El alto volumen musical de PERHAPS

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Con un nombre como PERHAPS que alude a incertidumbres y postergaciones, este trío math-rockero bostoniano del cual hablamos hoy encarna los aspectos más ciertos y urgentes del rock dentro de un entramado complejo que se enorgullece de ser desafiante y complejo. Su casete “Volume One” contiene un solo tema, titulado justamente así, que dura casi 38 minutos, y también se puede escuchar en Bandcamp (enlace: http://perhaps.bandcamp.com/). PERHAPS está conformado por Jim Haney (bajo), Sean McDermott (guitarra) y Don Taylor (batería). “Volume One” fue grabado en vivo en el Mike’s Basement Studio en mayo pasado, siendo finalmente editado para el público en setiembre. Dijimos hace un rato que este grupo cultiva la vertiente math-rock en su propuesta musical, pero debe quedar claro que su enfoque y su creatividad se proyectan a actitudes eclécticas, asumiendo la misión de generar un posicionamiento particular de la idea de sofisticación progresiva.

Este viaje comienza con un aura sutil y distante que parece evocar la partida de un barco, un preludio de dos minutos que anticipa el fragor exultante y frontal sobre el que se termina asentando el trío. Esta incandescencia nos remite a estándares de DON CABALLERO y HELLA, valiendo la pena resaltar la incorporación de ágiles y cohesivas cadencias jazz-rockeras en la labor del baterista a lo largo de la ilación de los motivos. La labor de McDermott suena a un híbrido entre  Ian Williams, Steve Howe y Larry LaLonde, mientras el bajista incorpora en su estilo un cruce entre la complejidad vitalista de Michael Manring y el swing de Tony Levin. El motivo en 5/4 que empieza poco antes de llegar a la barrera del octavo minuto se siente particularmente filudo, y en eso colabora bastante la presencia del saxo, a cargo del invitado Tom Weeks. El siguiente motivo se remonta más alto en niveles de neurosis y travesura, dosificando simultáneamente la expresividad… pero vaya si sigue siendo un ejercicio de complejidad y sorpresa. A poco de pasada la frontera del minuto 19, el grupo pasa al área del space-rock con aditamentos jazzeros provistos tanto por la batería como por el trompetista invitado Bryan Murphy (emulando cómodamente al legendario MILES DAVIS). Más adelante, el grupo ensaya sonoridades Sabbath-Zeppelinianas traducidas al estándar math-rockero, un momento de jovialidad que inesperadamente opera como antesala a la vibrante sección conclusiva, construida en torno a los modelos de MAUDLIN OF THE WELL y GODSPEED YOU BLACK EMPEROR!: esta conclusión derrocha magnificencia en su apabullantemente sórdida densidad emocional, y de hecho, los arreglos de cuerdas (ejecutados por un cuarteto muy solvente) ayudan a resaltar el efecto deseado.

 

Ésta fue la experiencia de PERHAPS y su “Volume One”, una experiencia que nos revela a un nuevo referente crucial parta el underground progresivo actual de los EE.UU. - ¡a seguir la pista de esta banda!

A escuchar ‘Volume One’: http://perhaps.bandcamp.com/track/volume-one

El segundo acto de ALPHATAURUS

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de hablar del grupo milanés ALPHATAURUS, leyenda resucitada del rock progresivo italiano de primera generación que en su momento aportó un estupendo modelo de musicalidad y expresividad musical con su homónimo álbum debut de 1973. Ahora, en 2012, a unos años de su resurgimiento a la actividad artística, nos viene con su segundo disco idóneamente titulado “AttosecondO”, un trabajo excelente que da buena cuenta de cuán merecedor es el legado de ALPHATAURUS de retomarse para convertirse en una realidad presente. El quinteto original que registró “Alphataurus” hace casi 40 años estaba conformado por Pietro Pellegrini [teclados, vibráfono y coros], Michele Bavaro [voz],  Alfonso Olive [bajo y coros], Giorgio Santandrea [batería y percusión] y Guido Wassermann [guitarras]. El ALPHATAURUS actual conserva a Pellegrini y Wassermann mientras introduce a un segundo teclista llamado André Guizzetti, al baterista-percusionista Alessandro Rossi, al cantante Claudio Falcone y al bajista Fabio Rigamonti. Fue exactamente en 2010 que Pellegrini, Wassermann y Santandrea retomaron el proyecto de ALPHATAURUS para organizar algunos conciertos donde la banda celebraba su pasado: el primero de estos conciertos se registró en el disco “Live In Bloom” (2011), y fue a partir de este momentum que el grupo tomó un impulso creativo para crear unos nuevos temas. De hecho, lo que hallamos en “AttosecondO” es una primera mitad con dos temas nuevos y una segunda mitad con tres temas viejos que iban a formar parte de un segundo disco de 1974. Ello no se concretó, y hasta ahora, lo único que quedaba de esos temas viejos era una selección de demos instrumentales publicada bajo el título “Dietro L’Uragano” por el sello Mellow Records en el ya lejano año 1993.

 

 

Los dos primeros temas son composiciones recientes. ‘Progressiva Mente’ comienza con un riff electrizante a medio tiempo que apela a la faceta más filuda de la banda, así como a los aires de familia con MUSEO ROSENBACH y BIGLIETTO PER L’INFERNO. Ya cuando se va asentando el núcleo compositivo de la canción, la dinámica sinfónica se desarrolla con la solvencia propia del lirismo reflexivo que ya se suele catalogar como “típicamente italiano”. Los momentos en los que los teclados imponen su presencia protagónica dentro del bloque instrumental integral revelan nexos estilísticos con el periodo de retorno de METAMORFOSI. Algún pasaje marcado por la guitarra acústica portan algún parecido con el himno Zeppeliniano ‘Stairway To Heaven’, mientras que una ulterior retoma del riff inicial nos lleva a exaltaciones rockeras exquisitamente planteadas. ‘Gocce’ se centra mayormente en climas ceremoniosos donde la melancolía de los pasajes lentos y la seriedad intensa de los momentos ágiles dominan las variadas atmósferas creadas tanto por la instrumentación como por el canto. Una mención especial va para el prólogo, que porta una magnificencia imponente a través de su compás lento.  

