Autopoietican - Apuntes de Musica Progresiva Contemporanea

KAYO DOT vuelve a afilar su cuchillo vanguardista musical

2012-01-26T09:35:00.002-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

A inicios de 2012, KAYO DOT vuelve a la carga, y como siempre, lo hace con todo, tal como lo muestra este EP “Gamma Knife”, ítem que traemos ahora a colación. ¿Cómo se desenvuelve la propuesta vanguardista que viene ofreciendo Toby Driver con sus secuaces habituales Mia Matsumiya, Terran Olson y otros? Pues, como es de esperar, un impulso auto-renovador desde las líneas de trabajo fehacientemente exploradas en “Blue Lambency Downward” y “Coyote” (además del “Part The Second” de MAUDLIN OF THE WELL). Dicha auto-renovación consiste en focalizarse en los aires de tensión parcialmente contenida y densidad emocional, vertidos tanto en “Blue Lambency” como en el EP “Stained Glass” (de fines de 2009), y llevarlo a un nivel más explosivo de expresividad, desafiando incluso varias reglas habituales de la estructura musical de manera frontal. El cuerpo central de esta obra está situado en una
dimensión agresiva que no se escuchaba en la banda desde los tiempos de “Dowsing Anemone With Copper Tongue”. La base del nuevo material fue grabada en vivo en una actuación realizada en octubre de 2011 en Littlefield (Brooklyn, Nueva York): las posteriores labores de mezcla y masterización se extendieron hasta diciembre, y ahora en enero de 2012 el disco ya está disponible para ser escuchado en Bandcamp - http://kayodot.bandcamp.com/. La formación que grabó “Gamma Knife” fue: Toby Driver (bajo, guitarra, canto y teclados), Terran Olson (saxo alto), Daniel Means (saxo alto), Keith Abrams (batería), Mia Matsumiya (violín), Tim Byrnes (campanas de mellotrón y dirección del público), Ron Varod (dirección del público) y David
Bodie (percusión adicional).

‘Lethe’ abre el álbum con un letárgico llamado de campanas, prontamente acompañado por una ceremoniosa capa multicolor de violín y maderas, lo cual sirve para abrir paso al canto solemne de Driver, el cual emula una cantata religiosa. Terminado este momento de boato místico, irrumpe ‘Rite Of Goetic Evocation’ con una furia contundente y robusta, marcada en su base por disonantes riffs guitarreros y growl, sostenida por una dupla rítmica que se mueve fluidamente por cadencias jazz-rockeras, y ornamentada con anarquistas efluvios de los cientos y el violín. Es casi como un retorno a ciertos parámetros de inquietud rockera que se habían plasmado en el álbum debut “Choirs Of The Eye”, pero reciclándolos a través de una impetuosa maquinaria posmoderna de free-jazz. El caos se siente, en primera instancia, arrollador y desbocado, pero una escucha más atenta revela el amplio nivel de control sónico que tiene lugar: esto es deconstrucción en su más pura expresión. En el último minuto, el ensamble pasa a jugar con estructuras más explícitamente amalgamadas, dejando así paso a la emergencia de ‘Mirror Water, Lightning Night’, pieza que está a cargo de reforzar la incendiaria confluencia de post-metal y jazz vanguardista que dio réditos tan intensos en el tema precedente: de hecho, se puede decir que ‘Mirror Water, Lightning Night’ instaura un cénit épico dentro del disco. El momentum instaurado hasta aquí es capitalizado y repotenciado por ‘Ocellated God’, pieza que desarrolla una neurótica reconstrucción del frenesí tanáticamente deconstructivo del segundo tema: esto significa un nuevo cénit musical, uno donde los fantasmas de la angustia y la furia se revelan sin máscaras ni tapujos a contrapelo de la magnífica arquitectura grisáceamente destellante de ‘Mirror Water, Lightning Night’. Una vez pasada la oscura pesadilla danzarina de los espectros más alucinados del alma, la pieza homónima ocupa los últimos 6 ¾ minutos del disco con la misión de remontarnos a la melancolía contemplativa que había signado la primera canción ‘Lethe’, solo que esta vez con un ropaje instrumental más parco, más espartano, centrado en suaves diálogos jazzeados entre el piano y la guitarra, mientras que el canto de Driver pasa de susurrantemente reflexiva a juguetonamente sarcástica. El aura minimalista en juego sirve para cerrar el disco con un tenor mágicamente introspectivo.

Esto fue “Gamma Knife”, un EP que muestra por enésima vez lo importante que es la preservación del espíritu experimental de Toby Driver y sus socios de viaje a la hora de generar aportes interesantes para la vanguardia estadounidense actual. Desde esta densa bruma emocional, ¡se vislumbra que hay KAYO DOT para rato!

Muestras de “Gamma Knife”.-
Lethe: http://kayodot.bandcamp.com/track/lethe
Ocellated God: http://kayodot.bandcamp.com/track/ocellated-god

Las visiones tanáticas y sonidos exultantes de ARTERIA: R.I.O. mexicano

2012-01-22T09:45:00.007-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es ocasión de hablar de ARTERIA, un ensamble mexicano de tendencia RIO, de formación reciente y comandado por una figura veterana de la vanguardia progresiva mexicana: Juan Carlos Ruiz, vientista de bandas tan heroicas como NAZCA y CULTO SIN NOMBRE. Como fagotista y compositor de ARTERIA, se instala como la columna vertebral de esta agrupación. Pero también hay otro genial veterano en la banda, el baterista Víctor Baldovinos, cuyo CV incluye estancias en ICONOCLASTA, MUROS DE AGUA y GOVEA, entre otras actividades musicales. El bloque grupal de ARTERIA se completa con Adolfo Zaragoza Cerecero (guitarra) y Mari Carmen Graue (violonchelo eléctrico). Se añade la colaboración de Tizok (miembro de EREHÍA) a la programación y la percusión electrónica. Más allá de las diferencias regionales, los integrantes de ARTERIA tienen cada uno por su lado diversas experiencias en orquestas sinfónicas, proyectos de cámara vanguardista y rock progresivo, por lo que la solvencia técnica y conceptual está garantizada. El ideario musical grupo ahonda su línea de trabajo en el corazón más puramente sombrío del R.I.O. francófono de primera generación (UNIVERS ZERO, ART ZOYD, PRESENT, SHUB-NIGGURATH) sin dejar de lado el propio legado particular de la vanguardia compatriota (NAZCA, CULTO SIN NOMBRE) – su obra debut “Cuatro Visiones”, editada de forma independiente, encarna una manera magistral de investigar en este tipo de vías exigentemente experimentales en los confines más radicales del lenguaje rockero.

Con ‘La Sentencia’ se da inicio al disco, abriéndose ampliamente campo a caminos sónicos marcados por una oscuridad vigorosa que hace de la nocturnidad una fuente de energía tan angustiosa como inapelable. La esencia sonora se sitúa a medio camino entre PRESENT y el HENRY COW de “Western Culture”. Acto seguido, la secuencia de ‘Fragmentos Cortados’ y ‘Lo Inexistente’ ahonda en la oscuridad con una ceremoniosidad tétrica que crea una niebla diseñada para envolver al cosmos y hundirlo en el inframundo, algo muy fiel al estándar de UNIVERS ZERO. ‘Fragmentos Cortados’ se basa en una alternancia de cadencias marciales de tenor mortuorio con otras más ágiles, mientras que ‘Lo Inexistente’ patentemente pone un acento prioritario en lánguidos climas funerarios. La pieza homónima llega en cuarto lugar, ofreciéndonos 7 minutos y medio de nuevas vicisitudes sonoras que se bifurcan continuamente por los senderos de oscura tensión que el grupo ya ha demostrado manejar con impoluta maestría. El vigor arrollador que se impone fehacientemente desde las primeras notas abre paso a un manejo sofisticado de ambientes peligrosos y atmósferas inciertas, permitiendo que el fagot se instaure como elemento unificador de los demás instrumentos. Para la extensa letanía final, las incandescentes líneas del cello eléctrico asumen un rotundo protagonismo expandiéndose sobre las pulsaciones rítmicas que atormentadamente definen el bloque instrumental. Esto nos remite al legado de PRESENT. ‘Partes En Una Botella’ exhibe un aura dadaísta y medio juguetón a la hora de reciclar la herencia de perturbación y densidad de las cuatro piezas anteriores, manteniendo la expresividad en un conveniente nivel de autocontención durante la mayor parte del tiempo. La sección final sirve para que la banda explore una retorcida luminosidad expansiva, culminando en una explosión densa y absorbente.

‘Marcha Fúnebre’ encarna a la perfección el temor y el temblor de la conciencia ante el prospecto de sufrir un daño tan grande como inasible: primeramente lo hace sobre un triste y grisáceo compás marcial, ciertamente fúnebre, y luego vira hacia un clímax explosivamente tétrico. Esta inquietud oscura y aterradora es magistralmente perpetuada en ‘Lo Que No Está Muerto’ durante los casi 2 minutos y medio que dura su obertura; a partir de ahí, el tema deriva hacia una
expansión de motivos grisáceos que portan diferentes niveles de agilidad. Esta expresión de intensidad visceral es recapitalizada y articulada por ‘Mi Pulso’, la pieza más explícitamente rockera del álbum: el motor vitalista plasmado por la guitarra y la batería opera como una efectiva estrategia arquitectónica para la instrumentación global. ‘El Hijo De Bernardo’ se proyecta también hacia ambientaciones ágiles, siempre fieles a los moldes de UNIVERS ZERO y ART ZOYD: se destaca aquí un extenso solo de guitarra que dignifica infinitamente la contundencia esencial del instrumento. Finalmente, ‘Un Lamento Y Dos Danzas’ completa el concepto estético del disco: esta pieza hereda mucho de la solemnidad que marcó antes a ‘Marcha Fúnebre’ y ‘Partes En Una Botella’, empezando con un tenor seco y luego pasando a una dimensión un poco más etérea. El clímax sostenidamente creciente que se arma antes del pasaje final cuenta en el cello como su elementos crucial.

Así pues, tenemos que hacer un balance general muy positivo sobre ARTERIA y su disco “Cuatro Visiones”: este proyecto es una plena realidad de torturada grandeza donde confluyen lo tanático y lo exultante, proyectando así unas osadas vías de investigación sonora dentro de la vanguardia progresiva practicada actualmente en México.

Muestra de “Cuatro Visiones”.-
Fragmentos Cortados: http://www.youtube.com/watch?v=BxwKR8MAF4c
Cuatro Visiones: http://www.youtube.com/watch?v=mXc5a-oIRDY

(Dedico esta reseña a Juan Carlos y a René con enorme gratitud y genuino afecto)

THE EARTH EXPLORER y sus grandiosas expresiones prog-sinfónicas

2012-01-19T08:18:00.001-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Comenzamos muy bien el año progresivo 2012 con la banda japonesa THE EARTH EXPLORER, dedicada a esto de revitalizar la vertiente sinfónica del progresivo vivo de nuestros tiempos.
Formado en 2005 bajo el nombre de EUROPE EXPRESS, no se dedicó a cultivar un kraut electrónico a lo KRAFTWERK como podría pensarse en un primer instante, sino a hacer covers de PFM y AREA, entre otras bandas de la tradición progresiva europea. Cuando el grupo empezó a crear su propio material, se focalizó en la vertiente sinfónica del género, aunque sin cerrarse a la riqueza sónica que puede proveer alguna ocasional incorporación de cadencias jazzeras: el resultado que se generó fue una sonoridad muy rica y vitalista. Habiendo grabado un homónimo disco debut generalmente ignorado en 2009, ahora a inicios de 2012 es hora de prestarle atención con su segundo lanzamiento “Trans Europe Expression”. El título de este segundo disco es alusivo a la prehistoria de la banda, conformada por Kenji Imai (flauta), Ryuji Yonekura (teclados), Takayuki Asada (batería), Yukio Iigahama (bajo) y Katsumi Yoneda (guitarras). Pasamos a reseñar el disco de inmediato.

El disco abre con ‘Stromboli’, un tema muy tirado hacia las líneas de PFM y CAMEL, conjugando el colorido prístino de las estructuras melódicas con la vivacidad bien manejada de la estructura rítmica en 7/8. La flauta se siente solventemente asentada en su locación preferencial dentro del bloque instrumental, lo cual no impide que la guitarra asuma a veces un rol protagónico en algunos momentos estratégicos. El aura extrovertida de este tema de entrada halla su complemento con la espiritualidad reflexiva que se impone en el segundo, ‘Rhodanus (River To The Ocean)’: la pieza de por sí no es lánguida, pues contiene varios pasajes cargados de fuerza expresiva, y de hecho, la guitarra dispone de una presencia más crucial, pero es evidente que el tenor de los motivos centrales es meditativo. El estilo esencial se mantiene intocable, apelando frontalmente a un lirismo conmovedor que ya practicaron antaño otras bandas japonesas como MR. SIRIUS, PAGEANT y MUGEN: el pasaje final de piano y flauta parece prácticamente un tributo a esos antecedentes. ‘Intersection’, el tercer tema, ahonda en los matices más extrovertidos de la banda, haciendo que el colorido ya manifiesto anteriormente en ‘Stromboli’ llegue a niveles más entusiastas, incluso valiéndose de cadencias jazz-rockeras en la base rítmica, con lo cual se logra un sólido hermanamiento de sinfonismo y jazz-prog, nada distante del estándar de los heroicos veteranos de KENSO (etapa de los discos “II” y “III”). Cabe notar la
breve presencia de tarareos femeninos en uno de los pasajes intermedios. ‘Flying Roses’ puede muy bien describirse como una mirada sintética de todo lo que ha venido sucediendo en el disco hasta ahora: comienza con un motivo medidamente melancólico en 5/4, luego pasa a una sección pastoral naturalmente liderada por los dibujos y florituras de la flauta, y posteriormente se
complace en explorar, una vez más, aureolas de expresividad extrovertida. La pieza se remata perfectamente con una exhibición de calidez al más puro estilo Cameliano con algunos ribetes Focusianos: es en este sentido que el grupo establece confluencias con otras bandas sinfónicas de reciente activación como CICCADA y SANHEDRIN. ‘Gordes’, el tema más largo del disco con sus 11 minutos y medio de duración, comienza con un preludio que ostenta una actitud solemne y
ceremoniosa sostenida principalmente por las bases del piano, mientras que la flauta y la guitarra van organizando sus propios espacios dentro de la arquitectura sónica en curso. Mientras avanza la instauración del ambicioso cuerpo central, la vibración ceremoniosa va en aumento, pasando a niveles épicos inspirados en UK y YES. Los últimos 6 minutos del álbum están ocupados por ‘Endeavour’, pieza que se pone a cargo de mantener el momentum de
ceremoniosa fastuosidad. Incorporando algo de vigor en algunos pasajes intermedios, la pieza garantiza algo de necesaria energía en medio de la solemnidad reinante, logrando así completar un auténtico broche de oro para el álbum.

“Trans Europe Expression” es un disco realmente fabuloso, un ejemplo de cómo los viejos estándares del prog sinfónico todavía pueden confiar su nostálgica supervivencia a las manos y
mentes de músicos adueñados de tremendas dosis de creatividad compositiva y energía. THE EARTH EXPLORER (TEE para los amigos) es una banda a descubrir, una tarea pendiente e ineludible para los acérrimos e irreductibles amantes del género progresivo.

Muestra de “Trans Europe Expression”.-
Stromboli: http://www.youtube.com/watch?v=WOxmoANGBEM

El frenesí contundente de NOXIOUS FOXES y su segundo álbum "Légs"

2012-01-16T08:01:00.005-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy traemos a colación a un power-dúo formado en Brooklyn en 2009 por Richard Levengood y Justin Talbott: su nombre es NOXIOUS FOXES y nos ofrece en los últimos meses de 2011 una de las muestras más electrizantes de aventura math-rockera que han llamado la atención dentro del underground experimental estadounidense – su segundo álbum “Légs”. Al igual que HELLA y GIRAFFES? GIRAFFES! (últimamente, también AHLECHAUTISTAS), este grupo está abocado, desde su formato de power-dúo, a la germinación y creación de extravagancias celebratorias e intensidades lúdicas dentro de un enfoque dadaísta y deconstructivo del lenguaje rockero de nuestros días. El grupo confía plenamente en la espontaneidad de su conjunta combustión creativa a la hora de canalizar y encauzar su misión musical. De hecho, su disco debut “Lovestorm” tuvo un veloz proceso de gestación, y en medio de sus varias actuaciones en los dos últimos años, la banda ha gozado de un pronto nuevo periodo de creatividad para su segundo disco, el cual pasamos a reseñar ahora.

‘Wherever Hugo, Guido’ da inicio al disco con una confluencia de batería tribal y guitarreos surf-psicodélicos, asentando así un ambiente simultáneamente jovial y tenso; los ornamentos sucesivos en el desarrollo de los motivos posteriores y en los quiebres rítmicos de cada momento sirven para que el grupo ostente una dinámica poderosa, muy emparentada con las de DON
CABALLERO y HELLA. ‘Goin’ Rogue’ sigue a continuación para empezar aparentemente con una ambientación más contenida… pero no, lo que hace NOXIOUS FOXES aquí es capitalizar la vitalidad heredada del tema de entrada para reordenarla bajo una estructura rítmica más sofisticada, con un vigor menos patente pero igualmente contundente a su manera. 'Bowflexcellent' sí guarda un vínculo al primer tema del álbum, aunque el mismo no es absoluto:
aquí notamos unos aires relajadamente bizarros a lo FOREVER EINSTEIN a través de los vuelos instrumentales de turno. La propuesta de 'Illegal Beagle' se enfila hacia un extravagante
mecanicismo neurótico, lo cual significa que el dúo se pone a afilar los bordes más candentes del estándar math-rockero; tras eso, ‘Doth Shalt Noth’ expone un encuadre explícitamente arquitectónico al vigor rockero ya firmemente asentado, apelando adicionalmente a ciertos elementos de swing jazz-rockero en el esquema rítmico, intrincado y tremendamente ágil a la vez. ‘Honeymoon Express’ alterna coquetos motivos de tenor eminentemente lúdico y relajado con otros más densamente complejos, dando prioridad a los primeros: las capas cósmicas que
emergen hacia el final establecen un lirismo extraño como remate inesperado. Así las cosas, 'A Real Leonardo Di Caprio Shit' se hace cargo de reinstaurar la dinámica bizarra que ya se había hecho crucialmente patente en la secuencia de los tres primeros temas del álbum. Los últimos 10 minutos del álbum están a cargo sucesivamente de ‘Lunge Array’ y ‘Heavenly Spectacular’: el primero de estos temas se aventura por realizar una aguerrida exploración por las facetas más
caóticas del estándar math-rockero (en afinidad con GIRAFFES? GIRAFFES!), mientras que el segundo cierra el álbum con una sana confluencia entre a vitalidad lúdica de ‘Honeymoon Express’ y la polenta compleja de 'Wherever Hugo, Guido' lo cual implica anudar un oportuno lazo a la integralidad musical encapsulada en “Légs”.

En fin, tenemos en este segundo disco de NOXIOUS FOXES un indicio claro y determinante de la permanente creatividad que tiene lugar en el escenario actual de la vertiente math-rockera. Hay que seguir la pista a este power-dúo, sin duda alguna.

Muestras de “Légs”.-
Wherever Hugo, Guido: http://noxiousfoxes.bandcamp.com/track/wherever-hugo-guido
Bowflexcellent: http://noxiousfoxes.bandcamp.com/track/bowflexcellent
Lunge Array: http://noxiousfoxes.bandcamp.com/track/lunge-array

KAISER - GUNN - ÅGREN, un trío de armas tomar

2012-01-13T10:37:00.002-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el turno de HENRY KAISER, TREY GUNN y MORGAN ÅGREN, tres colosos veteranos de la vanguardia y la música progresiva que se juntaron el año pasado para grabar un álbum en base a una serie de improvisaciones que se registraron en una ocasión única donde todos coincidentemente disponían de tiempo libre y tuvieron la ocurrencia de perpetrar una aventura conjunta. Algo tan casual como esto puede ser el revulsivo de música importante, tal como lo demuestra el resultado: “Invisible Rays”, un abundante catálogo de música arriesgada que salió a la venta pública en noviembre de 2011. Y todo comenzó en marzo de 2011, en el contexto de la convención artístico-pedagógica IB Expo 2011, organizada por la gente de ISILDUR’S BANE, en la localidad sueca de Varberg. Justamente durante el último día del evento, los maestros ÅGREN,KAISER y GUNN se dieron cuenta de que contaban con un par de horas de tiempo libre, y simplemente se encerraron en el estudio Red Room (cuartel general de ISILDUR’S BANE),
siendo así que KAISER asumió el rol de “más o menos líder” de este improvisado trío. De hecho, él miso se llevó posteriormente las pistas grabadas a su estudio de Oakland para mezclarlas y organizarlas en un repertorio reconocible. En subsiguientes comunicaciones, los tres músicos expresaron su total complacencia con el resultado obtenido, y así pues, se dio luz verde a la
publicación de un nuevo ítem de música experimental contemporánea, una nueva joya para el disfrute de los perpetuos fans del rock progresivo de avanzada. La articulación instrumental de este proyecto se llevó a cabo de la siguiente manera: KAISER - guitarras, mandola y guitarra barítono; GUNN - guitarras touch, bajos touch y guitarra barítono; ÅGREN - batería y percusión.

El disco comienza con la pieza homónima, una maratón monstruosamente magnífica que supera los 22 minutos de duración. El despliegue de fortaleza y vibraciones electrizantes es patentemente vitalista, nunca decayendo en su contundencia: la labor de KAISER a la hora de establecer sólidos fundamentos jazz-rockeros a las diversas cadencias en curso es inapelablemente robusta, mientras que las ideas neuróticamente arrolladoras que brotan de la guitarra de Kaiser nos remiten sucesivamente a estándares Frippianos, Holdsworthianos, McLaughlianos y Frithianos. Por su parte, GUNN guarda una disciplina oportunamente comedida a fin de aportar un ancla a las travesías alucinadas en las que se embarcan sus dos compañeros. Al bordear la barrera del décimo minuto, el trío desarrolla un pasaje muy a lo PROJEKCT III, eso es, expansión de sonoridades a lo Frippertronics bajo una armazón de free-jazz empapada de aromas psicodélicos. Poco antes de la barrera de minuto 14, el asunto vira hacia un breve interludio abstracto que en realidad opera como puente hacia un motivo de corte RIO guitarrero contemporáneo (semejante a lo hecho por COSA BRAVA, PAK y las aventuras de rock experimental de JOHN ZORN). Este motivo conduce sostenidamente a la sección final, el cual reinstaura con ciertas modificaciones uno de los primeros riffs que tuvieron lugar en la pieza: el momentum y el gancho se completan contundentemente. Cuando emerge ‘The Magic
Ring Of Invisibility’, se instala una atmósfera un poco más relajada, al modo de una versión fusionesca de BOZZIO LEVIN STEVENS, o mejor dicho, un híbrido entre el aspecto jazzero de BLS y el espíritu general de la obra maestra de GUNN “The Joy Of Molybdene”. ‘Where Is Juan?’ ahonda en la cuestión jazzera para instalar un cálido ejercicio de relajado free-jazz donde lo introspectivo adquiere un aire bizarro (que no exultante). ‘The Secret Handshake With Danger’
es frontal y llanamente un exhibición de deconstrucción químicamente pura: aquí no interesa tanto la interacción sino la cohabitación de tres voluntades encerradas en sus propias ocurrencias del momento, con un ÅGREN afanosamente concentrado en ejercicios percusivos mientras que KAISER desarrolla escalas raras en su guitarra touch y GUNN juega con variados efectos cósmicos.

El sarcásticamente titulado ‘Greatest Hits’ es una irrupción de vigor caótico que solventemente sirve como puente entre el surrealismo de ‘The Secret Handshake With Danger’ y la fusión psicodélica de ‘The Last Guru’, plagado de las dosis habituales de modismos Crimsonianos. ‘Take
A Bath With Lenin’ es un nuevo ejercicio de tenso caos liderado por los densamente complejos fraseos a la guitarra de KAISER, un ejercicio no muy largo que sirve para crear un momento de alucinada intensidad antes de que ‘Ghost Red Wires’ brinde una aureola de serenidad, sutilmente envuelta bajo un suave manto de misterio: en el minuto final, el ensamble aumenta la polenta de forma gradual pero decidida, preparando así el camino para que, acto seguido, ‘Invisibility
Clause’ nos ofrezca un cuadro sonoro de colorida extroversión dentro de las coherentemente sostenidas pautas experimentales a las que está comprometido el trío. Con menos de 20 segundos de descoyuntadas sonoridades abstractas, ‘Understudy To The Stars’ abre la puerta a la última pieza del álbum - ‘An Unusually Nice Hotel’. Ocupando un espacio de más de 12 minutos y medio, esta pieza se arma sobre un jam desde el cual se desarrolla un crescendo que asciende desde los rincones de una engañosa calma contemplativa hacia una densidad emocional cuyo
fuego vital flamea contenido. En cierta medida, esta pieza conclusiva recapitula los espíritus de ‘The Magic Ring Of Invisibility’ y ‘Where Is Juan?’, destacando ciertas hibridizaciones de ZAPPA y FRITH en los guitarreos – un broche preciso y dorado.

En conclusión, “Invisible Rays” es una obra sublime donde los músicos partícipes dan total cuenta de por qué son figuras tremendamente importantes dentro de las vanguardias rockera y jazzera de los últimos decenios: los Sres. ÅGREN, KAISER y GUNN han logrado congeniar a todo nivel en cuanto a creatividad, performance y magia, y lógicamente, este resultado fonográfico concreto no puede sino catalogarse como genial, una genialidad pura y dura. Este disco se siente en casa teniendo como vecinos a los discos de BOZZIO LEVIN STEVENS, GORDIAN KNOT, los solistas de TREY GUNN, NAKED CITY, los PROJEKCTS I y IV, FRIPP-RIEFLIN-GUNN, KTU, LEVIN-TORN-WHITE y el proyecto Polytown de BOZZIO, KARN y TORN. ¡Aventura y magia en un único bloque sónico magnético!

Muestras de “Invisible Rays”.-
Invisible Rays: http://treygunn.bandcamp.com/track/invisible-rays-2
Ghost Red Wires: http://www.youtube.com/watch?v=6tMjzGxtoy8

Q - abducción mental a través de la música progresiva

2012-01-10T19:50:00.001-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Q es el nombre de un proyecto de rock sinfónico creado y liderado por el teclista chileno Nicolás Quinteros, y es de este proyecto que nos toca hablar hoy. Nicolás Quinteros, nacido en 1984, es un pianista de formación académica que trabaja como profesor (tanto a nivel particular como en la Universidad UNIACC), y de paso, tiene también a sus espaldas una amplia trayectoria como
músico de rock: por ejemplo, es fundador del grupo de prog-metal DELTA. Tuvo la suerte de tener como mentor en su formación musical a Jaime Vivanco, uno de los pianistas más geniales que haya dado jamás la escena musical chilena, teniendo en su CV membresías en CONGRESO y FULANO. En fin, Quinteros también tiene una trayectoria solista en su CV, la cual se inició en 2005 con la grabación del álbum “Ecos Nocturnos”, que finalmente sería editado en 2008. Tres años más tarde nos ofreció el concept-album “Abducción” bajo el nombre de Q, contando como compañeros de viaje con Patricio Trujillo (guitarras eléctricas y electroacústica), Carlos Figueroa (batería) y Marcos Sánchez (bajo) – pasamos acto seguido a reseñar este disco.

La pieza homónima es un breve prólogo cósmico a ‘Odisea 78’, pieza que irrumpe para iniciar realmente las cosas a punta de vitalidad y colorido. La amalgama entre el swing propio de los riffs básicos de guitarra y las florituras del teclado establecen una ambientación oportuna para sacar a colación los modismos estilizados propios del género sinfónico dentro de un esquema robusto que se instala abiertamente en el prog-metal de vieja escuela 90era. Un breve momento
de reposo que tiene lugar alrededor de la barrera de los 4’45” da pie a que el ensamble reconstruya gradualmente el camino del motivo central a fin de darle un marcado protagonismo a la guitarra para la segunda ocasión. ‘Por La Buena Onda’ sigue a continuación para mantener el momentum extrovertido y virar las cosas hacia una plataforma Emersoniana, dinámica alimentada de vibraciones retro-prog cargadas de contagiosa polenta, afín a lo hecho por bandas como ENTRANCE y GERARD. ‘Gris Denso’ ofrece un medio tiempo marcado por un contundente swing jazz-rockero que atraviesa una sonoridad armada con patrones prog-metaleros: influencia de PLANET X, sin duda. La presencia de un interludio espacial y la de una sección ceremoniosamente lenta ayuda a explotar el boato progresivo del momento. La ocasión de ‘A Través De Mi Ventana’ es una de relax emocional: se trata de una power-ballad a lo LTE donde la guitarra ocupa el lugar protagónico, explayándose en fraseos contundentes en base a la sencilla progresión armónica trazada por el teclado en el fondo. ‘Mi Cráneo’ se catapulta a partir de este viaje melancólico para añadirle mayor músculo a la ocasión: de hecho, se le puede describir como una extensión autónoma del espíritu de ‘A Través De Mi Ventana’ donde los músicos establecen ciertos nexos con el swing de ‘Gris Denso’ y el colorido progresivo de unos KARMACANIC-con-LTE.

Los últimos 18 minutos del álbum están ocupados por el opus ‘Suite De La Tormenta’. La primera sección de la suite, a la sazón, ‘La Invasión De Las Nubes’, establece un ambiente meditativo, por vía de un desarrollo temático solemne guiado sobre un compás lento. ‘Tormenta’ vira hacia un dinamismo más tormentoso, vitalista, agilizando el esquema rítmico y apelando a vibraciones típicamente prog-metaleras que se inmiscuyen fluida y filudamente en medio del
esquema sinfónico que sigue siendo, en cierto modo, imperante. La última sección, ‘Calma Y Luz’, regresa a la dimensión meditativa inicial, reforzándola con un boato arrollador donde Quinteros deja salir su “WAKEMAN privado”. Culmina así un viaje musical estupendo, repleto de energía y clase: “Abducción” es un disco a recomendar fehacientemente a los amantes del sinfonismo estándar, el prog-metal y el retro-prog por igual. Nicolás Quinteros logra establecer su valía como creador progresivo a través de este proyecto Q.

Muestra de “Abducción”.-
Odisea 78: http://grooveshark.com/#!/s/Odisea+78/3W5Bu2?src=5

La segunda progresión de FACTOR BURZACO

2012-01-08T10:47:00.004-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy traemos a colación a ensamble de rock-in-opposition argentino FACTOR BURZACO, que tras un estupendo disco debut editado en 2007, nos trajo el año pasado su segundo disco, titulado precisamente “II”. En esta obra se abren vías más sofisticadas de ahondamiento y robustecimiento de la ideología experimental que siempre ha sido el leitmotiv de Abel Gilbert, el compositor y director artístico de FACTOR BURZACO. Una cosa que se puede notar desde una primera escucha en este disco, comparándolo con el homónimo disco debut, es que porta un bloque sonoro más oscuro y denso, lo cual conlleva una suerte de distanciamiento frente al tono más pronunciadamente rockero que se utilizó en el material anterior. De hecho, se mantiene de forma consistente un apego osado a los rincones más abstractos de los estándares del RIO. Gilbert se hace acompañar de una inmensa pléyade itinerante de colaboradores a las guitarras, los metales y maderas, el canto, la batería y las percusiones, el bajo, el acordeón y los procesos electrónicos (a cargo estos últimos de Mauro Zannoli).

‘Beginning’ comienza como un preludio a una especie de ritual onírico, marcado por evocaciones dadaístas y un ensamble coral-instrumental alevosamente abstracto, abriendo así paso al desparpajo ágil de ‘Progressions’, el cual suena a una especie de ART BEARS traducido al ritmo funky bajo la lógica de AKSAK MABOUL. El canto de Carolina Restuccia impone su personalidad histriónica con elegancia y soltura absolutas, mientras que los adornos de vibráfono y los fraseos de la guitarra se erigen como los ítems más destacados del bloque instrumental. ‘What’ instaura un puente de sonoridades etéreas inquietantes, similares a un exorcismo: la yuxtaposición de canto femenino y saxo produce una imagen sonora de algo flotando en el aire, inasible, potencial causante de eventos inesperados. El exorcismo continúa con ‘In Memorian’ (cuyo inicio está
marcado por el recurrente mantra “toda dirección es un embuste”), pero esta vez hay un desarrollo más ambicioso del esquema compositivo en curso: ahora el asunto está más conectado con el legado del ART ZOYD de los primeros cuatro álbumes, con inocultables matices de RIO más moderno al estilo de 5UU’s y THINKING PLAGUE. Toda la secuencia de deconstrucciones y exabruptos surrealistas ostenta una arquitectura tan osada como refinada. A continuación sigue la triple secuencia del concepto ‘Guantanabu’, siendo así que la Parte 1 es la más extensa: durando poco más de 7 minutos, la Parte 1 prosigue con la ceremoniosa sordidez, alimentada de espíritu juguetón y amor a la oscuridad, que tan fuerte rol tuvo en el imaginario del primer ART ZOYD y el HENRY COW de “In Praise Of Learning”. La Parte 2 es un breve ejercicio de abstracción pura y dura a través de minimalistas capas electrónicas que sirve de base para la emergencia de la Parte 3; esta última retoma algo del humor inquietante y sarcástico de la Parte
1 con una actitud más “seca”, lo cual conviene a la estrictamente articulada cadencia rítmica sobre el que el ensamble se explaya de forma espartana. ‘Straviko’ hila una secuencia de varios motivos signada por el misterio y la sorpresa, dando amplio espacio a pasajes minimalistas y culminando con una coda amena y extrovertida, la cual nos remite una vez más a ART BEARS. Durando medio minuto, ‘Before The End’ opera como prólogo dadaísta a ‘Mereditika’, la última
canción del álbum: esta canción se encuadra dentro de un dramatismo aparentemente distante, pero bajo esa apariencia late una especie de desencanto que también se manifiesta en la lánguida instrumentación que se arma en el trasfondo, solo interrumpida por unos breves instantes de lúgubre intensidad. Los últimos golpes de tambor son contundentes, decisivos, como puertas que
enérgicamente se cierran para nunca más volverse a abrir.

Tal como señalamos en el párrafo inicial, FACTOR BURZACO ha dado un gran salto adelante en su proyección vanguardista con “II”: este segundo paso deberá resultar fundamental para ubicar a este proyecto dirigido por Abel Gilbert en un sitial de iluminación y explosividad dentro de la escena experimental argentina.

Muestra de “II”.-
In Memorian: http://www.myspace.com/factorburzaco/music/songs/inmemorian-79971458
Guantanabu 3: http://www.youtube.com/watch?v=Ectap129Bm8

POSEIDÓTICA y sus potentes crónicas rockeras

2012-01-06T08:06:00.004-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión nos referimos a POSEIDÓTICA, banda argentina que publicó su tercer trabajo
fonográfico en la segunda mitad de 2011, un EP titulado “Crónicas Del Futuro”. Esta obra se acerca más a la fortaleza frontal del disco debut (“Inframundo” - 2005) que a la vitalidad un poco más que se desarrolló en el segundo álbum (“En La Distancia” - 2008), pero en bloque se puede decir con 100% de certeza que la obra fonográfica que viene desarrollando este cuarteto instrumental bonaerense mantiene una perfecta coherencia y una impecable consistencia en la ingeniería psicodélica. Con un cambio en el rol del baterista y un empleo más concienzudo de los sonidos de teclados (a cargo del invitado Ernesto Romeo), POSEIDÓTICA está dispuesto a crear nuevos matices desde dentro de su propio esquema esencial. Sin duda, los guitarreos duales a cargo de Hernán Miceli y Santiago Rúa y la sólida labor del bajista Martín Hernández se conjugan con contundente solvencia, sosteniéndose vivazmente sobre la labor percusiva del mencionado Bertrand. ¿El único problema?: que se trata de un disco muy corto... pero en fin, así son las cosas y a los hechos tal como son habrá que remitirse.
Vayamos, pues, a los hechos específicos de este disco.

