Segundo volumen de la nueva visión paradisíaca de los japoneses MONO

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Volvemos a visitar el país musical del grupo japonés MONO para ver qué ha estado haciendo en las pasadas jornadas navideñas del año 2023 y nos topamos con el EP “Heaven Vol. 2”, el cual fue publicado de forma exclusivamente digital en el blog de Bandcamp del grupo el 23 de diciembre de 2024. “Heaven Vol. 2” sucede a “Heaven Vol. 1” en la actual misión que tiene el grupo de publicar pequeños discos por cada Navidad. El cuarteto conformado por el guitarrista Takaakira “Taka” Goto (también principal compositor), la bajista-teclista Tamaki, el guitarrista Yoda y el baterista Dahm. Este EP que ahora nos ocupa fue producido por Jeremy DeVine (el jefe del sello Temporary Residence Limited) y el propio “Taka”, siendo así que las sesiones de grabación tuvieron lugar en el Studio Forty-4. Más bien, las pistas de batería se grabaron en el estudio The Union de Nueva York, en octubre de 2023. Los ulteriores procesos de mezcla y masterización estuvieron a cargo de DeVine y Rafael Anton Irisarri en el Black Knoll Studio, también en ese mes de octubre. Repasemos ahora el breve repertorio contenido en “Heaven Vol. 2”. 

Durando poco más de 7 ¾ minutos y siendo la pieza más extensa del EP, ‘Snow Ghost’ abre el mismo con esa mezcla de intensidad emocional y estilizado dinamismo cerebral que desde hace mucho tiempo es marca de la casa. El vigor contenido que se establece en la maraña de los instrumentos actuantes permite al aura reflexiva de la pieza instalar la atmósfera general con total comodidad. ‘Haunting Echo’ sigue a continuación con una exhibición de vibraciones luminosas que, sobre unas cadencias meticulosamente gráciles armadas por la dupla rítmica, se deja llevar por un fulgor cuasi-crepuscular, siendo éste el que define el carácter moderado con el que se ha de expresar la alegría intrínseca a la composición. Algunas líneas de bajo añaden un elemento extra de sofisticación al asunto, un factor que no hace sino aumentar el magnetismo consistente de la composición en sí misma. ‘Beloved’ cierra el EP con un aura de calma que logra cubrir algún tipo de inquietud melancólica mientras no llega a ocultarlo totalmente. Hay una fuerza intrínseca, que no extrovertida, reinando en la ingeniería sonora que se concreta con suma elegancia por obra y gracia de la amalgama de los instrumentos actuantes. Es un estupendo modo de terminar el EP ahora que el grupo ha anunciado que pronto lanzará al mercado su próximo trabajo de larga duración, el cual se habrá de titular “Oath”. Mientras tanto, “Heaven Vol. 2”, en menos de 20 minutos, nos deja el enésimo testimonio de la creatividad de MONO junto a su permanencia dentro de la élite de la vanguardia rockera de su país. ¡Pero es que esta banda cuenta desde hace mucho con un amplio renombre internacional! 

 

Segunda aventura del dúo canadiense-estadounidense THE FOREVER MOMENT

 
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Tenemos buenas nuevas de parte de THE FOREVER MOMENT, el proyecto conformado por el músico estadounidense Mark Cook (HERD OF INSTINCT, LIQUID SOUND COMPANY, T.A.P) y el canadiense Steven Leak. Se trata de la publicación de su segundo trabajo discográfico en el pasado 26 de abril bajo el título de “Splay”. Sucede por un año y nueve meses a su homónimo álbum de debut. Su propuesta musical se enfila por un híbrido fulguroso y evocador de electrónica, rock psicodélico de tenor atmosférico, prog-ambient y post-rock. Steven Leak se hace cargo de los sintetizadores Arturia Microfreak y Arturia Minifreak, los pedales Red Panda Tensor and Particle pedals, el TC Infinite Sampler, el Zoom Multistomp y grabaciones de campo; por su parte, Mark Cook ejecuta las Warr Guitars con y sin trastes, el bajo sin trastes, los sintetizadores Korg Minilogue y Monologue, la guitarra clásica, los pianos eléctrico y acústico, la batería y los sampleos. En un tema de este disco que ahora nos ocupa, el dúo contó con la colaboración del músico neerlandés Ottmar Soulier a los teclados, la trompeta y la percusión. El material contenido en “Splay” fue grabado en Arlington (Texas), Peterborough (Ontario) y los Países Bajos. El arte gráfica es de Steven Leak. Bueno, repasemos ahora los detalles estrictamente musicales del disco que hoy nos ocupa. 

 

El repertorio de “Splay” se inicia con ‘The Moon’s Concern’, una pieza que hace sentir las vibraciones serenamente ensoñadoras de su motif central. Las flotantes capas de sintetizador y las mágicas líneas de las flautas étnicas acogen e impulsan una espiritualidad contemplativa. Cuando entran a tallar las secuencias rítmicas de tenor tribal, la reinante magia adopta una sutilmente incrementada vivacidad que, a su vez, aumenta moderadamente el fulgor sónico. La subsiguiente dupla de ‘Sleeping Under Rough Blankets’ y ‘Speeding Grace’ se encarga de expandir la paleta sonora del dúo. El primero de estos temas mencionados apela a una densidad más determinante en base al empleo de atmósferas grisáceas y misteriosas sobre un parsimonioso groove. Lo que suena aquí es una cruza entre la faceta más intimista de HERD OF INSTINCT y la dimensión space-rockera que se ha venido vertiendo en los últimos discos de DJAM KARET. Los elegantes ornamentos del bajo sin trastes preparan el terreno para el ulterior lucimiento de la Warr Guitar. En cuanto a ‘Speeding Grace’, se trata del primer ejercicio de extroversión musical del disco, ostentando una refinada musculatura que va fluyendo grácilmente a través del desarrollo temático. Las bases y pequeños solos de sintetizador preparan el terreno para las prontas piruetas de la Warr Guitar; mientras tanto, la batería impulsa al dinamismo establecido por los instrumentos actuantes, erigiéndose finalmente en el centro de la coda en clave de free form. Todo un cénit del álbum. ‘This Now’ preserva esta línea extrovertida y la trabaja con una luminosidad más llamativa. Las armonías sintetizadas se comunican muy eficazmente  con los retazos de la Warr Guitar y los solos de teclado mientras la vivacidad del entramado sonoro sigue su curso. ‘Java Current’ establece un groove fusionesco para un esquema sonoro envolvente mientras su núcleo temático se siente muy cercananente emparentado con el del tema #3. La secuencia de estos tres temas ha concretado un enfoque vitalista para una creativa cruza de ambientes fusionecos y estructuras sonoras modernistas sobre vivaces cimientos progresivos.

Con su duración de poco más de 10 ½ minutos, ‘The Shining Multiples’ se erige como la pieza más extensa del álbum. Comienza con un largo episodio de exploraciones sónicas tremendamente abstractas que parecen evadir cualquier formalismo, pero es que, en realidad, se trata de una busca sigilosa de algún tipo de asentamiento. Una vez hallado y concretado el groove correcto, el asunto vira hacia un sereno jam jazz-progresivo alimentado por recursos inspirados tanto en el paradigma de los STICK MEN como en el legado de los TANGERINE DREAM de 1974-75. Las parcas notas finales del piano crean el epílogo perfecto. ‘Indra’s Net’ regresa de lleno a las texturas cósmicas como núcleo central, apoyándose en arquitectónicas amalgamas de capas cibernéticas cuya potencial densidad es matizada por una luminosa majestuosidad en el tramo final. ‘Ruthsong’ trae consigo el cierre del álbum y lo hace con una actitud contemplativa que se hermana con el paradigma de BURNT BELIEF y la faceta más etérea de los veteranos DJAM KARET. Los sobrios fraseos de la guitarra clásica y la sutil soltura de las bases armónicas del piano eléctrico se apoyan cómodamente sobre las capas de sintetizador y Warr Guitar. La dupla rítmica sostiene el armazón general con meticulosa delicadeza. Todo esto es lo que nos brindó la gente de THE FOREVER MOMENT con su nuevo disco “Splay”, una nueva muestra de la estilizada frescura que es capaz de brindar a las respectivas escenas vanguardistas de ambos países del Norte de América.... y de todo el mundo, también Totalmente recomendable. 
 
