QUESO SAGRADO: testimonios del orden reptante de la vanguardia rockera mexicana entre 1974 y 1981

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Esta ocasión es muy especial pues nos ponemos a inspeccionar la trayectoria de QUESO SAGRADO, banda legendaria dentro de la vanguardia rockera mexicana en la década de los 70 que duró hasta inicios de la década siguiente. En sí, el grupo no registró una discografía oficial, pero existe una recopilación homónima de material grabado por el ensamble en diversas circunstancias entre los años 1974 y 1981: 1973 es la fecha oficial de su formación. “Queso Sagrado” fue publicado por el sello connacional Kathmandu Records en diciembre del año 2019 como su cuarto ítem fonográfico. Alex Eisenring, el fundador y constante líder del ensamble (nombre completo, Alex Roger Eisenring Castro), fue el encargado del rescate y la producción de todos los vestigios que quedan del reptante orden vanguardista que QUESO SAGRADO adoptó y desarrolló como misión musical. La portada de este tesoro musical es de Flamel y la ilustración es de Alifie Rojas. Mientras trataba de seguir adelante dentro de la escena vanguardista del rock mexicano, QUESO SAGRADO mantuvo una asociación de largo tiempo con  el director teatral Abraham Oceransky. siendo ellos los autores de la musicalización de obras como Simio, Deus Machina, Muerte de un girasol y Frankenstein. De hecho, fue este aspecto de la carrera de la banda lo que le permitió mantenerse bastante activa, ganando una presencia que la propia industria musical no era muy propicia en facilitarle.

  

El disco recopilatorio va en orden cronológico inverso, comenzando con tres temas grabados en el año 1981, poco antes de disolverse el grupo: ‘El Caos Reptante’, ‘Renata’ y ‘El Otoño En Beijing’. La alineación de QUESO SAGRADO consistía entonces en Eisenring [guitarra y sintetizador], Antonio Sánchez “Toñito” [batería], Carlos Vivanco [guitarra], Fabián Reyes [bajo], Alfredo Flores [violín] y Ulises Figueroa [trombón]. También había el apoyo vocal ocasional de Bernardo González, Norma Carrillo y Silvia Candanedo. El primero de estos temas mencionados se mueve ágilmente sobre un compás de 6/8 que luego vira hacia el 5/4 y otros compases; en base a ello, se nos brinda un cálido ejercicio de sinfonismo que parece exorcizar fantasmas de los GENESIS y CAMEL clásicos, añadiéndose cadencias jazzeras a la ingeniería rítmica diseñada para la ocasión. El momento de los alternados solos de trombón y violín exhibe una particular fuerza de carácter desde el bloque instrumental, y, de hecho, se nota que la batería intensifica su swing. Tras un breve intermedio marcado por una sedosa sutileza, el vigor del segundo motif vuelve al frente para edificar un empuje fastuoso que incluye algunos pasajes de tensa disonancia. ‘Renata’ refuerza el factor suntuoso desde el punto de partida con ese autoritario redoble de batería. La ilación de los motivos ostenta una extroversión más pronunciada que en el tema inicial, y sobre todo, abre espacios para interludios densos y contundentes, a veces, coqueteando con lo Crimsoniano, otras, con las deconstrucciones de tipo vanguardista. Cuando llega el turno de ‘El Otoño En Beijing’, el ensamble inicia su viaje con una ceremoniosidad cuasi-circense que abre la puerta a un nuevo ejercicio de eclecticismos gráciles y densos, reforzando la espiritualidad ingeniosamente retorcida que antes signó a ‘Renata’. Hay una furia muy singular en las intervenciones del violín y del trombón, lo cual también se conecta con la pieza que abrió esta recopilación. En general, este bloque de tres temas muestra una visión musical muy claramente definida, una vocación ecléctica manejada con virtuosismo y buen gusto. 

Ahora retrocedemos al año 1980 y nos topamos con ‘Mpdmad’, que es un experimento solitario del maestro Alex al sintetizador. Lo que suena aquí es como una remodelación de lo que hicieron los TANGERINE DREAM de la fase 1971-73, pero con un enfoque oscurantista más cercano a los CLUSTER de los dos primeros álbumes, junto a cierta aridez abstracta de los connacionales DECIBEL. Se nota el enamoramiento con el sintetizador que brota de esta exploración: no nos sorprende del todo que, tras la disolución de QUESO SAGRADO, se volcara al tecno-pop con SYNTOMA. ‘Impro’ es un registro del año 1978 donde Eisenring, a cargo de la guitarra y el piano eléctrico, está acompañado por el también guitarrista René Romero, el baterista-percusionista Jesús González Martín y el bajista Carlos Blázquez. En este viaje en reversa nos damos cuenta de que el impacto Crimsoniano fue muy fuerte a lo largo de la senda evolutiva de QUESO SAGRADO: son inocultables los ecos de la trilogía carmesí de 1973-74 cuando el grupo gesta un preludio aleatorio desesperadamente en busca de un norte fijo para que, al encontrarlo, lo traduzca en una tormenta exquisita donde todo está bastante articulado dentro del fragor global. Los dos últimos temas, ‘Nyarlathotep’ y ‘Odessa’, datan del año 1974: en aquél actúa el trío de Héctor Candanedo [bajo], Luis Rojas Lefort [batería] y Eisenring [guitarra y piano eléctrico], mientras que en el último sólo toca el dúo de Eisenring y Rojas. He aquí el testimonio más próximo a las inquietudes originarias de QUESO SAGRADO como idea real. ‘Nyarlathotep’ elabora una fluida mezcla de sinfonismo y jazz-rock con añadidos matices psicodélicos. Hay un motivo recurrente que se caracteriza por un genuino candor, pero los arreglos estructurales y las expansiones posteriores llevan todo a un área más tensa, coqueteando con lo sombrío mientras preserva un lote de fulgor sónico. Se explora muy bien el contraste entre la compleja musculatura de la batería y la magia crepuscular del piano eléctrico: Eisenring maneja el instrumento con bastante soltura. El último tercio de la pieza muestra a la banda muy firme en su aristocrática robustez. ‘Odessa’ es menos complejo, aunque también tiene un aura distinguida: de trata básicamente de un jam en clave de blues donde los músicos dan rienda suelta a su gusto por la psicodelia pesada sazonada con algunos enclaves jazz-rockeros.

Después de QUESO SAGRADO, Eisenring halló espacio creativos en SYNTOMA, CULTO SIN NOMBRE y DECIBEL, además de algunos proyectos con su colega de los últimos años de QUESO SAGRADO Carlos Vivanco. Ciñéndonos a “Queso Sagrado”, se trata de un gran ítem de colección que, a pesar de las notorias cortedades en lo referente a la calidad audófila del material rescatado, nos muestra una parte importante de la vanguardia progresiva mexicana entre 1974 y 1981. Muchas gracias a la gente de Kathmandu Records por poner esto a la disposición de la gente amante del rock artístico de todos los tiempos y lugares.

Muestras de “Queso Sagrado”.- 

El Caos Reptante: https://www.youtube.com/watch?v=xadps8P2Aww 

Renata: https://www.youtube.com/watch?v=Evz2N3q3x2s

Nyarlathotep: https://www.youtube.com/watch?v=KzcfocRdZHQ

AL.MA PROJECT: un largo y triunfal viaje en el rock progresivo español de nuestros días

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Hoy es el turno de presentar a AL.MA PROJECT, la visión progresiva del teclista y compositor español Alberto Márquez, natural de la bella localidad de Jerez de la Frontera (provincia de Cádiz). Dicha visión se plasmó de forma concreta en la primera mitad de diciembre del pasado año 2025, que fue cuando el sello andaluz 5 Lunas publicó “Metamorphosis”, un hermoso catálogo de composiciones portadoras de un embrujo particular en cada caso (ya adelantamos nuestro agrado con este ítem). Las credenciales grupales más célebres de Márquez son sus membrecías en los grupos OMNI, METÁFORA y ONZA; su posicionamiento solista se sitúa claramente en el terreno del rock progresivo sinfónico, convenientemente sazonados con aires de la propia tierra andaluza... los valles, los montes. el sol, las brisas diversas, las lagunas, los vestigios arquitectónicos... Márquez, quien se hace cargo del piano, los sintetizadores y los efectos de sonido, es acompañado por Francisco Hernández (guitarras eléctrica y acústica), Alonso Romero (bajo) y Chus Gancedo (batería), o sea, gente de EL TUBO ELÁSTICO y CAST. En un tema aparece Antonio Valderrama a la guitarra eléctrica. El material del disco fue masterizado en  los Estudios Monteverdi. En palabras del propio Alberto Márquez, el nombre del disco es una metáfora de “un viaje que denota la inconsistencia, la permanente transformación y los cambios que nosotros, como seres humanos, enfrentamos cada día”.

