Ya van cinco con el grupo ISOBAR

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy tenemos el enorme agrado de presentar el nuevo de ISOBAR, grupo de rock progresivo estadounidense con un sueco dentro. “Isobar V” es el conciso título de esta nueva obra del grupo conformado por Malcolm C. Smith [guitarras], Marc Spooner [teclados], Loren Gustafsson [bajo] y Mattias Olsson [batería, percusión y efectos electrónicos]. Claro está, se trata de su quinto disco, publicado a inicios de septiembre pasado. De manera consistente, desde el año 2020, este talentoso y trabajólico cuarteto instrumental ha estado creando y produciendo una propuesta espectacularmente ecléctica de rock progresivo, situándose desde muy pronto en la élite del rock artístico de su país de estos últimos años. El cuarteto contó con las colaboraciones ocasionales de James Vaughn (saxofones), John Ettinger (violín) y Patricio Penin (gaitas irlandesas). La publicación de “V” se dio por vía independiente a través del sello Trope Audio, el cual se encarga de distribuir la obra de ISOBAR y de METAPHOR, la banda anterior de sus tres integrantes estadounidenses.

 

La díada inaugural de ‘Gravity Itself’ y ‘Oats And Glitter’ pone varias de las cartas colectivas sobre la mesa donde se manifiestan las intenciones artísticas del ensamble, una celebración de la versatilidad. La primera de estas piezas mencionadas hace gala de su carisma marchoso en base a una inspirada mezcla de sinfonismo estándar y jazz-rock melódico. El vitalismo inherente al masivo colorido del entramado instrumental es simplemente irresistible: elegantes laberintos melódicos que acusan influencias de GENTLE GIANT y HAPPY THE MAN. En cuanto a ‘Oats And Glitter’, se trata de una exploración en la potencia traviesa del ideario de ISOBAR, siendo así que el entramado sonoro diseñado para la ocasión incorpora elementos psicodélicos. Éstos están oportunamente domesticados para que asienten naturalmente dentro de estas consistentes expansiones jazz-progresivas, enriquecidas aún más por los vientos invitados. ‘Folie Circulaire’ es el tercer tema del repertorio y es el más largo del mismo con sus 7 minutos de duración. Mayormente, los índices temáticos que se van sucediendo apelan a una celebración de la grandilocuencia bajo el aura de distinguida calidez que también penetró a la pieza de apertura. En comparación, este tercer tema del disco ostenta una vivacidad más intensa; de hecho, el factor rockero se ha capitalizado notoriamente, algo que repercute afirmativamente en el incremento del expresionismo vitalista de los guitarreos y los diversos aportes de los teclados. Nos parece que hay un parentesco con THE TANGENT y con GENTLE GIANT. Una exquisita figura de piano es la entrada de ‘As Is Was’, y cuando se unen los ornamentos armónicos del sintetizador, el ensamble íntegro entra en acción para gestar una balada de dos partes: la primera apunta hacia lo contemplativo, la segunda, hacia una sobria suntuosidad sazonada con matices flotantes. ‘The Position Of Dr. Mannix’, tras un preludio que recoge los aleteos flotantes de la pieza precedente, elabora un cuerpo central majestuoso y juguetón. Los teclados operan como núcleo central del entramado colectivo mientras la dupla rítmica sostiene una muy solvente gracilidad. 

 
‘Democracy, The Kimono’ prosigue por la senda de exploraciones de texturas y esta vez se coloca en una disposición de coqueteo con el space-rock. El primer centro temático exhibe vibraciones misteriosas con una prestancia crepuscular, un poco en consonancia con los españoles AMAROK. A poco de pasada la frontera  del tercer minuto, el asunto vira hacia un fulgor extrovertido que se acomoda naturalmente al complejo swing armado por la batería. De hecho, ésta dirige con macizo mando la magia expresiva del entramado instrumental íntegro. Cuando llega el turno de ‘One Woman, One Cow’, la banda decide combinar la densidad arquitectónica Crimsoniana con el lirismo sistemático Genesiano a través de su propio dinamismo sofisticado. Esto último funciona como nexo fluido entre los varios motivos que se van sucediendo. ‘March Of The Butterflies’ regresa de lleno al enfoque jazz-progresivo a fin de realzar la colorida vivacidad de los núcleos compositivos, especialmente, en el último tercio. Vuelven al primer plano las conexiones con el legado de GENTLE GIANT. El breve tema ‘Some Sort Of Rudimentary Lathe’ llama mucho la atención por su forma de sintetizar y remodelar los recursos más complejos del ideario musical de la banda: gracias a lo intrépido de su groove, logra decir mucho en poco tiempo. ‘The Turpitude’ trae consigo el cierre del disco, ocupando casi el mismo espacio que ‘Folie Circulaire’. La misión principal de este tema consiste en ahondar una vez más en desarrollos temáticos y ornamentos extravagantes donde la tensión mesurada y los sedosos centros disonantes gobiernan a la ingeniería musical en curso. También hay factores densos en ciertos pasajes estratégicos. La sección final vira hacia un clima melancólico signado por envolventes tonalidades preciosistas. Todo esto fue lo ofrecido en “Isobar V” por el ensamble ISOBAR para este último tercio del año 2026, una nueva maestra de su particular grandeza dentro de los nuevos aires que soplan en la escena progresiva estadounidense de nuestros días. ¡Totalmente recomendable!
 
 
Muestras de “Isobar V”.-
Gravity Itself: https://isobarprog.bandcamp.com/track/gravity-itself
Folie Circulaire: https://isobarprog.bandcamp.com/track/folie-circulaire
The Turpitude: https://isobarprog.bandcamp.com/track/the-turpitude
 

ANAIRT y su segunda tanda de fantasías musicales por el amor al rock andaluz

 
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Hoy es el turno del grupo sevillano ANAIRT y su recientemente publicado segundo trabajo fonográfico “Umma Siatta”: el siempre ocupado sello 5 Lunas se encargó de concretar la publicación de este hermoso disco alrededor de mediados del pasado mes de julio. El quinteto conformado por Luis Medina [voz], Adolfo González [guitarras], Paco Aguirre [teclados y sintetizadores], Manuel Martínez [bajo y coros] y Dani Aguado [batería]. La producción ejecutiva corrió a cargo de Juan Antonio Vergara: el arte de la portada es de Rafael García Galisteo mientras que la maquetación fue hecha por Rafa Tardío. En una de las canciones de este disco aparece como invitado el guitarrista Paco Ventura (MEDINA AZAHARA). El estilo de la banda se centra en un enfoque de rock melódico con raíces aflamencadas y tendencias prog-siñfónicas que honra solventemente los legados de TRIANA,  MEDINA AZAHARA y ALAMEDA,  particularmente, los primeros discos de los grupos mencionados. Repasemos ahora los detalles del repertorio del disco que hoy nos ocupa. 

 

El instrumental homónimo ‘Umma Siatta’ abre el disco a lo grande, trabajando con un groove cuasi-tribal mientras los guitarreos de guitarra y los ambientes gestados por los teclados coordinan una fastuosidad muy bien perfilada. La comedida magia inherente al núcleo temático sabe hacerse lucir en su breve espacio de 2 minutos y pico. Es aquí donde emerge ‘Una Noche Más’ para dar eficaces muestras de esa combinación de embrujo evocador y elegante fuerza rockera con la que el grupo elabora sus composiciones en la búsqueda de expansiones de los aires flamencos con un enfoque progresivo. Imaginamos el impacto de los MEDINA AZAHARA de los dos primeros discos. El canto tiene fuerza de carácter de sobra para preservar su viril nervio y ponerla al servicio de la emotividad expresiva; mientras tanto, los solos de sintetizador guían al bloque instrumental íntegro en los debidos momentos estratégicos. Y no puede faltar un excelso solo de guitarra en la sección epilogar para completar el colorido sonoro. La subsiguiente díada de ‘Comenzar’ y ‘Madre’ permite a la gente de ANAIRT continuar sus exploraciones sónicas dentro de su bien definido enclave de raíces andaluzas. La primera de las canciones mencionadas se asienta en un terreno musical más cercano al blues-rock. Los parajes calculados para las orquestaciones de sintetizador brindan ocasionales recursos sinfónicos al asunto. En cuanto a ‘Madre’, se trata de una power-ballad que halla sus impulsos expresivos muy conectados con la majestuosidad lánguida de unos PINK FLOYD de la fase 73-75, aunque con una guitarra bien centrada en los estándares del rock duro melódico. ‘Otra Cosa Es La Realidad’ es el elocuente título de la quinta pieza del álbum. Su cuerpo central se despliega como una balada etérea y evocadora, siendo así que la sección epilogar vira hacia una extroversión agitada que saca buen provecho del dramatismo inherente a la composición.