 
Muestras de “Splay”.-
Speeding Grace: https://theforevermoment.bandcamp.com/track/speeding-grace
Java Current: https://theforevermoment.bandcamp.com/track/java-current
The Shining Multiples: https://theforevermoment.bandcamp.com/track/the-shining-multiples

El punto de vista de FRANÇOIS THOLLOT para la música progresiva francesa de inicios del año 2024

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
En estos días tenemos a nuestro alcance el nuevo disco del maestro francés FRANÇOIS THOLLOT, un tipo bastante proactivo dentro de la escena progresiva del nuevo milenio. El disco en cuestión se titula “Point Of View” y se publicó en su blog de Bandcamp el último día del pasado mes de febrero, sucediendo por cuatro meses y una semana a su antecesor “Maybe”. Lo que se aprecia en “Point Of View” es una nueva serie de excursiones vanguardistas donde confluyen instanciaciones del Zeuhl fusionesco, el esquematismo dodecafónico favorecido por el RIO y la particular elegancia jazz-progresiva del Canterbury, algo en lo cual THOLLOT se ha especializado fehacientemente desde sus días como líder del ensamble SCHERZOO. Lo más saltante de este nuevo disco es el rol prioritario que tiene el piano tanto en los centros nucleares de los temas como en los armazones instrumentales generales. Además, dentro de esta estrategia, THOLLOT se pone a explorar meticulosamente los rudimentos más explosivos de dicho instrumento a través de los habitualmente complejos diseños temáticos que se van sucediendo en la serie de siete piezas aquí contenidas; especialmente, la batería se empeña en diseñar esquemas rítmicos complejos de una manera obsesiva. En cuanto a los detalles técnicos, “Point Of View” no es la excepción en lo referente al hecho de que THOLLOT es el responsable exclusivo de todo lo que se ejecutó en la grabación de los temas y los ulteriores procesos de mezcla y masterización. Pasemos ahora al repertorio específico.
 
La dupla inicial de ‘Good Book’ y ‘Monster Traktor’ ocupa un espacio conjunto de casi 13 ½ minutos, dejando bien claras las pautas predominantes del repertorio general. ‘Good Book’ exhibe desde el primer instante un dinamismo jovial cuyo grácil colorido motiva un encanto peculiar a ser emanado de los recovecos atonales con los que se arma la ingeniería melódica. El hermanamiento de piano, sintetizador y órgano sabe muy bien cómo focalizar su instauración sobre el complejo cimiento rítmico. En cuanto a ‘Monster Traktor’, se basa en una composición de espiritualidad siniestra que, en base al encuadre dual de batería y piano, se deja penetrar por una agilidad jazz-progresiva que, en muchas ocasiones, nos recuerda a la faceta más señorial de unos NATIONAL HEALTH. Casi parece contra natura, pero ése es el híbrido aquí concretado. Si el primer tema del álbum era como un HAPPY THE MAN perversamente remodelado por los HENRY COW de 1975, el segundo fue como un ejercicio de agitaciones híbridas de DÜN y SOFT MACHINE (del año 1975) para una partitura perdida de los PRESENT de los 80. Asertiva como osada, la idea de iniciar el disco con dos piezas con tanto carácter resultó exitosa. El tercer tema se llama ‘Structures’ y ostenta un talante un poco más sobrio que cualquiera de los dos precedentes, pero, por otra parte, la exuberancia sigue siendo la misma. También hay una mayor robustez en los varios  grooves planteados por la batería. Notamos confluencias con KOTEBEL y LEMMINGS SUICIDE MYTH. La cuarta pieza del disco es la que justamente le da título. A lo largo de sus 6 minutos de duración, ‘Point Of View’ elabora un lúcido ejercicio de cromatismos jazz-progresivos al modo de unos HAPPY THE MAN alucinados con suriles toques de Zeuhl. Hay ciertas conexiones con el primer tema del disco, algo que no ocurre con ‘Destruct’, la pieza siguiente. Ésta delinea un aura notablemente más solemne para los arreglos de su desarrollo temático, poniendo a las florituras del piano más al frente que nunca. Los sonidos imitadores de percusión tonal añaden interesantes texturas armónicas al paisaje musical con miras a realzar el omnisciente fulgor sónico.
 
Cuando llega el turno de ‘Matrice’, es el momento de explorar parajes y atmósferas un poco más ceremoniosas que los que predominaron en los temas precedentes. Por otra parte, notamos aquí  unos coqueteos con lo lóbrego que tienen cierta afinidad con el vitalismo grisáceo del tema #2. Lo que impide que la tensión sea igual es el empuje calculadamente disperso de la batería. ‘Little Suite’ no es solamente la pieza más extensa del repertorio con su espacio de casi 10 ½ minutos, sino que también es el que le da cierre. La artillería instrumental con la que cuenta THOLLOT está al servicio de una ambiciosa ingeniería híbrida de sinfonismo, jazz-prog y vibraciones Zappianas. En varias ocasiones notamos cierta aproximación al paradigma de GENTLE GIANT (etapa 72-75), así como algunas lecciones aprendidas de ka majestuosidad de NATIONAL HEALTH y de los ZAO de 1975-76, siempre con esos retorcimientos armónicos que aportan un colorido bizarro al versátil dinamismo de la pieza. Los pasajes climáticos son varios, pero éstos no llegan nunca a saturar la ingeniería musical, la cual se sustenta sobre un bien pulido equilibrio entre lo intenso y lo cálido. Todo esto es lo que el infatigable maestro FRANÇOIS THOLLOT nos ha brindado con su nueva obra “Point Of View”, una muestra de la típica vitalidad que este señor ha convertido en paradigma suyo, apostando por algunos detalles nuevos para reactivar su maquinaria creativa donde lo refinado y lo extravagante se convierten en una sola cualidad bien compacta. Totalmente recomendable este disco, engrandece a la escena progresiva francesa en el primer tercio de este año 2024. 

 
 
Muestras de “Point Of View”.-
Good Book: https://scherzoo.bandcamp.com/track/good-book-2

Monster Traktor: https://scherzoo.bandcamp.com/track/monster-traktor

Little Suite: https://scherzoo.bandcamp.com/track/little-suite

SUMDEUS: una interesante visión de la energía jazz-progresiva dentro de la escena rockera estadounidense

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy viajamos a los EE.UU., más específicamente, al Área de la Bahía de California para descubrir a SUMDEUS, proyecto progresivo del guitarrista y compositor Rome Yamilov, músico residente en el país de Edward Hopper y Ray Brabdury, pero nacido en la localidad rusa de Óbninsk. SUMDEUS hizo su primera obra en el año 2012 y se ha mantenido publicando discos y EP con regularidad, manteniendo bien centrado su foco en el jazz-prog eclécticamente psicodélico. Yamilov tiene una interesante experiencia en la vanguardia estadounidense, no sólo con composiciones propias y una membrecía en el colectivo THE GREASELAND YOUNGSTERS, sino también haciendo un disco a dúo con el ilustre veterano Henry Keiser en el año 2022. El colectivo de SUMDEUS se completa con Tom Weeks [saxofones], Nima Hafezieh [teclados], Kazuto Sato [bajo y contrabajo] y Patrick Talesfore, Jr. [batería]. “Somedays” es el nombre del disco que este ensamble publicó el primer día de marzo del presente año 2024; aquí se muestra un vergel de jazz-rock, improvisaciones de núcleo psicodélico, space-rock y exploraciones inspiradas en la tradición del free jazz. El material contenido en “Somedays” fue grabado en los Sharkbite Studios de Oakland, con la ulterior mezcla siendo realizada en The Noise Shop, otro estudio de Oakland. La masterización estuvo a cargo de Robert Rich. Por su parte, el arte gráfica es de Nick Ross. Bueno, vamos ahora a los detalles del repertorio contenido en “Somedays”.
 

