este despliegue de mayestático oscurantismo llega el turno de ‘Mérovée’, que es el segundo tema más largo del repertorio con sus
poco menos de 11 ¼ minutos de duración. Este tema ya existía en el repertorio de ONE SHOT cuando Mac Gaw seguía en este mundo. En él, el grupo toma el testigo de densidad expresionista del tema de apertura para darle un viraje más sofisticado, siendo así que el diagrama temático contiene más florituras y el swing armado por la dupla rítmica se dibuja con más recovecos. Más adelante, unos fabulosos solos de sintetizador mottivan un aumento del vigor y el grosor del bloque sonoro general, además de unos excelsos ornamentos de la batería y el bajo. En medio de toda esta expresión de aristocrática neurosis, la intensidad continua parece tener algo de celebratorio, una noción que se refuerza cuando emerge una coda impetuosamente contundente. Un primer cénit del álbum, una eclosión de fuego cósmico elaborada con magistral soltura. </span><span style="font-family: georgia;">‘D</span><span style="font-family: georgia;">on’t Ask Me’ explora la dimensión jazz-rockera del avant-prog, haciendo como si un esbozo perdido de los SOFT MACHINE de la etapa 1973-75 nubiese pasado por una radical cirugía en manos de una asociación de músicos de ESKATON y SCHERZOO. O, si se prefiere, un regreso a la faceta más extrovertida de los primeros discos de ONE SHOT. En todo caso, este tema funciona muy bien como un momentum capitalizador de la incendiaria segunda mitad del tema precedente.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><o:p> </o:p></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1QuZgDpPnnwDNULlK2CxbIjMkSTxg4syw35kfDpMhCRoNl7dWt12w8yTrEloJGhaxQMNGXDSWFSvaiFlhd2NYaD9Rzq-r_etjpAv5l34RSAN_Q9rMKoLKBUgNN3l9NCgZHadTp_9jmRTJhNVItSjGM5IykcngJbCd8-3iESffYYv7weu1d-qQ/s1200/0031911248_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="894" data-original-width="1200" height="238" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1QuZgDpPnnwDNULlK2CxbIjMkSTxg4syw35kfDpMhCRoNl7dWt12w8yTrEloJGhaxQMNGXDSWFSvaiFlhd2NYaD9Rzq-r_etjpAv5l34RSAN_Q9rMKoLKBUgNN3l9NCgZHadTp_9jmRTJhNVItSjGM5IykcngJbCd8-3iESffYYv7weu1d-qQ/s320/0031911248_10.jpg" width="320" /></a></div><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><span style="font-family: georgia;">Ocupando un
espacio de 12 minutos y pico, ‘Mustang’ emerge como el núcleo expansivo de la
mayor magnificencia diseñada para este disco; de paso, se trata de la pieza más larga del álbum. Desde el mismo punto de partida, se nota un nervio tan dinámico como belicoso en el modo en que interactúan los instrumentos a la hora de signar el groove inicial. Todo lo que hubo de majestuoso en algunos de los temas previos se eleva hacia un nivel más ambicioso de exaltación aguerrida, no exenta de vibraciones lóbregas ni de tensas ebulliciones. A mitad del camino, el asunto se torna un poco más contenido cuando el cuarteto adopta un posicionamiento donde se cruzan el jazz-prog y la psicodelia con matices space-rockeros. De alguna extraña manera, el ensamble crea confluencias con GÖSTA BERLINGS SAGA y ANEKDOTEN sin dejar, por supuesto, de estar enraizado en la experimentación oscurantista propia del avant-garde francófono de siempre. En el último tramo del tema emerge un renovado nervio expresivo que acusa un mayor grado de tirantez; en algún momento, los sintetizadores se desafían mutuamente en un arrebato monumental, mientras que un groove llamativo aguarda su turno para instaurar un drástico epílogo. La experiencia de este disco se completa con el arribo de ‘Mustang