Los primeros 5 1/4 minutos del álbum están ocupados por ‘Elevación’, pieza cuyo preludio se instala en una clave electrónica (al más puro estilo del TANGERINE DREAM 74-77), para luego abrir paso a un cuerpo central sustentado en viscerales riffs stoner con generosos márgenes para ritmos y atmósferas space-rockeras. Tras este comienzo tan colorido e incendiario, ‘La Resistencia’ establece una opulenta masa de guitarreos psicodélicos sobre una frenética arquitectura rítmica que remite en algo al HAWKWIND clásico y en algo al GURU GURU de
“Hinten”: particularmente, me parece una pena que este tema no dure más de 3 minutos y medio, pues su gancho y su energía tienen potencialidades que ameritaban un mayor espacio de tiempo para exploraciones ulteriores…. Pero bueno… el álbum sigue adelante con la secuencia de ‘Otra Fuga Incierta’ y ‘Dimensión Vulcano’: el primero de estos temas porta un aura flotante, casi
ensoñadora, como una manifestación del éter, mientras que el segundo, fiel a su título, es toda una revelación de fuego volcánico a través de los colores y figuras del rock, una celebración de la contundencia y el vigor propios de las vertientes más crudas de la psicodelia. ‘Los Extraños’ trabaja matices un poco más diversos, adoptando ciertos elementos jazzeros a los desarrollos rítmicos en los pasajes iniciales y algunas cadencias lánguidamente post-rockeras en el interludio, pero atendiendo al cuerpo central de la composición en sí, ciertamente seguimos los oyentes bien adentrados en las forestas de musculatura que muy fielmente detallan el ideario esencial de POSEIDÓTICA. ‘Confines Del Caos’, a pesar de su sutilmente amenazador título, resulta más bien una pieza de ambientación meditativa, un tanto misteriosa en tono pero también portadora de una inocultable calidez: su sencilla instrumentación de rasgueos de guitarra acústica y tenues capas de sintetizador en el trasfondo es idónea para motivar una actitud reflexiva en vez de sigilo o inquietud. Inquietud sí encontramos en ‘Cyberpunk’: una vez más, no pensemos en el título del tema como alusivo a lo que Richard Pinhas designaba como el estilo musical de HELDON, sino más bien como un breve ejercicio de rock pesado de vieja usanza, un recurso para establecer un abierto contraste frente a la sencillez reflexiva de ‘Confines
Del Caos’. ‘Xantanax’, por su parte, se sitúa en una encrucijada entre la sofisticación de ‘Los Extraños’ y el frenesí incendiario de ‘Dimensión Vulcano’. Definitivamente, esta pieza tiene la misión de redondear los estándares más habituales del álbum. En fin, los últimos 100 segundos del álbum están ocupados por ‘Alunizar’, un epílogo que retoma la dimensión espacial kraut del prólogo de ‘Elevación’, como cerrando el círculo del repertorio.

Balance final: “Crónicas Del Futuro” expone el firme posicionamiento de POSEIDÓTICA como expresión relevante de la vanguardia rockera argentina de los últimos años. A pesar de su corta duración, este disco resulta un ítem revelador para lograr una amplia y válida apreciación de la experimentación en el rock argentino.

Muestras de “Crónicas Del Futuro”.-
Elevación: http://www.youtube.com/watch?v=3co7TPPf4S8
Los Extraños: http://www.youtube.com/watch?v=scEtN5QtqXw

Seamos bienvenidos al mundo post-rockero de KIRLIAN

2012-01-03T08:22:00.004-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el día de hablar de KIRLIAN, un ensamble argentino dedicado a cultivar el post-rock con la intención de insuflarle una vitalidad y un colorido especiales a partir de recursos space-rockeros y ambient que buscan aportar un aura sofisticada al asunto, así como algunas otras excursiones por matices indie allí donde el grupo busca aligerar la carga emocional que es inapelablemente inherente a sus composiciones. Fundado en 2005, sus componentes ya contaban con 10 años de experiencia en la escena rockera de su país, y ahora se ha plasmado su visión en el disco “Bienvenido A La Tierra”, editado en 2011. Se trata de su segundo registro
fonográfico, tras un EP homónimo que data de 2007. En palabras de sus propios miembros, KIRLIAN, como proyecto musical en sí, está inspirado por inquietudes existenciales, por lo que además de trabajar con sonidos, ellos “tienen el propósito de estimular la capacidad de conectarse con algo que presumen más allá de lo cotidiano, a modo de contrarrestar, interpretar y tomar conciencia respecto a la fugacidad coercitiva que padecemos en la época actual”. Tomando como referencia a esta descripción de la misión musical de la banda, podemos
decir que este disco refleja muy bien, a través de sus atmósferas cósmicas y las estrictamente balanceadas interacciones instrumentales, esas ideas de trascendencia espiritual y contemplación lúcida del entorno mundano. La alineación que grabó “Bienvenido A La Tierra” consiste en: Sergio Peña (guitarras), Luciano Pozueta (guitarras, voz), Rodrigo Álvarez (guitarra acústica, teclados, voz), Leonardo Brunengo (bajo) y Mariano Pedernera (batería). También intervienen ocasionales colaboradores al sintetizador, la guitarra y la armónica. Mención aparte merece la presentación física del CD, que incluye 4 tarjetas intercambiables para que el usuario de turno escoja una como portada específica. Su proyecto suele estar acompañado por tintes existenciales, por lo que, además de trabajar con sonidos, tienen el propósito de estimular la capacidad para conectarse con algo que presumen más allá de lo cotidiano, a modo de contrarrestar, interpretar y tomar conciencia respecto de la fugacidad cohercitiva que padecemos en la vida actual. Vayamos ahora al repertorio mismo

‘Puerta De Cristal’ abre el disco con una serenidad bastante cálida, con unas lentas secuencias de acordes de guitarra que se complacen en flotar a través de una aureola de emotividad relajada. En el pasaje final, la cadencia rítmica se intensifica para remodelar la atmósfera predominante de una manera más exultante, lo cual es muy conveniente a la hora de preparar el terreno para el siguiente tema, ‘Huellas’, el cual explora una combinación de matices space-rockeros y estándares del indie-rock introspectivo dentro del fijo patrón post-rockero. ‘La Nave Es Nuestra’ y ‘Benicio’ conforman sendos viajes hacia atmósferas más intimistas, siendo así que el primero se
hace eco de la explícita luminosidad textural de las dos piezas precedentes, mientras que el segundo se instala en rincones más grisáceos, al modo de un MOGWAI remozado con el toque estilizado de unos RUSSIAN CIRCLES. ‘Otra Vez En El Desierto’ ofrece una decidida continuación de las atmósferas centrales de ‘Benicio’, aunque añadiendo una dosis extra de nervio en vistas de que el canto asume el rol de ofrecer un mensaje. ‘El Derrumbe De Una Diosa’ es un cósmico interludio minimalista que funda los cimientos para la densa ensoñación
desarrollada en la secuencia de ‘Batallón Anfibio’ y ‘Agustín Y Las Cartas De Blanca’: en el caso de ‘Batallón Anfibio’ tenemos sólida una exploración en el lado más ceremonioso de la actitud reflexiva (a lo EXPLOSIONS IN THE SKY), mientras que ‘Agustín’ se focaliza concienzudamente en la elaboración de flotantes atmósferas psicodélicas en torno a la minimalista secuencia repetitiva de acordes realizada por las guitarras duales. Así, cuando llega ‘Proyecciones’, la banda decide sacudirse un poco de la inquietante densidad en aras de una espiritualidad un poco más relajada, articulando una base recurrente cuya monótona sencillez estructural permite al grupo instaurar algunos momentos de muscularidad, especialmente durante los dos últimos minutos, sin desestabilizar una sola molécula de la bien instalada atmósfera de línea ambient. ‘Nuestra Última Danza’ es una cándida balada post-rockera que vuelve a conectar a la banda plenamente
con el estereotipo del indie-rock introspectivo, algo que también habremos de encontrar en ‘Bienvenido’, aunque en esta ocasión se alterna con atmósferas distantemente grisáceas basadas en una cadencia radicalmente minimalista (al modo de un CAN "domesticado"); la idea de ‘Bienvenido’ se redondea con la conclusión engarzada que brinda ‘Fuegos De Artificio’, pieza cuya etérea agilidad hace que al álbum termine con un aura optimista, una vez más, con un
notable componente ambient en los fondos de sintetizador.

“Bienvenido A La Tierra” es una estupenda gema post-rockera sudamericana, un amplio testimonio del rol que KIRLIAN tiene dentro de la amplia y diversa gama de iniciativas de rock
experimental que se han venido gestando en los últimos años al margen del mainstream musical argentino.

Muestras de “Bienvenido A La Tierra”.-
Puerta De Cristal: http://www.youtube.com/watch?v=zXqbWh7FmvA
Benicio: http://www.youtube.com/watch?v=jjmYxv1yYWo
Batallón Anfibio: http://sadness.bandcamp.com/track/batallon-anfibio-kirlian

LUZ DE RIADA o la experimentación musical como narrativa

2011-12-31T09:20:00.002-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el momento de traer a colación a LUZ DE RIADA, proyecto musical mexicano recién formado y que está integrado por gente veterana en la vanguardia de su país: uno de ellos es el
vientista Ramsés Luna, quien hasta hace poco formaba parte de CABEZAS DE CERA, y otro es Hugo Santos, bajista-stickista que ha formado parte de SAENA y ha colaborado en varios de los mejores discos que se han hecho desde la avanzada mexicana en los últimos 20 años. El grupo se completa con el guitarrista Alejandro Vergara y el baterista Hugo Fernández Chipa. El origen de LUZ DE RIADA se dio en junio de 2010 con la misión de “crear y narrar relatos sonoros”, y dicha misión ha quedado perfectamente plasmada en éste, su disco debut, “Cuentos Y Fábulas”. El empaque del disco es muy bonito: imita el formato de un libro empastado al modo antiguo. El librillo interior explica los contenidos de los cuentos y fábulas imposibles para los cuales se
articularon las piezas del álbum al modo de “extensiones sonoras” de relatos mayormente focalizados en las miserias desnudas u ocultas de la condición humana y los designios intangibles del destino. Debido a esta concepción de repaso de cuentos y fábulas, el repertorio sigue una ilación alternada de pasajes breves (como preludios o interludios) con otros temas de más extenso desarrollo. Vayamos al repertorio mismo.

‘El Pájaro Y El Elefante’ es un preludio de saxos y flauta aplicado con mucho nervio, logrando expresar la inquieta musicalidad de la naturaleza; de este modo, se abre la puerta a la dinámica sólida y extrovertida de ‘Vórtices’, tema donde se desarrolla un timbre jazz-funky (a lo BRUFORD-LEVIN) alimentado con aromas arábigos, alternando tempos de 7/8 y 4/4. Con ‘Doméstico Depredador’, el grupo explora un swing un poco más contenido a la vez que capitaliza el vigor y el tenor heredados de la pieza anterior: se puede establecer ciertos paralelos con la
línea de trabajo realizada por MAR DE ROBLES. ‘El Lenguaje Del Agua’ es un breve interludio de guitarra ubicado en un pasaje ambiental adornado con psicodélicas emulaciones de ruidos de aves, el cual sirve para anunciar la magnífica solemnidad de ‘Comparsa De Cronopios’. Esta pieza permite a la banda explorar terrenos serenos y contemplativos, a la vez que mantiene un bien
sostenido punche merced a la dinámica que impone la dupla rítmica. Los guitarreos que se lucen en algún momento portan una esencia Frippiana en clave jazzeada, algo que sirve bastante bien como contraparte a los apasionados dibujos que establece Luna con el pincel de su clarinete. ‘Olhos De Linda Porter’ es un ejercicio abstracto de tambores tribales con fondo de un discurso
en portugués, una nueva aventura sónica minúscula antes de la emergencia de una pieza de más meticuloso desarrollo: en este caso, se trata de ‘Ritual De Fulanos’, un tema contundente donde la banda explora los aspectos más vivaces de su esquema musical, elaborando un colorido llamativo a través de una cadencia consistentemente grácil. El carácter extrovertido de esta pieza sirve como contraste de luminosidad frente a la grisácea sensación de misterio del interludio precedente.

‘El Chango Y La Rana’ es un alucinado dueto de violín y saxo soprano cuya amalgama de retazos sónicos anticipa en buena medida la vitalidad mágica de ‘Luna Perdida’, tema que explora matices fusionescos con una razonable dosis de densidad, bien llevada sobre un compás predominante de 5/4. A pesar de que no está exenta de enérgica expresividad, esta pieza está mayormente signada por una delicadeza impecable, haciendo que suene ensoñadora a contrapelo de la obvia sensualidad que ostenta tan coquetamente su cadencia rítmica. Y, por supuesto, el canto realza el lirismo de la pieza oportunamente. El siguiente interludio ‘La Oruga Y El Conejo’ establece un bizarro juego de efectos alrededor de un solo de cuerdas, lo cual sirve para reflejar un pequeño clímax de puro surrealismo antes de que ‘Parlamento Saurio’ se enfile hacia sonoridades grisáceas dentro de un groove jazz-psicodélico producido con iguales dosis de elegancia y muscularidad. ‘Carta Jurásica’ es, cómo no… otro interludio: esta vez se trata de una
secuencia sombría, muy al estilo del chamber-rock descoyuntado de DECIBEL. Se prepara así el terreno para la emergencia de ‘Por La Puerta Trasera’, tema que prosigue rotundamente por el camino del prog-fusión muscular que ya ha signado profundamente a otras piezas del repertorio: su aura de sofisticación es similar a la de ‘Vórtices’, mientras guarda creativas afinidades de raigambre psicodélica con ‘Carta Jurásica’. ‘¿Recuerdan A Lucy?’, con sus 7 minutos y pico de duración, es la pieza más larga del álbum. Se trata también de la composición más ensoñadora, jugando a alternancias entre atmósferas recargadas y otras sutiles en base a un esquema armónico en 3/4: la presencia del canto femenino es esencial a la hora de motivar imágenes de ensueño. ‘Réquiem’ cierra el disco con un incontenible e inconfundible aire sepulcral donde los retazos de guitarra, las capas de acordeón y los piques de campana articulan una especie de procesión de lamento y añoranza.

Todo esto fue “Cuentos Y Fábulas”, un hermoso y vibrante conjunto de textos sónicos progresivos que le vale a LUZ DE RIADA un sitio privilegiado dentro de la primera línea del rock experimental mexicano de nuestros días. ¡Y eso que el grupo acaba de alzar viada desde su punto de partida! Solo nos queda recomendar a los fans progresivos de todo el mundo que adquieran este ítem y que le sigan la pista a LUZ DE RIADA, un cuarteto repleto de infinito talento creativo.

Muestras de “Cuentos y Fábulas”.-
Comparsa de Cronopios: http://www.youtube.com/watch?v=TbDnSHnfAxg
Vórtices (en vivo): http://www.youtube.com/watch?v=B9xUlOCFmT8

IGNATIUS - luz y profundidad del rock sinfónico español contemporáneo

2011-12-29T08:59:00.006-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy llega el momento de hablar sobre IGNATIUS, banda formada en Barcelona hace varios años por el trío de Ricardo Boya (bajo-teclados-voz), Toni Castarlenas (guitarras) y Marcelo Ortiz
(batería). Tal como menciona el grupo en su blog de Myspace, el grupo surgió como concepto en sí hace más de diez años, pero su concreción para sí ha ido mucho más reciente. El fruto tangible de dicha concreción está plasmado en este álbum debut titulado “Lights From The Deep”, el cual muestra un esquema estilístico muy maduro, forjado con calidad y conciencia en base a una amalgama elegante donde se mezclan y compenetran el boato de la más excelsa tradición 70era (PINK FLOYD, CAMEL, RUSH, ELP), el vigor resuelto del neo (especialmente el ARENA post-“The Visitor”, aunque también hay algo de PENDRAGON en ciertos vuelos de raigambre Floydiana) y la fuerza mágica del prog-metal (DREAM THEATER, PLANET X). Aparte de las influencias explícitas, a nosotros nos parece que hay coincidencias con lo expresado por otras bandas hispanohablantes como RETSAM SURIV, TOCCATA y MATRAZ – por aquí va la línea de
trabajo de IGNATIUS, casi una condensación de varias tipologías recurrentes del pasado y el presente del género progresivo. El hecho de que Boya aporte un canto ronco y apasionadamente rockero a sus intervenciones vocales es un soporte crucial para realzar las facetas energéticas del sonido grupal.

Abriendo el disco con energía y un explícito colorido musical, ‘Bleeding Souls’ establece un encuadre sonoro basado en una confluencia de jazz-prog, esencia Floydiana y neo-prog: o sea, el
swing robusto del jazz-rock progresivo, la magia especial de los climas psicodélicos estilizados propios del estándar Floydiano 73-77 y el enfoque melódico de la más pura tradición neo. El solo de guitarra que irrumpe por la barrera del sexto minuto es brutal, muy a lo Petrucci-con-Lifeson, mientras que a todo lo largo de la canción, la labor de los teclados alterna capas a lo Wright con boatos expresionistas Emersonianos. La dupla de ‘Emptiness’ y ‘Resurrection’ está a cargo de fortalecer el afianzamiento de la voz propia de Ignatius. La primera de estas canciones consiste en una balada progresiva que guarda ciertos aires de familia con CAMEL, reciclados a través de los filtros sinfónicos contemporáneos de unos KARMACANIC o THE TANGENT, amén de algunos recursos de densidad climática al final que nos remiten a PORCUPINE TREE. Por su parte, ‘Resurrection’ ofrece una sonoridad contundentemente aguerrida donde el sinfonismo clásico y el prog-metal se hermanan fluidamente. Con sus más de 12 minutos y medio de duración, la pieza homónima se erige como la más larga del álbum. Con todo, no se trata de una suite progresiva típica, sino de un viaje exploratorio por los rincones contemplativos del ideario de IGNATIUS. Con una solemnidad reflexiva propia de lo Floydiano y lo Cameliano, reformulado bajo un esquema propio de las power-ballads de DREAM THEATER, la banda se explaya en un cuerpo central bien definido, explotándolo sin llegar a la saturación gratuita. ¡Qué buen oficio! Acto seguido, ‘B.C.N.’ agiliza notoriamente las cosas ubicándonos en pleno ambiente urbano con sus ruidos de tráfico, gente en la calle y sirenas, armando así un preludio al cuerpo central: la estrategia se basa en un cruce de prog-metal y neo-prog bastante llamativo, donde las variaciones de ambiente son muy medidas y moderadas, para nada dramáticas, aunque indudablemente bien
logradas en cuanto a la preservación de la energía inherente a la idea musical básica. ‘Morning Moon’ cierra el álbum redondeando la ideología musical de la banda, a estas alturas, ya diáfanamente clara al oyente. La pieza comienza con un preludio muy a lo “Shine On You Crazy Diamond”, dejando lentamente el paso a un motivo de arranque de corte reflexivo donde se hace una revisión del molde Floydiano con ciertos toques a lo Gary Moore. Más adelante, el asunto se
complejiza hasta niveles ELP-Yessianos (al modo de una cruza entre ‘Heart Of The Sunrise’ y los momentos climáticos de ‘Karn Evil 9’). Poco antes de la barrera del octavo minuto, pasamos a una sección ceremoniosa donde el asunto sonoro parece una especie de OLDFIELD-con-WAKEMAN, una suerte de sinfónico típicamente pomposo empapado con aromas de World Music.

Como balance final, es justo de toda justicia señalar a “Lights From The Deep” como una tremenda gozada de disco progresivo: IGNATIUS logra con este trabajo entrar de lleno en las ligas mayores del rock progresivo español del nuevo milenio. ¡¡A seguirle la pista a este grupo!!

Muestras de “Lights From The Deep”.-
Resurrection: http://www.myspace.com/ignatiusrock/music/songs/resurrection-83278248
Morning Moon: http://www.myspace.com/ignatiusrock/music/songs/morning-moon-83278123

(Dedico esta reseña a mi amigo progresivo Juanki Lara, quien me introdujo a la música de IGNATIUS)

ETER-K nos ofrece la manifestación decisiva de su universo psicodélico

2011-12-26T08:36:00.005-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la feliz ocasión de hablar sobre la veterana banda peruana de space-rock ETER-K y una larga deuda pendiente que la misma tenía para con su público y para con el sueño inmortal de hacer música: su cuarto disco “Watching The Universe”. Por fin es una realidad fáctica este disco, publicado por el sello mexicano Azafrán Media (antes Luna Negra). Tras meticulosas sesiones de grabación en el Estudio REC en Lima, bajo la labor técnica de Marco Gereda y Manuel Umbert, y un largo proceso de post-producción en las canteras mexicanas, “Watching The Universe” emerge como un nuevo testimonio del nivel de creatividad que emerge continuamente en la escena rockera vanguardista del Perú. Las intenciones de llevar la propuesta de space-rock progresivo de ETER-K al mercado internacional los ha llevado a usar el idioma inglés para titular al álbum y cada una de las cinco piezas contenidas en él. El trío de Iván Santos, Eduardo Velarde (bajista retornado) y Adrián Arguedas (baterista nuevo que tiene tras de sí una amplia y extensiva trayectoria en la vanguardia rockera peruana, la cual incluye membresías en LEUZEMIA, MUSEO HETERODOXO y EL ENSAMBLE DEL CAOS, entre muchas otras aventuras) aprovecha cabalmente la coyuntura a fin de dotar a su propuesta de un nivel de estilización sonora bastante notable, lo cual para nada se contradice con el frenesí muscular que naturalmente brota de su estrategia de espontaneidad sostenida en torno a jams y composición en tiempo real.

Siempre manteniendo un perfil independiente y marginal dentro de la escena musical de su país, ETER-K ha logrado labrarse un status como una de las bandas más importantes dentro del underground experimental de la capital limeña, en medio de una abundante avalancha de grupos dedicados a cultivar el post-punk, el hardcore, el metal y el gótico: así, ETER-K ha ido sinónimo de experimentación progresiva bajo el liderazgo del guitarrista Iván Santos desde fines de los
80s, cuando el grupo se formó como cuarteto que incluía un vocalista, teniendo en su perspectiva clara la idea de crear un rock potente y ecléctico. El nombre del grupo se mantuvo como una constante de aventura sónica a pesar de que su misma carrera musical no ha sido demasiado consistente en lo que se refiere a periodos de conciertos ni cantidad de discos editados. En líneas generales, se puede afirmar que su disco “III” (del año 2002) encarna el testimonio decisivo
del afianzamiento de la visión psicodélica del grupo. “III” incluye clásicos como ‘Volando Con Mihalis’, ‘Asesino De Brújulas’ y ‘Luciérnagas Egocéntricas En la Oscuridad’: ahora es el turno de “Watching The Universe” porque es el momento de nuevos impulsos para dicha visión.

‘Nebula Rasa’ abre el disco con un poder contundente, el cual expresa a través de su muscular dinamismo el tipo de estilización sónica al cual nos hemos referido en el párrafo inicial de esta
reseña. Las texturas perpetuamente oscilantes de la guitarra y la robusta arquitectura elaborada por el dúo rítmico se congregan en una unidad sónica muy bien integrada, integrando la vibración del space-rock contemporáneo ( a lo HIDRIA SPACEFOLK) y el paradigma sempiterno de STEVE HILLAGE. La coda en base a unos breves fraseos de bajo distorsionado aporta un cierto aire ligero al asunto. A continuación sigue lo que ha de ser la versión definitiva de un clásico de siempre de ETER-K: ‘Volando Con Mihalis’, aquí ‘Flying With Mihalis’. Esta versión de 2011 establece un nuevo nivel de robustez cósmica al jam central, lo cual en buena parte se debe al groove que ahora le da Arguedas, y siguiendo con este baterista en cuestión, también es de gran ayuda su manera de generar efectos con su percusión electrónica durante el onírico interludio que empieza en torno a la barrera del tercer minuto y medio. También se hacen notar los trazos que dibuja el bajo antes de ceder el paso al inevitable protagonismo final de la guitarra. El mencionado interludio opera como crucial punto de quiebre hacia lo que será un extendido clímax en el que la muscularidad electrizante y la magia ensoñadora se funden en una única estrategia sónica. El tercer tema es el homónimo, que con su espacio de 14 minutos se erige en el ítem más extenso del álbum. El tenor general del jam central de ‘Watching The Universe (From The Threshold)’ está basado en cromatismos orientales inspirados en el exótico misticismo indio: al respecto, la intervención del flautista Tavo Castillo (uno de los héroes de FRÁGIL) en el pasaje introductorio resulta vital para sustentar el ambiente planificado para el tema. La confluencia de referentes tales como AGITATION FREE, AMON DÜÜL II en su faceta acid-folk, MY SLEEPING KARMA y QUANTUM FANTAY es fácil de notar en el desarrollo de esta introducción y la subsiguiente emergencia del jam que construye el cuerpo central, donde el llamativo groove se edifica sobre una cadencia kraut-funky. El flujo pulcramente sostenido del jam aterriza finalmente en un reprise conclusivo del etéreo motivo inicial. ‘Like A Fish In The Sea’ ocupa el cuarto lugar en este repertorio, pero en realidad se trata de la primera pieza que la banda grabó en el estudio REC con miras a este álbum. Se trata de la composición más terrenal de la banda, con un aura stoner sólido que le saca el jugo a su constreñido groove rítmico durante sus primeros 5 minutos y medio. A partir de ahí, el esquema rítmico se agiganta para generar un frenesí psicodélico muy relacionado con la intensidad sistemática que ya apreciamos en el tema de apertura. Los últimos 12 minutos y pico del disco están ocupados por ‘Collapse In The Sylvian Aqueduct’, otro clásico de la banda desde inicios del milenio… ¡pero tuvo que esperar 10 años para que se concretara al fin su registro oficial de estudio! Bueno, yendo a tema en sí, su estructura se basa en una secesión de varios jams que van desde el dinamismo típicamente muscular del grupo hasta ambientes un poco más cadenciosos al modo de la psicodelia blueseada Floydiana, y de allí hasta un espíritu stoner filtrado a través de una densidad kraut. El mapeo sonoro resulta efectivo y mantiene el interés del oyente.

En fin, “Watching The Universe” es el catálogo idóneo para reflejar y asentar la visión musical de ETER-K en su expresión decisiva y definitoria: decisiva porque empuja al estándar psicodélico de la banda hacia una cima musical inapelablemente peculiar, definitoria porque dibuja la imborrable línea de meta hacia la cual se proyectaba desde siempre el crecimiento artístico neto de la banda. ETER-K no se limita a perpetuar su leyenda como importante fuerza creativa en el
underground peruano, sino que además, principalmente, establece un brillante pináculo dentro del concepto de experimentación progresiva. ¡¡Disco altamente recomendado!!

Muestras de “Watching The Universe”.-
‘Nebula Rasa’: http://www.youtube.com/watch?v=fD43vrYBQpY
Extracto de ‘Flying With Mihalis’: http://www.youtube.com/watch?v=XRSmmn3dshk

¡¡FELIZ NAVIDAD Y UN PRÓSPERO AÑO NUEVO 2012!!

2011-12-24T08:00:00.001-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Este mensaje es para desearles a todos unas estupendas Fiestas Navideñas, así como que tengan en el Año Nuevo 2012 mucha prosperidad y muchas buenaventuras.

Una vez más saco a colación la serenata compuesta por Greg Lake y Peter Sinfield en 1975, ‘I Believe In Father Christmas’, una canción nostálgica sobre el espíritu más simple del ambiente navideño y crítico del materialismo comercial del mismo a nivel institucional, pero que aún así terminó convirtiéndose en uno de los villancicos oficiales de la Radio BBC.

I BELIEVE IN FATHER CHRISTMAS

They said there'll be snow at Christmas
They said there'll be peace on Earth
But instead it just kept on raining
A veil of tears for the Virgin Birth
I remember one Christmas morning
A winter's light and a distant choir
And the peal of a bell and that Christmas Tree smell
And their eyes full of tinsel and fire

They sold me a dream of Christmas
They sold me a Silent Night
And they told me a fairy story
'Till I believed in the Israelite
And I believed in Father Christmas
And I looked at the sky with excited eyes
'Till I woke with a yawn in the first light of dawn
And I saw him and through his disguise

I wish you a hopeful Christmas
I wish you a brave New Year
All anguish, pain and sadness
Leave your heart and let your road be clear
They said there'll be snow at Christmas
They said there'll be peace on Earth
Hallelujah! Noel! Be it Heaven or Hell
The Christmas you get you deserve

YO CREO EN PAPÁ NOEL

Dijeron que habrá nieve en Navidad
Dijeron que habrá paz sobre la Tierra
Pero en cambio solo sigui๓ lloviendo
Un velo de lágrimas por el Nacimiento Inmaculado
Yo recuerdo una ma๑ana de Navidad
Una luz de invierno y un coro distante
Y el repique de una campana y el olor de aquel árbol de Navidad
Y sus ojos llenos de espumillones y fuego

Me vendieron un sueño de Navidad
Me vendieron una Noche Silenciosa
Y me contaron una historia de hadas
Hasta que creí en el Israelita
Y yo creí en Papá Noel
Y miré al cielo con ojos emocionados
Hasta que desperté bostezando ante la primera luz del amanecer
Y lo miré y vi a través de su disfraz

Te deseo una Navidad llena de esperanza
Te deseo un valeroso Año Nuevo
Que toda la angustia, el dolor y la tristeza
Abandonen tu corazón y tu camino se aclare
Dijeron que habrá nieve en Navidad
Dijeron que habrá paz sobre la Tierra
!Aleluya! !Noel! Ya sea un Paraíso o un Infierno
La Navidad que se recibe es la que se merece

Enlace de Youtube con una versión especial de esta canción en la Iglesia de St. Bride - http://www.youtube.com/watch?v=U6-PAKOt7sM

El tapiz musical de HUMBLE GRUMBLE - una muestra de eclecticismo osado y jovial

2011-12-23T09:31:00.007-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hoy es momento de hablar sobre HUMBLE GRUMBLE, un grupo multi-nacional fundado en Bélgica en el milenio pasado como un ensamble de rock-folk experimental, y que a partir de ahí experimentó una rauda evolución hacia un esquema sonoro progresivo muy aventurero, basado en la confluencia de RIO, jazz-prog, la escuela Zappiana, rock experimental de talante humorístico y expresiones free-form, añadiendo además aires del folklore europeo oriental. Su estilo musical evolucionado suena a un punto intermedio entre THINKING PLAGUE, HÖYRY-KONE, RASCAL REPORTERS y JAAGA-JAZZIST, aunque a veces aprietan las tuercas para
generar un dinamismo a lo PRIMUS con orquesta de vientos ensamblada por el mismísimo ZAPPA, o también puede sonar a unos UNIVERS ZERO que tocan música de fondo para una comedia negra posmoderna. La música de este grupo ostenta arreglos densos y sorpresas que
exigen varias, muchas escuchas para asimilar, pero siempre hay un espíritu alegre y un optimismo juguetón tanto en la base compositiva de las melodías y desarrollos armónicos como en las interacciones realizadas por los músicos en acción. La membresía actual de HUMBLE GRUMBLE es: Jonathan Callens (batería, voz), - Jouni Isoherranen (bajo, voz), Gabor Humble Voros (guitarra, voz), Pol Mareen (saxo), Pedro Guridi (clarinetes) y Pieter Claus (marimba, vibráfono, percusiones). Adicionalmente, el grupo se hace acompañar de un coro femenino, y también de algunos músicos invitados al violín o la flauta para capitalizar el colorido de sus composiciones. Este grupo se sentiría realmente muy cómodo creando una camaradería estilística con PANZERZAPPA, 5’UUs y CHEER-ACCIDENT. Su excitante tercer disco “Flanders
Fields”, aporte para el año 2011, es el que pasamos a reseñar a continuación.

Con aires de “One Size Fits All” da inicio al álbum ‘Sirens Dance’, alegría grácil y pura revestida de trucos dadaístas y ciertos pasajes tensos momentáneos. Un comienzo genial cuya secuela inmediata es el candor alevosamente naif de ‘Aging Backwards’, al modo de una balada crooner de raigambre tropical cuyo desarrollo temático incluye elementos fusionescos trazados con suma elegancia, no rompiendo sino enriqueciendo el ambiente inicial. Si bien lo arreglos de vientos mantienen un colorido jazzero, el solo de guitarra se enfila hacia fraseos agresivos y neuróticos, portando una saludable energía pero cuidándose de sobredimensionar las cosas. El tercer tema, que es el que precisamente da título al álbum, comienza con una base de balada acústica en 3/4 para pronto virar hacia un ejercicio de polirritmos y deliciosas orquestaciones de vientos, ejercicio que sirve como puente hacia pasajes complejos donde se alternan momentos cargados de vibraciones rockeras viscerales con otros signados por la cámara vanguardista, todo ello mientras la batería mantiene un buen pulso jazzero. Es casi como un homenaje al RIO estadounidense de inicios de los 80s (CARTOON, POCKET ORCHESTRA). ‘Sleepless Night’ y ‘Horny’ vuelven de lleno al territorio Zappiano: el primero porta una complejidad solemne después de tener un inicio engañosamente lírico como lo tuvo la canción homónima inmediatamente antes; ‘Horny’, por su parte, es esplendorosamente extrovertido, haciendo gala del descarado carácter satírico de su libidinoso título. Cuando llega el momento de que emerja ‘Little Bird’, nos topamos con un momentum de extravagancia solventemente transportado por el
explosivo colorido que brota del accionar ensamblado de los músicos. La presencia de ritmos a lo Dixieland y partes cantadas en español ayuda a fortalecer el aire de festival caótico y catártico que predomina en la canción. Y qué decir de ese pasaje casi a lo bossa nova que incluye un solo de flauta muy Focusiano – es genial, ¡genial! De inmediato se engarza ‘Duck On A Walk’, siguiendo con el vendaval de este jaleo Zappa-chamber-rockero. Ya para este momento, el grupo tiene puestas sobre las mesas todas las cartas de su apuesta artística, aunque esto para nada quiere decir que el grupo se ha hecho previsible: para constatar esto una vez más, basta ver la ilación que se establece con el octavo tema, ‘The Greatest Kick Of The Day’, el cual lleva la juerga progresiva hacia niveles de un “PRIMUS acústico” ornamentado con una poderosa presencia de los vientos. ‘Never Lose Your Mind’ porta un magnificado aire de comedia, muy al modo del ZAPPA teatral. ‘Love Song’ no suena como una canción lenta de resonados ribetes sentimentales - o sea, como una canción de amor normal y corriente -, sino más bien como un paisaje sonoro centrado en una reformulación funky-jazzera de ciertos estándares del chamber-rock. Es la
inclusión de un interludio cantado con base de guitarra acústica lo más parecido a una canción de amor que podemos hallar aquí. El álbum concluye con ‘Purple Frog’, el cual ocupa 5 minutos de recapitulación de los cánones Zappianos a los cuales la banda continuamente se muestra ligada. Las secciones cantadas son abiertamente satíricas, y por lo demás, el bloque instrumental
porta conexiones muy cercanas con las que mostraron anteriormente en ‘Sirens Dance’, ‘Never Lose Your Mind’ y ‘Horny’.

¿Cómo culminar esta reseña sobre “Flanders Fields” sino concluyendo que se trata de un disco fabuloso? HUMBLE GRUMBLE es una banda muy a tener en cuenta pues aporta colorido extrovertido y alegría mordaz a los recursos vanguardistas del género progresivo que la banda tuvo a bien combinar para forjar su voz propia. ¡Hay que seguirle la pista!

Muestras de “Flanders Fields”.-
Sirens Dance: http://www.youtube.com/watch?v=HiY7Er3Sa_I
Aging Backwards: http://www.youtube.com/watch?v=C8W5G8U_6qQ
Horny: http://www.reverbnation.com/artist/artist_videos/301725?sel_video_id=1165532&autoplay=1

TARTAR LAMB y su nueva expresión de imágenes sónicas

2011-12-21T08:04:00.003-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de hablar de TARTAR LAMB, ensamble vanguardista estadounidense que es uno de tantos proyectos en los que está involucrado Toby Driver, uno de los músicos y compositores más osados de la escena experimental estadounidense durante los últimos 15 años. Forjado en las canteras post-metaleras de MAUDLIN OF THE WELL y asentado como creativo principal de KAYO DOT, su máximo propósito es el de instaurar masivos elementos de vanguardia en el lenguaje del rock con el propósito de motivar emociones y evocar sensaciones por vía de recursos desafiantemente abstractos. El caso de este proyecto TARTAR LAMB es el de crear senderos de abstracción que en otros proyectos quedan como recursos colaterales o secundarios: es chamber-rock puro y duro para este nuevo milenio. El primer disco de este proyecto, “Sixty Metonymies” (2007), estaba basado en el dúo nuclear de Driver (como guitarrista) y su sempiterna colega Mia Matsumiya al violín. Ahora, con este disco de 2011 titulado “Polyimage Of Known Exits”, Driver pasa a tocar el bajo y se rodea de cuatro vientistas (Jeremiah Cymerman, Terran Olson, Daniel Means y Tim Byrnes – el segundo y el cuarto también tocan sintetizador), mientras que Matsumiya se queda como colaboradora en el último
tema. El repertorio del álbum, que dura poco más de 40 minutos, consiste en una ilación de cuatro movimientos: una pieza erudita compuesta en 2010, a inicios del presente año tuvo su debida edición de estudio.

