El cuarteto italiano AETHER y su tercera excursión por el territorio jazz-progresivo

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Hoy presentamos el nuevo disco del cuarteto instrumental italiano AETHER, el mismo que fue publicado el pasado 22 de mayo: siendo su tercera obra fonográfica, la gente de AETHER la tituló simplemente “III”. La publicación de este ítem fue producida por el sello Luminol Records. El personal está integrado por Andrea Ferrari [guitarras y teclados], Andrea Grumelli [bajo sin trastes], Andrea Serino [piano eléctrico Fender Rhodes y teclados] y Matteo Ravelli [batería y efectos electrónicos]. Fundado a fines del año 2021 en Milán, el grupo se dedica a desarrollar un híbrido de jazz-rock contemporáneo, rock progresivo y post-rock con una importante presencia de ornamentos propios del ambient electrónico: un eclecticismo aventurero signado por la búsqueda de elegancia máxima para el enfoque experimental contemporáneo de las pautas generales del discurso jazz-progresivo. Todo ellos individualmente tienen amplia experiencia en otros grupos y proyectos dentro de las áreas del rock psicodélico, el heavy metal, el jazz-fusion y la música académica; dicho sea de paso, Grumelli y Ravelli también forman parte del ensamble I SINCOPATICI. En el disco que hoy nos ocupa, el cuarteto cuenta con las ocasionales colaboraciones de Claudio Milano (recitación) y Rosarita Crisafi (flauta). Las sesiones de grabación tuvieron lugar en los Guscio Recording Studios y el ulterior proceso de mezcla se hizo en los Distant Zombie Warning Studios. Veamos ahora los contenidos específicos de “III”.

El repertorio de “III” empieza con ‘Oort Cloud’, tema que aprovecha su espacio de poco más de 6 ¼ minutos para plasmar una interesante exhibición de recursos estilísticos. Comenzando con un clima expectante donde lo misterioso y lo espectral se fusionan en una sola fuerza expresiva. De este modo, se nos devela un ejercicio de atmósferas sombrías que se toma su tiempo para arribar a la espiritualidad aguerrida y densa donde la locación sónica se empieza a estructurar cabalmente. La fraternidad de jazz-prog y post-rock gana nervio con la incorporación de elementos de tipo Zeuhl. ‘Vogon’ sigue a continuación para expandir la presencia de grooves jazzeros y lo hace con una prestancia renovada que se siente bastante fulgurosa. Así, nos damos cuenta de que el grupo está bien dispuesto a explotar su faceta más extrovertida, algo que se resalta particularmente cuando entra a tallar un intenso solo de guitarra, el mismo que introduce inteligentes retazos psicodélicos en un contexto jazz-rockero. El canto de Milano añade un aura de exquisita extravagancia al asunto, es muy efectivo a despecho de su brevedad. En líneas generales, el bloque instrumental suena a un híbrido de WEATHER REPORT y SUN RA, añadiéndose algunas cercanías (posiblemente involuntarias) con grandes nombres del jazz-prog escandinavo actual como KROKOFANT y ELEPHANT9. ‘Cinq Teintes, Quatre Cadres’ se explaya por un espacio de casi 8 ¾ minutos. Tras una sección prologar de talante ambient, la intervención de un estilizado solo de sintetizador dirige la senda hacia un cuerpo central evocador que se deja arropar por una espiritualidad etérea. Hay un nervio operante bajo la capa de retazos flotantes que sabe cuándo dar indicios de sí mismo en medio del meticuloso entramado instrumental, el cual desarrolla una ambientación crepuscular sobre el sustento de un compás atípico en clave lenta. La guitarra exorciza efluvios expresivos de Allan Holdsworth y Larry Coryell en simultáneo mientras las cosas se orientan hacia un primer clímax, un arrebato inquieto y absorbente cuyo abrupto final abre la puerta a la sostenida emergencia de un nuevo motif, esta vez, con la mira puesta en la guía del piano eléctrico. Mientras tanto, el groove se torna aún más sofisticado, generando un clima cuasi-Crimsoniano para el armazón instrumental general. Bastante reveladora esta secuencia de los tres primeros temas del álbum, siendo ‘Cinq Teintes, Quatre Cadres’ un cénit fundamental del álbum como un todo. 

‘La Mélancolie Du Petit Prince’ comienza con una plenitud de vibraciones meditabundas bajo la guía de las bases armónicas del piano, las mismas que se benefician de las puntuaciones precisas del bajo. Mientras avanza el desarrollo temático, el talante contemplativo de la composición asume una creciente densidad y su aureola expresiva se hace más tensa. La permanente exquisitez del lienzo sonoro alcanza un brío de desahogo ante de que las últimas escalas del piano regresen a la calma inicial. Cuando llega el turno de ‘Panta Rei’, el ensamble se dispone a crear un híbrido de los temas #1 y #3 con un especial énfasis en el desarrollo de climas contemplativos. El tránsito de una inicial espiritualidad distante hacia una incandescencia estilizada se realiza con un refinamiento aristocrático donde el entramado colectivo funciona como un solemne palacio de acogida para el núcleo temático. Cuando irrumpe el solo de guitarra, la intensidad resultante dentro del bloque íntegro adquiere una cualidad avasalladora con un ademán cautivante. ‘Swerve’ trae consigo el cierre del repertorio, erigiéndose como la pieza más extensa del mismo con sus cerca de 10 ¾ minutos de duración. Tal como se insinuaba en la secuencia de las tres piezas precedentes, el ensamble juega al unísono con la tradición del jazz-fusion de los 70 y las nuevas formas del jazz-rock experimental con añadidos enclaves de prog vanguardista. Tras unos iniciales coqueteos sistemáticos con lo parsimonioso, la banda crea espacios para la gestación y la gestión de un nervio sónico bastante cercano al Zeuhl-fusion (ESKATON, ONE SHOT y ZAO, por ejemplo) una vez pasada la frontera del quinto minuto. La exuberancia de la batería y el talante sofisticado del bajo se unen para sustentar compactamente al enclave musical en curso. Tres minutos después, las cosas se calman un poco para abrir campo a una placidez señorial de raigambre progresiva. Ahora prima una candidez melódica meticulosamente perfilada. Los trazos del campo de aterrizaje están perfectamente delineados para este excelente fin del álbum. Todo esto fue lo ofrecido en “III” desde los cuarteles del cuarteto italiano AETHER: en ésta, su tercera excursión por el territorio de la música jazz-progresiva, el mencionado grupo logra.

Muestras de “III”.- 

Cinq Teintes, Quatre Cadres: https://aether5.bandcamp.com/track/cinq-teintes-quatre-cadres 

Swerve: https://aether5.bandcamp.com/track/swerve

El sexto protocolo del maestro SIMON PHILLIPS

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Tenemos en nuestras manos lo nuevo del maestro SIMON PHILLIPS, veterano baterista-percusionista británico de larga trayectoria en todo el mundo en varias áreas del jazz y del rock, y cómo no, un as con nombre propio en la escena jazz-rockera desde fines de los 80 hasta ahora. El nombre de su nuevo disco solista es “Protocol 6”, habiendo sido publicado el 5 de junio pasado por el sello Phantom Recordings. En él le acompañan Ernest Tibbs al bajo, Otmaro Ruiz al piano y los teclados, Alex Sill a la guitarra y Phillip Whack al saxofón alto. Los temas contenidos en “Protocol 6” fueron grabados en el estudio Carbonita Sound de Ojai, California, con excepción de las partes de piano, que se registraron en el estudio Otmatik Sound de Santa Clarita (también en California). PHILLIPS se encargó de la mezcla en su estudio Phantom Recordings; la ulterior labor de masterización estuvo en manos de Richard Dodd. Parece mentira que haya pasado tanto tiempo desde aquel año 1988 cuando PHILLIPS publicó su EP de debut “Protocol” y ya en 2026 tenemos a este álbum que sucede a “Protocol V” por seis años. El disco que hoy nos ocupa es el séptimo de larga duración en la trayectoria solista del buen SIMON (con la atingencia de que posteriores reediciones de “Protocol” en CD lo convirtieron asimismo en un trabajo de larga duración) y ya es hora de revisar los detalles de su contenido.

