Liminalidad y plenitud de la música progresiva de SONUS UMBRA

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Lo nuevo del grupo SONUS UMBRA es una realidad desde inicios de octubre y, como siempre, supone una novedad muy sugerente para la escena progresiva estadounidense del momento. El disco en cuestión se titula “Liminality” y tiene su inspiración conceptual en un dramático caso de la vida real, el diagnóstico de un tumor cerebral de su fundador y bajista Luis Nasser, lo cual motivó reflexiones sobre la vida como un estado de transición e incertidumbre frente a la mortalidad inevitable. Dos años después de su celebrado álbum conceptual de temática sociopolítica “Whiteout”, el ahora aumentado personal de SONUS UMBRA consta del mencionado Nasser al bajo, los pedales y el diseño sonoro, Steve Katsikas al canto, los teclados y el saxofón, Richard Poston y Tim McCaskey a las guitarras eléctricas y acústicas, Steve Royce a la flauta y los coros, Thor Bremer a la batería y la percusión, y David Keller al cello. El repertorio del álbum que hoy nos ocupa se reparte en dos suites, o mejor dicho, capítulos: se titulan ‘Truce With My Shadow’ y ‘Liminality’, respectivamente. ProgRock.com’s Essentials tuvo la iniciativa de gestar la publicación de “Liminality”, a la sazón, la novena obra de estudio de SONUS UMBRA. 

‘Electronic Death Music Pt. 1 (The Night I Died)’ da inicio al repertorio con un prólogo mecánico, tras el cual, el ensamble irrumpe con una actitud ceremoniosa para asentar un cuerpo central marcado por dramáticas vibraciones rockeras. Ya sobre la frontera del segundo minuto y medio, el desarrollo temático se torna más aguerrido y sofisticado. Los aportes del saxofón y de la flauta añaden matices interesantes a la paleta sonora mientras el nervio de la batería sustenta solventemente la ingeniería global. ‘Patient Spider’ sigue a continuación para establecer un aura de semi-balada progresiva que se enmarca dentro de una red de confluencias con KARMACANIC y PORCUPINE TREE. A mitad de camino, el esquema sónico se torna un poco más denso mientras se preserva el foco melódico, siendo así que el canto teatral de Katsikas realza la incandescencia emotiva. Ésta se preserva en el epílogo bucólico. ‘Rubicon Or Lethe’ empieza recogiendo los aires serenos de la última parte de la canción precedente y elabora, a partir de allí, un trayecto musical evocador y envolvente que, a mitad de camino, asume un swing más ágil. Es en este momento que el grupo traza un motif de tenor prog-folk con añadidos matices psicodélicos. Una vez que la canción vuelve al centro temático inicial para el epílogo, se prepara el cierre de la primera suite con ‘Electronic Death Music Pt. 2 (Phantasmagoria)’. Exhibiendo un versátil vigor que transita desde el leve coqueteo con el prog-metal hacia una parsimoniosa magnificencia sinfónica, el grupo hace gala de sus recursos más fastuosos. Los pasajes más pesados abren espacios para poderosos solos y riffs de guitarra mientras la flauta añade sugerentes tonalidades en diversos momentos estratégicos. El intenso final es bastante eficaz a la hora de completar este masivo enclave musical que ha durado más de 31 minutos. Opinamos que estas dos secciones son los cénit de esta primera suite.

Lo que queda es la suite homónima, la cual ocupa un espacio de poco más de 21 ½ minutos. ‘Uniquely’ es la primera sección y su inicio cañero exuda un incendiario carisma rockero, mas cuando entra a tallar el canto, el armazón instrumental ha virado drásticamente hacia lo pastoral. Los matices creados por el cello y la flauta alumbran el candor integral mientras el centro melódico se va reforzando con muy buen pulso. Más adelante, algunos pasajes  más  animados crean una ingeniosa variedad de ambientes que concluyen con un amable epílogo bucólico. Así se concreta la totalidad de otro momentos culminante del repertorio: hay en él notorias influencias de los paradigmas clásicos de YES y GENESIS a través del filtro de los SPOCK’S BEARD de los 90. ‘Pain Is Beauty’ es la segunda sección y su misión consiste en remodelar la faceta más ágil del ideario musical del colectivo, haciendo un uso comedido de la típica sofisticación progresiva para expandir el núcleo melódico. Su coda parsimoniosa abre la puerta a la tercera y última sección, llamada ‘Hole In A Hole’. Ésta comienza con un talante tranquilo que no tarda mucho en ceder el paso a un dinamismo más suelto. La nueva vivacidad abre vías a complejos grooves y misteriosos enclaves musicales. Desde una mirada global advertimos que se han recuperado las ambiciones expresivas de ‘Uniquely’, eso sí, con un mayor énfasis a la instrumentación eléctrica en el delineamiento de los arreglos que transportan los sucesivos índices melódicos. El eco de la última silaba concluye las cosas con clarividencia poética. Todo esto fue lo que nos brindó la gente de SONUS UMBRA en este último tercio de 2026. “Liminality” es una muy destacada muestra de plenitud progresiva para la escena actual del rock artístico. Muy recomendable, en verdad. 

Muestras de “Liminality”.-  

Electronic Death Music Pt. 1 (The Night I Died): https://gotsonus.bandcamp.com/track/electronic-death-music-pt-1-the-night-i-died-2 

Rubicon Or Lethe: https://gotsonus.bandcamp.com/track/rubicon-or-lethe-2 

Liminality Pt. 1: Uniquely: https://gotsonus.bandcamp.com/track/liminality-pt-1-uniquely

Una catarsis progresiva para los noruegos ARABS IN ASPIC en el último trimestre del año 2026

 

 
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Estando en los últimos meses del año 2026, el grupo noruego ARABS IN ASPIC publica un disco especial, “Sorgens Kapittel”, justamente el día 21 de octubre, que es cuando hubiera cumplido 50 años de edad el organista Stig Arve Kvam-Jørgensen de no haber fallecido en el pasado año 2025. El título de este disco, el octavo de la banda, significa algo así como capítulo de dolor. La actual alineación de ARABS IN ASPIC consiste en el quinteto de Jostein Smeby [guitarras, sintetizadores, percusión y voz], Stig Jørgensen [órgano, piano eléctrico, sintetizadores y voz], Erik Paulsen [bajo y voz], Eskil Nyhus [batería y percusión] y Alessandro Elide [percusión y trompeta]. El mismo Kvam-Jørgensen se hace póstumamente presente en algunos pasajes del álbum con su arsenal de órgano Hammond, piano eléctrico Fender Rhodes y sintetizador Korg MS20. Para esta banda monarca del heavy prog dentro de la gran escena escandinava de los últimos tiempos, “Sorgens Kapittel” es una catarsis de expresividad rockera donde se rinde homenaje agradecido a un compañero de muchos años. La publicación de “Sorgens Kapittel” se dio por vía del sello Karisma Records en vinilo, tanto en el habitual color negro como mármol. Julia Proszowska es la autora de la alucinadamente surrealista arte gráfica que también rinde tributo a la memoria de Stig: eros y thanatos se hermanan dentro de una trama teatral cuyos rasgos tétricos son dominados por un vivaz protagonismo del color rojo. 

 
El repertorio del disco empieza con su pieza más larga, ‘Avgrunnen Kaller’, la cual dura alrededor de 9 ½ minutos. Su prestancia sonora se sitúa en una zona híbrida entre los URIAH HEEP del segundo disco y los DEEP PURPLE del tercero, añadiéndose unos matices sofisticadamente oscuros a la manera Crimsoniana. Estos últimos sirven para que la calculada parsimonia del motif central asuma una aureola majestuosa, la misma que redunda en una acentuación del dramatismo expresionista. La persistencia de una espiritualidad trágica a través de los comedidos recovecos del desarrollo temático apuntalan los elementos psicodélicos que acaban apoderándose del esquema musical. La sección  final resulta en un jam ágil al modo de una versión  pesada de TRAFFIC. Tras este impactante inicio de álbum llega la serie de miniaturas ‘Lokale Sagn Og Mytteri’, ‘Satanisten’ y ‘Kompisen’, que a su vez lleva hacia la instauración de ‘Nudisten’. La banda da rienda suelta a un lirismo amable que obliga al continuado vigor rockero a fluir de una manera más cálida. Las efímeras irrupciones tétricas y farsescas aportan variantes interesantes al esquema musical en curso. Así las cosas, ‘Nudisten’ se afirma como una inspirada síntesis de bien amalgamadas variantes progresivas. ‘Syndenes Magi Del II’* vuelve de lleno al vitalismo ceremoniosamente furioso de la primera canción y lo hace con una mayor dosis de estilización. El sólido encuadre gestado al alimón por la guitarra y la batería permite a los aportes de los teclados brillar con luz propia. El epílogo cósmico vira hacia un aura onírica que algo tiene de crepuscular. Dando inicio a la segunda mitad del repertorio, ‘King Size Brynje’ ostenta una vulnerabilidad espiritual bajo su aguerrido envoltorio, el cual combina fluidamente lo fiero y lo grácil.

