Nueva navegación del Acorazado Potemkin bajo la capitanía de I SINCOPATICI

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La travesía musical de hoy se da bajo la capitanía de I SINCOPATICI, ensamble italiano conformado por Francesca Badalini [piano y guitarras], Silvia Maffeis [violín], Andrea Grumelli [bajo] y Teo Ravelli [batería y efectos electrónicos]. Este ensamble asentado en Milán fue fundado por Francesca Badalini con la misión de replantear las bandas sonoras de películas del cine mudo e incluir composiciones propias para realzar una nueva apreciación de las mismas. Badalini tiene experiencia desde fines de los 90 colaborando con la Cineteca Italiana creando y realizando música para películas silentes, siendo así que esta experiencia propia le sirvió como idea para formar un grupo de avanzada progresiva que encarne una extensión de esta labor. Estamos ahora en el año 2026: en la primera mitad de enero, la gente de I SINCOPATICI publicó un disco celebratorio del centenario de El acorazado Potemkin del maestro ruso SERGEI EINSENSTEIN: Броненосец «Потёмкин» en ruso, “La Corazzata Potëmkin” en italiano, que así se llama el disco que hoy nos convoca. Sucede por un par de años a “Decimo Cerchio (L’Inferno 1911 O.S.T.)”, trabajo hecho en asociación con Claudio Milano (él mismo, toda una institución en la vanguardia musical italiana). 

Con un trasfondo de ruidos del surco de un viejo vinilo, ‘Uomini E Vermi’ abre el repertorio con frontal elocuencia. Hay una capa densa inicial que guarda dentro de sí un potencial de explosiones tensas bajo un encuadre minimalista; el oscurantismo patente es, a la vez, autoritariamente tenebroso y extrañamente cautivador. De la neblina emana una base armónica de piano cuya imperiosa ceremoniosidad preserva un sólido aire dramático, el mismo que se sitúa en una zona híbrido de psicodelia progresiva y post-rock. La sección epilogar elabora un efectivo recurso de pesadez rockera que coquetea con la tradición stoner. Luego llega el turno de ‘Dramma Sul Ponte’, la pieza más larga del repertorio con su espacio de casi 10 minutos: ésta aprovecha su espacio de expresión para elevarse hacia un área de rutilante energía cuyos pasos iniciales están marcados por una solemnidad señorial. Muy pronto emergen algunos recursos minimalistas de talante deconstructivo que enriquecen las inquietudes arcanas inherentes al desarrollo temático. El viraje hacia un ensueño crepuscular que tiene lugar a poco de pasada la frontera del tercer minuto lleva a una búsqueda colectiva de una forma próxima, lo que significa que se impone una actitud expectante durante dicha búsqueda. Los fraseos tentativos del piano salen al frente para dirigir esa busca indefinida, la misma que se prolonga a través de una atmósfera aristocráticamente ansiosa. Es sobre la frontera del séptimo minuto que se concreta el nuevo núcleo melódico, el cual pone al violín en el centro protagónico a fin de exhibir sus estilizadas vibraciones dramáticas. ‘Il Morto Chiama’ se adentra en la faceta minimalistamente posmoderna del ideario de I SINCOPATICI con filudo entusiasmo. El diálogo entre piano y diálogo se centra en lo textural en base a un núcleo armónico desarrollado con un perfil sereno y contemplativo; la pronta intervención del violín añade un cierto fulgor al asunto. Tras un intermedio orientado hacia un ambiente de desasosiego encubierto que abre campo a unas texturas oscurantistas, un nuevo motif evocador se deja arropar por matices distinguidos bajo la guía del piano.

‘La Scalinata Di Odessa’ sigue directamente la huella de la última sección de la pieza precedente y se orientas hacia un lirismo envolvente y evocador. Permaneciendo el piano en su rol de guía, los discretos ornamentos del bajo añaden texturas que parecen anunciar la pronta emergencia de algo suntuoso. Dicho y hecho, los redobles de la batería entran a tallar mientras el piano ejecuta algunos fraseos imponentes y ya queda claro que el grupo va a perpetrar un momento de efluvios extrovertidos: el esplendor de ellos llega a su clímax cuando el violín empieza a desafiar el liderazgo del piano. He aquí una extraña mezcla de romanticismo, avant-jazz y encuadres progresivos de base impresionista. Todo aterriza en una nueva inmersión en la atmósfera nebulosa que ya hemos presenciado en temas anteriores. Los últimos 8 minutos (o casi) del repertorio están ocupados por ‘Una Contro Tutte’, composición que prácticamente condensa los aspectos más saltantes de los dos temas anteriores, dando una cierta prioridad a la majestuosidad y la claridad lírica heredadas de ‘La Scalinata Di Odessa’. Lo particular de este último tema del disco es que explora el énfasis del nervio rockero en el pasaje donde la batería realiza un groove reconocible con la complicidad de la guitarra. La última sección es una nueva demostración de habilidad grupal para elaborar focalizados aires de solemnidad en base a un núcleo melódico bien definido. La coda minimalista refleja un retorno . Toda esta fue la oferta de “La Corazzata Potëmkin”, un paso muy importante dentro la misión estética bajo la cual opera I SINCOPATICI. Bajo el mando de Francesca Badalini, los talentos combinados que fluyen en diálogo dentro del esquema de trabajo de este ensamble dejan una clara evidencia de su creatividad en la navegación fonográfica aquí plasmada. En suma, se trata de un disco muy recomendable. 

Muestras de “La Corazzata Potëmkin”.- 

Dramma Sul Ponte: https://isincopatici.bandcamp.com/track/dramma-sul-ponte 

La Scalinata Di Odessa: https://isincopatici.bandcamp.com/track/la-scalinata-di-odessa

La genialidad automática del maestro DAVE NEWHOUSE

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El veterano maestro estadounidense DAVE NEWHOUSE tiene una nueva obra fonográfica desde el primer día del presente mes de mayo: “Automatic Writing” es el título del disco en cuestión, publicado por vía independiente. NEWHOUSE se hace cargo de los saxos, los clarinetes, los teclados, la armónica y algunas percusiones. Le acompañan los bajistas Guy Segers y Sam Newhouse, los bateristas Sean Rickman y George Newhouse, Jerry King (guitarras eléctricas y acústicas, y bajo), el guitarrista Ángel Ontalva, Rick O’Meara (percusiones tonales, gongs, platillos y metales) y Michael Zentner al violín eléctrico. Gente de UNIVERS ZÉRO, CLOUD OVER JUPITER, OCTOBER EQUUS, ETC. Todas las composiciones contenidas en “Automatic Writing” son de la autoría de NEWHOUSE, con la excepción de la segunda, donde el buen DAVE compartió labores creativas con Rickman y Segers. Respecto a lo que signíficó para NEWHOUSE hacer este nuevo álbum, él dice lo siguiente: “Alguien me preguntó si yo pensaba que mi música cambió desde los tiempos en que existían THE MUFFINS y realmente pienso que no. A mis oídos, sigo haciendo exactamente la misma música que hacía en los 70 cuando tenía una grabadora de carrete a carrete de 2 pistas de marca Sears, un micrófono de baja fidelidad y un piano espineta en mi habitación dentro de la casa de mis padres. Esas mismas Musas siguen conmigo (gracias al Cielo) y aún sigo componiendo la música que ellas susurran a mis oídos.” Los procesos de mezcla y masterización estuvieron a cargo de Mike Potter en los Orion Studios. La imagen de la portada y el diseño gráficos son de la autoría de Eric Kearns en PhinBot Graphics. Bueno, ya es hora de repasar los detalles estrictamente musicales del disco que hoy nos convoca.