‘Andromeda’ da el rumbo inicial al repertorio con un vivaz despliegue de colorido que, a cada instante, encapsula infinitas dosis de elegancia. Comenzando con unas cadencias de piano, se prepara meticulosamente el surgimiento de un swing vivaz sobre un tempo razonablemente complejo. El dúo de guitarra y saxofón instaura el motif central mientras la batería sustenta la ingeniería global con impecable pulso. A lo largo del trayecto, el vigor reinante preserva una sobriedad exquisita; claro está, hay momentos durante los respectivos solos de guitarra y saxofón donde el fulgor se intensifica sistemáticamente. Muy bien aprovechado este espacio de 6 ¾ minutos. ‘Unstable Grounds’ sigue a continuación para estabilizar la estrategia estilística del ensamble y lo hace con un coqueto despliegue de vibraciones funky que reconocemos de la larga tradición del jazz-fusion desde mediados de los 70. La agilidad es mas relajada y la gracilidad heredada de la pieza inaugural se torna un poco más punzante. Los inteligentes juegos de síncopas de la batería animan el corazón de la ciudadela sónica edificada por los músicos y el luminoso solo de sintetizador la inunda de gracia y prestancia. ‘Intrepid Traveller’ se mete en la zona de atmósferas etéreas y ramificaciones melódicas delicadas sin sacrificar un ápice del señorío extrovertido que se ha venido desarrollando en los dos temas anteriores. El saxo parece dirigir el centro temático mientras la guitarra espera el momento para resaltar un solo refinado y grácil. Aquí funciona un híbrido entre los YELLOWJACKETS de los 80 y el PAT METHENY GROUP de los 90 con una adición de matices propios del jazz-rock melódico de las últimas décadas. Cuando llega el turno de ‘As The River Flows’, PHILLIPS y sus ilustres compinches se embarcan en un exquisito viaje fusionesco donde la interacción entre el swing tribal de la batería y las delicadas primeras líneas de la guitarra acústica preparan el terreno para una exhibición de relajados fulgores vespertinos. Los respectivos solos de piano y de saxofón enriquecen el foco temático con cristalina pericia; mientras tanto, la guitarra acústica saca buen provecho de su momento de destaque, lo cual permite que se realce el embrujo inherente a la composición.

‘Code 4 Kryptos’ se asienta sobre una ingeniería rítmica compleja donde predomina el tempo de 5/4. La agilidad colectiva da sobrias muestras de carácter mientras va forjando una nueva exhibición de exquisitez jazz-rockera. Nos sentimos familiarizados con los nexos estilísticos con RETURN TO FOREVER que se abren paso mientras la pieza va desplegando el centro temático y sus variantes sucesivas guiadas por los solos de guitarra y de saxofón. En lo referente al hermoso y breve solo de sintetizador, se devela dentro de un clima sereno que brinda un efímero relax en medio del colorido predominante. Siendo la pieza más extensa del repertorio con sus 14 minutos y pico de duración, ‘Event Horizon’ se erige como la manifestación más épica de la logística comunitaria; de hecho, se puede advertir en varios pasajes la actitud de coqueteo con la estilización melódica del prog sinfónico. Todo empieza con una atmósfera meditabunda apoyada en las bases armónicas de piano, las mismas que arman un cobijo para un solo introductorio de saxo. Una vez armada la coalición íntegra de los instrumentistas, emerge una agilidad fulgurosa y cándida que hace justicia a la cálida expresividad del núcleo temático. Cabe destacar el solo de guitarra, el cual oscila entre la soltura vibrante de un Coryell y la bizarra hidalguía de un Holdsworth. Sobre la frontera del sexto minuto, las cosas se calman para regresar a los retazos etéreos de la introducción, los cuales pronto articulan un motif reposado donde se impone una espiritualidad crepuscular. El teclista asume aquí un rol rector cuando, en primer lugar, realiza una serie de efluvios de piano con los que agita un poco las aguas de esta marea razonablemente calmada, siendo así que se va preparando el camino para el arribo de una nueva sección animada; es aquí que, el segundo lugar, el solo de sintetizador instaura el primer recurso de entusiasmo expresivo para el nuevo escenario. Siguen adelante los sucesivos solos de saxofón, guitarra y sintetizador para reforzar esta nueva luminosidad y provisionarla con un vigor reconstructivo. La acuciosa labor de la batería en manos del capitán PHILLIPS resulta crucial para mantener este clímax y guiar el camino hacia el solemne epílogo, el cual termina aterrizando en el recogimiento inicial. El cierre del álbum llega de la mano de ‘Sundown In Old Town’, pieza centrada en la exhibición de aires noctámbulos tal como se indica en el título. La gentileza propia del hermoso centro melódico explota su encanto particular bajo la guía del saxofón; en el intermedio, los solos de piano y guitarra realzan el embrujo grisáceo en curso. 

Todo esto fue lo que se nos brindó con “Protocol 6” desde los cuarteles musicales del maestro británico SIMON PHILLIPS, un veterano que preserva certeramente la lozanía creativa y todavía sabe añadir recursos renovadores a su muy proba sabiduría performativa. Todo un acierto asociarse con los también maestros que le acompañan en esta nueva expansión protocolaria, y más acierto es plasmar a la perfección la magia inherente a este nuevo catálogo de composiciones. ¡¡Totalmente recomendable!!

Muestras de “Protocol 6”.- 

Andromeda: https://www.youtube.com/watch?v=ub4_wbiXwPU  

Intrepid Traveller: https://www.youtube.com/watch?v=aBOhnl5V2mQ 

Event Horizon: https://www.youtube.com/watch?v=U9eQNbcbOhI

Los nuevos pasos del ensamble jazz-progresivo noruego RED KITE

 

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Nos llegan buenas noticias desde los cuarteles del ensamble jazz-progresivo noruego RED KITE: su nuevo trabajo fonográfico “This Too Shall Pass” ha salido al mercado el 19 de junio pasado – hace muy poco – en su blog de Bandcamp tras un largo tiempo de espera desde su segundo álbum “Apophenian Bliss” del año 2021. El sello Is It Jazz? Records se hará cargo de la publicación física, tanto en CD como en vinilo  el 26 de junio próximo. La alineación vigente de RED KITE consta de Even Hermansen [guitarras], Trond Frønes [bajo], Torstein Lofthus [batería] y Gisle Johansen [saxofón]. El teclista cofundador Bernt André Moen estuvo en estos últimos años padeciendo una grave enfermedad que le obligó finalmente a abandonar este proyecto. Además, el padre del guitarrista estuvo internado por culpa de varias enfermedades acumuladas. También murieron algunos amigos de la banda y el gato de uno de los mejores amigos del guitarrista, de quien sólo se recuperó una pata; esto explica que varias piezas del nuevo álbum tengan un norte expresivo un tanto sombrío, tal como veremos más adelante. De todas maneras, el cuarteto actual  supo remodelar su energía de siempre y recibió el apoyo ocasional del teclista Ståle Storløkken (a quien conocemos principalmente de ELEPHANT9) para seguir aferrado a su esquema sonoro habitual. Hermansen es el autor de todos los temas salvo uno donde comparte créditos con el saxofonista Johansen. Y pensar que éste sólo iba a ayudar en unos temas, pero finalmente pasó a ser integrante a tiempo completo. Su presencia permite a RED KITE crear algunas cercanías estilísticas con FIRE! y KROKOFANT. Dag Erik Johansen se hizo cargo de la ingeniería de sonido y la mezcla en el estudio Athletic Sound, mientras que Espen Høydalsvik hizo lo propio con la masterización en el estudio OSLO:Fuzz. Per Spjøtvold es el autor de las imágenes y el diseño gráfico. 