‘Fantasía De Amor’ es el tema más extenso del repertorio con su espacio de 7 ¾ minutos, una oportunidad para que el grupo luzca los aspectos más estilizados de su propuesta. Comenzando con un talante reposado signado por una sedosa melancolía, pronto emerge un groove extrovertido que nos remite a los TRIANA de la época 1979-80. La serenidad inicial vuelve al frente durante la primera instancia de la sección epilogar, lo cual abre la puerta a un nuevo ejercicio de brío rockero en el que los instrumentos hacen gala de su musculatura colectiva. La coda cierra el círculo trazado por la canción. Comenzando con unos coloridos fraseos de piano, ‘Quisieras Ser’ apela a la dimensión más propiamente fusionesca del ideario musical de ANAIRT dentro de un encuadre musical muy cristalino que parece emparentado con el paradigma de ALAMEDA. Cuando llega el turno de ‘La Aurora’, el grupo refuerza los aires de intensidad reflexiva que tan imponentes fueron en varias canciones precedentes. Una vez más, el epílogo es un momento de garra aumentada. ‘Canto Al Sol’, por su parte, se concentra en ese otro asp de vivacidad estilizada que también está en el núcleo central del paradigma artístico del grupo. El estupendo manejo del groove permite a los otros instrumentos organizar su entramado con amplio colorido; el intermedio instrumental asume algunos trazos jazz-rockeros mientras la guitarra arma un solo impresionante, un detalle crucial para generar el ímpetu del estribillo final. ‘Sueños’ trae consigo el cierre del repertorio perpetuación el rotundo vigor de la canción precedente. Se nota una exuberancia mayor en los solos de guitarra  y de teclado. Todo esto fue lo que el colectivo de ANAIRT nos brindó con “Umma Siatta”, un trabajo fonográfico de refinada factura y dotado de una convincente fuerza de carácter inmanente al factor rockero del espectro progresivo. Muy inspirada tanda de fantasías musicales por el amor al ideal del rock andaluz. 
 
 
Muestras de “Umma Siatta”.-
Una Noche Más: https://www.youtube.com/watch?v=lIRCkslsUX4
Fantasía De Amor: https://www.youtube.com/watch?v=_Ft6z7Go9JY
Canto Al Sol: https://www.youtube.com/watch?v=WdPqEx-vTFM
 

El homenaje del trío noruego BRESK al maestro PEDER BALKE

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Echando una mirada atrás al pasado reciente del escenario progresivo escandinavo, nos topamos con un muy atractivo disco que data del 28 de enero de 2022: se trata del álbum conceptual “A Journey Through The Life Of Peder Balke 1804-1887” y su entidad gestora es el trío noruego BRESK. Este colectivo dedicado a cultivar el rock retro-progresivo sinfónico está conformado por Jon Anders Narum [bajos, guitarra y guitarra pedal steel], Peder Narum [batería y percusión] y Lars Christian Narum [órganos Hammond L100, A100 y C3, piano eléctrico Wurlitzer, clavinet Hohner y sintetizadores Moog Grandmother, Korg Prologue y Behringer Poly D]. Es un proyecto familiar. “A Journey Through The Life Of Peder Balke 1804-1887” es, tal como lo dice su título, una obra conceptual centrada en la vida del maestro pintor noruego PEDER BALKE, maestro del romanticismo nórdico en un lugar donde todavía este movimiento tenía mucho que dar mientras el impresionismo empezaba su auge. El enfoque musical con el que la gente de BRESK quiere rendir homenaje a este maestro se basa en una confluencia de las influencias de EMERSON, LAKE & PALMER, DEEP PURPLE, FOCUS y PROCOL HARUM, además de otros aspectos expresivos. El sello Drabant Music fue el encargado de lanzar este disco al mercado, exclusivamente en formato de vinilo. El trío es el autor de todo el material e hizo las labores de producción. Lars Christian y Jon Anders se encargaron de la ingeniería de sonido durante las sesiones de grabación realizadas en Barleyfield Studio y Eastlake Studio. El segundo de ellos realizó la mezcla mientras que la masterización estuvo en manos de Arnstein Fossvik en el estudio AudioMaster. Lars Christian es el autor del arte gráfica.

 

El repertorio del disco se inicia con la díada de ‘Awakening’ y ‘Napoleonic Wartime Overture’. La primera de estas piezas es una miniatura cósmica donde las capas flotantes de los sintetizadores arman un ambiente flotante y volátil, el mismo que se proyecta con una languidez envolvente. La segunda empieza con un despliegue de voluminosas llamaradas rockeras donde la incandescencia sónica apunta a elevaciones exultantes con pulso firme. Más adelante, dicha fiereza se remodela dentro de una arquitectura muy bien perfilada sobre un entramado de cambios de ritmo donde el grupo gesta solventes recursos de lirismo sinfónico. ‘The Mountain’ es un jam de claro norte jazz-progresivo donde el sintetizador y el órgano se reparten el protagonismo en el armado del motif central, siendo así que la exuberante labor de la batería permite a la ingeniería musical operar con una musculatura consistente. El vitalismo del ensamble es muy patente y es manejado con oportuno preciosismo. ‘Sailing The Northern Coast’ sigue por una línea semejante a la de la pieza precedente, pero esta vez, el vitalismo empieza en una clave un poco más atenuada; el fulgor inherente a la composición se revela a través de un talante candoroso que, en último término, va asciendo en un muy estilizado crescendo. La coda onírica completa la faena con precisa elegancia. Con la díada de ‘North Cape Arrival’ y ‘Hangin’ Out With The King’, el trio sigue explorando su paleta sonora. El primero de estos temas mencionados brinda una inspirada síntesis de los grooves primordiales de las dos piezas precedentes, incluso reforzando el factor lírico utilizado en ‘Sailing The Northern Coast’. El dinamismo del esquema sonoro está cada vez más nutrido. En cuanto a ‘Hangin’ Out With The King’, se trata prácticamente de un tributo al legado de los FOCUS de la fase 1971-73. Una un jam magnético que ostenta una espiritualidad alegre y lo arregla con una persistente gracilidad. ‘The Revolution Of 1848’ abre la segunda mitad del repertorio con un derroche de esplendor sinfónico que mucho tiene de Emersoniano (y tal vez, también de Yessiano). Las meticulosas variantes de groove y las arquitectónicas sucesiones de pasajes exultantes a otros más sutiles mantienen una prestancia bastante elocuente, la cual concluye con una explosividad estilizada. Todo un cénit del álbum.

 

Cuando llega el turno de ‘Balkeby’, el trío regresa a la línea de trabajo predominante en la secuencia de los temas #3 al #5, esta vez con una energía renovadora que se sustenta en buena medida en la presencia de la guitarra como firme compañera del órgano. Notamos aquí una confluencia entre BO HANSSON y los DEEP PURPLE pre-1971, estando los solos finales de sintetizador más afines al modelo Wakemaniano. ‘The Fire’ es tal vez la pieza más aguerrida del disco, es una absorbente tormenta donde los fantasmas de los DEEP PURPLE de 1970 y los ATOMIC ROOSTER de 1971 se hermanan en un proceso de revitalización pesada de una ambición netamente progresiva. Hay algunos elementos oscurantistas en los efectos del bajo y ciertos juegos armónicos elaborados por el órgano, los mismos que sirven para enfatizar la inquietud borrascosa que signa al cuerpo central. Los breves delirios delirios psicodélicos de la coda gestan el cierre apropiado para este implacable incendio sónico. El último tema del disco tiene el apropiado título de ‘The End’ y su temperamento es notoriamente crepuscular. Hay una bruma que envuelve a las suaves bases armónicas del órgano mientras la dupla rítmica apuntala una cadencia muy sobria, de hecho, minimalistamente reposada. El aura distante de la composición está eficazmente reforzada por el encuadre ensoñador donde operan las muy gentiles notas y armonías del teclado. Todo esto fue lo que se nos brindó con “A Journey Through The Life Of Peder Balke 1804-1887” allá en el año 2024, un estupendo disco que nos revela a unos BRESK muy inspirados a la hora de mezclar vigor y refinamiento en su manera peculiar de cultivar un rock retro-progresivo cargado de riqueza. Un trabajo bastante recomendable para cualquier fonoteca especializada en rock artístico.
 
 
Muestras de “A Journey Through The Life Of Peder Balke 1804-1887”.-
The Mountain: https://www.youtube.com/watch?v=qmuvzTMB_fs
The Revolution Of 1848: https://www.youtube.com/watch?v=jdfVITchrRI
The Fire: https://www.youtube.com/watch?v=g5xbPm3JyDM

[Muchas gracias a toda la gente del programa radial costarricense Música Progresiva Grupo Catarsis por presentarnos este disco. Les dedicamos la presente reseña.]