 

Con ‘Riposando E…’ comienza la lista de composiciones añejas. Este ítem es un instrumental que empieza con una vibración lenta ceremoniosa, portadora de una espiritualidad sobria al modo de una cruza entre LE ORME y YES, para luego pasar a una ilación de dos motivos explícitamente musculares, siendo el segundo de ellos bastante orientado hacia el paradigma de EMERSON, LAKE & PALMER (con algunos ribetes a lo GENTLE GIANT). La electrizante fastuosidad de esta pieza es sucedida por el aura sofisticada de ‘Claudette’, un tema que da prioridad al despliegue cristalino de las líneas melódicas y progresiones armónicas en curso a partir de estándares manieristas y barrocos. También cabe destacar un pasaje de tendencias teatrales que aporta algún nexo con BIGLIETTO PER L’INFERNO: a pesar de su brevedad, genera un interesante primer clímax en anticipo del segundo y definitivo clímax de la canción, repleto de pomposa elegancia. En fin, los últimos 10 ½ minutos del disco están ocupados por ‘Valigie Di Terra’, canción que recoge buena parte de la espiritualidad de ‘Gocce’, así como algunos de los recursos de impactante estilización que percibimos en ‘Riposando E…’. El jam donde se alternan solos de piano y bajo es tremendamente llamativo, y de hecho, su gancho es crucial para cimentar y encuadrar los vigorosos minutos finales de la pieza – una estupenda idea la de terminar el disco con una exhibición frontal de la predominante faceta extrovertida del grupo.

Todo esto fue “AttosecondO”, un disco que simultáneamente significa el pago de una deuda pendiente con el pasado y una propuesta de actualidad progresivo-sinfónica para el presente. ¡ALPHATAURUS vive!... ¡¡y hay que celebrarlo!!

 

 

Muestras de “AttosecondO”.-

Progressiva Mente: http://www.youtube.com/watch?v=hdaf_z3PiqI
Gocce [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=4rm0i8l4O1c

CORIMA - el nuevo sol del Zeuhl

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de hablar sobre CORIMA, banda avant-progresiva de Los Ángeles que se formó en 2005 por iniciativa del baterista Sergio Sanchez, el bajista Juan Tarin y los guitarristas Jaime Silva y Erik Martinez, uniéndoseles poco después el teclista Francisco Casanova. CORIMA tenía en sus inicios influencias focalizadas en los legados de KING CRIMSON y EMERSON, LAKE & PALMER. En 2007 pudo el grupo editar su disco homónimo de debut, y para entonces ya era solamente un trío sin ninguno de los dos guitarristas. CORIMA logró hacerse de un sitio dentro del underground de la Costa Este, y varias veces compartió cartel con bandas como ZS, AHLEUCHATISTAS, THE RED MASQUE, etc. Con el arribo del año 2008, el grupo sufrió nuevas modificaciones importantes en su alineación con los ingresos sucesivos del nuevo bajista Ryan Kamiyamazaki, el saxofonista Patrick Shiroishi y la violinista Andrea Calderón (quien se hace llamara Andrea Itzpapalotl). Así las cosas, el grupo se remodeló en una nueva orientación hacia las áreas del Zeuhl y el RIO, lo cual significó no solo la exploración de nuevas formas de sofisticación instrumental sino también la elaboración de una importante parte coral en la mayoría de sus composiciones; y no olvidemso el factor anecdótico de la conversión de CORIMA en un ensamble multi-nacional. Es así como el grupo entra nuevamente a los estudios en agosto de 2011 para grabar su segundo disco “Quetzalcoatl”. Este disco fue masterizado por el mismísimo Udi Koomran (cuyo CV incluye memebresías en 5’UUS y PRESENT) en su estudio de Tel-Aviv, para luego ser publicado pro el sello Soleil Zeuhl en setiembre pasado. El sonido de CORIMA ostenta una línea de trabajo fuertemente francófona (lo cual le distingue de otras bandas avant-progresivas estadounidenses como THINKING PLAGUE, HAMSTER THEATER o GA’AN): las improntas de MAGMA, ESKATON, ZAO (los dos primeros discos) y EIDER STELLAIRE inundan los esquemas sónicos de este reformado quinteto a través de la frescura y vitalidad particulares que él aporta solventemente. Vayamos al repertorio mismo para prestar debida atención a los detalles.

 

Las ocho primeras secciones del álbum conforman la suite ‘Corima Iss De Hundin!’, una gloria de Zeuhl químicamente puro que se prodiga en sonoridades y cadencias pletóricas por más de 25 minutos. La dupla de la sección homónima y ‘Gurdhait Nefertatt’ es ceremoniosa sin ocultar su humor latente, creando un crescendo que sirve como base para que la secuencia de ‘Vhlakoshpetzz’, ‘Sunna Domitiwuando’ y ‘Wlakezz Fhunder’ desarrolle el colorido musical que CORIMA convierte en marca propia. ‘Vhlakoshpetzz’ juerga a la densidad traviesa y frenética, al igual que ‘Wlakezz Fhunder’, mientras que ‘Sunna Domitiwuando’ explora esquemas sonoros y ambientes con una llama más medida. ‘Krishkalidortz’ aprovecha el aura cálida de las líneas de piano con las que termina la sección anterior para permitir que la banda explore su faceta jazzística más a fondo, claro está, sin romper con la ilación surrealistamente neurótica que se impone en el ideario musical. Un momento de cándido sosiego llega con ‘Divindondiwua’, sección marcada por una bien articulada amalgama de piano y arreglos corales, pero se trata en realidad de un pasaje de aliento para que el impulso de la última sección, ‘Khozmikh Kavhiledrios’, reinstaure y sintetice la espiritualidad extrovertida que la extravagante arquitectura de los momentos más frenéticos de la suite ya habían dejado bien cimentada.

Tras este extenso viaje musical llega ‘Zhuntra’, pieza que nos regala 7 minutos y pico de exploraciones por las áreas más líricas y fusionescas del Zeuhl: ZAO y ESKATON emergen más claramente como los cruciales puntos de referencia en la articulación de las bases compositivas de esta pieza. Por su parte, ‘Tezcatlipoca’ supone un regreso contundente y capitalizador de las aristas más entusiastas del dinamismo esencial de Corima, incluso alimentando su vigor nuclear con elementos tensos propios de la vieja escuela del R.I.O. (UNIVERS ZERO, PRESENT). Aquí operan las ideas musicales más oscuras del álbum, siendo así que las nieblas sónicas fluyen y se retuercen en continuas vibraciones asentadas en una arquitectura exigente y genialmente aventurera: por si acaso había quedado alguna duda al respecto, CORIMA se revela como una maquinaria donde todos los implementos de su engranaje se sienten sumamente cómodos al operar conjuntamente.