La pieza precisamente titulada ‘Automatic Writing’ da inicio al repertorio del disco y lo hace con un desarrollo de atmósferas y grooves de tenor jazz-progresivo. La mesurada agilidad y la fuerza de carácter de los instrumentos actuantes (especialmente, los vientos y la batería) son las claves esenciales para que el desarrollo temático se preserve con impoluta solvencia mientras algunos ornamentos armónicos van y vienen. La espiritualidad es crepuscular en cuanto a lo expresividad, pero el vitalismo del swing global es lo que más se hace notar. Gran inicio de álbum. Luego sigue ‘Song For Saner Times’, a la sazón, el tema más extenso del disco con sus casi 8 ¼ minutos de duración. Lo que se advierte en su primera parte es que su atmósfera y su groove general son muy similares a los de la pieza homónima, pero también tiene sus peculiaridades: la intensidad es mayor en la sofisticación de los arreglos diseñados para el desarrollo del cuerpo central; el swing es más complejo, y; la expresividad es más densa, más inclinada hacia la actitud postmoderna del avant-prog estandarizado. Una segunda parte emerge cuando, tras unos instantes de silencio, una figura de piano eléctrico abre campo a unos recursos de arcana inquietud guiadas por torturados fraseos de guitarra que van flotando como síntomas de una pronta tormenta. Dos cénit sucesivos para iniciar el trayecto del álbum, nos complace mucho esto. ‘Billy’s Boots’ ostenta un dinamismo más alegre, un tanto cercano al paradigma Zappiano a través de los filtros simultáneos de THE MUFFINS y los SOFT MACHINE de la fase 1973-76. Se advierte en el breve momento de protagonismo para la guitarra la aseveración de algunos ecos de la tensa conmoción que apareció en el tema precedente. ‘Everybody’s Moon’ comienza con una cautivadora fanfarria de saxos y clarinetes desde la cual se anuncia la emergencia de un swing relativamente relajado. La serenidad es ahora la marca central de la estrategia expresiva del armazón instrumental, pero lejos está esto de la introspección; por el contrario, el entramado de los instrumentos actuantes se arroja orgánicamente a un fulgor que se ubica entre las vibraciones otoñales y el candor de un amanecer estival. Es muy simpático el epílogo campirano con armónica y guitarras acústicas: nos toma de sorpresa, pero tiene sentido su vínculo con el talante sobriamente jovial del motif central.

Cuando llega el turno de ‘Slightly, Virtually’ (muy “maquinista” el título, por cierto), el factor de vivacidad explota con un entusiasmo trepidante y machacón tras un melancólico preludio de piano eléctrico: he aquí una fiesta rockera plagada de lúdica neurosis donde la guitarra, una vez más, se erige como fuente surtidora de tensiones sónicas en medio de una robusta amalgama instrumental. Los explayamientos y ocasionales quiebres en el swing armado por la batería son manejados con la robustez necesaria en los parajes más aguerridos, pero a poco de pasada la frontera del tercer minuto, la espiritualidad expresiva se calma un poco, lo cual repercute en una variación importante dentro del dinamismo colectivo. Se regresa al señorío exquisito que ya se hizo presente en un par de temas precedentes hasta alrededor de la frontera del sexto minuto y medio, cuando el ímpetu anterior resurge con la misión de articular la sección epilogar. El sexto tema del álbum ostenta el significativo título de ‘One For Brubeck’. Centrando su núcleo temático en unas serenas figuras de piano, se retrotrae a esos tiempos del cool jazz con una prestancia aristocráticamente estoica; los arreglos de vientos y la refinada labor de la batería se encargan de añadir recursos rutilantes al desarrollo temático. ‘Mr. Susie’ trae consigo el cierre del repertorio y su sección prologar exhibe un crepuscular delirio de formas libres en clave vanguardista: vemos en ella detalles al estilo de SUN RA que se mezclan con estrategias líquidas al estilo de los SOFT MACHINE de 1972. Una vez despejada la incertidumbre inicial, surge un motif jovial marcado por un talante jazz-progresivo que nos remite a los legados de HATFIELD AND THE NORTH, de THE MUFFINS (etapa 2002-04) y de los WEATHER REPORT de 1974-75. la renovada algarabía se mantiene constante con pulso firme hasta el contundente golpe final. Todo esto fue “Automatic Writing”, un catálogo de nuevos testimonios preclaros e indubitables de que DAVE NEWHOUSE es un maestro consumado de la avanzada progresiva de ayer y hoy y siempre. Desde su rincón estadounidense, el ideal del rock ecléctico se proyecta con automática precisión arquitectónica hacia las dimensiones más divinas del arte musical. Un disco muy recomendable que se revela como parte de lo mejor de este año 2026 que ya se acerca a su ecuador: así resultan las cosas cuando las Musas son infatigables y el músico es imparable.

Muestras de “Automatic Writing”.-  

Automatic Writing: https://davenewhouse.bandcamp.com/track/automatic-writing   

Song For Saner Times: https://davenewhouse.bandcamp.com/track/song-for-saner-times   

Slightly, Virtually:  https://davenewhouse.bandcamp.com/track/slightly-virtually

PHAEDRUS: retratos progresivos de las luces de las divinas Pléyades

 

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Nos llegan muy buenas noticias desde los cuarteles musicales de PHAEDRUS, el ensamble progresivo español que surgió de las entrañas de la veterana y venerable entidad KOTEBEL. Se inició como una iniciativa solista de Csrlos García Plaza, pero ahora PHAEDRUS opera con el trío de César García Forero [guitarras, bajo, teclados y clarinete], Víctor Rodríguez [teclados, orquestaciones digitales y soundscapes] y el mencionado Carlos García Plaza [teclados, bajo y batería]: conocemos a Rodríguez por su membrecía en OCTOBER EQUUS. “Pleiades Suite” es el título de la segunda obra fonográfica de PHAEDRUS, publicada el 21 de abril de 2026 por el sello Vessence Experimental. En la mitología griega, las Pléyades son las siete hijas del titán Atlas y la ninfa marina Pléyone, nacidas en el monte Cilene, que fueron madres de diversos dioses, semidioses y reyes. En palabras de la gente de PHAEDRUS: “7 retratos, 7 mujeres, 1 destino — unidas por la sangre, sagradas en su humanidad, ardiendo eternamente en su ingreso en la noche. Un diamante a través del cual la luz de la mitología impacta en el inconsciente colectivo con vívidos colores.” El material contenido en “Pleiades Suite” fue grabado en los respectivos estudios individuales de los integrantes del trío vigente en varias sesiones a lo largo de los años 2025 y 2026; además, en esos estudios se realizaron las labores de mezcla y masterización. También cabe añadir que las composiciones de las diversas secciones de esta obra conceptual se repartieron entre los maestros César, Víctor y Carlos. Las partes de percusión en uno de los temas del disco que hoy nos ocupa fueron ejecutadas por Carlos Franco Vivas. Alexis Lope-Bello realizó la producción. El diseño gráfico es de la autoría de Rodríguez. 
 
Este catálogo de magnas elocuencias progresivas comienza con ‘Merope’, precisamente la pieza más extensa del repertorio con sus más de 10 ½ minutos de duración. El groove inicial pone las cosas en su sitio desde el mismísimo punto de partida: una ingeniería llevada a medio tiempo cuyos enfoques temáticos e índices atmosféricos desarrollan sonoridades sombrías, las mismas que se explayan con fuerza de carácter. Mientras avanza la pieza, la ingeniería se va tornando más grácil mientras incrementa su sofisticación; además, las orquestaciones y bases armónicas de los teclados van ganando en fulgor. La inserción de un interludio sutil en clave impresionista prepara el camino para el arribo de un motif introspectivo signado por matices noctámbulos, el mismo que es sucedido por un retorno al ambiente inaugural, realzando los recursos de señorío sinfónico cuya conclusión se eleva hacia un minimalismo cinematográfico. Acto seguido, llega el turno de ‘Maia’, el segundo tema más largo con su espacio de 9 minutos y pico. La languidez introspectiva de su sección prologar se mueve etéreamente sobre los cimientos de unas escalas relajadas de teclado sobre las que se proyecta una orquestación que de a pocos intensifica su aura misteriosa. Una vez instaurado el esquema de trabajo de los teclados, la guitarra y la sección rítmica, se nos revela un esplendor aristocrático donde el estándar prog-sinfónico incorpora algunos aires avant-progresivos que, aunque comedidos, dejan constancia de su talante tenso. Imaginemos a los YES de 1974 hermanados con THE ENID de los tres primeros discos tras haber disecado obsesivamente los aspectos más calmados de los dos primeros álbumes de UNIVERS ZÉRO. La sección final se centra en un imponente lirismo de inspiración romántica que se abre paso con peculiar magnificencia hasta volver a la serenidad inaugural. ‘Taygete’ comienza con un armazón de orquestaciones gráciles y percusiones tribales, aterrizando todo en un cuerpo ágil que se asienta cómodamente sobre un swing razonablemente complejo. Este nuevo recurso de suntuosidad tiene algo de festivo en medio de la densidad reinante. la misma que sabe siempre acomodarse a las variantes melódicas que surgen en el camino. Poco antes de llegar a la frontera del quinto minuto, las cosas se calman un poco y el trío se proyecta hacia una actitud contemplativa, la cual guía el camino hacia el final. A propósito, hay un hermoso solo de guitarra que transmite melancolía y alegría por igual, el centro idóneo para el epílogo.