 
‘Pentagram’ se engarza con la canción precedente con un ágil jam donde se mezclan los paradigmas de NEKTAR y DEEP PURPLE. La exultante exuberancia del momento presume de su ágil fulgor. A partir de allí emerge la segunda secuencia de miniaturas: ‘God På Dårlig Stemning’, ‘Lyset’ y ‘Det Er Deg!’. La primera se centra en lo ceremonioso, la segunda utiliza un nervio cadencioso y la tercera aborda un amable colorido bucólico. Este final de la secuencia evoca la escena de una paz encontrada. Siendo la segunda pieza más extensa del álbum con su espacio de 9 minutos y pico, ‘Siste Dans’ es también la encargada de cerrarlo. El viaje colectivo diseñado para la primera sección se ubica en un lugar jazz-progresivo, siendo así que un masivo swing fusionesco impone una ambientación grácil y sobriamente vivaz. De manera sorpresiva, todo se interrumpe para dejar paso a unos diálogos que van revelando una tentativa planificación para un futuro jam. Lo que comenzó como una pieza musical se transformó en un álbum de fotos con registros sonoros. He aquí todo lo motivado por el dolor ante la partida del amigo que se fue en la gestación de “Sorgens Kapittel”, un muy poderoso álbum de parte de la veterana banda noruega ARABS IN ASPIC. Bastante recomendable.
 
 
Muestras de “Sorgens Kapittel”.- 

Avgrunnen Kaller: https://arabs.bandcamp.com/track/avgrunnen-kaller 

Syndenes Magi Del II: https://arabs.bandcamp.com/track/syndenes-magi-del-ii

* El título mismo indica que es una secuela de la canción homónima del disco “Syndenes Magi” (2017).

THE DEVIL’S STAIRCASE y el micelio matemático de la música progresiva contemporánea

 
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Hay muy buenas nuevas desde los cuarteles del ensamble multinacional THE DEVIL’S STAIRCASE: se trata de la publicación de su segundo álbum, titulado “Mother Mycelium”, a inicios del pasado mes de octubre. La alineación de THE DEVIL’S STAIRCASE sigue operando con el cuarteto de Aaron Geller [guitarras eléctrica y acústica], Tim McCaskey [guitarras acústica y eléctrica], Luis Nasser [bajo y diseño sonoro] y Mattias Olsson [batería, percusión y mellotrón]. Por supuesto, recordamos al penúltimo en SONUS UMBRA y al último en ÄNGLAGÅRD, NECROMONKEY, KAUKASUS, PIXIE NINJA, etc. El grupo recibió las ocasionales colaboraciones de Pablo García Valenzuela (sintetizadores y diseño sonoro), Jamison Smeltz (saxofón) y Sarmen Almond (canto). El material aquí contenido fue grabado en diversas localidades como Chicago, Estocolmo Ciudad de México. Al igual que su disco homónimo del año 2020, éste es un álbum conceptual enfocado en la ciencia contemporánea. La primera de las dos suites de “Mother Mycelium” está inspirada en la ilusión del conocimiento humano (la relatividad de Einstein, los agujeros negros y la dilatación del tiempo), la segunda, en la locura del parásito humano (los ecosistemas y los complejos patrones de crecimiento micelial). Dicho sea de paso, la definición habitual de micelio es el cuerpo vegetativo de los hongos que se muestra como una masa de filamentos microscópicos en forma de hilo que crecen bajo tierra, en la madera o dentro de diversos sustratos. Bueno, revisemos ahora los detalles estrictamente musicales del disco protagonista de hoy.

 
Lo que abre el repertorio de “Mother Mycelium” es la ambiciosa secuencia de ‘Gravitation Pt. 3 (Clockwork Echo)’, ‘Gravitation Pt. 4 (Chronal Abyss)’ y ‘Gravitation Pt. 5 (Polchinski’s Nightmare)’. La Parte 3 se sustenta notoriamente sobre una persistente base armónica de ribetes Crimsonianos. Mientras se van añadiendo y reforzando los aditamentos de las múltiples guitarras y sintetizadores, el esquema sonoro en curso alberga vibraciones psicodélicas de tendencia space-rockera, lo cual gravita en favor de la elevación de una musculatura arquitectónica. Hay una furia refrescante que exuda un sentido disciplinado de las texturas y el swing. El crescendo se amplía vorazmente durante el último tercio, siendo así que la variación armónica empuja al entramado integral hacia un clímax refinadamente aguerrido. La Parte 4 comienza con una ambientación semi-bucólica donde la guía de las guitarras acústicas traza un lirismo delicado que, a su manera, también da indicios de fuerza de carácter. Alrededor de la frontera del cuarto minuto, el armazón de batería y percusiones agita las cosas con mesurado vigor para que la reinante gracilidad adquiera un oportuno toque de densidad en medio del patente predominio del enfoque jazz-progresivo. El epílogo regresa al lirismo cristalino y cierra el círculo con un aura alegre, la misma que halla una sugerente continuidad en las flotantes capas lisérgicas con las que se inicia la Parte 3. Una vez instalado su centro temático, el ensamble nos regala otro inspirado ejercicio de exquisitas agitaciones progresivas sazonadas con elementos de jazz-fusion. Los fraseos de la guitarra eléctrica evocan un fulgor primaveral mientras las sofisticadas líneas del bajo llenan espacios con rotunda prestancia, asumiendo un rol protagónico en varias instancias. Todo fluye con total naturalidad sobre la base provista por una versátilmente compleja ingeniería rítmica. El entramado sonoro integral se emparenta con los paradigmas de GORDIAN KNOT y HERD OF INSTINCT. La coda de mellotrón evoca la mirada sedentaria hacia una oscuridad arcana e inerte.

 
‘Las Sirenas De Valparaíso’ (así, en español) exhibe una estructura de dos partes primordiales. La primera parte se asienta bajo una parsimoniosa ambientación psicodélica que poco a poco va adquiriendo un fulgor envolvente bajo la creciente autoridad de la guitarra eléctrica. El calculadamente reposado swing y los ornamentos sintetizados, siendo estos últimos los que anuncian el futuro arribo de una segunda parte donde las cosas se sueltan con extrovertida prestancia. La sección final retoma el groove inicial con una dosis mayor de nervio rockero... y un canto de sirena. La pieza homónima es la encargada de cerrar el álbum y realmente lo hace a lo grande. ‘Mother Mycelium’. El prólogo acústico anticipa un armazón grupal emparentado con el tenor predominante de la pieza precedente, pero esta vez hay un enfoque más luminoso en los matices sónicos que se van elaborando. Algunos pasajes animados entran a tallar para insertar contundentes recursos de variedad musical. Los solos de las guitarras acústicas y eléctricas surgen en momentos estratégicos para realzar motivos específicos. El aterrizaje en un epílogo ceremonioso revela un aura crepuscular con sutiles matices cósmicos. Todo esto fue lo que se gestó en “Mother Mycelium” desde la fábrica de hacer excelente música progresiva de THE DEVIL’S STAIRCASE. Las dosis de garra y elegancia que brotan de cada una de estas composiciones un ejemplo de lo mejor que se ha venido haciendo en la producción de rock artístico de este año 2026. ¡¡Totalmente recomendable!!
 
 
Muestras de “Mother Mycelium”.-
Gravitation Pt. 5 (Polchinski’s Nightmare): https://thedevilsstaircase.bandcamp.com/track/gravitation-pt-5-polchinskis-nightmare-2

Mother Mycelium: https://thedevilsstaircase.bandcamp.com/track/mother-mycelium

Ya van cinco con el grupo ISOBAR

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Hoy tenemos el enorme agrado de presentar el nuevo de ISOBAR, grupo de rock progresivo estadounidense con un sueco dentro. “Isobar V” es el conciso título de esta nueva obra del grupo conformado por Malcolm C. Smith [guitarras], Marc Spooner [teclados], Loren Gustafsson [bajo] y Mattias Olsson [batería, percusión y efectos electrónicos]. Claro está, se trata de su quinto disco, publicado a inicios de septiembre pasado. De manera consistente, desde el año 2020, este talentoso y trabajólico cuarteto instrumental ha estado creando y produciendo una propuesta espectacularmente ecléctica de rock progresivo, situándose desde muy pronto en la élite del rock artístico de su país de estos últimos años. El cuarteto contó con las colaboraciones ocasionales de James Vaughn (saxofones), John Ettinger (violín) y Patricio Penin (gaitas irlandesas). La publicación de “V” se dio por vía independiente a través del sello Trope Audio, el cual se encarga de distribuir la obra de ISOBAR y de METAPHOR, la banda anterior de sus tres integrantes estadounidenses.