 

La suite que da título al álbum ocupa los últimos 19 ½ minutos del mismo a lo largo de 7 secciones. Los motivos e ilaciones están dispuestos bajo una lógica del frenesí que ya reconocemos de los diversos puntos álgidos de la primera suite: así, la misión de ‘Quetzalcoatl’ es la de completar el círculo estilístico del álbum con compacta consistencia. Dignas de mención especial son la electrizante dosis de electrizante sinergia de ‘Iknoakayotl’ y los casi imposibles juegos de síncopas de ‘Necnomatlicayotl’, pero eso no es todo, pues el clímax final que se impone en el mantra de ‘Teomatilistli’ emerge de la sucesión hilada entre el momentáneo reposo introspectivo de ‘Teiknottalistli’ y el travieso crescendo de ‘Neltococayotl’. Solo un final así de soberbio podía ser el cierre idóneo para “Quetzalcoatl”, un disco que pone a CORIMA en primera línea dentro de la escena avant-progresiva de nuestros días. La música Zeuhl no solo sigue viva y coleando, sino que se proyecta hacia reformados caminos de desafiante magnificencia merced a toda esta gloria sónica creada por Sergio Sanchez-Ravelo, Francisco Casanova, Andrea Itzpapalotl, Patrick Shiorishi y Ryan Kamiyamazaki… ¡una comunión de jóvenes maestros!

 

 

Muestras de “Quetzalcoatl”.-

Zhuntra: http://corima.bandcamp.com/track/zhuntra
Tezcatlipoca: http://corima.bandcamp.com/track/tezcatlipoca

ELEPHANT9 + Reine Fiske: una combinación genial

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos toca sacar a colación al grupo noruego ELEPHANT9: este trío de Ståle Storløkken [órgano Hammond, pianos acústico y eléctrico Fender Rhodes, Mini-Moog], Thorsten Lofthuis [batería, percusión] y Nicolai Hængsle Eilertsen [bajo eléctrico, guitarra eléctrica de 12 cuerdas, guitarras acústicas, percusión] ha logrado con sus dos discos anteriores situarse en una posición privilegiada dentro de la vanguardia jazz-progresiva escandinava, y este posicionamiento se reactiva con infinita firmeza a la luz de lo genial que es su nuevo disco “Atlantis”, uno de los más explosivos del año 2012. El trío ha gozado evidentemente de un estado de gracia creativo a la hora de gestar este nuevo trabajo fonográfico. En cuatro de los siete temas de este nuevo álbum entra en acción Reine Fiske como colaborador especial: Fiske, a quien los coleccionistas progresivos conocemos como ex-componente de LANDBERK, MORTE MACABRE y PAATOS, es un guitarrista de gran solvencia en cuestiones psicodélicas, un músico con el corazón muy Hendrix-Gilmouriano, y por tanto, idóneo para fungir como compañero de aventuras del trío en esta nueva empresa. A continuación vamos a repasar el repertorio de “Atlantis” al detalle. 

   

‘Black Hole’ abre el disco en un despliegue de 9 minutos de pura  energía donde la robustez y la fineza van de la mano. Elaborando una sonoridad arrolladora que parece un híbrido de NIACIN y CAB, los elementos de psicodelia pesada que entran a tallar por vía del punche que los instrumentos usan en sus labores simultáneas de mutua triangulación y desafío hacen pensar también en un SOFT MACHINE retorcido por las conjugadas mentalidades de DOUBT y FIRE! Realmente el oyente puede sentirse como atrapado por el irresistible magnetismo de un agujero negro solipsistamente focalizado en su propia fuerza tanática. ‘The Riddler’ sigue a continuación, empezando con un misterioso prólogo cósmico para luego centrarse en un  poderosísimo cuerpo central basado en un jam majestuosamente aparatoso desde donde el trío repite el oscurantista dinamismo que había atravesado el tema de entrada. La tercera pieza es justamente la homónima, que dura poco menos de 13 minutos y cuyas principales referencias estilísticas nos remontan a los tiempos del WEATHER REPORT pre-Pastorius y al MAHAVISHNU ORCHESTRA original. Los primeros 4 ¾ minutos están diseñados para albergar un escalonamiento de climas flotantes donde las capas de órgano Hammond y los exquisitos punteos de guitarra se amalgaman en una atmósfera tan evocativa como densa. Una vez instalado el jam central, el swing que se instala de la mano de la dupla rítmica resulta robusto y cálido a la vez, lo cual permite que el teclado y la guitarra articulen sus proyecciones, a través de dosis elevadas de energía, con una actitud confiada y autoafirmativa.

Después del espectacular clímax que supone ‘Atlantis’, emerge ‘A Foot In Both’ como una suerte de ejercicio de acid-folk enmarcado en una espiritualidad reflexiva que explora las brumas del yo interior: el encuadre de múltiples guitarras acústicas, capas de teclado y suaves percusiones funciona muy bien a la hora de traducir en sonido el poder de la mirada. ‘Psychedelic Backfire’ entra a tallar para cambiar el registro hacia uno de denso delirio, sabiamente alimentado por la parsimonia propia de la lánguida cadencia rítmica escogida para la ocasión: tenemos aquí un homenaje al PINK FLOYD de la etapa “Ummagumma” bajo una óptica Hendrixiana y con una estrategia avant-jazzera a lo FIRE!-con-DOUBT. El resultado sónico raya con lo siniestro en cierto sentido, pero principalmente se trata de una exploración en los matices más misteriosos del esquema jazz-psicodélico que la banda ha venido desarrollando en el disco. Con la breve pieza ‘A Place In Neither’, el ensamble trabaja con climas juguetones antes de que ‘Freedom’s Children’ explaye sus capacidad expansiva en una muestra de encrucijada entre el electrizante dinamismo oscurantista de ‘The Riddler’ y la ceremoniosa pomposidad de ‘Atlantis’. Los guitarreos de Fiske portan suficientes dosis de salvaje intensidad como para aportar valiosos elementos a la hora de potenciar el entramado nuclear del trío: posiblemente es este detalle específico lo que hace de ‘Freedom’s Children’ el cierre idóneo para el álbum.  

En fin, “Atlantis” es un disco fabuloso, imponente en su arrebatadora grandeza, imperioso en su arrollador vigor: ELEPHANT9 consigue con esta nueva aventura fonográfica elevar su propuesta musical a otros niveles, y con ello, promover nuevas transformaciones dentro de los discursos jazz-rockero y progresivo contemporáneos. ¡¡Recomendado al 200%!!

 

Muestras de “Atlantis”.-

Black Hole: http://www.youtube.com/watch?v=mzUpM8mjIn0
Atlantis: http://www.youtube.com/watch?v=LzQnvcO6DaA

El nuevo vuelo progresivo de COURT

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de hablar del grupo italiano COURT, un ensamble cuyos orígenes se remontan tan lejos como el año 1990, logrando a los tres años registrar su disco debut “” por vía del sello Music Is Intelligence. El asunto es que ahora, en el año 2012, COURT ha hecho un aporte importante al género progresivo con su álbum “Twenty Flying Kings”, el cuarto de su trayectoria y el disco donde se puede decir que COURT consolida con plena solvencia su particular manera de recibir, reciclar y remodelar la herencia de la vieja escuela sinfónica. La formación que grabó este disco es como sigue: Marco Pedrini (voz y sintetizador), Mosé Nodari (guitarras, oboe, flauta y coros), Marco Strobel (guitarras, mandolina y coros), Jacopo Favrin (bajo) y Francesco Vedani (batería, flauta, flautas dulces y sintetizador). O sea, COURT cuenta ahora con un nuevo cantante y un nuevo bajista, conservando el trío nuclear de Nodari, Strobel y Vedani, estable desde inicios del milenio (el periodo que empieza con el tercer disco “Frost Of Watermelon”).