 

El repertorio de “This Too Shall Pass” empieza con ‘Not To Be’, una pieza ceremoniosa atravesada por una intensiva aureola de melancolía. Tras una envolvente introducción de piano eléctrico, el ensamble arma un viaje introspectivo bastante conmovedor, siendo así que se arma un crescendo exquisito. ‘Requiem For Bolla’ sigue a continuación para perpetuar una versión incrementada de las vibraciones introvertidas plasmadas en el tema inaugural.  Esta vez, los recursos de densidad expresiva se atenúan para realzar cristalinamente la prestancia evocadora inherente al índice temático. A propósito, Bolla era el nombre de la mascota muerta a la que hicimos alusión en el primer párrafo de la presente reseña. Durando 14 minutos (o casi), ‘Texas Of Sweden’ se erige como la pieza más extensa del álbum. Concretamente, su función consiste en trazar la faceta más extrovertida del ideario musical del ensamble. El uso de un swing complejo y el armado de un bloque instrumental vivaz aseguran la gestación de un robusto híbrido de jazz-rock y punk-jazz a paso firme. Las agitaciones del saxo en su solo son absorbentemente radiantes. A mitad de camino, las cosas se suavizan un poco a fin de resaltar las texturas ocultas del entramado colectivo, pero se trata sólo de un puente hacia un nuevo explayamiento intenso. A poco de llegar a la frontera del décimo minuto, el grupo realiza un foco incendiario donde el potencial factor prog-psicodélico entra a tallar con convincente vigor. Especial mención para la batería, cuyas estilizadas agitaciones sustentan la implosión comunitaria con un swing sumamente complejo. Todo un cénit del disco. ‘No Safe Harbour’ se enfila por una solemnidad oscurantista donde la tormenta jazz-progresiva en curso entra en franco diálogo con el tenebrismo de estilo chamber-rock. La explícita  parsimonia es abiertamente belicosa, una furia angustiosa que se adentra por las sinuosas cavernas de un limbo que no se sabe si es interior o externo a paso apelmazado, y justo eso lo hace sonar más ominoso. Imaginemos una composición de PRESENT filtrada a través del patrón de la MAHAVISHNU ORCHESTRA bajo la guía de los KING CRIMSON de 1974: así suena esto.
 
‘For Ugly Ducklings’ establece un lúcido juego de texturas bajo el mando de las delicadas líneas del saxofón, siendo así que una vez integrado el ensamble completo en la acción, se concreta un vitalismo aristocrático a través de una compleja arquitectura rítmica. La batería se sitúa en la misma línea fronteriza entre el orden y el caos mientras sostiene la ingeniería grupal con sumo ingenio. Cuando llega el turno de ‘Bernt’, el ensamble desarrolla un nuevo ejercicio de excelsas sonoridades focalizadas en los elementos más suntuosos de su ideario estético. Todo lo de los dos temas anteriores es reemplazado por una vivaz algarabía que fluye sueltamente a través de una ingeniería acuciosamente sofisticada. La punzante urgencia de la guitarra y el órgano halla su complemento idóneo en la aristocrática musculatura de la batería. Otro momento culminante del disco, y uno que asienta decisivamente el posicionamiento estético del ensamble. ‘Broken Heart And Broken Bones’ es una relativamente breve exploración en un paisaje calmado y solitario que se deja arropar por una gentil neblina. El talante nostálgico se impone sin aspavientos, se basta con su delicada sencillez. Le sigue ‘All’s Well That Ends’, quien trae consigo el cierre del repertorio. Portando uno título tan ingenioso, se trata de una mirada profunda a las atmósferas noctámbulas que ya ha se hicieron presentes en la pieza precedente. Contando esta vez con un bloque instrumental más lleno, la composición despliega solventemente su encanto esencial. El tiempo de ausencia de RED KITE pasó y ahora, con el arribo de su nueva obra “This Too Shall Pass”, el colectivo noruego anda sus nuevos pasos dentro de la escena jazz-progresiva noruega. Y vaya si tienen firmeza estos pasos nuevos. Un disco totalmente recomendable para cualquier colección actualizada de propuestas visionarias dentro del jazz-rock contemporáneo y el rock progresivo. 

 
 
Muestras de “This Too Shall Pass”.-
Not To Be: https://thisisredkite.bandcamp.com/track/not-to-be
Texas Of Sweden: https://thisisredkite.bandcamp.com/track/texas-of-sweden
Bernt: https://thisisredkite.bandcamp.com/track/bernt

Nuevas muestras de lucidez y claridad desde el templo avant-progresivo de ASCETA

 

 
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Muy buenas noticias desde la esfera sudamericana de la esfera progresiva de alta vanguardia: el ensamble chileno ASCETA publicó a mediados de este mes de junio su tercer disco titulado “The Fool Leading The Blind” por vía del sello italiano Lizard Records. El colectivo conformado por Alfonso Vergara [clarinetes], Cristián Peralta [cellos], Arianne Guerra [viola], Eduardo Rubio [bajo], Leonardo Saavedra [batería y percusión], Jorge Bugueño [piano eléctrico], Alejandro Vera [fagot] y Rodrigo Maccioni [guitarra, sintetizador y flauta] nos trae con éste, su tercer disco, una serie de observaciones críticas sobre los fundamentalismos populistas y el lamentable declive de las instituciones democráticas contemporáneas. Ocasionalmente, el grupo tuvo la colaboración de pascal Montenegro al corno inglés. El material contenido en “The Fool Leading The Blind” fue compuesto por Maccioni. Las sesiones de grabación tuvieron lugar a fines del pasado año 2025 en los Estudios Paraíso de Santiago de Chile. El propio Maccioni y Juan Francisco Aguilera se hicieron cargo de la mezcla, mientras las labores de masterización estuvieron en manos de Udi Koomran en The Pergola Studio. Claudio Ahumada es el autor del arte gráfica. ASCETA concreta en este disco un enfoque más enérgico y electrizante de su bien asentada propuesta de chamber-rock progresivo, pero es mejor que revisemos ya los detalles del disco que hoy nos ocupa.

 

La maratón homónima abre el disco haciendo gala de su monumental espacio de 21 ½ minutos. Generando un aura minimalista, ‘The Fool Leading The Blind’ comienza con un despliegue de nervio oscurantista que, de a pocos, gesta un colorido sólido directamente emparentado con el ideario de los UNIVERS ZÉRO en su tres primeros discos. Ya pasada la frontera del segundo minuto, surge un swing reconocible que se asiente cómodamente en una ceremoniosidad grácil, la cual se habrá de revestir de una mágica agilidad poco antes de llegar a la barrera del cuarto minuto; es aquí que el ensamble devela ante nuestros oídos el rompecabezas de un paisaje perturbador revestido de majestuosidad. Aún cuando la batería se detiene en algunos pasajes, las vibraciones extrovertidas ya están sueltas para armar una ingeniería tenebrosa marcada por una elegancia sublime. Las puntuaciones del piano, las cadencias de los vientos y el carácter sofisticado de la arquitectura rítmica garantizan la persistencia de una vivacidad bizarra donde el recio rigor colectivo abre espacios calculados a los lucimientos individuales del fagot, el clarinete y la viola. Poco antes de llegar a la frontera del noveno minuto, un groove más contenido permite al bloque instrumental recurrir a una aureola solemne de tensa calma antes de que otro pasaje vivaz abra un espacio para el lucimiento de la guitarra: su solo es breve, pero deja una huella eficaz dentro del entramado general, el mismo que incrementa las dosis de polenta avant-jazzera a su estructura musical. ya cuando llegamos a la frontera del duodécimo minuto, la catadura sónica nos remite a los UNIVERS ZÉRO de 1984-86 merced a la sistemática ampliación del colorido musical. Para los dos últimos minutos, la banda segura una extrovertida algarabía con su adecuada cuota de tensión. ¡Gran apertura de álbum! ‘When They Arrive’ sigue a continuación para perpetuar el aura aristocrática de la suite inaugural y darle una dosis extra de vigor expresivo. Tras un prólogo deconstructivo, el ensamble gesta y dirige un maderamen distinguido donde la vitalidad inherente a la composición se desarrolla con una recta disposición sobria.