 

La díada inaugural de ‘Gravity Itself’ y ‘Oats And Glitter’ pone varias de las cartas colectivas sobre la mesa donde se manifiestan las intenciones artísticas del ensamble, una celebración de la versatilidad. La primera de estas piezas mencionadas hace gala de su carisma marchoso en base a una inspirada mezcla de sinfonismo estándar y jazz-rock melódico. El vitalismo inherente al masivo colorido del entramado instrumental es simplemente irresistible: elegantes laberintos melódicos que acusan influencias de GENTLE GIANT y HAPPY THE MAN. En cuanto a ‘Oats And Glitter’, se trata de una exploración en la potencia traviesa del ideario de ISOBAR, siendo así que el entramado sonoro diseñado para la ocasión incorpora elementos psicodélicos. Éstos están oportunamente domesticados para que asienten naturalmente dentro de estas consistentes expansiones jazz-progresivas, enriquecidas aún más por los vientos invitados. ‘Folie Circulaire’ es el tercer tema del repertorio y es el más largo del mismo con sus 7 minutos de duración. Mayormente, los índices temáticos que se van sucediendo apelan a una celebración de la grandilocuencia bajo el aura de distinguida calidez que también penetró a la pieza de apertura. En comparación, este tercer tema del disco ostenta una vivacidad más intensa; de hecho, el factor rockero se ha capitalizado notoriamente, algo que repercute afirmativamente en el incremento del expresionismo vitalista de los guitarreos y los diversos aportes de los teclados. Nos parece que hay un parentesco con THE TANGENT y con GENTLE GIANT. Una exquisita figura de piano es la entrada de ‘As Is Was’, y cuando se unen los ornamentos armónicos del sintetizador, el ensamble íntegro entra en acción para gestar una balada de dos partes: la primera apunta hacia lo contemplativo, la segunda, hacia una sobria suntuosidad sazonada con matices flotantes. ‘The Position Of Dr. Mannix’, tras un preludio que recoge los aleteos flotantes de la pieza precedente, elabora un cuerpo central majestuoso y juguetón. Los teclados operan como núcleo central del entramado colectivo mientras la dupla rítmica sostiene una muy solvente gracilidad. 

 
‘Democracy, The Kimono’ prosigue por la senda de exploraciones de texturas y esta vez se coloca en una disposición de coqueteo con el space-rock. El primer centro temático exhibe vibraciones misteriosas con una prestancia crepuscular, un poco en consonancia con los españoles AMAROK. A poco de pasada la frontera  del tercer minuto, el asunto vira hacia un fulgor extrovertido que se acomoda naturalmente al complejo swing armado por la batería. De hecho, ésta dirige con macizo mando la magia expresiva del entramado instrumental íntegro. Cuando llega el turno de ‘One Woman, One Cow’, la banda decide combinar la densidad arquitectónica Crimsoniana con el lirismo sistemático Genesiano a través de su propio dinamismo sofisticado. Esto último funciona como nexo fluido entre los varios motivos que se van sucediendo. ‘March Of The Butterflies’ regresa de lleno al enfoque jazz-progresivo a fin de realzar la colorida vivacidad de los núcleos compositivos, especialmente, en el último tercio. Vuelven al primer plano las conexiones con el legado de GENTLE GIANT. El breve tema ‘Some Sort Of Rudimentary Lathe’ llama mucho la atención por su forma de sintetizar y remodelar los recursos más complejos del ideario musical de la banda: gracias a lo intrépido de su groove, logra decir mucho en poco tiempo. ‘The Turpitude’ trae consigo el cierre del disco, ocupando casi el mismo espacio que ‘Folie Circulaire’. La misión principal de este tema consiste en ahondar una vez más en desarrollos temáticos y ornamentos extravagantes donde la tensión mesurada y los sedosos centros disonantes gobiernan a la ingeniería musical en curso. También hay factores densos en ciertos pasajes estratégicos. La sección final vira hacia un clima melancólico signado por envolventes tonalidades preciosistas. Todo esto fue lo ofrecido en “Isobar V” por el ensamble ISOBAR para este último tercio del año 2026, una nueva maestra de su particular grandeza dentro de los nuevos aires que soplan en la escena progresiva estadounidense de nuestros días. ¡Totalmente recomendable!
 
 
Muestras de “Isobar V”.-
Gravity Itself: https://isobarprog.bandcamp.com/track/gravity-itself
Folie Circulaire: https://isobarprog.bandcamp.com/track/folie-circulaire
The Turpitude: https://isobarprog.bandcamp.com/track/the-turpitude
 

ANAIRT y su segunda tanda de fantasías musicales por el amor al rock andaluz

 
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Hoy es el turno del grupo sevillano ANAIRT y su recientemente publicado segundo trabajo fonográfico “Umma Siatta”: el siempre ocupado sello 5 Lunas se encargó de concretar la publicación de este hermoso disco alrededor de mediados del pasado mes de julio. El quinteto conformado por Luis Medina [voz], Adolfo González [guitarras], Paco Aguirre [teclados y sintetizadores], Manuel Martínez [bajo y coros] y Dani Aguado [batería]. La producción ejecutiva corrió a cargo de Juan Antonio Vergara: el arte de la portada es de Rafael García Galisteo mientras que la maquetación fue hecha por Rafa Tardío. En una de las canciones de este disco aparece como invitado el guitarrista Paco Ventura (MEDINA AZAHARA). El estilo de la banda se centra en un enfoque de rock melódico con raíces aflamencadas y tendencias prog-siñfónicas que honra solventemente los legados de TRIANA,  MEDINA AZAHARA y ALAMEDA,  particularmente, los primeros discos de los grupos mencionados. Repasemos ahora los detalles del repertorio del disco que hoy nos ocupa. 

 

El instrumental homónimo ‘Umma Siatta’ abre el disco a lo grande, trabajando con un groove cuasi-tribal mientras los guitarreos de guitarra y los ambientes gestados por los teclados coordinan una fastuosidad muy bien perfilada. La comedida magia inherente al núcleo temático sabe hacerse lucir en su breve espacio de 2 minutos y pico. Es aquí donde emerge ‘Una Noche Más’ para dar eficaces muestras de esa combinación de embrujo evocador y elegante fuerza rockera con la que el grupo elabora sus composiciones en la búsqueda de expansiones de los aires flamencos con un enfoque progresivo. Imaginamos el impacto de los MEDINA AZAHARA de los dos primeros discos. El canto tiene fuerza de carácter de sobra para preservar su viril nervio y ponerla al servicio de la emotividad expresiva; mientras tanto, los solos de sintetizador guían al bloque instrumental íntegro en los debidos momentos estratégicos. Y no puede faltar un excelso solo de guitarra en la sección epilogar para completar el colorido sonoro. La subsiguiente díada de ‘Comenzar’ y ‘Madre’ permite a la gente de ANAIRT continuar sus exploraciones sónicas dentro de su bien definido enclave de raíces andaluzas. La primera de las canciones mencionadas se asienta en un terreno musical más cercano al blues-rock. Los parajes calculados para las orquestaciones de sintetizador brindan ocasionales recursos sinfónicos al asunto. En cuanto a ‘Madre’, se trata de una power-ballad que halla sus impulsos expresivos muy conectados con la majestuosidad lánguida de unos PINK FLOYD de la fase 73-75, aunque con una guitarra bien centrada en los estándares del rock duro melódico. ‘Otra Cosa Es La Realidad’ es el elocuente título de la quinta pieza del álbum. Su cuerpo central se despliega como una balada etérea y evocadora, siendo así que la sección epilogar vira hacia una extroversión agitada que saca buen provecho del dramatismo inherente a la composición.

‘Fantasía De Amor’ es el tema más extenso del repertorio con su espacio de 7 ¾ minutos, una oportunidad para que el grupo luzca los aspectos más estilizados de su propuesta. Comenzando con un talante reposado signado por una sedosa melancolía, pronto emerge un groove extrovertido que nos remite a los TRIANA de la época 1979-80. La serenidad inicial vuelve al frente durante la primera instancia de la sección epilogar, lo cual abre la puerta a un nuevo ejercicio de brío rockero en el que los instrumentos hacen gala de su musculatura colectiva. La coda cierra el círculo trazado por la canción. Comenzando con unos coloridos fraseos de piano, ‘Quisieras Ser’ apela a la dimensión más propiamente fusionesca del ideario musical de ANAIRT dentro de un encuadre musical muy cristalino que parece emparentado con el paradigma de ALAMEDA. Cuando llega el turno de ‘La Aurora’, el grupo refuerza los aires de intensidad reflexiva que tan imponentes fueron en varias canciones precedentes. Una vez más, el epílogo es un momento de garra aumentada. ‘Canto Al Sol’, por su parte, se concentra en ese otro asp de vivacidad estilizada que también está en el núcleo central del paradigma artístico del grupo. El estupendo manejo del groove permite a los otros instrumentos organizar su entramado con amplio colorido; el intermedio instrumental asume algunos trazos jazz-rockeros mientras la guitarra arma un solo impresionante, un detalle crucial para generar el ímpetu del estribillo final. ‘Sueños’ trae consigo el cierre del repertorio perpetuación el rotundo vigor de la canción precedente. Se nota una exuberancia mayor en los solos de guitarra  y de teclado. Todo esto fue lo que el colectivo de ANAIRT nos brindó con “Umma Siatta”, un trabajo fonográfico de refinada factura y dotado de una convincente fuerza de carácter inmanente al factor rockero del espectro progresivo. Muy inspirada tanda de fantasías musicales por el amor al ideal del rock andaluz. 
 