ZACHT AUTOMAAT y su pequeño gran homenaje a la tradición del Canterbury

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
En esta ocasión presentamos el disco “Little Canterbury”, un despliegue de música retro-Canterbury en su faceta primigenia que fue realizado por el grupo ZACHT AUTOMAAT, proyecto de los multiinstrumentistas y compositores canadienses Carl Didur y Mike McLean que existe desde el año 2010. El disco que hoy nos convoca, el decimoséptimo de su exhaustiva discografía, fue publicado el primer día del presente mes de octubre y quedó a cargo de una mitad de ZACHT AUTOMAAT, Carl Didur. Él utilizó una batería, un órgano Ace Tone GT2 y un bajo Suzuki Taishogoto – además de algunos efectos y procesadores de sonido – como única logística instrumental en la grabación del material aquí contenido. Publicado de forma independiente y con el único formato de descarga digital, este disco refleja el eterno amor que el ensamble siempre ha vertido por el rock progresivo y la psicodelia de los 60 y 70, aunque esta vez se nota un acento prácticamente exclusivo en el sub-género aludido en el título. También hay un empleo más amplio de texturas junto a una ausencia total de guitarras, dos circunstancias directamente resultantes de la ausencia de McLean, quien estaba organizando su mudanza a la localidad irlandesa de Cork durante la grabación del material aquí contenido (dos semanas del verano último). Alicia colabora con el canto en una de las piezas de este álbum. Siendo ingeniero electrónico, no fue difícil para el Sr. Didur hacer funcionar decentemente el órgano antes mencionado, el cual estaba un poco estropeado. Todo fue muy artesanal en la realización de las grabaciones y el ulterior proceso de mezcla. 
 
La secuencia inicial de ‘Improg Returns To The Valley Pt. I’ e ‘Improg Returns To The Valley Pt. II’ ocupa un espacio total de 19 minutos. La Parte I, tras un breve prólogo saltarín, se pone a explorar varios enfoques melódicos ceremoniosos que empiezan centrándose en lo solemne y terminan encuadrados dentro de una ingeniería más ágil. Lo que suena aquí tiene bastante cercanía con los respectivos primeros discos de EGG y CARAVAN con algunos toques extra de THE NICE. Esto último se nota más en los parajes donde emergen vibraciones más densas, no son muy extensos, pero logran un impacto muy real en el paisaje sónico general. La bien articulda persistencia del sereno motif final brinda un aura señorial a la suave bajada del telón. La Parte II comienza en un lugar parecido a aquel donde terminó el anterior, pero pronto se enfila a paso firme por sendas de exultante extroversión, a veces, creando una fulgurosa tensión de claro talante psicodélico. Es en ellas que se reelaboran varias señales sonoras heredadas de los dos primeros álbumes de SOFT MACHINE, pero aún con una extrema cercanía a la ligera luminosidad Caravanesca. Apenas pasada la frontera del séptimo minuto,  el enclave definitivo bajo una atmósfera sedosamente tranquila signa un epílogo gentilmente contemplativo. El aire de nocturnidad ostenta un encanto sosegado, tornándose envolvente con el sobresalto comedido de las notas finales, con lo cual se completa este inicio a lo grande del disco. Después de esto, sigue una cadena de composiciones mucho más breves, empezando con ‘Things Are Getting Weird Again’ revela una aureola misteriosa a través de los índices melódicos que, a fin de cuentas, se sienten bastante amables a través de su espíritu de cándida travesura. ‘Ride The Coattails’ porta una agilidad contagiosa donde se combinan los periodos históricos de SUPERSISTER y HOMUNCULUS RES. Se refuerza, de paso, el aura vintage inherente a la logística artesanal. Es de lo más sistemáticamente ágil que vamos a encontrar en el disco entero.

Las miniaturas ‘The Boat Don’t Float (Excerpt)’ y ‘Flash Paper’ exhiben breves momentos de desahogo creativo. La primera de ellas muestra orgullosamente su efímero ludismo mientras que la segunda despliega cadencias delicadamente ágiles. ‘Memories Of Solar Rays’ regresa al lirismo refinado con el que se elaboraron los pasajes más majestuosos de las dos primeras piezas. De hecho, sus niveles de soltura y elegancia expresiva son tan solventes que se erige como el cénit decisivo de esta segunda mitad del repertorio. Tras un inicio cósmicamente minimalista, ‘Go Down The Mountain’ prosigue con la faena realizada por el tema precedente por un breve tiempo. Así las cosas, llega el turno de ‘Toys On The Floor’ para que le dé un giro más solemne a las cosas, añadiendo recursos sonoros de estilizado claroscuro. ‘Remember Who You Wanted To Be’ trae consigo el cierre del repertorio y lo hace con un despliegue de gentil lirismo, reforzando así los elementos más vitalistas del disco como un todo integral. Todo esto fue lo que nos brindó Carl Ddidur desde su sitial de ZACHT AUTOMAAT como travieso y sincero homenaje al legado inmortal de esa variante del jazz-prog de vieja escuela que se convenido etiquetar como Canterbury. “Little Canterbury” es un disco totalmente recomendable para la gente amante de toda la variedad de música retro-progresiva que persiste en el escenario mundial. Esperamos más aportes de ZACHT AUTOMAAT en el futuro próximo y, cómo no, que sea con el dúo enteramente reintegrado. 

 
 
Muestras de “Little Canterbury”.-
Improg Returns To The Valley Pt. II: https://zachtautomaat.bandcamp.com/track/improg-returns-to-the-valley-pt-ii
Memories Of Solar Days: https://zachtautomaat.bandcamp.com/track/memories-of-solar-rays
 

Una nueva puerta abierta a la creatividad vanguardista de DAS RAD

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Desde los cuarteles del ensamble británico de música avant-jazz-progresiva DAS RAD llega su nueva obra fonográfica “Open Up The Door”: este ítem fue publicado, como es habitual, por el sello Discus Music el 25 de septiembre pasado, hace muy poco. Tiene la estructura de un disco doble, pero en realidad es un disco específico con un volumen adicional gratuito. El colectivo actualmente conformado por Nick Robinson [guitarras eléctricas y acústicas, loops y sintetizador], Peter Rophone [voz, percusión tonal y guitarra clásica], Martin Archer [órgano, sintetizadores, saxofones, flauta y clarinete], Jon Short [bajo y contrabajo eléctrico] y Steve Dinsdale [batería y sintetizador] logra aquí otro gran catálogo de viajes musicales de alta alcurnia creativa, permítasenos adelantar. El grupo recibe ocasionalmente las colaboraciones de Jenni Brooks a la flauta y de Sam Ehret-Pickett a los bronces. El material contenido en “Open Up The Door” fue compuesto, improvisado, editado, arreglado y producido por DAS RAD a lo largo de varias sesiones de grabación y post-producción que tuvieron lugar en 2025 y 2026.
 
El volumen central de “Open Up The Door” es una suite entera que se inicia con ‘Red Gods’, un excelso viaje sónico donde el ensamble pone en funcionamiento un solvente híbrido de prog intimista y art-pop de raigambre psicodélica. Las confluencias con Kevin Ayers, Robert Wyatt y RADIOHEAD (sobre todo, por el canto) son muy patentes, aunque es verdad también que el grupo crea sus matices propios para el bien definido foco melódico. Sigue a continuación la pieza homónima, la cual dura casi 11 ¾ minutos. ‘Open Up The Door’ vira hacia una ceremoniosidad señorial que se asienta fluidamente a lo largo de un esquema sonoro sobriamente denso. El notable incremento de sofisticación sónica se traduce una luminosidad trascendente donde los colores de la guitarra, los teclados, las percusiones tonales y los vientos se hermanan en una muy pulida ambientación jazz-progresiva. En el último tercio, el núcleo sonoro adquiere mayor energía antes de llegar a la flotante coda minimalista. En conjunto, la secuencia de motivos ha realzado la majestuosidad esencial de la pieza inaugural con una estrategia de versatilidad más contundente. Con la díada de ‘Mizzle’ y ‘Threshold’, la gente de DAS RAD sigue a paso firme sus exploraciones musicales. El primero de estos temas mencionados se focaliza en un aura crepuscular que se enriquece con texturas cristalinas delicadamente apoyadas sobre un swing sereno. Coqueteando con estándares del post-rock dentro de un enclave de calidez avant-jazzera, se exhibe una aristocrática melancolía. El segundo de ellos recibe algunos ecos de esa instancia crepuscular para remodelarlos con un nervio intensificado, lo cual repercute asertivamente en una mayor exuberancia. La concreción de una ingeniería rítmica más robusta y unos solos más dinámicos que emergen en el camino refuerzan esta iniciativa. La vitalidad es contenida y nutre al entramado sonoro con sólidos recursos impresionistas dentro del bien definido núcleo temático. ‘Dreimalriffe’ juega con un vivaz groove a lo nu-jazz para que la gente de DAS RAD alce su vuelo más extrovertido del disco.