‘1st Movement’ instala prestamente un aire de inquietud crepuscular que de manera sostenida y calculada va virando hacia ambientes insoportablemente tenebrosos, y a pesar de ello, intrigantemente magnéticos. Con una tendencia minimalista propia de la banda sonora de POPOL VUH para la película “Nosferatu”, Driver y sus secuaces van armando un poderoso crescendo donde lo oscuro revela un ilógico pero irrefrenable fulgor. ‘2nd Movement’ emerge en un continuo para ahondar la oscuridad reinante en nuevas profundidades de espiritualidad funeraria y visceralidad siniestra. Las huellas macabras del UNIVERS ZERO de “Heresie” y del ART ZOYD de “Phase One” se hacen notar ampliamente en la visión de Driver, alimentada también del minimalismo desafiantemente sombrío de clásicos del kraut como el “Zeit” de TANGERINE DREAM y el legado de KLUSTER. A pesar de las diferencias bien delineadas entre los pasajes donde los vientos elaboran florituras que llenan el ambiente y otros más espartanos donde prevalece el jugar con los silencios, el desarrollo temático se mantiene en una cohesión muy lograda. El momento de ‘3rd Movement’ empieza con una densidad menos pronunciada y una tensión más sutil, siendo así que lo sombrío deja paso a lo melancólico: la serena belleza que destilan varias líneas de saxo y clarinete del cuerpo central permiten al ensamble explorar las facetas más líricas del concepto del presente álbum. A poco de pasada la frontera del quinto minuto, la ambientación se vuelve más extrovertida bajo el mando de los ornamentos armónicos del bajo. Esto sirve para que los vientos proyecten vuelos alucinados, haciendo que la tensión regrese cobijada bajo una enceguecedora luz de delirio emocional: la vía se abre hacia la explosiva coda, marcada por una psicodelia que parece retratar el vació espiritual que subyace a un mundo mecanizado hundido bajo las sombras de la noche. El cuarto y último Movimiento
(titulado, cómo no, ‘4th Movement’) ocupa un espacio de casi 12 minutos para completar la idea por vía de la exploración de matices enriquecidos. En realidad, la pieza comienza con casi cuatro minutos focalizados en una lánguida aura de abandono emocional en clara herencia del Movimiento anterior. Luego, las cosas se resuelven de una forma más serena y articulada cuando la batería instala una arquitectura definida y el violín se explaya en exploraciones serenamente cálidas. La cadencia general de esta sección que se prolonga hasta el final es de cariz jazzero, no muy ágil, más bien con un talante meditativo que funciona muy bien a la hora de conectarse con el ambiente que había prevalecido previamente: David Bodie (quien también es baterista de KAYO DOT desde “Coyote”) hace gala de un swing delicado para este propósito. El violín de Mia, de hecho, cumple un rol muy destacado dentro del bloque instrumental. El final de este movimiento y del álbum se cumple sin dramatismos ni aspavientos: el crescendo y la compleción del ambiente general se cumplen con una fluidez cuidadosamente natural.

Esto fue “Polyimage Of Known Exits”, una demostración de ingenio y vitalidad dentro de la vanguardia progresiva que tiene lugar dentro del siempre sorprendente underground estadounidense contemporáneo: Toby Driver confirma por enésima vez las grandes dimensiones de su talento creativo a la hora de retorcer y desafiar las “reglas” del rock con una genuina intuición para el peligro en el arte. ¡Un buen rédito para TARTAR LAMB!

Muestra de “Polyimage Of Known Exits”.-
2nd Movement: http://www.youtube.com/watch?v=8Y-UCcVa2e4

VESSELS - una perspectiva musical helioscópica

2011-12-18T10:40:00.003-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el momento para hablar de VESSELS, una de las bandas de post-rock que más han llamado la atención dentro de esta vanguardia específica. Hoy por hoy, esta banda originaria de Leeds es considerada como puntera de esta línea experimental en tanto que le ha dado un vigor y una peculiaridad que siempre se gradecen a la hora de pretender revitalizar un estándar determinado. “Helioscope”, su álbum del año 2011, es el segundo larga duración de su currículum. Tras un impactante disco debut como fue “White Fields And Open Devices”, “Helioscope” exhibe una progresión hacia un esquema sonoro un poco más focalizado a la par que brinda una fluida y coherente continuidad con el susodicho álbum debut y su homónimo EP de 2006. Básicamente, lo que hay aquí es un post-rock remodelado con el vigor propio del math-rock y la creatividad lisérgica del mejor space-rock estandarizado, además de dejarse empapar de
influencias contemporáneas como RADIOHEAD y MUSE. Las confluencias con un grupo como GRAILS son también fáciles de notar, especialmente por su refinamiento estilizado en el manejo de las atmósferas y bases armónicas. En líneas generales, este segundo disco deberá estar destinado a convertirse en un hito importante para los futuros impulsos que se habrán de expandir en la vanguardia rockera europea de aquí en adelante. La formación de VESSELS es como sigue: Tom Evans a las guitarras y el canto, Tim Mitchell a la batería, Martin Teff a las
guitarras, el bajo y el sintetizador, Lee J. Malcolm a las guitarras, el canto y el sintetizador, y Peter Wright a las guitarras, el canto, los teclados y el bajo. Como vemos, hay una abundantes alternancias en los roles de cuerdas y teclas.

Vayamos al repertorio mismo. ‘Monoform’ ocupa los primeros 6 ¾ minutos del disco con extrovertida soltura, la cual maneja su energía con una calculada sutileza que permite al bloque sonoro revelarse etéreo y nebuloso, sin por ello renunciar a la contundencia marchosa propia del
núcleo compositivo. ‘The Trap’ porta una muscularidad incrementada, no solo en base a la minuciosa labor del baterista Mitchell sino también al filudo manejo de los riffs guitarreros y la vitalidad latente en las atmósferas del teclado. ‘Recur’ es la primera pieza cantada del álbum, una muestra de hibridización entre el RADIOHEAD de “In Rainbows” y el SONIC YOUTH clásico, con oportunos ribetes motorick insertados para explotar el momentum con solvencia. El canto
evocativo se siente natural en medio de las contrastantes murallas sónicas elaboradas por las capas guitarreras sobre el impresionante pulso rítmico de Mitchell: de hecho, es impactante el clímax conclusivo creado en tándem por la dupla guitarrera y la batería, al modo de una erupción de colores emocionales. Lo que tenemos en ‘Later Than You Think’ acto seguido es un retorno a las atmósferas cósmicas que ya se habían impuesto en ‘Monoform’, añadiendo un mayor realce al punche rockero, al modo de ‘The Trap’. Se puede decir que a partir de aquí el álbum ha instalado todas las picas en Flandes de su propuesta sonora, una amalgama perfecta de magia envolvente con musculatura tensa, un cénit definitorio del álbum. El resto del viaje musical se inicia con ‘Meatman, Piano Tuner, Prostitute’, canción con la cual la gente de VESSELS hace un tributo al
RADIOHEAD de “Kid A” con algunas alusiones al lado melancólico de MUSE: un tributo inocultable, verdad que sí. A continuación se engarza ‘Art/Choke’, pieza que se encarga de destrozar cualquier posibilidad de expansión de la edulcorada introspección expandida en la canción anterior por medio del desarrollo de un viaje psicodélico, el mismo que está inteligentemente armado entre lo aguerrido y lo envolvente. Su sofisticada base rítmica y la
convincentemente sobria arquitectura de teclados encuadran el majestuoso viaje instrumental en curso. ¡Otro espectacular cénit del álbum! ‘Heal’ es la pieza más breve del álbum: su espacio de 2 ½ minutos consiste en soundscapes de sintetizador estilísticamente conectados con el kraut electrónico minimalista y la ideología del Frippertronics. Este vuelo abstracto convenientemente prepara el terreno para la exteriorización más colorida expuesta en el siguiente tema, ‘All Our Ends’, canción que exhibe una estrategia de reconstrucción del estándar del no-wave bajo masivos ropajes post-rockeros a lo EXPLOSIONS IN THE SKY-con-RUSSIAN CIRCLES. La reiteración del motivo central por más de 7 minutos ayuda bastante a concretar una expresividad incendiaria para este momento tan marcadamente lírico: la magnificencia inapelable que tiene lugar aquí conduce finalmente al aire de abrumadora nostalgia impulsado por una llama etérea en ‘Spun Infinite’, canción que nos recuerda irremediablemente a la canción final del “Kid A” de RADIOHEAD. El fade-out culmina el álbum al modo de un retrotraimiento hacia lugares cerrados del alma con acceso restringido al ego y sus propios fantasmas inalienables.

VESSELS es una banda que ha llamado poderosamente la atención dentro de los círculos de rock experimental de su localidad e internacionales, y con este segundo disco “Helioscope” tiene garantizada su permanencia dentro del centro neurálgico del post-rock europeo. ¡Atención que existe una edición especial de este disco con CD bonus!

Muestras de “Helioscope”.-
The Trap: http://www.youtube.com/watch?v=FdqlyJBge84
Later Than You Think: http://www.youtube.com/watch?v=zjTVVSDNPUk
All Our Ends: http://www.youtube.com/watch?v=O3UwG-vVFLg

OBSTACLES y su nueva oscilación musical para cerrar el año 2011

2011-12-16T00:58:00.006-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Ocho meses después de comentar su disco debut “Dividual” del año 2010, volvemos a referirnos a la banda danesa OBSTACLES, esta vez por motivo de su EP “Oscillate”, ítem que confirma rotundamente a este ensamble instrumental como una de las propuestas más vitales de la avanzada math-rockera de la Europa Continental, nos ofrece su oferta del año 2011 con este EP titulado “Oscillate”. OBSTACLES ha decidido fortalecer y renovar su visión, añadiendo matices incrementados de intensidad psicodélica a su muscular enfoque creativo del math-rock, el cual siempre ha estado nutrido de sonoridades pesadas y recovecos oscuros. Claramente, la decisión de OBSTACLES ha sido la de estimular su propia creatividad inmanente por vía de una mirada concienzuda hacia su propia electricidad interior. El hecho de contar como músico invitado al saxofonista Gunni Torp en 3 de los 4 temas de este EP habla claramente sobre la pretensión de este grupo de robustecer su núcleo sónico.

‘Trajectory Of Loose Ends’ da inicio al disco con un ímpetu psicodélico tan oscuro como contundente, trazando un interesante encuentro entre el fragor imponente del stoner y el vigor alucinado de las tradiciones space-rockera y kraut-guitarra-céntrica de los 70s, con algo del vitalismo típicamente math-rockero que signa la labor esencial del grupo, a fin de cuentas. La labor de la batería porta una energía fulminante, vital para que los guitarreos y los filudos flujos del sintetizador hagan lucir toda su fortaleza de espíritu. ‘Hubris’, el segundo tema, sí se instala más decididamente dentro del estándar del math-rock, aunque hay ciertos coqueteos con el jazz-metal de parte de la dupla rítmica, lo cual permite a la banda sonar integralmente de una manera más pesada y agresiva que en el de por sí bastante poderoso tema de apertura. Acto seguido, ‘Supercolider’ asume la función de asentar un híbrido entre las respectivas líneas de trabajo de los dos temas precedentes a través de su bien hilada sucesión de motivos: es en este momento que el grupo llega a un espectacular cénit de exaltación incendiaria y caos. Finalmente, ‘Sleeping
Pills’ redondea el bloque de las atmósferas recogidas en este EP con sonoridades grisáceas e intensas afines a las de HELLA y UPSILON ACRUX, con dosis menores de sofisticación estructural, más bien señalando una cercanía con las gloriosas cacofonías Crimsonianas. El swing complejamente articulado que el baterista impone a las cadencias más recurrentes de esta pieza lo confirman como héroe crucial del disco. Aunque… a decir verdad, todos los miembros de la
banda se comportan con altura heroica a través de cada uno de los 25 minutos que dura “Oscillate”. Es inevitable llegar a la conclusión de que OBSTACLES debe ser considerado como una referencia importante dentro del math-rock de nuestros días.

Muestras de “Oscillate”.-
Trajectory Of Loose Ends: http://www.youtube.com/watch?v=Wnp-tKCCmyo
Sleeping Pills: http://www.youtube.com/watch?v=bDWVkrv4xaA

MY BROTHER THE WIND: una crucial hermandad prog-psicodélica

2011-12-13T09:37:00.004-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es día de traer a colación a MY BROTHER THE WIND, ensamble sueco dedicado a restaurar y revitalizar los cánones de la experimentación progresiva psicodélica. Formado a mediados de 2009 tras una espontánea sesión musical de cuatro luminarias de la avanzada sueca de las últimas dos décadas, a la sazón, Nicklas Barker (antes conocido como Nicklas Berg, guitarrista de ANEKDOTEN y MORTE MACABRE), Mathias Danielson (guitarrista de MAKAJODAMA), Tomas Eriksson y Ronny Eriksson (baterista y bajista de MAGNOLIA, respectivamente), MY BROTHER THE WIND es un poderoso aquelarre de sabios brujos progresivo-psicodélicos que recibe, con descaro y orgullo, las flameantes antorchas lisérgicas de ASH RA TEMPEL, AGITATION FREE, GURU GURU, HAWKWIND, la tradición stoner de los 70s, los estándares del jam-rock, y también algunos ribetes de herencia Floydiana y Crimsoniana que ocasionalmente emergen en ciertas partes del repertorio. De hecho, su disco debut “Twilight In The Crystal Cabinet” fue grabado a través de unos jams ejecutados en vivo en un estudio ubicado en la localidad sueca de Åmål. La idea de tocar juntos dentro de un clima de improvisación y vitalismo en suma complicidad, apoyándose exclusivamente en la química que pudiera surgir entre músicos que nunca había tocado juntos (y que, en el caso de dos de ellos, ni siquiera se
conocían) dio muy buenos frutos. El álbum fue completado y mezclado al día siguiente de la sesión de jams, buscando de este modo preservar el espíritu de espontaneidad. El cuarteto esperó un año para sacarlo al mercado, y ha venido recibiendo numerosos elogios de parte del público fanático del rock progresivo, rock psicodélico y stoner. En cuanto a confluencias con grupos de más reciente generación, podemos situar a MY BROTHER THE WIND en consonancia con las
propuestas de XOO, RESISTOR, MY SLEEPING KARMA y ØRESUND SPACE COLLECTIVE.

Los primeros 25 minutos del álbum están ocupados por ‘Karmagrinder’ y ‘Electric Universe’, piezas cuyos esquemas y extensiones permiten al grupo articular vuelos y revuelos bastante
definitorios de sus habituales estrategias de trabajo. En ‘Karmagrinder’, la sólida base rítmica de los dos Erikssons combina en proporciones iguales la sabiduría arquitectónica de lo preciso y la vitalidad propia de lo dinámica, con un Ronny que elaborar ornamentos pulcros a las líneas de su poderoso bajo, siempre atento a las filigranas excitantemente ensoñadoras que Barker y
Danielsson se aprestan continuamente a desarrollar en la línea de frente. El compás es un medio tiempo, pero la amalgama generada por los cuatro músicos porta el suficiente fuego como para motivar un auténtico frenesí espiritual en el oyente. Mucho más extrovertida es la aureola de ‘Electric Universe’, cuyo ímpetu rítmico básico se erige imponente para determinar con vigor esencial el desarrollo del jam en cuestión. Si la anterior pieza se instaló dentro de climas pesados sopesados con pulso firme para que la hoguera sonora dibujada y coloreada por los guitarreos duales no se termine de desbordar, aquí en ‘Electric Universe’ es la dupla rítmica la que decide que la banda suene ahora como un rayo de luz que atraviesa el infinito en una trayectoria visceralmente contundente: las influencias de BLUE ÖYSTER CULT y HAWKWIND se hacen notar, aunque definitivamente, MY BROTHER THE WIND le añade un toque de fineza a la
electrizante potencia rockera en curso. El tercer tema es el que precisamente da título al disco, y ofrece un clima muy distinto, a modo de descanso: un momento de serenidad contemplativa elaborado con guitarreos semi-jazzeados sobre un lento compás tribal, algo heredado de la faceta introspectiva de GURU GURU. Siendo tan corto como es, después de dos temas que superaban la barrera de los 10 minutos, ‘Precious Sanity’ es más breve aún: un minuto y tres cuartos de improvisaciones tensas y disonantes de fuerte tenor Crimsoniano. Los dos últimos temas regresan a la lógica de la expansión larga y la exploración incansable de índices temáticos restrictivamente definidos. ‘The Mournful Howl Of Dawn’ es un viaje psicodélico de raíz blueseada, algo así como un jam perdido de alguna sesión improvisada durante la grabación del primer álbum de BLACK SABBATH, y que luego fuese recuperado por un combo de David Gilmour, Lutz Ulbrich y la base rítmica de GURU GURU. El ambiente general de la pieza es uno de melancolía, una vulnerabilidad emocional no escondida por el evidente vigor emanado desde los fraseos de las dos guitarras. El disco culmina con los 16 ¾ minutos de ‘Death And Beyond’, una pieza que elabora una suerte de clímax definitivo para el mismo. La pieza comienza con una actitud en buena medida similar a la de ‘The Mournful Howl Of Dawn’, pero con un filo bluesero más pronunciado, al modo de un GRATEFUL DEAD Floydiano. A poco de pasada la barrera
del sexto minuto, la banda empieza a intensificar las cosas de forma gradual pero firme y convincente, llegando finalmente hasta el punto de generar una sonoridad stoner que se beneficia enormemente de la sofisticación brindada por las aristas jazz-rockeras trabajadas por la sección rítmica. Es a poco de llegar a la barrera del minuto 13 que el grupo regresa a la atmósfera inicial, con un aire crepuscular sereno, elegantemente resuelto por la mentalidad ensamblada de los músicos, una comunión impecablemente armónica.

Todo esto es “Twilight In The Crystal Cabinet”, una aventura sonora que evoluciona ante nuestros oídos desde una ocurrencia casual hasta una propuesta sólida, logrando así funcionar
como una cabal carta de presentación de MY BROTHER THE WIND. Pero eso no es todo, pues el grupo no tardó más de un año en perpetrar su segunda entrega fonográfica. En octubre de 2011, el cuarteto volvió a tomar por asalto las riendas de la vanguardia psicodélica progresiva de nuestros días con “I Wash My Soul In The Stream Of Infinity”, un ítem donde el grupo vuelve a lucirse en una magnífica demostración de vigor lisérgico y energía hipersónica. El grupo no
varió mucho su estrategia de composición de riffs, atmósferas y cadencias rítmicas en tiempo real, pero además, se nota un trabajo más cuidadoso en los arreglos instrumentales, especialmente en lo que se refiere a la adición del mellotrón y las guitarras acústicas dentro del arsenal sónico.

La monumental pieza ‘Fire! Fire!!’ abre “I Wash My Soul In The Stream Of Infinity” con un fulgor opresivo y abrasivo que brilla imponente dentro de un clima de implacable implosión sónica. Los miembros del ensamble articulan un diálogo dinámico y contundente, bastante enraizado en la lógica de energía surrealista propia del primer GURU GURU y ASH RA TEMPEL. Aunque el
vigor esencial de la pieza se mantiene en un nivel excitantemente consistente, en los últimos minutos se produce una ambientación etérea en el groove general para así permitir la crucial emergencia de las capas de mellotrón: el final resultante ostenta un claro tenor lisérgico. Después de este robusto viaje psicodélico, ‘Pagan Moonbeam’ cambia el discurso hacia una base de raga india en un espacio de 3 ¾ minutos, ostentando plácidamente los resabios de la vieja tradición acid-folk que formó parte importante de la vanguardia rockera alemana de los 70s (YATHA SIDDRA, BRÖSSELMASCHINE, los momentos pastorales de AMON DÜÜL II). De este modo, el terreno está cimentado para la instalación de ‘The Mediator Between Head And Hands Must Be The Heart’, pieza que asume con nervio y firmeza la tarea de reciclar el talante psicodélico al cual es tan afecto el grupo sobre una cadencia jazz-rockera y una densidad grisácea de corte Crimsoniano (lo cual incluye a las capas de mellotrón a lo ‘Starless And Bible Black’). A
continuación siguen dos temas de largo aliento, ‘Torbjörn Abelli’ y ‘Under Crimson Skies’: en ellas, la banda explota al máximo la dinámica electrizante que emerge naturalmente de la conjunción de sus cuatro voluntades conformantes, lo cual logra que el repertorio del álbum fluya de forma consistente. ‘Torbjörn Abelli’ persiste en la inspiración kraut que se había hecho presente en el tema anterior, bajando los coqueteos jazzeros en la cadencia rítmica y aumentando el fragor de los guitarreos de forma contenida. Es en el segundo de estos temas, ‘Under Crimson Skies’, donde el fragor se pronuncia de forma más evidente: aquí la estrategia de la primera mitad es la de recuperar la esencia del stoner, apelando a una transparente confluencia de swing Zeppeliniano y aristas agresivas del GURU GURU de “KanGuru”, con algunos toques al estilo del primer disco de HAWKWIND. En la segunda mitad, el grupo explora ambientes un poco más relajados a fin de generar un clima ensoñador que se siente a la vez cálido y distante. De esta
manera, se anuncia convenientemente el arribo de la pieza homónima para ocupar los últimos 6 minutos y pico del álbum. Su sencillo esquema recurrente, desarrollado sobre una lenta cadencia post-rockera en 15/8, evoca imágenes de contemplativa serenidad donde la introspección sirve como puente hacia proyecciones mentales de ensoñaciones calmadas.

En conclusión, tenemos en “I Wash My Soul In The Stream Of Infinity” un trabajo de espléndida lucidez psicodélico-kraut-stoner-space-rockera, en el cual se resume una muy lograda tarea de reivindicación, remodelación y refrescamiento de varias estrategias de inmortales de investigación progresiva. MY BROTHER THE WIND ha firmado con esta potente dupla de “Twilight In The Crystal Cabinet” y “I Wash My Soul In The Stream Of Infinity” su acta de solvencia creativa ante los ojos y oídos de los coleccionistas progresivos del nuevo milenio.

Muestras de “Twilight In The Crystal Cabinet”.-
Electric Universe: http://www.youtube.com/watch?v=6Qf9icvLS-w
Death And Beyond: http://www.youtube.com/watch?v=J7GLFa7kv9o

Muestras de “I Wash My Soul In The Stream Of Infinity”.-
Fire! Fire!!: http://www.youtube.com/watch?v=jawk_WnGsX4
I Wash My Soul In The Stream Of Infinity: http://www.youtube.com/watch?v=IUK7Wk_1hnE

[Dedico esta reseña a Ernesto Vidal, hermano progresivo y director del programa radial la Progresión, a quien debo agradecer enormemente el haberme mostrado la obra de este excelente grupo]

THE TANGENT sigue comunicando su visión progresiva al mundo

2011-12-10T00:15:00.008-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el momento de THE TANGENT, el cual hace su aporte a la escena progresiva de 2011 con un nuevo disco titulado “COMM”. Compartiendo el bajista de la alineación que grabó “Down And Out In Paris And London” y contando con un nuevo baterista y un guitarrista permanente (Tony Latham y Luke Machin, respectivamente), el grupo logra explotar una línea de continuidad respecto al susodicho disco anterior y pulir una gema retro-prog de exquisito nivel, alimentada con vigor y motivada por ambiciones musicales nada tímidas. A pesar de la inconstante disponibilidad del vientista Theo Travis, sus aportes siguen siendo vitales para el esquema grupal: de hecho, más que como invitado, él aparece acreditado como un quinto cuasi-miembro, o más específicamente, alguien que toca en la banda cada vez que tiene un hueco en su agenda, ya sea para una sesión de grabación, ya para un concierto. Lo mismo sucede con el baterista Nick Rickwood, quien aparece acreditado como baterista invitado “cada vez que Tony no está disponible”. Como anécdota agridulce, cabe señalar que Jonathan Barrett decidió abandonar las filas de THE TANGENT a poco de asegurarse la fecha de salida al mercado de este disco: comprarlo y disfrutarlo será, pues, no solo un disfrute personal sino un acto de agradecimiento por lo que él ha aportado al grupo. Disfrutemos ahora de un repaso descriptivo del repertorio de “COMM”.

‘The Wiki Man’ abre el disco con una exhibición de boato progresivo al más puro estilo ostentoso: una suite de más de 20 minutos de duración y que contiene seis secciones con sus respectivos títulos autónomos [a. Prologue - b. The Wiki Man - c. Competition Watershed - d. Edit Me Out - e. Car Boot Sale - f. The Wiki Man Reprise]. Este tipo de empresas musicales es uno dentro del cual Tillison siempre ha sentido cómodo, pues no es en lo absoluto la primera vez que él y sus compañeros de viaje del momento se explayan en ideas de largo aliento desarrolladas con un
meticuloso manejo de variaciones de motivos y ambientes. En este caso particular, el espíritu retro Yessiano se impone magníficamente tras unos breves instantes de efectos de ordenador a fin de instaurar un prólogo frontalmente llamativo sin preámbulos ni demoras de ningún tipo. La primera sección cantada se instala sobre un medio-tiempo, ocasionalmente alimentado por un groove funky, en el cual los momentos contenidos y los agresivos se suceden con impoluta fluidez: hay un aire muy a lo BEARDFISH-con-SPOCK’S BEARD en este pasaje, dos grupos con los cuales THE TANGENT siempre ha compartido confluencias estilísticas en dosis inocultables. Más adelante, el swing se intensifica en una suerte de colorida combinación entre RETURN TO FOREVER y GENTLE GIANT con retazos Canterburyanos: el viaje instrumental en curso incluye una cadena de solos de saxo, piano, sintetizador y guitarra, cadena que desemboca en un pasaje lánguido marcado por crepusculares fraseos de piano sazonados con efectivos ornamentos de bajo. Así las cosas, pasamos a una sección serena donde se respira un aire de expectativa y melancolía: una mención especial debe ir para los fraseos de la guitarra acústica, que son, de verdad, muy hermosos. El desarrollo de esta sección está arreglado con una elegancia consistente que permite a la siguiente sección, mucho más agresiva y colorida, emerger en el momento dado sin violar la naturalidad con la cual se ha venido desenvolviendo la sensibilidad musical del ensamble. En realidad, se trata de una reversión de la sección que se llama igual que la suite integral con una dosis un poco mayor de polenta rockera, algo que ayuda a crear un clímax definitivo. Tras este impactante inicio, la banda tiene que llevar sobre sus espaldas la misión de no dejar que la magia sonora decaiga, y el primer paso para ello es ‘The Mind’s Eye’. El sonido global de la primera sección de esta pieza es muy afín al ELP clásico con algunos matices extra de psicodelia: la musculatura sónica es patente e imponente. Luego llega uno de los consabidos interludios jazzeros que tanto le gustan a Tillison: es en estos pasajes donde Travis hace lucir su
fineza performativa al saxo y la flauta, y también hay un sensacional solo de guitarra shredder a cargo de un electrizante Machin, una intervención no es muy extensa pero lo suficientemente contundente como para producir un fuerte impacto a la hora de terminar de redondear el interludio jazz-rockero. El pasaje de cierre es lento y cálido, proveyendo de un aura ensoñadora a la instrumentación en un camino sostenido a través de una atmósfera calmada. El final de este tema es idóneo para abrir la puerta a ‘Shoot Them Down’ y su relajado carácter intimista: se trata, en efecto, de una balada rockera con sutiles resabios Floydianos (etapa “Wish YouWere Here”), aunque principalmente tiene parentescos con el sonido arquetípico de THE FLOWER KINGS. Nunca viene mal una ocasión para la sencillez en medio de esta aventura focalizada en la
ideología de la sofisticación en el lenguaje rockero.

El momento de ‘Tech Support Guy’ es uno de regreso a la vivacidad predominante: de hecho, su swing y articulación sonoras tienen cercanos parentescos con la suite inicial, aunque sin un boato tan pronunciado ni, obviamente, la misma intención de explorar vías sonoras épicas. En poco menos de 6 minutos, esta pieza exhibe una vibración retro que los conocedores de THE TANGENT sabemos reconocer instantáneamente. Los últimos 16 minutos y pico del álbum están ocupados por otra suite de 6 secciones: ‘Titanic Calls Carpathia’ [a. The Millpond - b. Titanic Calls Carpathia - c. Lovell Calls Houston - d. A Lost Soul Calls Antares - e. Fire In Our Fingers - f. Earth Calling Anyone]. El comienzo, marcado por las elegantes florituras de flauta del siempre impecable Travis, es sombrío y tranquilo, aunque con ese tipo de calma que parece ocultar o contener por un tiempo limitado alguna suerte de tensión, y de hecho, no tarda en emerger un
breve chispazo de luminosidad épica en los últimos instantes de la instalación del pasaje introductorio. Así las cosas, el ensamble se explaya en un ágil motivo que alterna parajes sobrios con otros más potentes: los primeros suenan a una especie de CARAVAN-con-GONG, mientras que los segundos ya cuentan con la fastuosidad prototípicamente Yessiana. Más adelante, el asunto se torna más agresivo, al modo de un estándar progresivo psicodélico alimentado con retazos de tendencia prog-metalera. Más adelante, siguen secciones inundadas de matices
Canterburyanos y jazz-prog en su mayor parte, aunque también hay algunos momentos más típicos de retro-prog muscular que THE TANGENT siempre ha cultivado bajo la sombra inicial de THE FLOWER KINGS. Posiblemente, en esta suite se hallen los mejores solos de sintetizador a cargo de Tillison en todo el álbum; y qué decir del solo Holdsworthiano que Machin elabora en algún momento sino que también es genial. Pero sobre todo, cabe destacar el groove tan imponente y pulcro que Barrett aporta a la estructura rítmica de todas las secciones – ¡simplemente brillante! La idea de concluir la suite con un tono sobrio después de una moderada explosión rockera ayuda bastante a mantener el magnetismo sereno que la ha venido caracterizando durante la mayor parte de su desarrollo temático.

Así pues, tenemos en “COMM” un imponente muestrario de rock retro-progresivo como los que viene acostumbrando a gestar de forma consistente y coherente la gente de THE TANGENT a lo largo de su muy variada historia. Al igual que con su álbum precedente “Down And Out In Paris And London”, el formato nuclear de cuarteto (aunque la presencia invitada de Theo Travis es demasiado recurrente como para decir que el grupo es simplemente un cuarteto) funciona adecuadamente a la hora de plasmar la misión progresiva de Tillison en el registro fonográfico concreto: o sea, el grupo no necesita replicar las abundantes alineaciones que ostentaba hasta los tiempos de “Not As Good As The Book”. Eso sí, se nota que este álbum goza de mucha de la inercia proveniente de la magia sonora de “Down And Out In Paris And London”, lo cual no está mal si, como es el caso, la creatividad para originar ideas compositivas efectivas y la energía para darles arreglos variados se mantienen en un buen nivel. Pero, por otra parte, está el peligro del formulismo… será una misión destinada para la gestación del siguiente disco de THE TANGENT, pues por ahora, todo sigue bien en estas huestes progresivas del nuevo milenio.

Muestra de "COMM".-

The Wiki Man: http://www.youtube.com/watch?v=AM-HKqPisFQ

MR. HYDE y su reflejo de la nueva liberación progresiva chilena

2011-12-08T09:49:00.004-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy traemos a colación a una joven banda progresiva chilena: MR. HYDE. Con un nombre tan siniestro como éste, al más puro estilo de Robert Louis Stevenson, MR. HYDE se hace presente en la escena progresiva con su álbum debut “Reflejo De Un Encierro”, el cual es un poderoso muestrario de preocupaciones musicales eclécticas remozadas en un estilo particular de forma enérgica y convincente. Formado en Valparaíso a inicios de 2007 bajo la iniciativa del guitarrista Felipe Alarcón y el baterista Raúl Vallejos, MR. HYDE empieza a tomar cuerpo con las prontas incorporaciones del teclista Cristian Pérez y el bajista Xavier Palominos. Tras pasar años creando material y cambiando algunos esquemas de su alineación (que por un tiempo incluía a un cantante) y grabando un EP debut, el grupo logra finalmente concretar este primer CD de larga duración. La formación actual incluye al bajista Felipe Leyton. Para “Reflejos De Un Encierro”, el grupo contó con las colaboraciones esporádicas de Félix Carbone a las percusiones (ilustre miembro de TRYO) y Tomás Carrasco a la flauta traversa.

‘Despertar’ abre el disco con entonaciones space-rockeras suficientemente estilizadas como para engarzarse dentro de un encuadre prog-sinfónico de fuertes resonancias modernas. ‘Viajes’ sigue a continuación para armar un exquisito híbrido de psicodelia orientalizada y una modalidad domesticada de prog-metal, alimentado por tintes de sinfonismo contemporáneo a lo KARMACANIC. La presencia del percusionista Félix Carbone como invitado ayuda a realzar los aspectos exóticos que salen a relucir en varios momentos relevantes del desarrollo temático. La secuencia de ‘Rebaños’ y ‘Éxtasis’ ocupa un espacio de 14 minutos y pico, tiempo más que suficiente para conceptualizar a fondo la estrategia ecléctica que MR. HYDE proyecta para su propia voz progresiva. ‘Rebaños’ comienza con un cautivador pasaje de piano que genera un espíritu expectante ante la inminente emergencia del cuerpo central, el cual llega asienta un viaje sonoro donde se alteran pasajes extrovertidos con otros reposados, un viaje simultáneamente cercano a la energía de LIQUID TENSION EXPERIMENT y la ceremoniosidad de TRANSATLANTIC. ‘Éxtasis’ tiene una actitud muy similar, pero sin preludio de piano (o cualquier otro instrumento), lo cual permite al ensamble integral contar con más espacio para explayarse en su vigor esencial. La ampulosidad mostrada en esta pieza tiende puentes con el estándar de PLANET X. La dupla de ‘Potencial De Acción’ y ‘Potencial De Reposo’ se acerca más a los patrones del space-rock aunque hay que tener en cuenta que el grupo mantiene firmemente enraizado su espíritu ecléctico dentro del esquema sonoro global: el primero muestra un filo rockero bastante aguerrido a través del despliegue de bases y atmósferas cósmicas, mientras que el segundo se explaya en climas mucho más reposados, atravesando el territorio Floydiano con ciertos coqueteos con el OZRIC TENTACLES de la segunda mitad de los 90s. ‘Vigilia’ comienza con un sigiloso motivo de bajo, pasando luego a un lirismo sereno e introspectivo a cargo de la dupla de guitarra acústica y piano: a partir de este último, el cuarteto desarrolla un ensoñador viaje fusionesco marcado por una aureola intimista. Mientras los cuatro miembros del grupo mantienen un perfil discreto, el invitado Tomás Carrasco se luce en la flauta para aportar un poco de vivacidad, idea que funciona muy bien. El comienzo de los últimos 9 minutos del disco viene de la mano de ‘Caída Libre’, tema que regresa a la hibridización de prog-metal y psicodelia que al grupo se le da tan bien, solo que esta vez con un acento jazz-funky en la estructura rítmica. ‘Claustrofobia’ cierra el álbum ostenta la inercia de la pieza precedente pero con un colorido más pronunciado, lo cual lo liga más a ‘Éxtasis’ y a ‘Viajes’.

En resumen, MR. HYDE logra con “Reflejos De Un Encierro” marcar un punto de referencia importante para darle nuevos bríos y una renovada luminosidad a la escena progresiva chilena que se ha venido desarrollando desde fines del milenio pasado. Sigamos atentos a lo que esta banda pueda ofrecernos en próximos trabajos discográficos.

Muestras de “Reflejos De Un Encierro”.-
Rebaños: http://www.youtube.com/watch?v=sKFp933Ygq4
Caída Libre: http://www.youtube.com/watch?v=TDHepciPuew

LEVIN TORN WHITE - un trío de avanzada, veteranía y fuego vivo

2011-12-05T11:09:00.005-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

No necesito presentar a TONY LEVIN, DAVID TORN y ALAN WHITE, tres veteranos del rock progresivo y experimental cuyos currículums y créditos hablan por sí solos (aparte del hecho bastante trivial de que la presencia del segundo no tiene un perfil tan destacado en el mainstream), aunque lo que sí debe presentarse es su asociación como power-trío para gestar un fantástico disco de rock instrumental vanguardista bajo el sencillo título de “Levin-Torn-White”. Hasta aquí, todo claro y todo bien delineado. Este álbum arrastra muchas de las más brillantes cualidades que se hicieron presentes en los proyectos de UPPER EXTREMITIES, POLYTOWN y BOZZIO LEVIN STEVENS, así como la amplia obra solista de Torn y los pasajes más aventureros de Levin: un desafiante eclecticismo de psicodelia, jazz-rock de vanguardia, prog oscuro, fusión y abstracciones cósmicas. De hecho, Torn y Levin parecen conformar un reinado bicéfalo para este power-trío, pero el tercer elemento Alan White es la gran sorpresa aquí. Al menos, para los que hemos criticado su falta de nervio en los últimos discos de Yes y su limitado sentido del desafío musical en su más reciente proyecto solista, apresurándonos a endosarle la etiqueta de “gloria quemada del progresivo” (o cualquier otra con un significado similar). Bueno, es verdad que él no ha gozado de mucho campo de expansión expresiva dentro de las últimas misiones Yessianas, y también que él ha demostrado no tener la vitalidad aventurera de su perpetuo némesis Bill Bruford, pero este disco nos obliga a tragarnos esas palabras que muchos hemos usado para señalar que ya había pasado su tiempo y que ya dio todo lo que tenía que dar en el negocio musical. Cuando parecía que aquellos tiempos en los que se había adentrado en el mundo del jazz-rock y arribado al mundo Yessiano durante su etapa más ambiciosa eran reliquias del pasado, White se ha revelado como una fuerza rítmica muy a tono con las exigencias de sus compañeros de este viaje, activando motores, aplicando anclas y forjando mástiles para que la dupla Torn-Levin mapee y dirija los diversos trayectos proyectados y reflejados en el repertorio de este disco. Pasemos ahora al repertorio en cuestión.