 
Muestras de “Umma Siatta”.-
Una Noche Más: https://www.youtube.com/watch?v=lIRCkslsUX4
Fantasía De Amor: https://www.youtube.com/watch?v=_Ft6z7Go9JY
Canto Al Sol: https://www.youtube.com/watch?v=WdPqEx-vTFM
 

El homenaje del trío noruego BRESK al maestro PEDER BALKE

 

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Echando una mirada atrás al pasado reciente del escenario progresivo escandinavo, nos topamos con un muy atractivo disco que data del 28 de enero de 2022: se trata del álbum conceptual “A Journey Through The Life Of Peder Balke 1804-1887” y su entidad gestora es el trío noruego BRESK. Este colectivo dedicado a cultivar el rock retro-progresivo sinfónico está conformado por Jon Anders Narum [bajos, guitarra y guitarra pedal steel], Peder Narum [batería y percusión] y Lars Christian Narum [órganos Hammond L100, A100 y C3, piano eléctrico Wurlitzer, clavinet Hohner y sintetizadores Moog Grandmother, Korg Prologue y Behringer Poly D]. Es un proyecto familiar. “A Journey Through The Life Of Peder Balke 1804-1887” es, tal como lo dice su título, una obra conceptual centrada en la vida del maestro pintor noruego PEDER BALKE, maestro del romanticismo nórdico en un lugar donde todavía este movimiento tenía mucho que dar mientras el impresionismo empezaba su auge. El enfoque musical con el que la gente de BRESK quiere rendir homenaje a este maestro se basa en una confluencia de las influencias de EMERSON, LAKE & PALMER, DEEP PURPLE, FOCUS y PROCOL HARUM, además de otros aspectos expresivos. El sello Drabant Music fue el encargado de lanzar este disco al mercado, exclusivamente en formato de vinilo. El trío es el autor de todo el material e hizo las labores de producción. Lars Christian y Jon Anders se encargaron de la ingeniería de sonido durante las sesiones de grabación realizadas en Barleyfield Studio y Eastlake Studio. El segundo de ellos realizó la mezcla mientras que la masterización estuvo en manos de Arnstein Fossvik en el estudio AudioMaster. Lars Christian es el autor del arte gráfica.

 

El repertorio del disco se inicia con la díada de ‘Awakening’ y ‘Napoleonic Wartime Overture’. La primera de estas piezas es una miniatura cósmica donde las capas flotantes de los sintetizadores arman un ambiente flotante y volátil, el mismo que se proyecta con una languidez envolvente. La segunda empieza con un despliegue de voluminosas llamaradas rockeras donde la incandescencia sónica apunta a elevaciones exultantes con pulso firme. Más adelante, dicha fiereza se remodela dentro de una arquitectura muy bien perfilada sobre un entramado de cambios de ritmo donde el grupo gesta solventes recursos de lirismo sinfónico. ‘The Mountain’ es un jam de claro norte jazz-progresivo donde el sintetizador y el órgano se reparten el protagonismo en el armado del motif central, siendo así que la exuberante labor de la batería permite a la ingeniería musical operar con una musculatura consistente. El vitalismo del ensamble es muy patente y es manejado con oportuno preciosismo. ‘Sailing The Northern Coast’ sigue por una línea semejante a la de la pieza precedente, pero esta vez, el vitalismo empieza en una clave un poco más atenuada; el fulgor inherente a la composición se revela a través de un talante candoroso que, en último término, va asciendo en un muy estilizado crescendo. La coda onírica completa la faena con precisa elegancia. Con la díada de ‘North Cape Arrival’ y ‘Hangin’ Out With The King’, el trio sigue explorando su paleta sonora. El primero de estos temas mencionados brinda una inspirada síntesis de los grooves primordiales de las dos piezas precedentes, incluso reforzando el factor lírico utilizado en ‘Sailing The Northern Coast’. El dinamismo del esquema sonoro está cada vez más nutrido. En cuanto a ‘Hangin’ Out With The King’, se trata prácticamente de un tributo al legado de los FOCUS de la fase 1971-73. Una un jam magnético que ostenta una espiritualidad alegre y lo arregla con una persistente gracilidad. ‘The Revolution Of 1848’ abre la segunda mitad del repertorio con un derroche de esplendor sinfónico que mucho tiene de Emersoniano (y tal vez, también de Yessiano). Las meticulosas variantes de groove y las arquitectónicas sucesiones de pasajes exultantes a otros más sutiles mantienen una prestancia bastante elocuente, la cual concluye con una explosividad estilizada. Todo un cénit del álbum.

 

Cuando llega el turno de ‘Balkeby’, el trío regresa a la línea de trabajo predominante en la secuencia de los temas #3 al #5, esta vez con una energía renovadora que se sustenta en buena medida en la presencia de la guitarra como firme compañera del órgano. Notamos aquí una confluencia entre BO HANSSON y los DEEP PURPLE pre-1971, estando los solos finales de sintetizador más afines al modelo Wakemaniano. ‘The Fire’ es tal vez la pieza más aguerrida del disco, es una absorbente tormenta donde los fantasmas de los DEEP PURPLE de 1970 y los ATOMIC ROOSTER de 1971 se hermanan en un proceso de revitalización pesada de una ambición netamente progresiva. Hay algunos elementos oscurantistas en los efectos del bajo y ciertos juegos armónicos elaborados por el órgano, los mismos que sirven para enfatizar la inquietud borrascosa que signa al cuerpo central. Los breves delirios delirios psicodélicos de la coda gestan el cierre apropiado para este implacable incendio sónico. El último tema del disco tiene el apropiado título de ‘The End’ y su temperamento es notoriamente crepuscular. Hay una bruma que envuelve a las suaves bases armónicas del órgano mientras la dupla rítmica apuntala una cadencia muy sobria, de hecho, minimalistamente reposada. El aura distante de la composición está eficazmente reforzada por el encuadre ensoñador donde operan las muy gentiles notas y armonías del teclado. Todo esto fue lo que se nos brindó con “A Journey Through The Life Of Peder Balke 1804-1887” allá en el año 2024, un estupendo disco que nos revela a unos BRESK muy inspirados a la hora de mezclar vigor y refinamiento en su manera peculiar de cultivar un rock retro-progresivo cargado de riqueza. Un trabajo bastante recomendable para cualquier fonoteca especializada en rock artístico.
 
 
Muestras de “A Journey Through The Life Of Peder Balke 1804-1887”.-
The Mountain: https://www.youtube.com/watch?v=qmuvzTMB_fs
The Revolution Of 1848: https://www.youtube.com/watch?v=jdfVITchrRI
The Fire: https://www.youtube.com/watch?v=g5xbPm3JyDM

[Muchas gracias a toda la gente del programa radial costarricense Música Progresiva Grupo Catarsis por presentarnos este disco. Les dedicamos la presente reseña.]

ZACHT AUTOMAAT y su pequeño gran homenaje a la tradición del Canterbury

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
En esta ocasión presentamos el disco “Little Canterbury”, un despliegue de música retro-Canterbury en su faceta primigenia que fue realizado por el grupo ZACHT AUTOMAAT, proyecto de los multiinstrumentistas y compositores canadienses Carl Didur y Mike McLean que existe desde el año 2010. El disco que hoy nos convoca, el decimoséptimo de su exhaustiva discografía, fue publicado el primer día del presente mes de octubre y quedó a cargo de una mitad de ZACHT AUTOMAAT, Carl Didur. Él utilizó una batería, un órgano Ace Tone GT2 y un bajo Suzuki Taishogoto – además de algunos efectos y procesadores de sonido – como única logística instrumental en la grabación del material aquí contenido. Publicado de forma independiente y con el único formato de descarga digital, este disco refleja el eterno amor que el ensamble siempre ha vertido por el rock progresivo y la psicodelia de los 60 y 70, aunque esta vez se nota un acento prácticamente exclusivo en el sub-género aludido en el título. También hay un empleo más amplio de texturas junto a una ausencia total de guitarras, dos circunstancias directamente resultantes de la ausencia de McLean, quien estaba organizando su mudanza a la localidad irlandesa de Cork durante la grabación del material aquí contenido (dos semanas del verano último). Alicia colabora con el canto en una de las piezas de este álbum. Siendo ingeniero electrónico, no fue difícil para el Sr. Didur hacer funcionar decentemente el órgano antes mencionado, el cual estaba un poco estropeado. Todo fue muy artesanal en la realización de las grabaciones y el ulterior proceso de mezcla. 
 