Durando poco más de 7 ¼ minutos, ‘The Long Journey’ inicia el repertorio del disco. Tras un prólogo cósmico de claro tenor envolvente cuya fuerza fluye a través del complejo groove cuasi-tribal de la batería, emerge un cuerpo central donde los sucesivos índices temáticos se van acomodando sobre un cadencioso tempo de 6/8. Las atmósferas se alternan entre lo aguerrido y lo sedoso, conteniendo un constante gusto por exhibir una rica paleta sonora. Muy a lo CAMEL, la verdad, con un oportuno toque andaluz. En las instancias finales, el esquema rítmico vira hacia el 5/4 con convincente altivez mientras la pieza se enfila hacia un fade-out marcado por efectos radiofónicos. Impactante inicio de álbum. A continuación, llega el turno de ‘Dreaming The South’, una bella composición impulsada por una espiritualidad evocadora, incluso nostálgica, en ocasiones. Hay un elemento fastuoso que nos remite tanto a los GENESIS de 1976 como a los OMNI de 2007, pero esa fastuosidad está dosificada para no quebrar la cristalina claridad melódica del momento. ‘Day Of Triumph’ se centra en un motivo marcial al modo de un bolero sinfónico.  Las orquestaciones de teclados ostentan un garbo refulgente con ciertos matices oscurantistas, una suntuosidad de extraña magia. La misión central de ‘Rebirth’ consiste inicialmente en virar hacia un área de expresividad cálida, la cual proyecta un ahondamiento en el talante contemplativo que antes signó al tema #2. En una segunda  instancia, el cambio momentáneo a un swing más intrépido permite al ensamble explorar aspectos más dinámicos del lenguaje sinfónico,  una vivacidad refinada. Un cénit del álbum. ‘No More Words’ es el tema más extenso del álbum con sus 8 ¾ minutos de duración. Su esquema de trabajo consiste en perpetuar el foco de estilización melódica trazado en la pieza precedente y dotarla de una mayor dosis de eclecticismo a través de la grandilocuente ilación de los diversos motivos. El peculiar colorido de la guitarra acústica ayuda a completar el ambicioso paisaje musical.

‘The Echo Of Oblivion’ empieza con un solemne preludio de piano, el cual delinea las bases del croquis melódico sobre el que prontamente se asienta el cuerpo central. Aquí opera una aristocrática confluencia entre lo Floydiano y lo Cameliano, una impactante manifestación de hermética nostalgia que se deja inundar por el manto de la noche. ‘Reflections’ regresa de lleno a las semblanzas de refinada suntuosidad que ya hemos apreciado en varios temas precedentes mientras preserva algo de la solemnidad sistemática de ‘The Echo Of Oblivion’. Bajo esta sofisticada consigna y estando prestamente asentada la atmósfera nuclear, las renovadas vibraciones rockeras utilizadas por el ensamble desarrollan recursos de musculatura sónica. Ésta se eleva bajo una aureola de majestuoso esplendor que no pierde de vista su esencial gravedad. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘Trust’, una pieza cuyo núcleo temático está signado por una cándida gracilidad. Los solos de sintetizador que marcan la pauta de la ingeniería  grupal ostentan una magnífica coquetería, la cual se traduce en un vuelo señorial cuando los solos de guitarra entran en acción para llenar ciertos espacios. Otro solo de sintetizador que emerge a poco de cruzar la frontera del tercer minuto ostenta una peculiar  fuerza de carácter, iniciando así la senda hacia el contundente final. Toda una lección de cómo crear bella música prog-sinfónica con genuina emotividad mientras la solvencia técnica se encarga de asentar y reforzar continuamente la arquitectura colectiva. Un gran cierre para un disco integralmente hermoso. Así es el inicio triunfal de AL.MA PROJECT, un disco que refleja algo más que una metamorfosis; de hecho, en “Metamorphosis” se refleja algo muy distinto, un viaje musical donde se cosechan frutos muy maduros para esta primera iniciativa del crack Alberto Márquez. Uno de los más embrujadores discos de prog sinfónico gestados en España no sólo en el año 2025 que se fue hace poco, sino en un lapso de muchos años. Totalmente recomendable en cualquier buena fonoteca.

Muestras de “Metamorphosis”.- 

The Long Journey: https://5lunasproducciones.bandcamp.com/track/the-long-journey 

Rebirth: https://5lunasproducciones.bandcamp.com/track/the-long-journey  

Trust: https://5lunasproducciones.bandcamp.com/track/trust

HADAL SHERPA: memoria y réquiem de la psicodelia progresiva finlandesa

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

A fines del pasado año 2025 se publicó un disco bastante especial. Se trata de “Memoria”, tercer trabajo de estudio del grupo finlandés HADAL SHERPA, publicado a inicios de diciembre del pasado año 2025 por vía independiente. También habrá una edición en casete por el sello Keittolevyt. Más allá de que se trate de un estupendo disco rebosante de creatividad y vigor, es un involuntario réquiem al líder de la banda Vesa Pasanen, quien falleció inesperadamente en julio de 2025. El material contenido en “Memoria” fue grabado en varias sesiones entre los años 2021 y 2025. Pasanen se hacía cargo de las guitarras solista y rítmica, el bajo, el sintetizador y algunas percusiones; el cuarteto se completaba con Ville Kainulainen [guitarra rítmica], Ilja Juutilainen [batería y percusiones] y Pi Viana [voz y flauta]. La música y las letras son de la autoría exclusiva de Vesa Pasanen, quien también organizó la mayoría de las sesiones de grabación del material contenido en “Core”; también realizó la mezcla y la masterización, además de haber sido el principal diseñador gráfico de la portada. Kainulainen y Viana completaron las labores de ingeniería de sonido. Bueno, ya es hora de revisar los detalles  del disco que hoy nos ocupa. 

‘Omen’ da inicio al repertorio iniciándose con un prólogo cósmico de base cibernética, abriendo pronto campo a la proyección de un gentil cuerpo central en 6/8. El luminoso candor establecido por el entramado sonoro atraviesa tanto a las secuencias armónicas del sintetizador como a la delicada amalgama de las dos guitarras. Un trayecto primaveral con cristalino esplendor que sabe mantener su aura evocadora con sólida consistencia. ‘Caligo’ sigue a continuación en un engarce con la última nota flotante del tema inaugural. Ahora, el grupo asume una actitud más aguerrida y se dispone a jugar con una ingeniería rítmica más sofisticada. La combinación de garra space-rockera y colores exóticos establece nexos con HIDRIA SPACEFOLK y QUANTUM DANTAY, además de incorporar unos matices inspirados en el estándar de los últimos discos de HAWKWIND. Un primer cénit del álbum, bastante imponente. ‘Insomnia’ vira totalmente de registro al insentarse en una neblina crepuscular donde el espíritu contemplativo se expresa con un talante tremendamente ensoñador. Cuando la expresividad se torna más grave y el entramado grupal suena más denso, el grupo transita por un terreno Floydiano (etapa 71-73). ‘Maeror’ perpetúa el ambiente ceremonioso del tema precedente mientras lo remodela con menor boato, una claridad más directa en su centro lírico. De este modo, y con el apoyo del groove bluesero, el persistente señorío adopta un revestimiento un poco más dramático. 