‘No Warning Lights’ abre al álbum con un ejercicio de psicodelia free-form a modo de bizarra expectativa ante lo que promete ser una excitante aventura sónica, una manifestación de la sombría noche en sus últimos instantes antes de que el sol emerja en un vibrante amanecer… ¡y la promesa empieza a cumplirse con las vibrantes llamas rockeras de ‘Ultra Mullett’, flameantes e hipnóticas como el imponente brillo de una aurora boreal! Este segundo tema se despliega sobre un autoafirmativo compás funky-rock donde el delirio neurótico propio del Crimsonismo 80ero y los aspectos más extrovertidos del proyecto UPPER EXTREMITIES hallan un adecuado campo de expansión. Después de esta celebración de la exaltación y el swing, ‘White Noise’ se explaya en un colorido caótico bajo la guisa de free-jazz, abriendo así la puerta para que ‘The Hood Fell’ exhiba un llamativo ejercicio de rock emo con un fuerte componente psicodélico: no se trata de una pieza estructuralmente compleja, pero el trío sabe insuflarle suficiente sofisticación como para sacarle imponente brillo a los riffs, los esquemas rítmicos y los fraseos en curso. Por su parte, ‘Monkey Mind’ despliega neurosis y furia con total desparpajo: el esquema rítmico de la pieza mantiene un afán relativamente comedido al swing que impone desde el inicio, dejando así a la divina guitarra de Torn liderar el camino expresivo del ensamble desde las áreas opresivamente torturadas del lenguaje rockero. ¡Todo un cénit del álbum! ‘Cheese It, The Corpse’, tema que sigue a continuación, no le queda a la zaga: su excitante manejo de un intrépido jam en 7/8 sirve para que el trío muestre plenamente su faceta pletórica, al modo de una aplanadora Crimsoniana alimentada por un talante juguetón. White opera como un maestro de obras con la mente sólida, mientras que Levin y Torn se enrollan en un desafío fraterno a la hora de llenar los espacios. Aunque las sonoridades en curso portan tonos sombríos, el cuadro musical resultante es extrovertido y, como dijimos antes, juguetón. ¡Otro cénit!... y no será el último.

Tras todas estas diversas expresiones de fragor rockero organizadas bajo una sofisticación grácil y a veces ampulosa, viene bien que ‘Convergence’ instale un sendero sónico de misterio y languidez, un sendero forjado con ornamentos psicodélicos de tendencia minimalista sobre los cuales van flotando alucinadas florituras cósmicas de guitarra. La neurosis ha dejado de buscar la luz del día y mira hacia el atardecer interno de sus propias pulsaciones emocionales, primero a través de la tensión casi callada de ‘Convergence’, e inmediatamente después, a través de la sombría melancolía de ‘Pillowfull Of Dark’, tema que desarrolla un lirismo bizarro en base a un esquema rítmico ceremonioso en el que las capas cósmicas, los fraseos de la guitarra eléctrica y los adornos de guitarra acústica delinean una refinada arquitectura de abrumadora inquietud. Una gema inescrutable y monumental, otro cénit, no nos cabe duda. La cadencia funky del breve jam jazz-rockero ‘The Eggman Cometh’ sirve para iluminar momentáneamente el ambiente, al modo de una ventana que se queda entreabierta por un rato, pero la emergencia de ‘Sleeping Horse’ nos muestra al trío nuevamente entusiasmado con explorar aspectos cósmicos de la inquietud mental y la oscuridad emocional, casi como un híbrido entre el TANGERINE DREAM 1972-3, el estándar del Frippertronics y ART ZOYD, aunque esos matices jazzeros sabiamente insertados en un paisaje psicodélico tienen el inconfundible sello magistral de Torn. La oscuridad se vuelve incendiaria, quemando a fuego lento sin agotar el oxígeno del entorno, es una oscuridad que, paradójicamente, en vez de ahogar el ambiente, lo revitaliza. Bajo un título tan gracioso como ‘Prom Night Of The Centipedes’ se nos ofrece un jam ágil aunque no exultante, aún embebido de la densidad oscura que ha venido marcando las pautas predominantes de expresividad de las últimas piezas: en todo caso, se nota una actitud mucho más extrovertida en el ensamble, especialmente en el modo en que White explora el momentum rítmico y en el modo en que Torn desarrolla un psicótico solo poco antes de llegar a la barrera de los 2 minutos. ‘Crunch Time’ retoma el sendero dinámicamente furioso de ‘Monkey Mind’ mientras se hace eco parcialmente del swing de ‘Cheese It, The Corpse’ y de la densidad cósmica que parece no querer irse… pero se termina yendo cuando arriba ‘Brain Tattoo’ con su exhibición de puro músculo, la cual empieza con un prólogo delirante pero pronto se focaliza en un talante un poco más relajado, eso sí, siempre filudo: al respecto, una mención especial debe ir para Levin, quien aporta aquí algunos de ataques más robustos desde su bajo. No hubiera venido mal que este tema durara un poco más, teniendo en cuenta su gancho, pero se exige que los últimos cinco minutos del álbum estén estrictamente ocupados por ‘Lights Out’, tema que explora arquitectónicas telarañas psicodélico-progresivas sobre los cimientos de una cadencia rítmica fusionesca, al modo de un punto de encrucijada entre UPPER EXTREMITIES, PROJECKT I y GORDIAN KNOT. Tal vez no se trate de la forma más luminosa de concluir el álbum, pero sin duda esta pieza porta un esplendor especial en sus propios términos, finalizando con un golpe de efecto tajante y definitivo.

Ésta fue la experiencia de “Levin-Torn-White”, el testimonio de una aventura progresiva contemporánea a cargo de un aquelarre de sabios expertos que lo único que tienen que hacer es confiar en sus propias experiencias vitales y en la lucidez intuitiva de sus compañeros de ruta para hacer que la química funcione a las mil (o diez o cien mil) maravillas. Gracias a Tony, David y Alan por haber brindado una obra tan filuda y motivadora a todos los coleccionistas progresivos del mundo.

Muestra de “Levin-Torn-White”.-
Ultra Mullett: http://www.youtube.com/watch?v=D_KVHPG5bbg

RUNAWAY TOTEM: los reyes del mundo avant-progresivo

2011-12-02T12:40:00.004-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es momento de celebrar lo nuevo de la banda italiana RUNAWAY TOTEM, la cual lleva varios años asentada como una de las más firmes expresiones de la vanguardia progresiva radical de su país. Dos años después de la secuencia de “Esameron” y “Manu Menes”, el grupo vuelve a la carga a fine de 2011 con “Le Roi Du Monde”. RUNAWAY TOTEM sigue a paso firme en su perpetua misión de rescatar, remodelar y replantear los legados del zeuhl y el chamber-rock como lo ha venido haciendo desde los tiempos de “Trimegistro”. El caso es que los eternos socios Cahål de Bêtêl (guitarras, teclados) y Tipheret (batería, percusión) ya han dejado de operar como un dúo (strictu sensu o con algunos colaboradores de turno) y ha expandido al grupo a un sexteto de base, el cual se completa con Dauno Giuseppe Buttiglione (bajos), Re-Tuz Raffaello Regoli (canto), Issirias Moira Dusatti (canto) y Anbis-Ur Marco Zanfei (teclados). El sonido grupal cuenta con espacios considerables para las intervenciones de parte de varios colaboradores a las cuerdas, maderas y metales, aparte de contar con un poeta y recitador llamado Abid Mohamed que ayuda mucho a desarrollar el concepto del presente álbum. El resultado final del álbum es sublime, y probablemente se trate del disco más decididamente ecléctico que el grupo ha diseñado dentro de sus firmemente establecidos cánones avant-progresivos. Conteniendo dos temas que rondan el espacio de media hora dentro de un repertorio de tres, el grupo sigue dando amplias muestras de su comodidad y autoconfianza a la hora de abordar composiciones de largo aliento y pretensiones épicas.

El primero de los tres temas que ocupan este disco dura más de media hora: 32 minutos y pico es lo que necesita ‘Il Giardino Del Nocciolo E Del Melograno’ para desarrollar la expresión inicial de este retorno de RUNAWAY TOTEM. Como una conjunción de coral a lo MAGMA y orquesta de estilo ART ZOYD que se abre paso al interior de unas catacumbas donde no todo parece estar muerto, el primer pasaje despliega una suerte de solemne exorcismo de los fantasmas de una época pasada que portan un mensaje para nosotros: todo esto durante cuatro minutos. Luego, una atmósfera cinematográfica de tormenta nocturna y ecos de murmullos animales surge como iniciación a una orquestación espartana y grisácea donde el aura de expectativa deja entrever claramente que hay un peligro latente pronto a manifestarse. El asunto se prolonga por casi 10
minutos, apelando a un refinadísimo sentido de oscura elegancia donde se va construyendo un crescendo milimétricamente sostenido en su casi imperceptible ascenso hacia un lugar peligroso. Y cuando llegamos al lugar peligroso… se produce una algarabía espectral marcada por la dialéctica aguerrida de cantos femeninos y masculinos sobre un complicado esquema rítmico que da prioridad a lo pulsátil, al modo de una maquinaria bélica que permite al ejército de espectros
marchar avasalladoramente y apoderarse de todo lo que encuentra. La batalla dura 3 minutos solamente, pero suficientemente aprovechados como para dejar una huella sutil en la siguiente sección, la cual se traslada por parajes minimalistas con una tonalidad emocionalmente oscura que solo puede ser inspirada por el pavor y el estupor. Este interludio marcado por una suerte de
languidez cósmica (aquí son abundantes los matices “spacey” afines al kraut electrónico) adquiere una vitalidad especial con el ingreso decisivo de la guitarra eléctrica, la cual dirige el camino hacia la sección final, una majestuosa muestra de progresivo orquestado que tiene ciertos nexos con el modelo del ‘Atom Heart Mother’ Floydiano. ‘Le Mariage Du Soleil Et La Lune’ empieza marcando un abierto contraste con la arrolladora densidad de la primera suite: con un arreglo de flauta, oboe, orquesta sintetizada y piano, se impone un lirismo exquisito donde la guitarra eléctrica añade un punche para complementar, no romper la sensación de vulnerabilidad. El canto femenino aporta una gravedad elegante al asunto, logrando así darle un mayor carácter al desarrollo temático. El asunto se pone grisáceo cuando la orquestación se va
nutriendo de más y más capas de emulaciones orquestales y vientos reales, tratándose de un viraje de inquietud a un lirismo que nunca desparece del núcleo temático.

Los últimos 29 ½ minutos del álbum están ocupados por ‘La Città Azzurra Del Sole’, pieza que transporta las sonoridades centrales de este disco a una dimensión monumental. El comienzo de este nuevo viaje sonoro hace notar que la solemnidad patente está enraizada en una tensión mental dispuesta a manifestarse en toda su plenitud desafiante: el dinamismo dirigido desde la
dupla rítmica y los neuróticos fraseos de la guitarra reflejan una angustia que se expande más allá de sus confines, al modo del HENRY COW (con Dagmahr). Cuando el piano pasa a ocupar el rol protagónico, la cuestión se sofistica a la par que aminora los recursos de neurosis y tensión que habían resultado inapelables inicialmente. La serenidad no implica un relajo de las “fuerzas de la oscuridad”, sino su reciclamiento a través de formas más sobrias de inquietud. Encontramos aquí elementos de avant-jazz, ejercicios cerebrales abstractos a lo HENRY COW y traviesos quiebres Zappianos como referentes inspirativos para el ensamble de RUNAWAY TOTEM. Si extrañábamos los momentos cumbre de ISILDUR’S BANE o simplemente queríamos ver que se dieran nuevos horizontes de sonoridad grácil dentro de los parámetros habituales del chamber-rock, entonces aquí tenemos la respuesta soñada, al menos hasta la barrera del decimocuarto minuto. Tras esta barrera, el canto (masculino) regresa al frente para devolvernos la aureola de sombrías conjuras y parsimoniosa retórica: el compás es lento y lánguido, como simbolizando un terrible peso en el espíritu a través de perpetuos recovecos en las vías del Limbo. Una nueva sección nos lleva a aleatorias atmósferas electrónicas con una emulación de canto tibetano que nos hace recordar, cómo no, a las investigaciones vanguardistas del inmortal Demetrio Stratos. Un desarrollo ulterior arrastra a esta sección a un momentum muy krautrock antes de que emerja el reprise del motivo inicial, portando una dosis extra de punche. Nos enfrentamos ahora a una suerte de HENRY COW Crimsonizado con sazones adicionales de FAR CORNER, una fórmula ideal para darle un clímax esplendoroso a la suite y al álbum.

En conclusión, tenemos en “Le Roi Du Monde” un nuevo posicionamiento importante para la perpetuación de la vitalidad del prog vanguardista en nuestros tiempos. RUNAWAY TOTEM logra con éste, su octavo registro fonográfico, mantener su trono ya cimentado a través de los bizarros triunfos artísticos plasmados en álbumes precedentes. No importa si extrañamos un poco las dosis ostentosas de majestuosidad martilleante en “Esameron” o de intensidad hiperbólicamente tétrica en “Tep Zeri” o “Andromeda”, el hecho es que “Le Roi Du Monde” exhibe su imperial grandeza en base a un manejo renovador del eclecticismo potente y el espíritu desafiantemente rabioso que siempre han formado parte del ideario musical de RUNAWAY TOTEM. ¡¡Recomendado!!

CAMEMBERT, un ataque frontal de egregios sonidos progresivos

2011-11-29T16:19:00.003-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy traigo a colación a CAMEMBERT, ensamble progresivo francés fundado en los primeros años del nuevo milenio en la bella localidad alsaciana de Estrasburgo. A pesar de las primeras alusiones Gongianas que nos pueden venir a la mente en base a su solo nombre, este ensamble no se dedica a hacer una reconstrucción del Canterbury cósmico que Allen, Hillage & co. patentaron en los 70s: más bien, la línea de trabajo de CAMEMBERT se enfila por una traviesamente cálida confluencia de jazz-prog, ZAPPA, RIO, fusión y psicodelia domesticada, generando así una hermandad estilística con bandas como JAGA-JAZZIST, YUGEN y CUCCI-BAND. Incluso algunos músicos de CAMEMBERT han colaborado en el disco de SKE “1000 Autunni”. Tras grabar un EP en 2009 titulado “Clacosmique”, la banda nos brinda en 2011 su primer CD de larga duración titulado “Schnörgl Attahk”, por vía del sello AltrOck Records. La formación del grupo consiste de: Bertrand Eber (trompeta, didgeridoo, cencerro, voces, silbato), Guillaume Gravelin (arpa), Fabrice Toussaint (trombón, Xybraphone, congas, tam-tam, triángulo, percusión), Julien Travelleti: (trombón bajo, tuba), Vincent Sexauer (guitarra), Philémon Walter (batería) y Pierre Wawrzyniak (bajo, guitarra acústica, voces).

El disco abre con una aureola expectativa iniciada por un minuto y medio de atmósferas psicodélicas free-form (‘Infinicheese’) y medio minuto de solemne crescendo minimalista (‘Clacos Zero’), siendo así que el tercer tema, ‘Untung Untungan 2.0’ es el primero que realmente instala una arquitectura musical propiamente dicha. En esta pieza nos topamos con más de 11 minutos de delicia sónica donde la misteriosa calidez del jazz vanguardista y la compleja artesanía del chamber-rock se funden en una única amalgama orquestal donde los motivos y bases armónicas son bellos y retadores en dimensiones equitativas. Algunos trazos de Latin-jazz por aquí y otros trazos de RIO ensoñador (a lo ISILDUR’S BANE) por allí, además de cierto trucos Zappianos y una excursión en cadencias de corte reggae cerca del final, permiten a la pieza mantener una vitalidad cohesiva y uniforme a través de sus diversas secciones. La presencia del invitado Francesco Zago (líder de YUGEN y colaborador de SKE) aporta una prestancia especial al ya de por sí nutrido ensamble musical. Los siguientes 10 ¼ minutos están ocupados por la dupla de ‘Clacos 1: Notre Mere À Tous’ y ‘El Ruotuav Ed Sram’. El primero es un preludio que, a partir de los mimos golpes de bajo que impulsaron ‘Caclos Zero’, desarrolla una iniciación serena y lírica, más que idónea para orientarnos hacia la emergencia del segundo tema. Éste tiene mucho en común con el jazz-prog vanguardista meticulosamente colorido de unos JAGA-JAZZIST en confluencia con la faceta más extrovertida de YUGEN. El pasaje final porta una atmósfera grisácea, casi amenazante, pero para nada rompiendo con la magia que ha venido predominando desde el instante inicial. Luego sigue otra dupla, conformada esta vez por ‘Clacos 2: Die Experimente Von Dr. Frankenschnoergl’ y ‘Le Meurtrier Volant’. Esta vez nos encontramos con un preludio denso y con un tema extenso que empieza enfilado hacia ambientes sombríos, tal vez hasta tétricos en un nivel sutil. Ya en su segunda mitad, el tema desarrolla un tenor focalizado en atmósferas un poco más relajantes, aunque sin abandonar lo sombrío del todo, y de hecho, hay un cierto halo de tensión en la sección final.

Los últimos 17 minutos y pico del álbum están ocupados por el concepto de ‘La Danse Du Chameau’, el cual consta de cinco secciones musicales cuya ilación redondea perfectamente la visión artística de la banda. ‘Batifolade’ comienza con un clima reminiscente de un ritual tribal africano antes de reorientarse hacia áreas de Latin-jazz psicodélico en 5/4. ‘Soif!’ ofrece un breve momento de intenso caos, mantenido en un nivel de elegancia, al modo de un puente hacia las vibraciones extrovertidas de ‘La Tempete De Sable’, las cuales revelan un colorido más grácil que ‘La Danse Du Chameau’. La pauta predominante también es el 5/4, pero la relajada sección final está en 6/8, una sección apoyada en un lirismo flotante. ‘Reveries Lubriques’ es un nuevo puente de libertad expresiva traducida a caos que estimula la expectativa precedente a ‘The Final Run’, pieza que regresa en su primera sección al asunto de la fusión en 5/4, antes de que las dos siguientes secciones nos trasladan hacia sucesivas plasmaciones de complejos matices de inspiración tropical y traviesos trucos Zappianos. La reinante extravagancia no oculta la aureola de lúdica extroversión que la banda ha venido desarrollando con ingenio, dinamismo y buen humor.

Tenemos, entonces, en “Schnörgl Attahk” un muestrario de música progresiva excitantemente colorida en base a un juego muy dinámico y revitalizador con varias de las coordenadas más osadas del género. CAMEMBERT se revela como una fuerza creativa muy a tener en cuenta de aquí en adelante: la egregia magia de sus ataques sónicos habla por sí misma.

AKT - la continua vitalidad del rock progresivo italiano

2011-11-26T09:30:00.007-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión hablaremos de un grupo italiano formado en la localidad italiana de Boloña en
1998: AKT. Se trata de una de las más brillantes sorpresas de la escena progresiva mediterránea de los últimos años. El grupo tenía estructuras alternadas de cuarteto y de quinteto en sus primeros años, pero finalmente la alineación estable se redujo a Simone Negrini (guitarras, banjo, percusión, corno bovino y voz), Marco Brucale (batería, teclados, percusión, percutarra y voz) y Alessandro Malandra (bajos, contrabajo, iPhone, ocarina y voz). Al grupo le gusta poner al servicio de los melómanos internautas su música a través de su página web (con dirección en http://www.abstrakt.it/): según ellos, “la música debe darse a conocer, expandirse, comunicarse, ser de acceso gratuito, abierto y compartido a fin de que pueda manejarse y editarse como si fuese un descubrimiento”. Después de que el trío lograra registrar su álbum debut “Déntrokirtòs” en 2007, ahora en 2011 tenemos de su parte a “Blemmebeya”, una joya peculiar dentro de la música progresiva sinfónica que se está cocinando continuamente en el nuevo milenio en Italia.

‘Prima Della Fine’ es un preludio narrado sobre una base de percusiones y efectos sintetizados, siendo así que la narración consiste en una reflexión ceremoniosamente crítica sobre varios clichés de la sociedad moderna y las instituciones políticas del estándar del estado-nación. De este modo, se abre el camino para la instauración de ‘L’Assalto’, una pieza de casi diez minutos de duración. Su primera sección resulta una imponente obertura instrumental, típicamente sinfónica de orientación retro, afín a los legados de LE ORME, LOCANDA DELLE FATE y YES, con algunos toques modernos que nos hacen recordar a sus coterráneos de LABIRINTO DI SPECCHI, IL CASTELLO DI ATLANTE y GRAN TURISMO VELOCE. Ya al asentarse las secciones cantadas, el desarrollo melódico se hace más lírico, aunque aún manteniendo buena parte del vigor inicial, y de hecho, la retoma de uno de los motivos iniciales para la coda permite a la banda cerrar solventemente el círculo de la composición. ‘TG Egeo’ es la pieza que sigue a continuación, apelando a mayores dosis de robustez y a un manejo más complejo de la arquitectura rítmica, mientras se mantiene el colorido lírico: un poco menos de LABIRINTO DI SPECCHI, un poco más de LA MASCHERA DI CERA. Las cadencias jazzeras diseñadas por la batería ayudan enormemente a preservar el vigor acrecentado, mientras que el desarrollo temático incluye algunos matices arabescos y algunas atonalidades propias de los estándares Crimsonianos. ‘Favonio’ se forma en base al núcleo de una balada acústica, con tintes pastorales, cuyo desarrollo final incluye la presencia de capas de teclado y destellos de mellotrón, logrando así potencializar una sofisticación incrementada al asunto. Acto seguido llega ‘Stati D’Animo Uniti’, una canción totalmente distinta, bastante extravagante en su diversidad estructural. El
motivo central de la pieza se enraíza en una combinación de psicodelia electrónica y atmósferas reflexivas de tendencia post-rockera (y con tufillos Crimsonianos), mientras que los puentes instrumentales abren campo para la emergencia de aires fusionescos a lo bossa nova, y allí es cuando la guitarra acústica asume un peculiar protagonismo. También hay un fabuloso solo de
guitarra a lo HOLDSWORTH que se hace notar mientras la banda se esmera en seguir explorando cadencias jazzeras para el pasaje final. Hasta aquí, tenemos una primera mitad del álbum donde el ensamble de AKT exhibe su paleta sonora con mágico encanto e inteligente precisión; desde ‘Di Vento’ en adelante, el ambiente general se focalizará en paisajes introspectivos donde el alma contempla su propio atardecer en camino hacia la oscura nocturnidad.

‘Di Vento’ es la canción más extensa del álbum, con sus 10 ¾ minutos de duración. Tiene un carácter innegablemente épico, pues el grupo se explaya en algunos de sus máximos niveles de expresividad: la composición en sí misma no iguala los niveles de sofisticación y prolijidad que eran tan patentes en las canciones segunda y tercera, pero la consistente magnificencia que ilumina sus sucesivos motivos bien definidos hace que la canción resulte imponente. Pasando
de pasajes psicodélicos marcados por una moderada densidad hacia otros más reposados de carácter ensoñador, la canción concluye con una grandilocuente letanía sinfónica donde se destaca una guitarra solista rebosante de lirismo y temperamento. ‘Mani Aperte’ se retrotrae hacia climas más intimistas, con preferente presencia de las guitarras acústicas y el banjo dentro de un esquema sonoro donde conviven el sinfonismo pastoral (PFM, CELESTE) y aires folclóricos arabescos bajo un filtro fusionesco. La pieza es sofisticada a su manera, desarrollándose a través de sofisticadas variantes rítmicas y una delicadamente equilibrada armazón entre percusiones, guitarras y teclados. ‘Zeitgeist’ se enfila por el camino de la etno-psicodelia con aires space-rockeros, manejados éstos con la suavidad que amerita el talante controlado de la base compositiva del tema. Finalmente, ‘La Fine’ cierra el álbum aportando algunos ecos de la psicodelia etéreamente domesticada de la canción precedente y recogiendo algunas dosis de la melancolía ceremoniosa vertida en la sección epilogar de ‘Di Vento’: de este modo, el disco termina con una aureola misteriosa y sombría, aunque no con una oscuridad espiritual chocante o inquieta, sino más bien con una sensación de ensimismamiento en el propio solipsismo, un ahondamiento hacia rincones del alma cuya esencia escapa a la racionalización, una dormición cuyos vuelos oníricos son imposibles de explicar.

Poniendo en perspectiva la experiencia de “Blemmebeya”, hacemos un balance muy positivo de
lo que los Sres. Brucale, Negreti y Malandra aportan a la vigencia del underground progresivo de su país, así como a nivel mundial. ¡Se recomienda urgentemente seguir la pista de AKT!

Muestras de “Blemmebeya”.-

Di Vento: http://www.youtube.com/watch?v=Xl-cxVsZidM
La Fine: http://www.youtube.com/watch?v=iMQKHEymgIo

SUR OCULTO, masa sonora en su tercera erupción jazz-progresiva

2011-11-23T09:21:00.006-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Para el día de hoy nos complacemos en exponer nuestras opiniones del reciente tercer disco del trío instrumental argentino SUR OCULTO, opiniones muy entusiastas en verdad, y ciertamente tiene mucho sentido de debido al gran disfrute que nos ha supuesto degustar y repasar “Sur Oculto”. Originario de Córdoba, SUR OCULTO explota su propio vigor esencial para crear moles sonoras y murallas musicales donde los propios ecos de sus ideas potencializan la cifra del trío
hasta el punto de parecer una orquesta de jazz-rock de 3 por 3 músicos. Tres power-tríos en uno, o un power-trío que se expone a su propio cuadrado desde que empieza a tocar hasta que termina: que el lector escoja el símil aritmético que mejor le plazca. Y hablamos de este grupo resaltando su dinámica contundente y su robustez expresiva porque en su homónimo tercer disco, editado y presentado públicamente en el último mes de agosto queda perfectamente
retratado el ser esencial de la banda. Es un disco definitorio en el sentido más determinante de la palabra, es una obra crucial para la proyección y crecimiento de Sur Oculto como unidad de creación artística. En este enlace http://redaccion351.com/cultura/%E2%80%9Csur-oculto%E2%80%9D-o-zeitgeber-del-caos-sonoro/ aparece una entrevista al trío donde se repasa meticulosamente el repertorio del álbum: queda como referencia principal para entender los conceptos y sensaciones que inspiraron a la banda desde una mirada a sí misma, y ahora pasamos a plasmar nuestra propia óptica sobre la experiencia de “Sur Oculto”.

Con ‘El Eterno Regreso Al Caos’ el trío da inicio al disco enfilando todas sus baterías sónicas en pos de generar un incendio cósmico, a partir de llamaradas inapelables amalgamadas en imposibles arquitecturas rítmicas. La armazón que integra las interacciones de los tres músicos es tan impecable como contundente, hilando los diversos motifs y tempos con magistral pulcritud. Las cosas no se suavizan para nada con la siguiente pieza ‘Elefante’, y de hecho, se puede decir que el fragor psicodélico incrementa su poder incendiario por vía de la articulación de ambientes más sombríos: la energía de unos PLANET X y el embrujo oscurantista del chamber-rock galo se combinan bajo una aureola Crimsoniana. ‘Perro Nervioso’, con sus casi 8 minutos de duración, permite al grupo ahondar en sus exploraciones rítmicas bajo un tenor marcadamente abstracto, llevando las pautas del kraut electrónico y el bass’n’drums al área del avant-jazz: el ritmo es el núcleo de la base compositiva de esta pieza, siendo así que los espectrales ornamentos del sintetizador aportan bizarros recursos de expresividad cósmica. Tras dos muestras de abierta tensión y otra de tensión un poco más contenida, ‘Zeitgeber I’ ofrece un poco de descanso a través de un giro un tanto intimista hacia elementos de nu-jazz con recursos
dub: el swing es contagioso, sin duda, pero la atmósfera reinante es inescrutable, lo cual hace que la banda se siga concentrando en la misión de motivar perturbación en los oyentes. ‘Campastrom’ retorna campante y flagrantemente al imperio de la tensión que se había plasmado tan magistralmente en los dos primeros temas, esta vez con un realce de las pulsaciones gestadas por la batería, mientras que el bajo luce líneas sofisticadas desde su foco protagónico y el teclado transita solventemente por serenos juegos de escalas y densos ornamentos neuróticos. La momentánea emergencia de un interludio caótico ayuda a completar el cuadro sonoro de la pieza antes de que se empiece a armar su pasaje final. La tensión de marca registrada SUR OCULTO en una manifestación tremendamente épica. ‘Infradiano’ es una breve excursión Crimsoniana en ambientes lánguidos que antecede al vigor elegante de ‘Yuxtaposición’, pieza signada por una grácil combinación de nu-jazz y psicodelia etérea donde las cosas empiezan de una forma bastante contenida y terminan con un espíritu marchoso, muy a lo funk, como una remodelación cuasi-electrónica del WEATHER REPORT pre-Pastorius. ‘Circadiano’ es un solo de batería donde González explora cadencias y texturas de su instrumento con afilada intuición, generando matices y jugando con los vacíos calmados en vez de exhibir la mera solvencia técnica (solvencia que él tiene a raudales… ¡por supuesto!).

‘B’ nos devuelve al ensamble en pleno, focalizado en la tensión electrizante y el diestro manejo de las variantes de ambientes: al respecto, cabe notar que el abierto contraste entre los pasajes energéticos y los reposados está manejado con suprema elegancia. La sección final se alimenta de los retazos cósmicos que se habían estado enraizando en los pasajes reposados de manera sostenida… algo en cierto modo afín al PF de la etapa “Ummagumma”. ‘Zeitgeber II’ explora un
swing más intenso que el del primer ‘Zeitgeber’, y aún así, no se siente tan imponente: el asunto es que la labor de los teclados se sitúa en una posición sutil, las extravagancias del bajo se mantienen lateralmente conectados con la batería, siendo este último el instrumento que realmente asume el rol protagónico – incluso hay un solo bien armado de su parte en algún momento. En ‘8124 Liverpool’, la banda vuelve a exhibir un ensamblaje más equilibrado, operando así como una maquinaria robusta… como siempre… Esta vez, la presencia destacada
del piano le da un acento particularmente lírico al despliegue del motivo principal, aunque también hay espacios para complejos vericuetos y ornamentos densos que toman de sorpresa al oyente. Los últimos 15 minutos y pico del álbum están ocupados por ‘Zeitgeber III’, tema que resulta, de lejos, la más extensa composición registrada por el trío hasta la fecha. Los primeros siete minutos están marcados por una cadencia ceremoniosamente flotante como la del primer
‘Zeitgeber’, pero a partir de allí la atmósfera se enrarece por vía de la inmersión en climas psicodélicos y un swing más sofisticado de parte de la dupla rítmica. Esto sucede de forma sigilosa, por lo que se puede decir que recién alrededor de la frontera del décimo minuto se produce el verdadero clímax de la pieza. a partir de ahí, el ensamble se pone a improvisar algunos trucos (florituras de bajo, ligeras modificaciones en timbres y golpes, algún ejercicio casual de constricción) para mantener el momentum de una manera envolvente. Los efectos finales del sintetizador completan la idea apropiadamente.

“Sur Oculto” es, a fin de cuentas, el álbum más idiosincrático de este combo de Pablo González, Fabricio Morás y Sebastián Teves. SUR OCULTO ya está instalado como nombre heroico de la escena musical de su localidad, y ya va siendo hora que su renombre genere ecos dentro del ámbito internauta de aficionados a la música progresiva y afines. Ciertamente, este registro confirma con creces las palabras de elogio que la banda ha ido cosechando para cada uno de sus disco, especialmente el que reseñamos ahora. Se trata de una obra muy extensa, pero para nada abrumadora ni cansina, sino vitalista de manera consistente: este volcán tripartito argentino sigue generando lava de música excelente y explosiva. ¡¡Recomendado!!

Muestras de “Sur Oculto”.-
El Eterno Regreso Al Caos: http://soundcloud.com/sur-oculto/el-eterno-regreso-al-caos
Zeitgeber III: http://soundcloud.com/sur-oculto/zeitgeber-iii
Elefante (en vivo en el programa Música Urbana): http://www.youtube.com/watch?v=csorqIBOH78

ARENAL - degustación de un delicioso brindis progresivo chileno

2011-11-20T11:38:00.008-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy traemos a colación a la novel banda chilena ARENAL, cuarteto instrumental de Valparaíso dedicado a crear música progresiva enmarcada dentro de una confluencia entre el sinfonismo estándar y el jazz-rock, con ciertos elementos matizados de prog-metal y psicodelia insertados en la mezcla para darle una robustez peculiar al sonido global. Su aporte a la escena progresiva del presente año 2011 es “Cabernet Sauvignon”, su segundo registro fonográfico. El grupo se fundó a fines del milenio pasado, y fue en 2003 que logró publicar su primer disco “A Tres Cuadras Del Mar”. Tras un par de cambios en su formación y una larga temporada de 8 años, el grupo logra concretar su segundo álbum. La formación que graba este disco es: Daniel Nanjari (teclados), Sandro Fernández (guitarras), Matías Iturra (bajo) y Raúl Vallejos (batería). Como invitado ocasional está el trompetista Jorge Lobos. A despecho de lo que se pueda intuir a través de su espaciada producción fonográfica, Arenal ha desarrollado diferentes presentaciones y se ha involucrado en proyectos como el homenaje a CONGRESO y el tributo a VIOLETA PARRA organizado por el Consejo de la Cultura. El grupo define su sonido bajo influencias polivalentes que provienen de la tradición progresiva sinfónica (YES, CAMEL, UK), el jazz-prog (COLOSSEUM II) y estándares contemporáneos de retro-prog y jazz-rock prog-metalizado (KARMACANIC, PLANET X, LTE). Podemos advertir confluencias estilísticas con otras bandas sudamericanas de reciente presencia en el imaginario progresivo como PRISMA-X, MATRAZ, RETSAM SURIV y URANIAN. Las responsabilidades autorales están repartidas entre Nanjari y Fernández.

Con el exquisito ruido de un vino vertiéndose sobre una copa se abre la puerta a ‘Ditirambo’, tema que expresa una sensibilidad lírica bien armada, sostenida alternadamente por una muscularidad contundente y un swing sofisticado, además de un interesante interludio lento dispuesto para crear una suerte de expectativa. La complejidad es evidente pero no arrolladora, pues la banda se focaliza inteligentemente en los armados melódicos de cada pieza en cuestión. ‘Sueños De Una Canción’ porta una ambientación más flotante, con un mayor protagonismo del teclado, el cual alterna preciosismos sinfónicos Wakemanianos y coloridos cálidos a lo Camel a la hora de dirigir el desarrollo temático y las cadencias rítmicas de la pieza. Para ‘Viaje A La Otra Costa’, el grupo retoma la polenta fastuosa que se impuso en el primer tema y lo traslada por senderos de magnificencia contemplativa, ocasionalmente complementados con robustos interludios extrovertidos: la coda es exitosa a la hora de aportar un cierre épico al asunto. ‘Soliloquium’ es una pieza diseñada para el lucimiento de las guitarras acústica y eléctrica: se trata efectivamente de un elegante soliloquio arropado bajo cósmicas capas de teclado. Tras este ejercicio de exploraciones introspectivas, llega la secuencia de ‘Vientos De Vino y Cueca’ y ‘Vitis Vinífera’ para devolvernos los colores del mundo: el primero de estos temas organiza su estructura rítmica en torno a la cueca, pero escapando a los estándares habituales de la fusión mediante la aportación de una dinámica sinfónica en su arreglos decisivo; el segundo, por su parte, retoma la fastuosidad de los temas 1ro y 3ro con una bien armada soltura. ‘Vendimia’ tiene un lirismo que nos puede hacer recordar a ‘Sueños De Una Canción’, pero esta vez es la guitarra acústica quien define el desarrollo de la base melódica y armónica de la composición. Poco antes de llegar a la barrera del cuarto minuto, se intensifica un poco la atmósfera por un momento con el fin de armar un interludio en camino hacia el reprise final del primer motivo. El último tema, que es el que precisamente da título al disco, es una pieza de piano solo, cargada de aires criollos y con algunos tufillos Wakemanianos por allí: un cierre intimista tras todo el despliegue de colorido que ha dominado la mayor parte del repertorio del disco.

En un espacio menor de 40 minutos, ARENAL ha logrado plasmar un sólido repertorio donde enmarcar su propia apuesta progresiva, una apuesta que cuenta con suficientes dosis de vigor y musicalidad como para suponer una genuina vía de revitalización para el rock progresivo de nuestros días. Con “Cabernet Sauvignon”, disfurtamos de un brindis musical de una cosecha progresiva no tiene pierde.

Muestras de “Cabernet Sauvignon”.-
Sueños De Una Canción (en vivo): http://www.youtube.com/watch?v=y6rmgzgQmJk
Vientos De Vino y Cueca: http://www.youtube.com/watch?v=tLcYSgpe_ws

GO-NEKO! - explosiones psicodélicas para un mundo de mutantes y malvados

2011-11-18T08:54:00.007-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es nuestro turno de hablar sobre GO-NEKO!, ensamble argentino de rock experimental
formado a inicios de 2004 y con una visión muy clara de cómo desarrollar una sonoridad potente al servicio de su visión rebelde sobre la sociedad contemporánea. Su más reciente lanzamiento es “Los Malos De Verdad”, su tercera placa tras su EP debut (de 2006) y su primer larga duración “Una Especie De Mutante” (de 2008). La banda ya ha instalado su propio posicionamiento firme
dentro de la vanguardia bonaerense de los últimos años. El ensamble es en sí es un quinteto formado por Hermano Pipe (teclados y sintetizadores), Mariano Neko (bajo), Tom (batería y armónica), Manu (guitarras) y El Peta (guitarras): cualquier otro nombre que aparezca en los créditos de sus discos como supuesto miembro de la banda es en realidad un personaje de una historieta que forma parte del imaginario político-artístico de GO-NEKO! (más detalles sobre este parnaso de figuras heroicas de la rebelión urbana y la contracultura en el sitio web del
grupo - http://www.goneko.com.ar/nuevoindex.html). La naturaleza esencialmente extrovertida de la visión musical de GO-NEKO! es tan patente como combativa, tal como se advierte en los apocalípticos mensajes (dramáticos dentro de un contexto de abierta sátira social) que se insertan en muchísimos pasajes de los diversos vuelos instrumentales encapsulados en el repertorio: es como si el grupo tuviera como misión principal el poner banda sonora al terrible y
autodestructivo mundo que nos rodea, victimizado por las políticas de dominación transnacional, instrumentalización del poder político y globalización macro-económica que emergen de sus propios sueños de progreso.