Coda’, un dueto grave e hierático de bajo y batería que se proyecta sobre un trasfondo de ruidos de aguacero. Aquí se recoge algo de las vibraciones jazzeras que formaron parte de la pieza anterior a través de un filtro (más o menos) post-rockero. Es el epílogo después del epílogo, ni más ni menos. Conluyendo, siempre resulta ser una buena nueva (al menos, a priori) el hecho de que un grupo como ONE SHOT dé señales de actividad tras varios años de hibernación. Lo que hemos apreciado a lo largo de “111” es una evidencia inobjetable de lo mucho que es este curtido ensamble de aportar al ideal de la música progresiva vanguardista de Francia y del mundo entero: una metralla de excelencia sónica de poco menos de tres cuartos de hora. Recomendable al 400& (un 100% por cada integrante.)<br /><o:p> <br /></o:p><o:p> <br /></o:p>Muestras de “111”.-<br /><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">Mérovée: </span></span><span style="font-family: georgia;"><a href="https://oneshot-letriton.bandcamp.com/track/02-m-rov-e">https://oneshot-letriton.bandcamp.com/track/02-m-rov-e</a> </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">Mustang: <a href="https://oneshot-letriton.bandcamp.com/track/04-mustang">https://oneshot-letriton.bandcamp.com/track/04-mustang</a></span></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-87514921309389670342024-01-22T00:16:00.003-05:002024-01-22T08:20:00.162-05:00DIALETO: evocaciones de un delirio pandémico en clave jazz-progresiva<div style="text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4ZvlHS3azZPiIgg1QfPUuQr8c5IEd5Tyk1tWWfTZhiB-7fQf8_B4qmPlV7cWuyYU0PlmqDcZjad96gKWnxAqXRClmkULeIZ79J92qacxhJpZUvj-ZFshRcV8wBjJLMdqKk01QV5DtWEOo-6i6p3uKPQoe7wEQK6Rk0B6CNcXEOjuAiRLT7B5t/s700/a3702258650_16.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="700" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4ZvlHS3azZPiIgg1QfPUuQr8c5IEd5Tyk1tWWfTZhiB-7fQf8_B4qmPlV7cWuyYU0PlmqDcZjad96gKWnxAqXRClmkULeIZ79J92qacxhJpZUvj-ZFshRcV8wBjJLMdqKk01QV5DtWEOo-6i6p3uKPQoe7wEQK6Rk0B6CNcXEOjuAiRLT7B5t/w400-h400/a3702258650_16.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: center;"><span style="text-align: left;"> </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;">HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA
CÉSAR INCA.<br /><o:p> <br /></o:p>El trío brasileño de música jazz-progresiva DIALETO nos ofrece un
nuevo disco para este año 2024 que es muy especial: se trata de “Pandelirium” y
tiene programada su publicación oficial para el 1 de marzo próximo. El trío
conformado por Nelson Coelho [guitarras e instrumentos digitales], Gabriel
Costa [bajo] y Fred Barley [batería] se tomó varias sesiones entre los años
2020 y 2023 para desarrollar la totalidad de las grabaciones del repertorio de “Pandelirium”.
Coelho grabó sus aportes en su estudio doméstico, igual que el bajista Costa,
mientras que Barley grabó sus intervenciones en el Estudio Rinke bajo la
dirección de Felipe Rinke. Las ulteriores labores de mezcla y masterización
estuvieron a cargo de Fabio Golfetti en el Seven Keys Studio. “Pandelirium” es
un álbum conceptual basado en un terrible suceso de la vida real, que fue el contagio de Covid-19 que padeció Coelho justamente a inicios de la ordalía brasileña, en marzo de 2020. La narrativa del repertorio contenido en </span><span style="font-family: georgia;">“Pandelirium”</span><span style="font-family: georgia;"> sigue la secuencia cronológica del contagio, la hospitalización, la tensión emocional que acompaña a la sujeción a mil y una pruebas médicas y, finalmente, el largo proceso de recuperación. Además, el disco es, en sí, un componente de un proyecto artístico multimedia que también ha de incluir un libro escrito por Coelho sobre esta experiencia, el mismo que incluye ilustraciones gráficas que son de su autoría, también. Todos los temas de </span><span style="font-family: georgia;">“Pandelirium” fueron compuestos por Coelho salvo el último, que contó con aportes creativos del bajista Costa; dado el norte temático de esta obra, no nos debe extrañar que haya un predominio de pasajes agresivos y tensos.</span><span style="font-family: georgia;"> Bueno, veamos los detalles estrictamente musicales del repertorio aquí contenido.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><o:p> </o:p></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCf_vP10Wmdqdbi7vTxTBOdjzuQMwIItGuqam_eVVpWMx0nYrRDUVHwR7IUOu9wXNuGHn11CneCtNYso2znq0ARANsxEenaYjuij9VLwKlSD2umV2mQioDj8iyxoVgPzDDpW6FGsrS1iA0CEvWnFQHT4UewAl9Gr-g0hRnRWd7mffgyNiDytkN/s800/0010079183_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="690" data-original-width="800" height="345" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCf_vP10Wmdqdbi7vTxTBOdjzuQMwIItGuqam_eVVpWMx0nYrRDUVHwR7IUOu9wXNuGHn11CneCtNYso2znq0ARANsxEenaYjuij9VLwKlSD2umV2mQioDj8iyxoVgPzDDpW6FGsrS1iA0CEvWnFQHT4UewAl9Gr-g0hRnRWd7mffgyNiDytkN/w400-h345/0010079183_10.jpg" width="400" /></a></div><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><span style="font-family: georgia;">‘The Long Way’ abre el disco siendo el tema