‘Alcyone’ comienza con una figura de piano en un lento 3/4 sobre la que los ornamentos de sintetizador y guitarra clásica van anunciando el pronto arribo de un sortilegio opulento. Una vez concretado éste, se nos muestra otro ejercicio de estilizado oscurantismo progresivo, aunque esta vez hay una especial delicadeza en el armado del entramado instrumental que impide a las tinieblas tornarse amenazantes; más bien, se orientan hacia una aureola de misticismo mayestático. Lo más imponente del momentum se manifiesta sobre la frontera del quinto minuto; un poco más adelante, el ambiente general se intensifica y empieza a revelar una exaltación inescrutable. El epílogo regresa a la niebla misteriosa inicial y llega el turno de ‘Electra’. Esta composición se centra mayormente en el factor sinfónico con algunas incursiones en el clasicismo y la fusión jazz-progresiva que generan elegantes recursos de diversidad temática. Hay varios factores que nos toman por sorpresa mientras seguimos con atención los recovecos musicales que se nos revelan a lo largo de un espacio de 6 ½ minutos. El último cuarto de hora del disco está ocupado por la dupla de ‘Sterope’ y ‘Celaeno’. El primero de estos temas mencionados se orienta frontalmente por una vivacidad especial que se distingue de otros aspectos y motivos fulgurosos que el trío ha utilizado en secciones específicas de algunas piezas anteriores. En simultáneo, la labor del ensamble vuelve a dar rienda suelta a su gusto por combinar sólidas estrategias de delineamiento melódico con tonalidades sombrías portadoras de una inquietud saltarina. también hay cierto parentesco con el tema precedente en el sentido de que inserta factores propios del jazz-fusion en algunos pasajes de la zona media. Por su parte, ‘Celaeno’ instala el punto culminante de las exploraciones avant-progresivas del ideario musical del trío. En una primera instancia, la agilidad casi líquida de la arquitectura rítmica y la masiva vehemencia que se encarna de mil y un modos en la incesante ilación de centros temáticos se conectan en un viaje hacia un aristocrático limbo sónico. En un segundo hito, se arma un pasaje de bien focalizada serenidad que comienza poco antes de la frontera del sexto minuto, logrando que lo lúgubre se revista de telas nobles bajo una atmósfera calmadamente tenebrosa. Un estupendo cierre para la pieza y para el álbum. 

Todo esto fue lo que se nos brindó con “Pleiades Suite” desde la fábrica de refinería progresiva de PHAEDRUS. Muchas gracias a los Sres. García Plaza, García Forero y Rodríguez por gestar esta pinacoteca sonora tan grandilocuente de las mágicas y fatales Pléyades: este aquelarre triádico ha hecho una labor fenomenal. Definitivamente, se trata de una de las producciones progresivas más notables en lo que va de esta primera mitad del año 2026. ¡¡recomendable al 300%!! (Un 100% por cada integrante.)

 
 
Muestras de “Pleiades Suite”.-
Merope: https://vessence-e.bandcamp.com/track/merope
Taygete:    
Celaeno: 

La boutique progresiva de REFESTRAMUS

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Hoy echamos un vistazo a la avanzada progresiva estadounidense del momento y nos topamos con el nuevo disco de REFESTRAMUS: “Morri’s Rock Boutique” es su título y su publicación data de inicios de marzo del presente año 2026. El núcleo de REFESTRAMUS, banda afincada en Chicago, está conformado por Derek Ferguson [batería], Mitch Lawrence [clarinete y saxofones] e Ian Beabout [producción, mezcla y masterización]. Los invitados más recurrentes son Jan Christiana (bajo, guitarras, teclados y voz) y Dyanne Potter Voegtlin (teclados y voz). También están los colaboradores ocasionales son Jerry King (bajo), David Jackson (saxofones), Joe Deninzon (violín), Rick Witkowski (guitarras), Lynx (voz), Derek Pavlic (guitarras y viola), Dan Bozek (bajo) y Tanaka Seijin (shamisen, koto y shakuhachi). Vemos aquí gente de bandas tan diversas como VAN DER GRAAF GENERATOR, KANSAS, CLOUD OVER JUPITER y CRACK THE SKY. Ferguson se hizo cargo de todas las composiciones y todas las letras, salvo en el caso de una canción que es una adaptación que él mismo hizo de una canción tradicional rusa. El material recogido en “Morri’s Rock Boutique” fue grabado en varias sesiones entre los meses de febrero y marzo del pasado año 2025: los estudios fueron Aardvark Productions & The Rec Room, en Steubenville, Ohio; Studio L, en Weirton, Virginia del Este; Uberwald Elektroakustik, en Chicago, Illinois. Ian Beabout, Jan Christiana, Dan Bozek y Rick Witkowski fueron los ingenieros repartidos en todos estos lugares. El primero de ellos se hizo cargo de las labores de mezcla y masterización en e lantes mencionado estudio ShedSounds Recordings. La bella portada es de la autoría de la banda junto Refestramus y Veseli ć &Veseli ć. La producción también involucró a la banda junto a Beaubout.

Vayamos ahora a los detalles del repertorio mismo. Todo empieza con ‘Storms’, una canción que se apoya directamente en su gancho y su garbo marchoso, el mismo que sabe incorporar algunos quiebres bastante dinámicos en su estructura rítmica. He aquí el híbrido perfecto de los STYX de 1978 y los KANSAS de 1976-80 para un oportuno primer fogonazo progresivo modernizado. A continuación, llega el turno de ‘Cossacks Dream’, esa antigua canción rusa a la que hicimos alusión más arriba. Aquí se modela como una solemne balada sinfónica que empieza con un piano barroco prontamente acompañado por el violín y una base orquestal; una vez asentado el cuerpo central, se despliega una ceremoniosa ingeniería melódica donde el boato diseñado para la ocasión es manejado con oportuna delicadeza. Hay unos fabulosos solos de guitarra en la sección intermedia que brindan altivez al desarrollo temático, lo cual implica un realce de su fulgor inherente. Primer cénit del disco: es verdad que nos hubiera gustado que durara un poco más, pero también está bien como quedó, a fin de cuentas, funciona muy bien como un estamento mini-épico. ‘Tonight, Tonight, Tonight, Tonight, Tonight’ emerge con un prólogo marcado por un groove al modo de jazz-pop, el cual sirve para abrir campo a lo que, en esencia, es una expansión de ambientes ceremoniosos sobre un medio tiempo. El empleo de expresiones dramáticas en el canto y las intervenciones del saxo y la guitarra añade fuerza de carácter al entramado sonoro. Tras un cierre etéreo, emerge ‘Lakeview Samurai’, canción diseñada para que el ensamble explora su gusto por las texturas gentiles y el enfoque estilizado del discurso rockero. Gozando de un swing más intrépido que el de la pieza precedente, preserva la ceremoniosidad general de ésta mientras le añade una dosis mayor de fulgor sónico. ‘Hell Or NYC’ absorbe y manifiesta un aura de suntuoso vodevil combinado con un surrealismo lúdico Devo-Zappiano: la traviesa agilidad del esquema rítmico principal y la inserción de un interludio combativamente señorial (un poco a lo INNER EAR BRIGADE) garantizan que la sofisticación progresiva siga haciéndose presente en ese momento de alevosía humorística.

‘Deathless’ es el ítem más extenso del disco con su espacio de 8 ½ minutos y contiene las secciones ‘Above Volokov’s Mill’, ‘Goodbye America!’ y ‘And He Always Will’. La canción comienza con un talante solemne debidamente arropado por texturas sinfónicas que suenan casi como un híbrido de los ECHOLYN del nuevo milenio y los GENESIS de 1976-78. Poco a poco se arma un crescendo de auténtico poder rockero que revela una mezcla de asertividad y angustia existencial: la suntuosidad reinante se retroalimenta eficazmente mientras pasan los minutos. La sección final comienza con un suave dueto de voz y guitarra acústica que abre campo a un epílogo que retoma parte del esplendor previo, pero con un evidente sentido de la mesura: es algo así como una extraña calma tras la tormenta interior. Otro culmen decisivo del repertorio. ‘The Lucky Ones’ es una canción sobria cuyo desarrollo melódico revela una gracilidad inspirada, un gancho muy especial. Los ornamentos de sintetizador y el groove al estilo de THE BEATLES de fines de los 60 y THE KINKS de inicios de los 70 permiten que la jovialidad comedida que reina en la atmósfera general preserve su aura distinguida de manera consistente. La dupla de ‘Wasteland, Pt. 1’ y ‘Another Country’ completa el repertorio. El primero de estos temas mencionados brinda un recurso de elegante ligereza que viene muy bien tras los despliegues de profunda emotividad y sistemática fastuosidad elaborados en los núcleos temáticos de las dos canciones precedentes. Mención especial para el solo de guitarra que entra a tallar a mitad de camino, quizá el más notable de todo el álbum. Por su parte, ‘Another Country’ se pone más fiero, coqueteando abiertamente con el hard rock melódico (algo cercano a los JOURNEY de 1980-81); el grupo está centrado en desarrollar un bloque melódico accesible que esté atravesado por un impulso majestuoso que haga posible la capitalización de la musculatura reinante. Todo esto es lo que se nos ofrece con “Morri’s Rock Boutique” desde los cuarteles de REFESTRAMUS, una nueva muestra de frescura y magna expresividad dentro de la actual escena progresiva estadounidense. Es bastante recomendable hacer una visita (o varias) a esta boutique rockera, la verdad que sí. 

