HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
Autopoietican - Apuntes de Musica Progresiva Contemporanea
Sigo tan sediento de absoluto como cuando tenia veinte años, pero la delicada crispacion, la delicia acida y mordiente del acto creador o de la simple contemplacion de la belleza, no me parecen ya un premio, un acceso a una realidad absoluta y satisfactoria.
Tuesday, March 19, 2024
JON DURANT: el momento de una serie de experimentos musicales con sus colegas COLIN EDWIN y ANDI PUPATO
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
Sunday, March 17, 2024
PHASE OF TWILIGHT: una excelente novedad dentro del rock progresivo estadounidense del momento
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA
CÉSAR INCA.
Hoy presentamos el nuevo proyecto del
músico y compositor estadounidense Mark Cook. El proyecto se llama PHASE OF
TWILIGHT y, además de tener a Mark Cook a la Warr Guitar, el bajo sin trastes,
los teclados y la percusión, también tiene a Bill Bachman [batería] y John
Galvan [guitarra y pedales Moog Taurus]. Bachman tiene varios años trabajando
con Cook en excelentes grupos como HERD OF INSTINCT y SPOKE OF SHADOWS. Galvan, por su parte, es un músico con formación clásica. El trío
ha publicado recientemente un EP homónimo, más exactamente, el 2 de marzo
pasado. El material contenido en este lanzamiento independiente fue compuesto colectivamente
por el trío, siendo así que las ulteriores labores de mezcla y masterización
estuvieron a cargo del maestro Cook. La bella foto de la portada fue hecha por Anne
Galvan.
Allende su brevedad, “Phase Of Twilight” debe ser valorado como el muy buen disco que es. Mantenemos nuestra atención en este nuevo grupo PHASE OF TWILIGHT para ver qué más hace en el futuro próximo. Su propuesta sonora, siendo tan versátil y potente como es, emerge como una nueva fuerza creativa interesante dentro de la actual escena progresiva estadounidense.
Thursday, March 14, 2024
La cuarta dimensión de los maestros del prog sinfónico japonés ELECTRIC ASTURIAS
Todo esto fue lo que se nos ofreció desde los cuarteles de ELECTRIC ASTURIAS con “Dimensions”, un disco hermoso y refinado que supone una exitosa exploración de la cuarta dimensión musical del mencionado ensamble y un paso más para el camino del escenario prog-sinfónico japonés en este milenio. Un disco muy hermoso y muy recomendable, en pocas palabras.
Muestras de “Dimensions”.-
La Porte De l’Enfer: https://asturias.bandcamp.com/track/la-porte-de-lenfer
Stone Circle: https://asturias.bandcamp.com/track/stone-circle
Fourth Dimension: https://asturias.bandcamp.com/track/fourth-dimension
La Porte De l’Enfer: https://asturias.bandcamp.com/track/la-porte-de-lenfer
Stone Circle: https://asturias.bandcamp.com/track/stone-circle
Fourth Dimension: https://asturias.bandcamp.com/track/fourth-dimension
Monday, March 11, 2024
BONDAGE FRUIT: resurrección de un gran referente del eclecticismo progresivo japonés
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA
CÉSAR INCA.
Hoy tenemos unas muy buenas noticias desde
la vanguardia progresiva japonesa: se trata del retorno de BONDAGE FRUIT tras
un hiato de 19 años. El sello Maboroshi No Sekai publicó el 25 de enero pasado
el séptimo disco de este legendario ensamble de rock progresivo experimental,
el sexto de estudio: su título es simplemente “Bondage Fruit VII”. El colectivo
recurrente de Kido Natsuki [guitarras], Katsui
Yuji [violín], Ohtsubo Hirohiko [bajos], Takara Kumiko [vibráfono y percusiones]
y Okabe Youichi [batería, percusiones y tambor electrónico] reactiva a lo grande el posicionamiento musical de BONDAGE FRUIT en esta fase de resurrección. Este disco supone
una nueva exploración, tras muchos años de ausencia, en su visión musical
aguerrida y dinámica donde se cruzan los patrones del jazz-rock, el avant-prog y la fusión contemporánea; su trayectoria fonográfica que va desde 1994 a 2005 ha dejado grandes
recuerdos en los coleccionistas del género progresivo dedicado a explorar sus matices más experimentales, siendo así que sus tres
primeros discos de estudio y el sexto eran los más habitualmente elogiados. Natsuki
se ha mantenido bastante activo en varios proyectos desde antes de que BONDAGE
FRUIT entrara en su largo receso, especialmente en los grupos KOREKYOJINN y THE
WORLD HERITAGE. Yuji también se ha mantenido ocupado en grupos como el ya
mencionado THE WORLD HERITAGE y TWIN TAIL. Todo el material aquí contenido fue
compuesto por Natsuki, mientras que los arreglos fueron el fruto de la labor
grupal. Las sesiones de grabación tuvieron lugar en el Yatsugatake Hoshi to
Niji Recording Studio en agosto de 2023. La mezcla estuvo a cargo de Uchida
Naoyuki Makisato Lab, mietras que la masterización fue realizada por Mitsukazu
Tanaka en Studio Chatri. El resultado general es el de un magno despliegue de creatividad jazz-progresiva que nos ha dejado una muy grata impresión; este retorno supuso una inquietud sistemáticamente luminosa.