‘Omina’ utiliza su espacio de 6 minutos y pico para retornar a las atmósferas y enfoques musicales plasmados en la pieza inaugural, edo sí, con una dosis mayor de esplendor sónico. Se da aquí un incremento de las vibra rockeras en comparación con la secuencia de los dos temas anteriores, pero queda claro que el grupo prefiere insuflar un magnetismo aristocrático a la musculatura rockera en curso. El camino hacia el calmado epílogo se hace fluido y anuncia el arribo del tema final del disco, justamente el  homónimo. Es también el más extenso con sus más de 11 ¾ minutos de duración. ‘Memoria’ comienza con una calidez flotante que evoca eficazmente los aspectos ensoñadores de varios tenas precedentes. Poco antes de llegar a la frontera del quinto minuto,  el swing se intensifica y se hace un poco más sofisticado, lo cual lleva en no mucho rato a la emergencia de un tempo ágil y razonablemente cañero. Todo suena ahora como una versión épica de los OZRIC TENTACLES que coquetea ligeramente con PORCUPINE TREE. Tras un clímax rockero bien calculado, la sección epilogar emerge con una proyección cósmica guiada por un cántico cósmico. Todo esto fue lo que se nos brindó con “Memoria” desde los cuarteles de HADAL SHERPA, un disco que muestra fehacientemente la misión del grupo para seguir evolucionando dentro de su línea de trabajo; por eso mismo, es recomendable para cualquier colección de rock artístico. Sin querer, también se erige como el testamento final de Vesa Pasanen dentro del variado universo del rock progresivo contemporáneo. Terminamos esta reseña con un homenaje agradecido a su memoria. 

Muestras de “Memoria”.-  

Caligo: https://hadalsherpa.bandcamp.com/track/caligo

Memoria: https://hadalsherpa.bandcamp.com/track/memoria

JIZUE: décimo crucero en el mar del jazz-prog japonés

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Llega un poco tarde esta reseña, pero, de todas maneras, tiene que llegar. Hoy centramos nuestra atención en “Mer”, el décimo trabajo de estudio del ensamble japonés de jazz-rock con tintes eclécticamente progresivos JIZUE. Publicado el 21 de mayo del pasado año 2025 por la asociación de los sellos Victor Entertainment y Bud Music, Inc., este disco nos muestra al trío de Noriyuki Inoue [guitarras], Tsuyoshi “Gou” Yamada [bajo] y Katagi “Kie” Nozomiyo [teclados] dando nuevamente rienda suelta a las inquietudes musicales que les mueven desde el año 2006, que fue cuando el grupo se fundó en la localidad de Kioto. El trío asume colectivamente la autoría de todas las piezas contenidas en este disco; en el apoyo a la batería, se turnan Tsukasa Inoue y Genki Hashimoto. Como es habitual, Inoue se hizo cargo de la ingeniería de sonido en las sesiones de grabación, así como de la mezcla y la masterización del disco que hoy nos convoca. Todos estos procesos tuvieron lugar en el Studio DeCO. La evocadora foto en la portada de “Mer” es de la autoría de Takumi Yamamoto. Bueno, veamos ahora los detalles estrictamente musicales de este disco.

‘Rex’ es el tema encargado de abrir el repertorio de “Mer” y lo hace con una inconfundible actitud de expresionismo vigoroso desde esos primeros instantes de unión de guitarra y batería: un poderoso despliegue de jazz-rock con varios aspectos prog-metaleros operando en el entramado sonoro de tal modo que se geste una suerte de híbrido entre LIQUID TENSION EXPERIMENT y TRIBAL TECH, además de algunas cercanías estilísticas con la banda compatriota KENSO en su faceta más aguerrida. No se podía iniciar el disco con más explosividad, en realidad, un truco bastante efectivo. A continuación, surge ‘Ri:ng’, un tema que sabe preservar el fulgor inherente al ítem inaugural, pero con una prestancia más exquisita y un esplendor más cristalino. El boato inherente al sofisticado desarrollo melódico mantiene bastantes estándares de eso que se suele llamar nu-jazz (a lo GOGO PENGUIN), así como de la vieja escuela fusionesca de los RETURN TO FOREVER (etapa de los dos primeros discos) y un oportuno toque de sinfonismo. En medio del protagonismo del piano con sus fascinantes e infatigables efluvios, hay espacio para que la virtuosa labor de la dupla rítmica ocupe un rol relevante dentro del conjunto. Una belleza de composición, un auténtico cénit del disco. La subsiguiente dupla de ‘Obsession’ y ‘Tapetum’ permite al ensamble asentarse en sus persistentes aventuras sónicas. El primero de estos temas mencionados exhibe una lozanía bastante ágil, a veces coqueteando con el Latin jazz, siempre haciendo gala de una coqueta vivacidad que se manifiesta continuamente bajo una aureola primaveral. En lo referente a ‘Tapetum’, se impone una gracilidad razonablemente sosegada que fluye naturalmente a través del bien perfilado lirismo con el que se edifica la composición. Mientras avanza el desarrollo temático, la pieza gana en intensidad expresiva mientras mantiene su candor esencial. ‘Uni’ se centra en lo sereno sin perder los ecos de frugal fulgor que signaron a la pieza precedente. El ensamble se enfoca seriamente en su faceta contemplativa. ‘Thoth’ es la pieza más extensa del disco con sus cerca de 4 ¾ minutos de duración. En abierto contraste con la espiritualidad común de las dos piezas precedentes, el grupo se focaliza en una aristocrática agitación donde los juegos de tensiones y contrastes son manejados con juguetona altivez. Las alusiones exóticas de los bloques melódicos son imponentes, incluso parece que hay algunos recovecos math-rockeros en el complejo armazón rítmico. Otro cénit decisivo del álbum.
 
Cuando llega el turno de ‘Calm’, el ensamble regresa a las exploraciones de su faceta más introvertida, y lo hace con un enfoque muy bien delimitado. El aura ensoñadora emanada del núcleo melódico se centra en lo reflexivo de forma bastante convincente, lo cual quiere decir que el enmarañamiento de los instrumentos está milimétricamente diseñado. El rol protagónico del piano, acompañado por la guitarra acústica en varios pasajes, funciona como una guía firme para el enclave general. Hay calma, sí, pero no falta algún recurso de etéreo dinamismo dentro del entramado sonoro. ‘The Gift’ persiste en esa misión de centrarse en el candor, pero esta vez lo hace con la exaltación de una alegría químicamente pura. La extrovertida luminosidad de las ondas tejidas por el piano es la base para que el ensamble concrete una vivaracha esbeltez con la que se brinda una eficaz fortaleza al desarrollo temático creado para la ocasión. ‘Republic’ prosigue por esta senda de tonalidades y ritmos alegres, volviendo de lleno a la sofisticación estilizada y aristocrática del jazz-fusion con expansiones progresivas. Es como si se hubiese regresado a la potencia risueña del tema #1 con el ropaje de algarabía palaciega con la que se signó al tema #3. Bajo el ameno título de ‘Hilarious’ emerge la pieza encargada de cerrar el repertorio. Su espíritu no es de comicidad, sino de bonhomía: las tonalidades melódicas y el ágil groove reflejan encanto y gentileza, el gozo se eleva lo suficiente sin llegar al arrebato. Todo esto fue “Mer”, el décimo crucero en el mar del jazz-prog japonés que organizó y perpetró la gente de JIZUE en el pasado 2025. Bastante recomendable para cualquier buena colección de jazz contemporáneo y rock artístico. A propósito, nuestras felicitaciones a la pianista “Kie” Nozomiyo por su reciente maternidad. ¡Y que la maquinaria de JIZUE siga adelante! 
 