Muestras de “Morri’s Rock Boutique”.-

Cosacks Dream: https://refestramus.bandcamp.com/track/cossacks-dream-feat-joe-deninzon

Tonight, Tonight, Tonight, Tonight, Tonight: https://refestramus.bandcamp.com/track/tonight-tonight-tonight-tonight-tonight-feat-lynx

Deathless: https://refestramus.bandcamp.com/track/deathless-incl-above-volokovs-mill-goodbye-america-and-he-always-will

ODISEA TANGO XXII y la vida perpetua del tango-fusión

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Hoy presentamos a ODISEA TANGO XXII, un joven ensamble argentino de tango-fusión progresivo y su álbum de debut “Y Nosotros Lo Hemos Matado”, el mismo que fue publicado por el heroico sello connacional Viajero Inmóvil a mediados de este mes de abril que ya se nos va. La alineación de ODISEA TANGO XXII consiste en Ulises Thayer (piano), Elías Alem (batería), Mateo Pérez Valente (bajo), Miguel Thayer (contrabajo), Facundo Díaz (guitarra), Agustín Matera (sintetizador) y Franco Bruschini (bandoneón). el material aquí contenido fue grabado en los Estudios Mudras entre septiembre de 2024 y febrero de 2026, siendo todas las composiciones de la autoría de Ulises Thayer. Se trata de una agrupación proveniente de lo profundo del Conurbano Sur del Gran Buenos Aires, integrada por jóvenes de entre 15 y 24 años. Las labores de producción y mezcla estuvieron a cargo de Ignacio Zavalla, mientras que la masterización fue hecha por Pablo Gastón Barros. El diseño gráfico es de Fran Pontenpie.

Repasemos ahora los detalles estrictamente musicales de este disco. Durando poco menos de 3 ¼ minutos, ‘Orfeo’ abre el álbum con un despliegue de agilidad colorida y juguetona que sabe conjugar a la perfección las texturas esenciales de la tradición tanguera y el vitalismo señorial inherente al foco distinguido del discurso rockero en su dialecto progresivo. El uso de un swing enmarcado en un tempo sofisticado ayuda a activar liberalmente los colores ínsitos en el desarrollo  melódico. Qué gean inicio de las cosas. Sigue a continuación la pieza justamente titulada ‘Y Nosotros Lo Hemos Matado’. El ensamble vira hacia un talante más misterioso, usando una atmósfera y un groove marcados por una espiritualidad otoñal. Hay un ansia introspectiva en el trasfondo de la suntuosidad sónica que se explaya exteriormente. La dupla de ‘La Mefistofélica’ y ‘Oda A Violencia Rivas’ sigue a continuación para expandir la paleta sonora del ensamble. El primero de estos temas mencionados retoma las policromías sistemáticas de la pieza inaugural y las remodela con una ceremoniosidad renovadora. El swing de la batería y los patrones temáticos del sintetizador dirigen el enclave colectivo al unísono. El ímpetu final oficia como un cautivador clímax epilogar donde se hacen presentes ciertos matices psicodélicos. En cuanto a ‘Oda A Violencia Rivas’, se trata de un ejercicio de jazz-fusion marcado por un dinamismo mesurado. La voz de protesta del inicio indica el significado social del título.* Esta vez es la guitarra quien asume el rol protagónico dentro de la arquitectura grupal. ‘Los Candiles’ es una pieza de piano solitario donde se elabora una muy inspirada ilación de tonalidades criollas. ‘Brindis Por Pillud’ comienza en un plano muy cercano a la ceremoniosidad grisácea que anteriormente signó al tema homónimo; en este caso, la ingeniería rítmica ostenta una mayor dosis de gracilidad. En la segunda mitad, las cosas se ponen un poco más luminosas, casi al modo del legendario trío ALAS en la época de su segundo álbum. 

Con su espacio de 8 minutos, ‘Proyecto Lluvia’ se erige como la pieza más extensa del álbum. Desde el punto de arranque se nota que la solemnidad es el índice expresivo a priorizar durante su desarrollo temático: la sección prologar marcada por sencillas armonías de piano, orquestaciones impresionistamente etéreas de sintetizador y nostálgicos fraseos de guitarra con talante Floydiano dejan eso muy claro. Una vez que el armazón rítmico instaura su firmeza definitiva, el foco grupal aumenta su suntuosidad para brindar una prestancia aumentada al motif central. Hay mucho de cinematográfico en el manejo de la composición; el grupo logró crear un paisaje sónico inmenso y envolvente a partir de una base armónica estructuralmente simple. ‘Don Sploindor’ se inicia con un solo de batería, abriendo luego una puerta para un centro melódico que combina los aspectos más ágiles y los más estilizados del ideario musical de la banda. Posiblemente podríamos describir esto como una mezcla entre los SPINETTA JADE del primer álbum y aquel añejo paradigma de la GENERACIÓN CERO de Rodolfo Mederos. Ojalá hubiese durado más esta hermosa pieza que parece contentarse con su espacio de 3 ¾ minutos, pero es que llega el turno de ‘Argos’, tema que trae consigo el cierre del repertorio. Su modus operandi sigue adelante con la manifestación más frontal del patrón del tango-fusión de siempre. Claro está, el bandoneón se apodera del rol protagónico en buena parte del esquema compositivo, pero también hay espacio para un introspectivo pasaje de piano solo (una vez más, nos acordamos de los ALAS del segundo disco). Aunque las teclas del piano surcan sus propios efluvios con un paso sereno, se hace notar un fulgor inmanente en el índice temático que va dibujando a lo largo de su caminata; es la preparación para el efímero golpe final colectivo. Todo esto fue lo que se nos brindó con “Y Nosotros Lo Hemos Matado” desde los cuarteles de esta congregación de jóvenes talentos que es ODISEA TANGO XXII. Nada muere en manos de esta agrupación, más bien, todo se reactiva con una vitalidad perpetúa en beneficio del ideal ecléctico del tango-fusión. A propósito, suena muy nietzscheano el título. ¡¡Muy recomendable!!

Muestras de “Y Nosotros Lo Hemos Matado”.- 

Orfeo: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/orfeo-2 

La Mefistofélica: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/la-mefistof-lica 

Proyecto Lluvia: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/proyecto-lluvia

* Violencia Rivas un personaje ficticio creado en 2009 por el actor y humorista argentino Diego Capusotto: la biografía de Vilencia es que ella fue una cantante de rock pionera del punk en los 60, y en la actualidad, es una satirista que cuestiona burlonamente el machismo, el consumismo, el abuso de poder, la sociedad del espectáculo, la apatía civil y muchas cosas más.

El esplendor sinfónico que brinda PHOG a la escena progresiva del año 2026

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
PHOG, el proyecto solista del multiinstrumentista y compositor francés Philippe Ogier, se hace presente en el escenario progresivo del año 2026 con su nuevo disco “Brightness”: éste fue publicado por vía independiente el 20 de febrero pasado. En el disco que hoy nos ocupa, Ogier, además de crear todo el material, se hace cargo de las guitarras, los teclados, el bajo, la flauta, el ukelele y las programaciones de ritmos. El amplio repertorio de “Brightness” nos brinda más de 51 minutos de esplendor sinfónico, siendo así que el resultado final es un paso natural e inteligente dentro del enfoque sonoro que PHOG ha venido madurando desde el tiempo de su disco “El Castillo” (2021). 
 