 
‘The Driftwood Man’ deshace todo lo estructurado en la cadena de las tres piezas precedentes y se deja llevar por las brisas y mareas de la libre imaginación. Tras un prólogo marcado por retazos aleatorios, el ensamble elabora una proyección de free jazz y abstracciones psicodélicas donde la inquietud arcana es el telar para el paisaje sonoro. Las partes cantadas son auténticas invocaciones de exorcismo introspectivo que hacen un efectivo contrapeso al imparable vuelo caleidoscopio de los instrumentos actuantes. Cuando llega el turno de ‘Ubu Mort’, el tiempo de las abstracciones agarra nueva vida para tornarse aún más solipsista,  incluso coqueteando con lo oscurantista en varios pasajes portadores de una extraña vitalidad. Aquí opera una suerte de cruza entre SUN RA y la ORCHESTRA OF THE UPPER ATMOSPHERE, añadiéndose elementos de denso surrealismo que se emparentan parcialmente con grandes figuras de la osadía musical como ART ZOYD, FAUST y UNIVERS ZÉRO. La guitarra asume una relevancia especial dentro del entramado integral. Dos cénit consecutivos antes de que ‘Sirens’ despliegue un lirismo embrujador donde reina la gracilidad ensoñadora. Las vibraciones emanadas del doble encuadre de vientos y batería son cautivadoras. Está asentada la labor de cosecha a concretarse en ‘Blue Gods’, la pieza más extensa del volumen central con sus 17 minutos y pico de duración, siendo también la encargada de cerrarlo. Recogiendo la aureola meditabunda del tema #1 y reformulando los aspectos más suntuosos de los temas #2 al #4, este extenso viaje musical condensa hábilmente los elementos más fulgurosos y los más  nebulosas del esquema de trabajo general. Para reforzar éste, el grupo reitera algunos trucos abstractos que ya reconocemos. Una vez terminado este ciclo de canciones nuevas que conforman el nuevo disco en sí, el volumen extra contiene tres variaciones del clásico hit ‘Buzzsaw’ de THE TURTLES, junto a una extensa pieza titulada ‘Lost Constellations’, la cual se basa en un loop originalmente diseñado por Nick Robinson. 

Centrándonos en ‘Lost Constellations’, plasma una fluida ilación de diversos esquemas rítmicos junto a otros pasajes de frontal enfoque atmosférico. La convivencia entre elementos tan dispares como las nebulosas psicodélicas, los abstracciones electrónicas, las agitaciones libres y las agitaciones progresivas está organizada con integral disciplina sin renunciar a los impulsos vivaces. Todo esto fue “Open Up The Door”, una obra muy inspirada y rotunda de parte de una banda que nunca deja de impulsar revuelos desde sus entrañas para abrir nuevas puertas a nuevas sendas creativas para su visión de la música jazz-progresiva. DAS RAD debe tener un lugar en cada buena fonoteca dedicada a coleccionar la crema y nata de las diversas vanguardias de ayer y hoy.

 
 
Muestras de “Open Up The Door”.-
Open Up The Door: https://discusmusic.bandcamp.com/track/open-up-the-door
The Driftwood Man: https://discusmusic.bandcamp.com/track/the-driftwood-man

Ubu Mort: https://discusmusic.bandcamp.com/track/ubu-mort

 

... Y la ORCHESTRA OF THE UPPER ATMOSPHERE descansó tras el séptimo día

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy presentamos “Theta Seven”, el séptimo y definitivamente último trabajo fonográfico de la ORCHESTRA OF THE UPPER ATMOSPHERE: fue publicado el 30 de enero de 2026 por el sello Discus Music. La alineación de este ensamble británico que se había convertido rápidamente en un gran referente del avant-prog contemporáneo consta en estas instancias finales de Martin Archer [vientos, teclados e instrumentos de software], Steve Dinsdale [batería y teclados], Lorin Halsall [contrabajos acústico y eléctrico, y efectos electrónicos], Yvonna Magda [violín y efectos electrónicos], Andy Peake [piano y teclados], Walt Shaw [batería, percusión y efectos electrónicos], Jan Todd [canto, guzheng, arpa eléctrica, arpa-laúd, arpa cruzada, efectos electrónicos, flautas hulusi, caja de metal, waterphones, grabaciones de sonidos hallados y samples] y Terry Todd [bajo]. Una formación descomunal, la verdad. Fue en el ya un poco lejano año 2012 que la ORCHESTRA OF THE UPPER ATMOSPHERE se inició en Sheffield bajo la iniciativa del multiinstrumentista y productor Martin Archer (a la sazón, el jefe de Discus Music). Lo que aparece en “Theta Seven” es el resultado de ediciones y collages hechas por Archer, con mezclas y arreglos adicionales a cargo de Todd y el propio Archer para que todo fluya con una dinámica bien definida a lo largo de la suite homónima. 

En efecto, el repertorio del disco consta exclusivamente de la suite ‘Theta 07’, la cual dura más de 1 hora y 12 minutos y contiene 11 secciones con títulos autónomos. Éstos son: ‘Aether Rises’, ‘A Blessing In Azure’, ‘Billy Bang / One Golden Hour’, ‘Under The Azure’, ‘Cold Mariana / Lunar Eye’, ‘Moonride’, ‘Aether, Bringer Of Light / Aithre, Mother Of The Moon’, ‘Unbound’, ‘Oumuamua’, ‘That’s How I Feel’ y ‘Aithre Rises’. Curiosamente, la penúltima sección es una versión de un tema del disco de SUN RA “Lanquidity”, del año 1978: dicha leyenda del avant-jazz estadounidense es una inspiración perpetua para la visión musical del propio Archer. La suite empieza con unos golpes de cuerdas que, de a pocos, arman una maraña líquida que se hace reconocible con su cándido esplendor primaveral. La irrupción de la batería indica el inicio de la segunda sección con un swing sobriamente enérgico; así las cosas, el ensamble gesta un vitalismo elegante donde todos los artilugios que van surgiendo a lo largo del camino hallan prestamente su lugar dentro del paisaje general. La tercera sección vira drásticamente hacia un clima inquietantemente ceremonioso y lo hace sobre la base de un groove jazz-progresivo de inspiración bluesera. El heterodoxo armazón rítmico abre campo a diversas expansiones de los instrumentos actuantes hasta que la atmósfera se calma un poco a fin de permitir el breve lucimiento del canto. De esta manera, se abre la puerta a la extensa cuarta sección, la cual utiliza sutiles semillas de la inquietud precedente para elaborar una nueva ambientación misteriosa que se sitúa entre lo melancólico y lo crepuscular. Los factores luminosos del muy nutrido enclave instrumental simulan estrellas majestuosas que se lucen en medio de una creciente oscuridad. Todo fluye con grácil naturalidad hasta que todo se detiene con el arribo de una nueva sección enfocada en un ejercicio abstracto de deconstrucciones sónicas. Aunque todo parece orientarse por una tensión contenida, de a pocos ésta se alivia y elabora un descenso apacible hacia los rincones más serenos del yo interior. Así las cosas, el ensamble se suelta con un jovial ejercicio de jazz-fusion progresivo para la siguiente sección: imaginemos una composición perdida de los RETURN TO FOREVER de 1972 filtrada por la faceta más etérea de los HENRY de 1973. La irrupción de un retazo minimalista gana en densidad mientras pasan los últimos segundos de esta sección...

... Y así se gesta la siguiente, la cual se construye en base a una refinada manifestación de abstractas agitaciones de sintetizador. Creando un puente entre los TANGERINE DREAM pre-1974 y la dimensión surrealista de John Zorn, el colectivo se concentra en usar recursos sonoros con un enfoque pictórico. Una convergencia entre la neblina exterior y el ansia de luz que añora el espíritu al replegarse sobre sí mismo. Con la compleción de dicha convergencia emerge la octava sección, la cual está diseñada para sintetizar los espíritus expresivos de las tres anteriores: lo noctámbulo, lo extrovertido y lo ensimismado se funden en una sola energía musical que se asienta cómodamente sobre un groove sereno. Los efluvios experimentales van brotando de una manera lúcidamente controlada mientras los minutos pasan como instantes. La siguiente sección regresa de lleno a las abstracciones misteriosas y, en medio de ellas, los cortantes tarareos femeninos ocupan un rol central. Cuando la batería entra a tallar en el último tercio, se rasga el telón para la explicitación de un aquelarre tenebroso. Todo cambia con la emergencia de la sección siguiente, la cual respeta el encanto suavemente ágil de la versión original de SUN RA. Incluso hay matices celebratorios añadidos de parte de esta orquesta, especialmente cuando el violín alterna el centro protagónico con el saxofón. La última sección, centrada en el diálogo entre el arpa y el violín, exhibe una calma arcana donde lo introspectivo puede abarcar algo de fulgor mientras asienta su intocable refugio. Así ha sido el momento final de uno de los ensambles más aventureros que han existido dentro de la escena avant-jazz-progresiva del nuevo milenio. La ORCHESTRA OF THE UPPER ATMOSPHERE se despide de la misma forma en que llegó, firmando su nombre con letras doradas. Mientras escuchamos “Theta Seven” por tercera vez seguida en este plácido atardecer de octubre, alzamos nuestras copas de anís en homenaje y agradecimiento a este ensamble tan peculiar por toda la buena música que nos ha brindado a lo largo de estos años. De hecho, esta obra con la que se cierra el telón de la OOTUA nos parece una de sus obras cumbre.

