DRH: magníficos fuegos artificiales de la avanzada progresiva francesa

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da ocasión de presentar el nuevo trabajo discográfico del grupo francés DRH, el cual está conformado por Alexandre Phalippon [bajo], Josselin Hazard [batería], Danilo Rodriguez [guitarras] y Rémi Matrat [saxofones]. El disco en cuestión es “Ode To A Firework” y fue publicado el pasado 11 de abril. La línea de trabajo de esta banda fundada y afincada en Lyon se sitúa en un sólido híbrido de prog-metal, RIO y jazz-rock experimental; su álbum de debut “Thin Ice” data del año 2018 y ahora tenemos a este disco sucesor como uno de los ítems más interesantes que se han hecho en el área francesa de la actual avanzada progresiva mundial. En poco más de 40 minutos, el colectivo de DRH ha concretado en “Ode To A Firework” una obra enérgica y dinámica; detengámonos en el repertorio contenido en él. 

Todo comienza con la pieza de 6 minutos de duración ‘B. Smith’, la cual pone sobre el tapete varios de los recursos estilísticos de grupo. Todo empieza con unas cálidas líneas de saxo sobre un trasfondo etéreo para, al poco rato, abrir paso a un cuerpo central más filudo que se centra en una combinación de aires exóticos y pesadas vibraciones rockeras; estas últimas se explayan en un arquitectura sónica donde confluyen el prog-metal y el math-rock. A mitad de camino, las cosas se calman bajo un ropaje misteriosamente ceremonioso cuya tensión interna se exterioriza parcialmente a través del neurótico solo de saxofón. El cuerpo central entra a tallar de nuevo para perfilar el final de la pieza como un círculo que se cierra apropiadamente. A continuación llega el turno de ‘Dips’, una pieza que exhibe su fulgor fornido desde el punto de arranque, haciéndolo sobre una base rítmica parsimoniosa. Opera aquí una distorsión metalera del estándar Crimsoniano mientras los diversos pasajes se van hilando a lo largo de una diversidad de grooves. De hecho, cuando el swing se torna más vivaz, un hálito jubiloso se apodera de la maquinaria sonora, lo cual no solo aporta agilidad extra al asunto, sino que también abre espacios para la momentánea irrupción de una refinada sección jazz-rockera. El tercer tema del disco es el que justamente le da título: ‘Ode To A Firework’ se proyecta hacia una serie de encuadres líricos que ostentan convincente la faceta más estilizada del ideario estético de DHR. Bajo la guía del saxofón, el trípode de guitarra-bajo-batería organiza un sofisticado swing de tenor jazz-progresivo. A poco de pasada la frontera del minuto y medio, el grupo arma un ácido motif metalero de genuinas inclinaciones progresivas, siendo así que el saxofón sigue siendo el instrumento situado en el centro protagónico del bloque. Mientras la pieza avanza, el frenesí metalero aumenta su musculatura hasta llegar a un momento de irrefrenable implosión. Tras este volcánico clímax, el grupo regresa al motif inicial con una delicadeza calculada que signa al epílogo de la pieza con un cierto aire ensoñador. 

‘Rage’, el cuarto tema del álbum, se sitúa en un plano contemplativo alimentado por texturas melancólicas tras un prólogo ritualístico centrado en invocaciones vocales y ornamentos de batería. Aún en los momentos cuando emerge un pasaje aguerrido, la espiritualidad melancólica hace sentir su peso, excepto en el epílogo, donde todo aterriza en una asertividad incendiaria. Cabe recalcar que las continuas florituras del saxofón son de las más notables en todo el álbum. ‘Save Us’ se centra mayormente en sintetizar las espiritualidades expresivas de los temas #2 y #3, gestando una afilada frescura donde la garra y el nervio se fusionan en una hoguera sonora moldeada por una exquisitez estilizada al modo de la más meticulosa labor de orfebrería. La labor de la batería se siente particularmente compleja aquí. De paso, se nos revela el que tal vez sea el mejor solo de guitarra del disco (junto al que habrá de aparecer en el siguiente tema). La dupla de los temas ‘U.N.K.’ y ‘Zorgan’ completa los últimos 12 ¼ minutos del repertorio. El enfoque creativo de ‘U.N.K.’ consiste en una capitalización del ígneo vigor propio de la faceta más tensa de la banda con un filtro señorial que se manifiesta en la ilación de todos los virajes y variaciones temáticas que se van sucediendo con impoluta fluidez. En cuanto a ‘Zorgan’, éste se centra en los aspectos más densos de la ingeniería grupal, llegando a sonar tenebroso y lóbrego tanto en el prólogo como en algunas secciones posteriores. El centro temático se apoya en un swing semejante al de los temas #2 y #5; mientras tanto, el saxofón vuelve a explotar sus recursos más neuróticos en la mayor parte de los pasajes donde ocupa el centro protagónico. El último minuto sirve para que el grupo reitere y amplifique el nervio grandilocuente de la pieza precedente. Todo esto es lo que nos brindó desde los cuarteles de DRH con el disco “Ode To A Firework”, una filuda y vitalista demostración de música progresiva expansiva y ecléctica centrada en la musculatura y alimentada por giros versátiles por aquí y por allí. Vale la pena explorar no solo este nuevo disco de DRH, sino también el anterior: totalmente recomendable para valorar la importancia de la escena vanguardista francesa dentro del ideal del rock artístico a nivel mundial. 

Muestras de “Ode To A Firework”.-
Dips: https://drhmusic.bandcamp.com/track/dips
Ode To A Firework: https://drhmusic.bandcamp.com/track/ode-to-a-firework
U.N.K.: https://drhmusic.bandcamp.com/track/u-n-k

TALOS y la mitología del rock progresivo hondureño

 

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Hoy viajamos a Honduras para conocer al grupo TALOS, conformado por José Luis Suazo [teclados Hammond SK-1, Moog Subsequent 25, GeoShred y Velocicy 4+], René Zelaya [batería] y Roberto Chico [guitarras y bajo], así como a su álbum debut titulado “El Primer Androide”. Éste fue publicado en el presente año 2022 por el sello Aurora Boreal Producciones, ubicado en la capital hondureña de Tegucigalpa, tras pasar por un proceso de grabación que tuvo lugar entre noviembre de 2021 y febrero de 2022. Además, el disco tuvo el beneficio de ser difundido virtualmente en el blog de Bandcamp del sello argentino Viajero Inmóvil. El colectivo tripartito de TALOS sustenta su enfoque musical sobre una cruza entre el prog sinfónico tradicional y el jazz-prog de inspiración Canterburyana, añadiendo algunos matices de sinfonismo moderno al encuadre sonoro. “El Primer Androide” es un disco conceptual centrado en la figura de Talos, androide de bronce fabricado por Hefesto con ayuda de los Cíclopes para que fuese entregado al rey de Creta Minos, siendo así que la misión de Talos era la de proteger al lugar de cualesquiera personajes indeseables y peligrosos. Talos cumplía cabal y minuciosamente su misión hasta que tuvo la mala fortuna de toparse con Medea.* No es muy habitual que digamos el que viajemos a Honduras para encontrar y comentar música progresiva, pero lo que nos ofrece el grupo TALOS con éste, su primer disco, realmente vale la pena; de hecho, vayamos a los detalles del repertorio contenido en “El Primer Androide”.