más extenso del mismo con sus casi 8 ¾ minutos de duración. Unas intrigantes capas de guitarra crean un prólogo denso que, al poco rato, abre camino a un ambiente ceremonioso que se apoya cómodamente sobre un swing lento. Se nota que hay una fuerza expresiva operando, pero éste se manifiesta de una manera bastante contenida mientras algunos ornamentos sintetizados entran a tallar para insertar matices futuristas al siempre parco marco temático; éste parece establecer vínculos con el paradigma Crimsoniano. Es el bajo quien hace las más notables florituras en este contexto, el mismo que va gestando un crescendo un tanto lúgubre de una manera impolutamente meticulosa. Ya ha mitad de camino se da una mayor soltura a la expresividad en curso, lo cual hace que parte de la oscuridad precedente se trastoque en algo más directamente aguerrido dentro de la distinción típicamente jazz-rockera; de esdte modo, se prepara el camino para el intenso epílogo que asoma en el horizonte, el mismo que sirve para el electrizante lucimiento de la guitarra. Los ecos de esta estilizada lobreguez inicial se perpetúan en <span lang="EN-US">‘The
Great Geodesic Hall’, la segunda pieza del álbum, la misma que evoca el periodo de coma inducido con su magma de inconsciencia y delirios oníricos. Esta vez, la neblina sónica se impone con un grosor tan fastuoso como tétrico, siendo esas escalas de teclado que sustentan la base armónica cruciales a la hora de dirigir al resto de los instrumentos por la senda trazada. Ya estamos en el terreno de PRESENT con un impacto adicional de la faceta más solipsista del paradigma de los STICK MEN. Para el último tercio, las cosas se agilizan notablemente para enfilarse hacia un despliegue de tensa neurosis donde se traza un camino intermedio entre los KING CRIMSON de 1973 y el patrón de WINGFIELD REUTER SIRKIS. El clímax es simplemente espectacular y concreta el final rotundamente seco que merece. ‘The Long Way Back’, tema que dura casi tanto como </span></span><span style="font-family: georgia;">‘The Long Way’, se acoge a la protección del misterio para tomar la inspiración básica de sus manifestaciones sonoras. Éstas se esmeran bastante en mantenerse dentro de un área de sutileza que se deja empapar por una granizada de seductora frialdad. Aquí late una pasión invernal que permite al sencillo desarrollo temático asumir un aura razonablemente sofisticada. A mitad de caminom el asunto se torna más pesado y ya se nos muestra una senda distinta, una donde se cruzan los universos de KING CRIMSON y LED BIB, pero con un colorido renovador. Todo se ha vuelto bastante extrovertido mientras preserva cierta tensión. </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><span lang="EN-US"><br /></span></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><span lang="EN-US">‘Waiting For
Numbers’ ocupa un espacio de 8 minutos y pico.* Arranca desde ese referente de explosión colorida con el que terminó la pieza precedente para exhibir una estrategia de sofisticadas alternancias entre pasajes incandescentes y otros más serenos, y, de hecho, el primer momento de serenidad emerge muy pronto. La batería sustenta solventemente la diversidad de ambientes y grooves que la guitarra y el bajo arman en un hermanamiento diverso. Los enclaves de fiero fulgor y ensoñadora calma se suceden con impoluta fluidez; cabe resaltar que estos últimos ostentan un lirismo cálidamente embrujador y es una buena idea que uno de ellos sea el encargado de cerrar la pieza. Este tema y </span></span><span style="font-family: georgia;">‘The Long Way Back’ son los dos cénit decisivos del repertorio. </span><span