Muestras de “Theta Seven”.- 

A Blessing In Azure: https://discusmusic.bandcamp.com/track/a-blessing-in-azure 

Moonride: https://discusmusic.bandcamp.com/track/moonride 

Aether, Bringer Of Light / Aithre, Mother Of The Moon: https://discusmusic.bandcamp.com/track/aether-bringer-of-light-aithre-mother-of-the-moon 

Unbound: https://discusmusic.bandcamp.com/track/unbound

El paradigma aumentado de T.A.P para el año 2026

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de presentar “Paradigms II”, el nuevo trabajo fonográfico del colectivo multinacional T.A.P, el cual es un referente relevante para la vanguardia progresiva de los últimos años. Este ensamble que comenzó como trío opera ahora como el cuarteto de Michael Jobborn [teclados y conceptos], Mark Cook [Warr Guitar, bajo, guitarra de 12 cuerdas, sintetizador, sitar y arreglos de cuerdas y coros], Suzi James [guitarras acústicas y eléctricas, teclados, flauta y violín] y Bill Bachman [batería y percusión]. Tras sorprendernos gratamente con el disco de 2023 “Paradigms”, ahora este ampliado colectivo especializado en el ambient prog y el space-rock nos brinda una versión remodelada de su enfoque estético, en muchas ocasiones, jugando con recursos de aumentada fastuosidad. Más detalles sobre este aspecto y otros en los párrafos siguientes. El cuarteto contó con varios colaboradores ocasionales: Chris Gill (guitarra), Chris Messina (sintetizador), Steve Bonino (guitarra y voz), Gayle Ellett (mellotrón, guitarras acústica y eléctrica, y bouzouki), Massimo Pieretti (piano y sintetizador) y Tenk van Dool (mandolina y guitarra). El lanzamiento al mercado de “Paradigms II” tuvo lugar a inicios del presente mes de octubre por iniciativa de ProgRock’s Essentials.

 
El repertorio de “Paradigms II” empieza con ‘Galaxy Unknown’, una pieza bastante animada que ostenta un carismático garbo caleidoscópico: su enclave melódico está muy bien delineado y su amalgama sonora brilla con un cálido encanto. Luego sigue la ambiciosa pieza ‘A Beacon Or Light’, a la sazón, la más larga del repertorio con sus 12 ¼ minutos de duración. En una primera instancia, su aura serena de expansiones atmosférica es manejada con una inspirada mezcla de candor melódico y cristalino refinamiento. Más adelante, las cosas se agilizan notablemente, siendo así que el nuevo swing acoge un vitalismo gentil y envolvente emanado de la pulcra amalgama de guitarras y sintetizadores. Es como una confluencia entre lo Floydiano y lo Genesiano bajo la guía del VANGELIS de la segunda mitad de los 70. A partir de aquí, las alternancias entre los pasajes sosegados y los vivaces se organizan dentro de un encuadre efectivamente preciosista. ‘A Dramatic Interlude’ brinda un momento de vulnerabilidad emocional a través de una encantadora magia melódica que coquetea con el jazz-fusion desde su estadio prog-ambient. Así las cosas, el terreno está preparado para la emergencia de ‘A Hole In The Ground’, pieza que está a cargo de ahondar en la claridad melódica que ya se siente bien instalada a estas alturas del partido. Es como si una balada de SYLVIAN & FRIPP hubiese pasado por el filtro de HERD OF INSTINCT. El crescendo final es bastante elocuente. ‘4th Dimensional Wave’ es otro tema bastante extenso: dura poco más de 11 ¾ minutos. Su misión principal consiste en mezclar la señorial gracilidad del tercer tema y la fastuosidad  del segundo dentro de un dinamismo que, aunque sigue durando igual de controlado, refleja mayores niveles de sofisticación. Los parajes extrovertidos portan una luminosidad aristocrática que, a fin de cuentas, termina focalizando toda la energía expresiva en curso. El preciso vigor y la excelsa elegancia de la batería a lo largo de todos los recovecos temáticos es crucial para que la arquitectura global preserve su rotunda consistencia. Un cénit de exuberancia y versatilidad dentro del álbum entero. 

 
Cuando llega el turno de ‘Lyrical Paradox’, el ensamble emplea los cerca de cuatro minutos de espacio que tiene para dar un nuevo giro de tuerca al patrón melódico Genesiano en clave contemplativa. ‘Outlooks Of The Closed-Minded’, por su parte, retoma la dimensión más extrovertida de la visión musical de T.A.P y le da una remodelación más envolvente. Para ello, incrementa los recursos jazz-rockeros en el groove y promueve virajes sugerentes en las bases armónicas. También ayuda ls incorporación de hermosos solos de piano eléctrico y de sintetizador durante el último tercio. Acertado epílogo para este otro momento culminante del disco. ‘Wishful Solitude’ trae consigo el cierre del repertorio al modo de un intensivo viaje musical de poco más de 11 ¼ minutos. Su senda expresiva se inicia una extensión del área musical donde se desenvolvió la pieza precedente con una reestructuración del refinado vitalismo que ya hemos apreciado en algunos temas precedentes. Los aires de familia con DJAM KARET y HERD OF INSTINCT son muy patentes. El solo de flauta que emerge en algún momento intensifica el colorido inherente a la composición, y lo mismo vale para las intervenciones de la mandolina y la guitarra acústica. El viraje cósmico que se da alrededor de la frontera del quinto minuto en base a coqueteos con el space-rock da una renovada musculatura a la maraña instrumental por un rato antes de que la última sección se enfile por la estilización sinfónica a punta de resoluta magnificencia. El golpe final es el cierre perfecto para la pieza y el álbum, la conclusión que merece un disco tan fabuloso como éste. La verdad que la gente de T.A.P se ha lucido a lo grande con “Paradigms II”, un disco que se destaca como uno de los más refinados y majestuosos dentro de la diversa producción progresiva hecha en este año 2026. Muy pero que muy recomendable.
 
 
Muestras de “Paradigms II”.-
A Beacon Or Light: https://tapprog1.bandcamp.com/track/a-beacon-or-light
4th Dimensional Wave: https://tapprog1.bandcamp.com/track/4th-dimensional-wave-2
Outlooks Of The Closed-Minded: https://tapprog1.bandcamp.com/track/outlooks-of-the-closed-minded

 

La gran novedad del trío noruego BUSHMAN’S REVENGE para el año 2026

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Desde haces algunos meses, está brillando una gema reciente dentro de la escena jazz-progresiva escandinava. A fines de mayo último el trío noruego BUSHMAN’S REVENGE lazó al mercado su décimo trabajo de estudio “Ah, Les Vaches!” (tiene doce en total, incuyendo registros en vivo) por vía del sello Is It Jazz? Records. La edición tuvo lugar tanto en CD como en vinilo. El título de este disco está en francés y se traduce al español como ¡Ah, las vacas!. El colectivo conformado por Even Helte Hermansen [guitarras alto y barítono], Gard Nilssen [batería, percusión y vibráfono] y Tor Egil Kreken [bajo] recibió la colaboración ocasional de Johan Lindström a la guitarra pedal steel. Para el material aquí contenido, Bård Ingebrigtsen se hizo cargo de la ingeniería de sonido en las sesiones de grabación y de la mezcla; el ulterior proceso de masterización estuvo en manos de Johnny Skalleberg.

La breve pieza ‘Unholy Ghost’ da el puntapié inicial a las cosas con un despliegue de elegante musculatura donde la sinergia aleatoria de los instrumentos actuantes impide que el temporal se aleje de la tentación del caos. A partir de allí, ‘Velkommen Til Gards’ entra a tallar con una exhibición de vitalismo versátil donde el lenguaje de las formas libres del jazz contemporáneo se reviste del electrizante vigor del rock. Tras un tormentoso pasaje prologar que recibe graciosamente los ecos del fragor inaugural, el ensamble se detiene a armar una retorcida arquitectura donde la explícita complejidad de los grooves marca la pauta para el bizarro dinamismo que delinea el hermanamiento de las guitarras y el bajo. Definitivamente, la batería hace lucir su rol protagónico dentro de la amalgama global. El grupo ha puesto bien en claro al oyente cuáles son algunas de las reglas principales del esquema de trabajo que habrá de desarrollarse en todo lo que queda del álbum. ‘And Gullit Was His Name-O’ sigue a continuación para virar hacia una ambientación más ligera, cercana en sí misma hacia el lado más grácil del math-rock y con el enfoque domesticado de lo que usualmente reconocemos como pop-rock. Eso sí, el uso de inusuales tempos durante la instauración del motif central señala claramente que hay una mentalidad progresiva en la creación y los arreglos concomitantes de esta composición. ‘Rådyrparet’ es un ejercicio de melancolía crepuscular que establece aires de familia con bandas compatriotas tales como ELEPHANT9 y RED KITE (en sus facetas más introspectivas). Los retazos de la guitarra pedal steel que acompañan a los sobrios fraseos de la primera guitarra refuerzan ese espíritu de ensimismamiento inherente a la composición; el esplendoroso crescendo de los últimos segundos consolida la emotividad expresiva para acentuarla como algo sublime. Un tema bastante bello que tiene en la concreción de una estilizada delicadeza su mayor logro estético. ‘Purple Rain’ es exactamente lo que parece, una versión de la magnífica balada de Prince de 1984, más exactamente, una versión de la versión que hizo la cantautora sueca Stina Nordenstam en los 90 (bajo las influencias de TALK TALK y PORTISHEAD), pero con sus debidos toques psicodélicos, los mismos que aportan un aura cósmica al enclave jazz-rockero. Lo melancólico del tema precedente se reitera con la adición de una densidad sombría; lo introspectivo recurre a una añoranza desesperada que se refugia tras la cortina de su grito silencioso. 