 
Muestras de “Mer”.-  

Ri:ng: https://www.youtube.com/watch?v=EgD6nSij5Xc 

Thoth: https://www.youtube.com/watch?v=4PoaU7YJPIU  

Calm: https://www.youtube.com/watch?v=olw0GdGe5LA  

Rex [vídeo-clip]: https://www.youtube.com/watch?v=CRm4Y7TG05s

FLUX(US) DUO y VESPERO: el encuentro ítalo-ruso para una exquisita expedición vanguardista

 

 
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
El 13 de junio del año 2024 se publicó un disco muy especial: “1246”. Lo que lo hace especial es que es el fruto de la cooperación entre el dúo italiano FLUX(US) DUO y la mitad del grupo ruso VESPERO. El ensamble activo en este disco consiste en Dario Lo Cicero [flautas, Soma Pipe, Eigenharp Pico y çibun], Mila Di Addario [Cristal Baschet, percusión y flauta de émbolo], Ivan Fedotov [batería y percusión], Arkady Fedotov [bajo sin trastes, sintetizadores y efectos] y Alexander Kuzovlev [guitarra]. Como se ve, los integrantes de FLUX(US) DUO gustan de crear texturas con vientos y percusiones tantos tradicionales como contemporáneos, mientras que VESPERO es una autoridad en el space-rock progresivo del nuevo milenio: se ve muy interesante y también muy intrigante el resultado de este encuentro musical cosmopolita. Lo que aparece en “1246” fue grabado en julio del 2023 en el VMS Studio de Astrakhan; los ulteriores procesos de mezcla y masterización estuvieron a cargo de Alexander Kuzovlev. La portada es de la autoría de Dario D’Alessandro (HOMUNCULUS RES y LUNOPHONE), estando su obra inspirada en un retrato del misionero franciscano italiano Giovanni da Pian del Carpine del siglo XVI. Ya es hora de repasar el material contenido en “1246”.
 
El primero de los dos viajes musicales contenidos en este disco se titula ‘Per Aspera Ad Astra(khan)’ y dura 25 minutos y pico. Los retazos de maderas exóticas que prontamente se apoderan del centro sonoro se proyectan sobre un ensamblaje de percusión etérea y sugerentes líneas de bajo. Una vez instalado el bloque entero, se elabora un clima misterioso con una amplia expansión del lado más denso del jazz vanguardista: algo así como una mezcla de SUN RA y ANNEXUS QUAM. En una siguiente sección, todo se deconstruye bajo una neblina sutilmente inquieta, siendo así que lo amorfo funciona como un motivador de texturas crípticas. Alrededor de la frontera del décimo minuto, un swing señorial de la batería permite al ensamble gestionar otro trayecto extravagante, esta vez, ostentando un embrujo peculiar; la tesitura musical del momento permite a la guitarra reforzar su rol protagónico, algo que continúa a paso firme cuando un nuevo swing se instala con un groove más jovial donde se amplifica lo telúrico. Así las cosas, la espiritualidad expresiva se torna un poco más luminosa mientras las intuiciones aventureras de los músicos se van enfilando hacia una senda refinada, la misma que halla un sustento adecuado en la cada vez más compleja labor de la sección rítmica. Un nuevo regreso a lo flotante permite a los cinco músicos explorar un recurso de calidez introspectiva donde el retornado misterio es inicialmente tratado con ensoñador lirismo. Eso sí, las cosas no tardan en sumergirse en un nuevo ejercicio de inquietante deconstrucción. Un delicado mantra de guitarra concluye el viaje con un talante evocador, un episodio final de parca serenidad. Por lo que hemos visto, la idea central de este largo trayecto musical es la de explorar varios momentos en diferentes turnos, generando espacios para varios ejercicios recios de formas libres. 

 
El segundo viaje se llama ‘La Fina Stepo’ y se extiende por un espacio de poco más de 20 minutos. Su enfoque general tiende a dar evidente predominio al manejo de núcleos temáticos claramente delineados, algo muy contrastado frente al esquema de trabajo concretado en el primer tema. Todo empieza con una figura minimalista de guitarra que parece beber de las aguas del post-rock, lo cual resulta en un clima parsimonioso arropado por aires de nocturnidad. Alrededor de la frontera del cuarto minuto, el esquema sonoro se sofistica dentro de un encuadre híbrido de jazz-prog y psicodelia. A partir de ahí, de forma gradual, el jam se torna un poco más oscuro sin perder el aura cósmica que ha estado operativo desde el inicio. Muy a lo ASH RA TEMPEL de los álbumes segundo y tercero, a decir verdad, y resulta un recurso exitoso porque este momento extendido de extroversión colectiva gana en musculatura. Poco antes de llegar a la frontera del minuto 12, se produce una muy breve deconstrucción grisácea antes de que el ensamble retome el jam. La nueva presencia de la flauta, los vientos exóticos y el sintetizador añade prestancia al asunto, y de paso (siendo lo más importante de por sí), completa la dinámica arquitectónica que ha prevalecido de manera meticulosamente inteligente. El explícito ímpetu de estructuración coloca a ‘La Fina Stepo’ en un área opuesta a la de ‘Per Aspera Ad Astra(khan)’. Todo esto fue lo que creó la asociación de FLUX(US) DUO y VESPERO en ese año 2023 con este disco “1246”, una exquisita y exigente expedición vanguardista que merece ser valorado y recolectado en cualquier buena fonoteca dedicada a la música aventurera de todos los tiempos y lugares. 

 

Muestra de “1246”.-
Per Aspera Ad Astra(khan): https://fluxusduo.bandcamp.com/track/per-aspera-ad-astra-khan

Desde el gabinete de CABEZAS DE CERA, año 2015

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Hoy echamos un vistazo atrás al año 2015 cuando el grupo mexicano CABEZAS DE CERA, con su alineación de los hermanos Mauricio [Grand Stick] y Francisco Sotelo [batería, percusión electrónica y piano] crearon su propia musicalización del clásico eterno del cine El gabinete del Dr. Caligari de ROBERT WIENE (1920). “Música En Escala De Grises” es el título de esta aventura multi-artística de CABEZAS DE CERA. Se trata del sexto trabajo de estudio de esta banda campeona del avant-prog mexicano, el segundo como dúo: ya estaban los antecedentes de las presentaciones de este espectáculo multimedia en la Cinetecael de diciembre de 2011 y en la 13ra. Feria de Las Calacas, a inicios de noviembre de 2014. Las sesiones de grabación para este disco tuvieron lugar a mediados de 2014 en los estudios StickMX y EAR Móvil, estando Édgar Arellín a cargo de la ingeniería de sonido. Pistas adicionales se grabaron después, en el otoño de ese mismo año, en el mencionado EAR Audio. También en este estudio se realizaron las labores de mezcla y masterización entre fines de 2014 e inicios de 2015, las cuales estuvieron en manos de Arellín y Mauricio Sotelo. En el mes de junio de ese mismo año 2015, CABEZAS DE CERA realizó esta musicalización en vivo en el Auditorio de la Fonoteca Nacional de México, claro está, con la proyección de la película en torno a la cual gira este proyecto. El arte gráfica es un mundo en sí mismo: la caja se despliega en una secuencia de figuras de cartón. Repasemos ahora los detalles del repertorio diseñado para este proyecto. 

  

Todo se inicia con ‘Inicia’, miniatura realizada con una estrategia de minimalismo industrial cortante, tras la cual emerge ‘La Conversación’, cuyo prólogo de piano emana un aura terrorífica en medio de su ambiente expectante. Con le transcurso de los segundos, el motif central va acomodando sus aires de inquieto impresionismo mientras los tenues efectos del Stick añaden un extraño embrujo al asunto. La pieza ‘De Un Sospechoso Asesinato’ es la más extensa del repertorio con su espacio de 7 ¾ minutos. La pronta instauración de un sofisticado groove jazz-rockero permite el explayamiento de fraseos y modismos de talante Crimsoniano de parte del Stick (si se quiere, con aires a lo STICK MEN). Algunos pasajes que van surgiendo a lo largo del camino revelan una vivacidad llamativa que sirve como fuerza impulsiva de gracilidad progresiva para el neurótico empuje rockero reflejado en las cuerdas: en general, la labor de la batería funge como motor básico de la maquinaria expresiva del dúo. ‘El Amigo’ vuelve a la ceremoniosidad del piano, pero esta vez su actitud es más controlada mientras el Stick añade ciertos colores evocadores. Realmente late un espíritu de conexión filial entre ambos instrumentos, aunque el talante crepuscular de la composición impide que llegue a sonar entrañable. Cuando llega el turno de ‘En La Feria’, el ensamble regresa a su faceta extrovertida, esta vez, con un mayor refuerzo del discurso fusionesco, lo cual sirve para plasmar una espiritualidad festivo a través de la persistente neurosis expresionista del dúo. De hecho, mientras avanza la pieza, la tensión va creciendo de forma sostenida hasta que una implosión conclusiva ofrece una estilizada calma en los momentos finales. ‘De La Noche’ gesta un nuevo momento solemne donde la obligatoria aura misteriosa se reviste de vibraciones contemplativas. Se prepara el camino para ‘Inquieta Por La Ausencia’, una exploración avant-progresiva que empieza con algunas contenidas agitaciones oscurantistas a lo PRESENT antes de virar hacia lo Crimsoniano. Todo aterriza en una secuencia cibernética de donde surge ‘Del Rapto’, pieza que ostenta una agilidad densa signada por una constancia punzante. El oscurantismo persiste.