‘Nice Little’ inicia el rumbo de las cosas con una declaración de principios sobre la importancia de los jams a la hora de estructurar ideas musicales a lo largo del camino. La patente agilidad con la que se mueven los aportes de los diversos instrumentos resulta esencial para la configuración y la concreción de un entramado sonoro vitalista y festivo. Hay una alegría que motiva el armazón de fuentes expresivas para los sucesivos solos de saxo, sintetizador y guitarra sobre un swing genuinamente enérgico, el mismo que se intensifica en el último tercio. A continuación, llega el turno de ‘Big Pat’s Beat’, que tiene un groove un poco más reposado y un señorío más imponente, concretando una peculiar elegancia para la confluencia entre jazz-rock y psicodelia progresiva. El rol de los teclados es crucialmente protagónico. Lo que suena aquí es como un híbrido de NATIONAL HEALTH, WEATHER REPORT y EMBRYO con añadidos matices contemporáneos que se sienten afines a ZOPP. El asunto se enfila hacia temas cada vez más extensos al pues el tercer tema del disco dura alrededor de 16 ¾ minutos; su título es ‘Mirage’ y su función consiste en asentar una expansiva dilatación del fragor sonoro propio del ensamble dentro de un enfoque intensivamente fastuoso. Todo empieza con un intenso juego de formas libres con clara raigambre en el jazz experimental: las florituras del saxo, los retazos distorsionados de la guitarra y las indicaciones anarquistas de la batería triangulan el despliegue de surrealismo deconstructivo. A poco de pasada la frontera del octavo minuto, se delinea un groove elegante y exóticamente grisáceo que tiende puentes entre WEATHER REPORT y FIRE! con aumentados matices del SUN RA de 1978. A través de los constantes devaneos y virguerías del saxofón, en algún momento asume el protagonismo la guitarra, la cual despliega las que tal vez sean sus intervenciones más electrizantes de todo el álbum; es así que el bloque sonoro adquiere un nervio renovador mientras el esquema sonoro en curso va reforzando la senda tomada para estos últimos minutos. 

Hemos disfrutado de dos cénit espectaculares del álbum en sucesión directa, pero todavía queda la monumental maratón ‘The Confluence Of Creation’, la cual ocupa un espacio de casi 29 ½ minuto. Su misión es la de llevar las vibraciones masivamente épicas de la pieza precedente hacia una dimensión más misteriosa, haciendo que lo fastuoso retuerce algunos de sus potenciales fulgores. Esto es necesario debido a que el ensamble decide explorar con inaudita profundidad sus inquietudes más vanguardistas. Esto se hace muy claro a lo largo de la extensa primera sección que se adentra en territorio deconstructivo al modo de un SUN RA de la etapa 1970-74 contaminado por matices de los HENRY COW del tercer álbum y los legendarios ANNEXUS QUAM. Las aleatorias combinaciones e interconexiones instrumentales alternan la lógica de las expansiones libres con la de las ondas circulares crecientes, apelando a una espiritualidad inquieta y enérgica que no llega a hacerse ominosa pero que, al fin y al cabo, está en las antípodas del relax espiritual. Una lucidez de fulgores impredecibles va avanzando hacia la frontera del noveno minuto, cuando las tensiones se elevan hacia un área de explosiva neurosis. Esto es seguido, alrededor de la frontera del minuto 13, por unas texturas cósmicas que abren el camino para un solemne riff de guitarra que, a su vez, motiva un señorial ejercicio híbrido de krautrock a lo AGITATION FREE y avant-jazz afín al legado de KEITH TIPPETT. Para la sección epilogar, se genera un relajante jam de jazz-fusion de la vieja guardia. Como balance final, “Somedays” es un disco que merece ser apreciado como una exhibición de enérgicos y versátiles esquemas musicales para la gloria de la actual escena progresiva estadounidense. Recién descubrimos la obra de SUMDEUS y los diversos trabajos colaborativos en los que ha estado embarcado el guitarrista Rome Yamilov, y realmente estamos bastante sorprendidos con este mundo tan vitalista que se nos va revelando poco a poco. Esta obra de SUMDEUS para el año 2024 es totalmente recomendable en cualquier buena colección fonográfica dedicada al género progresivo.

 
 
Muestras de “Somedays”.-
Big Pat’s Beat: https://sumdeus.bandcamp.com/track/big-pats-beat
Mirage: https://sumdeus.bandcamp.com/track/mirage

THE STARGAZER’S ASSISTANT: el fuego inglés de la vanguardia rockera contemporánea

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Ha tardado un poco esta reseña, pero ya se concretó para su publicación en este blog; bueno, hay que aclarar honestamente que esta reseña en realidad ha tardado bastante, pero bueno, la cosa es que ya está aquí. El disco que hoy nos convoca es “Fire Worshipper” de THE STARGAZER’S ASSISTANT, colectivo inglés conformado por David J. Smith [batería, percusión,teclados y efectos], David J. Knight [guitarras, teclados y efectos] y Michael J. York [vientos, grabaciones de campo y efectos]. “Fire Worshipper” se publicó el 3 de febrero del pasado año 2023 por el sello británico House Of Mythology en vinilo y por el sello polaco Zoharum en CD, siendo una estupenda  hibridación de post-rock, avant-prog, minimalismo electrónico y psicodelia posmoderna. Se trata del cuarto trabajo de estudio de este grupo fundado por el músico y artista plástico David J. Smith, quien es miembro histórico de GUAPO y actualmente lidera THE HOLY FAMILY (estupendos puntos de referencia para un currículum que también incluye membrecías en MIASMA AND THE CAROUSEL OF HEADLESS TORSOS y AMAL GAMAL ENSEMBLE). De hecho, York también es parte del pertsonal de THE HOLY FAMILY. El origen específico de THE STARGAZER’S ASSISTANT no fue con la idea de dar origen a un grupo nuevo. En realidad, se trató inicialmente de una congregación de músicos que grabó música incidental para una exhibición multimedia de imagen y música de Smith, y una vez publicada en el año 2007 en el disco “The Other Side Of The Island”, el resultado fue tan satisfactorio que se decidió que tenía que ser el primer disco de un nuevo grupo. Y ahora estamos en el tiempo de “Fire Worshipper”. El finlandés radicado en Londres Antti Uusimaki se encargó de la mezcla y la masterización del disco que ahora reseñamos, además de colaborar un poco al sintetizador. Bueno, pasemos ahora a los detalles estrictamente musicales de “Fire Worshipper”.