Prestando nuestros oídos al disco desde el punto de partida, nos damos cuenta de que éste comienza con la pieza justamente titulada ‘All Ears’: he aquí una advertencia sobre el tipo de colorido que será un tanto predominante en la estructura integral del repertorio. Musicalidad prístina con calculados espacios para la garra, claridad melódica inserta en una espiritualidad  solemne, refinado manejo de las texturas propias del discurso prog-sinfónico, enclaves rítmicos cuyas variantes son manejadas con fluidez. He aquí un inspirado híbrido de CAMEL, GENESIS y ECLAT que se concreta en un muy bien logrado punto de arranque para el álbum. ‘Find The Way’ sigue a continuación para surcar una senda más concisa que realza lo ceremonioso con miras a reforzar un desarrollo temático reconocible. El canto ayuda a mantener esta estrategia de refuerzo. Con la dupla de ‘Long Straight Line’ y ‘Tit For Tat’, se sigue explorando diversos matices prog-sinfónicos. El primero de estos temas mencionados empieza con un posicionamiento receptivo de los ecos del tema precedente para reactivarlos con un enfoque Floydiano, el mismo que se sostiene bajo la imponente guía de la guitarra. Más adelante, las cosas se tornan más gráciles y eso impulsa un retorno del factor Cameliano al frente, además de un fulgor renovador. Teniendo ahora los teclados un rol más relevante dentro del entramado musical, la alternancia entre pasajes animados y reposados es manejada con una fastuosidad exquisita que se muestra como un todo orquestado. El interludio pastoral que emerge a poco de pasada la frontera del cuarto minuto tiene una estupenda magia evocadora. Todo un cénit del álbum En cuanto a ‘Tit For Tat’, se trata de un ejercicio de sólidas expansiones melódicas que se apoyan en una mesurada musculatura. El medio tiempo diseñado para elaborar el motif central y sus ulteriores variantes está diseñado con un groove bastante versátil: de esta manera, los recursos de sobria sofisticación que van emergiendo a lo largo del camino pintan con pulso firme las tonalidades adicionales que proveen al tema de un colorido suficientemente expandido. Cierto parecido hay con el paradigma del colectivo compatriota ALCO FRISBASS.
 
Durando menos de 2 ½ minutos, ‘Northern Sky’ exhibe un aura bucólica al estilo de Anthony Phillips bajo una atmósfera flotante de relativo cariz cósmico. Las escalas armónicas de la guitarra acústica sustentan la ingeniería sónica integral. A partir de allí surge la pieza homónima: ‘Brightness’ fusiona los ambientes y grooves centrales de los temas #1 y #3, jugando con conexiones fluidas entre los variados ritmos y ambientes. ‘Road & Trip’ es otro momento culminante del repertorio: casi como una pieza prima-hermana de la homónima, explora los índices y senderos más suntuosos del esquema estilístico de PHOG sesuda estilización. Eso sí, sus ambiciones estructurales son más elevadas, aparte de que la fuerza de carácter del esquema instrumental global ostenta una organicidad más fastuosa. Cuando llega el turno de ‘Forest Echoes’, reconocemos en él una conexión directa con el vitalismo sofisticado del tema precedente y del inaugural, dejándose llevar por una agilidad aristocrática muy Cameliana. ‘Shadow Of Memory’ trae consigo el cierre del álbum: también es el tema más extenso del mismo con sus cerca de 9 ¾ minutos de duración, siendo articulado como el cénit decisivo que el disco merece en base a una combinación compacta de los recursos de claridad melódica, agilidad y vibraciones contemplativas que se han venido desarrollando en la secuencia de los tres temas precedentes. De hecho, se reitera aquí algo del sosiego contemplativo que apreciamos en ‘Road & Trip’, pero también hay algunos parajes marcados por una vivacidad consistentemente colorida, la cual abre camino al explayamiento de un swing razonablemente animado para sostener algunos focos temáticos. Las influencias de Anthony Phillips y Mike Oldfield se hacen notar en varios momentos. Todo esto fue lo que se nos brindó con “Brightness” desde el solitario cuartel musical del maestro Philippe Ogier: una vez más, PHOG se posiciona en un sitial preferente dentro de la élite de la música prog-sinfónica de nuestros días. Bastante recomendable este disco, no tenemos duda alguna al respecto. 

 
 
Muestras de “Brightness”.-

Long Straight Line: https://phog.bandcamp.com/track/long-straight-line

Road & Trip: https://phog.bandcamp.com/track/road-trip

Shadow Of Memory: https://phog.bandcamp.com/track/shadow-of-memory

TRIBEMOL y los espacios recuperados de la BANDA SPINETTA

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA  

Viajamos un poco atrás en el tiempo al año 2024 y encontramos un disco muy especial para el ayer y el hoy de la escena jazz-progresiva argentina: “Los Espacios Amados” de TRIBEMOL, el ensamble jazz-progresivo liderado por el bajista y compositor Fabi Spampinato y que en esta ocasión resucitó para rescatar y celebrar una etapa “casi perdida” del legendario Luis Alberto Spinetta donde él exploró el discurso del jazz-rock con inclinaciones progresivas. A poco de finiquitado el grupo INVISIBLE y mientras buscaba asentar la retoma de su carrera solista, Spinetta organizó “Los Espacios Amados”, un ciclo de conciertos realizados en los años 1977 y 1978, usando el simple nombre de LA BANDA SPINETTA. La banda era un quinteto conformado por el baterista Luis Cerávolo, el bajista Machi (compañero de INVISIBLE que terminó reemplazando a Ricardo Sanz), el saxofonista Bernardo Baraj, el teclista Edu Zvetelman y el propio Luis Alberto (“El Flaco”) en guitarra y voz. De hecho, existe un bootleg pirata de un concierto de LA BANDA SPINETTA que recoge un concierto de abril de 1978. Ocasionalmente, otros músicos se incorporaban al grupo en conciertos mientras no concretaba un contrato de grabación en estudio. Y sin él se terminó disolviendo. En el disco que hoy nos ocupa, Spampinato se reparte entre los bajos Fender Precision, Jazz Bass, Rickenbacker y FO de 5 cuerdas, las guitarras eléctricas y acústicas, los pianos acústico y eléctrico Fender Rhodes, el sintetizador, el órgano Hammond, las percusiones, las programaciones y los efectos. También canta. 

Spampinato recibe las colaboraciones de Nico Muchiut (teclados), Luciano Spampinato (guitarras), Ramón Medina (saxos tenor y alto), Tincho Cabello (teclados), Ale Suárez (guitarra), Óscar Moyano (flauta y saxo tenor), Antoine Cara (batería), Tristán Banks (batería), Magalí Loidi (batería), Male Garça (teclados), Paquito Marín (saxos tenor y soprano), Fran Carreño (guitarra), Jorge Senno (guitarra), Osvaldo Fernández (guitarra), Fabián Cuocci (bajo y voz), Diego Zamorano (batería), Rodrigo Gouveia (guitarra) y Pepol Lapouble (voz, teclados y pads). Hay también intervenciones vocales de Carrie Izquiewicz Aston, Alice Ivonne y Gabriel Costa. Yendo al disco en sí, todo se inicia con ‘Covadonga’, un muy elegante tema focalizado sobre un medio tiempo que desarrolla con total naturalidad su cristalino lirismo. Las variaciones sofisticadas del esquema rítmico básico sustentan una gentil gracilidad desde donde se mpulsa el embrujo de los solos de saxo, guitarra y teclado que van emergiendo a lo largo del camino. Hay algunos pasajes muy calculados donde el groove reinante gana en vigor. Sigue a continuación ‘Tanino’, que empieza como una gentil balada cuyo delicado centro melódico se deja arropar por una candidez conmovedora. Más adelante, surge una vivacidad imponente y exquisita donde los fraseos de la guitarra vuelan a placer. Al final del trayecto, regresa el motif originario. En muchos sentidos, aquí hay un parentesco con el estándar de SPINETTA JADE. ‘Tríptico Del Eterno Verdor’ es la pieza más extensa del álbum con sus más de 13 ¼ minutos de duración, y vaya si no le saca buen provecho a su amplia expansión. Todo empieza con una serenidad etérea marcada por texturas delicadas un tanto afines a las que predominaron en la canción anterior. Se nota un mayor señorío expresivo aquí, incluyendo un canto más asertivo. Antes de llegar a la frontera del tercer minuto, las cosas se agitan sobre una sofisticada ingeniería rítmica que hermana los paradigmas de RETURN TO FOREVER y HAPPY THE MAN. Este esplendor renovador activa sonoridades consistentemente animadas que saben incorporar variaciones sumamente cautivadoras hasta que una nueva sección cantada convoca a un nuevo recurso de serena gracilidad. El último tercio sirve para preparar y, luego, activar un nuevo verdor fulguroso y lozano.