La secuencia inicial de ‘Improg Returns To The Valley Pt. I’ e ‘Improg Returns To The Valley Pt. II’ ocupa un espacio total de 19 minutos. La Parte I, tras un breve prólogo saltarín, se pone a explorar varios enfoques melódicos ceremoniosos que empiezan centrándose en lo solemne y terminan encuadrados dentro de una ingeniería más ágil. Lo que suena aquí tiene bastante cercanía con los respectivos primeros discos de EGG y CARAVAN con algunos toques extra de THE NICE. Esto último se nota más en los parajes donde emergen vibraciones más densas, no son muy extensos, pero logran un impacto muy real en el paisaje sónico general. La bien articulda persistencia del sereno motif final brinda un aura señorial a la suave bajada del telón. La Parte II comienza en un lugar parecido a aquel donde terminó el anterior, pero pronto se enfila a paso firme por sendas de exultante extroversión, a veces, creando una fulgurosa tensión de claro talante psicodélico. Es en ellas que se reelaboran varias señales sonoras heredadas de los dos primeros álbumes de SOFT MACHINE, pero aún con una extrema cercanía a la ligera luminosidad Caravanesca. Apenas pasada la frontera del séptimo minuto,  el enclave definitivo bajo una atmósfera sedosamente tranquila signa un epílogo gentilmente contemplativo. El aire de nocturnidad ostenta un encanto sosegado, tornándose envolvente con el sobresalto comedido de las notas finales, con lo cual se completa este inicio a lo grande del disco. Después de esto, sigue una cadena de composiciones mucho más breves, empezando con ‘Things Are Getting Weird Again’ revela una aureola misteriosa a través de los índices melódicos que, a fin de cuentas, se sienten bastante amables a través de su espíritu de cándida travesura. ‘Ride The Coattails’ porta una agilidad contagiosa donde se combinan los periodos históricos de SUPERSISTER y HOMUNCULUS RES. Se refuerza, de paso, el aura vintage inherente a la logística artesanal. Es de lo más sistemáticamente ágil que vamos a encontrar en el disco entero.

Las miniaturas ‘The Boat Don’t Float (Excerpt)’ y ‘Flash Paper’ exhiben breves momentos de desahogo creativo. La primera de ellas muestra orgullosamente su efímero ludismo mientras que la segunda despliega cadencias delicadamente ágiles. ‘Memories Of Solar Rays’ regresa al lirismo refinado con el que se elaboraron los pasajes más majestuosos de las dos primeras piezas. De hecho, sus niveles de soltura y elegancia expresiva son tan solventes que se erige como el cénit decisivo de esta segunda mitad del repertorio. Tras un inicio cósmicamente minimalista, ‘Go Down The Mountain’ prosigue con la faena realizada por el tema precedente por un breve tiempo. Así las cosas, llega el turno de ‘Toys On The Floor’ para que le dé un giro más solemne a las cosas, añadiendo recursos sonoros de estilizado claroscuro. ‘Remember Who You Wanted To Be’ trae consigo el cierre del repertorio y lo hace con un despliegue de gentil lirismo, reforzando así los elementos más vitalistas del disco como un todo integral. Todo esto fue lo que nos brindó Carl Ddidur desde su sitial de ZACHT AUTOMAAT como travieso y sincero homenaje al legado inmortal de esa variante del jazz-prog de vieja escuela que se convenido etiquetar como Canterbury. “Little Canterbury” es un disco totalmente recomendable para la gente amante de toda la variedad de música retro-progresiva que persiste en el escenario mundial. Esperamos más aportes de ZACHT AUTOMAAT en el futuro próximo y, cómo no, que sea con el dúo enteramente reintegrado. 

 
 
Muestras de “Little Canterbury”.-
Improg Returns To The Valley Pt. II: https://zachtautomaat.bandcamp.com/track/improg-returns-to-the-valley-pt-ii
Memories Of Solar Days: https://zachtautomaat.bandcamp.com/track/memories-of-solar-rays
 

Una nueva puerta abierta a la creatividad vanguardista de DAS RAD

 

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Desde los cuarteles del ensamble británico de música avant-jazz-progresiva DAS RAD llega su nueva obra fonográfica “Open Up The Door”: este ítem fue publicado, como es habitual, por el sello Discus Music el 25 de septiembre pasado, hace muy poco. Tiene la estructura de un disco doble, pero en realidad es un disco específico con un volumen adicional gratuito. El colectivo actualmente conformado por Nick Robinson [guitarras eléctricas y acústicas, loops y sintetizador], Peter Rophone [voz, percusión tonal y guitarra clásica], Martin Archer [órgano, sintetizadores, saxofones, flauta y clarinete], Jon Short [bajo y contrabajo eléctrico] y Steve Dinsdale [batería y sintetizador] logra aquí otro gran catálogo de viajes musicales de alta alcurnia creativa, permítasenos adelantar. El grupo recibe ocasionalmente las colaboraciones de Jenni Brooks a la flauta y de Sam Ehret-Pickett a los bronces. El material contenido en “Open Up The Door” fue compuesto, improvisado, editado, arreglado y producido por DAS RAD a lo largo de varias sesiones de grabación y post-producción que tuvieron lugar en 2025 y 2026.
 
El volumen central de “Open Up The Door” es una suite entera que se inicia con ‘Red Gods’, un excelso viaje sónico donde el ensamble pone en funcionamiento un solvente híbrido de prog intimista y art-pop de raigambre psicodélica. Las confluencias con Kevin Ayers, Robert Wyatt y RADIOHEAD (sobre todo, por el canto) son muy patentes, aunque es verdad también que el grupo crea sus matices propios para el bien definido foco melódico. Sigue a continuación la pieza homónima, la cual dura casi 11 ¾ minutos. ‘Open Up The Door’ vira hacia una ceremoniosidad señorial que se asienta fluidamente a lo largo de un esquema sonoro sobriamente denso. El notable incremento de sofisticación sónica se traduce una luminosidad trascendente donde los colores de la guitarra, los teclados, las percusiones tonales y los vientos se hermanan en una muy pulida ambientación jazz-progresiva. En el último tercio, el núcleo sonoro adquiere mayor energía antes de llegar a la flotante coda minimalista. En conjunto, la secuencia de motivos ha realzado la majestuosidad esencial de la pieza inaugural con una estrategia de versatilidad más contundente. Con la díada de ‘Mizzle’ y ‘Threshold’, la gente de DAS RAD sigue a paso firme sus exploraciones musicales. El primero de estos temas mencionados se focaliza en un aura crepuscular que se enriquece con texturas cristalinas delicadamente apoyadas sobre un swing sereno. Coqueteando con estándares del post-rock dentro de un enclave de calidez avant-jazzera, se exhibe una aristocrática melancolía. El segundo de ellos recibe algunos ecos de esa instancia crepuscular para remodelarlos con un nervio intensificado, lo cual repercute asertivamente en una mayor exuberancia. La concreción de una ingeniería rítmica más robusta y unos solos más dinámicos que emergen en el camino refuerzan esta iniciativa. La vitalidad es contenida y nutre al entramado sonoro con sólidos recursos impresionistas dentro del bien definido núcleo temático. ‘Dreimalriffe’ juega con un vivaz groove a lo nu-jazz para que la gente de DAS RAD alce su vuelo más extrovertido del disco.

 
‘The Driftwood Man’ deshace todo lo estructurado en la cadena de las tres piezas precedentes y se deja llevar por las brisas y mareas de la libre imaginación. Tras un prólogo marcado por retazos aleatorios, el ensamble elabora una proyección de free jazz y abstracciones psicodélicas donde la inquietud arcana es el telar para el paisaje sonoro. Las partes cantadas son auténticas invocaciones de exorcismo introspectivo que hacen un efectivo contrapeso al imparable vuelo caleidoscopio de los instrumentos actuantes. Cuando llega el turno de ‘Ubu Mort’, el tiempo de las abstracciones agarra nueva vida para tornarse aún más solipsista,  incluso coqueteando con lo oscurantista en varios pasajes portadores de una extraña vitalidad. Aquí opera una suerte de cruza entre SUN RA y la ORCHESTRA OF THE UPPER ATMOSPHERE, añadiéndose elementos de denso surrealismo que se emparentan parcialmente con grandes figuras de la osadía musical como ART ZOYD, FAUST y UNIVERS ZÉRO. La guitarra asume una relevancia especial dentro del entramado integral. Dos cénit consecutivos antes de que ‘Sirens’ despliegue un lirismo embrujador donde reina la gracilidad ensoñadora. Las vibraciones emanadas del doble encuadre de vientos y batería son cautivadoras. Está asentada la labor de cosecha a concretarse en ‘Blue Gods’, la pieza más extensa del volumen central con sus 17 minutos y pico de duración, siendo también la encargada de cerrarlo. Recogiendo la aureola meditabunda del tema #1 y reformulando los aspectos más suntuosos de los temas #2 al #4, este extenso viaje musical condensa hábilmente los elementos más fulgurosos y los más  nebulosas del esquema de trabajo general. Para reforzar éste, el grupo reitera algunos trucos abstractos que ya reconocemos. Una vez terminado este ciclo de canciones nuevas que conforman el nuevo disco en sí, el volumen extra contiene tres variaciones del clásico hit ‘Buzzsaw’ de THE TURTLES, junto a una extensa pieza titulada ‘Lost Constellations’, la cual se basa en un loop originalmente diseñado por Nick Robinson. 