 

Con el breve preámbulo ‘Agni’, que consta de una serie de capas minimalistas de sintetizador desplegadas en una agitación abstracta, se inicia un álbum que tiene en ‘Shamash’ su primer desarrollo musical propiamente definido. Este segundo ítem despega desde el minimalismo inquietante del prólogo antes mencionado y se eleva hacia una exhibición de lúcidas ensoñaciones que se articulan sobre una cruza de ambient y chamber-rock por vía de una densidad rotunda. Esta densidad se reviste de misteriosa elegancia merced a los aportes conjuntos de brisas sintetizadas, percusiones reales y cibernéticas, vientos étnicos y ornamentos corales surrealistas. ‘Ishum’ sigue a continuación para poner en el centro protagónico a los vientos étnicos, los cuales ahora se proyectan hacia un colorido telúricamente exuberante. Si en el tema anterior había algunos ribetes oscurantistas que emergían como distantes amenazas potenciales, ahora el esquema sónico es mucho más cálido, desplegando un paisaje gentil y acogedor. Este tema dice mucho en su espacio de menos de 3 minutos. ‘Shalman’ es el tema más extenso del álbum con sus poco más de 14 ¼ minutos de duración. La atmósfera cinematográfica que se vierte aquí da amplio espacio a la elaboración inicial de oelajes inquietantes donde ya se da un abierto coqueteo con lo lúgubre y lo nebuloso. Se nota un ímpetu expresivo en los recursos sonoros que van emergiendo y reforzándose a lo largo del camino, pero ese fulgor no es el de mediodía, sino el de una hoguera situada en medio de un altar preparado para algún ritual arcano donde los peores temores del hombre muestran parcialmente sus fauces con una actitud de inspirar exorcismos. Los alucinados tratamientos vocales y los exquisitos bríos percusivos son muy explícitos respecto a estas imágenes que acabamos de evocar dentro del bloque general. A poco de pasada la frontera del quinto minuto, el ritual ya inicia su sistemática efervescencia, garantizando así el posicionamiento de la energía colectiva. ‘Agneya’ es otra miniatura, esta vez, heredera de los traqueteos misteriosos del tema #2; sus matices grisáceos no son tanto tenebrosos como indicadores de los últimos ecos de la ya terminada celebración esotérica. 

‘Odqan’ es una majestuosa manifestación de lo que ocurriría en un universo paralelo cuando los TANGERINE DREAM de 1973 y los UNIVERS ZÉRO de 1987 unen fuerzas para anunciar un enigma señorial. ‘Ra-Atum’ se enfila hacia un nuevov vestigio de poderosos fulgor, esta vez abriéndose al encanto inmortal del éter del Olimpo para buscar allí un refugio de tranquilidad contemplativa. ‘Shango’ se encarga de cerrar ese momento de distensión mientras remodela el fulgor reinante con un nuevo ejercicio de vibraciones ritualísticas. Esta vez, la conjunción de las gráciles cadencias percusivas y la agilidad expresionista de los vientos étnicos garantiza la instauración de un clima de exótico jolgorio inocente, el mismo que goza el espíritu del niño que se arroja a las vicisitudes del eterno retorno. ‘Arinitti’ es la última manifestación de magnífico esplendor sónico de parte del trío, siendo así que el esquema de trabajo regresa a los juegos de abstracciones misteriosas con una nueva idea-guía, la de la contemplación introspectiva. La serenidad reinante nos lleva por recónditas cavernas y frondosos bosques del yo interior en medio de una oscuridad que, al dejar de ser tenebrosa, se torna extrañamente amigable. ‘Oya’ ocupa los últimos 2 ½ minutos del repertorio y lo hace realizando una renovación del esquema expresivo de ‘Odqan’, incluso con una soltura más distinguida y un tenor más épico. Todo esto fue “Fire Woorshipper”, un manifiesto bastante convincente de la creatividad existente hoy en día en la vanguardia británica desde un lugar específico, la ciudadela de THE STARGAZER’S ASSISTANT. Tenemos aquí un ensamble legítimamente portador del fuego de la experimentación rockera para nuestros tiempos, lo cual es suficiente para hacer bastante recomendable a este disco dentro de cualquier buena fonoteca dedicada a la música contemporánea de talante desafiante. 

 
 
Muestras de “Fire Worshipper”.-
Shamash: https://thestargazersassistant.bandcamp.com/track/shamash-2
Shalman: https://thestargazersassistant.bandcamp.com/track/shalman-2
Shango: https://thestargazersassistant.bandcamp.com/track/shango-2

La naturaleza viva del arte musical, según el maestro DAVE NEWHOUSE

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Tenemos hoy el enorme placer de presentar una excelsa novedad dentro de la vanguardia estadounidense de parte del multiinstrumentista y compositor DAVE NEWHOUSE: él tiene grandes pergaminos grupales desde los tiempos de THE MUFFINS, pasando a tiempos más recientes como integrante de MOON MEN, MOON X, MANNA / MIRAGE y SWELL BROTHERS. Lo que nos convoca ahora es su nuevo disco solista “Natura Morta”, el cual fue publicado el 5 de abril último con un tiraje limitado de 300 CD (además de la habitual descarga en su blog de Bandcamp). NEWHOUSE está equipado con un arsenal de teclados, saxofones alto, tenor, soprano y barítono, clarinetes, flautas, pícolo, flarinet, acordeón, tambores de mano y tarola militar. También hace algunas vocalizaciones. Además, recibe el apoyo de una pléyade de grandes músicos de diversas naciones y generaciones: Sean Rickman (batería), Paul Sears (batería), Jerry King (bajo y trombón), Ángel Ontalva (guitarra), Guy Segers (bajo), Luciano Margorani (guitarra), Mark Stanley (guitarra), John Greaves (canto), Dave Van Allen (guitarra pedal steel), Michele King (canto), Forrest Fang (violín) y Rich O'Meara (percusión tonal y otras percusiones). El material aquí contenido fue mezclado y masterizado por Mike Potter en los Orion Studios, con la excepción de un tema que fue mezclado por Ian Beabout en el estudio ShedSounds. La intervención vocal del grandioso John Greaves fue registrada por Florent Skalli. La autoría de la mayoría de los temas de “Natura Morta” es de NEWHOUSE, siendo el quinto tema coescrito con Greaves, el séptimo, con Rickman y Segers, y el último, con Van Allen.

Los primeros 5 ½ minutos del repertorio están ocupados por ‘XTensions’, una pieza signada por una llamativa agilidad que se deja manejar por un esquema de preciosismos jazz-progresivos; en el punto de arranque, las virguerías del bajo y la batería llenan espacios tremendamente mientras el piano eléctrico indica la base armónica. Para el cuerpo central, el ensamble se encarga de concretar una cruza entre los paradigmas del LARRY CORYELL de la etapa 1972-75 y los SOFT MACHINE de 1974. Estupenda manera de comenzar un álbum, siendo así que la dupla de ‘Moondog Heaven’ y ‘Stinker Wink Takes A Walk’ lo continúa con solventes muestras de versatilidad. El primero de estos temas mencionados se enfila hacia un elegante y gentil ejercicio de vibraciones fusionescas donde el sencillo motif central de teclado y saxo se apoya sobre las percusiones. Los vericuetos de los dos saxos en las instancias finales le dan un giro traviesamente tenso al asunto. En cuanto al segundo de ellos, se trata de una expansión humorística del viejo patrón de THE MUFFINS con su peculiar manera de proponer una simbiosis de jazz-prog a lo Canterbury y avant-prog a lo HENRY COW en la escena estadounidense de aquellos lejanos años 70. La ambientación impulsa una expresividad donde se combinan el espíritu de feria y la algarabía circense bajo un manto de juguetona teatralidad. ‘Slouching Towards Bethlehem’ es la pieza más extensa del disco con su espacio de casi 7 ¾ minutos; también es un cénit indiscutible del mismo. La confluencia entre la exuberancia señorial armada por el encuadre de teclados y percusión tonal y el vigor rutilante emergido alternadamente del saxo y la guitarra posibilitan la gestación de algo explosivo bajo un control inteligente sumamente meticuloso. Los continuos explayamientos de la batería hacen que el intrincado armazón rítmico adquiera una peculiar musculatura en medio de la patente complejidad. El último solo de guitarra guía al bloque instrumental hacia un aristocrático clímax. Esta pieza traduce al arte del sonido el destello de nobles metales en la estructura de un palacio imperial. ‘Same Song Sung’ es la canción donde aparece el canto de Greaves (añadiéndose algunas recitaciones surrealistas). El esquema musical impone un swing llamativo muy propio del jazz-rock de la segunda mitad de los 70: un enclave de frescura lúdica tras la fastuosa e imponente potestad del tema precedente.
 