Con la dupla de ‘Y La Confusión’ y ‘En La Farsa Del Sonámbulo’, el dúo sigue explorando colores y matices dentro de este enclave musical-cinematográfico. El primero de estos temas mencionados elabora una neblina abstracta donde irrumpen unos desconcertantes golpes de batería. El segundo se apoya en un swing llamativo donde el rutinario motif central sabe preservar una fulgurosa gracilidad. A poco de llegar a la frontera del segundo minuto, se crea un recurso de tensión desde el cual se remodela el swing inicial con mayores dosis de vigor y de sofisticación. ‘Dentro Del Manicomio’ es una nueva exploración de climas expectantes centrada en el piano. ‘Se Descubre La Verdad’ refleja una sombría densidad focalizada en un despliegue psicodélico de formas libres, soltando así los retazos de tensión que habían quedado un tanto ocultos en la pieza precedente. ‘Con La Obsesión De Saber Que’ enriquece esa tensión con otro despliegue de distinguida e inescrutable soltura en clave jazz-progresiva. Muy bien.podría haber durado  un poco más  este ítem, pero llega el momento  del cierre con ‘Todos Estamos Locos’: en este viaje epilogar, lo abstracto define la mayor parte del trayecto. El piano protagoniza la situación con una inicial expectativa que posteriormente deriva hacia una neurosis caóticamente saltarina, para finalmente aterrizar en una breve coda marchosa tras un puente caóticamente tenso. Si la película termina con una observación autorreferencial sobre la locura y la búsqueda de una nueva racionalidad, el dúo decide hacer una declaración de rendición ante el imperio de la demencia difusa y tirana. Todo esto fue lo que hizo en ese año 1975 el colectivo de CABEZAS DE CERA con “Música En Escala De Grises”. 

Muestras de “Música En Escala De Grises”.-  

De Un Sospechoso Asesinato: https://www.youtube.com/watch?v=ToHw82oLlB8 

En La Feria: https://www.youtube.com/watch?v=00fsuDj3hiQ 

En La Farsa Del Sonámbulo: https://www.youtube.com/watch?v=qeX2LfydwUI 

Se Descubre La Verdad: https://www.youtube.com/watch?v=_ghp8CL2ilw 

[Dedicamos esta retrospectiva a Tomás Casanova por su gran ayuda en la apreciación de esta gran obra de CABEZAS DE CERA.]

El espíritu férreamente vanguardista del ensamble italiano ZU

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy tenemos la excelente ocasión de presentar una excelente obra avant-progresiva para estos primeros meses del año 2026: “Ferrum Sidereum”, del grupo italiano ZU, el cual está actualmente conformado por Massimo Pupillo [bajo, guitarra de 12 cuerdas, sintetizador y teclados], Luna Tommaso Mai [saxofón barítono, teclados, sintetizador y órgano] y Paolo Mongardi [batería, percusiones acústicas y sintéticas]. El disco en cuestión fue publicado este 9 de enero último por vía del sello House Of Mythology,  tanto en CD como en doble vinilo verde: se trata del octavo trabajo de estudio íntegro de este ensamble fundado en 1997 en el barrio romano de Ostia. El nombre del álbum que hoy nos ocupa se refiere al hierro meteorítico, un material hallado en varias herramientas del Antiguo Egipto y mencionado en la descripción de la espada del arcángel San Miguel. Marc Urselli se encargó de la ingeniería de sonido en las sesiones de grabación del material aquí contenido, así como de la mezcla, recibiendo aquí la asistencia de Claudio Adamo, Enrico Baraldi y Lorenzo Stecconi. La masterización estuvo en manos del propio Adamo. La portada es de Sunshine Posho. Haciendo un poco de historia, el debut fonográfico de ZU se dio en el año 1999 con “Bromio”, seguido éste por “Igneo” 3 años después. El grupo comenzó centrándose en una logística básica de saxo, bajo y batería, ocasionalmente con algún músico de apoyo, pero con el paso del tiempo y la gestación de discos multigrupales en asociación con SPACEWAYS INCORPORATED, Mats Gustafsson (de FIRE!) y el sintetista japonés Nobukazu Takemura, el trío fue desarrollando crecientes noveles de suntuosidad para su propuesta combativamente experimental. “Ferrum Sidereum” no es sólo un nuevo capítulo en la existencia de ZU, es un testimonio de la renovación musical sobre la cual su álbum de 2021 “Jhator” ya daba indicios. Veamos los detalles de esta nueva manifestación fonográfica del grupo.   

El amplio repertorio de “Ferrum Sidereum” empieza con ‘Charagma’, pieza cuya inicial implosión solemne abre pronta vía a un vitalista groove asentado sobre un inteligente juego de síncopas. La manera en que el masivo  oscurantismo sabe agitar su propia agilidad  interior para revelarse con un carisma tan extrovertido se puede describir como un híbrido de HAPPY FAMILY y RUNAWAY TOTEM con la adición de ciertos matices Crimsonianos (etapa 2000-03). A continuación, llega el turno de ‘Golgotha’, una pieza más decididamente insertada en el paradigma Zeuhl que se mueve dentro de un dinamismo un poco más contenido que el del tema inaugural. De esta manera, el armazón rítmico puede ser más sofisticado y el vigor rockero se torna un poco más denso; la incorporación ocasional de vibraciones tribales ayuda a preservar la señorial fiereza del tema. Primer cénit del disco. La dupla de ‘Kether’ y ‘A.I. Hive Mind’ sirve para que el ensamble siga afinando los detalles de su paleta sonora. El primero de estos temas mencionados encuadra su espiritualidad expresiva dentro de una cruza de punk-jazz y avant-metal, creando cierta fraternidad estilística con SLEEPYTIME GORILLA MUSEUM más un plus de experimentación fusionesca. La batería sale al frente varias veces en medio del aguerrido nervio común del bajo, los teclados y el saxofón. En lo referente al segundo, se trata de una remodelación capitalizada de la neurosis sistemática que había signado al inquietante fulgor del tema #1. Los recovecos exaltados con los que se edifica la compleja ingeniería rítmica ordenan versátilmente al incendio musical en curso,  incluyendo algunas misteriosas secciones misteriosas de índole folclórica. El epílogo marcial ostenta una musculatura ceremoniosa y bastante fastuosa. Otro culmen del álbum. ‘La Donna Vestita Di Sole’ es la pieza más extensa del álbum con sus más de 9 ¼ minutos de duración. Su desarrollo temático y sus atmósferas predominantes se encauzan por un híbrido de PRESENT, KING CRIMSON y DR. NERVE. La explicitación intrincada de la arquitectura musical apunta hacia el explayamiento de una monstruosidad racional que sabe en qué momentos puede aligerar la carga para jugar con grooves más sueltos. Algunos paralelos hay con el UNIVERS ZÉRO contemporáneo, pero la garra estructural está más emparentada con NEBELNEST y NI. La coda parece el hundimiento de algo que ya dio todo de sí y sólo tiene que desvanecerse.