Centrándonos en ‘Lost Constellations’, plasma una fluida ilación de diversos esquemas rítmicos junto a otros pasajes de frontal enfoque atmosférico. La convivencia entre elementos tan dispares como las nebulosas psicodélicas, los abstracciones electrónicas, las agitaciones libres y las agitaciones progresivas está organizada con integral disciplina sin renunciar a los impulsos vivaces. Todo esto fue “Open Up The Door”, una obra muy inspirada y rotunda de parte de una banda que nunca deja de impulsar revuelos desde sus entrañas para abrir nuevas puertas a nuevas sendas creativas para su visión de la música jazz-progresiva. DAS RAD debe tener un lugar en cada buena fonoteca dedicada a coleccionar la crema y nata de las diversas vanguardias de ayer y hoy.

 
 
Muestras de “Open Up The Door”.-
Open Up The Door: https://discusmusic.bandcamp.com/track/open-up-the-door
The Driftwood Man: https://discusmusic.bandcamp.com/track/the-driftwood-man

Ubu Mort: https://discusmusic.bandcamp.com/track/ubu-mort

 

... Y la ORCHESTRA OF THE UPPER ATMOSPHERE descansó tras el séptimo día

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Hoy presentamos “Theta Seven”, el séptimo y definitivamente último trabajo fonográfico de la ORCHESTRA OF THE UPPER ATMOSPHERE: fue publicado el 30 de enero de 2026 por el sello Discus Music. La alineación de este ensamble británico que se había convertido rápidamente en un gran referente del avant-prog contemporáneo consta en estas instancias finales de Martin Archer [vientos, teclados e instrumentos de software], Steve Dinsdale [batería y teclados], Lorin Halsall [contrabajos acústico y eléctrico, y efectos electrónicos], Yvonna Magda [violín y efectos electrónicos], Andy Peake [piano y teclados], Walt Shaw [batería, percusión y efectos electrónicos], Jan Todd [canto, guzheng, arpa eléctrica, arpa-laúd, arpa cruzada, efectos electrónicos, flautas hulusi, caja de metal, waterphones, grabaciones de sonidos hallados y samples] y Terry Todd [bajo]. Una formación descomunal, la verdad. Fue en el ya un poco lejano año 2012 que la ORCHESTRA OF THE UPPER ATMOSPHERE se inició en Sheffield bajo la iniciativa del multiinstrumentista y productor Martin Archer (a la sazón, el jefe de Discus Music). Lo que aparece en “Theta Seven” es el resultado de ediciones y collages hechas por Archer, con mezclas y arreglos adicionales a cargo de Todd y el propio Archer para que todo fluya con una dinámica bien definida a lo largo de la suite homónima. 

En efecto, el repertorio del disco consta exclusivamente de la suite ‘Theta 07’, la cual dura más de 1 hora y 12 minutos y contiene 11 secciones con títulos autónomos. Éstos son: ‘Aether Rises’, ‘A Blessing In Azure’, ‘Billy Bang / One Golden Hour’, ‘Under The Azure’, ‘Cold Mariana / Lunar Eye’, ‘Moonride’, ‘Aether, Bringer Of Light / Aithre, Mother Of The Moon’, ‘Unbound’, ‘Oumuamua’, ‘That’s How I Feel’ y ‘Aithre Rises’. Curiosamente, la penúltima sección es una versión de un tema del disco de SUN RA “Lanquidity”, del año 1978: dicha leyenda del avant-jazz estadounidense es una inspiración perpetua para la visión musical del propio Archer. La suite empieza con unos golpes de cuerdas que, de a pocos, arman una maraña líquida que se hace reconocible con su cándido esplendor primaveral. La irrupción de la batería indica el inicio de la segunda sección con un swing sobriamente enérgico; así las cosas, el ensamble gesta un vitalismo elegante donde todos los artilugios que van surgiendo a lo largo del camino hallan prestamente su lugar dentro del paisaje general. La tercera sección vira drásticamente hacia un clima inquietantemente ceremonioso y lo hace sobre la base de un groove jazz-progresivo de inspiración bluesera. El heterodoxo armazón rítmico abre campo a diversas expansiones de los instrumentos actuantes hasta que la atmósfera se calma un poco a fin de permitir el breve lucimiento del canto. De esta manera, se abre la puerta a la extensa cuarta sección, la cual utiliza sutiles semillas de la inquietud precedente para elaborar una nueva ambientación misteriosa que se sitúa entre lo melancólico y lo crepuscular. Los factores luminosos del muy nutrido enclave instrumental simulan estrellas majestuosas que se lucen en medio de una creciente oscuridad. Todo fluye con grácil naturalidad hasta que todo se detiene con el arribo de una nueva sección enfocada en un ejercicio abstracto de deconstrucciones sónicas. Aunque todo parece orientarse por una tensión contenida, de a pocos ésta se alivia y elabora un descenso apacible hacia los rincones más serenos del yo interior. Así las cosas, el ensamble se suelta con un jovial ejercicio de jazz-fusion progresivo para la siguiente sección: imaginemos una composición perdida de los RETURN TO FOREVER de 1972 filtrada por la faceta más etérea de los HENRY de 1973. La irrupción de un retazo minimalista gana en densidad mientras pasan los últimos segundos de esta sección...

... Y así se gesta la siguiente, la cual se construye en base a una refinada manifestación de abstractas agitaciones de sintetizador. Creando un puente entre los TANGERINE DREAM pre-1974 y la dimensión surrealista de John Zorn, el colectivo se concentra en usar recursos sonoros con un enfoque pictórico. Una convergencia entre la neblina exterior y el ansia de luz que añora el espíritu al replegarse sobre sí mismo. Con la compleción de dicha convergencia emerge la octava sección, la cual está diseñada para sintetizar los espíritus expresivos de las tres anteriores: lo noctámbulo, lo extrovertido y lo ensimismado se funden en una sola energía musical que se asienta cómodamente sobre un groove sereno. Los efluvios experimentales van brotando de una manera lúcidamente controlada mientras los minutos pasan como instantes. La siguiente sección regresa de lleno a las abstracciones misteriosas y, en medio de ellas, los cortantes tarareos femeninos ocupan un rol central. Cuando la batería entra a tallar en el último tercio, se rasga el telón para la explicitación de un aquelarre tenebroso. Todo cambia con la emergencia de la sección siguiente, la cual respeta el encanto suavemente ágil de la versión original de SUN RA. Incluso hay matices celebratorios añadidos de parte de esta orquesta, especialmente cuando el violín alterna el centro protagónico con el saxofón. La última sección, centrada en el diálogo entre el arpa y el violín, exhibe una calma arcana donde lo introspectivo puede abarcar algo de fulgor mientras asienta su intocable refugio. Así ha sido el momento final de uno de los ensambles más aventureros que han existido dentro de la escena avant-jazz-progresiva del nuevo milenio. La ORCHESTRA OF THE UPPER ATMOSPHERE se despide de la misma forma en que llegó, firmando su nombre con letras doradas. Mientras escuchamos “Theta Seven” por tercera vez seguida en este plácido atardecer de octubre, alzamos nuestras copas de anís en homenaje y agradecimiento a este ensamble tan peculiar por toda la buena música que nos ha brindado a lo largo de estos años. De hecho, esta obra con la que se cierra el telón de la OOTUA nos parece una de sus obras cumbre.