 

La ‘Introducción’ consiste en un monólogo relatado por Yadira Bendaña, el mismo que prepara el terreno para el arribo de ‘Creta’, pieza de 7 minutos que incluye las secciones tituladas ‘Poseidón’, ‘Cnosos’, ‘Los Juegos Taurinos’ y ‘El Palacio De Minos’. Todo comienza con una serie de ornamentos cósmicos de sintetizador que, una vez disueltos en el éter, abren la puerta a un agradable y gentil viaje musical que se sitúa a medio camino entre los paradigmas de YES (etapa 71-72) y TRIUMVIRAT (etapa 75-76). Las bases armónicas del órgano se asientan con persistente claridad mientras los sucesivos solos de sintetizador y de guitarra se van instaurando sobre ellas. A poco de pasada la frontera del cuarto minuto y medio, la agilidad inicial es sustituida por una constricción señorial signada por un groove blues-rockero. Esta variación de swing connota el surgimiento de una aureola grave para el esquema expresivo del trío: así se marca el fin de la pieza. ‘Talos I’ sigue a continuación e incluye las secciones ‘La Fragua De Hefesto’ y ‘El Androide’. Otro preludio cósmico y otro jam estilizado de orientación sinfónica, pero ahora resulta que hay dos novedades respecto a lo que se nos brindó en la pieza precedente: 1) el momento sinfónico ostenta una dosis un poco mayor de nervio, y; 2) a partir del tercer minuto y medio, las cosas se avivan al virar hacia un groove jazz-rockero que nos remite a un híbrido entre los paradigmas de JAN HAMMER y HAPPY THE MAN (y algunas coincidencias con SCHERZOO). La extrovertida suntuosidad que ahora se impone gesta una primera instancia de excelso fulgor sonoro antes de que el epílogo elabore un breve retorno al jam inicial. Un primer cénit del álbum. ‘El Argo’ nos devuelve al patrón de TRIUMVIRAT en base a un medio tiempo cuyo evocador motif central es manejado con gentil docilidad, la cual incluye algunos ornamentos barrocos. ‘Medea’ contiene las secciones ‘Circe’ y ‘La Tecno Bruja’; su función es la de sintetizar el señorío de la pieza inmediatamente anterior y el refinamiento preciosista de ‘Creta’, con lo cual logra plasmar un dinamismo llamativo penetrado por una refinada soltura. El garbo rockero provisto por el solo de guitarra en algún pasaje añade un vigor ígneo al asunto, mientras que los predominantes grooves jazz-progresivos hacen que el cuerpo central establezca una elegancia rotunda. Otro cénit del álbum. 

‘Talos II’ se centra en una dinámica electrónica donde el esquema sonoro envolventemente cibernético nos remite a una cruza entre los GENESIS de la fase 78-80 y VANGELIS. Sus vibraciones modernistas brindan una interesante variante frente al factor sinfónico explorado fehacientemente en los temas precedentes. ‘Una Larga Travesía A Casa’ contiene las secciones ‘En Aguas Del Egeo’ y ‘Amor De Bruja’. El talante inicial de esta pieza es solemne y contemplativo, apoyado coherentemente sobre un solemne medio tiempo, pero más adelante se agiliza con unas coloridas vibraciones prog-sinfónicas que se emparentan muy bien con los patrones Emersonianos y Genesianos. La última pieza del álbum es ‘Talos III’ cuyas secciones son ‘A Las Costas De Creta’, ‘El Robot Y La Bruja’ y ‘Muerte De Talos’. El prólogo se enfila hacia lo electrónico (incluyendo un ritmo programado), lo cual abre camino a un primer cuerpo central enfocado en establecer una síntesis entre las atmósferas predominantes de los temas #2 y #3. Dicha síntesis permanece bien situada sobre un groove ceremonioso mientras los motivos se van hilando a lo largo del camino. A lo largo del último tercio, los matices jazz-progresivos vuelven a entrar a tallar con miras a enriquecer la atmósfera general y armar unas vibraciones especialmente ágiles para sus últimas instancias: un final de álbum bastante efectivo, a fin de cuentas. En poco menos de 40 minutos, “El Primer Androide” nos ha mostrado con plena evidencia que TALOS es una entidad progresiva latinoamericana a la cual hay que prestar atención por mérito de su atractiva apuesta musical en nuestros tiempos. No es mitología, es una realidad concreta que existen en estas tierras centroamericanas muchas agradables sorpresas progresivas por descubrir y disfrutar.... Y TALOS es una de ellas. 

Muestras de “El Primer Androide”.-
Talos I: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/talos-i
Medea: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/medea

Una Larga Travesía A Casa: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/una-larga-traves-a-a-casa

* La historia detallada es como sigue: “El autómata disponía de una larga vena que bajaba del cuello a los tobillos, en su talón, un clavo de bronce aseguraba la vena en la cual circulaba el icor, la sangre de los dioses que le daba la vida.
Talos, cada día, daba tres vueltas a la isla, arrojando piedras y hundiendo a las naves enemigas que se acercaban; si esto no era suficiente, encendía su cuerpo metálico y abrasaba a los invasores con el calor insoportable de su bronce, aplastándolos contra su pecho al mismo tiempo que ardían.
Habiendo reclamado el vellocino de oro, Jasón y los argonautas se dirigieron a Creta en busca de agua fresca y suministros para continuar su largo retorno a casa. Medea, la poderosa bruja instruida en las artes mágicas por Circe, acompañaba a estos aventureros, principalmente porque estaba profundamente enamorada de Jasón. La susodicha Medea le acompañó durante su cometido durmiendo a la serpiente insomne y entregándole pociones y ungüentos mágicos.
Al acercarse a Creta, Jasón y los argonautas no pudieron desembarcar pues encontraron a Talos en la orilla. Medea, entonces, confundió a Talos con sus hechizos, y prometió hacerlo inmortal si a cambio se arrancaba el clavo de su talón. Engañado por la bruja, Talos derramó el icor de su cuerpo como estaño fundido rodeado de una lágrima y cayó muerto al suelo. Fue derrumbado el primer androide.”

EGG HELMET ENSEMBLE: en el seno de la vanguardia progresiva estadounidense

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Hoy tenemos en nuestras manos el disco debut del grupo avant-progresivo estadounidense EGG HELMET ENSEMBLE, el cual se originó hace poco tiempo desde el seno de otro llamado STOP MOTION ORCHESTRA. El título del disco en cuestión es “Inner World Music” y fue publicado el pasado 15 de julio. El nutrido personal que conforma el EGG HELMET ENSEMBLE está conformado por Sam Arnold [bajo], Braedon Avants [batería], James Brinkley [saxo alto], Henna Chou [cello], Ben DeGain [glockenspiel y vibráfono], Alden Doyle [violín], Leila Henley [saxo tenor], Bob Hoffnar [guitarra pedal steel], Aaron Parks [batería], Alan Retamozo [guitarra], Seetha Shivaswamy [flauta] y Mohadev [guitarra]. La música contenida en este disco fue originalmente compuesta para que se mostrara en unas presentaciones en vivo donde se mezclaran partes compuestas con otras improvisadas baj una estrategia de creación colectiva en tiempo real, pero la pandemia obligó a que se cancelara cualquier concierto. Antes esto, se reorganizaron las cosas para que se hiciera una actuación en vivo en un ambiente casero, la misma que fue grabada y emitida el 20 de diciembre del año 2020. En efecto, esta música tiene un año y medio de persistencia entre su presentación original y su publicación original. Dicha presentación fue posible gracias al apoyo económico brindado por la División de Artes Culturales del Ayuntamiento de Austin. Veamos ahora los detalles de este nuevo repertorio. 