Con el simple título de ‘Folk Song’ se nos revela una pieza fusionesca centrada en el hermanamientos de múltiples saxos y clarinetes sobre la base de percusiones básicas. El esquema melódico combina lo gitano con lo arábigo, mientras que algunas variantes rímicas aportan una sutil densidad al asunto. Sinceramente, esto nos recuerda a la faceta más misteriosa de MANNA / MIRAGE. El séptimo tema del disco es el que justamente le da título. ‘Natura Morta’ se centra en una labor de recuperación del espíritu de la pieza inicial mientras le añade varios trazos y matices de la sofisticación imponente del cuarto tema. Vuelve a predominar la acentuación del factor Canterburyano, pero también se hacen presentes algunas dinámicas propias del paradigma de WEATHER REPORT pre-1975. ‘Zoom Boy’ se orienta hacia senderos más nebulosos, apelando a climas sombríos que arropan la secuencia armónica con la que se elabora el cuerpo central. La solemnidad sistemática de las orquestaciones de los teclados y los vientos acoge la exuberante vitalidad de la batería mientras se va concretando el crescendo nuclear. Las florituras finales del saxo para la coda añaden una aureola de misterio a la composición. Todo concluye con ‘A Thousand Lands’, una pieza serena y ensoñadora que resuena como una versión jazzera de una balada Floydiana de inicios de los 70 a la que se añaden retazos de TOM WAITS. Todo esto fue “Natura Morta”, lo más reciente que se ha producido en la inagotable fábrica de idear y gestar música grandiosa del maestro DAVE NEWHOUSE, y esta vez, firmándolo con su propio nombre. La vanguardia estadounidense es una naturaleza viva del arte musical gracias a discos como éste. ¡Recomendado al 100%!
 
 
Muestras de “Natura Morta”.-
XTensions: https://davenewhouse.bandcamp.com/track/xtensions
Slouching Towards Bethlehem: https://davenewhouse.bandcamp.com/track/slouching-towards-bethlehem
Natura Morta: https://davenewhouse.bandcamp.com/track/natura-morta

El río jazz-progresivo de los geniales ELEPHANT9 nunca se detiene

 
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Las mejores noticias desde la escena jazz-progresiva para el mes de abril de 2024 llegan de la mano del trío noruego ELEPHANT9 con la publicación de su nuevo disco “Mythical River”, la cual tuvo lugar el pasado viernes 19 del susodicho mes. El trío conformado por el Ståle Storløkken [órgano Hammond L100, pianos clásico y eléctrico Fender Rhodes, sintetizadores MiniMoog, ARP Pro-Soloist y Continuum, mellotrón, celesta y harpsipiano], Nikolai Hængsle [bajo] y Torstein Lofthus [batería y percusión], como es habitual, vio publicado su nuevo trabajo por el sello Rune Grammofon tanto en CD como en vinilo (formatos negro y blanco, para elegir). Lo que notamos en este disco, en líneas generales, es una síntesis efectiva y versátil de las estructuras sonoras exploradas en  “Greatest Show On Earth” y “Arrival Of The New Elders” (de los años 2018 y 2021, respectivamente), dándole algunos trazos de vigor nuevo en algunos pasajes específicos. Como es habitual, Storløkken es el autor de todas las piezas aquí contenidas. Mattias Glavå fue el encargado de la ingeniería de sonido en las sesiones de grabación, además de la ulterior mezcla. Veamos ahora los detalles estrictamente musicales del disco.  
 

Curiosamente, el repertorio de “Mythical River” comienza ‘Solitude In Limbo #2’ y termina con ‘Solitude In Limbo#1’. ‘Solitude In Limbo #2’ exhibe en poco más de minuto y medio de efluvios ensoñadores que algo tienen del patrón de VANGELIS de la etapa 1979-83 y de las exploraciones cósmicas de JAN HAMMER. Parece más paradisíaco que liminal, aunque posiblemente hay que describirlo como misteriosamente introspectivo. De esta manera, se abren las puertas para el arribo de la pieza titular, la cual dura 8 minutos y pico. ‘Mythical River’ se centra básicamente en una combinación de la faceta más etérea del así llamado Canterbury (GILGAMESH, NATIONAL HEALTH) y el aspecto más sereno del discurso avant-jazzero de unos EXMAGMA; el grupo es totalmente experto en esto último y, de hecho, se hacen notar los ecos estilísticos del disco precedente. Los fraseos del órgano y los ornamentos sintetizados se derraman delicadamente sobre el arquitectónico esquema rítmico durante la primera sección, siendo así que más adelante se da un recurso de amplificada sofisticación que, sin alterar un ápice del groove general, añade un colorido extra. Todo un cénit del álbum desde tan temprano, y acto seguido llega el turno de otro, ‘Party Among The Stars’. Su enfoque es más muscular y extrovertido que el del tema homónimo, algo que permite a la banda explorar su faceta más fulgurosa. El esquema sonoro es muy vivaz, en líneas generales, aunque poco antes de pasar por la frontera del tercer minuto y medio, el trío baja un poco los decibeles para elaborar un llamativo crescendo donde se retoma el motif central con un vigor renovado. ‘Chamber Of Silence’ se basta con su espacio de menos de 3 minutos para exhibir una noción melódica marcada por una sosegada espiritualidad, la misma que se deja arropar por una etérea atmósfera psicodélica en sus instancias finales. ‘Heading For Desolate Wastelands’ también es una composición sosegada, pero esta vez se trata de una exploración en climas crepusculares signados por coqueteos con un minimalismo grisáceo, aunque la pieza no tarda mucho en animar un poco su jam central. Los ornamentos de mellotrón y las puntuaciones del bajo apelan a la faceta enardecedora del Crimsonismo. Las confluencias con las estrategias que usan otras bandas como FIRE! y RED KITE para crear atmósferas tan inescrutables como cautivadoras son fáciles de advertir.

  

 
‘Star Cluster Detective’ vuelve a apelar a la faceta ágil del trío a la hora de gestar su enfoque sonoro y su esquema compositivo. la vivacidad en curso es manejada con una elegancia sublime mientras los retazos de órgano y sintetizador ornamentan el groove sustentado por el piano eléctrico. Hay varias intervenciones de la batería que se acercan al motorik de NEU!, y mientras tanto, los teclados elaboran los que tal vez sean los parajes más exuberantes aportados por Storløkken en todo el disco. ‘Cavern Of The Red Lion’ sigue a continuación para remodelar el colorido de la pieza precedente y añadirle elementos de grácil densidad que ya hemos encontrado en el tercer tema del álbum. De esta manera, el trío se enfoca en concretar una estilizadamente compleja ingeniería jazz-progresiva donde su peculiar sentido del color y la luz en el arte del sonido halla una estupenda concreción. He aquí un gran ejemplo de la gallarada fastuosidad de la que es capaz la gente de ELEPHANT9, gestora de rutilantes enclaves como éste. Hasta cierto punto, se nos viene el recuerdo del segundo volumen de “Psychedelic Backfire” (del año 2019). Pero todavía queda un poco más. Tal como dijimos en el párrafo anterior, ‘Solitude In Limbo #1’ cierra el álbum; dicho sea de paso, dura prácticamente lo mismo que la miniatura que lo abrió. La ambientación es la misma, pero el nervio plasmado por las capas del órgano le da un nervio adicional, algo que deja huella a pesar de lo efímero de este ítem final. Ésta es la nueva obra magna que nos brindan ELEPHANT9: “Mythical River” es un disco excelso y refinado que sólo merece elogios. A pesar de su relativa brevedad (no llega a los 40 minutos de duración), debe ser recomendado al 300% dentro de cualquier fonoteca dedicada a la música ingeniosa de ayer y hoy: un 100% por cada integrante del grupo.