 

Los primeros 9 minutos y pico de “Twenty Flying Kings” vienen ocupados por ‘Cries’, una pieza que bien puede ser descrita como un cruce entre JUMBO y PFM en cuanto a la proyección compositiva, apelando a una reconstrucción del estándar de GNIDROLOG en cuanto al esquema general de los arreglos. La presencia destacada de las guitarras acústicas procura un peculiar dinamismo frente a la evidentemente enérgica actuación de la dupla rítmica. La secuencia de ‘Anastasius Epitaph’ y ‘The Great Bear Rising’ devela la maña que se da la banda para explorar las áreas del folk-rock (con matices de rock duro) y del sinfonismo clásico, sucesivamente. Juntas, ambas canciones completan un espacio de poco más de 6 minutos, pero vienen seguidas por la ambiciosa suite ‘Sumptuous Moment’. Esta composición de casi 21 ¾ minutos de duración sirve para que COURT se explaye cómodamente en sus inquietudes eclécticas, y empieza este viaje con un aura serena y relativamente estilizada, la misma que al poco rato alterna el protagonismo con pasajes de tendencia árida durante el desarrollo de las ideas melódicas y atmósferas principales. Así las cosas, el grupo empieza a virar hacia delineamientos psicodélicos que se sienten un poco Floydianos, a la par que conservan recursos barrocos y manieristas que son tan típicos de la añeja tradición progresiva italiana. Cuando las cosas tienen la ocasión de tonarse un poco más sofisticadas, las huellas de ALPHATAURUS y MUSEO ROSENBACH pueden emerger en cierta medida, logrando generar pequeños clímax en los que el desarrollo melódico alcanza efectivos picos de intensidad: en los últimos minutos, se produce un crescendo en el que el grupo sintetiza con mucha habilidad sus facetas enérgica, lírica y etérea. El momento de ‘Lovers’ es uno de regreso a los senderos del folk-rock: la alternancia entre pasajes contemplativos (empezando con un bello prólogo) y exultantes se sustenta en una buena organización del contraste interno de la ilación compositiva. Con su cálida aura renacentista, la breve canción ‘Dream Tale’ completa el espíritu de la canción precedente de una forma ensoñadora. El disco se cierra con ‘Alviss’ Revenge’, la segunda y nueva suite del álbum: tiene bastante en común con ‘Sumptuous Moment’, aunque se puede destacar de ella específicamente que proporciona un impulso más robusto a los parajes oscuros, lo cual repercute favorablemente en el realce de la espiritualidad amable que se almacena en los momentos de línea pastoral. El pasaje final casi parece una versión acústica del clásico Floydiano ‘Echoes’, sazonado con aires Oldfieldianos de la etapa “QE2”: solemnidad flotante y envolvente, un final bueno sin atenuantes.

Todo esto fue “Twenty Flying Echoes”, un aporte loable y particular del grupo COURT para las actuales coordenadas de la movida progresiva italiana: ¡vale la pena investigar la trayectoria de este grupo!

 

 

Muestras de “Twenty Flying Kings”.-

Cries: http://www.youtube.com/watch?v=tNivbWL_26U
Sumptuous Moment: http://www.youtube.com/watch?v=1CGJ4gzN6Lw

AHLEUCHATISTAS reaviva su fabuloso veneno sónico

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Ahora se da la ocasión de hablar de AHLEUCHATISTAS y su nueva aventura fonográfica “Heads Full Of Poison”, la segunda con el formato de dúo – Shane Perlowin a las guitarras y el bajo, Ryan Oslance a la batería y las percusiones – tras su electrizante “Location Location” del año pasado. Desde 2003 que fue cuando se publicó su disco debut “On The Culture Industry”, AHLEUCHATISTAS ha venido elaborando sendas muy interesantes a la hora de instaurar recursos de gran vigor y grandiosa lucidez en las tórridas áreas del math-rock. Yendo por sendas semejantes a las de GIRAFFES? GIRAFFES! en cuanto a rudeza y a las de HELLA en cuanto a neurosis impredecible, el grupo se forjó un camino de creatividad bastante respetable, el cual no se torció ni quebrantó cuando el bajista Derek Poteat dejó la banda a fines de 2010. “Head Full Of Poison” es la confirmación reafirmada del tipo de coherencia artística que el ahora dúo sigue perfilando como su más robusta esencia.

 

‘Vanished’ abre el disco con poco menos de 3 minutos de delirio arábigo en clave juguetonamente psicodélica, dejando así una primera impresión de remezones lúdicos. La cosa se pone tensa e inescrutable cuando emerge ‘Future Trauma’, una maquinaria de continuas deconstrucciones abstractas de elementos del space-rock y el noise en la que Perlowin y Olsance dialogan en discordancia y reformulan el concepto de orden para convertirlo en una extensión del caos en una de sus manifestaciones más eufóricas. La pieza homónima, que dura poco más de 16 minutos, y el dúo sabe aprovechar esta circunstancia de ambiciosas expansiones y variantes temáticas muy bien. Comenzando con un preludio áridamente cósmico que se arma en torno a un crescendo, el primer motivo refleja una sólida cadencia donde el grupo explora su capacidad para regodearse en festines sónicos de fuerte marca pulsátil; luego, un segundo motivo se esmera en desarrollar un simulacro de ritmos y atmósferas extremo-orientales, aterrizando en un bloque minimalista de corte industrial. Luego siguen dos motivos que, a la par que reciben el impacto del segundo antes mencionado, capitalizan el dinamismo osado y bizarro propio de la banda a la hora de desarrollar polirritmos y otras travesuras diversas propias del math-rock. El último extrapola la extroversión neurótica imperante para añadirle un toque cuasi-tribal en la armazón rítmica y un afilamiento atroz a los atormentados riffs de la guitarra. ‘Lighted Stairs’ entra a tallar acto seguido para aligerar notoriamente las cosas: con su recurrente esquema rítmico en 5/4, esta pieza viene marcada por una actitud saltarina y vigorosa que se deja arropar por el aura cálida propia de las recurrentes escalas y capas que sobresalen desde el trasfondo. Oslance es el principal héroe de este momento mientras Perlowin se encarga de dirigir la permanente reconstrucción de la orquesta actualmente operante. ‘Wisps’ reitera en parte el talante deconstructivo antes manifiesto en ‘Future Trauma’, pero lo hace valiéndose de una revalidación de algunos recursos de neurosis frontal que nos recuerdan a la maratónica pieza homónima.