Bajo el sarcástico título de ‘One Small Misstep For Man, One Giant Mistake For Mankind’ emerge una pieza eminentemente vitalista que opera como un posicionamiento contrastado frente a la secuencia de las dos piezas precedentes. Incluso se puede decir que explora nuevos territorios a la vista tras la puerta que abrió el tema #2. El imperio de un swing sofisticado y las elocuentes aseveraciones de la guitarra aseguran una expresividad contundente, dueña de una patente fuerza de carácter sin llegar a la furia. Los creativos apuntalamientos del bajo incrementan la suntuosa autoridad del esquema rítmico mientras las intervenciones de la guitarra pedal steel completan el colorido esencial de la pieza. Tal vez sea éste el cénit del disco. La díada de ‘Bram’ y ‘Barbara’ sirve para que el trío siga engrosando los recursos sonoros de su arsenal musical. El primero de estos temas mencionados ostenta una soltura semejante a la de ‘One Small Misstep For Man, One Giant Mistake For Mankind’, pero opera con un swing menos vivaz y unas cadencias más plácidas; estos dos factores permiten que el centro temático se maneje con mayores dosis de sofisticación. En cuanto a ‘Barbara’, se trata de un convincente retorno a las vibraciones crepusculares de lo contemplativo dentro de una parsimonia introspectiva. Cerca del final emerge otra miniatura titulada ‘Pauseakvariet’,  un ejercicio de jazz-fusion al clásico estilo de l9s 70 como si una vieja idea de Hancock se trasladase a un trío de Rypdal. ‘I Am A Ghost Now’ es el tema encargado de cerrar el repertorio y lo hace con un aura espectral que va llenando espacios a un ritmo sereno, casi como si cada nota se desparramara con aristocrática languidez. Las texturas impresionistas que sustentan el arreglo general de la pieza conforman el fondo musical adecuado para cerrar el telón. Eso sí, esta melancolía es feliz y garbosa, no angustiada como en algunos temas precedentes: los aires de exaltación plasmados en el epílogo hablan por sí mismos. Todo esto fue lo que la gente de BUSHMAN’S REVENGE nos ha brindado con “Ah, Les Vaches!” en este año 2026, otro ejemplo de sus excelsos niveles de creatividad y energía dentro de la vanguardia jazz-progresiva actual dentro y fuera de Noruega. Muy recomendable.

 
 
Muestras de “Ah, Les Vaches!”.-
Velkommen Til Gards: https://bushmansrevenge.bandcamp.com/track/velkommen-til-gards
Rådyrparet: https://bushmansrevenge.bandcamp.com/track/r-dyrparet
One Snall Misstep For Man, One Giant Mistake For Mankind: https://bushmansrevenge.bandcamp.com/track/one-small-misstep-for-man-one-giant-mistake-for-mankind  

CAL: desde 1980 hasta 2026

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy contamos una de muchas historias de revancha y reivindicación del rock de viejos tiempos: la primera edición en CD del disco homónimo y único del grupo CAL. Del año 1980 al año 2026, la gente del siempre ocupado sello malagueño 5 Lunas nos trae una inmensa reliquia de la primera generación del rock andaluz: “Cal”, publicado originalmente por el sello Cardisc. CAL fue una banda asentada en Sevilla cuyos integrantes eran Alberto Toribio [pianos acústico y eléctrico, mellotrón, sintetizador y voz], Pepe Fernández [guitarras y voz], Paco Muñoz [bajo y primera voz] y Juanjo Muñoz [batería y voz]. Esto de meterse en el rock andaluz no era nada nuevo para el teclista Toribio, pues él había sido integrante de GOMA, banda gestora de otro clásico titulado “14 Abril”. El guitarrista Fernández, por su parte, estuvo en el grupo de blues-rock TAPIMAN, lo cual lo hacía experto en garra expresiva: de hecho, él funge como capitán de la fuerza dentro del grupo mientras sus compañeros de viaje son habitualmente los coloristas y magos de los recursos preciosistas. Esta obra fue grabada en los Estudios Gema  entre la Semana Santa y la Feria del año 1980, estando Enric Catalá a cargo de la ingeniería de sonido. Salió al mercado pocos meses después. Juanjo López fue el autor del arte gráfica original. El grupo no duró mucho más que la permanencia de este disco en las estanterías y parecía condenado al olvido salvo los contados casos de coleccionistas que compraron sus respectivos ejemplares en un momento dado. Pero algo ha cambiado ahora y es gracias a ese algo que podemos hacer aquí esta humilde retrospectiva.

El repertorio de “Cal” se inicia con ‘Mujer Del Sur’, canción con bastante gancho cuyo intenso palmeo inicial pronto abre la puerta a un delirio alegre que se explaya en su propio lirismo. Los exhaustivos aires flamencos del núcleo compositivo son ingeniosamente moldeados por los ornamentos sinfónicos provistos por los teclados mientras la vivacidad folclórica se afianza con palmas y castañuelas. Un muy llamativo inicio de álbum. ‘Detrás Del Paso’ sigue a continuación iniciándose con un ambiente de procesión religiosa antes de embarcarse en una travesía ágil y sumamente estilizada. La animada fluidez de la dupla rítmica permite a los teclados y la guitarra focalizar sus diálogos y sus respectivos solos, los cuales reflejan cierto dejo Cameliano a través de sus vibraciones telúricas aflamencadas. La díada de ‘Pa Decirte’ y ‘Mi Sevilla’ sirve para que la banda siga expandiendo su colorido duende musical y saque buen provecho del colorido eficaz que ya se asentó sin marcha atrás en la estructura musical del cuarteto. El primero  de estos temas mencionados refuerza el alegre groove de la canción precedente y le proporciona un poco más de musculatura.  También se nota una meticulosidad más puntillosa en el desarrollo de la majestuosidad melódica en curso. En lo referente a ‘Mi Sevilla’, se trata de una balada evocadora donde las añoranzas nostálgicas llenan todos los espacios con una prestancia muy delicada. Un intermedio fusionesco muy afín a los que hacían los ALAMEDA en sus dos primeros discos establecen un ingenioso contrapunto. Ojalá durara un poco más, pues es un jaleo bastante refinado el que se agita aquí, pero es que el epílogo tiene urgencia de entrar a tallar con un regreso al motif inicial. ‘Guadalquivir Gitano’ da inicio a la segunda mitad del repertorio con una actitud híbrida de IMÁN CALIFATO INDEPENDIENTE y ALAMEDA en lo referente al masivo empleo de variantes melódicas: la gente de CAL lo realiza dentro de un encuadre progresivamente sofisticado que se sazona con varios recursos jazzeados. La exquisita alegría de la dupla rítmica agiliza la abierta soltura de la guitarra y los teclados una vez pasado el prólogo etéreo. Se trata, a fin de cuentas, de un cénit decisivo del disco... pero ojalá hubiese durado un poco más. 

‘Ensayo En El Garbanzo’ recibe los ecos de la estilizada algarabía que signó a la pieza precedente. Con los teclados y la guitarra alternándose el protagonismo en el perfilamiento del centro temático, el ensamble da rienda suelta a su habilidad para crear interacciones vivaces. Siendo así que el elemento jazzero es más  predominante, podemos hallar aquí algunos aires de familia con GUADALQUIVIR  y los CAI del segundo  álbum. Las ingeniosas líneas  del bajo gestan un virtuoso puente entre lo melódico y lo rítmico. El canto, por su parte, se torna más asertivo que nunca. Durando más de 9 ¾ minutos y siendo la pieza más extensa del álbum, ‘“Colgao” (I y II Parte)’ es también el encargado de cerrarlo. Ya desde sus instancias iniciales, notamos algo más  expresionista en el modo en que los músicos arman esta congregación del momento. Estas nuevas vibraciones se sitúan cerca de los paradigmas clásicos de YES y PINK FLOYD. Eso sí, sin perder un ápice de ese pathos andaluz tan propio. El puente psicodélico que emerge cerca del final es manejado con cristalina elegancia antes de que la última parte cantada nos diga adiós. Definitivamente, este lado B es el más logrado del disco como un todo. Todo esto fue el legado CAL y no se quedó en una huella borrada del pasado gracias a la gran iniciativa de 5 Lunas de recuperar este disco para la memoria presente. Con la digitalización hecha por Juan Sánchez Rosano, la masterización realizada en Barrameda Mastering y la maquetación de Rafa Tardío, el jefe Juan Antonio Vergara concreta una nueva labor de arqueología vital para el ideal infinito del rock andaluz. ¡¡Imperdible esta edición!!