 
 
Muestras de “Mythical River”.-
Mythical River: https://elephant9band.bandcamp.com/track/mythical-river
Party Among The Stars: https://elephant9band.bandcamp.com/track/party-among-the-stars
Cavern Of The Red Lion: https://elephant9band.bandcamp.com/track/cavern-of-the-red-lion

HAWKWIND: surcando nuevos espacios en un tiempo nuevo

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

El legendario grupo británico HAWKWIND vuelve al ruedo rockero con su nuevo trabajo fonográfico “Stories From Time And Space” el cual sucede por un año al excelente “The Future Never Waits”. Este nuevo álbum que fue publicado a inicios de abril en CD y en doble vinilo por vía del sello Cherry Red Records es también notable, lo adelantamos, pero por ahora nos centramos en los detalles técnicos. La entidad de HAWKWIND se mantiene vigente con la actualmente firme alineación de Dave Brock [guitarras, teclados, sintetizador y canto], Richard Chadwick [batería y percusión], Magnus Martin [guitarras, teclados, sintetizador y canto], Doug MacKinnon [bajo] y Tim “Thighpaulsandra” Lewis [teclados y sintetizadores principales]. El saxofonista polaco Michael Sosna colabora en uno de los temas del disco. Siendo Brock el autor o coautor de casi todo el material contenido aquí, es de apreciar que un señor que va a cumplir 83 años en agosto próximo se mantenga lúcido y enérgico como para preservar la senda artística de HAWKWIND con nuevo material y nuevas giras. Claro está, el rol proactivo de sus compañeros de viaje en los arreglos resulta fundamental para que el grupo, como un todo orgánico y perfectamente articulado, siga actualizando su propia magnificencia. Kris Tait, la esposa desde hace muchos años del Sr. Brock, sigue siendo la mánager de la banda y la principal organizadora de los conciertos y las sesiones de grabación (por un tiempo, también fungía como bailarina, mima y tragafuegos en los conciertos). Si “The Future Never Waits” recibió tantos elogios en el año 2023 por su manera tan ingeniosa de replantear la esencia histórica de la banda, lo mostrado en “Stories From Time And Space” da claras señas de que el ensamble actual está muy diáfanamente compenetrado en torno a la misión de generar nuevas estrategias dentro de un enfoque que sigue siendo space-rockero. Como detalle curioso, el nuevo álbum fue masterizado en los míticos Abbey Road Studios. Desde inicios del presente mes de abril, HAWKWIND está realizando una gira de promoción de este nuevo disco, cuyo repertorio repasamos a continuación.

El tema que inicia las cosas es ‘Our Lives Can’t Last Forever’ y su aura ceremoniosa establece una grácil cruza entre el señorío contemplativo de los PINK FLOYD de la etapa 1973-75 y el vigor estilizado de los PORCUPINE TREE de inicios del milenio. Bajo un manto cósmico se despliega una musicalidad razonablemente serena donde reina una aureola reflexiva. Las vibraciones rockeras se agitan un poco con el arribo de la segunda canción, titulada ‘The Starship (One Love One Life)’. Su línea de trabajo se centra en la inoculación de un llamativo groove jazz-rockero en los cimientos de la expansión psicodélica de ribetes futuristas que se diseñó para la ocasión. He aquí un encuentro entre los OZRIC TENTACLES de 1989 y los propios HAWKWIND de 1977. El extenso solo de guitarra merece una mención especial por el dinamismo individual que aporta al bloque sonoro general. ‘What Are We Going To Do While We’re Here’ comienza con un enfoque instrumental muy lírico y con algunos tintes fusionescos flotantes (un poco en línea con QUANTUM FANTAY y VESPERO); en su segunda mitad, vira hacia una expansión rockera intrépida y contundente que hace que la elegancia anterior adopte un revestimiento más plenamente ácido. La coda introspectiva redondea la faena magníficamente. The Tracker’ es una pieza eminentemente cañera, muy fiel al paradigma histórico de la banda, añadiéndose un toque más contemporáneo en las capas y ornamentos de los sintetizadores. Tres cénit sucesivos. La miniatura ‘Eternal Light’ exhibe unos flotantes retazos de sintetizador que se emparentan con la línea de trabajo de los TANGERINE DREAM de 1975, y es a partir de allí que emerge ‘Till I Found You’, una hermosa y gentil canción que comienza ubicándose sobre un medio tiempo para luego explayarse sobre un compás intenso cuya soltura se contagia inmediatamente a los guitarreos y las pulsaciones del bajo. El fade-out llega demasiado pronto mientras el sintetizador delinea un hermoso solo que se condice con las agitaciones celebratorias de la parte central de la canción, pero es que llega el turno de ‘Underwater City’, un cautivador instrumental de corte bucólico donde la guitarra acústica proyecta unos aires pastorales con base barroca. Las flotantes orquestaciones de los sintetizadores aportan una oportuna tonalidad lisérgica al asunto. 

‘The Night Sky’ es otro instrumental que, a diferencia del anterior, expone una vivacidad señorial de corte cinematográfico, explotando a cabalidad el potencial envolvente de las orquestaciones y mantos de los sintetizadores; en algún momento, ciertos ornamentos percusivos marcan un ritmo marcial con razonable sutileza. Lo épico regresa de lleno al frente con ‘Traveller Of Time & Space’, una pieza cuya estrategia estructural recibe impactos estilísticos de los temas #2 y #3, aunque con un manejo más medido de la vitalidad rockera. Los arreglos rítmicos y el esquema melódico básico emanan ciertos aires exóticos; además, está bien manejada la convivencia entre guitarras acústicas y espirales sintetizadas, siendo así que los arreglos corales refuerzan el carácter benévolo de la pieza. Para el último tercio, la canción adopta una actitud suntuosa que permite al motif central asumir una policromía aumentada. Otro momento culminante del disco. ‘Re-generate’ empieza manejando una atmósfera cósmica misteriosa y prosigue con la instauración de un jam reconocible bajo la cruza de jazz-fusion y space-rock. El rol de los diversos teclados actuantes consiste en mantener un fulgor operativo mientras las delicadas florituras de los pianos y las líneas del bajo se asocian en una mágica exuberancia, una que hasta algo de sensual tiene. La miniatura ‘The Black Sea’ instaura otra exhibición de capas flotantes, siendo así que su principal función es la de abrir la puerta a ‘Frozen In Time’, el siguiente ítem. Esta canción es una bien delineada semibalada prog-psicodélica cuya pasión rockera se filtra a través de una aureola contemplativa. En un momento de despiste, podría confundirse con una canción de algún disco de PORCUPINE TREE entre 1999 y 2002. ‘Stargazers’ es el refinado instrumental que cierra el repertorio perpetuando el talante contemplativo de la canción precedente reactivando el aura ceremoniosa con la que había comenzado el disco. Eso sí, se nota aquí una mayor dosis de sofisticación sónica merced al uso de un groove propio del discurso del jazz-fusion, como si se insertara algo intermedio entre RETURN TO FOREVER y PASSPORT dentro de la ingeniería musical diseñada para la ocasión. Las florituras del piano eléctrico y los implementos percusivos brindan un cariz aristocrático a este postrero vuelo cósmico. 