style="font-family: georgia;">El álbum llega a su término con ‘Back Home’, una pieza bastante ágil y gentil que se sitúa a cierta distancia del oscurantismo sistemático que trazó el enfoque denso de los dos primeros temas del álbum, pero todavía reparte espacios entre la luminosidad y la tensión nebulosa, teniendo ésta un marcado cariz Crimsoniano. La musculatura persistente del tema se reserva su momento de mayor efusividad para el impetuoso epílogo. Todo desto fue </span><span style="font-family: georgia;">“Pandelirium”, una muy inspirada crónica de evocaciones de esos delirantes tiempos de pandemia que aún tenemos en nuestra memoria. Nunca se irán esos dramáticos recuerdos, como tampoco debe irse de nuestras cabezas la noción de que el trío brasileño DIALETO es una de las presencias más notables dentro del área jazz-progresiva que existe en la avanzada sudamericana de las últimas décadas, y ha necesitado menos de 40 minutos para demostrarlo en esta ocasión. En manos de este talentoso trío brasileño, la preoducción progresiva del año 2024 comienza con muy buen pie.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><o:p> <br /></o:p><o:p> <br /></o:p>Muestra de “Pandelirium”.-<br /><span lang="EN-US">Waiting For Numbers: </span><a href="https://dialeto.bandcamp.com/track/waiting-for-numbers"><span lang="EN-US">https://dialeto.bandcamp.com/track/waiting-for-numbers</span></a></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><br /></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><br /></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia; font-size: x-small;">* Los números a los que hace alusión el título de este tema son los que mantenían en vilo a un Coelho que, ya fuera de la fase de cuidados intensivos, todavía tenía que permanecer hospitalizado con un tratamiento severo que se modificaba con pruebas de laboratorio donde se vigilaba el estado de sus riñones, se rastreaba las cantidades de creatinina y se realizaba una larga serie de diálisis.</span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><br /></div>
César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-8748428365924226102024-01-19T00:04:00.000-05:002024-01-19T00:04:32.460-05:00El juego del mundo a través del lente space-rockero del excelente ensamble ruso VESPERO <div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"> </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXphCn-a40W8q3jLyh5nvKM7bH4WJv7qTlfHztyq5DGQ-uAapGd2QB0xPjW2GVUVoLYhKquUBMvqhsinms838IiEdm0S9L67iQyLlXPImDCGxs3nn2SjCnGHjUJEA6Pxunu-TdRQb7694HzOPZ1ZdhVwKc3cn9ays_RbvsudkO3o_zg9dgmKyl/s1200/a2504800969_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXphCn-a40W8q3jLyh5nvKM7bH4WJv7qTlfHztyq5DGQ-uAapGd2QB0xPjW2GVUVoLYhKquUBMvqhsinms838IiEdm0S9L67iQyLlXPImDCGxs3nn2SjCnGHjUJEA6Pxunu-TdRQb7694HzOPZ1ZdhVwKc3cn9ays_RbvsudkO3o_zg9dgmKyl/w400-h400/a2504800969_10.jpg" width="400" /></a></div></div><span style="font-family: georgia;"><o:p> <br /></o:p>HOLA, AMIGOS DE
AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.<br /><o:p> <br /></o:p>El tramo final
del pasado año 2023 nos trajo algunas sorpresas exquisitas para el disfrute
melómano de la música progresiva y afines, y en esta ocasión nos referimos al
nuevo disco del grupo ruso VESPERO, veterano representante del space-rock
progresivo de su país. El disco en cuestión se titula “De Ludo Globi” y fue
publicado el 1 de diciembre de 2023. El ensamble conformado por Ivan Fedotov [batería
y percusión], Arkady Fedotov [bajo, sintetizador, sampler y efectos de sonido],
Alexander Kuzovlev [guitarras], Alexey Klabukov [teclados, sintetizadores. trompeta
y sampler] y Vitaly Borodin [violín, kalimba y sampler] se benefició de los
aportes del músico invitado Alexey Esin (saxos tenor y soprano, y flauta) a la
hora de expandir su paleta sonora. El colectivo siempre está ocupado haciendo
cosas pues queda constado que publicó el disco en vivo “Insomnia Liventure” a
inicios de agosto del mismo año 2023, mientras que dos de sus integrantes
estaban finiquitando la publicación del nuevo disco de MAAT LANDER. “De Ludo