Muestras de “Theta Seven”.- 

A Blessing In Azure: https://discusmusic.bandcamp.com/track/a-blessing-in-azure 

Moonride: https://discusmusic.bandcamp.com/track/moonride 

Aether, Bringer Of Light / Aithre, Mother Of The Moon: https://discusmusic.bandcamp.com/track/aether-bringer-of-light-aithre-mother-of-the-moon 

Unbound: https://discusmusic.bandcamp.com/track/unbound

El paradigma aumentado de T.A.P para el año 2026

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de presentar “Paradigms II”, el nuevo trabajo fonográfico del colectivo multinacional T.A.P, el cual es un referente relevante para la vanguardia progresiva de los últimos años. Este ensamble que comenzó como trío opera ahora como el cuarteto de Michael Jobborn [teclados y conceptos], Mark Cook [Warr Guitar, bajo, guitarra de 12 cuerdas, sintetizador, sitar y arreglos de cuerdas y coros], Suzi James [guitarras acústicas y eléctricas, teclados, flauta y violín] y Bill Bachman [batería y percusión]. Tras sorprendernos gratamente con el disco de 2023 “Paradigms”, ahora este ampliado colectivo especializado en el ambient prog y el space-rock nos brinda una versión remodelada de su enfoque estético, en muchas ocasiones, jugando con recursos de aumentada fastuosidad. Más detalles sobre este aspecto y otros en los párrafos siguientes. El cuarteto contó con varios colaboradores ocasionales: Chris Gill (guitarra), Chris Messina (sintetizador), Steve Bonino (guitarra y voz), Gayle Ellett (mellotrón, guitarras acústica y eléctrica, y bouzouki), Massimo Pieretti (piano y sintetizador) y Tenk van Dool (mandolina y guitarra). El lanzamiento al mercado de “Paradigms II” tuvo lugar a inicios del presente mes de octubre por iniciativa de ProgRock’s Essentials.

 
El repertorio de “Paradigms II” empieza con ‘Galaxy Unknown’, una pieza bastante animada que ostenta un carismático garbo caleidoscópico: su enclave melódico está muy bien delineado y su amalgama sonora brilla con un cálido encanto. Luego sigue la ambiciosa pieza ‘A Beacon Or Light’, a la sazón, la más larga del repertorio con sus 12 ¼ minutos de duración. En una primera instancia, su aura serena de expansiones atmosférica es manejada con una inspirada mezcla de candor melódico y cristalino refinamiento. Más adelante, las cosas se agilizan notablemente, siendo así que el nuevo swing acoge un vitalismo gentil y envolvente emanado de la pulcra amalgama de guitarras y sintetizadores. Es como una confluencia entre lo Floydiano y lo Genesiano bajo la guía del VANGELIS de la segunda mitad de los 70. A partir de aquí, las alternancias entre los pasajes sosegados y los vivaces se organizan dentro de un encuadre efectivamente preciosista. ‘A Dramatic Interlude’ brinda un momento de vulnerabilidad emocional a través de una encantadora magia melódica que coquetea con el jazz-fusion desde su estadio prog-ambient. Así las cosas, el terreno está preparado para la emergencia de ‘A Hole In The Ground’, pieza que está a cargo de ahondar en la claridad melódica que ya se siente bien instalada a estas alturas del partido. Es como si una balada de SYLVIAN & FRIPP hubiese pasado por el filtro de HERD OF INSTINCT. El crescendo final es bastante elocuente. ‘4th Dimensional Wave’ es otro tema bastante extenso: dura poco más de 11 ¾ minutos. Su misión principal consiste en mezclar la señorial gracilidad del tercer tema y la fastuosidad  del segundo dentro de un dinamismo que, aunque sigue durando igual de controlado, refleja mayores niveles de sofisticación. Los parajes extrovertidos portan una luminosidad aristocrática que, a fin de cuentas, termina focalizando toda la energía expresiva en curso. El preciso vigor y la excelsa elegancia de la batería a lo largo de todos los recovecos temáticos es crucial para que la arquitectura global preserve su rotunda consistencia. Un cénit de exuberancia y versatilidad dentro del álbum entero. 

 
Cuando llega el turno de ‘Lyrical Paradox’, el ensamble emplea los cerca de cuatro minutos de espacio que tiene para dar un nuevo giro de tuerca al patrón melódico Genesiano en clave contemplativa. ‘Outlooks Of The Closed-Minded’, por su parte, retoma la dimensión más extrovertida de la visión musical de T.A.P y le da una remodelación más envolvente. Para ello, incrementa los recursos jazz-rockeros en el groove y promueve virajes sugerentes en las bases armónicas. También ayuda ls incorporación de hermosos solos de piano eléctrico y de sintetizador durante el último tercio. Acertado epílogo para este otro momento culminante del disco. ‘Wishful Solitude’ trae consigo el cierre del repertorio al modo de un intensivo viaje musical de poco más de 11 ¼ minutos. Su senda expresiva se inicia una extensión del área musical donde se desenvolvió la pieza precedente con una reestructuración del refinado vitalismo que ya hemos apreciado en algunos temas precedentes. Los aires de familia con DJAM KARET y HERD OF INSTINCT son muy patentes. El solo de flauta que emerge en algún momento intensifica el colorido inherente a la composición, y lo mismo vale para las intervenciones de la mandolina y la guitarra acústica. El viraje cósmico que se da alrededor de la frontera del quinto minuto en base a coqueteos con el space-rock da una renovada musculatura a la maraña instrumental por un rato antes de que la última sección se enfile por la estilización sinfónica a punta de resoluta magnificencia. El golpe final es el cierre perfecto para la pieza y el álbum, la conclusión que merece un disco tan fabuloso como éste. La verdad que la gente de T.A.P se ha lucido a lo grande con “Paradigms II”, un disco que se destaca como uno de los más refinados y majestuosos dentro de la diversa producción progresiva hecha en este año 2026. Muy pero que muy recomendable.
 
 
Muestras de “Paradigms II”.-
A Beacon Or Light: https://tapprog1.bandcamp.com/track/a-beacon-or-light
4th Dimensional Wave: https://tapprog1.bandcamp.com/track/4th-dimensional-wave-2
Outlooks Of The Closed-Minded: https://tapprog1.bandcamp.com/track/outlooks-of-the-closed-minded

 

La gran novedad del trío noruego BUSHMAN’S REVENGE para el año 2026

 

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Desde haces algunos meses, está brillando una gema reciente dentro de la escena jazz-progresiva escandinava. A fines de mayo último el trío noruego BUSHMAN’S REVENGE lazó al mercado su décimo trabajo de estudio “Ah, Les Vaches!” (tiene doce en total, incuyendo registros en vivo) por vía del sello Is It Jazz? Records. La edición tuvo lugar tanto en CD como en vinilo. El título de este disco está en francés y se traduce al español como ¡Ah, las vacas!. El colectivo conformado por Even Helte Hermansen [guitarras alto y barítono], Gard Nilssen [batería, percusión y vibráfono] y Tor Egil Kreken [bajo] recibió la colaboración ocasional de Johan Lindström a la guitarra pedal steel. Para el material aquí contenido, Bård Ingebrigtsen se hizo cargo de la ingeniería de sonido en las sesiones de grabación y de la mezcla; el ulterior proceso de masterización estuvo en manos de Johnny Skalleberg.

La breve pieza ‘Unholy Ghost’ da el puntapié inicial a las cosas con un despliegue de elegante musculatura donde la sinergia aleatoria de los instrumentos actuantes impide que el temporal se aleje de la tentación del caos. A partir de allí, ‘Velkommen Til Gards’ entra a tallar con una exhibición de vitalismo versátil donde el lenguaje de las formas libres del jazz contemporáneo se reviste del electrizante vigor del rock. Tras un tormentoso pasaje prologar que recibe graciosamente los ecos del fragor inaugural, el ensamble se detiene a armar una retorcida arquitectura donde la explícita complejidad de los grooves marca la pauta para el bizarro dinamismo que delinea el hermanamiento de las guitarras y el bajo. Definitivamente, la batería hace lucir su rol protagónico dentro de la amalgama global. El grupo ha puesto bien en claro al oyente cuáles son algunas de las reglas principales del esquema de trabajo que habrá de desarrollarse en todo lo que queda del álbum. ‘And Gullit Was His Name-O’ sigue a continuación para virar hacia una ambientación más ligera, cercana en sí misma hacia el lado más grácil del math-rock y con el enfoque domesticado de lo que usualmente reconocemos como pop-rock. Eso sí, el uso de inusuales tempos durante la instauración del motif central señala claramente que hay una mentalidad progresiva en la creación y los arreglos concomitantes de esta composición. ‘Rådyrparet’ es un ejercicio de melancolía crepuscular que establece aires de familia con bandas compatriotas tales como ELEPHANT9 y RED KITE (en sus facetas más introspectivas). Los retazos de la guitarra pedal steel que acompañan a los sobrios fraseos de la primera guitarra refuerzan ese espíritu de ensimismamiento inherente a la composición; el esplendoroso crescendo de los últimos segundos consolida la emotividad expresiva para acentuarla como algo sublime. Un tema bastante bello que tiene en la concreción de una estilizada delicadeza su mayor logro estético. ‘Purple Rain’ es exactamente lo que parece, una versión de la magnífica balada de Prince de 1984, más exactamente, una versión de la versión que hizo la cantautora sueca Stina Nordenstam en los 90 (bajo las influencias de TALK TALK y PORTISHEAD), pero con sus debidos toques psicodélicos, los mismos que aportan un aura cósmica al enclave jazz-rockero. Lo melancólico del tema precedente se reitera con la adición de una densidad sombría; lo introspectivo recurre a una añoranza desesperada que se refugia tras la cortina de su grito silencioso. 