 

‘Temple Of Mirrors’ asume inicialmente una ceremoniosidad más grisácea, explorando una serie de matices tenebristas cuyos retazos lóbregos son manejados con lúcida exquisitez. La sólida interacción entre los vientos asegura que los aportes de los demás instrumentos puedan destilar sus propios matices dentro de una ingeniería muy bien perfilada. Ya a mitad de camino, el esquema sonoro manifiesta una renovadora vivacidad que, a pesar de mantener algunas intuiciones lúgubres en su espiritualidad, vira convincentemente hacia un área más esplendorosa. El epílogo regresa a la inquietud arcana en clave expectante. ‘Everything Stopped’ es, en muchos sentidos, una explosión combativa de varios de los elementos más urgentes e incendiarios que permanecieron latentes en varias de las piezas precedentes, retomando en una cantidad menor de tiempo varios aspectos enfáticos de la suite homónima. Bien es verdad que el potencial explosivo de los grooves y atmósferas centrales de la pieza en cuestión se revelan de forma dosificada, pero esto no oculta el hecho de que hay una nueva garra en curso que se inserta directamente en una agudeza tanática. Incluso hay ciertos parajes líricos cuya hermosa prestancia funciona muy bien a la hora de perfilar y consumar esta nueva intensidad. Otro cénit  relevante. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘Memento Mori (Remember That YouWill Die)’, el tema más fulguroso del disco, animado por un vitalismo centelleante donde la agilidad de la dupla rítmica y los dibujos musicales de las maderas dirigen el trayecto por una senda muy dinámica. Los diversos esquemas melódicos fluyen por corrientes argénteas mientras los armazones comunitarios de los instrumentos se encargan de darles vida concreta con exquisito punche. Todo esto fue lo que se nos brindó con ‘The Fool Leading The Blind’ desde el templo avant-progresivo de ASCETA, una magna obra de chamber-rock para la escena musical contemporánea de Chile y todo el mundo. El 15 de julio es la fecha oficial del lanzamiento del CD y desde ya nos consta de que se trata de un ítem muy destacado dentro del presente año 2026, así de grande es su preclara lucidez.

Muestras de The Fool Leading The Blind.-

Temple Of Mirrors: https://www.youtube.com/watch?v=9-C6I4b348g

Everything Stopped: https://www.youtube.com/watch?v=JcAuCARu7Is 

El maestro italiano FABIO ANILE y sus minuciosas exploraciones en el jazz-prog contemporáneo

 

 
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy presentamos el disco “Minutiae” del músico y compositor italiano FABIO ANILE, el cual se publicó a fines de marzo del presente año 2026. ANILE se hace cargo de los pianos acústico y eléctrico Fender Rhodes V8, el sintetizador, la guitarra eléctrica y algunas percusiones étnicas (thelevi y shakers, más específicamente). Sus colaboradores más recurrentes son el contrabajista Keith Lowe y el baterista Agostino Marangolo. También se registran colaboraciones puntuales de los guitarristas Samuel Hällkvist, Michael Peters, Stephan Thelen y Bernhard Wagner, Jon Durant (guitarra eléctrica y Cloud Guitar) y el bajista Fabio Trentini. Todos los temas contenidos en “Minutiae” fueron compuestos por ANILE con la excepción de uno que fue coescrito con Stephan Thelen. Los registros de grabación se repartieron en varias locaciones de Italia, el Reino Unido, los EE.UU., Canadá, Alemania, Suiza y Suecia: el proceso de mezcla estuvo en manos de Stefano Castagna en los RitmoeBlu Studios (Pozzolengo, Brescia), en mayo de 2025; al mes siguiente, Dana White realizó la masterización en el estudio Specialized Mastering de Portland. El arte gráfica es de la autoría de Petulia Mattioli. Ya, de una vez, revisemos los detalles estrictamente musicales del contenido de “Minutiae”

 

El repertorio de “Minutiae” se inicia con ‘Compás’, cuya amalgama inicial de percusiones leves y palmas instaura las bases iniciales del que será el swing primordial sobre el que se ha de desarrollar el centro temático. Los efluvios del piano inauguran una exhibición de atmósferas híbridas de lo hispánico y lo criollo-latinoamericano; mientras tanto, pasan los segundos y minutos y nos damos cuenta de que la dupla rítmica va ganando gradualmente en vigor, sabiendo en qué momentos estratégicos hay que detener el paso y volver a la sutileza inicial. Los retazos de guitarra y contrabajo emergen con una actitud flotante suficientemente efectiva como para añadir una magia especial al bloque sonoro. ‘Dance’ sigue a continuación para trasladar las vibraciones fusionescas elaboradas en la pieza inaugural hacia un terreno más arquitectónico. Usando un enfoque tirado hacia el minimalismo y con un lugar prominente para los sonidos de marimba(producto de un sintetizador), el ensamble arma una aureola contemplativa que, de a pocos, asume ciertas cadencias tribales aunque lo que se impone aquí es la asertividad de un groove bien definido. En este sentido, es patente que la batería debe tener cierto protagonismo dentro del armazón musical, y ciertamente, ella aprovecha su estatus para lucir algunos ornamentos sofisticados en varios momentos. La dupla de ‘Foglie Morte’ y ‘Mysterious Counterpoint’ permite a ANILE y sus aliados de turno explayarse en las paletas sonoras diseñadas para el disco. El primero de estos temas mencionados presenta una envolvente exhibición de serenas cadencias impresionistas. Bajo el liderazgo de los calmos oleajes del piano, el ensamble arma un relajante paisaje crepuscular con absoluta solvencia en menos de 4 minutos. En cuanto al segundo, se trata de una declaración de principios sobre lo que dice su mismo título: su esquema compositivo se centra en el armado de contrapuntos entre piano y batería mientras exhibe una espiritualidad misteriosa. Ésta se torna un poco más extrovertida poco antes de llegar a la frontera del cuarto minuto, pero mantiene esa aura distante que se erige como el clamor central del desarrollo melódico. Los ornamentos de guitarra y contrabajo sirven para aportar recursos de sobria tensión a un bloque temático que sabe preservar incólume su epicentro testimonial. 

 

Cuando llega el turno de ‘More Than 12’, ANILE y sus compañeros de viaje se refugian  inicialmente en la faceta más introspectiva del paradigma del jazz vanguardista contemporáneo. Vemos aquí varias incidencias de los legados del Keith Jarrett más intimista y del Herbie Hancock más impresionista dentro de una ingeniería bien determinada. Basta una indicación de la batería a poco de pasada la frontera del cuarto minuto para que la pieza vire hacia una expansión cósmica de psicodelia progresiva: ahora mismo, el swing jazz-rockero sirve fundamentalmente como punto de referencia para los vuelos estratosféricos planeados por la guitarra mientras el nuevo resplandor se expande a sus anchas. La sección epilogar aterriza en una neblina introspectiva que nos recuerda a la larga fase inicial. ‘Planet Nine (Orbits)’ sigue inequívocamente las señas cósmicas que implosionaron grácilmente durante la segunda mitad de la pieza precedente y las hace un poco más explícitas desde el punto de partida. Una prolongada aura expectante sirve para que el etéreo enmarañamiento de las escalas de piano y de guitarra mantenga una consistencia psicodélica sobre el trasfondo de una estilización progresiva. ‘Shifting Trains’ trae consigo eles cierre del repertorio y es la pieza más extensa del mismo con su espacio de casi 10 ¼ minutos. Su principal propósito consiste en reactivar el surrealismo cósmico del tema predecesor para sacarlo de su coraza y ampliar los espacios concretos de su fulgor potencial. Las intervenciones de los guitarristas invitados se ajustan a una proyección colectiva donde se hermanan prog ambient y math-rock mientras se añaden ciertos trazos de eso que suelen llamar nu-jazz. Ya en el último tercio, la soltura grupal es aristocráticamente patente, coqueteando con lo jovial a través de lo contemplativo. El remanso de las capas sintetizadas finales forjan el cierre perfecto para este cénit definitivo del álbum. Todo esto fue “Minutiae”, un manifiesto preclaro del genio creativo de FABIO ANILE: tal como quedaron plasmadas sus minuciosas exploraciones en las infinitas posibilidades del jazz-prog contemporáneo, este disco se destaca como un ítem muy recomendable en cualquier fonoteca focalizada en la música aventurera de ayer, hoy y siempre.