Todo esto fue lo que se nos brindó en “Bondage Fruit VII”, el testimonio de la decisiva resurrección de BONDAGE FRUIT como una entidad activa dentro de la escena progresiva japonesa. La propuesta ecléctica y rotunda de BONDAGE FRUIT nunca fue olvidada y da gusto que podamos volver a hablar sobre ella en tiempo presente. Un disco totalmente recomendable y, sin todavía concluirse el primer tercio del año 2024, podemos asegurar que se impone como una de las obras progresivas más destacadas del momento.
Saturday, March 09, 2024
RICHARD WRIGHT: la renovación de un viejo sueño musical
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
Hoy viajamos al pasado para revisar un disco clásico del art-rock británico de fines de los 70: nos referimos a “Wet Dream”, el primer álbum solista de RICHARD WRIGHT, el teclista histórico de la legendaria banda PINK FLOYD. Originalmente publicado el 22 de setiembre de 1978 por los sellos Harvest (en el Reino Unido) y Columbia (en los EE.UU. y Canadá), “Wet Dream” recibió una reedición remezclada y remasterizada de parte de Steven Wilson en setiembre del pasado año 2023, aproximadamente en el 45to. aniversario de su publicación original. El anuncio de esta reedición se hizo el 28 de julio anterior, justamente la fecha en que WRIGHT hubiera cumplido 80 años (él falleció el 15 de setiembre de 2008, víctima del cáncer de pulmón). WRIGHT, además de cantar, tocó los pianos acústico y eléctrico, el órgano Hammond y el sintetizador Oberheim. Los colaboradores fueron Snowy White (guitarras), Larry Steele (bajo), Mel Collins (saxofones y flauta) y Reg Isidore (batería y percusión). Si bien WRIGHT concretó este primer disco solista más de 10 años después del debut fonográfico de PINK FLOYD (ese legendario disco “The Piper At The Gates Of Dawn”), él ya dio indicios tempranos de ser una fuente de recursos musicales para la banda desde el segundo LP “A Saucerful Of Secrets” con las canciones ‘Remember A Day’ y ‘See-saw’, insertadas en una psicodelia contemplativa con imponente lirismo. En esa línea también están dos canciones pertenecientes a sendos singles posteriores: el lado B ‘Paint Box’ y el lado A ‘It Would Be So Nice’. Esta última canción se emparenta con el paradigma jubiloso de THE BEACH BOYS, pero poco tiempo después, encontramos en la mitad de estudio de “Ummagumma” (1969) un magnífico despliegue orquestal donde se suceden pasajes góticos con otros vanguardistas: la suite cuatripartita ‘Sysyphus’, auténtica declaración de principios sobre cómo se sentía WRIGHT preparado para explorar nuevos caminos de grandilocuencia dentro de la banda. En fin, será con sus aportes como compositor y arreglista de matices y orquestaciones diversas en los clásicos álbumes Floydianos “Meddle” (1971), “Dark Side Of The Moon” (1973) y “Wish You Were Here” (1975) que este señor apuntalará su muy personal sello dentro de la tradición rockera británica de los 70 en adelante. Sus exploraciones de sonidos seguirán adelante en el repertorio del álbum conceptual “Animals” (1977), pero su rol como compositor ya estaba muy reducido, y seguiría reduciéndose en el tiempo que le quedaba de membrecía en las filas de PINK FLOYD. De todas formas, antes de que llegara ese momento, “Wet Dream” sería un testimonio de sus aún existentes energías creativas. El propio WRIGHT fungió de productor para su debut solista: las sesiones de grabación tuvieron lugar en los Super Bear Studios de Berre-Les Alpes, Francia, entre el 10 de enero y los 14 de febrero de 1978, fungiendo John Etchells y Patrick Jauneaud como ingenieros de sonido. El diseño artístico estuvo a cargo de Hipgnosis. Colateralmente, su compañero de banda David Gilmour también grabó su debut solista en ese lugar y se publicó en el mismo año 1978 con el mismo responsable del diseño artístico. WRIGHT es el autor casi exclusivo de toda la música y todas las letras salvo en el caso de la penúltima canción, donde su entonces esposa Juliette hizo la letra.