‘Spiritual Negotations’ da inicio a las cosas imponiendo un groove razonablemente vitalista con un talante jazz-progresivo que se condice mucho con las elegantes exaltaciones orquestales al modo del chamber-rock que van emergiendo a lo largo del camino. El desarrollo temático es ostensiblemente sofisticado sin llegar a lo inescrutable, mientras que los matices gentiles aportados por las guitarras, los vientos y las cuerdas asumen una dosis discreta (pero relevante) de densidad expresiva. Opera aquí una cruza entre los mundos de FORGAS BAND PHENOMENA y FAR CORNER con unos añadidos coqueteos con el patrón del así llamado nu-jazz. Muy buen inicio de álbum, sin duda. ‘Mondrian And On’ es el segundo tema del repertorio y su misión es la de establecer una fusión entre el jazz-rock con sensibilidad étnica (un poco a lo SNARKY PUPPY) y el avant-prog de repercusiones evocadoras (en semejanza con UT GRET, MORAINE y la propia STOP MOTION ORCHESTRA). Definitivamente, aquí hallamos una mayor dosis de agilidad expresiva, y dada la presencia de un fuerte factor étnico para el asentamiento del núcleo temático, el bajo cuenta con algunos espacios de lucimiento. También hay unas expansiones disonantes que se destacan en la segunda mitad para instigar un cierto nivel de tensión en medio del señorío reinante y, de paso, trazar el camino hacia el momento final. Se nota que la banda disfruta de este aumento de su musculatura sónica. ‘Synergy’ es la pieza más extensa del disco con sus 9 minutos y pico de duración, y ciertamente aprovecha su espacio para instaurar uno de los momentos culminantes del repertorio. El factor étnico persiste, esta vez, con aires del Mediterráneo y el Oriente Próximo (a diferencia de los aspectos afro-latinos de la pieza precedente) que signan al groove y a la atmósfera central de la pieza. En líneas generales, el mapa conceptual sintetiza la cordial espiritualidad del tema de apertura con las coloridas vibraciones del segundo, siendo así que el ensamble concreta muy solventemente un estupendo paisaje musical donde los instrumentos van añadiendo figuras, tonalidades y sombras sobre un lienzo ágilmente sostenido por el recto pulso ingenieril de la batería. 

‘VoidMind’ vira hacia la faceta más crepuscular del esquema de trabajo del ensamble, plasmando un desarrollo temático de tenor impresionista donde lo brumoso y lo misterioso se dan la mano. El potencial de densidad que se hizo notar leve y brevemente en ciertos pasajes de los dos primeros temas se convierte ahora en el empuje principal del entramado sonoro. El final del repertorio llega de la mano de ‘Sunday Evening (At The End Of The World)’, una pieza bastante gentil que también tiene algo de crepuscular al igual que la precedente, pero esta vez late una espiritualidad relajada y contemplativa que nos remite a una cruza entre la STOP MOTION ORCHESTRA y la PENGUIN CAFÉ ORCHESTRA. La patente sencillez del esquema melódico en curso es muy bien manejada por los retazos orquestales y los solos de guitarra (uno jazzero, otro psicodélico con tendencias Frithianas) que van surgiendo a lo largo del camino, siendo así que estos últimos aportan fecundos recursos de sofisticación al asunto. Todo esto es lo que se nos brindó con “Inner World Music” desde los cuarteles del EGG HELMET ENSEMBLE, un colectivo avant-progresivo que es capaz de decir muchas cosas en un repertorio de menos de 35 minutos.

Muestras de “Inner World Music”.-

Mondrian And On: https://stopmotionorchestra.bandcamp.com/track/mondrian-and-on

Synergy: https://stopmotionorchestra.bandcamp.com/track/synergy

A través de las olas de la vanguardia jazz-progresiva en la nave de los GOGO PENGUIN

 

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Hoy es el turno de presentar el nuevo disco del ensamble británico GOGO PENGUIN, un EP que fue grabado a fines del pasado año 2021 y que recién en el primer día del recién terminado mes de julio fue publicado por la asociación de XXIM Records y Sony. El título de este trabajo fonográfico es “Between Two Waves” y nos muestra un ligero cambio de alineación en las filas de GOGO PENGUIN: el pianista Chris Illingworth y el contrabajista Nick Blacka cuentan con un nuevo colega en la persona del baterista Jon Scott, quien se integró al trío a pocos meses de iniciarse las sesiones de grabación de “Between Two Waves”. El presente año 2022 marca el décimo aniversario de la formación de este colectivo triádico en la localidad de Manchester, y desde entonces, sus discos y presentaciones en vivo han recibido elogios de manera recurrente y entusiasta, y no es para menos, pues su propuesta musical se ha convertido ya en un valioso punto de referencia para el jazz-rock de los últimos años a nivel mundial. El personal técnico que asistió a la banda durante la grabación de este nuevo material consiste en los ingenieros y productores Brendan Williams y Joseph Reiser, con Katie May fungiendo como ingeniero asistente, mientras que Norman Nitzsche se hizo cargo del proceso de masterización. Bueno, repasemos ahora los detalles del breve repertorio de “Between Two Waves”.

Durando 6 minutos y pico, ‘Badeep’ da inicio a las cosas imponiendo un aura etérea y cristalina que se agita de manera muy sutil a lo largo de la bien perfilada interacción entre piano y el contrabajo sobre el impoluto swing de la batería. Aquí hay una exuberancia latente que en algún momento deberá aumentar su propio esplendor inherente, lo cual ocurre, efectivamente, poco antes de llegar a la frontera del segundo minuto; con ello, la pieza se eleva a un clímax envolvente y elegante. A continuación, llega el turno de ‘Ascent’, un tema que se rige bajo la pauta del nu-jazz con suaves matices heredados de la tradición fusionesca de los 70s. Tenemos aquí la cruza perfecta entre el jazz contemporáneo melódico y el legado de WEATHER REPORT bajo el ropaje de una atmósfera cinematográfica. La frondosa labor de la batería resulta particularmente relevante dentro del esquema grupal, el cual está dirigido por los oleajes del piano. Con la dupla de ‘Wave Decay’ y ‘Lost In Thought’, el trío sigue ampliando sus patrones sonoros. El primero de estos temas mencionados se centra en la exploración de elementos modernistas mientras abre espacios para el singular lucimiento del contrabajo. La vitalidad de ‘Wave Decay’ es evidente, pero ésta es manejada con oportuna sobriedad. Esto es algo bastante conveniente dado el hecho de que la sección epilogar está diseñada para que vire hacia un groove crepuscular sin chocar con lo desarrollado hasta el momento. ‘Lost In Thought’, por su parte, resulta ser la pieza más abstracta del EP con sus vibraciones introspectivas y su aureola misteriosa que se sitúa entre lo denso y lo melancólico. Los efectos de sonido naturales y los ornamentos cibernéticos ayudan a gestar esta ambientación general. Todo llega a su conclusión con ‘The Antidote Is The Poison’, la pieza con el groove más complejo de todo el repertorio. Los fraseos básicos del piano y la sofisticada ingeniería rítmica organizada por la batería arman un excelente encuadre sonoro donde el contrabajo puede añadir sus propios colores a los ya aportados por los teclados. Esta exhibición de jolgorio jazz-progresivo establece un adecuado final luminoso para el disco, proveyéndolo, además, de su cénit definitivo.   

Todo esto es lo que se nos brindó con “Between Two Waves” desde los cuarteles de GOGO PENGUIN. Aunque sobre el papel, el espacio de 24 ¾ minutos puede sonar a muy poco, el hecho es que en todo este tiempo no hay un solo desperdicio en ninguna de las partículas de sonido plasmadas a lo largo del repertorio de este EP, y es por ello que, simple y llanamente, debemos sentirnos bendecidos por el hecho de poder disfrutar de otra labor musical bien hecha por el colectivo de GOGO PENGUIN. ¡Que su próxima obra fonográfica se concrete lo más pronto posible!