 

Haciendo honor a su nombre, ‘Requiem For The Sea’ presenta inicialmente una ambientación elegíaca a través de la meticulosamente perfilada arquitectura de las armonías de guitarra y el eficaz manejo de cadencias jazz-rockeras de la guitarra. Luego, el desarrollo temático redefine el motivo central para darle un dramatismo etéreo donde se conjugan estereotipos del post-rock y el noise con una fluidez notable. Ésta es la música de la decadencia mortal, de la desintegración de la vida, pero hay un escape de ella a través de ‘A Way Out’, pieza que reconstruye la combinación de impetuoso vitalismo y delirante exotismo que anteriormente había brillado en ‘Vanished’. Esta clave de math-rock arábigo persiste en buena medida en el siguiente tema, ‘A Trap Has Been Set’, pero esta vez la expansión de casi 7 ½ minutos que se otorga el dúo es debidamente aprovechada para desarrollar una ilación de estrategias y atmósferas articuladas por la lógica de la extravagancia dadaísta, especialmente en lo que se refiere a los elementos de inspiración garaje-rock.  ‘Starved March’ cierra el álbum con un tenor melancólico diseñado para envolver los contornos del corazón del oyente: si el dúo había explorado su faceta etérea en ‘Requiem For The Sea’ para armar un epitafio musical, ahora en ‘Starved March’ lo hace para crear un fondo apropiado para nuestras más profundas añoranzas. Así termina “Heads Full Of Poison”, un testimonio claro y distinto de cómo AHLEUCHATISTAS ha ido más allá de simplemente sobrevivir como dúo para imponer renovados criterios estéticos dentro de su propuesta de siempre. Este disco es veneno puro, pero un veneno que en vez de aniquilar la respiración, impulsa un nuevo aliento para el actual desarrollo de la vanguardia math-rockera estadounidense.  

 

Muestras de “Heads Full Of Poison”.-

Lighted Stairs: http://www.youtube.com/watch?v=aVocVCfls1E
Future Trauma [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=jru0Duub0UA
Wisps [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=AE9PHJwpGjU

Los nuevos surcos progresivos de MANGALA VALLIS

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy toca hablar sobre la banda italiana MANGALA VALLIS, la misma que  vuelve al ruedo fonográfico varios años después de su lanzamiento anterior “Lycanthrope” (siete años, para ser más exactos). Esta vez nos trae “Microsolco”, contando con dos nuevos miembros en su alineación que se suman al trío nuclear del teclista Cristiano Roversi, el guitarrista Mirco Consolini y el baterista-percusionista Gigi Cavalli Cocchi: nos referimos al bajista-vocalista Roberto Tiranti y al guitarrista Nicola Milazzo, quien está a cargo de intensificar los aportes hechos por Consolini. El balance general previo de “Microsolco” es que la nueva alineación de la banda cumple con  darle un giro distinto a su mezcla de sinfonismo moderno y clásico, un aura más robusta sin por ello perder la transparencia melódica que el grupo siempre ha ostentado de forma convincente y consistente.  

 

‘Easy Empire’ da inicio al disco con una actitud vibrante y animada, con una sonoridad que nos remite tanto a los estándares del sinfónico contemporáneo (a lo KARMACANIC) como al estándar neo-progresivo del nuevo milenio. Los solos de sintetizador que emergen en lugares estratégicos sirven para realzar la energía en curso, además de proveerle de una cierta cadencia cósmica. A través de la secuencia que va del lirismo más relajado de ‘Gods Of The XXI Century’ a la candorosa solemnidad de ‘Plastic Paradise’, la gente de MANGALA VALLIS desarrolla fuertes nexos con las líneas de trabajo de SPOCK’S BEARD y SYLVAN. Acto seguido, ‘Welcome To The New World’ le da un giro más sofisticado y fastuoso a esta tendencia, logrando así aportar convenientes dosis extra de vigor y colorido al asunto: las semejanzas con sus compatriotas de THE FORMER LIFE y el último ERIS PLUVIA pueden ser fáciles de apreciar. Una mención especial merece la sección final, la cual estructura un fluido matrimonio entre el modelo Floydiano de la etapa “Dark Side” con el prototipo del ARENA post-“The Visitor”. La pieza homónima, que dura 5 minutos, establece un rotundo colorido melódico bajo una robusta ingeniería sónica que nos remite a PRESTO BALLET y, una vez más, a SPOCK’S BEARD. Su dinamismo es bastante magnético, y tiene suficiente gancho como para beneficiarse potencialmente de un arreglo más expansivo, pero su engarce con ’21-12-12’ deja las cosas como están para virar hacia una modalidad de sinfonismo moderno con moderados matices célticos: imaginando un encuentro entre los esquemas sonoros de KARMACANIC y MOSTLY AUTUMN nos podremos hacer una buena idea intuitiva sobre lo que nos espera con este bonito tema. ‘Terranova’ cierra el disco en clave de balada sinfónica: se nota en esta canción la presencia de aires Camelianos, así como algún matiz Genesiano a través del filtro de THE WATCH, durante el interludio que precede al pasaje final.

Un disco bastante breve es “Microsolco”, no llega a los 40 minutos de duración, pero es bastante agradable y destila cristalina musicalidad por doquier a través de su repertorio: cabe señalar claramente que esta obra no iguala la magia vertida en los dos discos precedentes, pero es algo bueno advertir cómo MANGALA VALLIS logra afianzar las nuevas vías progresivo-sinfónicas modernas que se ha trazado para esta nueva fase de su trayectoria. Ante todo, cabe valorar a “Microsolco” como testimonio de una revitalización que promete generar más cosas interesantes en el futuro próximo.  

 

 

Muestras de “Microsolco”.-
Easy Empire: http://www.youtube.com/watch?v=YroWjtKXVdI
21-12-12: http://www.youtube.com/watch?v=Ssi4e9ib0_o

CASA DE ORATES: vanguardia electrónica desde Chile

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy prestamos atención a Knwell, que es más exactamente el sobrenombre del músico chileno Manuel Rubilar Valenzuela, un creativo cultor de música experimental sustentada en los legados de la academia concreta, el krautrock y las vertientes avant-progresivas. CASA DE ORATES es el nombre del proyecto en el que viene trabajando desde fines de 2009, un proyecto que ha servido para que Knwell descubra e investigue sus propias inquietudes artísticas. “Novutrefall Songs For Orates” es el título de la primera selección de composiciones que ha venido elaborando y registrando en sitios de Internet (Myspace, Bandcamp, Soundcloud): en primera instancia, la edición es solo en casete, un recurso “curiosamente anacrónico” que realza el hecho de que CASA DE ORATES es una entidad desenvuelta fuera de los confines del mercado musical estandarizado… underground en el sentido más estricto del término. El arsenal sonoro con el que cuenta Knwell consiste de sintetizadores, programas cibernéticos, percusiones concretas e instrumentos ancestrales tibetanos: en ocasiones específicas, se hace acompañar de invitados que aportan intervenciones a la flauta japonesa, las flautas dulces, el acordeón, etc.   