Globi” (“El Juego de la Bola”, en latín) es el título de un libro del teólogo,
filósofo, jurista y matemático alemán Nicolás de Cusa donde se hace una proyección especulativa desde el cúmulo de posibilidades de un juego de pelota inventado y el orden del mundo y una recta vida dentro del mismo. El disco que ahora
reseñamos fue grabado en el año 2022 con la ingeniería de sonido realizada por Alexey
Klabukov in 2022, en el VMS Studio de Astrakhan; las ulteriores labores de mezcla
y masterización estuvieron a cargo de Alexander Kuzovlev. La gente de VESPERO proclama que en este disco está contenida la música más colorida que ha concebido en toda su trayectoria.<br /><o:p><br /></o:p></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><div style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVkoMvc30UM2z2dnb_JgpLjri3jH6M0H69P_BNXhnXBRXU8ZrPF3l_Vcx2MEn0f_YBgXNCoSKAQFfKsC14wQyHKNvxfvndAsqQFdzInVLbl6cAmUld0R-EJNuhJIrSJkdHWPa5yMyVDBAgZK-GZCUYu9yIQ_LZm15sX3rkeTuXPIr380GJUTYx/s600/R-29132908-1701937955-6859.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="545" data-original-width="600" height="291" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVkoMvc30UM2z2dnb_JgpLjri3jH6M0H69P_BNXhnXBRXU8ZrPF3l_Vcx2MEn0f_YBgXNCoSKAQFfKsC14wQyHKNvxfvndAsqQFdzInVLbl6cAmUld0R-EJNuhJIrSJkdHWPa5yMyVDBAgZK-GZCUYu9yIQ_LZm15sX3rkeTuXPIr380GJUTYx/s320/R-29132908-1701937955-6859.jpg" width="320" /></a></div> </span></div><span style="font-family: georgia;">Aunque el
repertorio de este disco consiste en una sola pieza continuada de más de 40
minutos que es la suite homónima, ésta se ha dividido en dos partes para
ajustarse al formato del vinilo: ‘De Ludo Globi – Pars Una’ dura poco más de 20
minutos, mientras que ‘De Ludo Globi – Pars Duo’ dura poco más 20 ¼ minutos. La
Parte 1 comienza con una tremendamente cálida amalgama de capas de teclado, armonías sintetizadas que emulan percusiones tonales y sigilosos retazos de violín, vientos y guitarra, siendo así que la atmósfera envolvente pronto concreta una musculatura sobria. A partir de la instalación de dicha musculatura, se refuerza con sucesivos solos de guitarra y sintetizador que se movilizan a través de un fragor jazz-progresivo; a mitad de camino emerge una instancia flotante que permite al violín hacerse de un breve espacio de lucimiento. Alrededor de la frontera del sexto minuto y medio, se realiza una ágil cruza entre la sofisticación propia del discurso jazz-progresivo y las tonalidades cósmicas típicas del paradigma space-rockero, y ya nos estamos dando cuenta de que la garra expresiva se ha incrementado considerablemente, lo cual, a su vez, ayuda enormemente a que también se vaya gestando una exuberancia mágica a lo largo del desarrollo temático. A poco de pasada la frontera del undécimo minuto, la sofisticación reinante adquiere un nuevo matiz al hacerse uso de un groove más contenido, lo cual repercute en la manera en que la batería ornamenta su propia labor mientras emplea un compás inusual. También se advierte que el violín sale más al frente. Después de la fontera del decimoquinto minuto, el asunto se torna grisáceo al surgir un recurso de misteriosa parsimonia, el cual funciona básicamente como un puente hacia la retoma del motif inicial. Lo que suena es como una cruza entre lso OZRIC TENTACLES de 1989-91 y las exploraciones de los propios VESPERO en su etapa 2018-20. Esta primera excursión está lista para aterrizar en un área de introspectivo remanso: el descenso ha sido meticulosamente gradual. <br /><o:p> </o:p></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOBvwkpDSHI3iBT_1RWXJpssH3Wv_s1nbD059KpFvj_ozBawc5KSXqt4LG6w-8uPDxUXcZ5jB_8Eb5hXCu7sJfbYnC7QWlhOb5vCZh29LcopXP18jJrImAGo0vWd6hAyYhGdBU81ASsTqetLJVy2Rgw4DfkAwqZZUeHpg5pg6IAlUXJ2uJhtzm/s600/R-29132908-1701937955-4934.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="547" data-original-width="600" height="292" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOBvwkpDSHI3iBT_1RWXJpssH3Wv_s1nbD059KpFvj_ozBawc5KSXqt4LG6w-8uPDxUXcZ5jB_8Eb5hXCu7sJfbYnC7QWlhOb5vCZh29LcopXP18jJrImAGo0vWd6hAyYhGdBU81ASsTqetLJVy2Rgw4DfkAwqZZUeHpg5pg6IAlUXJ2uJhtzm/s320/R-29132908-1701937955-4934.jpg" width="320" /></a></div><span style="font-family: georgia;"><br /></span></div><span style="font-family: georgia;">‘De Ludo Globi