 
 
Muestras de “Minutiae”.-
Compás: https://fabioanile.bandcamp.com/track/comp-s-2
More Than 12: https://fabioanile.bandcamp.com/track/more-than-12-2
Shifting Trains: https://fabioanile.bandcamp.com/track/shifting-trains-2
 

A través del infinito musical con el grupo germano-estadounidense ELDER

 

 
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy nos complace presentar lo nuevo del grupo ELDER, ese colectivo prog-psicodélico que surgió en los EE.UU. y que ya lleva varios años asentado en Alemania y operando como un ensamble germano-estadounidense. El nuevo trabajo se llama “Through Zero” y fue publicado el pasado 29 de mayo – hace muy poco – en CD, casete y vinilo doble (formatos verde humo, naranja salpicado, naranja ondulante, naranja-amarillo y rojinegro marmoleado). Casi todos estos formatos de vinilo fueron publicados por el sello Blues Funeral Recordings, mientras que el último salió por el sello Stickman Records. El cuarteto conformado por Nicholas DiSalvo [guitarras, sintetizador y voz], Jack Donovan [bajo], Michael Risberg [guitarras, piano eléctrico Fender Rhodes y guitarra slide] y Georg Edert [batería y percusión] vuelve a hacer gala de su gran creatividad para enfocarse en una propuesta rockera tan muscular como distinguida. El material contenido en “Through Zero” fue grabado en el Big Snuff Studio, estando Richard Behrens a cargo de la ingeniería de sonido; hubo sesiones adicionales de grabación dirigidas por Fabien de Menou. El proceso de mezcla estuvo a cargo del mencionado Behrens junto al mismo cuarteto ELDER, mientras que la labor de masterización estuvo a cargo de Carl Saff. El arte gráfica es de la autoría de Adam Hill. Parece mentira que este grupo emergido en la zona costera del estado de Massachusetts ya tenga dos décadas de existencia. Y es que muchas cosas sucedieron en todo este tiempo, un periplo rico en experiencias que desde hace varios años tiene al grupo como una entidad multinacional afincada en la misma capital alemana de Berlín, donde las actividades de sus integrantes de origen estadounidense se han multiplicado en otros grupos paralelos. Para éste, su octavo trabajo de larga duración, ELDER sigue cultivando su propuesta de heavy prog alimentada por eclécticos acercamientos a los discursos del prog-metal, el space-rock y el stoner. El título del disco alude al proceso de ingeniería de sonido donde una frecuencia es capaz de pasar al nivel cero y continuar a través de índices negativos. Adelantamos que “Through Zero” es su obra más lograda en cuanto a la expansión de recursos sonoros: veamos los detalles de su contenido.
           

‘Sigil To Ruin’ ocupa los 10 ½ minutos iniciales del repertorio y su impulso inicial ostenta unas genuinas vibraciones aguerridas que se traducen fluidamente a unos juegos de cadencias bastante elegantes y una estructura melódica lúcidamente elaborada. El swing es lo suficientemente complejo como para instalarse sólidamente en un terreno intermedio entre el prog-metal y el jazz-rock contemporáneo con su oportuna cuota de matices psicodélicos. Con su manejo equilibrado de claridad melódica y densidad sistemática, la banda establece nexos estilísticos con otras entidades tan disímiles como KAYO DOT, RIVERSIDE, ANEKDOTEN y PORCUPINE TREE mientras preserva la coherencia del motif central a lo largo de un tiempo bastante prolongado. Sigue a continuación ‘Capture/Release’, pieza que se inicia con un armazón electrónico no muy lejano al estándar de los TANGERINE DREAM de inicios de los 80, pero cuando entra a tallar el entramado de guitarras, bajo y batería, se nos revela un ejercicio de compleja agilidad dentro del estándar del prog-metal con bases sinfónicas modernizadas. Es como si una composición de ARENA hubiese sido remodelada por DREAM THEATER bajo la guía de. los LEPROUS de 2017 en adelante. El canto es evocador e invita fácilmente a la complicidad de parte del oyente; por su parte, la batería ostenta una precisión excelente en sus grooves mientras mantiene un talante puntilloso. La tercera pieza del disco es la que justamente le da título. ‘Through Zero’ pone toda la carne rockera en la parrilla desde el punto de partida, señalando el swing a medio tiempo con un tempo inusual sobre el cual se habrá de concretar el desarrollo temático. La compleja ingeniería rítmica gestada por la batería y los creativos apuntalamientos del bajo aseguran los cimientos globales sobre los que irán emergiendo las diversas bases armónicas; los solos se encargan mayormente de azuzar el fuego rockero en momentos estratégicos, pero, sin duda, es la batería, con sus guiños al jazz-rock en varios pasajes, quien ocupa el centro protagónico del bloque colectivo. El espíritu expresivo de esta canción recibe varios ecos de la primera, pero con una mayor dosis de fulgor y un mayor espacio para trabajar los contrastes. Un cénit decisivo del álbum.

‘Strata’ es el tema más extenso del repertorio con sus 10 ¾ minutos de duración y su núcleo expresivo recoge ecos de varias instancias precedentes. La secuencia sintetizada que cerró la canción homónima sirve de puente para la instalación del vivaz groove inicial de ‘Strata’, que empieza exhibiendo una cruza entre los PORCUPINE TREE de inicios de milenio y la faceta más fastuosa de THE PINEAPPLE THIEF 2018-22. Poco antes de llegar a la frontera del cuarto minuto, la canción vira hacia una pesadez más metódica, un factor que obliga a la canción a tomar un rumbo más imponente con un aura aristocrática que emana de las metrallas de las guitarras: esto destapa un complejo ejercicio instrumental prog-metalero en una ilación de variados motivos donde también hay campo para introducir algunos elementos de talante stoner. Para la última sección cantada, el frenesí rítmico decrece un poco para que la canción asuma una actitud más otoñal y, de esta manera, se pueda preparar el terreno para que las capas finales de sintetizador gesten una coda misteriosa, la misma que inicia el turno de ‘Sight Unseen’. Aquí se centran los músicos en la elaboración de un crescendo melancólico que raya con el así llamado post-rock mientras la batería se complace en marcar algunas pautas jazz-rockeras. Una vez definido el núcleo temático, las secuencias sintetizadas basadas en el ambient-prog entran a tallar con la disposición de establecer una fraternidad con las bases armónicas de las guitarras duales y el bajo. La batería sigue haciendo virguerías finamente calculadas con la mira puesta en hacer que este viaje instrumental vaya ganando en extroversión mientras pasan los minutos. Poco antes de llegar a la frontera del quinto minuto y medio, el esquema sonoro regresa a la pesadez aristocrática que ya conocemos bastante bien. El matrimonio de garra metalera y electrónica culmina con una explosión contundente desde la cual emerge una vaga luz de amanecer invernal. ‘Blighted Age’ trae consigo el cierre del álbum y comienza con unas calmadas escalas de guitarras acústicas sobre las cuales se sitúa un canto evocador. La pronta emergencia de un loop de batería abre la puerta al arribo de una batería de verdad mientras el entramado instrumental se prepara para la articulación de un nervio particular para este tipo de composición: se espera algo ceremonioso marcado por una fuerza contenida donde el empuje emocional sea más o menos asolapado. Muy al estilo de los solistas de Steven Wilson y las baladas de RIVERSIDE. 

Todo esto fue lo que el colectivo de ELDER nos brindó con “Through Zero” para alumbrar su provincia de música progresiva dentro del gran escenario del presente año 2026. Las grandes dosis de ingenio sónico y vigor expresivo plasmadas en el álbum que hoy nos convoca lo convierten en un referente destacado y recomendable para cualquier buena fonoteca actualizada en el rock artístico. El buen gusto que nos dejó la apreciación de estas seis nuevas composiciones del grupo nos convence de que ELDER se proyecta a paso firme e imparable a través del infinito musical.

 
 
Muestras de “Through Zero”.-
Through Zero: https://beholdtheelder.bandcamp.com/track/through-zero-2 

Strata: https://beholdtheelder.bandcamp.com/track/strata-2
  

La reforma del grupo ruso VESPERO para su veteranía dentro del ámbito del space-rock progresivo

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Ya estamos en el ecuador del año 2026 y es justo en este momento que el veterano ensamble ruso VESPERO, grupo campeón del space-rock progresivo, saca al mercado su nuevo disco: “Tej 6.7” es su título y salió al mercado en la primera mitad del presente mes de junio. Actualmente, VESPERO opera con el cuarteto de Alexander Kuzovlev [guitarras, saz y mandolina], Vladimir Ryabinin [guitarras eléctrica y acústica], Arkady Fedotov [bajo, sintetizadores y efectos sonoros] e Ivan Fedotov [batería, percusión y Wavedrum]. Se trata del primer disco del grupo con dos guitarristas y sin violinista: el histórico Vitaly Borodin ya no está en la foto, como tampoco lo está el teclista Alexey Klabukov desde el año 2023. El grupo recibió la colaboración de Alexander Koryukovets al acordeón. Los cuatro músicos se atribuyen colectivamente la autoría de cada tema contenido en “Tej 6.7”: todos ellos fueron grabados en el año 2025 en el P.D. Studio y en el VMS Studio, ubicados ambos en Astrakhan, estando Pavel Donskov y el grupo a cargo de la organización de las sesiones. Alexander Kuzovlev realizó los ulteriores procesos de mezcla y masterización. El arte gráfica es de la autoría de Elena Kosareva. Revisemos ahora los detalles estrictamente musicales del disco que hoy nos ocupa.
 