Muestras de “Between Two Waves”.-
Ascent: https://www.youtube.com/watch?v=LLB-ojE4Ujc
The Antidote Is The Poison: https://www.youtube.com/watch?v=7lpgf29tcos

La agenda krautrockera del maestro sueco NICKLAS BARKER para el año 2022

 

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Hoy volvemos a tener el gusto de visitar el mundo musical del maestro sueco NICKLAS BARKER, quien sigue explorando sus inquietudes electrónicas krautrockeras inspiradas en la tradición de la Escuela de Berlín con un disco solista donde el único arsenal que utiliza consiste en dos Mellotrones, un sintetizador ARP Odyssey y algunas percusiones. Por ahora, este señor se sitúa en las antípodas del paradigma intenso de ANEKDOTEN y de las ígneas vibraciones psicodélicas de MY BROTHER THE WIND, los grupos de rock donde más ha sobresalido. Bien es verdad que su faceta dedicada al minimalismo electrónico no es tampoco un gran misterio si recordamos que él empleó esta estrategia creativa para realizar la banda sonora de la película de terror española El último fin de semana, allá por el año 2011. Además, es integrante del dúo KOSMOGON, que precisamente se dedica a cultivar esta línea de trabajo. El disco que ahora nos ocupa se titula “Epektasis” y fue publicado el pasado 29 de julio, tanto en CD como en vinilo, por el sello Tonbad Grammofon (el mismo que se encargó de publicar el homónimo disco debut de KOSMOGON el año pasado). El material aquí contenido fue compuesto y grabado en el Magic City Studio de Estocolmo y en un estudio doméstico de Åre, a lo largo del mes de setiembre de 2021. Los procesos de mezcla y masterización estuvieron a cargo de Hans Fredriksson en el estudio Klaxon Audio, en abril de 2022; Sophie Linder, su compañera de KOSMOGON, realizó la producción ejecutiva. Los TANGERINE DREAM de la etapa 73-75, el KLAUS SCHULZE de la etapa 74-78 y figuras pioneras del minimalismo como LA MONTE YOUNG y TONY CONRAD son los principales referentes de BARKER a la hora de componer, articular y grabar los seis temas que conforman este nuevo disco. Veamos ahora los detalles de los mismos.

Pletórica de misterioso señorío, la pieza titulada ‘Himlarynderma’ abre el álbum con un despliegue impolutamente etéreo de capas de teclado que van creando una incesante sofisticación de perfil cuidadosamente bajo. Las sutilezas de los flotantes ornamentos que van enriqueciendo el ensoñador desarrollo temático emergen con oportuna delicadeza. Aquí se fusionan la calidez de la primera luz del amanecer y el remanso del incipiente atardecer, estando ambos a disposición de quien usa el arte del sonido para gestar paisajes. Acto seguido, llega el turno de ‘Offret’, un tema levemente más intenso que se centra en establecer una cruza entre lo solemne y lo misterioso, lo cual se nota abiertamente en el sesudo aprovechamiento de las pistas corales de uno de los Mellotrones. Con algunos golpes de campana que emergen en ciertos momentos estratégicos, las vibraciones ceremoniosas se van tornando más densas, siendo así que el bloque de teclados asume un talante fastuoso. Un primer cénit del álbum. BARKER sigue explorando matices dentro del encuadre sonoro diseñado para el álbum cuando llega la dupla de ‘Celest Mekanik’ y ‘Mörkret På Berget’. El primero de estos temas mencionados se focaliza en una atmósfera sobriamente inquietante que parece estar arropada bajo un manto de indescifrable neblina. Esta vez, las capas sonoras no tienen una actitud evocadora, sino que, más bien, entran a tallar con una especie de nebulosa cortedad que gradualmente se va adentrando en lo tenebroso. La lógica del minimalismo está llevada hacia su faceta más espartana y, a la vez, asume un aura especialmente imponente. ‘Mörkret På Berget’, por su parte, traza una continuación de esta vía expresiva hasta cierto punto, pues, si bien esa nebulosidad espartana sigue vigente, ella está siendo ahora manejada con una mayor asertividad. Las vibraciones cósmicas inherentes a este cuarto tema del repertorio se explayan con una actitud muy comedida, aunque no deja de tener algunos aspectos densamente impresionistas en algunos momentos. ‘Kinglande Solar’ establece una síntesis entre la placidez de la pieza de apertura y la densidad impresionista del tema antecesor, dedicándose principalmente a realzar el minimalismo con un ímpetu renovado.

El tema final del repertorio es ‘Klara Skyar’, el cual se enfila mayormente hacia un prístina y ensoñadora serenidad, la misma que es manejada con una majestuosidad elegante que ya habíamos disfrutado en el primer tema del repertorio. De hecho, a poco de pasada la frontera del segundo minuto, los diversos enclaves de los teclados se articulan en una orquestación vibrante y fulgurante. Todos estos recursos expresivos invitan al oyente empático a la contemplación y la autoinspección en clave relajada bajo un manto matutino marcado por una gloria luminosa. El disco termina con otro cénit. Todo esto fue “Epektasis”, un disco que muy bien puede apreciado como un triunfo artístico dentro de la línea electrónico-minimalista de la actual escena vanguardista sueca. También puede ser apreciado como una nueva muestra de cuán versátil es NICKLAS BARKER, una de las figuras más notables e indiscutibles de la escena musical escandinava de los últimos 30 años. Totalmente recomendable este disco que dice mucho en un espacio de poco más de 35 minutos. 

Muestras de “Epektasis”.-
Effrat: https://nicklasbarker.bandcamp.com/track/offret
Celest Mekanik: https://nicklasbarker.bandcamp.com/track/celest-mekanik
Klara Skyar: https://nicklasbarker.bandcamp.com/track/klara-skyar

La elegante pomposidad jazz-progresiva de THE JOHN IRVINE BAND

 

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Hoy traemos a colación el nuevo disco de THE JOHN IRVINE BAND “Psychopomp”, el cual fue publicado de manera independiente el pasado 20 de abril. Este ensamble es bastante reducido, de hecho, pero suena como si su alineación fuese multitudinaria; así de robusto es su esquema sonoro. El líder titular de la banda John Irvine se hace cargo de las guitarras, los teclados y el bajo, mientras que Calum McIntyre toca la batería. Irvine es un talentoso compositor y virtuoso multiinstrumentista británico cuyos estudios musicales comenzaron en los 80s en el Dartington College Of Arts, tras lo cual se concentró en la guitarra clásica, para finalmente estudiar composición en la Universidad de Edimburgo, en los 90s. “Psychopomp” es el quinto trabajo de estudio de THE JOHN IRVINE BAND, siendo el primero “Wait & See”, que data del año 2011. No es la primera vez que IRVINE trabaja a dúo dentro de este proyecto, pero éste comenzó como un trío con Doug Kemp oficiando como bajista. Además, en el tercer álbum de la banda “Metaphysical Attractions” (2018), aparecen un saxofonista y un flautista. Volviendo a “Psychopomp”, este disco fue grabado en diversas sesiones de 2021 y 2022, siendo así que la grabación de las partes de batería tuvo lugar en los Castlesound Studios, el mismo sitio donde Stuart Hamilton se hizo cargo de las labores de mezcla y masterización. Veamos ahora los detalles del repertorio de este disco. 