  

‘Círculo De Manías’ ocupa los primeros 9 minutos y medio del disco: un despliegue de soundscapes abstractos, efectos aleatorios de voces y capas retocadas, una sensación de estar atrapados en una solipsista cueva de sordidez emocional que no permite vías de escape ni gritos de desahogo. Acto seguido, ‘In Out’ rinde homenaje a la rebeldía lujuriosa del aturdido protagonista de “La Naranja Mecánica”: este ejercicio de tensión lúdica principalmente basada en percusiones concretas de utensilios de cocina y obsesivas pulsiones vocales da lugar a un auténtico desahogo. Lo oscuro y lo tenebroso se imponen cabalmente en la ingeniería sonora oscurantista de ‘Primordial Sounds’, pero esta vez no se trata de la oscuridad de un encierro sino de la oscuridad de una mirada interior que recibe ecos de paisajes misterioso para impulsarse hacia el aprecio de algo nuevo. ‘Alucarda’ se proyecta por un espacio de más de 12 ½ minutos, un espacio donde Knwell desarrolla ahondamientos más rotundos en lo tenebroso, esta vez reformulando y amplificando las tendencias minimalistas que ya se habían impuesto indolente y contundentemente en los temas 1ro y 3ro. Los aires del TANGERINE DREAM del “Zeit” y los primeros discos solistas de Konrad Schnitzler son fáciles de trazar al recibir este impacto gótico-electrónico, aunque la solidez filuda con la que se instalan y explayan las capas sónicas de los sintetizadores tiene más que ver con el ideario de KLAUS SCHULZE. El clímax destructivo que revela un trance de gritos desbocados nos confronta con el dolor en su expresión más brutal: en ese momento, la solidez antes mencionada toca un cénit de genuina locura. Por su parte, ‘The Blind See Reality’ tiene un aire más de travesura, una aventura lúdica que ostenta su propio desorden inherente de una manera muy colorida en base a las flautas dulces que imponen sus dibujos sobre el lienzo grisáceo de los sintetizadores y efectos concretos de trasfondo.

 

‘Mensaje Del Niño Negro’ da inicio a la segunda mitad del disco al modo de un monólogo de reflexiones rupturistas respecto a “lo transcendental”, marcado por la confluencia de tétricamente lánguidos fraseos de piano y desasosegados efectos de sintetizador. El desasosiego se replanteará con una estructura más mecánica en ‘Oblivion’, lo logrando así que el ambiente de limbo adquiera una aureola más árida en comparación. ‘Ánimas En Penumbras (Prologue)’ edifica un reelaboración del rotundo minimalismo espectral que había lucido sus aristas inquietantemente góticas anteriormente en ‘Círculo De Manías’ y ‘Alucarda’, mientras que ‘The Sacred Tree Of Sephiroth (Epilogue)’ sigue una lógica ritual diseñada en torno a la recurrente reconstrucción de una vibración rítmica dentro de la cual las incansables intervenciones de la trompeta tibetana ocupan un protagonismo incandescente. Esta dupla de temas refleja a la perfección esa dualidad de angustioso minimalismo siniestro y misteriosas vibraciones telúricas que Knwell maneja a la perfección. Esta obra concluye con la versión editada de ‘Aleiarsela’, pieza que completa el círculo de las arquitecturas ambientales que se instaurado consistentemente como el centro neurálgico de los recursos creativos de Knwell. Las intervenciones de acordeón, a cargo del invitado Daniel Arostegui, abiertamente se complacen en aportar elementos de densidad semejantes a los de un órgano de fuelles en la banda sonora de la película “Carnival Of Souls”.

Todo esto fue “Novutrefall Songs For Orates”, un catálogo de muestras alucinadas de ingenio experimental donde la osadía y la magia se conjugan en conjuros tan siniestros como liberadores. CASA DE ORATES

 

 

Muestras de “Novutrefall Songs For Orates”.-

Mensaje Del Niño Negro: http://casadeorates.bandcamp.com/track/mensaje-del-ni-o-negro-novutrefall
Primordial Sounds:  http://casadeorates.bandcamp.com/track/primordial-sounds

HÁBITAT recuerda sus primeras historias musicales

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es ocasión de hablar de HÁBITAT, veterano grupo argentino que, a despecho de su inconstante serie de procesos de creatividad y presencia, ha logrado gestar referencias importantes para la vigencia del sueño de la música progresiva sinfónica en su país: nos referimos específicamente a su álbum del año 2010 “Tratando De Respirar En La Furia” (reseñado en el enlace http://autopoietican.blogspot.com/2010/09/la-furia-creativa-de-habitat-y-su-nuevo.html), el cual fue un prodigio de musicalidad en el sentido más genuino del refinamiento. Lo que tenemos en nuestras manos en 2012 es una edición nueva y re-mezclada del disco debut “Historias Olvidadas”, el cual mostraba a un HÁBITAT articulado en torno a la convivencia creativa del guitarrista Enrique Hittos y el bajista-teclista Aldo Pinelli, completándose el grupo con el baterista Carlos Vidal. La publicación del ítem original tuvo lugar 15 años atrás, en setiembre de 1997 para ser más específicos, primero en casete y un año después en CD.