‘Bahiana Split’ se encarga de ampliar el espíritu intensamente celebratorio con que terminó el tema precedente por vía de una agilidad definida por trazos de fusión latina. La complejidad del swing sostiene el ancla telúrica para este viaje que incluye dos fiestas particulares de sendas baterías. ‘Las Alas Del Grillo’ es una pieza tranquila, mas no parsimoniosa: sobre su tempo reposado, el núcleo temático y los solos ornamentales son manejados con fuerza de carácter. Algarabía en estado químicamente puro y vestido de gala imperial. Cuando llega el turno de ‘Estrella Gris’, el ensamble se dispone a perpetuar esos aires de balada y lo hace con un enfoque genuinamente progresivo en lo referente al manejo de policromías sónicas. El penúltimo tema se titula precisamente ‘Los Espacios Amados’ y su talante claramente jazz-progresivo es manejado con un factor un tanto grisáceo. La atmósfera general de su desarrollo temático emana un aura crepuscular exquisitamente explayada, lo cual crea un frente antela espiritualidad entusiasta reflejada en varios de los motivos elaborados por la guitarra. Una mención especial para el hermoso solo de bajo que entra a tallar a lo largo del camino, así como al que tal vez sea el más hermoso solo de piano eléctrico de todo el disco. Otro atisbo del camino a seguir  por SPINETTA JADE. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘El Turquito’, pieza signada por un elegante esplendor. El juego de cadencias armado por la dupla rítmica da una envolvente distinción al sencillo núcleo melódico. Todo esto fue lo que se nos brindó en “Los Espacios Amados”, un proyecto muy especial de TRIBEMOL que reconstruye un episodio muy creativo dentro de la historia de la avanzada jazz-progresiva de los 70 y que no merece perderse en el olvido. De una manera u otra, esto es más que un homenaje como cualquier otro, es la reactivación de un momento vital para que pueda perdurar sólidamente en la memoria melómana eterna. No es un rescate panteológico, no es una transcripción de un texto perdido, es una reconstrucción legítimamente sesuda. Por todo esto, resulta ser un excelente ítem para cualquier buena fonoteca ampliada para las más excelsas propuestas musicales de todos los lugares y tiempos.

Muestras de “Los Espacios Amados”.- 

Covadonga: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/covadonga 

Tríptico Del Eterno Verdor: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/triptico-del-eterno-verdor 

Los Espacios Amados: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/los-espacios-amados

BIG BIG TRAIN: un nuevo tallado de la más noble madera del rock progresivo actual

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy se da la ocasión de presentar “Woodcut”, el nuevo trabajo del colectivo multinacional de origen inglés BIG BIG TRAIN, el mismo que fue publicado en la primera semana de febrero por el sello Inside Out Music. Los formatos son en CD, vinilo (colores negro y blanco) y una edición especial de CD + Blu-ray. La alineación de BIG BIG TRAIN consta actualmente de Alberto Bravin [voz, guitarras acústica y eléctrica, sintetizador Moog y mellotrón], Nick D’Virgilio [batería, percusión, teclados, guitarras acústica y de 12 cuerdas, y coros], Oskar Holldorff [piano clásico, pianos eléctricos Wurlitzer y Fender Rhodes, órgano Hammond, sintetizadores, mellotrón y coros], Clare Lindley [violín, guitarra acústica y coros], Paul Mitchell [trompetas y coros], Rikard Sjöblom [guitarras eléctricas de 6 y 12 cuerdas, órgano Hammond y coros] y Gregory Spawton [bajo, pedales bajos, guitarra acústica de 12 cuerdas, mellotrón y coros]. El grupo recibe las colaboraciones ocasionales de Brian Mullan (cello) y Maddie Wegg (clarinete y flauta alto). El propio Mullan alterna con Bravin y Lindley las labores de arreglos de cuerdas. Bravin, quien todavía es visto como el nuevo vecino en el barrio de BIG BIG TRAIN, estuvo muy activo en el proceso de mezcla junto a Rob Aubrey (un amigo de la casa cuyo amplio CV incluye discos de IQ, JADIS, THRESHOLD, LANDMARQ, etc.). Todos los temas siguen una ilación en este álbum conceptual que gira en torno a los momentos de creatividad y agotamiento del artista; la inspiración primaria fue una visita a una exposición de xilografías del maestro noruego EDVARD MUNCH. La mayor parte de las sesiones de grabación para “Woodcut” se llevaron a cabo en los Sweetwater Studios (abril de 2025), aunque también se hizo uso de los Aubitt Studios en el siguiente mes de julio: en ambos estudios también se realizó la mezcla. La imagen de la portada muestra una xilografía de Robin Mackenzie. El disco está dedicado a la memoria de David Longdon, quien desde 2009 hasta su prematura muerte en 2021 fue el frontman de la banda. Veamos ahora los detalles del prolijo repertorio del disco que hoy nos convoca.

 

La miniatura de menos de 1 minuto ‘Inkwell Black’ inicia las cosas con un solemne arreglo de cuerdas al cual se añaden sedosos matices de trompeta. De este ensoñador prólogo emerge ‘The Artist’, una canción bastante ágil que se sitúa cómodamente en un lugar híbrido de sinfonismo y prog-folk. Los aires Genesianos que se usan aquí absorben fluidamente los colores bucólicos que brindan una prestancia encantadora al razonablemente complejo desarrollo temático. Los cambios de ritmo que surgen en el camino son manejados con impoluta fluidez. ‘The Lie Of The Land’ sigue adelante con parte de la distinguida gracilidad que marcó a la canción precedente, bajando un poco la sofisticación e incrementando el fulgor sónico. Definitivamente, hay una mayor dosis de alegría en el despliegue emotivo señalado por el desarrollo melódico. ‘The Sharpest Blade’ cumple con la función de calmar un poco las cosas al modo de una semi-balada acústica donde los matices folk-progresivos aportados por el sintetizador y el violín anuncia lo que pronto será un despliegue de envolvente fastuosidad. Ésta terminará con un fastuoso clímax rockero. ‘Albion Press’ regresa a la estrategia de cadencias y matices refinados que tan buenos réditos dio a la segunda canción,  esta vez, con una mayor musculatura rockera. En la última sección, una espiritualidad ceremoniosa signa al marco musical, anticipando el núcleo central de ‘Arcadia’, la siguiente canción. Ésta es una balada emotiva y suntuosa que bebe por igual de las aguas de GENESIS y CAMEL a través de un filtro moderno. Todo ello se condensa en un inspirado ejercicio de calidez melódica donde, una vez más, se explota cabalmente la fuerza de carácter de la primera voz. La miniatura ‘Second Press’ exhibe otro envolvente arreglo de cuerdas, esta vez, para impulsar la emergencia de ‘Warp And Weft’. Esta octava canción nos muestra nuevamente a un ensamble enfocado en su faceta más vitalista. El groove es razonablemente sofisticado y la musculatura de los guitarreos es sólidamente contundente. Algunas confluencias hay con los patrones estilísticos de SPOCK’S BEARD y ARENA.

 

‘Chimaera’ se centra en una línea de trabajo folk-rockera que sabe asumir un aura progresiva muy pronto con los arreglos de cuerdas y de teclados que van emergiendo a lo largo del camino. La claridad melódica en curso va ganando vigor mientras la canción avanza bajo una atmósfera palaciega. Cuando llega el turno de ‘Dead Point’, el grupo se dispone a seguir esta estela ceremoniosa, operando con un esquema un poco más aguerrido. Mención especial para los señoriales solos de sintetizador y de guitarra que entran a tallar antes del último estribillo. ‘Light Without Heat’ es una balada relativamente sencilla que se enfoca en lo introspectivo con aires Genesianos. ‘Dreams In Black And White’ focaliza su motif central en un complejo arreglo coral que parece tentar al paradigma de GENTLE GIANT, pero más parece encuadrado en un espíritu Yessiano. Sin llegar a tocar la frontera de los tres minutos, dice mucho melódicamente hablando. Cuando llega el turno del extenso instrumental ‘Cut And Run’, el ensamble regresa al camino de vibraciones agitadas y elaboraciones rockeras eclécticas, incluso incorporando algunos recursos de densidad. La fastuosidad más esencial del idesrio histórico de BIG BIG TRAIN ha vuelto al frente con esplendor autoritario y rigurosa exquisitez. La breve pieza ‘Hawthorn White’ es un hermoso ejercicio sinfónico centrado en el hermanamiento de piano y violín, realizándose como un enclave romántico. ‘Counting Stars’ regresa a toda plenitud por la senda de refinadas exploraciones melódicas bajo un esquema de balada prog-sinfónica con una pasión poética. El canto es particularmente intenso y la cualidad evocadora del solo de guitarra hace de su garra inherente una emisión de luminosidad aristocrática. Sus últimas notas arman el puente hacia la canción idóneamente titulada ‘Last Stand’, que es la encargada de cerrar el repertorio. Manteniendo incólume la emotividad esencial de la canción anterior, su expresividad es un poco más solemne. Para la sección epilogar, la banda retoma partes de la segunda canción para cerrar el círculo conceptual sónico con plena efectividad. 

Toda esta fue la oferta presente de BIG BIG TRAIN con “Woodcut”, un disco que, aunque no nos impresiona tanto como la hilera de trabajos entre 2021 y 2024 (de “Common Ground” a “The Likes Of Us”), tiene bastantes méritos de creatividad musical como para merecer un lugar en cualquier buena fonoteca progresiva. Su colorido integral es eficiente y refinado, y logra preservar la voz de BIG BIG TRAIN dentro de la música progresiva de estas últimas décadas.