– Pars Duo’ despliega, desde el punto de partida una vivacidad especial en base a la asociación de batería y guitarra que instaura un groove bastante energético. No tarda mucho el ensamble íntegro en acomodarse dentro de su misión común, y lo hace con un vigor expresivo que se alimenta del ímpetu caleidoscópico que florece a lo largo y ancho de las intensas interacciones de los instrumentos actuantes. Hay un lirismo muy bien perfilado en la superficie explícita de esta ágil armadura space-rockera, y éste se mantiene a través de las variantes ofrecidas por la preminencia de secuencias armónicas sintetizadas y la imposición de un místicamente robusto solo de guitarra que, a fin de cuentas, resulta ser su más notable intervención en del álbum. Se mete algo de neurosis en clave futurista dentro de la exaltación predominante. En una instancia ulterior, las cosas se calman un poco para crear una mezcla de estilización progresiva y suntuosidad fusionesca bajo un ropaje permanentemente psicodélico. El empleo de algunas exóticas cadencias de inspiración oriental da alas al violín para que vuelva a apoderarse del rol protagónico dentro del esquema instrumental, lo cual, en simultáneo, da la señal al ensamble de que es hora de volver a la exaltación. La cosa no dura mucho, pero deja una fuerte huella en el proceso musical. La siguiente sección comienza con una tónica abstracta donde los sintetizadores se apoderan del núcleo central, abriendo finalmente la puerta a un pasaje lírico que, inicialmente, se siente marcado por una delicadeza cándida, pero luego asume una renovadora aspereza con el solo de guitarra. ¿Estarán aquí los ecos de la colaboración del grupo con el crack español ÁNGEL ONTALVA? Dejamos la pregunta aquí para que quien sea la responda según su propio criterio. Tras la señorial tormenta de la guitarra, se dan los turnos sucesivos del saxofón y la flauta para retomar el cándido lirismo precedente para, de a pocos, guiar al colectivo hacia un epílogo palaciego cuya grandilocuencia llena todos los espacios. Tras un falso golpe final llega una coda entusiasta que incluye una pequeña dosis extra de densidad... Y ahora sí acaba el álbum. Todo esto fue lo que el personal de VESPERO manifestó en </span><span style="font-family: georgia;">“De Ludo Globi”, un disco bastante peculiar que vuelve a confirmar por enésima vez lo importante que es la presencia de este colectivo ruso para que el ideal de la música progresiva siga siendo relevante en nuestros tiempos. El juego del mundo ha sido retratado muy eficazmente por la paleta sonora del excelente ensamble ruso VESPERO Totalmente recomendable este disco.</span><span style="font-family: georgia;"><br /><o:p> <br /></o:p><o:p> <br /></o:p>Muestra de “De
Ludo Globi”.-<br />De Ludo Globi –
Pars Duo: <a href="https://vespero.bandcamp.com/track/de-ludo-globi-pars-duo">https://vespero.bandcamp.com/track/de-ludo-globi-pars-duo</a></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><br /></div>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm;"><o:p></o:p></p>César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-11303826.post-42537578949344278752024-01-16T00:56:00.000-05:002024-01-16T00:56:19.562-05:00LA HORSA BIANCA inicia el rumbo del mundo progresivo del año 2024 <div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"> </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQyKYLckDvZQssVczFtTDvr_4HGjWvmByuvMmAQ-wJ_00YWrHHlRzfpQE2Vi8JsbesnUgcdAujgIqDegRp8HWcl-2arMbO1YTh8nznyJE7T14kwkQw2PU85_NNU5HRLA-FJjYsnjlIbl4_t8QxHSqJFmy2wuPJFxuJvm9tzUWPF8zIBpZE1gt5/s1200/a0438604217_10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQyKYLckDvZQssVczFtTDvr_4HGjWvmByuvMmAQ-wJ_00YWrHHlRzfpQE2Vi8JsbesnUgcdAujgIqDegRp8HWcl-2arMbO1YTh8nznyJE7T14kwkQw2PU85_NNU5HRLA-FJjYsnjlIbl4_t8QxHSqJFmy2wuPJFxuJvm9tzUWPF8zIBpZE1gt5/w400-h400/a0438604217_10.jpg" width="400" /></a></div></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span><span lang="ES"><span style="font-family: georgia;">HOLA, AMIGOS DE
AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.<br /></span></span><span lang="ES"><o:p><span style="font-family: georgia;"> <br /></span></o:p></span><span lang="ES"><span style="font-family: georgia;">Hoy tenemos la ocasión
de reseñar el nuevo disco del grupo ucraniano LA HORSA BIANCA, el cual está
conformado por Eugene Manko [bajo, sintetizadores, saxos tenor y soprano,
flauta, xaphoon, mellotrón y efectos], Olga Ksendzovska (apodada Xendsa)
[pianos digital y acústico, y Theremín], Kirill Gonchar [guitarra eléctrica y
trompeta], Andrew Brahin [guitarras eléctrica, clásica y clásica preparada] e Ihor
Avdeyev [batería]. El disco en cuestión se titula “Polemosophy” y su
publicación tuvo lugar el 5 de enero del ya estrenado año 2024. El material
aquí contenido fue compuesto en los dos últimos meses del año 2022, siendo
grabado en los Temporary Home Studios en varias sesiones que tuvieron lugar a
lo largo del año 2023. En el caso de las partes de batería, éstan fueron grabadas en el Digout Studio, el mismo lugar donde se realizó la mezcla del nuevo material. “Polemosophy” es una obra conceptual que se centra en la cruel temática de la guerra y su impacto en los estados mentales y físicos de las personas, un concepto que los integrantes del grupo tienen presente como vivencia cotidiana desde hace un tiempo. De hecho, la gente de LA HORSA BIANCA tiene la intención de donar las ganancias relativas a este álbum a varias asociaciones de ayuda humanitaria de su país. Se trata del cuarto trabajo de estudio de este ensamble surgido en la localidad de <span style="background-color: white;">Charkiw en junio de 2016. Es evidente que esta banda es muy prolífica e inquieta, siendo así que el álbum precedente </span>“Diluvian Beat” cosechó varios elogios bien merecidos desde su publicación en el año 2020. Ahora, “Polemosophy” amenaza con obtener la misma cantidad de elogicos: méritos tiene para ello, no nos cabe duda alguna al respecto cuando nos topamos con su manera tan particular de gestar una propuesta vanguardista tan versátil. Para aclarar más específicamente esta noción, veamos ahora los detalles de este disco.<br /></span></span><span lang="ES"><o:p><span style="font-family: georgia;"> <br /></span></o:p></span><span lang="ES"><span style="font-family: georgia;">‘Polemosophy I’ ocupa
los 6 primeros minutos del repertorio y lo hace elaborando recursos de grave solemnidad bajo un ropaje crepuscular que mucho tiene de majestuoso. Todo comienza con un ambiente cósmico cuyos ligeramente sombríos matices dejan el campo abierto para algunos ornamentos guitarreros de tenor Crimsoniano. Una vez que el ensamble entero entra en acción, se desarrolla un esquema de trabajo poderoso y lúgubre cuya parsimonia metafísica se define como una cruza entre el paradigma clásico de PRESENT y los ART ZOYD de la fase 1985-90. Tras este interesante inicio, surge‘Diaschisis’ con la misión de proyectar un viraje hacia ambientes más relajados, incluso ensoñadores, creando una efectiva combinación de avant-prog, electrónica y jazz contemporáneo. El sosiego contemplativo que predomina en el esquema melódico por vía del rol protagónicpo compartido por el sintetizador y la guitarra (al estilo de los TANGERINE DREAM de 1975-76) contiene algunas intrusiones de ornamentos percusivos que trazan unos oportunos recursos de tensión dadaísta. ‘Polemosophy
II’ es señorío puro y éste se expresa con una sofisticada manifestación de fuerza de carácter desde la cual se impulsa un nervio expresivo muy bien delineado bajo las directrices del prog sinfónico con elementos añadidos de jazz-prog. El groove contenido es manejado con un impecable refinamiento, lo cual sirve como sólido sustento para el armazón de los demás instrumentos, permitiendo que el entramado grupal se mueva con una gracilidad muy particular. Un arrebato de viento engarza el final de este tema con el inicio del siguiente, el cual se titula ‘Akinesis’. Aquí se da una prolongación de la estrategia jazz-progresiva, esta vez, con un aura más plácida en cuanto al groove y con un enfoque deconstructivo en el diseño del croquis temático. Eso que llaman nu-jazz se deja sentir en los arreglos de teclados. Cuando llega el turno de ‘Hyperkinesis’, el grupo elabora un ejercicio de sinfonismo cósmicamente surrealista que, en un lapso de menos de 3 minutos, dice mucho en cuanto a suntuosidad, extravagancia postmoderna y vigor rockero. Hemos notado un ascenso expresionista en la ilación de estos tres temas: esta tríada se erige como el centro neurálgico de los ideales estéticos planteados por el grupo.