La línea de trabajo que se trazó el grupo desde esta etapa seminal era la de un sinfonismo ágil y bastante controlado en las expansiones de sus potencialidades: los referentes principales son el ESPÍRITU del tercer disco, el SERU GIRÁN de “Peperina”, las remodelaciones generales del legado sinfónico en los 80s y 90s (más específicamente, el CAMEL de estos periodos), y un poco de PABLO EL ENTERRADOR. ‘Alguien Que Nos Mienta’ abre al álbum mostrando muchos de los elementos mencionados, portando un llamativo aire de candidez lírica en su pasaje central; se da una orientación  hacia ambientes más relajados (un poco con matices fusionescos) en los intermedios instrumentales. ‘Todos Los Del Bosque’ se centra en potencializar el aspecto lírico introducido en la primera canción para acomodarlo dentro de un inteligente juego que se siente un tanto Cameliano, mientras que ‘Dos Historias Del Pasado’ enfatiza el aura juglaresca que siempre ha surgido en momento estratégicos en el ideario de Hábitat: en esta ocasión, de la mano de Enrique Hittos. La base melódica del cuerpo central de ‘Dos Historias Del Pasado’ desarrolla varios matices propios del Renacimiento, mientras que los momentos variables evocan solventemente el sentido de misterio, pero manteniendo la delicadeza del  momento, logrando así que la instrumentación fluya con un gancho irresistible. En particular, los solos de guitarra portan un colorido bastante ágil, y cuando llega el momento de ‘Estatuas Y Monumentos’, esta agilidad se transporta a un esquema sonoro donde el dibujo de las líneas melódicas se reparte con el sintetizador: el gancho de la pieza es directo, incluso ingenuo en varios aspectos. La siguiente pieza, ‘Pocilga’, vira hacia un registro distinto: se trata de un solo de guitarra clásica a lo Villa-Lobos, bello, portador de una serenidad relajada. ‘Carreras En El Cielo’, por su parte, recapitula los espíritus de las dos primeras canciones: esta canción porta un aura melódica bastante atractiva, lo cual nos hace pensar que un arreglo más expansivo y un poco más extenso hubiera resultado más que idóneo para explotar su magia propia.

‘Fuman En Pipa’ establece la estrategia de desarrollar una composición explícitamente cálida bajo un aura sofisticada que nos remite parcialmente al YES 77-78 y al CAMEL de la etapa “Nude”; para completar esta proyección hacia la mayor fastuosidad del álbum, el radiante instrumental ‘Flavia’ nos transporta por un candor luminoso que tiene algo de OLDFIELD-con-FOCUS dentro de un esquema Genesiano, mientras que ‘La Montañas De Las Sombras’ se encarga de sintetizar la vibración directamente ligera de ‘Todos Los Del Bosque’ con exploraciones decididamente rotundas heredadas de ‘Flavia’. ‘La Montaña De Las Sombras’ es un cierre preciso para el catálogo original del álbum, pero una vez más advertimos que el gancho general de la composición podía rendir para un desarrollo más largo sin llegar al punto de saturación – mucho potencial que queda en el aire… pero así es la historia y lo que hay es lo que existe. De todas maneras, bien por HÁBITAT en ésta su primera aventura fonográfica. Para esta reedición de “Historias Olvidadas” – al igual que en su disco anterior “Tratando De Respirar En La Furia” – hay una versión traducida y razonablemente peculiar de un clásico del prog italiano: esta vez se trata de la bella balada pastoral de Banco Del Mutuo Soccorso ‘Non Mi Rompete’, que en manos de Hábitat se convierte en ‘No Me Perturbes’. Aldo Pinelli y compañía le añaden toques delicados de guitarra eléctrica en el motivo central, además de un excelente epílogo que tiene algunos resabios a lo PREMIATA FORNERIA MARCONI. Hay otro bonus track, una reelaboración de la primera mitad de ‘La Montaña De Las Sombras’: aquí notamos una mejor exploración de la fuerza expresiva en la triangulación de guitarra, órgano y dupla rítmica, esa dimensionalidad profunda que evocábamos en nuestro balance sobre la pieza original al final del párrafo anterior.

 

Todo esto fue “Historias Olvidadas” en su segundo y definitivo repaso: una mirada de añoranzas hacia el primer amanecer de HÁBITAT, una reflexión que sirve para dar nuevas fuerzas al proyecto vivo de este grupo mientras va preparando el que será su próximo disco de estudio. Pero eso será motivo de otra reseña en el futuro próximo: mientras tanto, recomendamos a los coleccionistas progresivos que presten sus oídos a este rescate de “Historias Olvidadas” – es una experiencia muy grata.        

[Dedico esta reseña a Rodolfo Hugo Lagar por la inspiración inicial y sugerencias posteriores.]

Cinco nuevos vuelos astronáuticos con HIDRIA SPACEFOLK

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Con bastante años de trayectoria, actuaciones y grabaciones a cuestas, el ensamble finlandés HIDRIA SPACEFOLK se hace presente en el ideario discográfico de 2012 con “Astronautica”, un disco publicado en setiembre último y que desde ya calificamos como excelente. Este grupo que sacamos a colación hoy ya goza de un merecido renombre dentro de la escena prog-psicodélica post-OZRIC TENTACLES, pero llevaba 5 años sin registrar un nuevo trabajo de estudio desde “Symetria”. Ha sido el mayor lapso de tiempo que ha dejado HIDRIA SPACEFOLK entre disco y disco… pero la espera ha valido la pena. Lo que ha hecho esta congregación de Mikko Happo (guitarras), Teemu Kilponen (batería), Kimmo Dammert (bajo), Sami Wirkkala (guitarras eléctrica y Midi, sintetizadores), Veikko Sutinen (sintetizadores, teclados) y Olli Kari (marimba, vibráfono, percusiones) ha sido realmente grande. En el recuento que haremos a continuación tema por tema esperamos poder hacernos claros ante el lector de por qué esto es así.
 

‘Ad Astra’ abre el álbum con un punche electrizante y poderoso, dinámicamente sostenido sobre una ilación de jams flotantes y riffs llamativos que irradian una luminosidad fastuosa. La imagen de una síntesis entre el OZRIC TENTACLES pre-1995, el STEVE HILLAGE de la etapa de “L” y el ELOY de fines de los 70s es muy idónea para retratar la maravilla sónica vertida en este excelente tema de entrada (o morir en el intento). Las dosis de vitalidad y pulsátil dinamismo aumentan oportunamente para el siguiente tema, ‘Cycloop’, el mismo que también deja más espacio para el realce de las capas y loops de múltiples sintetizadores. Si bien esta garra tiene afinidades amplias con el estándar de HAWKWIND en la forma, el fondo porta una estilización más delineada y meticulosa, lo cual nos remite ciertamente a los patrones de QUANTUM FANTAY y del HIDRIA SPACEFOLK de los dos primeros discos. Durando casi 12 ½ minutos, ‘Badding’ se erige en la pieza más extensa del disco, y no solo eso, también destaca como una de las culminaciones más sofisticadas del esquema sónico trabajado por el grupo. El rol destacado de las percusiones tonales a la hora de intensificar el potencial colorido de los riffs guitarreros y las bases de teclado, las fluidas variaciones de ambiente, la inserción de vibraciones jazz-rockeras a la labor rítmica y la manera tan sobria con la que los teclados se apoderan de la atmósfera general en momentos estratégicos fomentan y articulan la concreción de una faceta exquisitamente elegante del lenguaje space-rockero. Quién sabe… ¡a lo mejor es de justicia declarar a ‘Badding’ como la mejor composición que ha hecho HS hasta el momento!