Por mucho tiempo, el sello One Way Records era el único sello que se había encargado de publicar este disco en CD, y prácticamente estaba descatalogado desde la segunda década del nuevo milenio. Steven Wilson estaba sumamente entusiasmado con la labor a realizar en esta nueva y definitiva reedición. Sus declaraciones para el diario The Telegraph son muy elocuentes: “Quedó enterrado en ese momento; nunca ha habido una campaña
de reedición adecuada que yo sepa. Entonces, si imaginas que hay un álbum
perdido de Pink Floyd de la década de 1970 que nunca has escuchado, esto es
algo así". Añade: “Aquí tenemos un álbum de la década de 1970 que tiene
mucho de ese ADN... hay mucho de lo que asocias con el Pink Floyd clásico,
especialmente a “Wish You Were Here”. El órgano Hammond, los leves acordes de
jazz, su voz... todo está en este disco.” * Los primeros 7 ¾ minutos (o poco más) de
“Wet Dream” están ocupados por ‘Mediterranean C’ y ‘Against The Odds’, dos
temas que instauran varias de las líneas de trabajo a ser desarrolladas en el
disco como un todo. El primero de estos temas mencionados está marcado por la suave parsimonia de los acordes de piano, a los cuales se suma una capa orquestal de sintetizador, la misma que traza el terreno por el que los ornamentos armónicos de teclado y sintetizador se alternan en el enroiquecimiento de la atmósfera general. Cuando entran a tallar los aportes de la guitarra, el aura orquestal ve aumentado su señorío al modo de una cruza entre BARCLAY JAMES HARVEST y el PINK FLOYD de 1975. En cuanto a ‘Against
The Odds’, se trata de una balada progresiva bastante conmovedora donde el lirismo gestado se pone al servicio de las vibraciones contemplativas exorcizadas por el canto de WRIGHT: “We’ve come
through before, / Now we ask for more. / Seems to me we can’t escape at all. / Words
have no meaning, / But, oh, such a feeling. / Can there be a way out of here?”. El fraseo final de la guitarra acústica es grandilocuente... E incluso nos hace desear que la canción durase un poco más, pero llega el turno de ‘Cat Cruise’, que es, lo adelantamos, nuestro tema favorito del disco. Exhibe una manifestación de fastuosidad, contenida pero imparable, a partir del empuje inicial de los dos temas precedentes. En lo básico, se trata de un viaje instrumental a través de elegantes y amables texturas donde el esquema temático, en la segunda mitad, intensifica su encanto con el beneficio que trae la ampliación del swing central; la batería es muy precisa a la hora de agitar las cosas dentro de los bien definidos confines melódicos creados para la ocasión, los cuales se preservan sólidamente bajo un patrón de romanticismo estilizado. La verdad que WRIGHT y sus compinches (en especial, Collins) se destacan en la comunión gestora de una ingeniería musical cristalinamente colorida. Todo un cénit del álbum.
‘Summer Elegy’ ostenta un fulgor particular a la hora de retomar la magia introspectiva que signó a aquellos dos primeros temas del álbum, un fulgor más modesto y, si se quiere, una tonalidad más concisa. ‘Waves’ trabaja con un compás de blues para dar un nuevo giro de tuerca al tipo de envolventes pasajes melódicos y atmósferas serenas que él exploró tan fehacientemente en los discos de PINK FLOYD de los años 1973 y 1975. El rol protagónico del saxofón está apoyado confiadamente sobre los otoñales ropajes fabricados por los teclados (órgano, piano eléctrico y sintetizador) con una actitud cinematográfica. La segunda mitad del repertorio se abre con la pieza más larga del mismo: dura
6 ¼ minutos y se titula ‘Holiday’, siendo otra balada progresiva de corte introspectivo, esta vez conectándose levemente con el paradigma de ELTON JOHN. En esta ocasión, es la guitarra eléctrica quien pone el broche de oro al despliegue instrumental. La letra retrata una turbulencia interior que está en abierto contraste con la etérea calma de las bases de piano y el encuadre grupal. “How was I
to know quite so soon / That dreams can turn a life around. / It seems there is
no single way to live our days / Between these lines. / I know you see a man who’s
not quite sure who he is / Or where he stands.” ‘Mad Yannis Dance’, a despecho de lo que pudiera insinuar la connotación festiva de su título, es un viaje de sonoridades cristalinamente etéreas que se arman dentro de una ingeniería melódica grácil y flotante sobre un compás de vals sinfónico. Los ornamentos del saxo soprano y las percusiones parecen traer consigo una brisa refrescante para el desarrollo temático. Vamos, que algo así no hubiese estado fuera de lugar en “Wish You Were Here”, o en su defecto, en un disco de THE ALAN PARSONS PROJECT, NOVALIS o ELOY.
Cuando llega el turno de ‘Drop In From The Top’, WRIGHT recrea una estrategia jazzera para que el ensamble explore los aspectos más relajados del art-rock dentro de un encuadre palaciego. Tal vez tengamos aquí el mejor solo de White en todo el disco, aportando acentuaciones blueseras a través de un refinado filtro progresivo que lo acerca más a un Martin Barre o un Jeff Beck que a un Eric Clapton. De hecho, su aparición resulta crucial a la hora de potenciar la musculatura del esquema melódico en curso. El penúltimo tema del disco porta el sugerente título de ‘Pink’s Song’: tal como dijimos en el primer párrafo, la letra es de la entonces esposa de WRIGHT. Última balada del álbum, su principal ornamento procede de las hermosas florituras de la flauta. Esta canción cumple con la misión de plantear un momento de relax entre las piezas precedente y subsiguiente. El cierre del álbum llega de la mano de ‘Funky Deux’,
un instrumental metido en la onda del Euro-jazz con ribetes funky (no ajenos a
cosas que aparecen ocasionalmente en la discografía de PINK FLOYD, aunque
también podemos asegurar que hay más cercanía estilística con STEELY DAN). El groove tiene
una soltura sobria y muy bien definida, siendo así que el saxo realiza una
excelente labor: para hacernos una idea de a qué va esto, se acerca un poco a la faceta más serena de los PASSPORT de 1976-80 y un poco más a los FOCUS de 1978. Todo esto es lo que se gestó en “Wet Dream” a fines de los 70 y que no merece ser olvidado: esta reedición del año 2023 puede ayudar mucho a revivir la visión musical individual de RICHARD WRIGHT, un señor que aportó cosas muy relevantes a los PINK FLOYD de las mejores épocas, no dejó de aportar buenas ideas en el periodo post-Waters, y además, cuenta con un puñado de discos solistas más que decentes. Nunca es tarde para recuperar la experiencia de este disco: un mensaje de agradecimiento al más allá para RICHARD WILLIAM WRIGHT (28 de julio de 1943 - 15 de setiembre de 2008).