<br /></span></span><span lang="ES"><o:p><span style="font-family: georgia;"> <br /></span></o:p></span><span lang="ES"><span style="font-family: georgia;">‘Polemosophy III’ es
el tema más largo del repertorio con sus más de 6 ½ minutos de duración. La línea de trabajo seguida por esta pieza comienza con una atmósfera sigilosa donde la guitarra impone su carácter sobre un transfondo de sintetizadores flotantes. Una vez entrado en acción el ensamble entero, el esquema sonoro se enrumba inicialmente por una senda de sinfonismo donde el preciosismo melódico campea sobre las alas de un swing razonablemente sofisticado. En una siguiente instancia, las cosas cambian drásticamente hacia algo más lóbrego y dramático, coqueteando con el chamber-rock de PRESENT y RATIONAL DIET mientras crea un crescendo inquietante que avanza a paso firme hasta el golpe final. Tal vez sea éste el cénit definitivo del álbum tras la escala de momentos culminantes que nos trajo la secuencia de las tres piezas precedentes. ‘Pseudesthesia’ regresa de lleno al camino de los cósmico, muy en línea con la tradición del krautrock electrónico. Los ocasionales ornamentos de piano, saxo soprano y flauta añaden matices refrescantes al masivo andamiaje de sintetizadores y demás efectos cibernéticos. El
cierre del álbum llega de la mano de ‘Isorropia’, una pieza ostensiblemente aventurera que se orienta por un camino híbrido de RIO deconstructivo, space-rock y sinfonismo. La garra imponente de los guitarreos permite a la pieza retener una generosa dosis de musculatura a través de sus traviesos juegos deconstructivos. La conexión final entre un solo de batería que parece surgir <i>ex nihilo</i> y una coda de talante cinematográfico refuerza la lógica dispresa promovida en este viaje conclusivo del grupo. “Polemosophy” es, como balance final, un disco bastante interesante que confirma al ensamble ucraniano LA HORSA BIANCA como una fuerza musical relevante para la preservación del ideal del rock progresivo en este año 2024 que recién ha comenzado. Bastante recomendable para cualquier buena fonoteca que pretenda mantenerse actualizada con las propuestas más osadas de hoy en día.<br /></span></span><span lang="ES"><o:p><span style="font-family: georgia;"> <br /></span></o:p></span><span lang="ES"><o:p><span style="font-family: georgia;"> <br /></span></o:p></span><span lang="ES"><span style="font-family: georgia;">Muestras de “Polemosophy”.-</span></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span lang="ES"><span style="font-family: georgia;">Diaschisis; </span></span><span style="font-family: georgia;"><a href="https://lahorsabianca.bandcamp.com/track/diaschisis">https://lahorsabianca.bandcamp.com/track/diaschisis</a> </span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span lang="ES"><span style="font-family: georgia;">Polemosophy II: <span style="line-height: 107%;"><a href="https://lahorsabianca.bandcamp.com/track/polemosophy-ii">https://lahorsabianca.bandcamp.com/track/polemosophy-ii</a></span></span></span></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span lang="ES" style="font-family: georgia;">Polemosophy III: </span><a href="https://lahorsabianca.bandcamp.com/track/polemosophy-iii" style="font-family: georgia;">https://lahorsabianca.bandcamp.com/track/polemosophy-iii</a></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0cm; text-align: left;"><span lang="ES"><br /></span></div>
César Inca Mendoza Loyolahttp://www.blogger.com/profile/13300265502090644686noreply@blogger.com0