Muestras de “Cal”.- 

Detrás Del Paso: https://www.youtube.com/watch?v=v7RidFSzMN4

Guadalquivir Gitano: https://www.youtube.com/watch?v=1ZiLfzeIZlI 

“Colgao” (I y II Parte): https://www.youtube.com/watch?v=uCPDp7ZBdME

 

ASHRAJ: un poder nuevo en la escena progresiva argentina

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy presentamos al grupo argentino ASHRAJ y su álbum debut, el cual supone una muestra nueva de poder creativo dentro de la actual escena progresiva de su país. “¡Zi Dinguir Anna Kanpa!” es el peculiar título de su disco debut y más peculiares son los seudónimos de los dos integrantes de ASHRAJ: D'rag^ul, quien se hace cargo de la batería y las percusiones, y Ibn Picatrix, ejecutantes de la guitarra, los sintetizadores y el bajo, además de hacer las programaciones de ritmos. Sus nombres respectivos son Gustavo López y Martín “Agharta” Díaz. El disco en cuestión se publicó el 1 de mayo de 2026. He aquí el manifiesto que ilustra el concepto subyacente al álbum que hoy reseñamos: “En aquella época remota, había quedado claro para ambos que, ni el Honorable Consejo de los Sabios Atlantes, ni el Supremo Tribunal Galáctico iban a permitir el resurgimiento de aquella práctica olvidada. Ibn Picatrix y D’rag’ul serían condenados sin pestañear al exilio en los confines de la galaxia exterior – o algo mucho peor – si no abandonaban inmediatamente la práctica de aquel antiguo arte prohibido. La decisión estaba tomada. Para ellos, no había posibilidad de volver atrás: Ashraj debía ver la luz, aunque para eso debieran abandonar su hogar, su mundo, dejar atrás todo lo conocido. La Tierra interior ya no sería su refugio. El portal se abrirá en la próxima alineación planetaria. ¡La suerte está echada! Ashraj verá la luz del Sol exterior. Y los antiguos dioses volverán a reclamar su trono, enterrado por los hombres sin rostro!!!” Una reivindicación de las fuerzas telúricas primigenias de este mundo que habitamos. Repasemos ahora el repertorio específico de “¡Zi Dinguir Anna Kanpa!”.

El primer tema se titula ‘HH’ y se mete de lleno dentro del discurso space-rockero con sus oportunas estilizaciones progresivas, las mismas que se hacen ostensibles en la forma tan refinada con la que se maneja el groove general. Las percusiones añaden un encanto exótico al swing mientras algunos de los teclados operantes se tornan más envolventes. La sección final regresa al groove inicial para redondear la faena con sólida coherencia. El segundo tema, por su parte, elabora un enfoque más étnico al esquema sonoro del ensamble y lo hace con una soltura más libre: ‘Big Bang’ es su grandilocuente título. La inserción de contundentes solos de guitarra  (reminiscente del paradigma de Hillage) añade una razonable musculatura al esquema sónico en curso, el cual llega a expresar una aureola de algarabía telúrica en varios pasajes. Tal vez tenemos aquí un cénit del disco y lo mismo podría decirse de la pieza que viene a continuación, ‘El Poder Oculto’. Ésta se adentra en formas y vibraciones psicodélicas sobre un esquema rítmico sofisticado, concretando algunas conexiones estilísticas con los OZRIC TENTACLES primigenios en su manera de crear una peculiar magia evocadora en el arte del sonido. Además, algunos aspectos del groove de la batería y ciertas sonoridades del sintetizador nos remiten a los modismos psicodélicos germánicos de los 70 que signaron el camino estilístico de varias bandas emblemáticas del (así llamado) krautrock. Cuando llega el turno de ‘Pararrayos’, el dúo se dispone a seguir por esta senda mientras hace un manejo más ácido de los guitarreos y orienta los teclados en una posición más envolvente. El compás fusionesco tiene un potente groove tribal. Para, ‘Tempus Fugit’, tema que, al igual que el precedente, dura 3 minutos y pico, el grupo gesta un ritual psicodélico complejo, rico en vibraciones telúricas mientras hace gestiona una logística futurista donde esas vibraciones reciben versátiles impulsos expresionistas. Suceden muchas cosas en un tiempo no muy largo... especialmente, un nuevo solo fantástico de guitarra. Otro momento culminante del repertorio. 

Con la dupla de ‘Tibet’ y ‘Reporte Meteorológico’, el dúo sigue trabajando con su bien definida paleta sonora. El primero de estos temas regresa al paradigma de OZRIC TENTACLES con una dosis extra de acidez lisérgica que está impulsada por el frenético groove de la batería. Esta vez son los sintetizadores los que portan la guía del entramado sonoro en medio de la machacona vivacidad. El segundo, por su parte, ostenta un bizarro misticismo donde el núcleo space-rockero se sumerge en las aguas deconstructivas del avant-prog. El dúo juega al caos mientras mantiene firmes las reglas para las inmersiones libres en conjunción. ‘Kalimba’ cierra el álbum exhibiendo unos aires de calidez otoñal sobre una sencilla armonía recurrente. Es como un cruce entre los TANGERINE DREAM de inicios de los 80 y el Mike Oldfield de fines de los 70. En menos de media hora, el colectivo de ASHRAJ nos ha brindado una obra musical bastante llamativa, una estupenda muestra de cómo se puede explotar un potencial interesante a las posibilidades abiertas del rock como genuina expresión artística. “¡Zi Dinguir Anna Kanpa!” puede ser calificado como una muestra fehaciente de creatividad valiente dentro de la vertiente psicodélica del rock progresivo contemporáneo. Muy recomendable... ¡Y esperamos más cosas de la gente de ASHRAJ en el futuro cercano!

Muestras de “¡Zi Dinguir Anna Kanpa!”.-   

Big Bang: https://ashraj1.bandcamp.com/track/big-bang  

El Poder Oculto:  https://ashraj1.bandcamp.com/track/el-poder-oculto 

Tempus Fugit: https://ashraj1.bandcamp.com/track/tempus-fugit

El número 13 según el maestro vanguardista sueco HÅKAN ALMKVIST

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy hablamos de “Only Thirteen”, disco cuyo título refleja la elocuente concisión de señalar que contiene justamente trece piezas musicales. El veterano maestro sueco HÅKAN ALMKVIST se hizo cargo de todas las composiciones y todas las ejecuciones aquí plasmadas: guitarras, bajo, teclados, acordeón, samplers, loops, diversos efectos de sonido y de edición de cintas. Cabe añadir que las estructuras rítmicas de las piezas aquí contenidas también se basan en la métrica de 13 con variantes. Conocemos a ALMKVIST principalmente por el legendario ENSEMBLE NIMBUS, pero que conste que cuenta con una amplia trayectoria en varios proyectos (como LOOK OUT, IN THE LABYRINTH y ORIENT SQUEEZERS), en discos solistas y colaboraciones con otros colegas dentro de las vanguardias del rock progresivo y del jazz contemporáneo. Se trata de una obra estrictamente solista: todo lo que está contenido en “Only Thirteen” fue grabado en varias sesiones de los años 2025 y 2026, estando ALMKVIST a cargo de los procesos de mezcla y masterización. 

La serie de estas trece nuevas composiciones se inicia con ‘Big Foot’, una pieza que, desde el primer instante, ostenta un vitalismo sobriamente filtrado a través de la solemne arquitectura del groove diseñado para la ocasión. Las amalgamas armónicas enmarañadas por la guitarra y los teclados cabalgan con soltura a través del camino sonoro. Sigue a continuación ‘Insane’, pieza encargada de plasmar un clima surrealista en una cruza de nu-jazz y avant-prog tras un prólogo abiertamente neurótico. Ahora es el bloque rítmico quien impulsa al núcleo esencial del motif central mientras el acordeón y la guitarra se alternan en el posicionamiento protagónico de las florituras que emergen a lo largo del camino. El tercer tema se llama precisamente ‘Only Thirteen’ y desde las iniciales líneas de bajo muestra una fuerza de carácter bastante peculiar. Los paradigmas de KING CRIMSON, PRESENT y VON ZAMLA se confabulan en una simbiosis tan intensa como ágil. El uso de un compás complejo preserva la capitalización de la tensión inherente a la composición. Un poco más adelante, las cosas se calman para armar un puente sereno y meditabundo, el cual funciona como un recurso variado antes del retorno a la musculatura inaugural. Un cénit del álbum. La díada de ‘Argue’ y ‘Limping’ expande las múltiples posibilidades de experimentación musical trazados a lo largo y ancho de este repertorio. El primero de estos temas mencionados se explaya en uba atmósfera misteriosa generosa en vibraciones densas donde la precisión minimalista del trasfondo contrasta con la aleatoria suntuosidad de los arrebatadores ornamentos de los teclados y samplers. Es una extraña pesadilla revestida de aristocráticos mantos. En cuanto al segundo de ellos, se trata de un contraste frente a lo anterior al elaborar un ambiente distendido al modo de un viaje fusionesco con arreglos cósmicos que coquetean abiertamente con el ambient. Hay un uso muy ingenioso de truco deconstructivos cerca del final. ‘Paperman’ se aventura más a fondo con grooves y texturas extravagantes, dando un peculiar lirismo a ciertos parajes estratégicos. ‘Micha’s Kalimba’ remodela y amplía el factor fusionesco dentro de un contexto de farsa dadaísta. Lo abstracto y lo evocador se dan la mano con firmeza: los monólogos hacen gala de un humor satírico mientras el entramado de percusiones sampleadas arma el sustento idóneo para la persistente aureola etérea.