Durando poco menos de 10 minutos, ‘Changing Worlds’ abre el repertorio a lo grande. Tras unos breves destellos de retazos cósmicos, se abre camino el enérgico primer cuerpo central que impone un groove tremendamente ágil y un colorido temático rotundamente extático. Un poco más adelante, la vitalidad se torna más sutil y comedida sin ceder un ápice del rotundo fulgor sónico que se impuso desde el primer instante; ha sido como pasar de un híbrido de SPECIAL PROVIDENCE y LIQUID TENSION EXPERIMENT al paradigma del Allan Holdsworth de los 90s con añadidos toques prog-sinfónicos provistos por la gama de teclados. Alrededor de la frontera del quinto minuto, el armazón sonoro ya empieza a asentarse bajo una atmósfera serena a fin de ir sembrando el terreno para la que será la irrupción decisiva y definitiva de un nuevo golpe de adrenalina musical. La pieza homónima sigue a continuación para que el ensamble dual siga mostrando más matices de su propuesta: ‘Psychopomp’ se centra en un groove más sencillo en lo estructural mientras juega con una creciente sofisticación en lo referente a la edificación del desarrollo temático, todo ello mientras asume un leve coqueteo con el space-rock moderno. De hecho, esto parece una idea perdida de los QUANTUM FANTAY que fue descubierta y remodelada por PLANET X bajo la influencia de la banda eléctrica de CHICK COREA. La miniatura ‘The Devil’s Work’ despliega una versión más trepidante de la anterior cruza de jazz-rock y space-rock, realzando algunos aspectos pesados que nos remiten, de cierta manera, al estándar del prog-metal. De este modo, se cierra el círculo abierto por la pieza homónima mientras se abre las puertas al arribo del preciosismo sistemático de ‘Esoteric Dimensions’, una pieza llamativa que se apoya enormemente en el gancho de sus virtuosas expansiones jazz-rockeras sobre un compás a medio tiempo. Si bien el rol de la guitarra es bastante relevante en los solos y riffs, son las bases y solos de sintetizador quienes ocupan el rol más protagónico dentro del esquema sonoro. En algunos pasajes estratégicos, el swing se intensifica para generar oportunos recursos de variedad al asunto. ‘Weight Of The Heart’ sirve para que el dúo explore su faceta más lírica, explotando más a fondo la influencia del inmortal maestro Holdsworth mientras la batería elabora el swing más fastuoso en lo que va del álbum. También hay un coqueteo con el avant-jazz durante el solo de batería, cuya emergencia se veía venir. Un cénit muy especial del álbum junto a la ilación de los dos primeros temas.

 
Con la dupla de ‘In A Higher Gear’ y ‘The Melancholy Martian’, el ensamble empieza a manejar las herramientas musicales que ya puso sobre la mesa. El primero de estos temas mencionados se enfoca en un groove ágil y alegre que permite a la guitarra desarrollar algunos de sus solos más gráciles de todo el repertorio. La vitalidad de esta pieza es contagiosa a través del relativamente sencillo desarrollo melódico. Nos recuerda en algo al paradigma de VITAL INFORMATION. En cuanto a ‘The Melancholy Martian’, el esquema sonoro consiste en una solvente y dinámica cruza entre las atmósferas centrales del tema #2 y el señorío sereno del tema #5, una labor que el dúo concreta con absoluta soltura. El final del álbum llega de la mano de ‘Childhood Jetpack Delirium’, tema que ocupa un espacio de poco más de 8 ¼ minutos. En él sigue operando un dominio del señorío lírico de la pieza precedente, convirtiéndolo, de hecho, en el núcleo central de las continuas interacciones entre los guitarreos y los teclados. De hecho, las orquestaciones y ornamentos de los teclados conforman la clave global para que la pieza conserve una convincente fuerza de carácter de principio a fin. Todo esto fue “Psychopomp”, un muy interesante disco de música jazz-progresiva que hace que THE JOHN IRVINE BAND asuma un posicionamiento particularmente destacado dentro de la producción musical de esta área estilística en lo que va del año 2022 (que ya está bastante avanzado, por cierto). Bastante recomendable. 

 
 
Muestras de “Psychopomp”.-
Changing Worlds: https://thejohnirvineband.bandcamp.com/track/changing-worlds
Psychopomp: https://thejohnirvineband.bandcamp.com/track/psychopomp
Weight Of The Heart: https://thejohnirvineband.bandcamp.com/track/weight-of-the-heart

Las magistrales señales de vida de GONG

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos complacemos enormemente en presentar el nuevo disco en vivo de la legendaria banda multinacional GONG, actualmente conformada por Kavus Torabi [guitarra y voz], Fabio Golfetti [guitarra y voz], Ian East [saxofones tenor y soprano], Dave Sturt [bajo, efectos y voz] y Cheb Nettles [batería y voz]. El disco en cuestión se titula “Pulsing Signals” y fue publicado por el sello Kscope, tanto en doble CD como en doble vinilo, el pasado 18 de febrero. Se trata de un evento fonográfico que da testimonio debido de la manera tan digna y eficaz con la que esta nueva generación de GONG se hace valedera de los diversos avatares de la tradición que la precede (avatares desarrollados casi siempre bajo la guía del legendario Daevid Allen). El material recogido en “Pulsing Signals” procede de actuaciones en diversos locales: The Wardrobe en Leeds, The Cluny en Newcastle y Rescue Rooms en Nottingham, en el año 2019 durante la gira de promoción de su hasta ahora último trabajo de estudio “The Universe Also Collapses”. De hecho, 3 de los 4 temas de este disco aparecen aquí, así como otros tantos del álbum precedente “Rejoice! I’m Dead!”. Una vez impuesta la pandemia en el mundo con sus consecuentes normas de distanciamiento social sistemático, la naturaleza multinacional de la alineación de GONG hizo imposible que los integrantes pudieran volver a grabar un disco tras la mencionada gira, pero también es verdad que el material creado desde los últimos años de vida del fundador Daevid Allen hasta años después daba lugar a la producción de un disco en vivo con la actual formación, algo que, de por sí, era solicitado por los fans desde hace varios años. A partir de las diversas piezas grabadas por Pete Wibrew y ulteriormente seleccionadas por el bajista Sturt, la mezcla del material de este disco estuvo en manos de Frank Byng en los Snorkel Studios de Londres en el año 2021, y el ulterior proceso de masterización fue realizado por Andy Jackson en el Tube Mastering. Bueno, ahora prestemos atención a los detalles específicos de lo que tenemos en “Pulsing Signals”.

Todo comienza con la introducción ‘What We Was’, un collage sonoro que pronto abre camino a uno de los clásicos históricos de GONG: ‘You Can’t Kill Me’. Éste es manejado con la soltura vibrante y el regocijo anarquista inherente a la versión original, pero con una dosis extra de vigor rockero que procede de la participación de dos guitarristas de fuerte presencia que operan con total empatía. También se nota que hay espacio para algunos vuelos sonoros en clave jazz-rockera que añaden un grosor sofisticado al esquema sonoro general. ‘Rejoice!’, una de las canciones más directamente simbólicas de la persistencia del grupo tras la muerte de Allen, sigue a continuación para mantener la aureola de fulgor optimistamente cósmico, aunque esta vez, dicho fulgor se sustenta sobre una ingeniería melódica más concreta, algo muy propio de la versión original de estudio. La dupla de ‘If Never I’m And Ever You’ y ‘Kapital’ sirve para que el ensamble siga mostrando y ahondando en matices de su majestuoso colorido. El primero de estos temas mencionados explaya su lirismo fundamental sobre una ingeniería rítmica entusiasta, mientras que el segundo se enfila hacia un ejercicio de tensa psicodelia que se sitúa a medio camino entre lo denso y lo surrealista. ‘Kapital’ es uno de esos temas nuevos que guarda estricta fidelidad al inolvidable encuadre estético que GONG elaboró en sus cuatro primeros álbumes. Y hablando de los buenos viejos tiempos, ‘Master Builder’ es otro ítem histórico de GONG que se mete en el repertorio para agitar nuevamente las dimensiones más ígneas del esquema de trabajo grupal, ocupando un espacio de 15 ¾ minutos. Su largo pasaje introductorio abre camino al explayamiento de un solo de bajo antes de que el cuerpo central y sus cánticos correspondientes se dispongan a llenar todos los espacios. Es todo un cénit de este álbum, no nos cabe duda alguna al respecto. La maratónica pieza ‘Forever Reocurring’ exhibe sus 22 minutos y pico de totalizante prestancia con la soltura que ya habíamos apreciado anteriormente en su versión de estudio. Todo lo que brinda cada integrante está bien afiatado con lo que ofrecen los demás, creándose así una suntuosidad prog-psicodélica que es más grande que cualquiera de los individuos actuantes pero que, a su vez, solo obtiene su lógica interna a partir de las acciones concretas de cada una de esas individuales. 