Muestras de “Wet Dream”.-
Against All Odds: https://www.youtube.com/watch?v=fq081zNXtEQ
Muestras de “Wet Dream”.-
Against All Odds: https://www.youtube.com/watch?v=fq081zNXtEQ
Cat
Cruise: https://www.youtube.com/watch?v=Th-w6ITLQPw
Holiday: https://www.youtube.com/watch?v=KZdevHpzW7s
Funky Deux: https://www.youtube.com/watch?v=PAm9FUyE9ug
Holiday: https://www.youtube.com/watch?v=KZdevHpzW7s
Funky Deux: https://www.youtube.com/watch?v=PAm9FUyE9ug
* El reportaje íntegro de The Telegraph se encuentra en este
enlace: https://www.telegraph.co.uk/music/artists/rick-wright-pink-floyd-wet-dream-2023-feud/
Wednesday, March 06, 2024
THIERRY ZABOITZEFF: un nuevo pasaje en un largo trayecto
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
Hoy tenemos la afortunada ocasión de presentar el nuevo trabajo fonográfico del maestro francés THIERRY ZABOITZEFF, quien además de tener una larga trayectoria solista como compositor y multiinstrumentista, es célebre por haber formado parte por mucho tiempo del colectivo ART ZOYD. “La Passage” es el título del disco en el cual nos detenemos ahora, habiendo sido publicado el pasado 9 de febrero con la coparticipación de los sellos WTPL Music y Monstre Sonore. El maestro ZABOIYZEFF formó parte de esa banda baluarte del RIO francófono que hemos mencionado antes tocando el bajo y el vionocello, mayormente, pero también hizo aportes a las percusiones, los sintetizadores, la guitarra y los efectos de sonido a lo largo de su membrecía, la cual duró entre el tiempo de su álbum debut “Symphonie Pour Le Jour Où Brûleront Les Cités” (1976) hasta “Häxan” (1997), o sea, estuvo allí tanto en la época inicial de centramiento en instrumentos de cámara con ideas surrealistas como en la ulterior etapa de predominio del futurismo maquinista. En su debut solista de 1984 “Prométhée”, ZABOITZEFF se hizo cargo de todos los instrumentos en su propia expansión particular de la fase futurista que se estaba iniciando en el mundo de ART ZOYD, y no fue hasta 1992 que este maestro volvió a lucirse con su segunda obra solista “Dr. Zab & His Robotic Strings Orchestra”. A inicios de los 80, colaboró en un tema de un disco de los legendarios belgas UNIVERS ZÉRO. Volviendo al disco “La Passage”, el buen THIERRY, compositor de todos los temas, ejecuta el bajo, los teclados, el cello, las programaciones y los tratamientos electroacústicos, además de hacer algunas vocalizaciones. El único otro músico es el trompetista invitado Jean-Pierre Soarez. Tras el proceso de grabación, ZABOITZEFF se hizo cargo de la de mezcla y la remasterización. A despecho de su relativa brevedad (no llega a los 35 minutos de duración), “La Passage” es una obra excelente que sabe dar un giro refrescante al ideal inmortal de la música progresiva que apunta hacia sus extremos más vanguardistas.
¿Y por qué decimos que es una obra excelente? Repasemos los detalles del disco para aclarar debidamente nuestra posición. ‘À La Poursuite Du Zoyd’ se encarga de dar el puntapié inicial a las cosas con una exhibición de capas de sonido siniestras donde los ornamentos orquestales y el punzante riff de bajo marcan la pauta para el bien definido motif central. Mientras se van sumando los teclados, la guitarra, los espectrales monólogos y los efectos sonoros, el vitalismo esencial de la pieza va ahondando a paso firme en las vibraciones tensas que brotan de su seno. Los aportes de la trompeta sirven para añadir un elemento fastuoso al asunto. Comenzó con un convincente cénit el disco. A continuación, sigue ‘La Forêt’, que con sus más de 14 ½ minutos
de duración es la pieza más larga de este disco. Un calmo soliloquio (de autoría de François-René de Chateaubriand) nos introduce a un hermoso y sobrio pasaje de piano que pronto es acompañado por unas gráciles armonías de sintetizador, aunque se trata de un breve espejismo, pues pronto nos introducimos en un paraje surrealista donde la externa aureola reposada no puede negar el hecho de que oculta algo inquietante tras su ensimismado telón. Los teclados siguen marcando la senda temática, pero hay algo nuevo en su grisácea parsimonia que se explaya a través de los ruidos de gente que está organizando medidas de movilización. Y es a poco de pasar la frontera del tercer minuto que las orquestaciones de cello se hermanan con el piano para asentar el primer cuerpo central. Ostentando un impresionismo oscurantista que ocasionalmente deja algunos espacios efímeros para la calidez, la pieza va fluyendo a través de cauces expresivos marcados por un ambiente cinematográfico y un aura expectante. El segundo cuerpo central gana en densidad mientras sigue la senda trazada por el primero, mientras que el tercero se habrá de ubicar en un sector intermedio. El clímax final porta una frescura vibrante mientras redondea los recursos más señoriales que se han exhibido en algunos momentos precedentes. Los ruidos de la naturaleza con el protagonismo de los grillos es el epílogo perfecto. Otro momento culminante del disco.