‘Cendo’ inicia el rumbo a las cosas con un fulgor intenso e impetuoso que se asienta ágilmente sobre una compleja ingeniería rítmica tras un breve preludio parsimonioso. Cuando el esquema se centra en el corazón del jam básico de la composición, el ensamble hace sentir el peso de las guitarras duales mientras la dupla rítmica gesta una serie de grooves sofisticados desde los cuales se añade un aura señorial al vigor crucial, alimentado fuertemente por vigorosos acentos étnicos. Los colores y armonías del acordeón añaden un matiz interesante al armazón sónico mientras los ornamentos de sintetizador aportan ocasionales efectos cósmicos. Toda una algarabía progresiva este momento inicial del álbum. A continuación, sigue la dupla de ‘Issero’ y ‘Joreil’, la cual se encarga de afianzar la paleta caleidoscópica de matices y grooves que el grupo tiene como paradigma permanente de su trayectoria de más de 20 años. El primero de estos temas mencionados comienza con un proseguimiento de estos aires extrovertidos, pero sin hacerlos tan masivos como en la pieza inaugural; esta vez, dado el predominio de las vibraciones jazz-rockeras dentro del groove central, la fiesta musical asume cadencias un poco más serenas. Podemos sospechar que aquí operan las huellas de las colaboraciones con el crack español Ángel Ontalva (en los discos de SEAORM y de ÁNGEL ONTALVA & VESPERO). A mitad de camino, tras una breve pausa en clave flotante, la banda se eleva hacia un apogeo space-rockero donde se hermanan la acidez psicodélica y la luminosidad fusionesca. En lo referente a ‘Joreil’, se trata de una exploración folclórica en un contexto lisérgico donde la densidad comunitaria de los instrumentos actuantes se instala fluidamente sobre el cadencioso swing concéntrico. A medida que pasan los minutos, el ensamble va incrementando la exaltación rockera de manera sostenida hasta que todo aterriza en una atmósfera reposada triangulada en torno a escalas de guitarra acústica y ensoñadoras capas de sintetizador. ‘Tio’ es la pieza más extensa del repertorio con su espacio de más de 7 minutos y su función consiste básicamente en una combinación de las exquisitas agitaciones jazz-fusionecas y la corpulencia estilizada del discurso prog-psicodélico a lo GONG. Aquí hallamos varios de los solos de guitarra más sublimes de todo el disco, se van sucediendo mientras dirigen la fuerza de carácter global del bloque instrumental; también hay parajes donde las florituras del bajo se hacen notar en toda su exuberancia. Un cénit definitivo del álbum, no nos cabe duda. 

‘Akcani’ recibe el peso de los caleidoscópicos despliegues musicales de los tres temas precedentes con gracia e ingenio. Usando un esquema rítmico en 7/8 como base, el ensamble elabora un impetuoso ejercicio de space-rock estandarizado al estilo de los primeros tiempos de los legendarios OZRIC TENTACLES. La labor de la batería, que siempre es majestuosa y musculosa, se mueve aquí con impoluta gracilidad a través de las consistentemente sofisticadas cadencias de la ingeniería global. Cuando entran a tallar las cuerdas étnicas, las gamas de color asumen una vivacidad renovada que ha de signar la instancia final del tema. ‘Plake’ es un tema diseñado para explorar el potencial de prestancia progresiva dentro del entramado space-rockero, además de dar una nueva vuelta de tuerca a esas inquietudes jazz-rockeras que nunca desaparecen del todo. Lo que suena aquí tiene un cercano parentesco con la segunda mitad de ‘Issero’, pero se expresa con un vigor un poco más matizado; de hecho, poco antes de la frontera del tercer minuto y medio, se arma un enclave refinado cuyo cénit de garbo envolvente se expresa liberalmente en el intenso epílogo. Otro cénit esencial del repertorio. Cuando llega el turno de ‘Capitli’, el colectivo de VESPERO recapitula la retoma del masivo encanto del jazz-fusion dentro de un contexto psicodélico, esta vez con un candor incrementado que permite a las dos guitarras manejar sus vigores individuales con sensibilidad melódica. Así las cosas, el acordeón puede insertar sus aportes con comodidad dentro de la ciudadela comunal, la misma que incorpora interesantes variantes de swing y ambiente a lo largo de sus bien definidos recovecos musicales: se incluye algunos pasajes cercanos al patrón de Steve Hillage en sus cuatro primeros álbumes solistas. ‘Far’ trae consigo el cierre del repertorio y lo hace con una expansión de los índices expresivos de los dos temas precedentes, incluso con un notable incremente del aspecto jazz-rockero dentro del desarrollo temático y los arreglos panorámicos. Los momentos más férreamente enérgicos se dejan llevar por los grooves diversos que arma la batería mientras el bajo sopesa los momentos donde debe añadir sus propias tonalidades dentro de esta palaciega totalidad. A poco de pasada la frontera del tercer minuto, el grupo arma un aguerrido intermedio donde se coquetea con pautas del stoner en medio de su estructuración híbrida de jazz-prog y space-rock. Al regresar al motif central, la banda exhibe un nervio renovado que se añade a la excelencia perseverante, lo cual sirve para impulsar un cierre convincente para el tema y el álbum.  

Todo esto fue lo que el personal vigente de VESPERO nos brindó con “Tej 6.7”, un testimonio fidedigno del vigor creativo y el rigor progresivamente estético que la banda en cuestión ha sabido reanimar dentro de este periodo de reforma en sus filas. Siendo muy recomendable dentro de cualquier buena colección fonográfica enfocada en el rock artístico, este disco confirma por enésima vez a VESPERO como una entidad de primer orden dentro del gran escenario progresivo de nuestros días.

Muestras de “Tej 6.7”.-

Cendo: https://vespero.bandcamp.com/track/cendo   

Tio: https://vespero.bandcamp.com/track/tio

Plake: https://vespero.bandcamp.com/track/plake 

Esplendor musical desde la oscuridad post-metalera de SYBERIA

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
He aquí nuestra humilde reseña del más reciente del cuarteto catalán SYBERIA, titulado “Quan Tot S’apagui” y publicado a fines del pasado mes de enero. Este cuarteto instrumental asentado en Barcelona cultiva una intensa e interesante propuesta híbrida de post-metal, space-rock y psicodelia progresiva con cimientos ruidistas desde sus orígenes a inicios del segundo decenio del nuevo milenio. El grupo en cuestión está integrado por Óscar [guitarra], Jordi Only [guitarra y sintetizadores], Quim [bajo] y Manel Woodcutter [batería]. El disco que hoy nos ocupa sucede por menos de 4 años a. Fue publicado en vinilo por la asociación del sello estadounidense Silent Pendulum Records y el alemán Moment Of Collapse Records (formatos blanquinegro, rojinegro y hueso-transparente), y en CD por el segundo de estos. Las sesiones de grabación y mezcla para este nuevo disco se realizaron en los meses de mayo y junio del pasado año 2025 en el estudio de Gaua Producciones bajo la organización de Gorka Dresbaj. En agosto del mismo año, Magnus Lindberg hizo la masterización en su estudio Magnus Lindberg Productions. El arte gráfica es de la autoría de Haití De Diego y el diseño gráfico fue realizado por Woodcutter; las imágenes portan una precisa elocuencia apocalíptica.