‘Pleroma’ comienza con un aura expectante e inescrutable que parece esconder algo ominoso bajo su manto. Una vez instalado el cuerpo central, se devela una ambientación crepuscular asentada sobre un paisaje nocturno. Los ornamentos percusivos que suegen a mitad de camino gestan un inteligente contrapunto que, de a pocos, arma una catarsis exquisita de oscuros sortilegios. La explosión ritualísticaves, a la vez, celebratoria y amenazante,  un clímax inteligente y visceral. ‘Fuoco Saturnio’ coquetea sobriamente con el post-rock en su prólogo antes de resolverse en una perversa arquitectura avant-metalera encumbrada con tensiones punzantes propias del paradigma punk-jazz. ‘The Celestial Bull And The White Lady’ tiene un inicio calmo semejante al del tema anterior y, de hecho, se asienta a sus anchas dentro de un clima étnico para dar forma a la materia sónica forjada para la ocasión. A poco de pasada la frontera del tercer minuto, la metralla rítmica está bien definida y lista para delinear una hoguera tribal. El aterrizaje en una serie de enclaves rockeros permite al ensamble dar una nueva vuelta de tuerca a su habitual estrategia de fuego controlado. ‘Hymn Of The Pearl’ coquetea con el space-rock mientras hace un devaneo Crimsoniano sobre un swing complejo, lo cual significa un nuevo impulso telúrico para el armazón sonoro. Una vez establecida la industria rockera, la banda juega con una versión ácida del patrón math-rockero con algunos ornamentos jazzeros. La miniatura ‘Perseidi’ desarrolla una atmósfera  cinematográfica donde los ornamentos percusivos aportan un elemento ceremonioso; de este modo, se abre campo a la irrupción del último tema del álbum, el cual justamente se titula ‘Ferrum Sidereum’. Todo empieza con un talante sereno que no esconde su musculatura esencial. El asunto principal consiste en edificar con calma una serie de recursos aguerridos que deberán volver a soltar a los monstruos de la noche en un embriagado aquelarre. El esquema de trabajo se centra en un hermanamiento de lo Crimsoniano y PRESENT, un espíritu dionisíaco que alegremente muestra sus fauces más siniestras: lo más delirante se reserva para la ígnea erupción de los dos últimos minutos, una tormenta asertiva de contundente luminosidad que presume de su violenta prestancia. Fin de fiesta, ya no queda más néctar de la demencia, solamente queda el silencio que tenía que llegar.

  

Todo esto es lo que se nos ofreció desde los cuarteles del trío italiano ZU para este primer mes del año 2026: “Ferrum Sidereum”, un disco desafiante, aventurero, exhaustivamente tenso, un hito revelador y trascendental para el grupo en cuestión dentro de su amplia trayectoria de casi 30 años. Desde ya, podemos gozar  una obra musical rica en texturas, sistemáticamente repleta de energía y generosa en vigor creativo, un disco que dignifica enormemente el ideal de la vanguardia progresiva radical. Por lo pronto, la banda se mantiene activa con una gira europea que le mantendrá ocupada en estos meses de enero, febrero y abril. ¡Grandes ZU!

Muestras de “Ferrum Sidereum”.- 

Golgotha: https://zuhom.bandcamp.com/track/golgotha  

A.I. Hive Mind: https://zuhom.bandcamp.com/track/a-i-hive-mind

Pleroma: https://zuhom.bandcamp.com/track/pleroma

Ferrum Sidereum: https://zuband.bandcamp.com/track/ferrum-sidereum

EMILIO MOLINA y el arte de nadar en las aguas de la vanguardia progresiva chilena

 

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Hoy echamos la mirada atrás hacia la segunda mitad de agosto del año 2024 y nos topamos con “Nadador”, una estupenda obra de música progresiva vanguardista y ecléctica gestada por el músico y compositor chileno EMILIO MOLINA. Siendo el autor de toda la música aquí registrada, MOLINA también se hace cargo de las guitarras, el bajo, el piano, los sintetizadores, la voz, la batería digital, las percusiones y los efectos de sonido MIDI. Colaboran con él Fabián Fernández (batería), Rubens Bustamante (flauta, saxofón barítono y sintetizador Korg MS 20), Pablo Fernández (bajo), Cris Áneta (percusión), Simón Asenjo (darbuka) y Morus (sintetizador King Korg). Radicado en Valparaíso, EMILIO MOLINA es un joven veterano de la vanguardia rockera que se aventuró en “Nadador”, su tercer disco, con una obra conceptual centrada en los viajes terrenales y espirituales del Teniente Clark Niggeriah, apodado como El Nadador de Diáfanas Aguas, quien se dispuso a recorrer el universo para desentrañar las grandes interrogantes de la conciencia, pero que en realidad se trató de una prueba para hallar la iluminación que le haría fundirse con el cosmos. Cedemos la palabra a MOLINA: “La inspiración, tanto de la música como de las ideas conceptuales vienen principalmente de mi viejo, Marko Molina, un gran y multidisciplinar artista, y particularmente de un cuadro suyo realizado en técnica de litografía, del cual tomé el título y decidí incluir como contratapa para la edición física de este disco.” La etapa de composición comenzó en el año 2021, pero fue cuando ganó en el año 2024 una beca otorgada por el Instituto Profesional Arcos para viajar al Encuentro Internacional de Industria Musical BIME en Bogotá, Colombia. Eso implicó una maduración renovadora del proyecto que ahora se concreta en “Nadador”.*
 
La dupla de ‘Nadador De Aguas Diáfanas’ y ‘Liebestod’ pone varias cartas sobre la mesa sonora del álbum para dar pistas relevantes al oyente empático. ‘Nadador De Aguas Diáfanas’ comienza con una atmósfera expectante, casi amorfa, buscando lugares donde asentar la fuerza latente de las guitarras y teclados actuantes, y finalmente se instaura una sugerente figura de piano que muy pronto asume un aura señorial, aura realzada por las suaves capas de sintetizador que también hacen acto de presencia. He aquí una exhibición de sinfonismo que no vimos venir. Una vez que emerge ‘Liebestod’ (muerte de amor en alemán), el bloque instrumental se torna más asertivo, apelando a una espiritualidad extrovertida que se maneja con razonable complejidad en la ingeniería rítmica e inspirados juegos de contrastes entre los diversos grooves que se van sucediendo. De hecho, alrededor de la frontera del primer minuto y medio, surge una sección cuasi-pastoral que evoca aires reflexivos en un primer momento, impulsando poco después un nuevo despliegue de fulgor progresivo no exento de densidad. Dicha densidad sirve principalmente para activar algunos matices oscurantistas en medio de la refulgencia sónica. A continuación, llega el turno de ‘Descenso’, pieza que empieza con un enfoque oscurantista del impresionismo para luego virar hacia un exhaustivo trayecto laberíntico con talante Zeuhl, más algunos aspectos distinguidamente densos al estilo de PRESENT (y también un poco de MASAL). Algunos minúsculos pasajes líricos aportan detalles cinematográficos al laberinto  musical en curso. En suma, un cénit decisivo del álbum. ‘La Edad De la Pirámide’ comienza con una actitud muy ágil que opera con un enfoque progresivo impulsado por algunos grooves de inspiración jazz-rockera. Incluso más adelante, el factor fusionesco sale al frente para proveer al bloque instrumental de un colorido renovador. A mitad de camino, la pieza vira hacia un sinfonismo etéreo que tiene bastante de misterioso, para luego aterrizar brevemente en un pantano caótico. Finalmente, todo se reconstruye con una reactivación de la atmósfera inicial con un añadido factor neurótico. ‘El Viejo Mapa Del Mundo’ se centra en un ambiente relajado mientras da rienda suelta a una elegante prestancia progresiva con patentes ribetes jazzeros, especialmente, en la labor de los teclados. Éstos se apropian de la mayor parte del núcleo temático. 