‘Poster Boy’ nos brinda, por fin, una atmósfera amable donde lo lírico predomina con cristalina elegancia dentro de un enclave sónico donde lo electrónico y lo acústico interactúan en una maraña bien articulada.* El cuarto tema
del repertorio lleva el peculiar título de ‘Twisted Zoydian Song’. Algo de la amabilidad expresiva de la pieza anterior persiste aquí, pero se nota que lo que predomina es un retorno a los climas inquietantes (capitalizados por los turbadores arreglos corales). Dado que hay varios pasajes marcados por un llamativo groove cibernético, el asunto no resulta tan tétrico ni tan lóbrego como en las dos primeras piezas del álbum; lo que sí hay es un vitalismo desosegado que, al revestirse de majestuosidad, proyecta un fulgor bizarro. Toco concluye con la pieza justamente homónima,
la misma que ocupa un espacio de casi 5 ½ minutos. ‘Le Passage’ es una exploración de convergencias entre el chamber-rock y la electrónica de inspiración kraut, lo cual hace que el cierre del álbum adquiera un talante cósmico. La gentileza de las líneas de trompeta, los arreglos corales y los sencillos fraseos de guitarra acompañan a las meticulosas bases sintetizadas se abre a los cielos como una fuente de genuino fulgor contemplativo. Todo esto es lo que nos ofrece el veterano e incombustible crack de la vanguardia progresiva radical THIERRY ZABOITZEFF con “La Passage”, un nuevo pasaje en un largo trayecto de aventuras e investigaciones en los terrenos más complejos y osados de la música contemporánea. ¡¡Totalmente recomendable!!
À La Poursuite Du Zoyd’: https://thierryzaboitzeff.bandcamp.com/track/la-poursuite-du-zoyd-extended
La Forêt: https://www.youtube.com/watch?v=o--jnL9JoVU
* Esta pieza fue originalmente compuesta para el film de NATAHLIE BORGERS Fang den Haider.
Monday, March 04, 2024
SEMIRAMIS: la resurrección más allá del final
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
Repasemos ahora los detalles de “La Fine Non Esiste”. Abre el disco ‘In Quel Secondo Regno’, una canción situada sobre un medio tiempo que se maneja con bastante garra rockera, sintiéndose como una estrategia de dar aires Purpleianos a una cruza entre ALPHATAURUS y MUSEO ROSENBACH. El hermanamiento de guitarra eléctrica y órgano resulta crucial a la hora de enfatizar las vibraciones ceremoniosas del motif central, el cual todavía preserva una estilización sinfónica reconocible. El ocasional empleo de un compás en 7/8 y la inserción de un interludio cósmicamente impresionista (incluyendo la recitación de un pasaje del Canto I del Purgatorio de La Divina Comedia de DANTE) ayudan a realzar la sofisticación que opera en medio del nervio rockero. Un
excelente inicio de álbum... o reinicio de la vieja visión musical de la banda,
como se prefiera. ‘Cacciatore Di Ansie’ sigue a continuación con la misión
explícita de capitalizar la fastuosidad heavy-progresiva que se instauró en la canción inicial para mezclarla con una cristalina lucidez melódica que se siente relativamente rayana con el folk-rock. Los momentos de placidez se alternan fluidamente con otros marcados por una solemne densidad, siendo así que estos SEMIRAMIS actuales asientan líneas de confluencia con bandas como LA COSCIENZA DI ZENO, IL BACIO DELLA MEDUSA y NOT A GOOD SIGN. De hecho, se nota un incremento en la versatilidad y el preciosismo vertidos en la edificación de múltiples recovecos temáticos. Un cénit decisivo del álbum. ‘Donna Dalle Ali D’acciaio’ es una canción inspirada en la heroína de los vuelos Amelia Earhart. Comienza con un evocador preludio de piano, vibráfono y guitarra acústica, lo cual prepara el terreno para que la primera parte cantada se acomode dentro de un despliegue sinfónico con elementos pastorales. Eso sí, los arreglos de teclados anuncian un aura sombría que pronto se perfilará a través del uso de un ímpetu rockero contundente. En esta nueva situación, la banda elabora un llamativo intermedio instrumental de matices Emersonianos, el mismo que aterriza en una fabulosa sección cantada final orientada hacia lo festivo. Con esta nueva luz brindanda para el vigor rockero en curso, la canción conquista un excelso clímax progresivo y se alza como otro cénit del repertorio.