El rumbo del disco comienza con ‘En La Foscor Una Llum Que Brilla,’, pieza de amplias proyecciones atmosféricas que se delinean con vibraciones oscurantistas desde los primeros instantes. Tras un prólogo marcado por retazos cortantes de sintetizador, el cuerpo central entra a tallar tras un anuncio de acordes minimalistas de guitarra. La parafernalia de pesadez parsimoniosa armada por la batería permite que el entramado grupal asiente su vigor sonoro hasta que el esquema rítmico se intensifique dramáticamente desde antes de traspasar la frontera del cuarto minuto. Cuando el grupo regresa a un refugio contemplativo con variantes muy contrastadas de expresividad, lo hace para gestar un epílogo mordazmente furioso. Sigue a continuación ‘Llampecs d’Oblit d’Uns Records En Vida,’ con la meta de virar hacia grooves un poco más sofisticados a través de una intensidad rockera que se renueva con texturas aristocráticamente densas. Hay un cierto embrujo orquestal en la labor de las guitarras mientras la dupla rítmica alterna su operatividad entre lo tribal y lo stoner. Mientras avanzan los minutos, el crescendo rockero se enfila hacia la retoma del fulgor dramático que predominó en el inaugural, siendo así que todo aterriza en una neblina solipsista donde late un remanso, un descanso envuelto bajo un manto grisáceo de oscuro misterio. Mayormente, se trata de la apertura de puertas a la garra suntuosa con que se inicia ‘Naixença d’Una Mort Tranquil·la.’, la tercera pieza del álbum. En efecto, este ítem recibe los ecos de esa muscular fastuosidad que se desarrolló en los parajes más pesados de los dos temas precedentes y los transprta dentro de una bien definida majestuosidad. El realce de la aureola dramática que también se hizo presente en gran medida dentro del desarrollo de ‘Llampecs d’Oblit d’Uns Records En Vida,’ ostenta una densidad incrementada. ‘Dins La Meva Ànima La Sang Em Bull...’ es el tema más largo del repertorio con sus más de 10 ¼ minutos de duración. Su prólogo abstractamente futurista abre la puerta a un señorío fulguroso arropado por un brío grave. El talante solemne de las bases y armonías elaboradas por las dos guitarras acomodan su distinguido nervio sobre el groove contenido que la batería elabora con impoluta convicción. A poco de pasada la frontera del sexto minuto y medio, las cosas se calman un poco dentro de un ajuste sutil para impulsar desde allí el clímax final; éste es fiero y trágico, agitado como un voraz relámpago space-rockero y persistente como un trueno obstinado. Hasta da la sensación de que muchos de los pasajes de los tres primeros temas eran preparaciones para la sección final de este cuarto.

  

Los últimos 10 minutos y pico del repertorio están ocupados por ‘Quan Me’n Vagi No Em Tanqueu Els Ulls.’. Su sección prologar también es abstracto, pero esta vez con un enfoque ambient marcado por un minimalismo grisáceo, un momento al modo de los legendarios GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR. Una vez que entra a tallar toda la logística instrumental, el cuarteto se dispone a reavivar el fuego más dinámico y ansioso que forma parte de su arsenal fundamental; la severidad visceral de la batería a través de los diversos grooves y la acidez airada de los guitarreos se asocian en una metralla contundente y absolutista. El epílogo consiste en una serie de capas cinematográficas por medio de la cual se presenta un soliloquio reflexivo donde la inquietud emocional parece contener una rabia que vibra desde un rincón controlado. En fin, todo esto fue el esplendor musical que “Quan Tot S’apagui” pone a nuestra disposición: este nuevo disco de SYBERIA les permite reforzar su posicionamiento preferente dentro de la avanzada rockera de España. Desde sus cuarteles de Barcelona, este cuarteto ha gestado un disco repleto de insignes espasmos y exquisitos despliegues de retorcida musculatura post-metalera a modo de testimonio de los aspectos más tanáticos de la condición humana. Un disco arrollador y lúcido, en resumen, bastante recomendable. 

 
 
Muestras de “Quan Tot S’apagui”.- 

En La Foscor Una Llum Que Brilla,: https://syberia.bandcamp.com/track/en-la-foscor-una-llum-que-brilla-background-sequences

Dins La Meva Ànima La Sang Em Bull...: https://syberia.bandcamp.com/track/dins-la-meva-nima-la-sang-em-bull-background-sequences 

Una montaña más en la escalada musical de los finlandeses HADAL SHERPA

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy tenemos una muy grata novedad desde los cuarteles del grupo finlandés HADAL SHERPA: se hace presente en la producción progresiva del actual año 2026 desde su provincia space-rockera con el disco “Mountains”. Si “Memoria” (publicado en diciembre de 2025) se completó en medio de la consternación por el repentino fallecimiento del líder y fundador Vesa Pasanen, “Mountains” pasa a ser un nuevo pico de tránsito en la persistente escalada musical del grupo que funciona como testamento de Pasanen firmado y validado por sus colegas sobrevivientes. El material contenido en este disco publicado a inicios de este mes de junio procede de varias sesiones de grabación organizadas entre los años 2021 y 2025 en la sala de estudios de la banda y los estudios domésticos de varios integrantes. De hecho, los procesos de mezcla y masterización tuvieron lugar durante le primera mitad del pasado año 2025; con la mencionada muerte del buen Vesa que sucedió en julio, la edición final de lo que ahora es “Mountains” se realizó a inicios de 2026 en manos de Max Laine. La formación activa de HADAL SHERPA para el repertorio de este disco consta del multiinstrumentista Pasanen [guitarras solista y rítmica, bajo, sintetizador, saxo, oud y percusión], Ville Kainulainen [guitarra rítmica], Ilja Juutilainen [batería y percusión] y Pi Viana [voz y flauta]. En el tema de apertura, el grupo recibe el apoyo coral de Paula Rautoja, Saara Salo, Sonja Suni y Mari Laari. Pasanen fue el autor del arte gráfica y el disco está dedicado a su memoria.

El repertorio del disco que hoy nos ocupa se abre con su tema más largo: se titula ‘Camel On Moon’ y dura 6 ¾ minutos. Desde el mismo punto de partida se aclara el camino del groove principal para asegurar los cimientos de las exóticas vibraciones melódicas con las que se dibuja el motif principal.  El patente protagonismo de las guitarras está manejado sobriamente frente a las elegantes capas de sintetizador mientras el armazón percusivo va latiendo sobre un continuum de cadencias bien amalgamadas. ‘Goat Gaze’ sigue a continuación para explayarse en el aura extrovertida heredada de la pieza inaugural mientras el esquema rítmico impulsa la apertura de espacios aguerridos en ciertos lugares estratégicos. De hecho, algunos riffs cercanos al estándar del hard rock suenan muy orquestados, logrando funcionar como contrapesos a los pasajes más abiertamente melódicos. La dupla de ‘Dark Tides’ y ‘Ormus’ permite al ensamble reforzar vitalistamente su paleta sonora. El primero de estos temas mencionados se centra en una entusiasta agitación espacial que tiene todo lo punzante del legendario paradigma de HAWKWIND y el vitalismo colorido de los OZRIC TENTACLES de los 80 hasta mitad de los 90. Su final seco refuerza la expresividad fiera y cortante del jam. En cuanto a ‘Ormus’, se trata de un ejercicio de dinamismos progresivamente complejos sobre los que se arma un nuevo clima fusionesco remodelado por diagramaciones psicodélicas. La arquitectura rítmica es convincentemente compleja y el entramado sonoro emana un vivaz señorío mientras gesta mil y una variantes para el groove central. La aparición de instrumentos exóticos en algunos parajes estratégicos donde el vigor rockero baja un poco refuerza el embrujo inherente al núcleo melódico diseñado para la ocasión. Un cénit decisivo del álbum. ‘Return To Farum Azul’ trae el necesario momento de calma tras toda esta serie de diversos viajes intrépidos. Sobre un compás de talante blueseado en clave lenta, la banda se dispone a jugar con climas Floydianos (al estilo de la fase 71-75) mientras desarrolla un foco temático ensoñador y envolvente. El factor satinado está más cercano al patrón histórico de unos AGITATION FREE, lo cual realza el sortilegio embrujador. Una belleza de composición y otro momento culminante del disco. 