“Una Especie De Mutante” se inicia con ‘Go-Kraut!’, un vibrante jam a lo NEU!-con-SONIC YOUTH, siguiendo a continuación con la aventura Hawkwindiana ‘Mike Ontry’, basada en la confluencia de la densidad lisérgica de “In Search Of Space” y las proyecciones más rústicas de “Hawkwind”. ‘Hum-On’ abandona el frenesí en nombre de una espiritualidad lánguida e introspectiva, afín a los matices usuales del post-rock estandarizado. La sucesión de ‘Go-Perros!’ y ‘Go!’ prosigue por esta línea de trabajo, alimentándola con una luminosidad más extrovertida: el primero de estos temas celebra la euforia del alma prácticamente desde sus primeras pulsaciones, mientras que el segundo lo hace de una manera más calculada y ambiciosa, sacando buen provecho de su espacio de 8 minutos y poco más. ‘Primates’ aligera al inicio un poco las cosas con una colorida exhibición de dinamismo en base a una excitante amalgama de no-wave y
post-punk, pero teniendo en cuenta que siempre está presente una sólida envoltura de electrificaciones fielmente space-rockeras, no es de extrañar que éstas se vayan imponiendo hasta redefinir la estructura del jam en curso durante su crucial segunda mitad. ‘Los Niños Beta’ se retrotrae hacia senderos más reflexivos en base a la utilización de un jam a medio tiempo donde el post-punk melódico y el stoner se asocian en una amalgama sonora cuya calidez no oculta para nada el despliegue de vigor rockero que tiene lugar: ‘Berberechos’, por su parte, enfila más concienzudamente su bloque sonoro en los recovecos reflexivos del post-rock, logrando así crear un envolvente clima meditabundo en torno al oyente. En fin, “Una Especie De Mutante” se cierra con ‘Sub-Comandante Brown’, una magnética síntesis de la psicodelia espacial y las atmósferas post-rockeras que han venido constituyendo los referentes prioritarios del sonido grupal.

Dos años después del mapeo musical que se trazó en “Una Especie De Mutante”, se develó un segundo disco más muscular y mejor robustecido: “Los Malos De Verdad”. Este ítem nos muestra a un GO-NEKO! totalmente afianzado en su propia evolución natural. Los primeros 7 minutos de este disco están ocupados por ‘8th Man’, pieza que comienza con una breve introducción de envolventes capas de sintetizador e hipnóticas líneas de armónica, hasta que los arpegios de las guitarras duales y los medidos ornamentos del bajo anuncian, lenta pero sostenidamente, lo que habrá de ser un explícito ejercicio de psicodelia motorizada al modo de un homenaje simultáneo al HAWKWIND de “Doremi Fasol Latido” y el NEU! de los dos primeros discos. ‘La Máquina Fantasma’ es un opresivo puente electrizantemente tenso, basado en una frenética pulsación rítmica, que lleva hacia la engañosa languidez cósmica de ‘Ask Matusa What To Do!’, pieza que elabora un ágil punto de confluencia entre la parsimonia atmosférica del post-rock y la inquietante densidad del krautrock guitarrero a lo ASH RA TEMPEL, además de la visceralidad intensa del no-wave. La secuencia de ‘No Tengo Otra Alternativa’ y ‘La Gran Marcha’ tiene la misión de seguir adelante con las pautas sonoras en curso, siendo así que el primero de estos temas establece una fluida mezcla de NEU! y el ENO del “Warm Jets”, mientras que el segundo se enfila más abiertamente hacia la tradición space-rockera de inspiración GONG-Hillageana, poniendo más énfasis en atmósferas sutiles evidentemente, aunque sin desvanecer del todo la polenta rockera propiamente esencial del grupo. El momento de ‘Fuego En El Campamento’ y ’14 De Junio’ es uno de retoma frontal del imperio de las cadencias pulsátiles, comenzando con la dinámica motorick de ‘Fuego’ y terminando con el incendiario entusiasmo Hawkwindiano del segundo: así pues, el grupo vuelve a explorar su faceta de colorida extroversión antes de que ‘Esto Es Guerra’ reinstale y recicle la estrategia del post-rock muscular con ornamentos space-rockeros. Este recurso ya había funcionado muy bien en la primera mitad de ‘Ask Matusa What To Do!’… solo que esta vez el grupo se concentra en cadencias contenidas, como focalizando su reflexión musical en la aureola de terror e incertidumbre que implica la imagen de una amenaza bélica clara y directa. Es aquí que cobra sentido la irrupción de psicodelia frenética y vibrante de la canción homónima: ‘Los Malos De Verdad’ es una fabulosa fantasía de psicodelia stoner a la vieja usanza, aunque no exenta de una genuina vitalidad muy actual. Engarzado con este tema, ‘Los Camaradas De Brown’ funciona como un epílogo monumentalmente robusto, una capitalización letal, y a la vez sublime, de lo que significa la psicodelia pesada. ‘Hago Mal En Mirar A Los Muertos’, por su parte, retoma la bipolar lógica del post-rock Hawkwindizado de ‘Ask Matusa What To Do!’, siendo así que ‘Salen Kombis’ se aferra firmemente al estándar de HAWKWIND. En fin, ‘Tumba Ranchos’ ocupa los últimos casi 7 minutos del álbum con el desarrollo de climas opresivos y densos en medio de efectos de alarmas, códigos Morse y arengas radiofónicas: la forma de la estructura instrumental ya es bastante reconocible – kraut muscular y space-rock machacante con algunos ligeros matices post-rockeros en ciertos breves interludios, todo ello organizado en un camino hacia las explosiones finales.

A fin de cuentas, la dupla de “Una Especie De Mutante” y “Los Malos De Verdad” resulta un testimonio decisivo de una de las vertientes más voraces de la vanguardia rockera argentina de nuestros días. GO-NEKO! es una banda que cuenta con suficientes dosis de músculo y talento para recoger los esquemas y matices más agresivos de diversas tradiciones de la psicodelia de vieja usanza y rock experimental para revitalizarlas en su propia propuesta sonora. De hecho, su propuesta musical establece una solución de continuidad y coherencia frente a las concepciones contraculturales y postmodernas que le sirven de inspiración.

Muestras de “Una Especie De Mutante”.-
Mike Ontry: http://www.youtube.com/watch?v=4p-eeuoIy24
Go-Perros!: http://www.youtube.com/watch?v=c05b_t7oRJA
Los Niños Beta: http://www.myspace.com/goneko/music/songs/los-ninos-beta-17180022

Muestras de “Los Malos De Verdad”.-
8th Man: http://www.youtube.com/watch?v=wQNXGoY8QlQ
La Gran Marcha: http://www.myspace.com/goneko/music/songs/05-la-gran-marcha-mp3-76823124
14 De Junio: http://www.youtube.com/watch?v=ToexKl7DXBQ

DISCIPLINE - el acuerdo predispuesto para un retorno a lo grande

2011-11-15T09:13:00.004-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Es un enorme gusto para mí traer a colación a la banda estadounidense DISCIPLINE, combo progresivo liderado por el “Mimo Ácido” Matthew Parmenter, y no precisamente para hacer una retrospectiva de su corta pero relevante discografía 90era… ¡sino para comentar su nuevo álbum “To Shatter All Accord”! Pero primero echemos una concisa mirada hacia la esfera estadounidense del revival prog del os 90s: mientras que en el país de Jimi Hendrix y Edward Hopper las propuestas neo-prog y vanguardistas al estilo RIO eran las que predominaban, DISCIPLINE exponía una línea de trabajo muy peculiar, forjada a través de una ecléctica mezcla de retro, psicodelia y neo, siendo así que el grupo no se formó en la segunda mitad de los 80s como un grupo progresivo per se, sino que “se progresivizó” en el camino. Aunque su legado
fonográfico no fue precisamente abundante, la huella que sus dos discos de estudio “Push & Profit” y “Unfolded Like Staircase”, así como sus actuaciones en vivo dejaron en la memoria colectiva progresiva de la década final del pasado milenio. Emergiendo de sus cenizas con este disco “To Shatter All Accord”, 15 años después de “Unfolded Like Staircase”, el grupo retoma su
trayectoria trunca con la misma formación de cuarteto que había grabado el susodicho segundo álbum: Matthew Parmenter (voz, teclados, saxo y violín), Jon Preston Bouda (guitarras), Matthew Kennedy (bajo) y Paul Dzendzel (batería y percusión). “To Shatter All Accord” incluye dentro de su nuevo repertorio tres canciones que el grupo tocaba en sus primeros años, incluso cuando aún era un quinteto. Ahora, canciones como ‘Circuitry’ y ‘When The Walls Are Down’,
verdaderas marañas de música angustiada y espectáculo teatral desgarrador tal como parecen en el DVD “Live”, cuentan con sus debidas versiones definitivas de estudio. Vayamos ahora detallando las virtudes del repertorio con mayor detenimiento.

‘Circuitry’ abre el disco con fuerza de carácter, abriendo vías de robustez y pesadez en base al estupendo armado sónico de parte de los riffs guitarreros y el swing engañosamente lánguido de la dupla rítmica. Cuando el piano ocupa el eje central sobre un motivo en 3/4, la solemnidad cede paso a una reflexividad sombría afín a la que encontramos en áreas tan diversas como las de AREKNAMÉS, VERSUS X y WHITE WILLOW, por ejemplo, indirectamente referentes al estándar de VAN DER GRAAF GENERATOR. La idea musical cierra su propio círculo con un retorno al primer motivo, preparando así el terreno para la emergencia del siguiente tema, ‘When The Walls Are Down’, la cual impone su particular presencia desde esa bella dupla de piano y saxo que surge antes de que desaparezca la nota final de órgano del tema precedente. La muralla sónica conclusiva es brutal, al modo de un GNIDROLOG-con-VDGG-con-KC pre-“Islands”. Esta pieza capitaliza y dinamiza la intensidad ominosa ya reinante, dándole un poco más de colorido al asunto mientras explora nuevas profundidades de ansiedad y densidad con una expresividad fehacientemente oscura y abrumadoramente imponente. Tras experimentar poco menos de 14 minutos de neurosis sónica en permanente clímax, ‘Dead City’ expone una ambientación más ágil en clave de 11/8, generando una sonoridad un tanto afín al space-rock mientras establece lazos de familia con el neo-prog estándar. De todas maneras, que conste que este aligeramiento de la
atmósfera musical no supone recurrir a un vuelo lisérgico autocomplaciente ni a un reciclamiento “simplificado” del modelo sinfónico: pos el contrario, se nota un trabajo muy meticuloso en la elaboración melódica de la pieza en cuestión, y de hecho, los últimos pasajes se enfilan hacia un ejercicio psicodélico caótico que vuelve a traer a colación la densidad emocional que se había impuesto sólidamente en los dos primeros temas. Ya tenemos aquí 19 minutos de ingenioso colorido progresivo donde DISCIPLINE da amplias muestras de una vitalidad
refrescante, ningún indicio hay de modorra o desubicación tras el largo periodo de letargo que experimentó.

Todavía quedan 37 minutos y pico de nueva música de Matthew Parmente y co., y dicho lapso de tiempo está ocupado por dos temas. ‘When She Dreams She Dreams In Color’ porta un tono amenazador desde el mismo ingreso del piano y el canto, al modo de un punto intermedio entre el VDGG de “Goldbluff” y el ROBERT WYATT de “Rock Bottom”. La cadencia jazzera aportada por la batería le da una dinámica eficaz al tenor sombrío marcado por el expresivo canto de Parmenter; hay un permanente aire de expectativa ante algún sobresalto que pudiese motivarse sobre el camino, un aire oportunamente realzado por las líneas de violín que hacen acto de presencia en algún momento. A poco de superada la barrera del cuarto minuto, el ambiente explota momentáneamente, dando rienda suelta por un rato a la tensión emocional que hasta entonces se había preservado contenida. Aunque esto solo ocurre por un breve momento, la huella de inquietud queda firmemente signada en el ambiente para anunciar el pronto arribo de un nuevo motivo, uno parsimoniosamente tétrico que oscila entre el retro escandinavo de corte Anekdoteniano temprano y la faceta sutil de PRESENT, además con su tufillo Crimsoniano que siempre resulta útil a la hora de expresar oscuridad emocional por vía de un esquema musical adusto y recurrente: en el transcurso del afianzamiento de este motivo, se impone un hermoso solo de violín que parece manifestar una mezcla de temor y nostalgia, muy afín al estilo de David Cross. ‘Rogue’ es la maratón conclusiva del álbum. Comenzando con un hermoso preludio semi-barroco de guitarra acústica, el primer cuerpo central se instala con un motivo (alternando 7/8 y 4/4) empujado por una espiritualidad cautelosa que se empareja evidentemente con la del primer tema, incluso acentuando los matices VDGraffianos con notoria dedicación. Poco antes
de llegar a la barrera del quinto minuto, otro cuerpo central nos transporta a una dimensión un poco más melancólica, aunque siempre embebida por ese desasosiego esencial tanto a la imaginación compositiva como a la teatralidad vocal de Parmenter: el momento en que todo se pone más explícitamente denso permite a ese desasosiego saltar al frente y revolcarse sobre sí mismo. ¿Rezagos de la suite ‘Canto IV’ del álbum “Unfolded Like Staircase”?... probablemente. De ahí surge una secuencia de dos motivos cacofónicos que articulan la tensión reinante de una
forma más mecánica, pero lejos de enfriar la situación, lo que se logra es enfatizar la locura y darle un pulso más contundente a las inquietudes psicológicas que nunca dejan de manifestarse. El canto exacerbado de Parmenter añade aguerridos retazos espectrales a la robusta arquitectura sónica elaborada por la magnífica amalgama de guitarra, órgano, bajo y batería (sí, hay que escuchar con atenció nesta sección para asegurarse de que es un canto humano, no un saxo o un violín, ese sonido bizarro que emerge como un fantasma atormentado). La tormenta en curso se mantiene de forma sostenida, motivando un clímax de oscuridad emocional que es tan atemorizante como apasionante, al modo de un canto de sirena que se sabe letal pero al cual uno no desearía resistirse. Una vez pasada la tormenta, llega la calma del náufrago superviviente: sobre una lenta cadencia en 3/4, el motivo final se inicia con una actitud serena, al modo de un sopesamiento de la idea de haber sobrevivido a una hecatombe, terminando con un envolvente solo de guitarra y una coda dominada por etéreas capas de mellotrón, en base a la progresión de acordes que se había marcado en el preludio de guitarra acústica.

Con este nuevo disco, DISCIPLINE confirma grandiosamente la justicia de ocupar un sitial tan privilegiado en el imaginario progresivo de los últimos 20 años: “To Shatter All Accord” es un grandilocuente manifiesto de rock artístico donde la robustez y la contundencia imponen su
presencia de forma arrolladoramente magnética.

Muestras de “To Shatter All Accord”.-
When The Walls Are Down: http://www.youtube.com/watch?v=n6U76Q3zdvA (de un concierto de 1995, cuando la banda era aún un quinteto)
Rogue: http://www.youtube.com/watch?v=qLGKFA8lzho

MANOS ALA DELTA y sus sonidos planeadores en el éter progresivo argentino

2011-11-12T09:34:00.006-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

MANOS ALA DELTA, la banda que traemos hoy a colación, es indudablemente, una de las más talentosas e intensas que forman parte del presente rockero vanguardista rockero de Argentina: su disco debut “Salida Cristal”, editado por Apóstrofe y distribuido por varios sellos de su país (entre ellos, Viajero Inmóvil), es una muestra palpable del peso musical que este trío aporta a la misión de generar ingenio aventurero dentro del discurso del rock. La banda se formó en 2007 bajo la iniciativa del baterista Pablo D’Andrea, quien funge también como principal compositor del material de la banda. Grabado entre los años 2010 y 2011, “Salida Cristal” refleja un poderoso híbrido progresivo alimentado de fuertes dosis de psicodelia, rock duro, space-rock y jazz-rock, meticulosamente ordenado en su complejidad y, a la vez, sustentado en un dinamismo vorazmente muscular donde el trío saca jugo a su propia energía esencial de manera increíble. La presencia de colaboradores a los teclados y vientos ayuda, cómo no, a capitalizar el colorido que brota de las ideas musicales en curso: los teclados de Luciano Alonso ayudan muchísimo en la compleción de las atmósferas centrales de varias piezas, y las incorporaciones de saxo y trompeta resultan importantes a la hora de envigorizar un esquema sónico determinado. Bueno, vayamos ahora a los detalles del repertorio en sí.

El tema homónimo abre el disco con climas cósmicos bien asentados sobre los cuales se despliega un ejercicio de rock llamativo, basado en cadencias funky-rockeras matizadas con cierto carácter dinámico Gongiano. Durante los últimos dos minutos, el grupo explora recursos de complejidad a partir de la firmemente pautada estructura rítmica, algo que nos prepara en cierta manera para el estupendo despliegue de sofisticación netamente progresiva de ‘Manos Ala Delta’, una estupenda pieza que muestra esa capacidad del grupo de hibridizar la magia lisérgica de la psicodelia y el dinamismo contundente del jazz-rock, con un guitarrista que exhibe tonalidades Beck-Holdsworthianas y texturas Hillagescas a través de los diversos motivos que se van hilando, y un teclista de apoyo que hace un aporte crucial al esquema de la pieza. Los tarareos del baterista sirven para dar algo de humor a la justa solemnidad instrumental. ‘Estar Delina’ desarrolla una aureola cibernética que se siente emparentada con el estándar de OZRIC TENTACLES (incluso hay una flauta mágicamente intrusiva que nos motiva esta referencia), aunque la cadencia abiertamente fusionesca explorada por la dupla rítmica hace que la sonoridad global de la pieza tenga más puntos de confluencia con HYDRIA SPACEFOLK. El envolvente atractivo de esta pieza hace que su espacio de 4 minutos y pico se sienta un poco corto, pero bueno, así está editado el tema. En los dos siguientes temas, ‘Río De Risas Y Cuentos’ y ‘Robóticos’, el grupo se explaya a su gusto en sus inquietudes jazzeras, generando climas contundentes sobre una sólida base fusionesca, al modo de un puente entre el swing del WEATHER REPORT de la etapa Pastorius con las propuestas más contemporáneas de unos TRIBAL TECH o unos PLANET X. así, el trío converge con bandas compatriotas como TÓRAX y ALTRUISMOS, o con el ensamble chileno PRISMA-X. En el primero de estos temas, el tecladista invitado vuelve a imponer su presencia, mientras que en el segundo es el saxofonista invitado quien establece un efectivo co-gobierno con el guitarrista. ‘Santa Conlara’ permite al grupo regresar a su misión de instalarse en una encrucijada de space-rock y jazz-rock: el lirismo juguetón de la base melódica permite al ensamble darle un toque ligero a una idea latentemente densa. ‘Pequeño Animal’ regresa frontalmente al swing de ‘Río De Risas Y Cuentos’ y ‘Robóticos’, incluso aplicando un filo más agresivo al esquema sonoro. De este modo, el terreno está preparado para ‘Beberé Las Gotas De Sal’, pieza a cargo de establecer un punto intermedio entre las dos piezas inmediatamente precedentes, añadiendo una sofisticada intensidad que se advierte heredada de ‘Manos Ala Delta’. La sección final, típicamente psicodélica, establece un momento de estilizada excitación rockera en camino hacia el fade-out. Sorpresivamente, y a la vez placenteramente, ‘Descompresiones’ concluye el disco con una aureola contemplativa, explícitamente arropada bajo un abrigo sonoro extraído de la psicodelia retro, al modo de una cruza entre Invisible y el último Almendra, todo un tributo a la vieja escuela del art-rock argentino. La sección cantada cuenta con suficientes variaciones como para mantener el colorido rockero en un nivel interesante… y de hecho, podría haber durado más el vuelo instrumental que finalmente termina en un fade-out quizá demasiado repentino (más una coda abstracta basada en pinceladas cósmicas de guitarra). Pero bueno, se trata de un momento de descompresión para la despedida, así que se puede decir que el retrato sónico de la idea de la canción ha quedado pertinentemente acabado.

En conclusión, MANOS ALA DELTA se revela claramente como una presencia importante dentro de la oleada de nuevas voces musicales que han venido emergiendo dentro de la vanguardia progresiva argentina de los últimos años: “Salida Cristal” es un estupendo álbum debut que justifica que sigamos muy de cerca la pista de esta banda con el firme deseo de que siga sosteniendo una sólida y larga carrera a lo largo del futuro cercano.

Muestras de “Salida Cristal”.-
Manos Ala Delta: http://www.myspace.com/manosaladelta/music/songs/manos-ala-delta-82266594
Río De Risas Y Cuentos: http://www.myspace.com/manosaladelta/music/songs/rio-de-risas-y-cuentos-82267523
Pequeño Animal: http://www.myspace.com/manosaladelta/music/songs/peque-o-animal-82266199

ORQUESTA METAFÍSICA - movimientos y sinergias de la avanzada argentina

2011-11-10T09:03:00.007-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOETICAN, LES SALUDA CCCÉSAR INCA.

Hoy es el turno de ORQUESTA METAFÍSICA, un genial ensamble argentino de chamber-rock cuya trayectoria se inició a principios del año 2009, bajo la iniciativa del virtuoso y energético
pianista-guitarrista Sebastián Volco y del no menos virtuoso bajista-contrabajista-Stickista Sebastián Rosenfeldt. Las afinidades en cuanto a diversificados intereses por la música académica postmoderna, el rock in opposition, el progresivo de vanguardia y el jazz de avanzada hicieron que resultara totalmente natural que el proyecto de estos dos Sebastianes (que incluye a un tercer Sebastián a la batería) se encaminara hacia a titánica labor de hacer chamber-rock en Argentina, una propuesta que incluye influencias Zappianas y fusionescas. “7 Movimientos” es el título del disco debut de esta orquesta que lleva la misión de hacer música progresiva hacia dimensiones realmente metafísicas: una obra genial y contundente. Para ello, el grupo de base se completó con Fabián Araya (saxo, flauta y trompeta), Pablo Gignoli (bandoneón) y Mariano Malaumd (viola). También tiene presencia destacada una numerosa pléyade de colaboradores a los vientos, la percusión tonal y el canto. Se garantiza, así, la persistencia de una sonoridad plena a través del repertorio.

‘Esclavos’ abre el disco con un tenor tétrico desarrollado con una estupenda mezcla de tremendismo y excitación, muy a lo UNIVER ZERO con toques de SHUB-NIGGURATH… incluyendo un embrujador canto soprano en contrapunto con una recurrente voz cadavérica.
Además, emerge un exquisito toque tanguero en el transcurso del último minuto con la crucial intrusión del bandoneón y la conveniente agilización del esquema rítmico: un prólogo dorado. ‘Delirium Tremens’ se hace debido eco de esta excelsa edificación de climas inquietantes, extrapolándolas hacia atmósferas más coloridas en base a los diálogos y amalgamas fastuosas que tienen lugar entre todos los instrumentos, siendo así que el piano y la percusión tonal
asumen un rol protagónico compartido durante los primeros pasajes. Luego, el elemento jazzero se afianza bajo la firme batuta de la dupla rítmica y la labor rectora de un genial solo de saxo. El estratégico clímax final se torna abstracto en una explosión controlada. El momento de ‘Plaza De Mayo’ es uno de gracilidad, apelando a esa mezcla de RIO claroscuro francófono y tango-fusión
que el grupo sabe manejar tan bien: aunque en comparación con los dos temas anteriores, esta pieza cuenta con un lirismo más pronunciado en su esquema compositivo, está inspirado en unos tristes eventos político-militares que tuvieron lugar en la susodicha Plaza de Mayo en los años 50s, durante una sangrienta intentona de golpe militar contra el régimen peronista del momento.
De hecho, la última sección de la pieza se torna densa e incluye sutiles efectos de tumultos, aunque sin romper con el tenor general. Así pues, el ensamble logra traducir impecablemente la situación de un paseo por el parque con un inesperado final sangriento sin apelar a sobresaltos musicales. ‘Exilio’ se focaliza más abundantemente en el elemento de fusión vanguardista,
explorando atmósferas calmadas y suavemente cálidas en su primer motivo; el segundo motivo ahonda en la espiritualidad relajada en base a un evocativo pasaje de piano clásico, siendo sucedido por un tercer motivo marcado por los frenéticos efluvios dibujados por la dupla de piano y marimba, generando así una peculiar reconstrucción de travesura orquestal Zappiana con añadidas texturas Crimsonianas al bajo. ‘Iluminados’ tiene, irónicamente, un carácter
opresivamente oscuro en su alevosamente amenazante estructura sónica. De hecho, sirve como preparación para la subsiguiente irrupción de ‘Rey’, pieza cuyo espíritu es extrovertidamente sombrío y desafiantemente aterrador, con un particular destaque de los vientos y la flauta en la ilación de los diversos motivos (que van desde lo flotante con tonos cósmicos hasta lo fastuoso). Algo así como una resurrección de BUBU y UNIVERS ZERO bajo un manto de vitalidad dadaísta. ‘Voluntad’ comienza con un preludio marcado por una intensidad neurótica, más bien psicótica, de la mano de la dupla de piano y viola, hasta que el cuerpo central instala un motivo plácidamente lúdico, el cual desemboca en una capa minimalista que yace ensimismadamente en un rincón escondido de la mente. Los dos últimos temas, los cuales parecen ocupar un rol de bonus tracks, dejan un poco de lado la línea chamber-rock para meterse más de lleno en la fusión contemporánea: ‘Mi Chaparrita’ se enfila hacia atmósferas lánguidas de tendencia romántica, con una espiritualidad vulnerable que no resulta difícil de notar a través de su aparente vibración oscura, mientras que ‘Animal’ ofrece un colorido optimista donde confluyen perfectamente el dinamismo de un CHICK COREA y el acento traviesamente porteño de un RODOLFO MEDEROS.

Es muy bueno y muy sano que la escena musical argentina goce de la revitalización que supone la presencia y desarrollo de iniciativas como la que presenta ORQUESTA METAFÍSICA, una auténtica orquesta de música contemporánea que se mete de lleno en la misión de crear música con un dinamismo osado, refrescante y muy original. “7 Movimientos” es algo más que una serie de siete movimientos con un doble addendum: es una aventura fundamental para la vanguardia actual tanto a nivel argentino como sudamericano, y ciertamente, una obra de interés para el coleccionista progresivo del entorno mundial.

Muestras de “7 Movimientos”.-
Plaza De Mayo: http://www.youtube.com/watch?v=nfJ6yABx6Wg
Iluminados: http://www.youtube.com/watch?v=EP9GkaTnlas
Rey: http://www.youtube.com/watch?v=AkXc8KFgcPo

SITHONIA - pasaje de retorno de una renovada solución progresiva

2011-11-07T08:36:00.003-05:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es momento de celebrar que… ¡SITHONIA ha vuelto! Sí, en efecto, la banda formada a mediados de los 80s en Boloña, que debutó fonográficamente en 1989 con “Lungo Il Sentiero Di Pietra”, luego maduró su voz propia en “Spettacolo Anullato” y “Confine” dentro del revival prog de los 90s, y finalmente exploró más a fondo su perenne faceta romántica en “Hotel Brun” como canto de cisne, ha vuelto al negocio musical después de 13 años con un hermoso disco llamado “La Soluzione Semplice”. SUTHONIA ha sido para muchos coleccionistas de progresivo de las dos últimas generaciones tan vital para el desarrollo del revival progresivo italiano como otras bandas usualmente más conocidas como FINISTERRE, NUOVA ERA y ASGARD. La línea particular de SITHONIA tiene una sonido bastante marcado por la presencia de dos teclistas, aunque esto no era obstáculo para el desarrollo de musculatura rockera de la mano de la guitarra, y también cabe notar la consistentemente conmovedora melódica de la cual solía hacer gala el grupo sin por ello caer en remilgos, siempre manteniendo una robustez sonora en base a la mágica arquitectura articulada por el ensamble. En fin, todos estos ingredientes (inspirados en buena medida en los legados de sus compatriotas de BMS, LOCANDA DELLE FATE y LE ORME) reemergen frescos y contundentes en “La Soluzione Semplice”, añadiendo para a ocasión algunas vibraciones sinfónicas contemporáneas afines a las líneas de trabajo de HÖSTSONATEN, NOTABENE, IL TRONO DEI RICORDI, LA MASCHERA DI CERA, MANGALA VALLIS… pero que conste que SITHONIA forjaba y trabajaba esta línea musical desde mucho antes. La formación que ha grabado este hermoso disco consiste en: Orio Cenecchi (batería), Oriano Dasasso (piano y sintetizadores), Marco Giovannini (voz y coros), Roberto Magni (guitarras, mandolina y programación), Paolo Nannetti (órgano, mellotrón, sintetizador, programación y coros) y Valerio Roda (bajos eléctrico y acústico), o sea, la misma formación de “Spettacolo Anullato” y “Confine” - ¡y la magia volvió con todo!

‘Treni Di Passagio’ tiene un bizarro comienzo marcado por una minimalista secuencia de acordes al piano, efectos cósmicos de sintetizador y una batería de tenor free-jazz, en medio de ruidos de gente: ciertamente, un retrato sonoro del paso de trenes en medio del caos urbano. Una vez instalado el cuerpo central, entramos en terreno familiar: sinfonismo romántico, melódicamente focalizado a través de una atmósfera evocativa moderadamente fastuosa, así como interludios instrumentales provistos de esa combinación de elegancia y vigor que el grupo ha sabido desarrollar tan bien durante su trayectoria precedente. Después de los 8 minutos de ‘Treni Di Passagio’ vienen los 2 ¾ minutos de ‘Tornando’, los cuales exhiben un aura extrovertida dentro del esquema de un instrumental bastante marchoso: los sucesivos solos de guitarra y órgano aportan dosis esenciales de vitalidad al bloque sonoro global. Su sonoridad es afín al mejor PFM del nuevo milenio con ciertos aires de LA MASCHERA DI CERA (dos últimos discos). Acto seguido viene ‘Cronaca Persa’, ambiciosa pieza de 22 minutos de duración que, de entrada, parece contagiarse mucho del espíritu extrovertido del instrumental precedente. Hay una cierta constancia en los desarrollos temáticos que tiene lugar a través de la ilación melódica que se va explayando: esta consistencia es diferente a la de la suite de “Hotel Brun”, la cual daba obvia preferencia a talantes nostálgicos, y mucho más diferente a la de “Spettacolo Annullato”, la cual ostentaba dramáticos cambios de ambiente. Poco antes de tocar la barrera de los 14 minutos, la banda explora un breve pasaje acústico, casi pastoral, para, a partir de allí, retomar el colorido dominante y empezar a desarrollarlo con un empuje gradualmente más dinámico durante un rato. Finalmente, los últimos 5 minutos sirven para que la banda instale un motivo lento diseñado para estimular un ambiente intimista, el cual se remata con una coda orquestal imponente.

‘Il Tram Del Topo’ es un breve instrumental al estilo de la hermosa pieza que abría “Confine”: un comienzo cálido y sereno que abre la puerta para la emergencia de un torrente musical manierista y contundente. Los siguientes 6 minutos del álbum están ocupados por la canción homónima. Tras una cálida introducción de corte romántico e introspectivo, nos sorprende el cuerpo central con una manifestación de fastuosa energía, un destello impactante al cual el medio tiempo articulado por la dupla rítmica permite exhibirse con una dosis moderada de boato típicamente sinfónico. La pieza en cuestión suena a eslabón perdido entre LA MASCHERA DI CERA y NUOVA ERA. ‘Passeggiata’ es un nuevo interludio breve, el cual ofrece un ejercicio de dinamismo estilizado sobre un compás de 3/4 manejado con sobriedad neoclásica, logrando así anticipar el lirismo que habrá de imponerse a través del último tema del álbum ‘Il Vento Di Nauders’. El lirismo se desarrolla a lo largo y ancho de un colorido razonablemente robusto que bien puede remitirnos a paralelos con bandas italianas recientes de tendencia retro como IL CASTELLO DI ATLANTE o NOTABENE, pero debemos pensar estos paralelos teniendo en mente que SITHONIA lo venía haciendo desde antes. En la frontera del noveno minuto, un hermoso cuadro impresionista construido por los teclados duales crea un ensoñador puente hacia la coda, un pasaje pastoral cantado dirigido por una sencilla secuencia de rasgueos de guitarra acústica y cuya culminación definitiva consiste en la misma calmada secuencia de acordes de piano con la cual se había iniciado ‘Treni Di Passagio’ – se cierra así el círculo de “La Soluzione Semplice”, álbum que nos trae de vuelta a un grande indiscutible del revival progresivo italiano como es SITHONIA.

Es realmente un retorno a lo grande, en el sentido más completo de la expresión, el cual reaviva la inmortal llama de lirismo y emotividad que caracteriza la esencia más candorosa del progresivo sinfónico italiano. Esta aureola de nostalgia revivida que revitaliza la mirada y las ideas se plasma muy bien en el librito del disco: las fotos de los músicos son en blanco y negro y de años atrás - un recurso muy ingenioso... “La Soluzione Semplice” es un disco recomendable sin dudas ni titubeos de ningún tipo: aunque SITHONIA, como entidad, haya pasado por una fase letargo y ahora resucitado, su ingenio artístico ha demostrado cabalmente que siempre se situó allende los avatares del tiempo.

TRICANTROPUS y la realidad de un bello sueño progresivo sinfónico

2011-11-04T12:36:00.003-04:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hoy es el momento de traer a colación el nuevo disco de la banda española TRICANTROPUS, “El Sueño de Arsinoe”. A 3 años de la edición de su hermoso disco debut “Recuerdos Del Futuro”, el cual desarrollaba una dinámica y refinada revisión del prog sinfónico tradicional que se enfila entre los estándares de GENESIS, CAMEL y el PINK FLOYD más intimista y las particulares orillas del sinfonismo mediterráneo. Lo que brinda ahora “El Sueño De Arsinoe” es una excelente capitalización de esta línea de trabajo por vía de un incremento de la sofisticación compositiva y una mayor profundidad sonora. Si el primer disco se armó con la base tripartita del teclista Manuel Manrique (quien en los 70s fuera uno de los gestores de AZAHAR), el bajista Pedro Párraga y el guitarrista Javier López Pardo, con la compañía de una pléyade de músicos invitados, ahora la base grupal se completa permanentemente con el guitarrista Daniel Denis y el baterista Luis Hidalgo. No es que el grupo renuncie ahora a tener colaboradores, que los tiene al oboe, violín, saxo y teclados adicionales (en un par de temas aparece el genial Eduardo García Salueña, de SENOGUL), pero sí se siente que las composiciones y los arreglos disponen de un sonido más lleno en sí mismos, lo cual repercute muy positivamente en la expresividad de las florituras típicamente progresivas que TRICANTROPUS convierte en núcleo de su voz propia. Pasemos ahora al repertorio mismo de este disco.

Con el llanto de un recién nacido y un dulce canto femenino se inicia ‘El Sueño De Arsinoe’, pieza serena y contemplativa, muy a lo CAMEL-PF en el comienzo, luego tornándose más afín al sendero del sinfonismo mediterráneo de vieja escuela, siendo así que la incursión del oboe añade efectivos matices a los ya aportados por la guitarra solista y las capas de teclado. El momento de ‘Al Filo De Lo Posible’ es uno de colorida extroversión donde la dinámica inherente al desarrollo melódico es manejada con soltura, reflejando una magnificencia que nunca se desborda a pesar de dejar bien mostrado su vigor. ‘You’re Me Pet Peeve’ es el segundo tema más largo del álbum con sus 11 minutos de duración. La variedad de motivos y ambientes está manejada con impoluta fluidez, en una sólida confluencia de sensibilidad y pulcritud de parte de los músicos involucrados. Su espíritu general se sitúa en un punto intermedio entre las dos piezas precedentes, alternando la cálida vibración contemplativa de una con el colorido autoafirmativo de la otra. El tema más largo resulta ‘Plan 9 From Outer Space’, el cual dura casi 12 minutos y contiene 7 secciones autónomamente tituladas. Ya desde su inicio con sonidos ambientales de grillos y múltiples capas cósmicas de sintetizador, el tema promete remontar a la mente del oyente hacia una interesante gama de paisajes sonoros: de hecho, este prólogo se siente conectado con el epílogo del tema precedente ‘La Barca De Caronte’. Pero bueno, a medida que la pieza avanza en su desarrollo temático, nos complacemos con una diversidad de ambientes muy bien hilada, pasando de pasajes moderadamente robustos a otros más delicados, y de allí a otros que ofrecen pautas intermedias que pueden tirar más hacia el lado de lo introvertido o hacia una soltura del swing. Con la calculada adición ocasional del oboe en ciertos pasajes, el bloque sonoro gana en riqueza textural, aunque lo usual es que entre la guitarra solista y los teclados se concretice una eficaz labor de liderazgo para la orquestación general de la banda.