Cuando llega el turno de ‘Non Chiedere A Un Dio’, nos reciben unas campanadas y una cautivadora figura de guitarra acústica apoyada sobre unas gráciles capas de sintetizador. De a pocos, el ensamble íntegro arma un groove gentil y vivaz cuyos comedidos matices folklóricos permiten la instalación de un júbilo musical bastante refinado. Es como un matrimonio de YES y LE ORME con factores bucólicos vertidos desde la faceta pastoral de aquel viejo SEMIRAMIS. De hecho, ésta es la canción en que se revive a Frazz, el clown protagonista del disco de 1973, siendo así que la letra gira en torno a la pregunta de si realmente hace falta morir para liberar y curar el alma, y más bien, la música puede swervir como vehículo para esa redención ansiada. Los dos últimos temas del disco duran cerca de 7 minutos cada uno: ‘Tenda Rossa’ y ‘Sua Maestà Il Cuore’ son sus títulos respectivos, y su ilación misma permite al disco completar el realce de sus mejores cualidades estéticas para sus instancias finales. El primero de estos temas mencionados está insrpiado en otra figura de la aviación, el italiano Umberto Nobile: él viajó junto a un equipo de apoyo hacia el Polo Norte en 1928 y su avión se estrelló, salvándose él y unos cuantos del equipo. Comienza con un ímpetu rockero muy en línea con URIAH HEEP hasta que entran a tallar unos quiebres sinfónicos de inspiración Yessiana; a partir de allí, no hay camino de retorno para el despliegue de majestuosos vigor que se ha de plasmar tanto en las líneas vocales como en el expresionista esquema instrumental. A poco de pasada la frontera del cuarto minuto, la pieza vira hacia un clima ceremonioso que se proyecta hacia una fastuosidad romántica, la cual, a su vez, sirve de puente para un solemne epílogo que coquetea con lo introvertido. En cuanto a ‘Sua Maestà Il Cuore’, comienza recogiendo parte del rotundo expresionismo que signó a la canción precedente, esta vez, con un esquema musical menos suntuoso, aunque no por ello, menos vigoroso. A mitad de camino, todo se detiene menos el piano, que abre camino a una sección meditabunda donde el canto parece exorcizar viejas memorias de un tiempo más feliz. Cuando el bloque instrumental entero entra en acción, bajo la guía de la guitarra eléctrica y con el ímpetu provisto por los ornamentos de la batería en el swing en tiempo de vals, la contemplación se convierte en desgarro. En el último medio minuto, la canción regresa al fuego inicial con una dosis extra de sofisticación.
Todo esto fue lo que nos brindó con “La Fine Non Esiste” desde los cuarteles de la reformada entidad SEMIRAMIS, la cual demuestra que ha resucitado a paso firme, contando con suficientes recursos para seguir generando buena música progresiva. Así como lo hicimos en la retrospectiva de aquel viejo disco de 1973, también dedicamos la reseña del nuevo disco a las memorias de Maurizio Carrillo y Giampiero
Artegiano (fallecidos en 2017 y 2019, respectivamente), agradeciéndoles por todo lo bueno que hicieron en nombre del ideal del rock artístico de su país. En sí mismo, este nuevo disco “La Fine Non Esiste” se erige como un referente importante para el rock progresivo italiano de 2024; efectivamente, no existe punto final para el sendero musical de SEMIRAMIS.
Il Caciatore Di Ansie: https://semiramisgroup.bandcamp.com/track/cacciatore-di-ansie
Donna Dalle Ali D’acciaio : https://semiramisgroup.bandcamp.com/track/donna-dalle-ali-dacciaio
Sua Maestà Il Cuore: https://semiramisgroup.bandcamp.com/track/sua-maest-il-cuore
Saturday, March 02, 2024
Dedicado a SEMIRAMIS
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
Hoy realizamos una retrospectiva de una banda italiana de niños prodigio del rock progresivo italiano de los 70s. Nos estamos refiriendo a SEMIRAMIS, quinteto conformado por Paolo Faenza [batería, vibráfono, otras percusiones y efectos de sonido], Marcello Reddavide [bajo, campanas tubulares y efectos de sonido], Giampiero Artegiani [guitarras clásica y acústica de 12 cuerdas, y sintetizador] Michele Zarrillo [guitarras eléctricas y acústicas, y voz] y Maurizio Zarrillo [pianos clásico y eléctrico, órgano Eminent, sintetizador, clavecín y sistro] y cuyo único álbum “Dedicato A Frazz” es uno de los más peculiares y alucinantes que se han hecho durante la primera generación del rock progresivo italiano. El nombre del grupo se dice Semíramis en español, y se corresponde a la legendaria reina asiria Sammuramat, cuya presencia trascendió hasta la comovisión religiosa de Egipto, Grecia y Roma para instalarse como figura mítica, específicamente, como diosa de la fertilidad y la belleza. ¿Y cómo surgió este grupo de inquietos jóvenes absortos en el ideal del rock artístico? Los orígenes de
la banda datan del año 1970, cuando el teclista Maurizio Zarrillo unió fuerzas
con dos primos, el bajista Marcello Reddavide y el baterista Memmo Pulvano, teniendo
todos ellos 15 años de edad. Al año, se incorporó el vocalista Maurizio Macioce (quien se hacía llamar Maurizio Macos),