 
 
Muestras de “Woodcut”.-
The Artist: https://bigbigtrain.bandcamp.com/track/the-artist
Albion Press: https://bigbigtrain.bandcamp.com/track/albion-press

Arcadia: https://bigbigtrain.bandcamp.com/track/arcadia
Chimaera: https://bigbigtrain.bandcamp.com/track/chimaera
Cut And Run:  https://bigbigtrain.bandcamp.com/track/cut-and-run

STEPHAN THELEN y su cuarta ronda de exploraciones fractales

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy tenemos el placer de presentar “Fractal Guitar 4”, el más reciente trabajo del maestro suizo-estadounidense STEPHAN THELEN. La fecha oficial del lanzamiento de este disco por vía del sello MoonJune Records es el primer día del próximo mes de mayo. El maestro THELEN, además de tocar al guitarra y realizar efectos fractales con ella, también se hace cargo del piano eléctrico, el órgano, los sintetizadores, algunas percusiones, la kalimba y varias programaciones. Acompañan al maestro STEPHAN Eivind Aarset (guitarras eléctrica y E-bow, bajo, soundscapes y efectos), Markus Reuter (U8 touch guitar), Jon Durant (guitarras con y sin trastes, acústica y Cloud Guitar), Stefan Huth (bajo y AU8 Touch Guitar), Yogev Gabay (batería y percusión), Giri Subramaniam (tabla), Andi Pupato (framedrum, hi-hat, campanas azzam y otras percusiones) y Fabio Anile (piano eléctrico Fender Rhodes). La producción de este disco se realizó en Bucarest, Rumanía, entre marzo y diciembre del pasado año 2025, bajo el mando del propio STEPHAN THELEN, quien también es el autor exclusivo de todo el material aquí contenido. Hay un tema coescrito con Aarset y otro con J. Peter Schwalm y el ya mencionado Aarset. Las grabaciones se hicieron en diversas locaciones de Bucarest, Oslo, Portland, Boston, Zürich, Roma, Berlín y Krefeld. THELEN también se hizo cargo de las labores de mezcla, siendo así que también fue partícipe Cristi Dobrica en algunos temas desde el Ines Sound Studio. La fotografía ‘Triangle – 6’ que ilustra la portada es de la autoría de Arnaud Bertrande, de la serie Dark City.

 
‘In Search Of The Miraculous’ inicia el rumbo de las cosas ocupando un espacio de 13 ¼ minutos; es, de hecho, la pieza más extensa del repertorio. Desde muy pronto se revela como un tema bien asentado sobre la confluencia de riffs arquitectónicamente aguerridos y un tremendamente ingenioso esquema de síncopas sobre un compás inusual. Los solos de guitarra y las bases de teclados van fluyendo con un talante aristocrático mientras la batería va añadiendo creativos ornamentos al groove reinante, siempre con una actitud de amenaza de que las cosas virarán hacia un lugar de impetuosas exaltaciones. Poco antes de llegar a la frontera del quinto minuto y medio, surge un breve interludio que sirve para que cierta dosis de esa exaltación se articule dentro de la bien definida arquitectura musical. Más adelante, otro interludio sacará al frente un aura misteriosa, la cual se volverá predominante en lo que resta del tema, algo que se refuerza con el tenor ambient de la coda. Muy buen inicio de álbum. A continuación, llega el turno de ‘Fractal Guitar Goes To Africa’, que, tal como lo sugiere su título, se explaya en un swing exótico mientras el armazón sónico global revela un fulgor imponente. Las vibraciones extrovertidas mantienen una firme constancia en medio de las ligeras variantes que surgen en el camino. ‘Haumea’ es la nueva versión de un tema de “Transneptunian Planets” del dúo de J. Peter Schwalm y THELEN. En este contexto, la ingeniería sónica resuena inicialmente con un aura crepuscular muy pronunciada, lo cual hace que el sutil desarrollo temático se deje arropar masivamente por flotantes capas cósmicas. El swing de la batería mantiene un perfil jazzero, el cual se torna un poco más macizo mientras la pieza se impulsa por un crescendo psicodélico. Lo cósmico se volvió señorialmente denso. ‘Crossroads’ (composición dedicada a Bill Laswell) es una pieza donde se destaca la lucidez matemática de los juegos de síncopas mientras los músicos actuantes elaboran una cristalina mezcla de space-rock y etno-fusión. Este último factor facilita el refuerzo de un groove grácil. 

 
‘Creatures Of The Night’ elabora una estrategia híbrida desde los ecos recibidos de los dos temas precedentes: las agitaciones espaciales de uno y los meticulosos matices exóticos del otro. Dentro de este esquema musical, los instrumentos se asocian dentro de un muy fluido entramado marcado por un espíritu contemplativo. La dupla de ‘Eclipse, Phase 1 (Into The Darkness)’ y ‘Eclipse, Phase 2 (Into The Light)’ ocupa un espacio global de poco más de 14 ¼ minutos. La Fase 1 se deja llevar por una refinada gracilidad desde donde se expande una ácida serenidad que coquetea con lo espectral. Reina primordialmente un talante minimalista en el hecho de que los retazos abstractos de las guitarras ocupen un rol tan protagónico sobre la poderosa base de batería. La Fase 2 exhibe un groove sólido desde el primer instante, siendo así que su sobria parsimonia sirve para que la atmósfera general se enriquezca de forma sostenida mientras los diversos ornamentos de guitarra y de teclados van aportando sus matices propios al paisaje integral. A poco de pasada la frontera del tercer minuto y medio, el armazón sonoro recibe una musculatura renovadora bajo el punzante embrujo del solo de guitarra. Una oportuna contraparte a la Fase precedente cuya serenidad postrera sustenta un envolvente epílogo elegantemente aterrizado. El cierre del repertorio lo trae ‘In Search Of The Miraculous (Coda)’, una excursión atmosférica bien ajustada a su propia espiritualidad arcana. Todo esto fue “Fractal Guitar 4”, una nueva muestra de la visión artística de STEPHAN THELEN en su muy peculiar manera de diseñar texturas dentro de la experimentación rockera. Muy recomendable.
 
 
Muestra de “Fractal Guitar 4”.-
Eclipse, Phase 2 (Into The Light): https://stephanthelen.bandcamp.com/track/eclipse-phase-2-into-the-light

ANGINE DE POITRINE, la nueva voz de la avanzada math-rockera francocanadiense

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy presentamos al dúo francocanadiense ANGINE DE POITRINE y su reciente segundo trabajo de estudio: “Vol. II” es el simple título de esta obra fonográfica que fue publicada por vía independiente a inicios del presente abril (hace muy poco). Sucede por menos de dos años a “Vol. I”, disco que llamó bastante la atención en su momento, y ahora tenemos este nuevo álbum con miras a la consagración de ANGINE DE POITRINE. Este ensamble conformado por KHN de Poitrine [guitarras microtonales, bajo, sintetizador, loops y voz] y Klek de Poitrine [batería, percusión y voz] se inició en 2019 en la localidad de Sigueney, siendo así que su visión musical se centra en la virtuosa travesura de combinar los paradigmas de HELLA, BATTLES y ULTRAZOOK con algunos tintes Zappianos y otros inspirados en el patrón Crimsoniano de los 80. Básicamente, se trata de un híbrido de math-rock y avant-prog con una masiva dosis de jovialidad. El hecho de que los dos músicos gusten de disfrazarse sobre el escenario capitaliza visualmente lo que en la práctica concreta es la realización de una visión dadaísta del rock experimental con orientación progresiva. El material aquí contenido fue grabado en los estudios Gramofaune y Centre d’Expérimentacion Musicale (CEM); Tek de Poitrine se hizo cargo de la mezcla y la masterización. La imagen de la portada es de la autoría de Arielle Corbeau en base a una composición visual de Rémi Sauvé. El dúo agradece el apoyo financiero que recibió de parte del Conseil des Arts du Canada para la producción concreta de este disco (que, en la logística de estudio, estuvo a cargo del grupo junto a Fabien Peterson).