Bajo el sarcástico título de ‘One Small Misstep For Man, One Giant Mistake For Mankind’ emerge una pieza eminentemente vitalista que opera como un posicionamiento contrastado frente a la secuencia de las dos piezas precedentes. Incluso se puede decir que explora nuevos territorios a la vista tras la puerta que abrió el tema #2. El imperio de un swing sofisticado y las elocuentes aseveraciones de la guitarra aseguran una expresividad contundente, dueña de una patente fuerza de carácter sin llegar a la furia. Los creativos apuntalamientos del bajo incrementan la suntuosa autoridad del esquema rítmico mientras las intervenciones de la guitarra pedal steel completan el colorido esencial de la pieza. Tal vez sea éste el cénit del disco. La díada de ‘Bram’ y ‘Barbara’ sirve para que el trío siga engrosando los recursos sonoros de su arsenal musical. El primero de estos temas mencionados ostenta una soltura semejante a la de ‘One Small Misstep For Man, One Giant Mistake For Mankind’, pero opera con un swing menos vivaz y unas cadencias más plácidas; estos dos factores permiten que el centro temático se maneje con mayores dosis de sofisticación. En cuanto a ‘Barbara’, se trata de un convincente retorno a las vibraciones crepusculares de lo contemplativo dentro de una parsimonia introspectiva. Cerca del final emerge otra miniatura titulada ‘Pauseakvariet’,  un ejercicio de jazz-fusion al clásico estilo de l9s 70 como si una vieja idea de Hancock se trasladase a un trío de Rypdal. ‘I Am A Ghost Now’ es el tema encargado de cerrar el repertorio y lo hace con un aura espectral que va llenando espacios a un ritmo sereno, casi como si cada nota se desparramara con aristocrática languidez. Las texturas impresionistas que sustentan el arreglo general de la pieza conforman el fondo musical adecuado para cerrar el telón. Eso sí, esta melancolía es feliz y garbosa, no angustiada como en algunos temas precedentes: los aires de exaltación plasmados en el epílogo hablan por sí mismos. Todo esto fue lo que la gente de BUSHMAN’S REVENGE nos ha brindado con “Ah, Les Vaches!” en este año 2026, otro ejemplo de sus excelsos niveles de creatividad y energía dentro de la vanguardia jazz-progresiva actual dentro y fuera de Noruega. Muy recomendable.

 
 
Muestras de “Ah, Les Vaches!”.-
Velkommen Til Gards: https://bushmansrevenge.bandcamp.com/track/velkommen-til-gards
Rådyrparet: https://bushmansrevenge.bandcamp.com/track/r-dyrparet
One Snall Misstep For Man, One Giant Mistake For Mankind: https://bushmansrevenge.bandcamp.com/track/one-small-misstep-for-man-one-giant-mistake-for-mankind  

CAL: desde 1980 hasta 2026

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy contamos una de muchas historias de revancha y reivindicación del rock de viejos tiempos: la primera edición en CD del disco homónimo y único del grupo CAL. Del año 1980 al año 2026, la gente del siempre ocupado sello malagueño 5 Lunas nos trae una inmensa reliquia de la primera generación del rock andaluz: “Cal”, publicado originalmente por el sello Cardisc. CAL fue una banda asentada en Sevilla cuyos integrantes eran Alberto Toribio [pianos acústico y eléctrico, mellotrón, sintetizador y voz], Pepe Fernández [guitarras y voz], Paco Muñoz [bajo y primera voz] y Juanjo Muñoz [batería y voz]. Esto de meterse en el rock andaluz no era nada nuevo para el teclista Toribio, pues él había sido integrante de GOMA, banda gestora de otro clásico titulado “14 Abril”. El guitarrista Fernández, por su parte, estuvo en el grupo de blues-rock TAPIMAN, lo cual lo hacía experto en garra expresiva: de hecho, él funge como capitán de la fuerza dentro del grupo mientras sus compañeros de viaje son habitualmente los coloristas y magos de los recursos preciosistas. Esta obra fue grabada en los Estudios Gema  entre la Semana Santa y la Feria del año 1980, estando Enric Catalá a cargo de la ingeniería de sonido. Salió al mercado pocos meses después. Juanjo López fue el autor del arte gráfica original. El grupo no duró mucho más que la permanencia de este disco en las estanterías y parecía condenado al olvido salvo los contados casos de coleccionistas que compraron sus respectivos ejemplares en un momento dado. Pero algo ha cambiado ahora y es gracias a ese algo que podemos hacer aquí esta humilde retrospectiva.

El repertorio de “Cal” se inicia con ‘Mujer Del Sur’, canción con bastante gancho cuyo intenso palmeo inicial pronto abre la puerta a un delirio alegre que se explaya en su propio lirismo. Los exhaustivos aires flamencos del núcleo compositivo son ingeniosamente moldeados por los ornamentos sinfónicos provistos por los teclados mientras la vivacidad folclórica se afianza con palmas y castañuelas. Un muy llamativo inicio de álbum. ‘Detrás Del Paso’ sigue a continuación iniciándose con un ambiente de procesión religiosa antes de embarcarse en una travesía ágil y sumamente estilizada. La animada fluidez de la dupla rítmica permite a los teclados y la guitarra focalizar sus diálogos y sus respectivos solos, los cuales reflejan cierto dejo Cameliano a través de sus vibraciones telúricas aflamencadas. La díada de ‘Pa Decirte’ y ‘Mi Sevilla’ sirve para que la banda siga expandiendo su colorido duende musical y saque buen provecho del colorido eficaz que ya se asentó sin marcha atrás en la estructura musical del cuarteto. El primero  de estos temas mencionados refuerza el alegre groove de la canción precedente y le proporciona un poco más de musculatura.  También se nota una meticulosidad más puntillosa en el desarrollo de la majestuosidad melódica en curso. En lo referente a ‘Mi Sevilla’, se trata de una balada evocadora donde las añoranzas nostálgicas llenan todos los espacios con una prestancia muy delicada. Un intermedio fusionesco muy afín a los que hacían los ALAMEDA en sus dos primeros discos establecen un ingenioso contrapunto. Ojalá durara un poco más, pues es un jaleo bastante refinado el que se agita aquí, pero es que el epílogo tiene urgencia de entrar a tallar con un regreso al motif inicial. ‘Guadalquivir Gitano’ da inicio a la segunda mitad del repertorio con una actitud híbrida de IMÁN CALIFATO INDEPENDIENTE y ALAMEDA en lo referente al masivo empleo de variantes melódicas: la gente de CAL lo realiza dentro de un encuadre progresivamente sofisticado que se sazona con varios recursos jazzeados. La exquisita alegría de la dupla rítmica agiliza la abierta soltura de la guitarra y los teclados una vez pasado el prólogo etéreo. Se trata, a fin de cuentas, de un cénit decisivo del disco... pero ojalá hubiese durado un poco más. 

‘Ensayo En El Garbanzo’ recibe los ecos de la estilizada algarabía que signó a la pieza precedente. Con los teclados y la guitarra alternándose el protagonismo en el perfilamiento del centro temático, el ensamble da rienda suelta a su habilidad para crear interacciones vivaces. Siendo así que el elemento jazzero es más  predominante, podemos hallar aquí algunos aires de familia con GUADALQUIVIR  y los CAI del segundo  álbum. Las ingeniosas líneas  del bajo gestan un virtuoso puente entre lo melódico y lo rítmico. El canto, por su parte, se torna más asertivo que nunca. Durando más de 9 ¾ minutos y siendo la pieza más extensa del álbum, ‘“Colgao” (I y II Parte)’ es también el encargado de cerrarlo. Ya desde sus instancias iniciales, notamos algo más  expresionista en el modo en que los músicos arman esta congregación del momento. Estas nuevas vibraciones se sitúan cerca de los paradigmas clásicos de YES y PINK FLOYD. Eso sí, sin perder un ápice de ese pathos andaluz tan propio. El puente psicodélico que emerge cerca del final es manejado con cristalina elegancia antes de que la última parte cantada nos diga adiós. Definitivamente, este lado B es el más logrado del disco como un todo. Todo esto fue el legado CAL y no se quedó en una huella borrada del pasado gracias a la gran iniciativa de 5 Lunas de recuperar este disco para la memoria presente. Con la digitalización hecha por Juan Sánchez Rosano, la masterización realizada en Barrameda Mastering y la maquetación de Rafa Tardío, el jefe Juan Antonio Vergara concreta una nueva labor de arqueología vital para el ideal infinito del rock andaluz. ¡¡Imperdible esta edición!!

Muestras de “Cal”.- 

Detrás Del Paso: https://www.youtube.com/watch?v=v7RidFSzMN4

Guadalquivir Gitano: https://www.youtube.com/watch?v=1ZiLfzeIZlI 

“Colgao” (I y II Parte): https://www.youtube.com/watch?v=uCPDp7ZBdME