pero en 1972 éste fue reemplazado por el hermando menor de Maurizio, Michele,
quien también tenía mañana para la guitarra. Cuando se sumó Artegiani
– otro adolescente talentoso que aportaba labores a las guitarras acústicas y
el sintetizador – el ahora quinteto ya estaba preparado para tocar en varios
festivales al aire libre. En uno de ellos compartieron cartel con luminarias
como OSANNA y BANCO DEL MUTUO SOCCORSO; el baterista de este último grupo llegó
a prestar su instrumento a Pulvano. El grupo llegó al año 1973 con el mismo
Pulvano siendo reemplazado por Faenza, un aspecto muy relevante pues,
además de ser muy creativo con la batería, su obsesión con el vibráfono permitió
a SEMIRAMIS enriquecer aún más su espectro sonoro. Y bueno, ya el grupo contaba
con suficientes composiciones propias para llenar un LP: sólo faltaba el
contrato de grabación. “Dedicato A Frazz” es el nombre de ese disco (único
disco) que el colectivo de SEMIRAMIS alcanzó a grabar merced al sello Trident. El productor fue Robert Cunningham. El pintor inglés Gordon Faggeter se encargó de hacer la peculiar y hermosa portada, además del diseño gráfico general. Se trata de un álbum conceptual que narra las peripecias y reflexiones del personaje titular (cuyo nombre se deriva de la unión de las iniciales de los apellidos de los cinco integrantes), un clown que explora todos los matices de la vida urbana y las actitudes de la gente de la calle, que parece ser noble pero, en realidad, esconde bajo sus máscaras de hipocresía sus egoísmos y crueldades, las que llevan al circo donde trabaja a una crisis sin solución. También se va desengañando del modo en que la gente no sabe apreciar las maravillas de la naturaleza, lo cual le hunde en una horrible depresión que le lleva a hacer un examen negativo de su propia condición humana, un sufrimiento que sólo puede acabar con el suicidio. Reddavide hizo las letras de todas las canciones, mientras que toda la música fue compuesta por Michele Zarrillo. Los arreglos y los efectos especiales ya fueron añadidos por todos los integrantes durante el proceso de grabación.
‘Per Una Strada Affollata’ es la pieza que abre el lado B y lo hace recogiendo los ecos del dinamismo de la canción #2 del mismo modo que retoma la extravagancia sistemática de la canción #3, añadiendo refrescantes recursos de diversidad temática. Un motif inicial de inspiración barroca es transportado con aires juguetones y ornamentado por una ágil vivacidad rockera: lo que suena es como una idea perdida del primer álbum de BANCO DEL MUTUO SOCCORSO que ha sido remodelada por IL BALLETTO DI BRONZO. Una vez que todo se detiene de manera cortante, emerge un hermoso y ceremonioso solo de guitarra clásica donde lo introspectivo impone una atmósfera totalmente nueva. Una vez terminada ésta, el grupo regresa al barroquismo travieso filtrado a través de una rotunda acidez rockera, terminando todo con una neuróticamente rabiosa miniatura cantada. “Nel
centro di un mondo lontano dal mondo in cui crede, crede! / È la paura che
scorre nel sangue ma cade davanti palazzi. / Chiudendo la strada e battendo la
porta di casa, casa!” La dupla de ‘Dietro Una Porta Di Carta’ y ‘Frazz’ se explaya en los ecos de fastuosidad y versátil dinamismo emanados de ‘Per Una Strada Affollata’ para hacer que lo sublime se retroalimente eficientemente. El primero de estos temas mencionados comienza con una primera sección marcada por un talante ceremonioso y calmo que se deja arropar por una ambientación razonablemente fastuosa. Su segunda sección se centra en una mezcla de heavy prog y sinfonismo que incluye algunos recursos psicodélicos. En cuanto a ‘Frazz’, se explaya a lo largo de una cuidadosa ilación de atmósferas diversas que van desde un barroquismo electrizante hacia una contemplación bucólica, pasando luego a una neurótica metralla pesada, para luego terminar con un clima sinfónico conmovedor. ‘Clown’ se encarga de cerrar el repertorio del álbum con expansiones de varios de los modismos estilísticos que se han delineado fehacientemente en la secuencia de las cuatro canciones precedentes. Un prólogo expectante anuncia la cercanía del destino fatal del protagonista, abriendo paso poco después a un cuerpo central muy vivaz cuyo aguerrido nervio se instala fluidamente sobre un compás inusual. El epílogo pastoral se deja envolver por una atmósfera grisácea muy afin al conexto funerario del momento. Las gentiles orquestaciones del sintetizador aportan una discreta calidez al enclave instrumental. “Le promesse a
quel signore / Che disprezza un nano stanco, / Che truccato nel suo circo / Piange
e cala giù il sipario. / Ultima luce su un pagliaccio, / Solo al centro di sé
stesso.” La última nota simultáneamente tocada al sintetizador y al vibráfono es la misma con la que comenzó la primera canción del álbum: la idea de un círculo que se cierra dentro de su propia imaginería narrativa.