‘Trendmonger’ desarrolla una especie de cruza entre los enfoques expresionistas de los temas #1 y #3, dándose en este caso un especial énfasis en la exploración del dinamismo jazz-progresivo. Cuando llega el turno de ‘Bone Spurs’, ALMKVIST decide retomar la senda de los colores fusionescos dentro de un inquietante esquema de trabajo basado en el así llamado RIO más una amplia gama de recursos espaciales. A pesar de su patente fulgor, la pieza prescribe una ambientación misteriosa. ‘Mantis’ tiene una cierta cercanía con los paradigmas de PRESENT y ART ZOYD al elaborar un motivo oscurantista en su centro nuclear. Los aportes del acordeón desarrollan recursos de intrigante candor mientras el esquema rítmico se torna más fastuoso. ‘Sound Theory’ refuerza con pulso firme los aspectos más osados de la faceta deconstructiva del disco. Los arreglos generales se enfilan hacia lo atmosférico. ‘Stenopole’ suena como un ritual tribal donde las agitaciones rítmicas operan también como el centro temático. Contiene el que tal vez sea los solos de guitarra más  impresionantes del álbum. Los últimos 4 ¾ minutos del disco están ocupados por ‘Enigma’, pieza diseñada para honrar simultáneamente a lo más sombrío y lo más deconstructivo del repertorio íntegro. En este matrimonio de tensión y exuberancia, los índices de excéntrico esplendor se van hilando en un flujo majestuoso. Todo esto es lo que salió de la fábrica de hacer buena música del crack HÅKAN ALMKVIST con “Only Thirteen”. Dueño de una veteranía muy valiosa y una creatividad  incombustible, este señor sólo podía ofrecernos una obra excelsa y masivamente versátil. ¡¡Totalmente recomendable!!

Muestras de “Only Thirteen”.-  

Only Thirteen: https://tapmusic.bandcamp.com/track/only-thirteen 

Limping:  https://tapmusic.bandcamp.com/track/limping 

Mantis:  https://tapmusic.bandcamp.com/track/mantis    

Enigma: https://tapmusic.bandcamp.com/track/enigma

El nuevo cortejo avant-progresivo de los legendarios BUBU

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
¡Albricias! ¡El colectivo argentino BUBU regresa al ruedo con un nuevo cortejo de excelsa música avant-progresiva! De hecho, su nueva obra fonográfica se titula “El Último Cortejo” y pocas noticias tan grandiosas pueden venir a nosotros desde los cuarteles de uno de los nombres más ilustres de la vanguardia progresiva sudamericana de ayer y siempre. La alineación actual de este ensamble originado en la década de los 70 consta de Agustín “Chino” Ogura [guitarras], Daniel Andreoli [bajo], Paula Estefanía Araujo [flauta], Dante Fisi [teclados y sintetizadores], Pedro Augusto Camerata [saxo alto] y Fito Lema [batería]; se trataría del primer álbum sin violín como parte del sofisticado entramado sonoro de una banda que siempre ha gustado de sonar bastante orquestal, incluso épico. Andreoli es el compositor de todo el nuevo material. Pero para nada supone esto un decrecimiento en la creatividad ni en la exuberancia expresiva, pero ya iremos más adelante con los detalles del repertorio contenido en el disco que hoy nos convoca. Han pasado ocho años desde la publicación del disco del regreso “El Eco Del Sol”, el cual, a su vez, recobró el legado de su legendaria obra magna de 1978 “Anabelas”, un icono incuestionable de la experimentación progresiva de Argentina y el mundo entero. Volvemos al disco actual. Fue grabado en febrero y mayo del año 2026 en los estudios Moscosps y Limonero de Buenos Aires con la asistencia de Marcelo Durazzo y Sebastián Zurakoski, “El Último Cortejo” tuvo su publicación a fines del pasado mes de julio por vía del sello internacional Disques Plusqueréel con una edición limitada de 300 CD y 400 vinilos. La producción ejecutiva es de Ariel Andreoli. La mezcla estuvo a cargo de Marcelo Mascetti mientras que la masterización estuvo en manos de Diego Guerrero “Sr. Warrior”. Gala Altamare es la autora del arte gráfica. Bueno, repasemos ahora la música aquí contenida.

 
‘Camina’ pone a caminar el transcurso del álbum con un despliegue de grooves ágiles y elegantes que se van hilando mientras los índices temáticos desarrollan consistentes amalgamas dialogantes. El breve prólogo ceremonioso abre la puerta a una refinada ingeniería de policromías que se tornan bastante festivas en el último tercio. Tras este gran inicio del álbum emerge ‘Ciudad’, la pieza más extensa del repertorio con su espacio de 8 ¼ minutos. Ostenta en buena parte un aura solemne más penetrante que la del tema inaugural, aún si sus pasajes más vivaces portan una garra más pronunciada. El ensamble sabe cómo trasportar los diversos  niveles de densidad expresiva que se van sucediendo por una senda de persistente vitalismo. El epílogo es exquisitamente épico. Todo un cénit del álbum. ‘Adentro Nuestro’ tiene la misión de perpetuar los recursos de glorioso colorido de las dos piezas precedentes para ir a por todo sobre el sustento del pulcro esquema jazz-progresivo de los grooves en curso. Las maquinaciones instrumentales se asocian a paso firme mientras exploran elementos expresionistas con sólida fastuosidad. El nervio y la garra crecen con el paso de los segundos. Cuando llega el turno de ‘Originarios’, el ensamble se dispone a dejarse llevar por un cálido lirismo mientras recibe generosos ecos de la agilidad sistemática de la pieza anterior. El talante ligeramente sombrío de la sección prologar nos engañó un poco, pero una vez asentado el cuerpo central, se nos revela una innegable luminosidad; lo sombrío regresa para el epílogo bajo un manto misterioso. ‘El Tren De Las Nubes’ exhibe una alternancia entre parajes introspectivos y otros más gráciles en clave fusionesca, junto a otros tantos enmarcados en una tonalidad progresiva que van de la clave Crimsoniana a la línea del jazz-prog al modo de eso que llaman Canterbury. De hecho, este último factor es el que signa el magnífico epílogo que se luce como una aurora boreal de místico esplendor. Otro cénit del disco.

 
El sexto tema del disco es justamente el homónimo y brota con nuevos efluvios de colores radiantes y grooves sofisticados. En efecto, ‘El Ultimo Cortejo’ empieza con un despliegue  de vibraciones otoñales donde el fulgor inherente al entramado sonoro se revela relativamente difuminado hasta que se impone un instantáneo efluvio de inquietudes aristocráticas. Los milimétricos traqueteos de la dupla rítmica y las refinadas superposiciones mutuas entre la guitarra y los vientos generan un armazón aristocrático. ‘Otoño’ mantiene la lógica de la alterbancia entre la espiritualidad contemplativa y el fragor exultante. En todo caso, la pauta general la marcan las ambientaciones fusionescas que, a ratos, muestran una faz de inspiración criolla. El epílogo  avispado carga por enésima vez con la faceta festiva que forma parte de la misión estética del grupo. ‘Vuelan’ trae consigo el cierre del repertorio y lo hace con un ejerció de predominantes encuadres melancólicos donde la serenidad reinante hace lucir sus suntuosos ropajes. No faltan los momentos agitados, mas su función  fundamental consiste en realzar lo evocador, hay otro. Todo esto fue lo que la gente de BUBU nos brindó con “El Último Cortejo” para la segunda mitad del año 2026. este álbum dignifica a lo grande el paradigma histórico de BUBU y también ensalza muy solventemente el ideal de la música avant-progresiva a punta de vigor y garbo.     

 
 
Muestras de “El Último Cortejo”.-.
Camina:  https://www.youtube.com/watch?v=Oc0n_95RaA4
Ciudad: https://pqr-disquesplusquerel.bandcamp.com/track/ciudad