 
Durando cerca de 11 minutos, ‘Circunstancias Circenses’ es la pieza más larga del repertorio. Muchos de sus índices sonoros y arreglos siguen una senda semejante a la del tema precedente, añadiéndose el detalle de que hay una dosis incrementada de gracilidad. Cabe decir que los arpegios iniciales de teclado dejan entrever el arribo de algo épico, lo cual se define con el despliegue de caleidoscópicas solturas que conforma el núcleo central. A partir de allí, la ingeniería musical en curso despliega un aura aristocrática que algo tiene de rimbombante y bastante tiene de inquietante, sin llegar nunca a lo sórdido ni lo chocante. El tema que cierra el álbum es el que justamente le da título. ‘Nadador’ se centra en una masiva orquestación ambiental que algo tiene de elegíaco bajo su prestancia melancólica. Los cánticos ceremoniales despliegan una misteriosa emotividad. El pasaje epilogar se desarma en una sombría solemnidad que nos recuerda en algo al krautrock electrónico (o como se le quiera llamar), sólo que con un talante cinematográfico. Un final de disco que nos toma por sorpresa de una manera muy sugerente. Todo esto fue lo que nos ofreció EMILIO MOLINA con su álbum conceptual “Nadador”, un ítem bastante recomendable para cualquier buena fonoteca abierta a las propuestas musicales más vanguardistas dentro del multifacético ideal progresivo. Llega bastante tarde esta reseña, pero los elogios aquí vertido son totalmente genuinos.

 
 
Muestras de “Nadador”.-
Liebestod: https://emiliomolina.bandcamp.com/track/liebestod
Descenso: https://emiliomolina.bandcamp.com/track/descenso
Circunstancias Circenses:  https://emiliomolina.bandcamp.com/track/circunstancias-circenses-2

* Más información en el enlace https://www.arcos.cl/estudiante-de-arcos-lanza-su-tercer-album-de-rock-progresivo/ 

El octavo núcleo jazz-progresivo de los noruegos PYMLICO

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En la primera mitad de mayo del pasado año 2025, el ensamble noruego de jazz-fusion PYMLICO publicó su octavo disco de estudio. “Core” es el título del disco y el sello Apollon Records lo publicó tanto en CD como en vinilo. El grupo coliderado por los hermanos Brøter (Øyvind a los teclados, y Arild a la batería, la caja de ritmos y los teclados) se completa con Stephan Hvinden [guitarras], Andreas Sjo Engen [guitarras], Are Nerland [bajo, guitarra eléctrica de 12 cuerdas y sintetizador], Robin Havem Løvøy [saxofones alto, tenor, barítono y soprano] y Oda Rydning [percusiones tonales y atonales]: es la primera vez en la historia de PYMLICO que se realiza dos discos seguidos con la misma alineación, pues en“Core” toca la misma gente que en el disco de 2022 “Supermassive”. El grupo se planteó este reto con la adrenalina positiva que provino de la buena recepción que tuvo su actuación en el Festival Crescendo de 2022 (al sur de Francia). Además, el sexteto vigente se planteó la idea de hacer un disco más frontal y menos acicalado que cualquiera de los anteriores, de allí su título. El único invitado ocasional es el guitarrista Mattias Krohn Nielsen. Arild Brøter se hizo cargo de la mezcla del material aquí recogido y Morten Lund realizó la masterización.

Los 12 primeros minutos del álbum están ocupados por la dupla de ‘Welcome Back’ y ‘Ellipsis’, una situación fundacional de buena parte de las pautas esenciales del disco como un todo. La pieza inaugural exhibe una aureola extrovertida bañada en una luminosidad señorial que se preserva consistentemente a través de la triangulación de las bases armónicas de los teclados, los solos de saxofón y los solos de guitarra. El groove instaurado por la batería es extrovertido con su oportuno toque de gentileza, estando esta misma embebida en el núcleo melódico. En cuanto a ‘Ellipsis’, se trata de un viaje jazz-rockero bastante modernizado con sazones del así llama nu-jazz. La convivencia entre elementos aguerridos y serenos va a la par de la complementación de organicidad y electrónica estilizada con la que se arma la ingeniería sonora. Las orquestaciones emergentes en la sección epilogar ostentan un aura aristocrática que logran culminar una envolvente conclusión para este momento elevado del disco. ‘Captain Teebs’ ahonda aún más en esta faceta vivaz del ideario musical del grupo, manteniéndola fresca y capitalizando su magnetismo. Además, el refinamiento melódico también se incrementa en el modo tan cristalino con que los índices temáticos van fluyendo. ‘Fair Play’ sigue en parte la línea de trabajo concretada en la pieza precedente, aunque con una mayor suntuosidad y una soltura más urgente. También se hacen notar algunos ornamentos space-rockeros en el trasfondo de la sección intermedia antes de que el epílogo revele unos mágicos colores progresivos. Todo un cénit del álbum. Cuando llega el turno de ‘Don’t Do That’, el grupo retoma y remodela vibraciones fulgurosas que ya hemos apreciado en los temas #1 y #4, esta vez con un foco fusionesco más pronunciado en ciertos pasajes. Esto último implica que el ensamble cuida más sigilosamente el cariz cristalino de su entramado sonoro.

‘Point Nemo’ es una pieza más amable que cualquiera de las anteriores, apoyándose en un swing cadencioso que permite al groove colectivo perfilar su elegancia esencial con explícita holgura. En medio de esta atmósfera palaciega brotan los solos de guitarra más contundentes de todo el disco. Siendo el tema más extenso del disco con sus 8 minutos de duración, ‘221B’ se encamina por una mezcla de jazz-prog y space-rock donde los ornamentos cósmicos se sienten bien armonizados con la vigorosa gracilidad que impera en la composición. Lo que  suena es como un híbrido de TAUK y JAGA JAZZIST. El tenor celebratorio va aumentando mientras pasan los minutos y la espiritualidad jovial es manejada con elegante precisión: el arreglo coral final lo manifiesta muy cabalmente. ‘Done And Dusted’ trae consigo el cierre del repertorio y lo hace con una espiritualidad serena que algo tiene de noctámbulo, una sensación de que el manto de la noche arropa los recuerdos de una agradable jornada diurna reflejada en la secuencia de todos los temas precedentes. Todo esto fue lo que se nos brindó en “Core” desde los cuarteles del grupo noruego PYMLICO el pasado año 2025, una magnífica obra de música jazz-progresiva que resulta bastante recomendable para cualquier buena fonoteca actualizada en las cosas más interesantes que se hacen en las líneas de avanzada de cualquier lugar.

Muestras de “Core”.-

Ellipsis: https://pymlicomusic.bandcamp.com/track/ellipsis

Fair Play: https://pymlicomusic.bandcamp.com/track/fair-play

221B: https://pymlicomusic.bandcamp.com/track/221b

La película musical de JON DURANT y BOB MAGNUSON

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hiy presentamos un disco muy especial, el del dúo de los excelsos músicos estadounidenses JON DURANT y BOB MAGNUSON. “Film Noir” es el título de este disco que el sello Alchemy Records publicará el próximo 6 de febrero: como nos han hecho llegar el material con anticipación, podemos hacer ya esta reseña. En este trabajo, DURANT se hace cargo de las guitarras eléctricas de 6 y 12 cuerdas, acústica y sin trastes, y la Cloud Guitar, mientras que MAGNUSON toca el oboe, el corno inglés, los saxos tenor, barítono y soprano, el EWI, la flauta bajo y el clarinete contrabajo. Lo que se nos brinda en “Film Noir” es un híbrido de jazz minimalista contemporáneo, ambient-jazz y electrónica atmosférica. Y pensar que el disco que hoy nos ocupa es el resultado de una simple conversación entre viejos amigos que comparten una visión muy peculiar de la vanguardia: bastó con preguntarse ¿y si hacemos un disco juntos? y ya. Ambos músicos se atribuyen la autoría de todos los cinco temas que aquí aparecen. 