Repasemos ahora los detalles mismos del repertorio. Los primeros 6 ½ minutos del disco están ocupados por ‘Fabienk’, una pieza que deja constancia plena de su agilidad sistemática desde los primeros instantes. Las pulsaciones iniciales de la guitarra marcan la pauta para lo que pronto implosionará como un ejercicio de sofisticadas síncopas impulsadas por una jovialidad surrealista que algo debe al paradigma de PRIMUS, pero que mayormente se asienta en el estándar math-rockero de los 90 en adelante. Los cánticos juguetones que surgen a mitad de camino apuntalan drásticas tonalidades humorísticas antes de que el bloque sonoro retome el groove inicial. Un estupendo punto de arranque tras el cual emerge ‘Mata Zyklek’, tema que tiene la misión de recoger los ecos de la pieza inaugural y hacerlos virar hacia una ingeniería más tensa y más visceral. Eso sí, el aura traviesa sigue incólume y lo que suena parece una remodelación del no-wave a través de un filtro conjunto de la compacidad muscular de NEU! y la algarabía radical de ULTRAZOOK. El uso del impetuoso esquema rítmico diseñado para la ocasión tiene algo de mecanicista mientras los riffs centrales juegan con bien perfiladas variantes a través del atropellado trayecto; mientras tanto, los juegos polirrítmicos de la batería logran dar consistencia a este despliegue de esquemáticas variaciones. La luminosidad ha estado en aumento. pero ‘Sarniezz’ se encarga de jugar con vibraciones un tanto más ceremoniosas en buena parte de su desarrollo temático, aunque el aspecto del vigor rockero, éste sigue incólume. De hecho, absorbiendo un reciclaje del motorik empleado en varias secciones del tema precedente, acentúa su talante machacante. También hay algunos elementos del aspecto más ácido de THE RESIDENTS. Cuando llega el turno de ‘Utzp’ – el tema más extenso del disco con sus más de 6 ¾ minutos de duración –, el dúo se dispone a jugar con climas y ritmos circenses con algunos matices folclóricos de inspiración eslava. El crescendo que se impone a mitad de camino sirve para reactivar un dinamismo explosivo que pone una amena cuota de metal experimental dentro del constante delirio lúdico. 

‘Yor Zarad’ revela una experimentación con sugerentes aires arábigos en el armazón temático con el cual el grupo quiere volver a hacer un nuevo ejercicio de prestancia intrépida. Básicamente, lo que el dúo perpetra aquí es una síntesis de los espíritus expresivos de los temas #2 y #4, pero se preocupa por brindar algo nuevo dentro de un esquema de trabajo ya reconocible, y el recurso renovador es el empleo de escalas exóticamente cautivadoras para el motif central. Se puede advertir algunos trazos de punk-jazz en los parajes más aguerridos. También cabe resaltar notar que, cerca del final, entra a tallar el solo de guitarra más filudo de todo el álbum: es breve, pero su impacto es muy crucial para completar los matices incendiarios del clímax conclusivo. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘Angor’, un tema que remodela los aires señoriales de la pieza #1, esta vez, con un talante un poco más grave: de paso, también notamos una reiteración de las franjas sonoras exóticas que también fueron relevantes para el tema precedente. Una vez más, el enfoque polirrítmico de la batería funciona con una perfecta mezcla de precisión arquitectónica y vitalismo. Todo esto es lo que se nos brindó desde los cuarteles de este peculiar grupo quebequense que es ANGINE DE POITRINE. Durando poco menos de 37 minutos, “Vol. II” exhibe, de manera muy pareja, suficientes dosis de ingenio y fuerza de carácter como para erigirse en un ítem sumamente relevante para la vanguardia math-rockera de este año 2026. Sin duda, muy recomendable para cualquier fonoteca de rock artístico debidamente actualizada.  

Muestras de “Vol. II”.-

Fabienk: https://anginedepoitrine.bandcamp.com/track/fabienk-2 

Yor Zarad: https://anginedepoitrine.bandcamp.com/track/yor-zarad

TELEGRAPH: la topografía progresiva de unas mentes rockeras de Israel

 

 
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy presentamos al grupo israelí TELEGRAPH y su segundo trabajo fonográfico “Topography Of Mind”, el cual fue publicado el 22 de febrero último por vía autogestionada. Este cuarteto conformado por Avi Barak [batería y flauta], Liran Herrnstadt [bajo y voz], Eze Sakson [teclados y sintetizadores] y Tal Rubinstein (Stein) [guitarras y coros] cultiva una modalidad híbrida de psicodelia contemplativa y prog sinfónico a la usanza retro. Su disco anterior “Mir”, que data de septiembre de 2018, ya había llamado la atención en varios blogs dedicados a la difusión del art-rock, y ahora, este disco sucesor promete hacerlo aún más. TELEGRAPH se fundó en la ciudad de Tel Aviv en el año 2009 con músicos residentes en varias ciudades (Natanya, Tel Aviv, Ramat Gan y Hod Hashron). Tras un periodo de ruptura, el grupo se reunificó y empezó a centrarse en una carrera más consistente y, bueno, ya tiene en s ucurrículum un segundo disco de estudio. El material aquí recogido fue grabado en los Shalter Studios en marzo de 2024, siendo Itai Zichri el ingeniero de sónido. Él mismo compartió con Lenny Ben Basat las labores de mezcla y masterización. “Topography Of Mind” es un álbum conceptual sobre la memoria, sus pulsiones internas y sus maneras de manifestarse exteriormente. El grupo refuerza esta noción con una cita del poeta judío ucraniano SAUL TCHERNICHOVSKY: “El hombre no es sino el molde del paisaje de su tierra natal.” En algunos pasajes de este álbum, la gente de TELEGRAPH tuvo la colaboración de Salit Lahav. La portada fue realizada por Michael Druks. Bueno, revisemos ahora los detalles estrictamente musicales del disco que hoy nos convoca.

 
La pieza justamente titulada ‘Topography Of Mind’ se encarga de abrir el repertorio y lo hace a lo grande. Tras un breve preludio dirigido por la flauta a la que pronto se unen los demás  instrumentos en un efímero delirio cósmico, el grupo arma un motif bastante ágil con nostálgicos ribetes Camelianos; el solo de órgano ostenta una eficiente vivacidad y el posterior solo de guitarra despliega un esplendor bastante estilizado. A mitad de camino emerge un interludio espacial que, de a pocos, pone los cimientos para un segundo despliegue de tonalidades sinfónicas, esta vez, situadas en un terreno híbrido entre los PINK FLOYD de 1975 y los GENESIS de 1976. En este nuevo contexto musical, la atmósfera lánguida sirve para impulsar una espiritualidad relajada e introspectiva. Los efectos finales son de alguien subiendo a un vehículo y encendiendo la radio y es así como llega el turno de ‘Field Of Fade Memory’, la pieza más larga del disco con sus 11 ¾ minutos de duración. Comienza con una aureola de expansiva y envolvente balada pastoral (como WHITE WILLOW y JORDSJØ), acomodándose a una ampliación de las vibraciones introspectivas que ya se introdujeron en la canción de apertura. Una segunda sección anima un poco las cosas con un luminoso motif en 7/8 que parece modelado bajo las guías simultáneas de GENESIS y ELOY. Una vez retornado el foco folk-progresivo, la banda le añade unos matices extra para gestar un epílogo en clave ensoñadora. Posiblemente tenemos aquí el cénit definitivo del álbum. ‘Valley Of Delirium’ perpetúa varios de los índices expresivos anteriores, empezando con un severo ahondamiento en los colores pastorales para la sección prologar. El notoriamente parsimonioso swing armado para el cuerpo central arrastra la sedosa gentileza del susodicho prólogo para que, en manos de los instrumentos eléctricos, ella adquiera un aura más engalanada. Poco antes se llegar a la frontera del octavo minuto, surge una punzante figura de bajo que empuja al colectivo a dejarse llevar por una luminosidad extrovertida que se deja arropar apropiadamente por texturas joviales dominadas por el sintetizador. El epílogo se basa en una retoma del prólogo. 

 
‘Somewhere Along These Lines’ es el tema encargado de cerrar el álbum. Su línea de trabajo se asemeja en buena medida a la del tema #2, aunque con una suntuosidad más señorial, mostrando una gran cercanía con el paradigma de los PINK FLOYD de 1973-75. La sosegada estructura rítmica sostiene solventemente a las capas de teclados así como a los sucesivos solos de guitarra y de sintetizador, lo cual se traduce en una sobria suntuosidad que sabe ser elocuente con relativa delicadeza. Alrededor de la frontera del sexto minuto se empieza a instalar un nuevo motif que es, a su vez, más refinado y más misterioso: de este modo, el ambiente general incrementa su aura solemne, la cual incorpora algunos aires post-rockeros en su armazón sónico general. Todo esto es lo que se nos ofrece con “Topography Of Mind” desde los cuarteles de TELEGRAPH: una creativa muestra de reactivación del estándar prog-sinfónico para nuestros tiempos donde la estrategia musical pone énfasis en atmósferas meditabundas y una sistemática claridad melódica en clave de evocadora sencillez. En general, un disco bastante recomendable para cualquier buena colección de art-rock. 

 
 
Muestras de “Topography Of Mind”.-
Topography Of Mind: https://telegraphband.bandcamp.com/track/topography-of-mind
Field Of Fade Memory: https://telegraphband.bandcamp.com/track/field-of-fade-memory