No vale pasar por alto que, entre los dos temas largos mencionados en el párrafo anterior, se encuentran cuatro piezas de estupenda factura: todas ellas, una a una, van completando la proyección sonora de TRICANTROPUS. ‘Dionisio De Magnesia’ porta una musculatura sobria que permite a la banda hacer gala de su nervio peculiar cuando aborda su faceta más extrovertida: pasando de una predominancia de atmósferas Genesianas a una secuencia final Floydiana con leves acentos Crimsonianos, la pieza aprovecha con una musicalidad muy rica su espacio de poco más de 6 minutos. ‘Manderley’ comienza inclinándose por el lado del jazz-rock con sazones sinfónicas, casi como un PEGASUS remodelado con matices Camelianos; luego, el asunto sinfónico pasa a ser el foco exclusivo, llegando a empaparse de nostálgicos aires pastorales cuando entra en acción la vocalista invitada Esperanza Martin. ‘Señoras’ es, al igual que ‘Manderley’, una tríada temática: su ambientación inicial es calmada, en base a una estructura melódica sencilla pero tremendamente cautivadora; para los minutos finales, la ambientación se agiliza por causa de la reactivación ejercida por la dupla rítmica, creándose así un momentum dirigido al alimón por la guitarra y el sintetizador, con oportunas intervenciones del saxo y el violín de parte de invitados especiales (Coco Laini y Héctor Perpiñá, específicamente). ‘En La Barca De Caronte’ saca buen provecho del clímax conclusivo de la pieza anterior para seguir explorando sonoridades esplendorosas, siempre con la sobriedad que le es esencial: incluso los interludios lentos, lejos de meterse por los recovecos de la melancolía, mantienen esa aureola alegre propia de la base melódica en curso. El epílogo cósmico es curioso e impactante a la vez, un cierre psicodélico inesperado pero gratificante. ‘Hortalezas’ ocupa los últimos 4 ¾ minutos del disco, culminándolo con un espíritu celebratorio patentemente jovial: en una lírica confluencia de CAMEL de la etapa “Breathless”, jazz-funky estándar y fusión, la banda se sacude un poco de la solemnidad de los temas precedentes y diseña este mensaje musical de despedida con una sonrisa de oreja a oreja.

Todo esto fue “El Sueño de Arsinoe”, una obra hermosa que queda como uno de los mejores aportes al progresivo de línea sinfónica que se han hecho en este año 2011 no solo en España sino también en toda Europa, y por qué no, también a nivel mundial. TRICANTROPUS es sinónimo de elegancia dentro del discurso progresivo sinfónico del nuevo milenio, por lo que solo queda recomendar su nuevo disco… ¡¡a ojos y oídos cerrados!!

RODOLFO MEDEROS y el redescubrimiento de su obra "De Todas Maneras"

2011-11-01T18:25:00.005-04:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy reseñamos no una novedad sino una reliquia musical de gran vuelo, pletórico de divinamente refinadas sonoridades fusionescas en el contexto del tango de vanguardia de los
70s. Me estoy refiriendo al disco “De Todas Maneras”, disco que forma parte de la etapa del bandoneísta RODOLFO MEDEROS como líder del proyecto GENERACIÓN CERO, el cual estaba centrado en explorar y crear nuevas áreas de expresión ecléctica a partir del legado folclórico del tango, añadiendo amplias dosis de vibraciones propias del jazz-fusión y del vigor propio del lenguaje rockero. El caso de este disco “De Todas Maneras” es particularmente exitoso en cuanto al desarrollo de esta misión tan heterodoxa y estimulante. ¡¡Gracias eternas a Felipe Abel Surkan, jefe del sello argentino Viajero Inmóvil, por rescatar esta joya!!

Nacido en Buenos Aires en 1940, MEDEROS es toda una leyenda viviente del bandoneón en la preservación y difusión del folklore criollo argentino: su espíritu inquieto y sus genuinos deseos de vivir la música a través de cada célula de su cuerpo y cada neurona de su cerebro lo han llevado a tener, hasta el día de hoy, una carrera prolífica dentro de las exploraciones tangueras, tanto desde lo tradicional como desde lo vanguardista, y es por este lado que surgió GENERACIÓN CERO. “Fuera De Broma”, del año 1976, había sido la primera manifestación fonográfica de esta iniciativa (con un trío de bandoneonistas que completaban Daniel Binelli y
Juan José Mosalini). La peculiaridad más saltante del segundo disco del proyecto GENERACIÓN CERO, “De Todas Maneras”, es que manifiesta una actitud más firme en cuanto a empoderarse de los discursos del jazz-fusión y el rock progresivo sinfónico que dominaban por aquel entonces los círculos intelectuales de la música popular. Esto se nota especialmente en la presencia de dos maestros a las guitarras y los teclados, respectivamente: Tomás Gubitsch (quien venía de formar parte de la última etapa de INIVISIBLE y tenía frente a sí todo un horizonte en las áreas del jazz, la fusión y la cámara contemporánea) y Gustavo Fedel (quien venía de la estupenda experiencia del álbum debut de ESPÍRITU). Ambos gozan de amplios campos de expresión para aportar un colorido musical rico en desarrollos melódicos, matices cautivantes y cadencias sofisticadas,
todo un aparato sonoro donde el bandoneón del "jefe de orquesta" MEDEROS se integra de manera natural y fluida - incluso Gubitsch logró meter una hermosa composición de su autoría en el repertorio de este álbum. La dupla rítmica de Eduardo Criscuolo y Rodolfo Messina también es digna de mención especial en relación con sus méritos para sostener los momentos extrovertidos con impecable pulso y manejar con debida sobriedad los momentos más
introvertidos. Los colaboradores ocasionales son Analía Lovato (al canto), Pocho Lapouble (a la batería) y Arturo Eric Schneider (a la flauta).

El tema homónimo abre el disco con una imponente prestancia basada en el matrimonio entre las cálidas líneas centrales del bandoneón y la arquitectónica cadencia de la batería, mientras se van integrando gradualmente la guitarra, el bajo y el piano eléctrico. La pieza no tarda mucho en establecer una lógica de dinamismo y colorido temático, y de hecho, poco antes de llegar a la barrera del segundo minuto, un fabuloso solo de guitarra marca en buena medida la pauta de las
interacciones entre los músicos. El solo de Mini-Moog también es tremendo, aportando una suerte de carácter cósmico al viaje instrumental en curso. Cómo no, también hay espacio para un solo de Mederos, y por qué no, también un solo de batería, el cual introduce la coda consistente en una expansión del reprise del primer motivo. Tras este fantástico comienzo que ha funcionado como carta de presentación de estos viajantes compañeros, solo queda dejarse llevar por el repertorio restante, siendo así que ‘El Lugar Donde Vivo (Nuestros Hijos)’ se ahonda sólidamente en dulces cadencias tangueras, apelando patentemente a evocativas sensaciones de melancolía. De esta manera, el momentum progresivo donde brilla un solo semi-Hackettiano de Gubitsch se inserta con naturalidad dentro de la planificación melódica de la pieza. El asunto melancólico se perpetúa en el cuerpo central del siguiente tema, ‘Triste Diciembre’, pero hay una aureola más extrovertida. De hecho, se da una presencia relevante de momentos cuidadosamente intensos que articulan una especie de punto intermedio entre el sinfonismo a lo CAMEL y las sonoridades de M.I.A. - algo muy sinfónico, y a la vez, muy porteño. La primera mitad del álbum se cierra con ‘El Largo Adiós’, pieza que explora ambientes introvertidos con un lirismo pulcro, repleto de elegante emotividad: Gubitsch se luce en sucesivos solos de guitarra eléctrica y acústica (la segunda, ostentando más florituras), mientras que Fedel empieza aportando una vibración rítmica al piano eléctrico y termina dirigiendo el pasaje final al piano de cola en camino
hacia la hermosa conclusión. 21 minutos de radiante belleza que vienen seguidos de otros 21 minutos de radiante belleza, un esplendor sonoro que parece no tener dónde acabar. "Cada Día, Cada Noche" porta un colorido juguetón, como bañado por la frescura del rocío primaveral: el aspecto progresivo está bien presente al igual que con los temas 2 y 3, amén de ciertas conexiones con el candor excitante del MAHAVISHNU ORCHESTRA clásico (de hecho, Fedel se siente muy Hammeriano al piano eléctrico y Mini-Moog). ‘Verano 1976’ regresa a las estepas
de la melancolía a todo dar: la introducción de piano, el susurrante canto de Analía Lovato y la elegante contención rítmica dentro del cual se encuadra el desarrollo instrumental son los ingredientes hermanados que logran establecer este impresionante retrato musical de la añoranza solitaria. ‘Más Vale Cien Volando’, composición de Gobitsch, se asocia fluidamente la espiritualidad melancólica que se va apoderando de las melodías y tonalidades abordadas por el
ensamble. Una vez más, el canto de Lovato resulta esencial para completar el cuadro sonoro. El disco llega a su final con ‘Todo Ayer’, pieza que tiene la misión principal de condensar las más brillantes iniciativas de combinar prog sinfónico y tango-fusión, trasladando el colorido que antes se había manifestado en ‘De Todas Maneras’ y ‘Cada Día, Cada Noche’ hacia dimensiones
exultantes propias de un carnaval del alma, como queriendo culminar esta aventura musical bajo la plena luz del mediodía estival.

"De Todas Maneras" es todo un hito de la vanguardia argentina 70era que llega a nuestras manos contemporáneas como transportada en una máquina del tiempo. RODOLFO MEDEROS nos regala un ítem que de ninguna manera debe faltar en cualquier buena discoteca de música contemporánea, más allá de e incluyendo a etiquetas específicas como jazz-fusión, tango experimental, rock progresivo, etc.

Muestra de “De Todas Maneras”.-
De Todas Maneras: http://www.youtube.com/watch?v=ih_XCte_ooY

[Dedico esta reseña con particular cariño a Fernando Gómez y Leandro Masino, los primeros personajes que vi en el contexto de un hermoso fin de semana fraterno que reunió a melómanos peruanos, argentinos y costarricenses durante la primera semana del mes de octubre 2011]

NICKLAS BARKER: el fondo musical del horror como arte progresivo

2011-10-29T11:58:00.004-04:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

NICKLAS BARKER, quien no es sino Nicklas Berg, guitarrista/teclista de ANEKDOTEN, MORTE MACABRE, MY BROTHER THE WIND y otros proyectos musicales, aparte de productor e ingeniero de sonido, da rienda suelta sus inquietudes de músico y creador solista cuando se
encarga de la banda sonora de la película de horror española “El Último Fin de Semana”, dirigida por Norberto Ramos del Val y protagonizada por el poderoso ensamble actoral de Irene Rubio, Alba Messa, Silma López, Nacho Rubio, Marian Aguilera, Jorge Anegón, Ayelén Muzo, Víctor Alcázar. En fin, más información sobre la película se puede leer en su FB https://www.facebook.com/#!/elultimofindesemana?sk=info. Por lo pronto, esta banda sonora es un notable ejercicio de música progresiva atmosféricamente siniestra y densamente etérea, donde los momentos intensos (predominantes) y los más contenidos suenan igualmente envueltos bajo un manto de misterio acechante y peligro latente tanto como inocultable. Si pensamos en un híbrido entre GOBLIN, el lado más nostálgico de MORTE MACABRE y las aureolas más evocativas del kraut electrónico, contaremos con un apropiado esquema mental para comprender la experiencia de escucha de esta banda sonora. El arsenal de BARKER consiste en mellotrón, sintetizadores, bajo, Theremin y gong, contando con los aportes adicionales de Martha Barker (cello), Karolina Bergström (violín) y su viejo colega Peter Nordins (batería y percusión). Vayamos ahora a los detalles del mismo.

En un contexto de abuso verbal y físico, ‘Leo’ abre el disco con un aura de pavor e indefensión de
forma minimalista. Este breve prólogo prepara el camino para la solemnidad claroscura de ‘Night Ambience’, tema que orgullosamente ostenta su hibridación de ANEKDOTEN temprano y el GOBLIN clásico: con las gloriosas capas de mellotrón y las intrusiones de los sintetizadores, el órgano y el Theremin se crea un genuino ejemplo de cómo la languidez puede, en el arte del ruido, erigirse como una modalidad especial de energía expresiva. Dándole un aire un poco más
olfieldiano al asunto, pero preservando las alusiones a GOBLIN, ‘Night Ambience’ nos devuelve al pavor de la pieza inicial por un par de minutos antes de que ‘Sisters / Phantasm’ nos lleve por los senderos de un relajamiento grisáceo que finalmente se trastoca en un clima de inquietud expectante ante algo que se avecina pero no se logra atisbar, permaneciendo indescriptible: muy
kraut esta pieza, al modo del TANGERINE DREAM de “Sorcerer” con aires añadidos a lo CLUSTER. ¿Y por qué no seguir con lo kraut? Pues Barker sigue adelante con esto para la secuencia de ‘Rendezvous’ y ‘Entering The Village’, extrapolándolo hacia un minimalismo más marcado, semejante al KRAFTWERK pre-“Autobahn” a fin de realzar lo terrorífico de una forma sólida en un espacio de menos de dos minutos y medio. Aunque persiste en la línea de predominio minimalista, ‘Confrontation / Doom’ ya no se enmarca tanto en el legado del kraut como en los momentos más misteriosos del parámetro de GOBLIN, incluso aportando matices
electrónicos propios de un BRIAN ENO durante su etapa pionera de lo que después se dio por llamar “ambient”; algo muy similar sucede en la siguiente pieza, ‘Going Home / Ouija’, la cual tiene un inocultable aire Eno-Vangelisiano en la ilación de los dos motivos que conforman su núcleo compositivo. ‘By The Shore’ sí supone un regreso a los rincones más oscuros del discurso kraut que ya habían dejado su huella en ‘Rendezvous’ y ‘Entering The Village’, y tabién más
adelante en ‘Grand Finale’. Cuando la oscuridad se matiza con una espiritualidad vitalista a través de un robótico compás llamativo, es el momento en que ‘Chase / Purgatory’ emerge para aportar una misteriosa luminosidad al ambiente general del álbum. Esta pieza puede describirse como una partitura perdida del JEAN-MICHEL JARRE de “Equinox” retomada por el NEU! del tercer álbum bajo la producción de Peter Baumann aún fresco de las sesiones de grabación de “Stratosfear”. ‘Home’ es lo tétrico en su máxima expresión, finamente disfrazado de cálido lirismo en sus primeros pasajes pero presto a despojarse prontamente de dicho disfraz, mientras que ‘Beach Girls’ es un ejercicio de suave compás tropical no ajeno a la nocturnidad emocional que ha penetrado todos los poros sónicos del álbum... algo así como una añoranza plácida en medio de la inocultable tensión que aprisiona a la mente.

En conclusión: NICKLAS BARKER luce su habilidad y creatividad para crear texturas y ambientes convincentes y poderosos desde su papel de teclista, una posición que hasta ahora solo era secundaria en otros proyectos musicales progresivos en los que había estado envuelto desde los tiempos del primer álbum de ANEKDOTEN. Teniendo en cuenta el tanta veces mentado revival 90ero del rock progresivo ya tuvo lugar hace dos décadas, Barker ya puede ser considerado como un veterano por méritos propios, y aquí está la banda sonora de “El Último Fin De Semana” para corroborar la innegable justicia artística de esta consideración.

Muestras de “El Último Fin
De Semana”.-
Celestial Ghost: http://www.youtube.com/watch?v=hVHEok92dQo
Sisters: http://www.youtube.com/watch?v=LuHn17YRx5A

GX: trazando las coordenadas del prog-metal peruano

2011-10-26T09:58:00.004-04:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es la ocasión de hablar del grupo peruano GX, un cuarteto instrumental dedicado a cultivar el rock progresivo desde mediados de la década pasada en el circuito underground limeño. La iniciativa para la emergencia y desarrollo de GX como proyecto musical vino a cargo de Giovani Viale, quien ya contaba con amplia experiencia en la escena metalera como baterista, y no pudo contener sus deseos de cultivar la otra vertiente rockera de sus amores: el rock progresivo. No solo eso, también cambió su rol tras los tambores por otro tras las teclas, reclutando al guitarrista Goyo Rojas, al bajista Kike Fuentes y al baterista Julio Campos para completar el proyecto. La línea de trabajo de GX se focaliza en un espacio intermedio entre el legado de sofisticación y fastuosidad del rock sinfónico de siempre (GENESIS, RICK WAKEMAN, ELP) y el vigor ostentoso del prog-metal en su faceta lírica (el DREAM THEATER con Moore, el FATES WARNING de los 90s, incluso esa banda italiana llamada BLACK JESTER que en su momento lideró la escena prog-metalera de su país): genuinamente, la banda opta por navegar simultáneamente en estas dos barcas a la hora de gestar sus composiciones y arreglarlas en la interacción colectiva, completada por una bien afiatada dupla rítmica y una guitarra que sabe lucirse al servicio de las bases melódicas en curso. Su único registro fonográfico hasta la fecha es el demo “Cuarta Coordenada”, originalmente editado en 2007 como EP. Hoy por hoy, el grupo está pasando por el largo proceso de ajustar detalles intermedios y finales para lo que habrá de ser su primer disco de larga duración, e incluso ha experimentado algún que otro cambio en su alineación.

Habiendo estado agotada en su edición original desde hace un par de años, este EP ha sido felizmente reeditado a fines de este octubre con una producción gráfica más meticulosa. La pieza homónima abre el disco ocupando un espacio de 4 ½ minutos marcado por estilizaciones cuasi-barrocas sobre una arquitectura rítmica donde el 7/8 es la medida prioritaria. Acto seguido llega, ‘Eclipse’, una pieza con tremendo gancho en base a un desarrollo melódico relativamente sencillo, basado en alusiones arábigas. Después, la secuencia de ‘Fueron Humanos’ y ‘GX’ se explaya más a fondo en la aureola épica que siempre subyace al motor sonoro de la banda. El caso de ‘Fueron Humanos’ es particularmente climático, debido al realce orquestal que Viale le da a sus teclados en la armazón central de la estructura melódica, logrando así plasmar atmósferas llenas de colorido, aportando incluso algo de dramatismo en la sección intermedia, cuya estructura más veloz permite que se imponga una polenta soberbiamente estilizada. Por su parte, ‘GX’ explota más a fondo la veta prog-metalera de la banda, lo cual supone una inclinación de la balanza no demasiado radical, pues el nivel de boato nunca llega a niveles de sobresalto o aparatosidad. Principalmente, cabe destacar que la ilación de los diversos motivos está bien armada, con un fino manejo de las variantes y los contrastes. Finalmente, ‘La Serpiente De Fuego’ establece una especie de síntesis entre el exotismo estilizado de ‘Eclipse’ y el fulgor dramático de ‘Fueron Humanos’, logrando así mezclar vibraciones vigorosas y climas sombríos. Todo esto es “Cuarta Coordenada”, un estupendo muestrario de lo que GX es capaz y seguirá siendo capaz de aportar a la entusiasta escena progresiva peruana del nuevo milenio: la expectativa frente a su próximo registro fonográfico es alta, así cabe entenderlo de parte de quienes tenemos ocasión de disfrutar de este ítem.

Muestras de “Cuarta Coordenada”.-
Eclipse: http://www.youtube.com/watch?v=ed4hth4iPFU
Fueron Humanos: http://www.youtube.com/watch?v=UwHG1YMH6iM

LA COSCIENZA DI ZENO o la reactivación de la conciencia progresiva italiana contemporánea

2011-10-25T11:31:00.002-04:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es la ocasión de LA COSCIENZA DI ZENO, un grupo progresivo italiano que se formó en Génova en octubre de 2007, llegando a Julio de 2008 a consolidar su base musical de la mano del bajista Gabriele Guidi Colombi (TRAMA, NARROW PASS, ARMALITE, IL TEMPIO DELL CLESSIDRE, HIDEBEHIND), el baterista Andrea Orlando (FINISTERRE, MALOMBRA, REAL DREAM), el vocalista Alessio Calandriello (también proveniente de NARROW PASS y HIDEBEHIND, además de KLEPSYDRA y LUCID DREAM) y el teclista Stefano Agnini, quien pronto se instaló en el rol de principal compositor y letrista exclusivo. En cuanto a esto último, la banda se propuso crear un disco conceptual en torno a la novela de Italo Svevo de los años 20, cuyo título determinó el nombre de la banda y de su disco debut. Oportunamente, mientras las ideas musicales se iban haciendo cada vez más expansivas, la formación del grupo se enriquecía también con los ingresos del guitarrista Davide Serpico y otro teclista Andrea Lotti, quien ocasionalmente añadía también aportes de guitarra al bloque instrumental de la banda. De este modo, la idea se acercaba a su forma final y estaba lista, en mayo de 2010, para plasmarse en un registro fonográfico. Solo un año después pudo concretarse la edición física del mismo, y Agnini había dejado al grupo tras concluir con las sesiones de grabación, pero en tanto realidad ontológica, “La Coscienza Di Zeno” vale como ítem rockero-sinfónico de gran factura y amplio calibre.
Vayamos ahora al repertorio del disco. ‘Cronovisione’ da inicio al álbum con un ímpetu extrovertido donde se realza y celebra el colorido peculiar del sinfonismo, estableciendo un dinamismo estilizado que nos recuerda simultáneamente a LE ORME, CAMEL, TRIUMVIRAT y CORTE DEI MIRACOLI, un sinfonismo con sutiles recursos a matices densos. El hecho de que existan puentes de confluencia con las vertientes retro-sinfónicas más propias de la herencia mediterránea (NOTABENE, IL BACIO DELLA MEDUSA, NUOVA ERA) permite a la banda sonar fresca a través de su densa foresta de nostalgia progresiva. ‘Gatto Lupesco’ recoge esta fastuosidad y la traslada inicialmente hacia una atmósfera reposada, marcadamente contemplativa. Más adelante, las cosas se agilizan y, bajo la marca de una serenidad aún reinante, el nuevo dinamismo establece una solemnidad bien cuidada en donde el aumento del compás no da pie a una garra exorbitante: por el contrario, el bloque melódico nunca se sale de un encuadre de expresividad bien definido desde el punto de entrada. De esta manera, cuando llega el momento final con un reprise del motivo inicial, el engarce se siente muy natural. A continuación sigue ‘Nei Cerchi Del Legno’, pieza que dura poco más de 13 minutos y que contiene cuatro secciones autónomamente tituladas. Las tres primeras son netamente instrumentales, bien diferenciadas temáticamente sobre un sostén rítmico tan contundente como refinado: la primera porta un carácter alegre y un dinamismo colorido sin tapujos de ninguna clase; la segunda mantiene el aire extrovertido heredado de la anterior, pero aporta algo nuevo en cuanto a la musculatura del sonido grupal y algunos matices más grisáceos; la tercera es lenta y ceremoniosa, muy al estilo del CAMEL clásico. De esta manera, se articulan los cimientos para la sección cantada, que es básicamente una extensión del clima reposado y reflexivo de la sección instrumental precedente. ‘Il Fattore Precipitante’ tiene como cuerpo central una balada sinfónica muy reminiscente de CORTE DEI MIRACOLI, con algunos aires adicionales a APOTEOSI, ALPHATAURUS y MUSEO ROSENBACH, además de algún tufillo al WAKEMAN de “No Earthly Connection”: se trata de una pieza que ostenta su aura romántica a la vez que la arropa de una parsimonia grisácea donde la flameante fastuosidad plasmada en las labores de los tecladistas no oculta una cierta sensación de oscuridad emocional. ‘Il Basilisco’ se hace eco de la solemnidad romántica y reflexiva de la canción precedente, pero esta vez se guarda la fastuosidad y el apasionamiento explícito para centrarse más en lo lírico y lo campechano: la estructura rítmica en 3/4 y el uso del acordeón (a cargo del invitado Luca Scherani) resultan cruciales en estos aspectos definidos para el arreglo general de la pieza. ‘Un Insolito Baratto Alchemico’ agita crucialmente las cosas con un viaje instrumental intenso ejecutado con elegancia y precisión, apelando a un vigor llamativo y un colorido esquema sonoro que incluye flauta (a cargo de la invitada Joanne Roan). El interludio vira hacia un melancólico motivo en 3/4 dirigido por el piano, y finalmente, una coda ceremoniosa que recoge buena parte del vigor inicial. Para cerrar el álbum ‘Acustica Felina’ comienza con una introducción de envolventes capas de sintetizador que abre la puerta para una vitalista y decisiva sucesión de giros temáticos y variaciones rítmicas, asentando así una alternancia de motivos rápidos y lentos en aras de concretar una dramatismo expresivo típico de las facetas más ambiciosas del rock sinfónico. La sección reposada final, apropiadamente ornamentada con una intensa orquestación de teclados, se sitúa a medio camino entre lo Floydiano y lo Ormeano, con una innegable aura de magnificencia. Tenemos, entonces, en “La Coscienza Di Zeno” una mágica exhibición de retro-prog sinfónico que renueva de manera atractiva la nostalgia por las respectivas raíces itálica y anglosajona desde las cuales se sembró el jardín musical melódico dentro de esa gran flora sonora que es el rock progresivo. Esta situación coloca a LA COSCIENZA DI ZENO en un sitio bastante privilegiado dentro del conjunto de bandas noveles que debutan fonográficamente en este año 2011. Atención a todos los acérrimos irremediables del sinfonismo tradicional - ¡vale la pena prestar atención a este grupo!

Muestras de “La Coscienza Di Zeno”.-
Gatto Lupesco: http://www.youtube.com/watch?v=gHVLYRrWkcg
Il Fattore Precipitante: http://www.youtube.com/watch?v=1HzKpjtWO2w
Acustica Felina: http://www.youtube.com/watch?v=-3ZvBuIjbtc

GRIS VOLTA - música para la policromía emocional en un mundo monócromo

2011-10-23T14:12:00.005-04:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

GRIS VOLTA es un joven grupo peruano que se formó a comienzos del 2008, con la misión de crear una sonoridad rockera versátil y especialmente enfocada en plasmar y delinear atmósferas y emociones, dentro de una línea de trabajo ecléctica donde conviven el paradigma de RADIOHEAD, la psicodelia de talante cuasi-floydiano, el prototipo del genéricamente denominado indie rock, el post-rock y ocasionales incursiones en cadencias jazzeras y ambient. Prácticamente desde el momento de su formación el grupo se ha ido abocando a un incansable proceso creativo, el cual ha rendido su fruto completo a mediados del presente año 2011 con su disco debut “Monochromo”, producido por Manuel Umbert y grabado, mezclado y masterizado en Estudio REC de Lima, Perú. La formación de GRIS VOLTA es: Sebastián Gereda (voz, guitarras y piano), Fernando Alayo (bajo, coros y secuencia), Joan Manuel Morón (guitarras y laptop), Juan Carlos Aliaga (violín y teclados) y Alonso Solano (batería y coros). En un par de temas, la batería está a cargo de Fiorella Uceda.

La primera mitad del repertorio abarca la sección titulada ‘Sharp Side’, cantada en inglés, la cual comienza con ‘Light Speed’, pieza marcadamente melancólica e intimista, que no exenta de genuino vigor expresivo. De hecho, la autoafirmativa presencia de la guitarra eléctrica y los redobles que ornamentan la labor del baterista permiten al grupo exhibir con razonable soltura su energía inherente a través de la lenta cadencia en curso. ‘You Go Behind The Truth’ y ‘Muzak’ están a cargo de desarrollar ambientes un poco más contenidos para la persistente espiritualidad reflexiva que se instaura como motivo esencial de la banda: el primero establece un punto intermedio entre el RADIOHEAD de “The Bends” y la faceta introspectiva de SMASHING PUMPKINS, con algunos dejos post-rockeros sutiles pero efectivos; el segundo tiene una orientación más definidamente popera, aunque esto no quiere implicar simplificación, especialmente en lo que se refiere al hermoso acento poético aplicado por el solo de violín cerca del final. ‘So There’ porta una vibración más contundente a través de sus varios momentos donde los guitarreos eléctricos se apoderan del clima general: la alternancia entre los pasajes fuertes y suaves está hilada con pulcra finura. De hecho, el gancho de esta canción es tan poderoso que aventuro la hipótesis de que una extensión más amplia del jam instrumental de cierre hubiese sido de mayor ayuda a la hora de completar la idea… pero en fin, las cosas están así y están bien como están. A modo de abierto contraste, ‘Don’t Let Life Pass You By’ regresa a una espiritualidad más reposada, más o menos al estilo de ‘You Go Behind The Truth’, aunque con matices más encendidos (lo que me hacen recordar un poco la faceta intimista de los inolvidables TALK TALK). La segunda mitad del repertorio, cantada en español, ocupa un total de 17 minutos y se titula ‘Flat Side’. ‘Disir’ da inicio a esta sección aportando una agradable ambientación pop con refinadas cadencias jazzeadas, y lo mismo vale para Púrpura Destino, con su efectiva adición de groove del tipo bossa nova a la calidez melódica que invade la base compositiva. Entre ambas canciones se sitúa ‘Sueño 3’, tema que vuelve a ese inevitable aire a lo RADIOHEAD de la etapa “The Bends”. ‘Giro Saudade’ es la canción más inquieta de esta segunda mitad: el sendero surcado por los sencillos rasgueos de guitarra acústica sobre los que se explaya el canto melancólico de Gereda se completa efectivamente con las capas de sintetizador computarizado y el magnéticamente envolvente solo de violín. ‘Dinos Quién Fue’ cierra el disco con un clímax de ambición musical, armando un swing sofisticado en la primera mitad y elaborando una atmósfera de ensoñación grisácea en la sección final.

Con “Monochromo” GRIS VOLTA demuestra que tiene buenos recursos para causar un impacto especial en la movida rockera del Perú. Este grupo sabe plasmar su voz peculiar con una delicada armazón sonora producto de una eficaz interacción entre los músicos, lo cual me hace pensar que tal vez este material pudo haber sido mejor explotado si el grupo se hubiese animado a explayarse más decisivamente en la exploración de los pasajes instrumentales que recurrentemente parecen aludir a potencialidades interesantes. De hecho, es claro que existe en el seno de la banda una genuina visión por darle una prestancia especial al lenguaje del rock… Pero, a fin de cuentas, el grupo siempre opta por mantenerse anclado en la gracilidad popera a la hora de culminar y desarrollar sus composiciones: es su opción y hay que respetarla, pues ante todo la misión de un grupo de rock es la de ser fiel a su propia visión y valerse de ella para generar algo refrescante y peculiar. GRIS VOLTA ha de ser valorado como un grupo que sabe concretizar su visión musical con presición y convicción.

Muestras de “Monochromo”.-
Muzak: http://www.youtube.com/watch?v=m1jlwE2DEtQ
You Go Behind The Truth: http://www.youtube.com/watch?v=hZE5Jl-SWUk
Dinos Quién Fue: http://vimeo.com/7340767

White Willow- Terminal Twilight

2011-10-22T18:19:00.006-04:00

Generalmente escribo muy poco en el blog, por lo que cuando lo hago, es por una razón importante y especial.

No puedo ocultar que la banda noruega White Willow es una de mis favoritas, y los aprecio tanto como a las mejores bandas de rock progresivo de los 70s. Dicho esto, ha sido un gran placer el recibir hace unos días su sexto disco "Terminal Twilight" y encontrar que White Willow lo hizo nuevamente: este es trabajo que mantiene la tradición de WW de cambiar constantemente su estilo, es diferente a los anteriores, muy maduro y de gran calidad.

Primero que nada, quiero mencionar que hay dos miembros que retornan a la banda: la vocalista Sylvia Skejllestad ( o Sylvia Erichsen ) y el baterista-percusionista Mattias Olsson quien estuvo en el segundo trabajo de WW "Ex Tenebris". No esta de mas recordar que Mattias fue el brillante baterista en los dos discos de la espectacular banda sueca Anglagard.

¿Cómo se compara este trabajo de WW, el sexto , con los anteriores? Como ya explique anteriormente todos son diferentes, pero sin embargo si hay algunos elementos en común.

La oscura melancolía que marca casi todos los temas de WW y que se convierte en música que puede ser a la vez delicada y desgarradora, dura y áspera , para momentos después derivar a secciones maravillosamente sinfónicas, se encuentra aquí perfectamente expresada. Este es un disco que puede ser muy bello , muy oscuro, delicado, rítmico, pulsante, y la melancolia y la tristeza pueden por momentos arrancar alguna lágrima. Por otro lado , sin llegar a las cotas de fuerza casi heavy de Storm Season, logra también secciones muy fuertes y poderosas.

El compositor principal y líder de WW, el guitarrista Jacob Holm Lupo ha sabido llevar este proyecto a la perfección, pese a que mantiene un perfil bajo en el disco. Su intervención instrumental es a través de delicados pasajes de guitarra acústica. Los elementos mas importantes en la música son las capas tras capas de teclados a cargo de Lars Froislie, que le dan gran parte de su sonido al disco, el trabajo extraordinario de Mattias Olson en la percusión, un trabajo que supera largamente su participación en "Ex Tenebris" y la voz maravillosa de Sylvia. Aunque la vocalista Trude Eitang hizo un buen trabajo en Signal to Noise, Sylvia se hizo extrañar. Ketil Einarsen en los vientos cumple un papel adecuado , pero no siento que destaque, mientras que la nueva bajista Ellen Andrea Wang se adecua y mimetiza bien con la banda.

Emocionalmente, situaría a este trabajo entre "Ex Tenebris" y "Storm Season". La tristeza fluye de un tema a otro, pero por momentos trasmite mas angustia, una "oscura agonía del alma" y por momentos mas furia.

Revisando los temas mas importantes, me impactaron el tema de entrada "Hawks Circle the Mountain", "Searise", "Floor 67" , pero todos los temas son buenos, incluyendo los mas cortos y delicados.

Los seguidores de White Willow , y en general del progresivo sinfonico escandinavo, apreciarán esta nueva entrega , que incluyo junto a "Beyond the Shrouded Horizon" de Steve Hacket, entre lo mejor que he escuchado este año 2011. Recomendado.

4.5 / 5 puntos

Joal

GIRAFFES? GIRAFFES! - la magia continúa, la energía aumenta

2011-10-20T12:41:00.001-04:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

¿Qué tal si seguimos explorando power-dúos estadounidenses que cultivan el math-rock? Bueno, en tal caso, hoy será el turno de GIRAFFES? GIRAFFES! y su reciente tercera placa de estudio “Pink Magick”, un nuevo muestrario de esa particular mezcla de energía, extravagancia y desparpajo que la banda ha venido desarrollando dentro de la vivaz escena math-rockera estadounidense. Con una duración de 35 minutos - más o menos -, “Pink Magick” nos suscita irrupciones de excitación emocional con todas esas marejadas de riffs, fraseos, ritmos y cadencias complejas que la dupla de Joseph Andreoli (guitarras, loops y efectos) y Joseph Topham (batería y percusiones convencionales y concretas) domina con refinada perfección y arrolladora muscularidad. Un puñado de de los temas contenidos en este álbum ya apareció en bootlegs en vivo de los últimos años: el grupo no había dejado de crear nueva música desde el tiempo de su anterior trabajo de estudio “More Skin With Milk Mouth” (publicado a fines de 2007). De hecho, el dúo ha mantenido un ritmo sostenido de producción artística prácticamente desde el día siguiente que Andreoli y Topham se conocieron en el campus de la Universidad de New Hampshire, a inicios del nuevo milenio, donde el primero estudiaba música como parte del Programa de Artes y el segundo estudiaba literatura en Humanidades. Hoy por hoy se trata de una de las bandas más respetadas del underground de su país, más allá del hecho de estar apartados del mainstream. Este grupo no es conocido por editar discos de 50 minutos (¡menos aún de 70!), pero con sus discos de alrededor de media hora, otros discos compartidos con otras bandas vanguardistas del país estadounidense y un puñado de discos en vivo, GIRAFFES? GIRAFFES! tiene ya una posición bien asentada en las repisas de los ávidos coleccionistas de math-rock y variantes, y cómo no, una hinchada terriblemente fiel dentro del público underground de su país. “Pink Magick” no deberá cambiar en lo más mínimo esta tendencia – pasamos ahora a repasar su repertorio.