“Dedicato A Frazz” no fue un éxito de ventas precisamente, aunque SEMIRAMIS mantuvo una actividad productiva en actuaciones en vivo tanto en Roma como en ciudades cercanas. Cuando llegó el año 1974, el grupo pasó por una crisis seria que hizo que el bajista Toni Massarutto y el teclista Giulio Ferrarin reemplazaran a Raddavide y Maurizio Zarrillo, quienes dejaron la banda. La nueva alineación no duró mucho y el grupo terminó resignándose a su disolución antes de que el año 1974 llegase a su ecuador. Michele Zarrillo formó parte de unos IL ROVESCIO DELLA MEDAGLIA que también estaban en sus últimas caminatas, pero no por mucho tiempo. Faenza y Artegiani formaron el grupo pop CARILLON entre 1979 y 1981. Posteriormente, Michele Zarrillo y Giampiero Artegiani forjaron existosas carreras como cantautores y productores de otros artistas del pop; por fin les llegaron la fama y los galardones. Si bien parecía que todo esto era lo que el Dios Destino tenía reservado para la realidad de SEMIRAMIS, la cosa fue muy distinta desde hace algunos años. En efecto, en 2013, Faenza, Artegiani y Maurizio Zarrillo acordaron reformar la banda con músicos nuevos, cosa que se concretó efectivamente al año siguiente. Más aún, en el presente primer tercio del año 2024 ya hay un segundo disco de estudio de SEMIRAMIS en el mercado, pero dejamos esto aquí para hablar sobre ello en otra ocasión. Por ahora, nos limitamos a expresar nuestro agrado por que exista un disco tan excelso y lleno de creatividad como “Dedicato A Frazz”. Dedicamos esta
retrospectiva in memoriam a Maurizio Zarrillo y Giampiero Artegiani, quienes
nos dejaron el 11 de julio de 2017 y el 4 de febrero de 2019, respectivamente.
Un agradecimiento eterno a ellos y a sus tres compañeros de primeras aventuras que aún están entre
nosotros por habernos brindado una obra tan notable dentro del
amplio panorama del rock progresivo italiano de primera generación. ¡Muy bien
hecho, muchachos! ¡No es nada fácil hacer un disco destinado a ser legendario!... ¡¡Y encima, a la primera!!
Muestras de “Dedicato A Frazz”.-
La Bottega Del Rigattiere: https://www.youtube.com/watch?v=8UcjZgt-9OE
Luna Park: https://www.youtube.com/watch?v=T2PVgfv0OR4
Per Una Strada Affollata: https://www.youtube.com/watch?v=dM7Ta_pF17g
Wednesday, February 28, 2024
Sombras y luces de la aventura vanguardista del dúo COLIN EDWIN & ROBERT JÜRJENDAL
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
‘Springunal’ es algo que nos toma un poco por sorpresa pues es un campo de expresión para una tensión renovadora dentro del ideario de EDWIN & JÜRJENDAL. El vitalismo flotante de los desarrollos temáticos futuristas que se van hilando a lo largo del camino reflejan un cuadro sonoro de oscurantismo controlado, algo así como un armazón de 2 o 3 ideas perdidas de UNIVERS ZÉRO que fueron a parar a manos de los TANGERINE DREAM de la etapa 1977-80. Tras este peculiar viaje, emerge ‘Penumbra’, y es justo eso lo que gestan los dos músicos, una penumbra densa donde la tensión de la pieza precedente es reemplazada por una inquietud misteriosa que prefiere explayarse de a pocos en vez de estallar en una fiesta macabra de angustias diversas. No es así la cosa, pues lo que aquí tenemos es un enfoque controlado de un nervioso desasosiego que el intelecto no llega a racionalizar del todo. ‘Shadow Ritual’ se sitúa en un espacio intermedio entre los dos temas precedentes: un trayecto cavernícola donde la exterioridad futurista y la introspección enigmática se intersectan bajo la guía de una serenidad reflexiva progresivamente estilizada. El guitarreo Frippiano ayuda mucho a reforzar el segundo de los factores mencionados. En comparación, ‘Sub
Flow’ resulta más relajado, pues es un ejercicio de parsimonioso space-rock progresivo sobre unas cadencias exóticas y un sencillo motif de inspiración oriental. Una vez más, regresan al frente los resabios de la pieza homónima. El tema encargado de cerrar este repertorio es ‘Back To The Light’, y lo hace recurriendo a la faceta más lírica del dúo. El cautivador centro melódico es manejado con una sutileza bien perfilada (tal vez en coqueteo con el post-rock) mientras las florituras de la Touch Guitar procuran enriquecer el potencial de tonalidades progresivas que guarda dicho centro melódico. Todo esto fue “The Weight Of A Shadow”, una bitácora de excelsas sombras y luces reflejadas en las exquisitas travesías musicales que el colectivo de COLIN EDWIN y ROBERT JÜRJENDAL ha gestado en el susodicho trabajo fonográfico. Muchas gracias a ellos por este estupendo disco que recomendamos en cualquier buena fonoteca abierta a la música vanguardista.
Muestras
de “The Weight Of A Shadow”.-
Cyclic Drift: https://music.colinedwin.co.uk/track/cyclic-drift
Time To Find The Sun: https://music.colinedwin.co.uk/track/time-to-find-the-sun
The Grid: https://music.colinedwin.co.uk/track/the-grid
Penumbra:
https://music.colinedwin.co.uk/track/penumbra
Cyclic Drift: https://music.colinedwin.co.uk/track/cyclic-drift
Time To Find The Sun: https://music.colinedwin.co.uk/track/time-to-find-the-sun
The Grid: https://music.colinedwin.co.uk/track/the-grid
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