Todo esto fue “Stories From Time And Space”, una contundente y concreta prueba de que la voz de HAWKWIND sigue resonando fuerte en la avanzada rockera del space-rock progresivo con una intensidad que casi iguala a ese periodo 1970-75 que se suele catalogar como su edad de oro. Los Sres. Brock, Martin, Lewis, MacKinnon y Chadwick merecen tener un lugar en los mejores estantes de colecciones de rock y también merecen nuestras palabras de agradecimiento por su creatividad y su esmero a la hora de gestar esta nueva obra fonográfica. 

Muestras de “Stories From Time And Space”.-
The Starship (One Love One Life): https://hawkwindofficial.bandcamp.com/track/the-starship-one-love-one-life

What Are We Going To Do While We’re Here: https://hawkwindofficial.bandcamp.com/track/what-are-we-going-to-do-while-were-here

The Tracker: https://hawkwindofficial.bandcamp.com/track/the-tracker
Traveller Of Time & Space: https://hawkwindofficial.bandcamp.com/track/traveller-of-time-space
Stargazers: https://hawkwindofficial.bandcamp.com/track/stargazers

El telar progresivo del grupo noruego 35 TAPES

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy se da la ocasión de presentar el tercer disco del grupo noruego 35 TAPES, el cual se publicó a mediados del mes de octubre del pasado año 2023; el título del disco en cuestión es “Fabric Of Time” y el sello editor es Apollon Records (usando formatos de CD y vinilo). La alineación vigente de 35 TAPES consta de Morten Lund [guitarras de 6 y 12 cuerdas y lap steel, Gizmotron, Mellotrón, pianos acústico y eléctrico, órgano, sintetizadores Moog Sub 37, Roland Juno-60, Moog Matriarch, Shahi Baaja y Korg Polysix, voz y coros], Jarle Wangen [bajos con y sin trastes, guitarras de 6 y 12 cuerdas, voz y coros], Jo Wang [órgano, piano, sintetizadores Moog Sub 37, Moog Matriarch, Mellotrón y Therevox], Andreas Eriksen [percusión, batería, piano, sintetizadores Roland SH-5 bass, Yamaha YC 45 organ y Roland 808] y Kai Lundewall [batería y coros]. Ocasionalmente, el grupo contó con las colaboraciones del cellista Tov Ramstad y la cantante Anneli Drecker. El estilo de la banda se centra en una equilibrada cruza entre estándares del retro-prog y el así llamado neo-prog con algunos añadidos toques de psicodelia de inicios de los 70 que, debemos admitir, resulta muy común en grupo que utilizan teclados de vieja generación en su arsenal. Admitimos que llega un poco tarde esta reseña, pero que conste que cualquier elogio sobre el disco que ahora comentamos es honesto. El materical contenido en “Fabric Of Time” fue grabado en el Frydenlund Studio de Oslo, estando Morten Lund en el rol de productor. Yvonne Fagervoll se hizo cargo del arte gráfica, mientras que el baterista Kai Lundewall elaboró el diseño gráfico. Bueno, veamos ahora el repertorio de este álbum.  
 

‘Whistle For The Wind’ ocupa los primeros 8 ½ minutos del disco y no puede tener un inicio más magnífico con esas elegantes cadencias en 7/8 que sustentan un exquisito despliegue de vibraciones rockeras. Ya al llegar el motif cantado, las cosas se serenan un poco dentro de una confluencia entre el legado de LANDBERK y el patrón de GAZPACHO más algunos matices de la faceta más introspectiva de THE PINEAPPLE THIEF (en sus últimos discos). La sofisticación progresiva opera sobre un trasfondo de climas flotantes que se instalan en un núcleo de psicodelia gentilmente densa (al estilo de aquellos primeros álbumes de BRIGHTEYE BRISON). Esta canción ya había sido adelantada en un single anterior al disco que ahora comentamos. Luego sigue ‘Crawling’, una pieza amable que deja a los sintetizadores guiar el camino del desarrollo temático y edificar las bases armónicas, siendo éstas las que articulan la alternancia entre lo colorido y lo contenido mientras se van hilando los índices temáticos. Una mención especial merece el interludio protagonizado al alimón por el piano y el mellotrón, un recurso retro-progresivo en medio de una canción que es obedientemente neo-progresiva; de hecho, llega a marcar el tenor de toda la segunda mitad de la canción con el propósito de impulsar un clímax peculiar. ‘Art Of Falling’ es una semi-balada progresiva bastante atractiva que juega con varias atmósferas estructurales, pasando fluidamente desde lo etéreo hasta lo extrovertido. El sobrio manejo de los razonablemente complejos grooves y la persistencia de un dinamismo sereno juegan a favor del recto empleo de las orquestaciones y solos de teclados, además de un evocador solo de guitarra steel. En su último tercio, la canción encapsula una aureola majestuosa que ya se venía anticipando con creces desde el primer momento. Una belleza de canción, realmente, un cénit del repertorio. ‘The Biggest Lie’ se enfila hacia un sendero expresivo más ligero, incluso más asequible, siendo así que su ingeniería sónica recibe ampliamente los ecos de la canción que abrió el álbum. A ésta se añaden algunos aires de los MARILLION de la fase 1995-97.
 

La pieza homónima cierra el repertorio y es también la más extensa del mismo con sus casi 13 ½ minutos de duración. ‘The Fabric Of Time’. En muchos sentidos, esta pieza sustenta sus ambiciosos desarrollos multitemáticos en una mezcla de la suntuosidad sobria del primer tema del álbum con la fastuosidad envolvente,  segundo, mostrando sin tapujos que está diseñada para cerrar el disco a lo grande. El factor retro-progresivo se hace notar más con la finalidad de concretar una aureola aristocrática para la mayor parte de los arreglos instrumentales, lo cual se inicia con un tenor pastoral al modo de un espacio intermedio entre los GENESIS de 1970-72 y los YES de 1972-73. Tras este relativamente amplio momento de serenidad contemplativa, el ensamble vira hacia un desarrollo temático más fastuoso, siendo así que el lirismo reinante se mantiene bajo confines introspectivos a despecho de la intensificación del groove. Hay un breve interludio instrumental de carácter etéreo que prepara el camino hacia la sección epilogar, la cual se enfoca en un replanteamiento más delicado del aspecto general de la segunda parte. La coda utiliza esos mismos ornamentos cósmicos para delinearlos como motif final, lo cual sirve para realzar eficazmente los aspectos más delicados de esta extensa composición. En conjunto, esta canción nos vuelve a remitir a las confluencias con BRIGHTEYE BRISON que también se hicieron presentes antes. Como balance final, “Fabric Of Time” es un disco bastante atractivo que resulta bastante efectivo a la hora de mantener en pie la presencia de 35 TAPES en la élite del rock progresivo escandinavo de estos últimos años. Muy interesante propuesta.