Con su satírico título alusivo a los sofisticados placeres del sexo sadomasoquista, ‘Es And Em And Em And Ems’ abre el disco con un breve despliegue de fuerza aleatoria caóticamente electrizante, el cual abre las puertas para el dinamismo arquitectónico de ‘Scorpion Bowls At The Hong Kong’. Agilidad pletórica y colorido juguetón son los rasgos más destacados de este tema, el mismo que funciona como motivación para que el dúo explore con confianza las proyecciones de una idea compositiva no muy compleja en cuanto a estructura, más bien dando rienda suelta a la idea de excitación rockera a través de una refinada utilización de trucos psicodélicos en los guitarreos y complejos adornos de redobles a la batería. Acto seguido, ‘Totally Boneless!!!’ emerge para aumentar el frenesí en aras de una neurosis electrizantemente explosiva: no dura mucho, apenas supera los dos minutos y medio de duración, pero pone muchísima polenta en el asunto. La dupla de ‘Werewolf Grandma With Knives’ comienza con una primera parte minimalista cuya naturaleza abstracta no oculta una sensación de inquietud misteriosa, cediendo el paso luego a una segunda parte salvajemente imponente, portadora de dosis contundentes de músculo y nervio. La vitalidad esencial de GIRAFFES? GIRAFFES! se hace brutalmente patente en toda su urgente pureza, con todos los aspavientos del mundo. La dupla de ‘Koscinski's Requiem For A Golden Chariot’ y ‘Curse Of The Tooth Nightmare’ capitaliza enormemente esta vitalidad a la que acabamos de hacer referencia: el primero de estos temas se focaliza en una compleja ilación de motivos intensos y secuencias rítmicas voraces donde la sensación de colorido extrovertido es lo predominante; el segundo hace lo propio en una dirección un poco más claroscura, con una sensación de tensión neurótica que parece empujar todo el tiempo al ensamble instrumental hacia climas de obsesión y densidad claustrofóbica, nunca renunciando a lo juguetón. ‘Transparent Man/Invisible Woman (80,000,000 Years Alone)’ se explaya sobre un medio-tiempo en un compás de 5/4: la asociación de líricas intervenciones del glockenspiel y las texturas cósmicas de la guitarra sintetizada completa los contornos y colores potencialmente proyectados por los retazos aportados desde la recurrente secuencia arpegiada de fondo. ‘DRGNFKR’ ocupa los últimos 7 minutos y medio del álbum. Tras un primer motivo signado por un arrebato fulguroso razonablemente sofisticado y bien ordenado, el dúo pasa a un segundo motivo más calmado en cuanto a la cadencia rítmica, el cual empieza contenido y sostenidamente evoluciona hacia la manifestación explícita de una ansiedad interior, finalizando con un clímax superlativo y una coda ceremoniosamente misteriosa.

En líneas generales, se puede decir que GIRAFFES? GIRAFFES! ha concretizado un éxito enorme en su labor de refinamiento de las pautas math-rockeras que ellos han venido plasmando a su manera a lo largo de su carrera fonográfica, además de los diversos proyectos colaterales que el tándem Andreoli-Topham tiene por sus respectivas agendas individuales (p.e., Topham toca también en los grupos TOP FARM y THE MOTHERS EGG, además de grabar discos solistas como KEN KENNERSON, mientras que Andreoli forma parte del proyecto I AM THIS BIG CLOUD, acompaña a su amigo del alma Topham en THE MOTHERS EGG y KEN KENNERSON y también graba discos solistas). Para el caso específico de GIRAFFES? GIRAFFES! en tanto unidad sónica, “Pink Magick” resulta una definitiva demostración de que el vitalismo del math-rock del nuevo milenio es prácticamente incombustible.

Muestras de “Pink Magick”.-
Scorpion Bowls At The Hong Kong: http://www.youtube.com/watch?v=7F3h2jaD3mo
Transparent Man/Invisible Woman (80,000,000 Years Alone): http://www.youtube.com/watch?v=4IvGDctUsZk
DRNFKGR: http://www.youtube.com/watch?v=wQ6nITpq74Y

HELLA y su nuevo viaje por la jungla del math-rock

2011-10-17T11:07:00.003-04:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el momento de hablar de HELLA, un grupo formado en la localidad californiana de Sacramento por Spencer Seim y Zach Hill, amigos y colegas musicales desde sus días de estudiantes de colegio secundario. Este power-dúo, muy referenciado en la nueva hornada de grupos math-rockeros de la vanguardia estadounidense del nuevo milenio, vuelve a hacer de las suyas con esta entrega fonográfica para el año 2011 titulada “Tripper”. El dúo nuclear de vuelve a la carga después de haber trabajado brevemente como quinteto entre 2006 e inicios de 2009, tiempo en el cual el grupo registró el que hasta ahora había sido su último disco “There’s No 666 In Outer Space”. La línea de trabajo que HELLA viene ofreciendo desde hace años dentro de la actual preservación del discurso vanguardista math-rockero tiene aires de familia con GIRAFFES? GIRAFFES! (otro power-dúo) y OXES, o sea, un delicado equilibrio entre crudeza y finura dentro de los complejos viajes sónicos en torno a los cuales articulan y desarrollan sus ideas musicales. Así, el grupo se siente comodísimo incorporando elementos de sludge metal, noise-rock y punk-jazz en sus viajes instrumentales, lo cual los pone en parentesco más cercano con LIGHTNING BOLT, grupo de Rhode Island con el cual el grupo ha compartido cartel más de una vez (y también es un dúo).

Los dos primeros temas despliegan un muestrario sonoro significativo de lo que se viene para el repertorio integral del álbum en sí. ‘Headless’ abre el disco al modo de una irrupción de lava que arrasa con todo mientras exhibe un hermoso espectáculo de color ante los ojos de Dios, mientras que ‘Self Checkout’ pone en acción una maquinaria de demolición de edificios en un despliegue incrementado de furia que ya raya con lo anárquico. ‘Long Hair’ no tiene empacho en recibir una buena proporción de la influencia abrasiva de ‘Self Checkout’, aunque la dosis de extroversión no es la misma debido a los matices sombríos que se desprenden de varias intervenciones guitarreras; ‘Yubacore’, por su parte, entrega un dinamismo más sofisticado en cuanto al ímpetu rítmico, a la par que refleja parte de las dosis habituales de electrizante neurosis y explosivo nervio en los riffs y secuencias armónicas de las guitarras sobregrabadas. Acto seguido, ‘Netgear’ restablece esas dosis en todo su esplendor sin miramientos, sin tomar prisioneros, aunque con un pertinente aire de exquisita fluidez que sirve para que el dúo se disponga a sus anchas a efectuar un ejercicio de robusta implosión en el arte del ruido. Poco antes de llegar a la barrera del cuarto minuto, el grupo explora un ejercicio de contención rítmica que permite a los guitarreos desbordarse para liberarse de la implosión que había sido la regla exclusiva hasta este momento: el clímax resultante es simplemente genial – vibrante y a la vez siniestro. ‘Kid Life Crisis’ comienza con una introducción sónica cibernética casi a lo krautrock, para luego pasar a un cuerpo central rockero que se sitúa en la encrucijada entre el vigor visceral de ‘Self Checkout’ y la sofisticación de ‘Yubacore’. Después de esto, el grupo se explaya en terrenos más refrescantes con la jovialidad ultra-primusiana de ‘On The Record’ y el colorido celebratoriamente optimista de ‘Furthest’, no exento este último de alguna sorpresa especial en un momento donde entra a tallar una variable de neurótica intensidad. Los últimos 9 minutos del álbum están ocupados sucesivamente por ‘Psycho Bro’ y ‘Osaka’: el primero de estos recoge en gran parte el frenesí contundente de las dos piezas anteriores mientras lo recicla por vía de la incorporación de un aumentado fuego rockero, mientras que el último nos devuelve a los páramos de ‘Headless’ y ‘Self Checkout’, con un tenor cálido incorporado para el motivo matemático desde donde se proyecta el fade-out.

Flagrantemente poderoso, incendiariamente vigoroso e intrigantemente intrincado, así es el sonido de HELLA, y así es como se muestra al mundo en “Tripper”, una de las obras más radicalmente musculares de rock experimental en este año que ya se proyecta por sus tramos finales. El repertorio de “Tripper” no alcanza la barrera de los 40 minutos de duración, pero su despliegue vitamínico de contundencia sonora es bastante autosuficiente como para enriquecer la experiencia melómana sin saturaciones ni aturdimientos hiperbólicos. HELLA ha hecho un trabajo magnífico… ¡y punto!

Muestras de “Tripper”.-
Headless: http://www.youtube.com/watch?v=3W-btmNQL2Y
Netgear: http://www.youtube.com/watch?v=Ljhz_eGFPAw
Yubacore: http://www.youtube.com/watch?v=NyMg-SRIOdg

SYMPHONY X y el imperio del prog-metal iconoclasta

2011-10-14T12:51:00.002-04:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el momento de “Iconoclast”, nueva entrega de SYMPHONY, banda original de Nueva Jersey que desde la primera mitad de los 90s ha estado desarrollando, consolidando y afirmando un paradigma muy estilizado de la onda prog-metalera en base al estándar del metal neo-clásico y con abundantes florituras y ornamentos de carácter sinfónico. Este disco viene en formato simple y doble, siendo este último el que contiene más fielmente la totalidad del concepto gestado por Michael Romeo y Russell Allen, una responsabilidad creativa dual que ya había rendido buenos frutos en la ambiciosa idealización poética miltoniana expuesta en el disco anterior, “Paradise Lost” (2007). En fin, la formación se completa con Jason Rullo (batería), Michael Pinnella (teclados, piano) y Michael Lepond (bajo), tal como lo ha venido haciendo desde los tiempos del fenomenal concept-album “V” (del año 2000).

Casi 11 minutos dura el primer tema del volumen 1, justamente el tema que da título al disco. Con un pasaje introductorio que incluye arreglos corales, la pieza instala su cuerpo central, focalizado en una exhibición de poder metalero sofisticado poco antes de llegar a la barrera del segundo minuto y medio. Todas las piezas habituales del puzle musical históricamente delineado por esta banda están allí: riffs poderosos, una sección rítmica sólida que se mueve con milimétrica precisión por todas las variantes de compás, momentos para el brillo de la guitarra y el teclado en sus respectivos solos, el magistral canto de Allen. Se ahonda también en el rol especialmente protagónico de la guitarra de Romeo que se venía dando desde los días de “The Odyssey”: la presencia de los teclados en ornamentos, armonías y orquestaciones no es tan relevante como en los días de “The Divine Wings Of Tragedy” o “Twilight In Olympus”, pero a despecho de la relativa minimización de este recurso predilecto del estándar del prog-metal neoclásico (el reino de SYMPHONY X), la estructura musical de esta pieza es fluidamente explorada a través de su ambiciosa proyección temporal. ‘The End Of Innocence’ sigue a continuación, con muchos de los ingredientes sonoros intactos, aunque su dinámica compositiva se me hace más cercana a la de un par de temas del épico concept-disc “V”. ‘Dehumanized’ está más a tono con el filo agresivo inapelable de “Paradise Lost”: hallamos en la sección intermedia el que quizá sea uno de los mejores solos de guitarra de todo el doble álbum. ‘Bastards Of The Machine’ y ‘Heretic’ prosiguen con este despliegue de contundencia oscura y arrolladora: el primero se desarrolla de una forma trepidante tanto en su esquema rítmico como en la articulación de los riffs básicos, y adicionalmente, en el canto de Allen, simultáneamente airado y autoafirmativo; el segundo capitaliza el frenesí para concentrarse un poco más en lo muscular y bajar en cierta dosis el acento dramático que en ‘Bastards’ era más patente. ‘Children Of A Faceless God’ convierte la fuerza rockera vigente a una dimensión un poco más contenida, logrando así crear un esquema melódico donde lo majestuoso se resalta debidamente. Durando 9 minutos y pico, ‘When All Is Lost’, cierra el primer volumen del disco con un esplendor magnífico y atrapante, alternando secciones lentas donde reina una atmósfera emocionalmente vulnerable de power-ballad con otras en las que el grupo da rienda suelta a su estilizada extroversión que ya es “marca de la casa” desde hace tiempo. La coda dirigida por la guitarra acústica, a pesar de su brevedad, tiene un poder evocativo inmenso.

Pasamos ahora al segundo volumen y es el tema ‘Electric Messiah’ el que está a cargo de inaugurar la ocasión, y lo hace con una polenta muy semejante a la exhibida y articulada en‘Bastards Of The Machine’ y ‘Heretic’, posiblemente más cercana a este último. ‘Prometheus (I Am Alive)’ establece una estilización más a tono con el legado de “The Odyssey”, logrando así plasmar otro momento de majestuosidad antes de la erupción de una nueva oleada flameante de frenesí directo por vía de ‘Light Up The Night’. En este punto quedan poco menos de 15 minutos para la conclusión de la experiencia de “Iconoclast”. Así, ‘The Lord Of Chaos’ desarrolla un lirismo claramente definido en medio del imponente vigor de la instrumentación (que incluye, claro está, otro solo incendiario a cargo del “Gran Jefe” Romeo), y es tan fuerte el impacto de ese lirismo que se perpetúa a su manera en la más aguerrida ‘Reign In Madness’, pieza que tiene mucho parentesco con ‘Heretic’ y ‘Electric Messiah’ en cuanto a la contundencia rítmica, la garra vocal en la mayor parte de las intervenciones de Allen y el despliegue de poder por parte de los riffs, pero las bases de teclado aportan un aura mayestática al bloque sonoro global, un aspecto que se resalta de manera poderosa en el aguerrido interludio instrumental. Por enésima vez, los fantasmas de “The Odyssey” inundan los ambientes de este palacio prog-metalero iconoclasta. Así termina esta nueva obra de SYMPHONY X, banda que ya tiene desde hace cierto tiempo delineados los confines de su tradición y los rituales de nueva frescura que han venido alimentando de forma consistente desde los tiempos de “The Odyssey” – nos quedamos con el aprecio por este disco en tanto condensador de las propuestas de “The Odyssey” y “Paradise Lost”, manteniendo la expectativa en torno a las metas musicales que el grupo deberá proyectarse en adelante. Por lo pronto, ¡nota aprobatoria para “Iconoclast”!

Muestras de “Iconoclast”.-
Bastards Of The Machine: http://www.youtube.com/watch?v=rkteYRJaU24
When All Is Lost: http://www.youtube.com/watch?v=rw4SdGv5UzI
Reign In Madness: http://www.youtube.com/watch?v=OZlP8yX8XGs

Drama, resurrección y gloria de DREAM THEATER en su renovada proyección prog-metalera

2011-10-11T12:47:00.004-04:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el turno de DREAM THEATER, nombre perenne e indiscutiblemente sinónimo de paradigma del prog-metal desde la inolvidable (y para no pocos, todavía insuperable) dupla de álbumes “Images & Words” y “Awake”, y desde el año pasado, también sinónimo de telenovela desde la tensa situación que se originó con la partida de Mike Portnoy (previo rechazo de su iniciativa de poner a la banda de vacaciones y tras un fallido intento posterior de regreso), sin obviar un litigio sobre los réditos económicos de la utilización del mismo nombre del grupo.* En fin, el grupo ha sabido seguir adelante con un nuevo enfoque compositivo que implicó dejar más campo abierto a lo melódico a partir de una interacción más fluida entre Petrucci y Rudess, una mayor iniciativa de este último, y la retoma de aportes importantes de parte de LaBrie y Myung. Por su parte, el nuevo baterista Mike Mangini ha sabido hacer gala de su técnica, fuerza y veteranía para cumplir con su rol de “nuevo Portnoy” que el grupo tenía en mente para sus primeros pasos en esta nueva fase de su carrera. Parece un rol muy encorsetado, y puede serlo en muchos sentidos, pero también es verdad que la leyenda de Portnoy no está construida con aire y quimeras, sino con una realidad de años y años de versatilidad que lo convierten en toda una figura infinitamente influyente para la maduración del prog-metal desde la década de los 90s, un mérito que no le podrán negar aquellos que con razón odian sus tendencias al divismo y al egocentrismo. La simple tarea de anularlo exige pericia y esa intuición que solo da la veteranía, y Mangini era el designado por el Dios Destino para realizar este trabajo. Además, desde la logística creativa diseñada para la composición y los arreglos del nuevo material, tenía sentido que se buscara una permanencia idealista de Portnoy. En efecto, Dream Theater decidió dar un paso decisivo y necesario tras el proceso de aburguesamiento que se hizo notar en “Systematic Chaos” y “Black Clouds & Silver Linings”, así como en el legado unilateral de “Train Of Thought”: retomar los mejores frutos de su propia herencia sinfónica desde la etapa Moore y los inicios de la etapa Rudess para revitalizar su sensibilidad musical y enfocar con una nueva perspectiva los matices metálicos que se habían afianzado en los dos discos precedentes. Esta estrategia era una de las que más se discutían en los foros de fans donde no faltaban quejas sobre la crisis creativa de los últimos discos y la innecesaria pero constante sobreabundancia de Portnoy dentro de la línea de trabajo de la banda. Pues bien: la respuesta a todas estas inquietudes, hipótesis, expectativas está cabalmente reflejada en “A Dramatic Turn Of Events”, disco que parece condenado a ser el más comentado ítem de prog-metal del año. (Algo así como lo eran por varios años los discos de MARILLION con Hogarth dentro del gueto del neo-prog, ¿no?) Repasemos el disco, tema por tema.

‘On The Backs Of Angels’, el primer tema que se dio a conocer del disco, inaugura esta nueva fase musical de la banda con carácter y fortaleza. El motivo introductorio es un guiño al clásico preludio perpetuo de ‘Pull Me Under’ con ciertos aires añadidos a lo ‘A Change Of Seasons’. El cuerpo central se revela como un matrimonio bien compaginado entre la herencia de la etapa 92-95 y la pesadez más aparatosa propia de los dos últimos trabajos de estudio. Es como recuperar una vieja ilusión mientras se echa un último vistazo a los paisajes que llenaron los últimos cinco años de trayecto a la hora de cerrar la puerta. Pero la puerta no se cierra del todo, tal como revela ‘Build Me Up, Break Me Down’, pieza que no hubiera estado fuera de lugar en “Systematic Chaos” o en medio de ‘Panic Attack’ y ‘Never Enough’ (del “Octavarium”)… aunque menos mal que no es de la línea de Muse, sino más bien una canción metalera melódica con afinidades industriales sobre un compás de medio-tiempo pomposamente arreglado para dar la impresión de mayor polenta. Engarzado con la conclusión sinfónica de este tema, ‘Lost Not Forgotten’ empieza a brindar los primeros momentos de grandeza mayestática del álbum. Comenzando con una secuencia de piano a lo Gershwin, el tema pronto estalla en una serie de modismos que podemos reconocer desde los tiempos de “Images & Words” y “Scenes”, con herramientas y recursos que plasman alusiones a las estructuras de ‘Under a Glass Moon’, ‘Metropolis Part 1’, ‘Strange Déjà Vu’ y ‘The Dance Of Eternity’. ¡Cómo se nota que los cuatro restantes de DT principalmente querían a un facsímil del turbulento Portnoy! ¡Y también cómo se nota que el grupo logró entender que necesitaba reciclar lo mejor de su legado con Moore y reorientar la potencialidad creativa de Rudess para recuperar el brillo progresivo que se había manifestado por última vez en “Six Degrees Of Inner Turbulence” y tres cuartos de “Octavarium”! ‘Bridges In The Sky’ tiene una introducción que comienza con una secuencia tribal que incluye el sampleo de un canto ritual, seguida de otro sampleo de una ceremoniosa coral gótica, permitiendo así que el poderosos cuerpo central se instale como emergiendo de una misteriosa niebla. Esta pieza exorciza dinámicamente los fantasmas del “Train Of Thought” y del “Systematic Chaos” con un inteligente manejo del gancho marchoso propio de la pieza; también podemos señalar que ciertos pasajes de teclado en el interludio nos remiten al “Scenes From A Memory”, pero es verdad que a pesar de que se hacen presentes de una forma llamativa, son los guitarreos y los aportes de la batería los que guían la dirección compositiva de la pieza. La breve coda reitera el ambiente tribal del inicio. ‘Outcry’, por su parte, refleja un manejo más sofisticado del elementos metalero, jugándosela por un compás más contenido y la inclusión de atmósferas digitales en medio de una fastuosidad refinadamente desarrollada. Esta pieza guarda una fidelidad más grande a los esquemas sonoros de los tres últimos discos, pero su sentimiento nostálgico parcialmente patente nos remite a los terrenos más sofisticados que se explayaron en el primer volumen del “Six Degrees” (‘Blind Faith’, ‘Misunderstood’). Rudess se manifiesta a sus anchas en la sección intermedia, la cual se puede describir como un híbrido entre una recapitulación ralentizada de los alucinados aspavientos rococó del legendario ‘Metropolis Part 1’ y los recovecos instrumentales de ‘Blind Faith’ y la sección final de ‘The Great Debate’. En resumen, ‘Outcry’ es otra muestra fabulosa de la aureola de frescura y nuevo esplendor que la banda ha venido proclamando desde los tiempos de post-producción de este álbum.

El primer momento de pleno relax emocional llega con ‘This Is The Life’, una power-ballad de pronunciado cariz sinfónico, portando una sensibilidad serena y un refinamiento melódico que la hace afín a varios temas a medio tiempo de ENCHANT y VANDEN PLAS. La alternancia de 6/4 y 5/4 en el esquema rítmico de la pieza ayuda bastante a sustentar una calidez reflexiva consistente, la cual no se rompe cuando entran a tallar los riffs de guitarra eléctrica en ciertas ocasiones calculadas. El segundo momento relajante está encarnado en la balada ‘Far From Heaven’, pieza sostenida sobre el piano y en el que LaBrie recapitula los matices introspectivos de su voz con el grisáceo dramatismo de ‘Vacant’ y algunos momentos mayestáticos a lo ‘Wait For Sleep’. Es curioso que tengamos que sacar a colación a esta última canción en esta descripción, pues apenas apagado el eco de la última nota de piano de ‘Far From Heaven’ emerge la canción que muchos han denominado como el segundo ‘Learning To Live’: ‘Breaking All Illusions’. Pues bien, dicha denominación es totalmente justa, pues varias modalidades de ilación entre motivos y bastantes ornamentos de bajo y teclado replican buena parte del espíritu de aquella canción que cerraba “Images & Words” con absoluto esplendor. Eso sí, esta labor de recapitulación se hace eco de varios de los estándares de estilización prog-metalera que el grupo había conquistado imponentemente en los momentos mejor logrados de “Scenes” y “Octavarium”: este eco se traduce en mayores dosis de muscularidad en varios de los pasajes más potentes y un swing más pronunciado en la labor general de Mangini, y justamente en este aspecto, se puede decir que esta canción es donde Mangini se suelta más y no suena tan “flagrantemente Portnoyense”. Por su parte, Petrucci se luce en un solo Lifeson-Gilmouriano y Rudess hace gala de sus modismos Wakemanianos en más de una ocasión, y en general, el quinteto explota este tema divinamente hasta su magnífico cierre sinfónico, convirtiéndolo así en otro cénit junto con ‘Lost Not Forgotten’ y ‘Outcry’. Los últimos 5 1/2 minutos del álbum están ocupados por ‘Beneath The Surface’, tercer y último momento de relax emocional del disco: puesto que el final de ‘Breaking All Illusions’ es tajante pero no realmente climático, resulta oportuno que esta balada con base de guitarra acústica cierre el álbum, aportando un lirismo tranquilo e intimista en una suerte de mezcla de STYX (a lo Tommy Shaw) con THE MOODY BLUES (etapa del “Long Distance Voyager”). De hecho, el solo de sintetizador que aporta en el intermedio Rudess tiene un aire a lo Moraz bastante efectivo como contraparte de la explícita dulzura cándida que atraviesa a la intención compositiva de Petrucci.

Finalmente, nuestro balance general sobre este álbum es positivo en tanto que resulta tremendamente funcional a la instalación de los presentes vientos de renovación dentro del mundo Dreamtheatero, así como a la proyección hacia prospectos de reactivada creatividad en próximos trabajos fonográficos. Para decirlo sin rodeos retóricos, “A Dramatic Turn Of Events” cumple solventemente con la doble misión de DREAM THEATER que hemos mencionado en el primer párrafo de esta reseña: a) recuperar buena parte de la magia progresiva de la mejor cosecha durante la etapa Moore y los primeros discos de la etapa Rudess; b) poner en perspectiva la orientación sonora desarrollada en “Train Of Thought” y los dos discos anteriores. Así pues, DREAM THEATER rinde su declaración jurada de que ha exorcizado sus más recientes fantasmas y debe estar preparado para nuevos retos creativos si procede el asentamiento del nuevo baterista Mike Mangini, un veterano con derecho propio.

Muestras de “A Dramatic Turn Of Events”.-
El video-clip de On The Backs Of Angels: http://www.youtube.com/watch?v=28MmnThlYOo
Lost Not Forgotten: http://www.youtube.com/watch?v=bZCCTtGWHR0
This Is The Life: http://www.youtube.com/watch?v=Z2Lj4PWmU7c
Breaking All Illusions: http://www.youtube.com/watch?v=0ygHIMR9Tks

* Para recordar algunos eventos cruciales de esta drama DT vs. Portnoy, aquí van algunos enlaces originales del Portal Esquizofrenia:

Mike Portnoy abandona DREAM THEATER (setiembre de 2010): http://www.portalesquizofrenia.com/cms/mike-portnoy-deja-dream-theater.html

El anuncio oficial de DREAM THEATER (setiembre de 2010): http://www.portalesquizofrenia.com/cms/dream-theater-contesta-en-un-comunicado-a-mike-portnoy-tras-abandonar-la-banda.html

Portnoy intentó sin éxito regresar a DREAM THEATER (diciembre de 2010): http://www.portalesquizofrenia.com/cms/mike-portnoy-intento-regresar-sin-exito-a-dream-theater.html

Entrevista a John Petrucci y Jordan Rudess (abril de 2011): http://www.portalesquizofrenia.com/cms/content/view/1499/139/

Entrevista con James LaBrie (julio de 2011): http://www.portalesquizofrenia.com/cms/content/view/1610/139/

TIDES FROM NEBULA: la bruma terrenal post-rockera brilla desde Polonia

2011-10-08T12:51:00.004-04:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es ocasión de hablar del grupo polaco TIDES FROM NEBULA, un cuarteto instrumental de línea post-rockera que se formó hace unos seis años, debutando en 2009 con el disco “Aura”: ahora, en el año 2011, TIDES FROM NEBULA nos trae su segundo disco “Earthshine”. Este grupo, conformado por Adam Waleszynski (guitarras), Maciej Karbowski (guitarras, sintetizador y piano), Przemek Węglowski (bajo) y Tomasz Stolowski (batería) es bastante aplicado en esto de asumir la misión de aportar su grano de arena a la vigencia del post-rock: MOGWAI y DO MAKE SAY THINK parecen ser sus referentes exclusivos en los momentos más calmos de sus ideas musicales, mientras que EXPLOSIONS IN THE SKY e ISIS parecen ser los centros magnéticos hacia el cual el grupo focaliza la creación de sus aspectos más extrovertidos (que no son mayoritarios, dicho sea de paso).

‘These Days, Glory Days’ abre el disco con una aureola de calma intensa marcada por los espartanos acordes de piano, pero cuando la batería empieza a armar su arquitectura tribal y las capas de guitarra anuncian el asentamiento del cuerpo central, nuestros oídos se enfrentan a un frenesí celebratorio y optimista que no dura mucho, pero sí genera suficiente musculatura para sostener el moderado misterio brumoso que envuelve al último paraje del tema. ‘The Fall Of Leviathan’ se encuadra dentro de una actitud más solemne, con una dosis de vigor casi idéntica a la del tema de entrada, pero con una espiritualidad más asentada en lo introspectivo. ‘Waiting For The World To Turn Back’ es un etéreo y relajante preludio a ‘Caravans’, pieza que porta una cautivante calidez en su parsimoniosa musculatura de guitarras, muy afín ella al estándar de EXPLOSIONS IN THE SKY. Con una curiosa combinación de languidez contemplativa y alegría sosegada, ‘White Gardens’ desarrolla un cuerpo central que se hace eco de las ambientaciones predominantes del tema anterior; para la coda que se explaya en los dos últimos minutos, las cosas viran sónicamente hacia una atmósfera más potente, respetando el tenor reflexivo que patentemente inunda el motivo central a la par que se proyecta hacia un clímax crecientemente explosivo. Los últimos 18 minutos y pico del álbum están ocupados por la secuencia de ‘Hypothermia’, ‘Siberia’ y ‘Cemetery Of Frozen Ships’. ‘Hypothermia’ es un ejercicio minimalista que ofrece un paisaje sonoro minimalista donde se borran los límites entre el ensueño y el reposo eterno, un oportuno momento de plácida quietud después de la electrizante ebullición rockera con la que había concluido ‘White Gardens’. ‘Siberia’ empieza como un despertar, dejando que se desarrolle una sensación de calidez contemplativa de una forma sostenida y contenida. Un nuevo motivo irrumpe después de la frontera del tercer minuto y medio sin romper la cadencia básica, pero sí se nota con la variante que se ha dado un incremento en el tenor ceremonioso de la instrumentación, principalmente en la recurrente secuencia armónica de las guitarras duales. Es el momento en que el grupo empieza a afilar su músculo en los guitarreos e incorporar matices un poco más sofisticados en la cadencia rítmica de la pieza. Poco antes de llegar a marcar el séptimo minuto, la batería asume el encargo de bajar la intensidad para invitar a la instrumentación a concentrarse en áreas más introspectivas, y de hecho, emerge con este nuevo viraje un lirismo que, a despecho de su patente sencillez, se siente poderoso mientras se desvanece cómodamente en su fade-out. Mucho de MOGWAI y DO MAKE SAY THINK. En fin, ‘Cemetery Of Frozen Ships’ cierra el disco recogiendo la melancolía que envolvía al motivo final de ‘Siberia’ para encuadrarlo dentro de un clima funerario, alevosamente lánguido, mórbidamente relajante: lo que en ‘Hypothermia’ era una sutil imagen de reposo más allá de esta vida, en esta pieza se nota la ansiedad inherente a la tristeza por lo que se fue para no volver jamás, una ansiedad que no osa vociferar sino que se mantiene encapsulado en su propio ensimismamiento. El pasaje final marcado por la guitarra acústica tiene la aureola de una elegía sobria que le da un innegable aire de distinción a la imponente tristeza.

Una estupenda experiencia es la de escuchar “Earthshine”, advertir cómo TIDES FROM NEBULA ha aprendido las lecciones y estándares de sus maestros y se ha atrevido a demarcar su propio territorio sonoro dentro del hábitat del post-rock. Valdrá la pena seguir la pista a esta banda y buscar su disco debut “Aura” después de lo que hemos oído en este segundo disco.

Muestras de “Earthshine”.-
Caravans: http://www.youtube.com/watch?v=mxD_nlM40Qw
Siberia: http://www.youtube.com/watch?v=Gy8GZ3qbkSI
Cemetery Of Frozen Ships: http://www.youtube.com/watch?v=EgXLk2ULfMw

GRAILS y la continua profundidad sonora del nuevo post-rock

2011-10-05T16:29:00.003-04:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión traemos a colación a la banda estadounidense GRAILS y su nuevo disco “Deep Politics”, el cual ofrece la propuesta más original dentro de la experimentación post-rockera que se ha venido desarrollando en el mundo durante el transcurso del nuevo milenio. Formado a fines de los 90s, este ensamble instrumental estadounidense GRAILS es una entidad experimental que hemos descubierto recientemente pero que cuyo aporte hemos aprendido a apreciar rápidamente: su esquema post-rockero ecléctico alimentado de elementos psicodélicos, progresivos e indie les ha hecho merecedores de efusivos elogios de parte de la prensa musical underground de su país desde los tiempos de sus primeros EPs (cuando aún se llamaba LAUREL CANYON) y su disco debut “The Burden Of Hope”, ya bajo el nombre definitivo de GRAILS.

Tal como dijimos, su nuevo trabajo de larga duración para el presente año 2011 es “Deep Politics”, una obra sólida y bien armada donde el grupo deja constancia de su garra expresiva, su inteligente manejo de atmósferas y texturas, y su convincente administración del espíritu aventurero hacia el cual el grupo siempre estableció sus miras estéticas. La alineación del grupo contiene a Zak Ryles (guitarras), Emil Amos (batería, guitarras, piano, sintetizador, efectos de cinta), Alex John Hall (guitarras, mellotrón, sintetizador) y William Slater (bajo, piano, sintetizador), contando con las ayudas ocasionales de Ash Black Bufflo al sintetizador y de Timba Harris en los arreglos de cuerda. Para variar, este disco ya ha recibido elogios de parte de la prensa y comunidad internauta de melómanos, y en esta reseña no nos cabe sino unirnos a este clima de apreciación. Vayamos tema por tema para justificar por qué.

‘Future Primitive’ abre el disco con una grisácea solemnidad cósmica, trasladando una atmósfera oscura sin excederse en su potencial opresivo, más bien explayándose en una ambientación reflexiva y misteriosa que es bien llevada por la perfecta amalgama creada por las disciplinadas intervenciones de los instrumentistas y la calculada interacción entre ellos. El uso contenido pero genuino de garra rockera le da un vitalismo especial a la reflexividad reinante. ‘All The Colors Of The Dark’ se encarga de ocupar los siguientes 4 minutos del álbum con una actitud más calmada, ciertamente estandarizada dentro de ciertos cánones habituales del post-rock, aunque añadiendo varios toques progresivo-psicodélicos que vienen bien a la hora de explotar los pasajes más energéticos del jam central en torno al cual gira el bloque instrumental general. Por su parte, ‘Corridors Of Power’ incorporar ciertos aires cibernéticos al asunto, un poco a lo RADIOHEAD post-“OK Computer”, además de notables aportes de las facetas atmosféricas del krautrock electrónico y los elementos más etéreos de unos TORTOISE: esta excursión por estepas de predominio de sintetizadores en vez de guitarreos es muy oportuno cuando se quiere dar un aire diferente al asunto, especialmente cuando se quiere reformular el aire de misterio que conforma una de las piedras angulares de la armazón sónica de la banda. La cuarta pieza es la que precisamente da título al álbum: casi se puede describir como una power-ballad post-rockera con aires de banda sonora aportados por el arreglo de cuerdas que entra en acción en ciertos momentos clave. No me hubiera molestado que este tema en cuestión fuera más extenso – realmente me da la impresión que el momento del cierre llega de una manera un tanto abrupta que no permite cerrar la imagen final a plenitud… pero en cuanto a lo que existe en sí, para nada cabe negar su belleza evocativa ni la refinada elegancia con la que cada uno de los miembros del cuarteto se comporta al servicio del mandato de la estructura compositiva integral de la pieza. Pasando de lo romántico a lo melancólico pero sin perder ciertas conexiones estilísticas con ‘Deep Politics’, ‘Daughters Of Bilitis’ (cover de una composición de Francis Lai para la película “Bilitis”) establece una especie de regreso a la languidez emocional que ya se hizo presente en ‘All The Colors Of The Dark’, esta vez explorando sus matices en función exclusiva, o sea, sin hacer gala de mayores variantes mientras se maneja el motivo central como una letanía introspectiva.

Si ‘Daughter Of Bilitis’ parecía evocar un paseo nocturno por los diversos recovecos oscuramente ensimismados del espíritu, ‘Almost Grew My Hair’ ofrece una actitud muy distinta, una de apertura de la mirada hacia la luz naciente de un nuevo amanecer. No se trata de una pieza realmente celebratoria, pero sí se nota en ella una calidez que, de alguna u otra forma, hace alusión a sentimientos optimistas y al relax emocional: en la primera mitad, notamos cercanías estilísticas con MOGWAI y la faceta más intimista de unos PELICAN, siendo así que las intervenciones más contundentes de la guitarra eléctrica sirven para llenar espacios y manejar de manera refinada la tensión latente que opera colateralmente a la cadencia rítmica de los momentos más relajados. La segunda mitad vira hacia parajes marcados por la densidad emocional, al modo de una advertencia sobre las inquietudes que se avecinan después del relax inicial: este asunto se maneja primero con una tonalidad sobria y un esquema rítmico livianamente reposado, y finalmente se resuelve en un clímax en donde el vigor se establece sin lugar a confusiones pero sin llegar tampoco a sobresaltos particularmente chillones, es como una llamarada final que se hace notar sin provocar un incendio. ¿El fade-out? No me convence del todo, hubiera preferido que llegara más tarde para explorar el momento final con mayor detallamiento, o que se hubiera dado una erupción rockera a lo ISIS o RED SPAROWES… pero bueno, no soy músico o productor de este disco, así que lo más coherente en estos casos es decir. “es lo que hay y ya está”. Los últimos 16 minutos del disco están sucesivamente ocupados por ‘I Led Three Lives’ y ‘Deep Snow’. El primero de estos temas es el más explícitamente vigoroso del repertorio: el paquete sonoro que el cuarteto emite para esta ocasión encajona de manera inteligente los riffs y encuadres armónicos de los guitarreos, todo ello sobre un compás lacónico y persistente cuyo dinamismo letánico sirve para mantener las cosas en un nivel vitalista. Las capas finales de sintetizador suenan a irrupciones tangerine-dreamianas cuya función es la de cerrar los fortines del corazón después de que éste terminó con sus últimas manifestaciones de furia. La verdad que el disco se aproxima a su crepúsculo con ganas de seguir dejando huellas impactantes en el cerebro y el alma del oyente, y el caso de ‘Deep Snow’ cumple a las mil maravillas con la compleción de esta misión. Comenzando con un protagonismo marcado de la guitarra acústica, el tema establece un cruce entre la majestuosidad grisácea de ‘All The Colors Of The Dark’ y el flujo introspectivo de ‘Deep Snow’: en algún paraje intermedio, este cruce se traduce en un estupendo juego de contrastes entre lo solemne y lo extrovertido, un momento realmente sublime que desgraciadamente resulta muy efímero. En general, la pieza sirve para explorar reformados matices dentro de las coordenadas de nostalgia y contemplación que sustentan el genuino leit-motiv del grupo. De esta forma concluye “Deep Politics”, disco que revela un excelente nivel de madurez artística en las huestes de GRAILS y que quizá instaure el cénit decisivo del post-rock para el año 2011. ¡Bien por ellos!