‘The Rain Season’ da inicio a las cosas con un despliegue de texturas flotantes que comienzan con una actitud sigilosa, pero que pronto se pone a dar rienda suelta a sus vibraciones impresionistas. Los elegantes fraseos entrecortados de los saxos saben asentarse cómodamente sobre el trasfondo de las etéreas agitaciones de la Cloud Guitar, sistemáticamente cinematográficas ellas, muy sólidamente enfocadas en crear un paisaje evocador donde las armonías minimalistas caen como gotas de rocío. ‘Peeking Through Drawn Blinds’ sigue a continuación para seguir ahondando en este tipo de atmósferas, incluso realzando el factor crepuscular; además, se trata de la pieza más extensa del repertorio con sus 12 ½ minutos de duración. El factor contemplativo está más pronunciado aquí, lo cual repercute crucialmente en el enfoque más relajado que tienen los músicos a la hora de dialogar. También, y esto nos parece aún más importante, exige que la instrumentación sea más minuciosa en el armado del bloque sonoro: la variedad de los vientos, la inserción de ocasionales fraseos de guitarra acústica en medio de los ambientes generados por la Cloud Guitar y los giros de acordes que van teniendo lugar a lo largo del trayecto capitalizan el señorío inherente a los ingenios creativos de DURANT y MAGNUSON. He aquí una especie de resurrección del Surman más minimalista filtrado a través de la faceta impresionista de Gary Burton. La sección epilogar que emerge desde poco antes de llegar a la frontera del décimo minuto tiene algo de inquietante, pero transportándose hacia una zona de inenarrable misterio. ‘She’s Beautiful, If You Dare’ mantiene parte de esa extraña y cautivadora densidad que marcó a buena parte del último tercio de la pieza anterior y la eleva hacia una espiritualidad exultante merced a la asertividad de la mayoría de las líneas de saxo y los torcimientos místicos de la guitarra. Hay ciertas oscilaciones tanáticas ínsitas en la expresividad romántica de esta composición, pero en los últimos minutos se advierte la instauración de un momento relajado.

‘Footsteps In A Dense Fog’ regresa a la lógica sistemática del paisaje sonoro que tan buenos resultados dio en la pieza inaugural. Este tema en particular se distingue por ostentar un talante un poco más ceremonioso, a veces rayano con la parsimonia: no se pretende gestar aquí una imagen de contemplación admirada, sino más bien una celebración del arte de caminar que se explaya en una satisfacción con la neblima envolvente. El cierre del álbum viene de la mano del tema idóneamente titulado ‘Coming To Conclusions’: el tenor central de las intervenciones del saxofón es de melancolía mientras que los efectos flotantes de la Cloud Guitar apelan a lo cósmico con convincente prestencia. También hay un embrujador solo de guitarra que tantea el lamento mientras se entromete entre los muchos fraseos del saxofón: he ahí una ligera variante expresiva que resulta bastante efectiva para la esencia integral de esta pieza de despedida. Todo esto fue “Film Noir”, una realización muy inspirada de registros muy elevados del encuentro entre las mentes de JON DURANT y BOB MAGNUSON. El repertorio de este disco dignifica ampliamente a la avanzada musical de nuestros tiempos y se revela como una muy grata sorpresa melómana en este año 2026 que recién empieza.  

DEMO RUMUDO: naturaleza y método del jazz-prog español

 
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Muy buenas noticias desde las vanguardias jazzera y progresiva española: emerge el ensamble DEMO RUMUDO, el mismo que publicó su disco “Second Nature” el 5 de diciembre del pasado año 2025. Este virtuoso quinteto asentado en A Coruña está conformado por Álvaro Fernández [saxos soprano, alto y tenor, flauta y EWI], Gabriel Visinel [guitarras], Ángel Rodríguez [batería], Andrés Real [bajo sin trastes y contrabajo] y Hugo Martsan [teclados y programaciones] cultiva una modalidad colorida de jazz-rock progresivo que tiene sus raíces mayormente en el jazz-fusion de los 70. El proceso de gestación de “Second Nature” se expandió entre los años 2023 y 2025; el disco que hoy nos convoca sucede a “Consecuencias”, el EP del año 2022 con el que grupo hizo su debut fonográfico. La producción del disco que hoy nos ocupa estuvo en manos del teclista Martsan, quien también es el autor de todas las piezas contenidas en el álbum que hoy nos convoca; los arreglos fueron gestados por el ensamble. Los procesos de ingeniería de sonido para las sesiones de grabación, mezcla y masterización estuvieron a cargo de Martsan y el baterista Rodríguez. El arte gráfica es de la autoría de Joako Ayala. Bueno, repasemos ahora los detalles estrictamente musicales de esta maravilla que es “Second Nature” (es necesario adelantarlo, es una maravilla).

Todo empieza con ‘Buratos’, pieza que dura casi 9 ½ minutos, de hecho, la más extensa del repertorio. Su sección prologar está  signada por un aura cósmica de cuyo núcleo emerge una escala repetitiva de piano, la misma que abre camino al cuerpo central. Ésta se proyecta sobre una serie de tempos irregulares sobre los que se despliegan diversos motivos, los cuales tienen un vigor elegante y llamativo como denominador común. Las ulteriores variantes abren espacios sucesivos a hermosos solos de sintetizador y saxofón, pero lo más relevante es la fluidez con la que la banda transita de lo sedoso a lo enérgico a través de los recovecos estructurales que se van develando. Lo que suena es como una combinación de MÖBIUS STRIP y ON THE RAW: el golpe final es simplemente fabuloso. Acto seguido, llega el turno de ‘Flavours Of Failure’, una pieza que recibe los ecos de los momentos más fulgurosos del tema inaugural. Si bien el gusto por los grooves complejos prevalece y el manejo distinguido de la energía expresiva se mantiene incólume, el centro melódico está más focalizado; el grupo quiere ser un poco más conciso en la gestión de los focos melódicos. El tercer tema es el que justamente da nombre al disco. ‘Second Nature’ se orienta por áreas más amables, remodelando la aureola alegre de las dos composiciones precedentes para que se expresen con un poco más de sutileza. Así, la luminosidad puede ser más  atenuada y los juegos de síncopas ínsitos al esquema rítmico pueden destacarse dentro del entramado sonoro general... Muy a lo WEATHER  REPORT de los 80, dicho sea de paso, con un toque contemporáneo propio del discurso jazz-progresivo de la actualidad. El giro semi-bluesero del epílogo resulta muy agradable. A propósito, aquí encontramos el que tal vez sea el mejor solo de guitarra de todo el disco, no muy largo, pero capaz de proyectar espirales de musculatura estilizada en medio de la grácil algarabía que signa la esencia integral de ‘Second Nature’.

 
‘Helix’ es un tema que se define en un lugar intermedio entre la sofisticación extrovertida de la pieza #1 y el cadencioso encanto del tema homónimo. Como siempre, el armazón rítmico emergido del complejo swing de batería y los pilares armónicos derivados de los teclados marcan conjuntamente la pauta del vitalismo colectivo. Hay ciertos factores exóticos en el colorido esencial de algunos índices temáticos, los cuales nos vuelven a remitir a la banda compatriota ON THE RAW. El punto final del álbum llega de la mano de ‘Methods Of Expression’, pieza a la que conviene buena parte de las descripciones utilizadas para el tema anterior, pero con la novedad de que el grupo adopta una espiritualidad expresiva un poco más grave. También se nota una mayor acentuación del aspecto de jazz-fusion en el intrincado desarrollo temático, pero que conste que ello no va en desmedro del factor rockero cuando emergen los pasajes más enérgicos. Ya nos es familiar esa manera tan particular que tiene DEMO RUMUDO de gestar su faceta más aguerrida para condimentar los preceptos más contundentes de su propuesta musical. Todo esto es lo que tenemos en “Second Nature”, una brisa de aire muy fresco en el paisaje del jazz-prog español de nuestros días, un prodigio de naturaleza creativa y método sonoro. El nombre de DEMO RUMUDO debe ser anotado en un lugar preferente dentro de nuestras perspectivas sobre las provincias jazz-rockera y progresiva de nuestros días. En suma, este disco demuestra en menos de 40 minutos cuán recomendable es para cualquier buena fonoteca.
 
 
Muestras de “Second Nature”.- 
Buratos: https://astronomyrecordingmusic.bandcamp.com/track/buratos 
Helix: https://astronomyrecordingmusic.bandcamp.com/track/helix