‘My Sawtooth Wake’ e ‘Insert Yr Own Prophecy’ ocupan conjuntamente los últimos 23 minutos y cuarto del repertorio. La intensidad cautivadora e ígnea del aparato sonoro grupal sigue adelante con absoluta soltura, siendo así que la vitalidad con la que interactúan el saxo y las dos guitarras se establece como el núcleo fundamental del sonido grupal. Además, con creciente insistencia se va luciendo la batería con sus múltiples ornamentos de síncopas complejas en base a los esquema rítmicos empleados para cada momento particular. haciendo algunas comparaciones de matiz, ‘My Sawtooth Wake’ exhibe una rudeza mayor que el tema que le sigue, el cual ostenta un señorío más explícito; de todas maneras, queda clara la sensación de que ambas piezas funcionan integralmente como una sucesión bien armada. Todo esto fue “Pulsing Signals”, un mágico e intenso testimonio de lo que GONG es ahora, un árbol de diferente madera pero con las mismas raíces estéticas del árbol primigenio que brotó y maduró entre los años 1969 y 1974. Desde el Planeta Ultraterrenal donde actualmente habita, el ahora angelical Allen sonríe complacido al ver cómo el colectivo de los maestros Torabi, Golfetti, East, Sturt y Nettles está manejando la trayectoria de la antorcha musical de GONG tanto en los discos de estudio como en las presentaciones en vivo desde hace algunos años. Este disco en vivo y los dos de estudio que le precedieron son excelentes ejemplos de la mezcla de autonomía creativa y comprensión de las pautas esenciales del paradigma con el que trabajan los integrantes actuales de GONG. De hecho... ¡GONG sigue dando magistrales señales de vida! 

Muestras de “Pulsing Signals”.-
Rejoice!: https://kscopemusic.bandcamp.com/track/rejoice-live

Master Builder: https://kscopemusic.bandcamp.com/track/master-builder-live

My Sawtooth Wake: https://www.youtube.com/watch?v=9aIIvnpf0UQ

FRACTAL SEXTET: música fractal a la sexta potencia progresiva

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos el increíble deleite de presentar “Fractal Sextet”, el disco del colectivo también denominado FRACTAL SEXTET que armó el maestro suizo Stephan Thelen para que se pudiera concretar la grabación de sus nuevas composiciones centradas en la guitarra fractal (y retomar un par de composiciones previas), las mismas que acabaron exigiendo una logística armada por un amplio ensamble de músicos. También haya aquí una composición del maestro italiano Fabio Anile. La línea de trabajo de esta congregación consiste principalmente en seguir firmemente la senda de “Fractal Guitar” y “Fractal Guitar 2”, dos discos solistas de Thelen donde se proyecta una visión clara de una estética comprometida con vanguardia rockera del nuevo milenio; a partir de ahí, el sexteto brinda una exuberancia especial y genuina a esa visión. El sexteto, que tiene a Thelen a cargo de las guitarras, la guitarra e-bow y las programaciones fractales, y a Fabio Anile a cargo de los pianos acústico y eléctrico, el sintetizador y los samplers, se completa con Jon Durant [guitarras con y sin trastes, y Cloud Guitars], Colin Edwin [bajo], Yogev Gabay [batería] y Andi Pupato [percusión]. Thelen ya colaboró con Durant con un hermoso álbum “Crossings” del año 2021 y, a su vez, Durant es colega de Edwin en BURNT BELIEF (dúo gestor de otro hermoso disco del año pasado titulado “Mutual Isolation”). Edwin es principalmente conocido por su extenso paso por PORCUPINE TREE, pero tanto en BURNT BELIEF como en O.R.K., así como en este proyecto del FRACTAL SEXTET, él da rienda suelta a sus inquietudes más experimentales (mientras está liberado del grupo liderado por Steven Wilson). Durant es un respetado veterano del avant-prog, el jazz contemporáneo y el ambient, siendo además gestor de la Cloud Guitar, una guitarra eléctrica provista de enormes efectos cibernéticos para crear texturas y soundscapes. Anile es un músico italiano experto en electrónica y ambient, Pupato es un percusionista especialista en avant-jazz y fusión contemporánea, y Gabay es integrante del grupo avant-progresivo israelí ANAKDOTA. Todo una asociación cosmopolita que congrega a maestros de Suiza, Gran Bretaña, Estados Unidos, Italia e Israel. El material aquí recogido fue grabado entre abril de 2020 y febrero de 2022 en Zurich, Londres, Roma y Portland, dado que los planes iniciales de conformar una banda capaz de grabar y tocar presencialmente se vieron anulados por el arribo de la pandemia. Benjamis Schäfer y Markus Reuter se hicieron cargo del proceso de mezcla en Berlín entre los meses de febrero y marzo de 2022, mientras que la consecuente masterización tuvo lugar en el estudio Magic Garden Masterin de Los Ángeles, EE.UU., en manos de Brian Lucey. La publicación oficial del disco “Fractal Sextet” tendrá lugar el próximo 16 de setiembre y la campaña de pre-venta tendrá lugar a inicios de ese mismo mes, pero aprovechamos la ocasión de que tenemos ya en nuestras manos un ejemplar de este ítem; repasemos ahora cada tema contenido en él.

Abre el repertorio ‘Zeptoscope’, tema que ocupa un espacio de 10 ¾ minutos. Desde el primer instante hay una cadencia bien marcada dentro de una sofisticación que, aunque patente, se desarrolla bajo una pauta de sutileza. A partir de allí, se arma una atmósfera situada entre lo gentil y lo cósmico bajo un ropaje serenamente misterioso. Los solos de guitarra que van emergiendo en sucesivos pasajes estratégicos forjan recursos de filuda densidad, algo que ayuda bastante a que la pieza vaya ganando en musculatura a lo largo de una sobria dosificación. Pero, a fin de cuentas, el tema concluirá envuelta en la misma atmósfera con la que comenzó. ‘Fractal 5.7’ sigue a continuación para seguir explorando dinámicas complejas, las cuales remodelan y amplifican la estructura de la versión original presente en “Crossings”, el álbum de Durant y Thelen que mencionamos antes. Aquí hay un groove jazz-rockero absorto en una placidez crepuscular mientras las guitarras se reparten las labores con las armonías y los solos, y los teclados enriquecen el bloque sonoro global con capas y ornamentaciones. Todo es muy lírico aquí mientras se preserva esa aureola misteriosa que había signado de manera tan importante al tema de apertura. Un primer cénit del repertorio. La pieza más extensa del disco es la cuarta, durando poco más de 11 ½ minutos; se titula ‘Mise En Abyme’ y también se trata de una nueva versión de una idea originalmente compuesta para “Crossings”. En esta ocasión, el ensamble trabaja con vibraciones delicadas cuyo talante etéreo no esconde la tensión operante de forma latente en la inteligentemente enmarañada ingeniería rítmica. Todo se mantiene nebuloso la mayor parte del tiempo, pero algunas horadaciones permiten que se filtre algo de neurosis (solos de guitarra) o algo de intensidad introspectiva (solo de bajo). En medio de ellas se halla ‘Planet Nine’, un señorial tema bien asentado en el estándar del discurso jazz-progresivo en cuanto al desarrollo y al refuerzo de su swing básico, algo que obliga al ensamble a darle un viraje aún más vaporoso y sutil a su construcción de esquemas sonoros. Como dato curioso, uno de los solos de guitarra cita una sección de ‘Sailor’s Tale’, el clásico instrumental de “Islands”, el cuarto álbum de KING CRIMSON. Tras un breve dueto de batería y percusión, el ensamble íntegro regresa y lo hace con un expresionismo vivazmente activado, casi como si la luz de un nuevo día estallara con un fulgor divino. Otro estupendo cénit del álbum.