 
 
Muestras de “Fabric Of Time”.-
Whistle For The Wind: https://35tapes.bandcamp.com/track/whistling-for-the-wind
Art Of Falling: https://35tapes.bandcamp.com/track/art-of-falling

The Fabric Of Time: https://35tapes.bandcamp.com/track/the-fabric-of-time

THE ARISTOCRATS: a la caza de una nueva fauna jazz-rockera

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Buenas noticias con el regreso al ruedo de los aristócratas del art-rock. En efecto, el colectivo triádico THE ARISTOCRATS tiene un nuevo disco en este año 2024 que se titula “Duck” y que fue publicado el pasado 16 de febrero por vía del sello BOING! Music (sello de la propia banda). La publicación es en CD, doble vinilo y box set. El guitarrista inglés Guthrie Govan, el bajista estadounidense Bryan Beller y el baterista-percusionista alemán Marco Minnemann vuelven a dictar una cátedra conjunta de dinamismo, vigor e ingenio con este nuevo trabajo de estudio, el primero como trío desde “You Know What…?” del 2019 y a sólo dos años de su disco especial grabado junto a la PRIMUZ CHAMBER ORCHESTRA. El nuevo disco fue grabado en enero de 2023, mayormente en el estudio Carbonite Sound de Ojai, California, aunque los temas #6 al #8 fueron registrados en otros lugares no señalados en los créditos. Forrester Savell estuvo a cargo de los procesos de mezcla y masterización. De por sí, “Duck” se presenta como un disco conceptual que surgió de la forma más casual y graciosa que, en el fondo, es algo que se espera de un grupo tan suelto de huesos como THE ARISTOCRATS. Resulta que Minnemann, al mostrar a sus compañeros la composición ‘Sittin’ With A Duck On A Bay’ (titulada así como parodia del clásico de OTIS REDDING ‘Sittin’ With A Duck On A Bay’), éstos propusieron la creación de una narrativa cómica sobre las aventuras de un pato para que el nuevo disco la tuviese como referente. El pato protagonista, nativo de tierras antártica, disfruta de un rato muy ameno en un club de baile de una gran ciudad y de ahí va a un bar, en el cual no puede disfrutar enteramente de su trago porque lo expulsan de allí a patadas. Para más inri, un pingüino policía se la pasa espiándolo hasta hacerle arrestar de forma abusiva.  Tras escapar, termina conociendo a algunas personas de los bajos fondos, y todo termina con una visita al urólogo donde le hacen una seria revisión médica... Sí, así termina la narrativa. Pasemos ahora al repaso de los detalles estrictamente musicales de “Duck”. 

 

‘Hey, Where’s MY Drink Package?’ da el puntapié inicial a las cosas con un convincente ímpetu impulsado por el robusto swing de la batería. En base a éste, el trío desarrolla un vitalista ejercicio de jazz-rock con aires funky muy al estilo de lo que hacía JEFF BECK. Los aires de júbilo frontal expresados en el motif central nos remiten a cierto parentesco con el patrón de LIQUID TENSION EXPERIMENT cuando algunos ornamentos sofisticados entran a tallar a lo largo del camino con el propósito de insertar algunos recursos de grisácea sutileza. De esta manera, se traza una magia muy especial para el último tercio del tema. ‘Aristoclub’ sigue a continuación para ofrecer un dinamismo acrecentado que se deja sazonar por elementos de ágil neurosis tanto en la dinámica gestada por la dupla rítmica como en el carácter punzante de la mayoría de los fraseos de la guitarra. De hecho, a mitad de camino, la pieza gana en robustez mientras va llenando espacios con su incendiaria energía. ‘Sgt. Rockhopper’ es un bien delineado viaje jazz-progresivo con ribetes prog-metaleros que permite a los integrantes del trío articular sus respectivas fuentes de expresividad y virtuosismo con natural fluidez sobre una compleja ingeniería rítmica. Hay un solo de guitarra que es fabulosamente sobrehumano; también hay un manejo cristalino de las variaciones de swing que tienen lugar, una acción heroica de parte de Minnemann. Cuando llega el turno de ‘Sittin’ With A Duck On A Bay’, el grupo explora un groove funk-jazzero al estilo de los WEATHER REPORT de 1976 y el BILLY COBHAM de 1977 con añadidos matices de psicodelia progresiva debidamente afilados. Opera aquí un aire de sofisticado relax con el que se brinda un aura distinguida al gancho reinante. Los ornamentos de bajo que emergen a mitad de camino son simplemente espectaculares. ‘Here Come The Builders’ comienza con una cita de la famosa composición de EDVARD GRIEG ‘La Mañana’, la sección inicial de su obra de dos suites Peer Gynt. Para THE ARISTOCRATS, se trata de un breve prólogo de connotaciones etéreas antes de que el trío vuelva a las andadas de señorío jazz-progresivo marcado por un jolgorio aparatoso y deliciosamente extravagante. Las simultáneas virguerías de la guitarra y el bajo se complementan consistentemente sobre el razonablemente complejo groove de la batería.

‘Muddle Through’ es una pieza un poco más reposada que la precedente, pero todavía merece el calificativo de vivaz. Sobre un compás de 5/4, el trío arma un suntuoso ejercicio de jazz-rock igualmente informado por los paradigmas de la MAHAVISHNU ORCHESTRA y del inmortal maestro ALLAN HOLDSWORTH con ciertos recursos estilizados que usualmente asociamos al lenguaje progresivo (particularmente, pienso en los STICK MEN). Cuando la batería se queda sola en las últimas instancias, los ruidos de sirenas de cohes-policía añade un toque humorístico al asunto. ‘Slideshow’ es la composición más delicada del disco, estando centrada meticulosamente en la creatividad lírica que se invierte en su desarrollo temático. El espíritu del esquema compositivo mismo es jovial y el swing es genuinamente grácil, pero la exquisita confraternización de los estilizados aportes de cada instrumento actuante brinda a dicho esquema un destello palaciego. El bajo es quien realiza los más llamativos despliegues de virtuosismo técnico en una pieza que sólo exige una muy mesurada dosis de ellos. Cuando llega el epílogo, eso sí, las cosas se tornan más pomposas, al modo de una exaltación ascendente de ampulosas vibraciones, aunque la coda nos recuerda dónde empezó todo. ‘And Then There Were Just Us / Duck’s End’ es el ítem más extenso del disco con sus 9 minutos y pico de duración; dicho sea de paso, muy ingenioso el título con su referencia a los dos primeros discos de GENESIS como trío. Todo comienza como un híbrido entre BRAND X y RETURN TO FOREVER, pero con un enfoque un poco más recio debido a la logística natural del trío; las alternacias entre los diversos pasajes se arman con impoluta fluidez, siendo así que los sutiles son prioritarios. Ciertos ornamentos de bajo añaden una musculatura especial al asunto. A instantes de llegar a la frontera del séptimo minuto emerge un motif progresivo bajo la guía dual de la guitarra acústica y la batería. A partir de allí, el trío arma un enclave sonoro elegante y sedoso. Un gran final para una pieza que sabe ser sorprendente sin excesivos aspavientos.
 

  

‘This Is Not Scrotum’ pone el punto final a las cosas con connotaciones burlescas arropadas por melodías orientales, grooves circenses y climas jovialmente dadaístas, lo cual permite al trío jugar con una refrescante ligereza a la hora de desarrollar un nuevo entramado sonoro. Aquí aparece la ilustre invitada Rusanda Panfili tocando varias pistas de violín. Para el último tercio, el trío remodela los aires festivos de la pieza con una sofisticada agresividad expresiva muy en línea con el paradigma jazz-progresivo. El explosivo final de ‘This Is Not Scrotum’ es el cierre perfecto para el álbum. Como anécdota curiosa, resulta que el título de esta pieza está censurado en la página de Apple Music (no sea que la mención del escroto motive las más horrendas pasiones de los violadores, acosadores, pederastas y demás infames sujetos). Esto es todo lo que se nos brindó en “Duck”, otro referente de elevada e intensa creatividad dentro del impresionante catálogo de THE ARISTOCRATS. Como es habitual, el trío de los Sres. Govan, Beller y Minnemann se ha vuelto a lucir a lo grande para gestar una obra fonográfica que amenaza con erigirse como una de las más notables de este año 2024, el cual aún no termina su primer tercio. Casi una hora de grandilocuencia jazz-rock-progresiva. ¡¡¡Recomendable al 300%!! (Un ciento por cada integrante). 

 
 
Muestras de “Duck”.-
Hey, Where’s MY Drink Package?: https://www.youtube.com/watch?v=JRdEmblvLV4
Aristoclub: https://the-aristocrats-band.bandcamp.com/track/aristoclub
Sgt. Rockhopper: https://www.youtube.com/watch?v=sCbf9eKr16k