Muestras de “Deep Politics”.-
Future Primitive: http://www.youtube.com/watch?v=wEBWCvj8kBw
Almost Grew My Hair: http://www.youtube.com/watch?v=D5-iC-nc-RQ
I Led Three Lives: http://www.youtube.com/watch?v=t8qxC67Ud1s

PEANUT BRITTLE SATELLITE - el arte del eclecticismo progresivo en su máxima expresión

2011-10-02T12:35:00.003-04:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es ocasión del grupo estadounidense PEANUT BRITTLE SATELLITE… simpático nombre para un grupo cuya línea progresiva se sostiene sobre una ecléctica confluencia de psicodelia crimsoniana, space-rock, jazz-prog, extravagancias de moderada inspiración zappiana, algo de R.I.O. de raíces tanto francófonas como estadounidenses, y también fusión de vieja escuela. Formado en Buffalo durante la segunda mitad del año 2007, la banda ha logrado articular un bloque sonoro compacto y enérgico en torno al cóctel sonoro antes señalado, explotando inteligentemente la complejidad propia de sus ideas compositivas y arreglos. Para ello es relevante en gran medida el aprovechamiento de su inusual diversificación instrumental: junto al cuarteto habitual de guitarra, bajo, teclado y batería (Zack Mikida, Ian Machniak, Zach Kushner y Ryan Campbell), hay además un miembro que alterna roles de segundo guitarrista y segundo baterista (Shawn Brandel), además de un violinista que también se desdoble en la percusión tonal (Evan Courtin). De esta manera, el grupo puede trabajar muy solventemente desde el núcleo mismo de su seno sonoro los momentos en los que hay que realzar pulsaciones rítmicas, o aquellos donde hace falta enfatizar el punche rockero por vía del empleo de guitarreos duales, y cómo no, los aportes melódicos del violín en un fino equilibrio con la guitarra y el teclado donde se exploran jams y cadencias con particular insistencia. 2011 es el año de este disco debut titulado “Planet Girth”, el mismo que nos muestra a una banda con las ideas lo bastante claras sobre su camino a seguir y una osadía suficientemente consistente como para encarnar una promesa válida para el presente y el futuro próximo del rock progresivo a nivel mundial.

‘Anisotropic Axon Re-Electroplation, Mvt. 1’ se instala en los primeros 3 minutos y medio del álbum a punta de agilidad y vigor sobre un compás de 3/4 que es explotado de forma luminosamente extrovertida, casi como emulando en sonido la visión del resplandecer de un amanecer instantáneo. Su viraje hacia un relajado pasaje final permite preparar el terreno para ‘Cruisin’’, pieza que desarrolla una efectiva serie de cadencias jazzeras tanto en su swing como en su armazón armónica para que el ensamble se mueva a sus anchas en su labor de mezclar ensoñaciones psicodélicas y neuróticas disonancias en clave chamber-rock. Este estupendo ejercicio de colorido dinámico encapsulado en una arquitectura de controlada energía deja un impacto indudable en la pieza que sigue a continuación, ‘Billie’s Blue Bodega’, pues ésta también da amplia cabida a factores jazzeros y fusionescos en su esquema rítmico y atmósferas instrumentales más recurrentes. Mientras tanto, los roles de la guitarra, teclados, violín y ocasionalmente el bajo, elaboran y afianzan ideas musicales sucesivamente inspiradas en MAHAVISHNU ORCHESTRA, el GONG de Pierre Moerlen y el ZAPPA más lírico, logrando así generar una proyección de genuina calidez dentro del lenguaje psicodélico en curso. ‘Fierce Chemchok Heruka And The Between Deities’ es harina de otro costal, una pieza empieza con un primer motivo marcado por un contundente coqueteo abierto con varios lados oscuros de la experimentación progresiva de vieja escuela (el KING CRIMSON de la etapa Wetton, PRESENT), aunque como se notará poco después, el grupo siempre procura mantener al menos una cierta dosis de resplandor dentro del esquema compositivo de turno, lo cual los emparenta en el segundo motivo más bien con otras propuestas contemporáneas de RIO emergidas en la vanguardia estadounidense (THINKING PLAGUE, CHEER-ACCIDENT). El tercer y último motivo articula una sonoridad retro-progresiva solemne y poderosa, principalmente focalizada en el nervio plasmado en el solo de guitarra y la bien adornada labor del baterista, llegando finalmente a una ambientación climática tremendamente contundente (incluyendo una breve coda de inspiración “crimsonianamente fracturada”). En este punto del álbum, la banda se siente en su sazón en cuanto al despliegue de sus más explícitas proyecciones progresivas, y ahora que es el momento de ‘Showdown At The Bump-Bump Ranch’, el sexteto construye nuevamente un sólido ejercicio de jazz-rock psicodélico, haciéndose eco además de los ribetes crimsonianos que ya se inauguraron en la pieza precedente. El encuadre donde los extrovertidos pasajes intensos sostienen la ambientación reposada que domina el jam central está pulcramente logrado al 100%. ¿Parentescos con DELUGE GRANDER y BIRDS AND BUILDINGS? Hasta cierto punto, se podría decir que sí. Se puede decir que el bloque dual de ‘Fierce Chemchok Heruka’ y ‘Showdown’ conforma un cénit decisivo y definitorio del repertorio integral del álbum. Acto seguido llega ‘Fear’ para brindarnos otro estupendo momento progresivo, reiterando previas conexiones con el R.I.O. estadounidense contemporáneo a la par que plasma oportunas dosis de colorido y dinamismo en los que salen a relucir retazos zappianos (etapas “Grand Wazzoo” y “One Size Fits All”). Para los dos últimos dos minutos, la banda vira hacia un momento de tensión a través de un pulcro manejo de cacofonías y contrapuntos, generando así un exquisito recurso de explosiva gracilidad disonante. ‘Anisotropic Axon Re-Electroplation, Mvt. 3’ (¿dónde está el ‘Mvt. 2’?... mmmm…) es la pieza encargada de cerrar el álbum. El primer motivo se perfila por el clima de relajado lirismo con el cual había concluido el ‘Mvt. 1’, hasta que pasada la barrera de los 2 minutos, el grupo se impulsa hacia un ambiente más extrovertido, el cual poco a poco va desarrollando un colorido elegante y cándido al estilo del mejor Canterbury, aunque con una instrumentación cuyas dosis de nervio y swing más tienen que ver con el estándar jazz-rockero de raíz estadounidense. El clima de alegría se prolonga hasta el final, incluyendo algunos arreglos intermedios donde la base rítmica se atenúa un poco a favor del realce del piano.

Todo esto fue “Planet Girth”, un viaje progresivo lleno de plenitud colorida y robustez que permite a PEANUT BRITTLE SATELLITE merecer, como mínimo, un porcentaje sustancial de nuestra detenida atención. ¡Realmente vale la pena seguirle la pista a este sexteto!

Muestras de “Planet Girth”.-
Fierce Chemchok Heruka And The Between Deities: http://www.youtube.com/watch?v=VljcRmer6uU
Anisotropic Axon Re-Electroplation, Mvt. 3: http://www.youtube.com/watch?v=UgDuzQv5pFQ

SKE - florecimiento otoñal de una nueva foresta progresiva

2011-09-29T17:45:00.002-04:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el momento de hablar de SKE, proyecto de vanguardia progresiva liderado por el teclista italiano Paolo “Ske” Botta: el título de este disco debut es “1000 Autunni” y la línea musical desarrollada en él se orienta hacia una el rock-in-opposition con una actitud lo suficientemente anti-dogmática como para incluir fluidamente elementos de jazz-rock, Canterbury, sinfonismo y extravagancias contemporáneas a lo ZAPPA. Para los coleccionistas de progresivo vanguardista de nueva generación, el nombre de Paolo Botta les sonará familiar como parte del personal de YUGEN (actuales campeones del RIO europeo) y como miembro del grupo estadounidense FRENCH TV para el álbum “This Is What We Do”. El bloque sonoro contenido en el repertorio de este disco es realmente rico, calculadamente compuesto y arquitectónicamente cimentado, y a despecho de cualquier estereotipo que se suele asociar al control, se siente vitalista y refrescante al oído atento. Es correcto llamar a SKE como proyecto dirigido por de Paolo Botta en vez de una simple y llana aventura literalmente solista, pues a través de la concreción de todas estas composiciones de su autoría, él deja que cada miembro de su nutrido ensamble de colaboradores (incluidos muchos de YUGEN) aporte su sello personal, especialmente en los departamentos de maderas, piano y percusiones tonales. La nutrida lista de virtuosos acompañantes del Maestro Botta (él mismo a cargo de los órganos, pianos eléctricos y sintetizadores, además de efectos varios) en este registro es como sigue: Fabio Ciro Ceriani (sansula, percusiones), Valerio Cipollone (clarinetes, saxofones), Enrica di Bastiano (arpa), Maurizio Fasoli (piano), Elia Leon Mariani (violín), Nicolas Nikolopoulos (flauta), Giuseppe Jos Olivini (Theremin, percusiones, efectos), Roberta Pagani (voz), Valerio Neth Reina (voz), Matrtia Signò (batería), Markus Stauss (saxofones), Fabrice Toussaint (idiófonos, trombón, percusiones), Pierre Wawrzyniak (bajo), Francesco Zago (guitarras acústicas y eléctricas).

‘Fraguglie’ da inicio al disco con un frontal despliegue de colorido desarrollado dentro de un bloque sonoro donde conviven Canterbury a lo NATIONAL HEALTH, jazz-rock de vieja escuela 70era y modismos gente-giantianos. Al final hay un viraje hacia climas suavemente misteriosos, sutilmente tétricos, algo así como una exploración en los aspectos más etéreos del chamber-rock de tradición francófona. Hay muchos aires de familia con los legados de A TRIGGERING MYTH y D.F.A. en esta espectacular pieza de entrada. ‘Denti’ y ‘Carta E Burro’ son los temas que están a cargo de ocupar los siguientes 10 minutos del álbum: el primero desarrolla vías sonoras de corte RIO en estricta confluencia con el paradigma de YUGEN; el segundo, por su parte, explora matices de tendencia más serena dentro de esta modalidad vanguardista, incorporando en esta ocasión una suerte de confluencia entre el HENRY COW de “Western Culture”, la herencia de RASCAL REPORTERS y las líneas de exploración neo-Canterbury que se han venido plasmando de la mano de varias bandas jazz-prog del nuevo milenio. Respecto a este último tema, cabe recalcar que la mezcla de actitud contemplativa e inquietud mental está lograda con una pulcritud genialmente milimétrica. ‘Scrupoli’ cambia de registro y nos ofrece poco más de 4 minutos de tensión y sorpresa, muy a lo ZAPPA en su sazón más sofisticada. La sensación de bizarra agilidad parece incontenible, pero una escucha mínimamente atenta descubre aquí una finísima arquitectura surrealista que abiertamente desafía las concepciones aburguesadas de orden y armonía, no para destruirlas sino para reconstruirlas. ¿Y qué le sigue a este arrebato de rebeldía progresiva? Un momento de calma, en esta ocasión específica, la bella pieza ‘Delta’.

‘Scogli 1’ es un delicioso ejercicio de cámara vanguardista (con predominio de maderas) que opera como preludio a la dupla de temas que sigue a continuación. Así pues, ‘Sotto Sotto’ comienza dicha dupla desarrollando parajes sonoros calmados signados por un minimalismo cálido, creando así la ambientación propia de una bruma que tiene algo de aureola mística y también algo de misterio inescrutable. El cambio de registro llega con la otra pieza de esta dupla, ‘Mummia’, la cual tiene un muy marcado parentesco con la extroversión de ‘Fraguglie’ y una relativa cercanía a la extravagancia estilizada de ‘Scrupoli’. ‘Scogli 2’ marca otro preludio de fuerte contenido académico (esta vez, sobre la base de un motivo de piano), anticipando así la magia candorosa de ‘La Nefazia Di Multatuli’, pieza que se puede describir como un encuentro entre el SOFT MACHINE de la etapa Jenkins y el primer PICCHIO DAL POZZO, con algunos toques de NUCLEUS. Su lirismo es sencillamente exquisito, ostentando su inherente complejidad sin llegar nunca a las áreas del boato excesivo o las de la prolijidad ostentosa. La secuencia de ‘Scogli 3’ y ‘Rassegnati’ está a cargo de completar los últimos 8 minutos y medio del álbum. El primero retoma los aires de ‘Scogli 2’ aunque con un acento festivo un poco más marcado durante la progresión de su motivo central, lo cual permite al segundo tema realzar la solemnidad grisácea y moderadamente siniestra con la que empieza. El asunto con la sección prologar de ‘Rassegnati’ es engañoso porque el cuerpo central pronto se revela ágil y colorido, haciendo que las alusiones a la inquietud y al desasosiego inherentes a la sofisticada estructura melódica de la pieza ostenten un destello especialmente vibrante en medio de un contexto de tensión permanente. A poco de pasada la barrera del cuarto minuto, la ambientación se torna reposada y lírica, apelando a una bien asentada vulnerabilidad poética que completa la fracción final de la pieza, cuya coda se basa en unos segundos de tensos arrebatos de arpa. A fin de cuentas, se trata de una despedida envolvente y un cierre sorprendente para un álbum que es toda una gozada de vanguardia progresiva tomada muy en serio.

Con “1000 Autunni”, Paolo Botta se afirma como una mente creativa con alas propias: es un disco que recomendamos a ojos cerrados a todo verídico amante de las modalidades más aventureras de experimentación progresiva. ¡Atención a SKE!, ¡una de las indudables grandes sorpresas del año progresivo 2011!

Muestra de “1000 Autunni”.-
Frauguglie: http://www.youtube.com/watch?v=DIOBgvEAWeA

ELDBERG - un torrente islandés de lava nostálgica progresiva

2011-09-26T11:32:00.005-04:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es momento de ELDBERG, banda islandesa que acaba de hacer su debut fonográfico con un disco homónimo. La tendencia del grupo está totalmente volcada hacia las coordenadas del retro-prog, e incluso este disco cuenta también con una edición en vinilo (de parte del sello Eldbergsútgáfan), detalle que explica la presencia del repertorio, en los créditos de la edición digital, como dividida en dos lados: la edición digital está a cargo del sello chileno Mylodon Records. El teclado, particularmente el órgano Hammond A100, es el ítem más saltante dentro del ensamble instrumental de este quinteto, y no es de extrañar que sea precisamente el teclista Heimir Klemenzson quien asuma la mayor parte de las responsabilidades de autoría de este repertorio. El amor del Sr. Klemenzson por los ambientes añejos de los teclados rockeros está bien reflejado en su arsenal; junto al Hammond también están los pianos eléctricos Wurlitzer 200A y Fender Rhodes Mk. 1, los sintetizadores Roland JP8 y Farfisa Compact Deluxe, y el piano de cola J. Larson & Son. Los demás miembros de la banda son Ásmundur Svavar Sigurðsson (bajos, coros), EyÞór Ingi Gunnlaugsson (voz principal), Jakob Grétar Sigurðsson (batería, vibráfono) y Reynir Hauksson (guitarras eléctricas y acústicas, sintetizador Jupiter JP8). Para el segundo tema del álbum, ‘Hirzla hins algleymda óðs’, interviene brevemente como invitada la saxofonista Eva Guoðríður.

Vayamos al repertorio del álbum en sí. ‘Andriki’ instala un ominoso y enérgico prólogo instrumental que abre una efectiva vía de entrada hacia el espíritu ceremonioso que habrá de imperar en ‘Hirzla hins algleymda óðs’, todo un testimonio de las inclinaciones retro que llevan al grupo a recuperar entusiastamente los estándares de GNIDROLOG, BEGGAR’S OPERA y los antecedentes escandinavos de EIK y TRETTIOÅRIGA KRIGET (etapa del “Krigssång”), amén de ciertos resabios del DEEP PURPLE pre-Gillan. ‘Sunnan við sol, austan við maná’ sigue adelante con esta estrategia, bajando un poco la dosis de energía rockera para incorporar algún dinamismo adicional de tenor jazz-rockero al esquema rítmico, pero básicamente el esquema estilístico es igual. Más bien, el aspecto jazzero se incrementa para la siguiente pieza, el instrumental ‘Flug hugans’, la cual nos puede recordar un poco a COLOSSEUM y al GREENSLADE del primer álbum; este instrumental se engarza con ‘Enginn friður’, canción que empieza como una semi-balada sinfónica al modo de un cruce entre GRACIOUS! y el KAIPA 70ero, terminando después en un estupendo clímax extrovertido. Esta dupla suena muy bien en su ilación integral, e incluso me aventuro a señalar que hubiese funcionado mejor como un único tema donde se ampliaran espacios tanto para las partes instrumentales de aquél y las cantadas de éste para generar un ítem con un desarrollo más épico. ‘Ég er lífsins brauð’ y ‘Hliðarlíf vor tímal’, las dos piezas que completan la segunda mitad del disco, llevan consigo las sonoridades y arreglos más ambiciosos de todo el álbum, explorando con paso firme la dimensión sinfónica del estilo grupal en curso. La primera incluye citas de obras de Wagner y Bach, manteniendo por lo general una buena perspectiva retro a través de sus pasajes serenos y exultantes. La última, que dura 14 minutos y pico, se explaya en las dimensiones más ambiciosas de la banda. Además de las vibraciones sónicas propias del proto-prog británico (GNIDROLOG, y GRACIOUS!), también se hace presente, una vez más, TRETTIOÅRIGA KRIGET en cuanto a puntos de referencia que dejan huella en la musicalidad impetuosa de esta canción. El interludio en clave jazzera es realmente estupendo, así como el impetuoso jam psicodélico que le sigue, liderado por el pulso preciso del guitarrista Hauksson… ¡y debió ser más largo! La sección de cierre tiene una expresividad poderosa, logrando así que el disco concluya con un aire imponente digno de cualquier clásico del sinfonismo escandinavo seminal de Finlandia o Suecia. Para sintetizar la experiencia de esta canción con otras palabras, en un símil pedagógico, ‘Hliðarlíf vor tímal’ es un examen final de aprendizaje retro-progresivo con muy alta nota.

En conclusión, este disco resulta un vivaz y entusiasta testimonio de una vertiente retro-prog que no es tan explorada como otras: la que se proyecta en el espejo de los oscilantes vuelos un tanto “rústicos” de la etapa que usualmente se da por denominarse proto-prog, además de un cuidado muy sobrio de los potenciales de sofisticación estructural con los cuales el grupo lidia a todo momento. ELDBERG logra con este disco homónimo, que dura poco más de 40 minutos, plasmar un sendero de nostalgia actualizada bastante interesante para los coleccionistas e investigadores progresivos de hoy en día.

SUPAY: un viaje de fusiones y confusiones progresivas peruanas

2011-09-24T11:50:00.004-04:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy haremos un repaso histórico por la obra del grupo peruano SUPAY, un ensamble instrumental de rock progresivo-fusión andina cuya discografía, breve pero muy rica musicalmente, conforma uno de los picos del género dentro de la vanguardia rockera peruana del nuevo milenio. Fundado por iniciativa del guitarrista Luis Proaño, curtido en el undeground metalero de Lima y ansioso por dar nuevos aires a sus inquietudes musicales, SUPAY comenzó como un power-trío, añadiendo al poco tiempo el rol de vientista folclórico a cargo de Williams León (quien no solo es músico sino también pintor de carrera). Las influencias estilísticas del grupo se perfilaron y enriquecieron en orientación hacia el progresivo merced a las sucesivas incorporaciones de un teclista de fuerte personalidad (Gustavo Valverde) y un segundo vientista. Así pues, con el peso de JETHRO TULL, GENESIS, PINK FLOYD, LOS JAIVAS y EL POLEN, más algunos matices del rock pesado de los 70s (DEEP PURPLE), más el empuje interno surgido de la convergencia de seis mentes, SUPAY ya era dueño de una voz propia dentro de la experimentación rockera del Perú; no cabe duda de que la solidez de la dupla rítmica ayudó crucialmente en la solidificación del sonido integral de SUPAY. El año 2004 fue el momento para la concreción del álbum debut de la banda “Confusión”, cuya edición original fue artesanal y de (muy injusto) perfil bajo.

El repertorio de “Confusión” se despliega cohesivamente en torno a un muestrario de ideas melódicas traducidas en una amalgama confluente entre el rock progresivo de línea muscular y los colores y cadencias peculiares del folklore andino: los instrumentos más resaltantes en los desarrollos melódicos son la guitarra primera y los vientos andinos (quenas, zampoñas, toyos, etc.), aunque cabe resaltar principalmente el modo en que el sexteto funciona como una pluralidad homogénea y bien afiatada: cada pieza es una misión afrontada y resuelta de manera unitariamente estratégica. El atractivo tema de inicio ‘Pueblo Alto’, armado desde la sucesión de dos cuerpos mutuamente conectados y diferenciados, funciona como una apropiada iniciación a este concepto, el cual se afianza irrevocablemente con las tres siguientes piezas: ‘Avanzando’, ‘Confusión’ y ‘La Nueva’. Las dos primeras establecen un juego bien amalgamado de motivos dentro de una ilación que vincula con sensibilidad y lógica los diversos motivos que tienen lugar: ‘Avanzando’, en particular, porta un colorido épico que le hace destacar como un cénit dentro de álbum. ‘La Nueva’, por su parte, es un tema más centrado en la faceta introvertida de la banda: después de un hermoso preludio telúrico marcado por los tres vientos (Proaño une su quena a los aportes de los dos vientistas), el cuerpo central se explaya en un jam evocativo en el que la guitarra luce sus matices Blackmore-Gilmourianos, haciendo que sus fraseos parezcan colores de un solitario paisaje nostálgico dibujado con pasión contenida. ‘En el Viento’ e ‘Imperio’ son los temas más juguetones del disco – en cierto modo, ambos resaltan particularmente el legado de JETHRO TULL dentro de este contexto progresivo-andino. El disco concluye con ‘Chicago Chico’, el cual incluye algunas cadencias jazz-rockeras en ciertas intervenciones de la dupla rítmica: su esquema general retoma ambientes de ‘Pueblo Mío’ y ‘Confusión’, lo cual tiene sentido para su rol de epílogo que cierra un círculo musical.

Por estas cosas que tiene el destino, el sello chileno Mylodon Records prestó atención a este disco, y se encargo de remasterizar y re-editar “Confusión” con una nueva portada, en el transcurso de los años 2005 y 2006. Mientras tanto, en Lima, SUPAY ya estaba proyectándose hacia la producción y grabación de su siguiente trabajo, a titularse “El Viaje”. Tras la edición promocional de un EP homónimo a inicios de 2007 como anticipo del susodicho proyecto, finalmente el disco completo salió al mercado a mediados del mismo año. ¿Y qué encontramos aquí? Bueno, si “Confusión” mostraba una prístina compenetración entre rock complejo y folklore andino al modo de la integración de lagua y la tierra en el barro, la tendencia prioritaria del viaje musical contenido en “El Viaje” es la de afilar las aristas específicas de cada una de estas dos fuentes a fin de darle a su comunión una directriz más centrada en los contrastes. Ojo, la armonización de ambos elementos nucleares sigue siendo bien lograda, pero lo que pasa es que es trabajada con un enfoque un poco distinto. El resultado es igualmente excelente porque, al fin y al cabo, SUPAY es un grupo con las ideas bien claras en sus expansiones instrumentales – el ensamble es muy solvente, crea ideas inspiradas y sabe a qué atenerse tanto en los momentos de improvisación como en los pasajes más marcadamente líricos. En comparación con el disco debut, aquí se nota una exaltación más pronunciada en las labores de la guitarra, mientras que los vientos andinos siguen conjurando refinadas estrategias de complementación de la magia antigua de lo andino (como lo hacen varios ensambles de folklore y fusión) y la picaresca estilizada de JETHRO TULL. Parece mentira que este disco tan fuertemente expresivo haya sido gestado por la banda en un momento de crisis (partida de uno de los vientistas antes de la grabación, la del teclista después de la grabación, recambios en el rol de bajista).

El disco comienza con el preludio telúrico titulado ‘Ancestro’, el cual abre las puertas a la magia de ‘Alma’, un tema de tendencia melancólica que pronto incorpora variantes un poco más extrovertidas, aunque sin romper con el clima básico: Proaño saca provecho a su rol protagónico sin resultar absorbente. Hasta aquí, tenemos una continuación con la línea de “Confusión”. Es a partir de ‘Supay’ que el ensamble empieza a poner sus nuevas cartas sobre la mesa: los pesados riffs duplicados por la zampoña y la potencia versátil de la dupla rítmica emergen como una explosión de luz desde detrás de las montañas, mientras que los exquisitos ornamentos de teclado se filtran eficazmente bajo los sucesivos solos de guitarra y viento. Más adelante, con ‘Lejanía’ y ‘Resurrección’ tenemos sendos ejemplos de esta misma estrategia, incluso dando más espacio a los jams y potenciando con más tesón la polenta inherente al ensamble, mientras que la complejidad típicamente progresiva alcanza niveles ostentosamente épicos. Estos dos temas son los que tal vez contengan las intervenciones más notables del teclista Gustavo Valverde, dada la variedad de recursos sonoros que utiliza en las orquestaciones, armonías y fraseos en fluido diálogo con la guitarra solista y los vientos. Otros momentos específicos que destaco son los traviesos retazos de quena que flotan sobre los pesados guitarreos en el clímax sostenido de ‘Lejanía’ y los colores mayestáticos concentrados en el arabesco motivo de apertura de ‘Resurrección’. A pesar de que ambos temas gozan de una duración razonablemente extensa, el oyente puede quedarse con la miel en los labios tras la conclusión de cada uno.

SUPAY también sabe rendirse cándidamente al suave lirismo de lo andino como en ‘Karnavaloide’, un travieso ejercicio de carnaval andino en clave de world-music, y también en los interludios ‘Ñan Quiska’ (reprise de ‘Ancetro’ con zampoñas) y ‘Guerrero’, sendos tropeles de vientos y percusiones bajo el liderazgo de Williams León. ‘Avanzando II’ es un interludio blues-rock ornamentado progresivamente hasta aterrizar en el motivo inicial de ‘Avanzando’, tema del disco “Confusión” – más que una secuela es un prólogo, y de hecho, esta ítem ya existía en los primeros años de la banda durante su época de sexteto. El disco concluye con la pieza que le da título: ‘El Viaje’. Hay en ella dos secciones bien diferenciadas: una inicial etérea con base bossa nova, en la cual la quema traversa y la zampoña van flotando como en un ensueño; y otra final, que fluye a través de un potente torrente de rock duro psicodélico sabiamente adornado por sonidos cósmicos de sintetizador que parecen anunciar algo fatal y tenebroso que nos aguarda al final del camino.

Al igual que sucedió con “Confusión”, “El Viaje” también tuvo su propia remasterización y re-edición con portada nueva por vía de Mylodon Records, concretada en 2008. A pesar de la casi nula atención que SUPAY ha venido recibiendo consistentemente de parte de la prensa musical de su país y la recepción limitada que tuvo de parte del público rockero, los foros internacionales de línea progresiva recibieron de muy buen grado la oferta de SUPAY, resaltando su forma tan ágil y creativa de replantear el discurso ambicioso del estándar progresivo a partir de un compromiso artístico con la tradición andina. Hoy por hoy, SUPAY está en hiato (una situación muy indefinida, es verdad), y no se sabe a ciencia cierta si hay planes de resurrección y remodelación… pero algo sí es cierto en torno a los registros fonográficos que nos han dejado hasta ahora: son unos próceres del rock progresivo peruano de última generación. ¡Es todo un gozo recordarlos y revalorarlos!

Muestras de “Confusión”.-
Avanzando: http://www.youtube.com/watch?v=DPoqJF79oGA
La Nueva: http://www.youtube.com/watch?v=DCQPDkMxb4M
En El Viento: http://www.youtube.com/watch?v=L4xVrc_BNW4

Muestras de “El Viaje”.-
Alma: http://www.youtube.com/watch?v=p5seaUC_yE0
Lejanía: http://www.youtube.com/watch?v=tMmsZe88Jfk
Resurrección: http://www.youtube.com/watch?v=EYIHtsHR6vY

Addendum: Los comentarios sobre ambos discos están inspirados en sendos enlaces del e-zine español La Caja De Música [http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/Discos/supay_confusion.html] y el blog mexicano Zafreth [http://zafreth.blogspot.com/2007/06/supay-el-viaje.html]

"Avant-Folk": la mágica conjunción electroacústica de Macari y Sotelo

2011-09-22T12:38:00.002-04:00

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el momento de hablar del MACARI-SOTELO ENSMABLE ELECTROACÚSTICO, el cual surgió en 2007, según palabras de sus mismos componentes, “como una necesidad de explorar otras formas de composición y ensamble dentro del vasto mundo de los cordófonos… Esta agrupación encuentra su raíz en la fusión de géneros y estilos que han formado a sus integrantes a lo largo de su trayectoria.” Y de hecho, Eblen Macari y Mauricio Sotelo son cualquier cosa menos novatos en esto de la fusión y la vanguardia musical de México: el primero es un veterano guitarrista especializado en la fusión contemporánea de predominancia acústica, y de hecho, su origen libanés le ha permitido contar con una óptica privilegiada para la creación musical de atmósferas añejas bajo una nueva luz a lo largo de su extensa trayectoria; el segundo no es nada menos que el encargado de las cuerdas en CABEZAS DE CERA, una de las bandas más llamativas de la vanguardia progresiva mexicana de los últimos 15 años. El sonido global del MACARI-SOTELO ENSAMBLE ELECTROACÚSTICO tira más del lado de Macari, pero Sotelo es para nada foráneo a estas exploraciones sonoras, pues él siempre ha sido un inquieto lutier de las cuerdas, además de que siempre ha existido un elemento de fusión acústica dentro del caleidoscopio estilístico de CABEZAS DE CERA. El dúo se convierte en trío con la presencia de un hijo de Macari, Eblen Macari M., desde el rol de percusionista: darbuka, cajón peruano, pandero jarocho, platillos y djembé. Este rol que en varias ocasiones se hace destacar en el realce de algunos matices e intensidades en ciertas piezas del repertorio. Pasemos en el siguiente párrafo a describir el repertorio de “Avant-Folk”.

La línea de trabajo es clara desde el mismísimo momento del inicio del álbum y en todo su trascurso: ‘Jarana Avant-Folk’ tiene un aire sereno pero evidentemente ágil, agilidad que incrementa su prestancia y vibración en ‘In Memoriam’, el primer momento plenamente extrovertido del álbum. Con su tránsito hacia una coda calmada, ‘In Memoriam’ deja su legado de expresividad a ‘La Ruda’, pieza que mantiene una sensibilidad colorida, pero con una actitud más controlada que permite al trío incorporar una notable variedad de matices en el trascurso del juego instrumental sin que la ilación se siente forzada. ‘Costa Fenicia’ porta un exotismo cautivante, con un destaque especial de las percusiones en tanto que establecen la definición de la línea argumental de la pieza; por el contrario, en ‘Oceáno Mar’ es la dupla de guitarras la que ocupa el núcleo esencial del esquema sonoro en curso. Lo que viene a continuación es la secuencia de tres piezas sucesivamente tituladas ‘Tríp-’, ‘Ti-’ y ‘Co-’: se trata de una ocasión para que Sotelo luzca su Chapman Stick, primero en una proyección de corte psicodélico, luego elaborando colores espaciales sobre la firme base de los rasgueos de Macari, y finalmente, gestando una celebración folk-rockera que nos recuerda a los momentos acústicos de Cabezas De Cera con algunos matices a lo Tony Levin en su faceta fusionesca. ‘De Beirut A Cosamaloapán’ es una antigua composición de Macari que se rescata para este álbum para que aporte una espiritualidad vigorosa y grácil después de la exploración por recovecos psicodélicos que tuvo lugar en el tríptico temático precedente. En cuanto a ‘Balada’, bueno, no es precisamente una balada sino un despliegue electro-acústico que, una vez más, nos devuelve a la faceta fusionesca de CABEZAS DE CERA. La compleja estructura rítmica de la pieza es manejada con pulcra naturalidad, pero si de complejidad se trata, ‘Brisa’ se lleva la medalla de oro con su alucinantemente sofisticada manera de recrear y reconstruir motivos y cadencias fusionescas en un equilibrio entre energía y delicadeza. Esta pieza puede muy bien describirse como la cumbre climática del disco, recibiendo directamente la herencia de las ambientaciones vibrantes de ‘In Memoriam’ y ‘La Ruda’. Los últimos 6 minutos del álbum están ocupados por ‘Guitarra Avant-Folk’ y ‘Brilarma’, sucesivamente: el primero de estos temas tiene una agilidad ya recurrente en los ambientes prioritarios que hemos apreciado a lo largo del álbum, mientras que el último explora cadencias arábigas con un espíritu un poco más reposado, aunque para nada lánguido.

Esta fue la experiencia de “Avant-Folk”, una experiencia de disfrute de varios modos de celebración del colorido hecho sonido: los dos Macaris y el Sr. Sotelo han gestado una obra tan agradable como aventurera, un tapiz de fusión electro-acústica pintado con los pinceles de la fineza y la lucidez intuitiva.

Muestras de “Avant-Folk”.-
Costa Fenicia: http://www.myspace.com/avantfolkmexico/music/songs/costa-fenicia-mp3-73095987
Brisa: http://www.myspace.com/avantfolkmexico/music/songs/brisa-mp3-73568207

FRACTALE - la expansión del jazz vanguardista francés

2011-09-19T16:01:00.003-04:00

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LS SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es la ocasión de hablar del grupo francés de jazz-rock experimental FRACTALE, un proyecto dirigido por el bien recorrido saxofonista Julian Julien. FRACTALE dejó en el año pasado 2010 una estupenda constancia fonográfica de su visión musical con “Suranné”, un EP en vivo que dura menos de media hora, tiempo que resulta suficiente para demostrar su ingenio vitalista para la vanguardia jazzera de nuestros tiempos… ¡y también un tiempo demasiado corto para complacerse en el disfrute de esta peculiar belleza sónica! Los vientos ocupan un protagonismo nuclear en el sonido de FRACTALE, y no m refiero solamente al saxo de Julien, sino a todo un ensamble de metales que incluye a dos saxofonistas (Vivien Philippot y Jon Lopez de Vicuna), dos trompetistas (Patrice Cazeneuve y Jennifer Quillet) y el tubista Lorenz Steinmüller, ensamble que desarrolla sus motivos sobre la base rítmica de Benjamin Vairon y sampleos armados por el mismo Julien.

Comenzamos con la secuencia de los cinco primeros temas. Durando casi 3 minutos, ‘Partie XV’ da inicio al disco con un colorido optimista sobre una contenida cadencia funky, un poco a lo WEATHER REPORT con aires de big band y su oportuna dosis moderada de psicodelia: el núcleo de la composición está indudablemente en esa arquitectura de los metales que porta una cualidad efusiva a través de su persistente vivacidad. Acto seguido emerge ‘Partie VI’ para plasmar una atmósfera muy diferente, armada sobre una calma siniestra, un coqueteo claro con la faceta más minimalista de la tradición chamber-rock, un momento de oscuridad antes de que ‘Partie V’ devuelva la vivacidad expuesta en el primer tema para capitalizarla con un dinamismo más contundente. Un aspecto adicional de esta ‘Partie V’ es que añade una cierta aureola de inquietud por obra y gracia de las envolventes capas de sintetizador desarrolladas a contrapelo de las orquestaciones de saxos; esto, combinado con la cadencia casi “mecanizada” de la base rítmica en sus aspectos más recurrentes, parece establecer nexos con ciertas modalidades del krautrock dentro de un bloque sonoro general que se mantiene firmemente asentado en la ideología jazz-rockera. En el caso de ‘Partie XVI’ sí tenemos un retorno en pleno al vigor colorido de ‘Partie XV’ que se hace eco de la intensidad especial de ‘Partie V’ pero sin mayores atisbos de inquietud. La labor de los saxos se siente más suelta, robusteciendo así los aires celebratorios sobre los que se construyó la idea compositiva. ‘Partie XVIII’ tiene un aire de elegía solemne, al modo de un bolero sinfónico que homenajea la gloria dichosa de una etapa pasada que dejó tras de sí una pesada carga de melancolía: un final estilizadamente explosivo para esta secuencia.

Los dos últimos temas del disco son explícitamente designados como bonus tracks: para estos temas, los músicos de apoyo son Xavier Sibre (clarinete bajo y saxo), Francoise Favreau (batería), Yann Lupu (trompeta) y Laurent Dessaints (saxo). ‘Sans Paiers’ regresa al colorido ágil de los momentos más alegres de la secuencia precedente, estableciendo un interesante punto de encuentro entre el WEATHR REPORT de “Sweetnighter” y el SOFT MACHINE de “Seven”; por su parte, ‘Clémentine’ elabora una idea consistentemente nebulosa sobre una cadencia juguetonamente entrecortada, generando así una imagen sonora de oscura travesura para concluir el álbum, algo así como un “Zeuhl canterburizado” al modo de EGG. De este modo concluye “Suranné”, una exhibición del enorme talento e infatigable espíritu de aventura que Julian Julien exhibe como músico y compositor: este proyecto FRACTALE es, por cierto, un estupendo vehículo de expresión para exponer renovadoras modalidades de jazz vanguardista como ésta. Dijimos en el primer párrafo que menos de media hora era tiempo más que suficiente para que el genio musical se muestre de forma clara e inequívoca… pero cuando hay un repertorio tan bueno como éste… ¡¡qué corto se siente este tiempo!!

Muestra de “Suranné”.-
Partie XV: http://www.youtube.com/watch?v=TAnJMjDNfAQ