La sexta pieza es justamente la homónima y la segunda más larga del álbum: ‘Mountains’ dura 6 ¼ minutos y su enfoque estilístico está articulado en torno a una psicodelia retro donde conviven agilidad y gentileza. La frontal extroversión de la sección rítmica y el candor melódico surgido de los armazones de las dos guitarras garantizan una persistente calidez para el desarrollo temático. El bajo hace notar sus mesuradas florituras en medio de la comedida musculatura generada por la maraña instrumental íntegra. ‘Gurbet’ trae consigo el cierre del repertorio y lo hace estableciendo una senda cruzada de los aires gráciles de la pieza homónima y la exuberancia sistemática de los dos primeros temas del álbum. La banda hace justicia a la composición original de Özdemir Erdoğan, legendario cantautor turco que llegó a ser pionero del folk-fusión en su país. El hecho de que el ensamble conserve buena parte de la gentileza de ‘Mountains’ permite a la flauta añadir su soltura colorida con solvencia en medio del croquis colectivo; esto conlleva una cercanía a la banda compatriota HIDRIA SPACEFOLK. Todo esto fue lo que se testimonió en “Mountains”, el apropiado testamento de Vesa Pasanen para y desde el colectivo de HADAL SHERPA dentro del escenario actual del space-rock progresivo. En su espacio de 3 ½, que no parece mucho en comparación con cualquiera de las piezas precedentes, este tema de cierre dice mucho y lo dice con la adecuada dosis de suntuosidad. En poco más de 38 minutos, el grupo supo concretar una magia musical masiva, un hecho que pone de relieve la inmensidad de los impulsos creativos que tenían lugar en el seno de la cofradía space-rockera de HADAL SHERPA. Se nota que el ensamble estaba con la mira puesta en una centralidad bien definida dentro de una policromía refinada a fin de renovar los cimientos de la psicodelia progresiva contemporánea. ¡Totalmente recomendable!

Muestras de “Mountains”.- 

Camel On Moon: https://hadalsherpa.bandcamp.com/track/camel-on-moon 

Ormus: https://hadalsherpa.bandcamp.com/track/ormus

Return To Farum Azul: https://hadalsherpa.bandcamp.com/track/return-to-farum-azul

La nueva explosión de insigne música avant-progresiva de parte del maestro sueco SIMON STEENSLAND

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
¡Albricias! Llegan buenas nuevas desde la fábrica de hacer buena música avant-progresiva del veterano maestro sueco SIMON STEENSLAND. La noticia concreta es la publicación de su nuevo álbum de estudio “Explosion Of Bad Music”. STEENSLAND es el autor de los dos temas que ocupan este nuevo disco oficialmente publicado por el sello español áMARXE a fines de mayo de 2026. Él, como es habitual, se encarga de tocar el bajo, los teclados y las percusiones tonales y atonales, y está acompañado por una pléyade de insignes instrumentistas: Robert Elovsson (teclados y acordeón), Markus Eriksson (trompeta), Morgan Ågren (batería), Mike Johnson (guitarra), Yann Le Nestour (clarinete y clarinete bajo) y Karolina Weber Ekdahl (violín). También hay aportes vocales de parte de Linda Blom, Elaine DiFalco, Alexandra Zetterberg Ehn, Amanda Krüger, Birgitta Linder, Eva Rexed, Elle-Kari Sander, Maia Hansson Bergqvist y Alexander Ohakas. Además de la composición, el buen SIMON también se hizo cargo de la producción y la mezcla del nuevo material grabado. Buena parte del mismo se registró en el Studio No Klang en varias sesiones de este año y el pasado, aunque algunos aportes fueron registrados en los estudios personales de algunos colaboradores. “Explosion Of Bad Music” fue concebido como el álbum que cierra la trilogía iniciada por “A Farewell To Brains” (2015) y “Let’s Go To Hell” (2021). El repertorio de este nuevo consta de dos suites, una que dura 27 ½ minutos y otra de 26 minutos y pico: en ambas, STEENSLAND sigue explorando a su manera esa senda oscurantista del avant-prog y el chamber-rock (UNIVERS ZÉRO, PRESENT, ART ZOYD, GUAPO, RHÙN, etc.), una constante de su enfoque estético plasmado en varios discos desde la primera mitad de los 90. “Explosion Of Bad Music” es, de hecho, su octavo trabajo de larga duración firmado a solas (también ha hecho discos en asociación con otros).

 

‘Not Dragon’ empieza con un brote de aguerrida furia que, aunque no dura mucho, tiene suficiente garra para impulsar una inquietud tensa que habrá de ser explícitamente sistematizada a lo largo de las variaciones temáticas de esta maratón. De hecho, una buena parte de la atmósfera desarrollada a partir de la frontera del primer minuto se apoya en cadencias solemnes de la dupla rítmica que permiten a las capas y bases armónicas de los teclados dirijan el núcleo musical. Más adelante, las cosas se calman un poco para preparar el arribo de una nueva sección extrovertida, la cual añade colores de surrealista jovialidad a la persistente tensión; es como un remanso vespertino que antecede a una explosión de luces y neblina en un atardecer tormentosamente ritualístico. La labor de la batería eleva su nivel de sofisticación mientras los arreglos corales se dejan llevar por una celebración de aquelarre. Todo se detiene a poco de pasada la frontera de los once minutos y medio para volver a la tarea de armar algo nuevo de a pocos: tras un tiempo un tanto prolongado de densa expectativa, surge un arcano y peligroso embrujo donde la tensión monárquica saca a relucir su talante más tétrico, arropándolo bajo un manto crepuscular para que este factor lóbrego sea manejado con particular exquisitez. Eso sí, el oscurantismo vibra sin devaneos ni eufemismos, se manifiesta con genuina pureza sónica. Los aspectos más incisivos de los grooves primordiales aguerridos que han ido yendo y viniendo nos remontan inconfundiblemente a MAGMA, WEIDORJE y UNIVERS ZÉRO. Llega un momento en que se inicia una nueva transición larga, esta vez, hacia un pasaje un poco más candoroso: es como si un fulgor entrase a tallar para remodelar la densidad a fin de que ésta resalte su señorío particular mientras nos vamos acercando al final. El epílogo opera sobre un compás marcial y una atmósfera envolvente cuyo calibre minimalista invita al reposo rematado: la conciencia se arroja al tiempo de lo onírico con elegante gradualidad.

Ahora nos concentramos en ‘Dragon’. Su sección prologar se explaya largamente bajo un aura de grisácea expectativa. Poco a poco, los inicialmente parcos retazos de luz se van ampliando y se gesta un motivo ágil y celebratorio ad portas de la frontera del cuarto minuto. Una variante un poco tirante entra a tallar para dejar una huella de inquietud arcana, la cual termina traduciéndose a una coral arcana. Una nueva sección vuelve a la luminosidad aristocrática por un breve tiempo antes de que una disrupción dadaísta reconstruya el camino para que se abra una procesión notablemente compleja. La suite llega a su ecuador y es el momento de un nuevo ejercicio de lúgubres minimalismos, lo cual motiva el surgimiento de unas armonías de piano sobre las que se arma un momentum crepuscular: en él se fusionan los universos de los MAGMA de 1970-71 y los UNIVERS ZÉRO de 1977-82, y terminan enriqueciéndose con sólidos recursos de suntuosidad que se arman desde el hermanamiento de orquestaciones y arreglos corales. A poco de atravesar la frontera del minuto 22, el entramado sonoro incorpora elementos de avant-jazz en el groove para que regresen a plenitud los aires celebratorios que se había dejado atrás hace bastante tiempo. Teas el golpe que finiquita la celebración, el epílogo queda marcado por un arreglo coral que parece coquetear con lo celestial. Un poco que nos toma de sorpresa, pero se conecta muy fluidamente con la espiritualidad expresiva de la última labor instrumental. En fin, todo esto fue lo que nos brindó el maestro sueco SIMON STEENSLAND con “Explosion Of Bad Music”, un disco desafiante e imponente que despliega liberalmente su gallardía oscurantista. Esta nueva explosión de insigne música avant-progresiva realizada por STEENSLAND y sus compañeros de viejo es de lo más notable que se ha venido produciendo en la vanguardia musical del presente año 2026. Muy aterrador y, sobre todo,... ¡totalmente recomendable!
 
 
Muestra de “Explosion Of Bad Music”.-
Not Dragon: https://amarxe.bandcamp.com/track/not-dragon