 

El final del álbum llega de la mano de ‘Slow Over Fast’, otra pieza de ambiciosa duración (casi 11 minutos) cuya misión específica es la de trabajar en la dimensión más propiamente extrovertida del ensamble, lo cual permite la gestación de una nueva instancia climática del disco. Contando con una particular agilidad de parte del entramado de las guitarras y teclados, por un lado, y con un meticulosamente ingenioso desarrollo de síncopas alternadamente sueltas y constreñidas por parte del trípode rítmico, el desarrollo temático logra pintar un paisaje sonoro donde se combinan la frescura de la brisa primaveral y el ígneo fervor del verano. Parece que cualquier síntoma suelto de vivacidad que formó parte ocasional de varias precedentes del álbum fue un anticipo de la espiritualidad invocada para este tema de cierre. Algunas florituras de piano son simplemente geniales. El epílogo vira drásticamente hacia un ambiente de anochecer, con un calmo diálogo entre la guitarra y el bajo sobre una sedosa base percusiva. Toda esta es la grandeza musical que los maestros Anile, Durant, Edwin, Gabay, Papato y Thelen plasmaron en “Fractal Sextet”. El colectivo del FRACTAL SEXTET nos ha brindado una exquisita demostración de música aventurera que plantea uno de muchos rumbos posibles para el rock artístico del nuevo milenio. Con toda sinceridad, recomendamos enormemente la adquisición de este disco apenas salga al mercado. 

ODUMODNEURTSE: un espectro que pasea por el castillo de la vanguardia rockera peruana

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión presentamos a ODUMODNEURTSE, proyecto de rock vanguardista del músico multiinstrumentista y compositor peruano Jhordan Jurado Aponte. Este proyecto surgió en la bella localidad de Huancayo, patria chica de Hurtado, en el año 2018, siendo así que al año siguiente ya contaba con suficiente material para un álbum completo. Éste, que responde al título de “Espectros E Imaginarios De Posguerra”, fue publicado en CD y en casete por los sellos connacionales Discos Astromelia e Inti Records, respectivamente, en los sucesivos años de 2019 y 2020.* La propuesta de este proyecto se focaliza en un híbrido de psicodelia progresiva, krautrock, fusión contemporánea de talante posmoderno, space-rock y post-rock. Jurado es el autor de todo este material y está a cargo de un abundante arsenal performativo: guitarras eléctrica, acústica y preparada, bajo, teclados, batería, arpa, palo de agua, xilófono, triángulo, claves, platillos, chacchas, shakers, pandereta, cascabeles, sonaja, bombo de cuero, timbre, campana, percusión de metal y samplers. Además, cuenta con el apoyo ocasional de varios músicos como son Jhosep Santiago (guitarra eléctrica y tubo), Juan Palomares (violín, cello y voz), Felipe Benavides (saxo), Cristian Caballero (bajo), Raúl Cevallos (bongós, yembés y cencerro) y Luis Sarapura (tarola, hi-hat, pandereta, darbuka, palo de agua, platillos, timbales y batería). Mucho se ha expandido la visión musical desde aquellos días en los que fungía de líder de la inolvidable banda EL CEREBRO DE GREGORIO SAMSA, pilar solitario de la avanzada progresiva de Huancayo. Los dos primeros ítems del presente disco fueron grabados y producidos en la ciudad de Huancayo, Junín, durante el año 2018, mientras que el tercero fue grabado en Eco Estudio, ubicado en Lima. Este mismo estudio fue donde Camilo Uriarte se hizo cargo de las labores de mezcla y masterización en el año 2019. Bueno, veamos ahora los detalles del repertorio contenido en “Espectros E Imaginarios De Posguerra”.

La magna maratón sonora de 21 ½ minutos ‘Invitación A La Vida Heroica’ inicia las cosas a lo grande con una apertura donde se cruzan el estándar del stoner y el krautrock a lo ASH RA TEMPEL de una forma bastante dinámica, aunque preservando un aura etérea que permite que fluya naturalmente la pronta inserción de percusiones y azotes cósmicos de sintetizador. En este nuevo e intensificado escenario, se abre espacios para excelsos y filudos solos de guitarra: el esquema sonoro añade elementos de acid-folk a la reinante aureola lisérgica que alumbra a las interconexiones instrumentales. A poco de pasada la frontera del sexto minuto, las cosas se calman para adentrarse en una misteriosa bruma donde, bajo el sutil ropaje de flotantes sintetizadores, se gesta un efectivo cruce entre florituras de bajo, espartanos acordes de guitarra y ornamentos percusivos. Todo resulta ceremonioso, incluso introspectivo, desarrollándose un lirismo grácil que se sitúa entre lo abstracto y lo evocador. Una vez que la guitarra vuelve al primer plano, la ceremoniosidad asume un aire de expectativa ante la próxima irrupción de un relativamente denso ejercicio de psicodelia, el mismo que está motivado por un motif exótico. Los ornamentos percusivos ostentan ahora un tenor ritualístico que, finalmente, aterriza en un lento y solemne pasaje enmarcado dentro del post-rock. Un puente centrado en abstracciones electrónicas nos lleva hacia una nueva sección signada por una cruza de krautrock y space-rock oportunamente alimentada por agitaciones fusionescas (focalizadas éstas en las intervenciones percusivas). Es a partir de estas vibraciones luminosas y celebratorias que se arma el exultante clímax conclusivo de este ambicioso tema. Sigue a continuación ‘San Gregorio: Canto Funerario Mágico-Religioso Entre Los Ayllus Quechuas Del Sur Del Perú’, que comienza con un prólogo apoyado sobre un groove tribal de fuerte raigambre solemne, la misma que se realza eficazmente con el uso de percusiones folclóricas. Pronto se da un viraje radical hacia un ejercicio de space-rock asentado sobre un swing cañero, el cual, a su vez, es pronto reemplazado por una expansión de cánticos ancestrales arropados por efectos de guitarra y sintetizador. El viaje musical tiene sus siguientes estaciones en una breve secuencia electrónica, una serie de corrientes fluviales y otra sección electrónica que parece tener una orientación más gentil. A partir de allí, unos minimalistas efectos sintetizados anuncian un jam psicodélico con base de jazz-fusión; en éste, el saxofón sabe hacerse notar en medio de las aguerridas intervenciones de las guitarras, y así termina este tema con un talante jovial.     