Cuando emerge ‘Endymion’, el asunto adquiere un aura más densa, un tanto semejante a lo que sonaría un híbrido de DJAM KARET y MY SLEEPING KARMA mientras rehace un jam perdido de HAWKWIND: principalmente, cabe destacar los aires de familia que mantiene con ‘Cycloop’, y dentro del encuadre general del disco globalmente considerado, su manera de preservar la faceta más explícitamente vibrante del hipnótico ideario musical de HS. En fin, los últimos 11 minutos y pico del disco están ocupados por ‘Seirenes’, tema que se encarga de condensar las virtudes más llamativas de ‘Ad Astra’ y ‘Endymion’ para desarrollar una expansión celebradora de las mismas: el resultado final es la perfecta amalgama de gancho y distinción dentro de una aguerrida ingeniería psicodélica, una auténtica expresión de magnificencia destellante e intensa.
 
A fin de cuentas, tenemos en “Astronautica” una estupenda gema del space-rock progresivo para los últimos años, y definitivamente, una de las muestras más logradas de la experimentación psicodélica del presente año 2012: HIDRIA SPACEFOLK resurge y vuelve al ritmo del arte del ruido con mayor fuerza que nunca y un enorme estado de gracia creativo.  

 

 

Muestras de “Astronautica”.-

Ad Astra: http://www.youtube.com/watch?v=Gi7-SckuVto
Badding: http://www.youtube.com/watch?v=dTtY364JltQ

AARON NOVIK y los secretos abiertos de una mente vanguardista

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es la ocasión de hablar de AARON NOVIK, un clarinetista y compositor – además de artista visual y dibujante – radicado en San Francisco cuya más reciente obra, “Secrets Of Secrets”, ha sido publicado en febrero pasado por el sello (dirigido por el maestro JOHN ZORN). Formado en las áreas de la cámara contemporánea y el jazz de avanzada, Novik ha gestado todo un ejemplo de chamber-rock rico en recursos, imponente, esplendoroso a través de su recurrente apego a lo misterioso y lo oscuro. Acompañado por una buena cantidad de músicos que se expanden en cuerdas, percusiones, madera y metal (incluyendo a la leyenda viviente del R.I.O. FRED FRITH y dos de sus actuales socios en COSA BRAVA, CARLA KIHLSTEDT y MATTHIAS BOSSI), NOVIK da rienda suelta a una visión musical que lo emparenta con UNIVERS ZERO, ART ZOYD, FAR CORNER, SLEEPYTIME GORILLA MUSEUM, ZS y el KAYO DOT de los últimos años. “Secrets Of Secrets” es, hablando en concreto, un disco conceptual basado en las raíces místicas del judaísmo (su propia religión): de hecho, las estrategias de composición para las cinco secciones del repertorio de este disco concentran ritmos y ambientes del folklore judío así como recursos propios de la cámara contemporánea y del jazz-rock… y también la gematría (asociación por analogía de palabras hebreas a partir de la semejanza en las numeraciones que se les otorga a través de las letras individuales que las componen).   

Ocupando un espacio de casi un cuarto de hora, ‘Secrets Of Creation (Khoisdl)’ abre el disco por vía del desarrollo de una impactante serie de atmósferas ceremoniosas donde lo nebuloso y lo luminoso colisionan para cohesionarse en una amalgama sónica imponente. Poco antes de la frontera del séptimo minuto, tras un preludio basado en efluvios surrealistamente neuróticos de guitarra, la pieza vira hacia una arquitectura grisácea de fuertes vibraciones épicas. El segundo tema, ‘Secrets Of The Divine World  (Terkish)’, establece una inicial atmósfera de cadencias gráciles donde la densidad propia del chamber-rock expresa su faceta más extrovertida. Como la base de la línea melódica se inspira fuertemente en el folklore del Cercano Oriente, no es de extrañar que el ensamble no tarde mucho en llegar al momento donde la óptica rockera se trastoca por otra de tendencia abiertamente fusionesca, la cual sirve a su vez como puente hacia un nuevo motivo donde se desarrolla una dimensionalidad industrial para un electrizante juego de síncopas propio de las líneas de trabajo del primer ART ZOYD y de PRESENT. La coda articulada en torno a aleatorias capas sonoras psicodélicas completa muy bien el ambiente de tensión expuesto en la sección antes mencionada. En el ecuador de este repertorio, ‘Secrets Of The Divine Chariot (Hora)’ se hace eco del juego de tensiones explayado en el clímax de la pieza precedente articulando climas minimalistas donde se refleja idóneamente una sensación de peligro latente, la misma que sabe cómo asentarse con pulcra sutileza. Cuando emerge una base percusiva poco después de pasar la barrera de los cuatro minutos y medio (el colaborador Willie Winant se luce heroicamente en esta instancia), la densidad recurrente adopta una aureola marcial que añade un tenor agresivo al asunto, algo que se capitaliza a través de la armazón continua de capas sonoras aportadas por los metales, maderas y cuerdas; mientras tanto, los retazos de violín eléctrico y guitarra generan flotan portando una robusta aureola fantasmagórica. La coda recibe el impacto de este largo clímax, traduciendo su tensión  en tristeza dentro de un esquema más atenuado. ‘Secrets Of The Holy (Doina)’ es un ejercicio de extravíos y deconstrucciones donde NOVIK y sus colegas apuestan todos sus recursos a la exploración de las áreas más temerariamente abstractas del avant-prog: esta aventura se sumerge simultáneamente en la avanzada electrónica de la escuela Stockhauseniana y la visión osada de la musique concrete. Durando 17 minutos y pico, ‘Secrets Of Formation (Bulgar)’ cierra el álbum elaborando una impactante agilidad para que el motivo central se retroalimente como una maraña de envolvente vitalidad e hipnótico dinamismo. La excursión cuenta con una ingeniería muy rígida, pero aún así, se abre en una serie de fractales sub-temáticas donde la instrumentación se expande en variaciones y trastocamientos, llegando finalmente a desembocar en una inquietantemente ensoñadora amalgama de pizzicati y vibráfono. El cierre llega con un onírico ensamble de cuerdas y mágicas capas de teclado, lo cual es muy conveniente para redondear y enfatizar el muy solemne concepto general del álbum.

“Secrets Of Secrets” es un disco monumental, un ejercicio de ágil creatividad al servicio de la supervivencia y vigorización del ideal de la vanguardia progresiva: AARON NOVIK y su pléyade de talentosos colaboradores se han lucido enormemente en la labor de plasmar una obra como ésta, tan compleja y tan sustancial. Definitivamente, este disco merece una recomendación enorme y garantizada para los amantes y coleccionistas de las vertientes vanguardistas del rock progresivo.

Muestra de “Secrets Of Secrets”.-

Secrets Of The Divine Chariot (Hora) [fracción]:  http://www.youtube.com/watch?v=IXWsd7-S8ns