Todo concluye con ‘Aia Marccai Quilla: Ceremoniales En Torno A La Vida Y La Muerte’, un tema cuyo inicio tiene vibraciones lisérgicas y claroscuras de una manera muy similar a las que imperaron al inicio del primer tema, aunque el factor cósmico está patentemente más ensalzado. La maraña de guitarreos y sintetizadores se arma en una atmósfera lúcida y contemplativa que nos remite a los paradigmas de HARMONIA y CLUSTER (discos tercero y cuarto). Tras una relativamente capa minimalista de teclado que anuncia el final de la primera sección, emerge otra que se centra en nimbos flotantes de guitarra que, de cierta manera, emulan el patrón de FRIPP & ENO. Este enfoque apunta a la edificación de una base instrumental para el cálidamente embrujador cántico femenino con el cual ha de concluir la pieza. De esta manera concluye la experiencia de “Espectros E Imaginarios De Posguerra”, el anuncio de ODUMODNEURTSE como una fuerza creativa importante dentro de la vanguardia rockera peruana de los últimos años. Llega un poco tarde esta reseña, pero puede servir como un referente de información sobre algunas vertientes creativas dentro del castillo de la vanguardia rockera peruana de estos últimos años. 

Muestra de “Espectros E Imaginarios De Posguerra”.-
Invitación A La Vida Heroica: https://discosastromelia.bandcamp.com/track/invitaci-n-a-la-vida-heroica

* A propósito, el nombre de este colectivo procede de la palabra que cierra uno de los poemas más célebres de CÉSAR VALLEJO, el Poema XIII – Pienso en tu sexo que forma parte del poemario Trilce (originalmente publicado en el año 1922).

Los diversos paisajes musicales del colectivo progresivo francés ENNEADE

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy presentamos “Withered Flowers And Cinnamon”, el nuevo disco del grupo francés ENNEADE, el mismo que está actualmente conformado por Julien Fayolle [bajo, contrabajo, Chapman Stick, pedales Moog Taurus y glockenspiel], Christophe Goulevitch [guitarras eléctricas], Christian Greven [voz, coros y teclados], Frédéric Lacousse [batería, percusiones, marimba y xilófono] y Georges-Marc Lavarenne [guitarras eléctrica y acústica, mellotrón y coros]. Este disco en cuestión fue publicado a fines del pasado mes de abril por el sello Vallis Lupi Productions. Se trata del tercer álbum de estudio de este ensamble formado en 1995 como sexteto en la bella localidad de Lyon, usando mayormente las coordenadas estilísticas del prog-metal. Eso sí, para el tiempo en que llegó el año 2005 y el grupo pudo concretar su álbum de debut “Remembrance”, el esquema sonoro de ENNEADE había virado hacia juegos de contrastes entre pasajes aguerridos y serenos, asimilando más elementos del sinfonismo de ayer y de hoy, y, a fin de cuentas, convirtiéndose en un grupo de prog ecléctico con ocasionales matices de prog-metal. De hecho, con cada nuevo álbum, el grupo tornaba su enfoque musical hacia terrenos más matizados. Aunque el arsenal sonoro del grupo es de por sí robusto, se dio todavía el lujo de contar con algunas participaciones extra: la de Kunio Suma (de la inolvidable banda japonesa BI KYO RAN), quien tocó sendos solos de guitarra en dos temas, y la del saxofonista Olivier Sola, quien aparece en el último tema. El material de “Withered Flowers And Cinnamon”se grabó en Warmaudio Studio y en Convulsound Studio, siendo así que Thibault Bernard (el dueño del segundo de estos estudios mencionados) se hizo cargo de la mezcla y la masterización. El baterista-percusionista de la banda Frédéric Lacousse realizó el arte gráfica del disco bajo la inspiración de una fotografía tomada por Martine Planet. Bueno, vamos ahora a los detalles del repertorio de “Withered Flowers And Cinnamon”.

 

Ocupando un espacio de poco más de 9 ¼ minutos, ‘A Foul Taste Of Freedom’ abre el disco a lo grande, iniciándose con un sereno cántico que pronto abre paso a un ejercicio de ágiles dinamismos rockeros que se sitúan a medio camino entre EDENSONG y YES, y estando así las cosas, se intercalan otros pasajes más filudos donde los riffs y efectos de guitarra ingresan convincentemente en el terreno de lo pesado a través del filtro de RIVERSIDE. De esta manera, opera en la canción una cruza entre la lozana frescura del aire y la fiera incandescencia del fuego. El cuerpo central se ornamenta cabalmente con algunos comedidos solos de sintetizador y de guitarra ubicados en ciertos lugares estratégicos. A poco de pasada la frontera del sexto minuto, emerge un interludio parco e introspectivo signado por armonías mínimas de guitarra acústica; esto sirve como puente hacia una nueva exaltación del bloque sonoro que está diseñada para redondear la faena con suficiente señorío. ‘Illumination’ sigue a continuación y no se deja opacar fácilmente por la canción precedente. De hecho, su estrategia consiste en trabajar la fastuosidad esencial de la banda por vía de una acentuación del perfil lírico, lo cual vez de la mano de un enfoque refinadamente arquitectónico de las secciones pesadas cada vez que estás surgen y salen al frente, algo que, en no poca medida, se siente emparentado con los DREAM THEATER de los dos últimos discos. Es por eso que su presencia ostenta una expresividad ígneamente dramática. Así pues, tenemos aquí una versión semi-metalizada de una cruza entre YES y GENESIS, y de paso, un primer cénit del álbum. Los ornamentos de percusión enlazan el final de este tema con el inicio de ‘Tinkling Forks’, canción, la cual sigue una línea de combinaciones estilísticas entre el paradigma de los BUBBLEMATH y el mejor legado de los KING CRIMSON de la etapa 81-84. La maraña de las guitarras crea una atmósfera grácil oportunamente ataviada por los aportes de las percusiones tonales. Todo se torna mágico cuando surge un flotante solo de guitarra, tras cuyo final se acerca el engarce con el cuarto tema del álbum, titulado ‘Grand Buffet’. Éste sigue por la línea del anterior con un enclave aumentado para el vigor rockero; de hecho, parece como si se tratara de una sola canción bien focalizada en torno a algunos centros temáticos bien definidos. 

 
El repertorio del álbum se cierra con ‘Autumn’, la más larga del disco con su espacio de casi 12 ¼ minutos. Todo comienza con una atmósfera ceremoniosa que raya con lo tétrico en base a un misterioso groove de la batería y unas capas misteriosas de sintetizador y mellotrón. Ya cuando las armonías de las guitarras entran a tallar, lo ceremonioso es reemplazado por lo evocador, siendo así que cuando el dúo rítmico termina de asentarse, la canción asume unas rotundas vibraciones expresionistas. Mientras el grupo va reforzando este posicionamiento en un terreno intermedio entre ADVENT y ECHOLYN, la inserción de algunos pasajes rockeramente vivaces ayuda bastante a sostener el clima de permanente sofisticación musical al cual apunta la banda, aunque la espiritualidad sigue siendo predominantemente evocadora. Esta noción es impulsada diáfanamente por el modo en que el saxofón guía el camino hacia el clímax conclusivo de la canción, uno bastante majestuoso. En menos de 40 minutos, la gente de ENNEADE se ha lucido muy decentemente en cuanto a la creatividad y la energía expuestas en “Withered Flowers And Cinnamon”, un disco que, según nuestra percepción, es uno de los más bonitos que se han realizado en la actual escena progresiva francesa en lo que va del presente año 2022. Muy recomendable, para decirlo con pocas palabras.
 
 

Muestras de “Withered Flowers And Cinnamon”.-
Illumination: https://vallislupi.bandcamp.com/track/illumination-2
Autumn: https://vallislupi.bandcamp.com/track/autumn-2