THIEVES’ KITCHEN: el lugar apropiado para un espíritu renovado

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos la estupenda ocasión de presentar el nuevo disco del excelso grupo británico-escandinavo THIEVES’ KITCHEN, el cual está constituido por el núcleo triádico de Amy Darby [voz], Phil Mercy [guitarras] y Thomas Johnson [teclados]. El disco en cuestión responde al nombre de “Genius Loci” y fue publicado en el pasado 23 de setiembre por el sello The Merch Desk: se trata del séptimo trabajo fonográfico de esta banda, la cual ha desarrollado su propio modelo de música retro-progresiva sinfónica con amplias dosis de sensibilidades folklóricas y pastoriles. En apoyo del trío colaboran dos excolegas de Johnson en ÄNGLAGARD, quienes son el bajista Johan Brand y la flautista Anna Holmgren, además del exbaterista de SANGUINE HUM Paul Mallyon. La fecha de lanzamiento de este nuevo disco coincidió con el cuarto aniversario de su antecesor “The Clockwork Universe”, y de hecho, “Genius Loci” recibe el impacto de su predecesor en cuanto a los delineamientos estéticos empleados para gestar y arreglar las nuevas composiciones. Eso sí, la particularidad de este nuevo disco está en su concepto central: las temáticas de las letras se apartan del asunto cósmico y ahora se centran más en el contacto del espíritu humano con sus propio interior y con el hábitat natural que rodea a su corporeidad circundante. El título del álbum es la expresión latina para espíritu del lugar, que es la peculiaridad de un punto en el espacio desde el cual se manifiesta al alma humana, interpelándola. Darby se hizo cargo no solo de las letras de las piezas cantadas, sino también del arte y el diseño gráficos de la tapa de este nuevo disco. Bueno, veamos ahora los detalles de su repertorio. 

Ocupando un espacio de 9 ½ minutos, ‘Eilmer’ abre el álbum con el habitual derroche de claridad melódica y refinamiento extremo en la elaboración de variadas atmósferas a través del ambicioso desarrollo temático en curso. El cuerpo central halla pronto su núcleo operativo y el canto de Darby también entra pronto en acción, siendo así que el oyente se familiariza instantáneamente con la ambientación serena y reflexiva bajo la cual se desarrollan las ilaciones melódicas en curso. La labor de los teclados es bastante meticulosa y la dupla rítmica maneja muy fluidamente los ornamentos sofisticados del swing central de la canción; de hecho, este swing utiliza elementos jazzeros en varios pasajes, aunque sin duda se explora aquí el territorio del prog sinfónico. Navegando sobre un medio tiempo, el colorido patente en la refinada musicalidad de la arquitectura melódica hace sentir sus vibraciones gráciles sin disimulo. Recién a poco de pasada la frontera del quinto minuto es que entra a tallar un hermoso solo de guitarra cuyo lirismo se emparenta cercanamente con el canto de dary. ‘Uffington’ es un tema más largo, superando por poco la duración de 11 ½ minutos. Aquí sí se da una mayor expansión del factor jazz-progresivo dentro de los bloques temáticos y también dentro de los armazones de los grooves y esquemas rítmicos. De hecho,  el elemento sinfónico ha de quedar bastante opacado por el otro factor mencionado a lo largo de las prioritarias expansiones temáticas. En este enfoque estilístico abordado por la banda, encontramos un parentesco con lo que hacen bandas como HAPPY THE MAN, WAPPA GAPPA y SARCOPHAGUS NOW: es como si un conglomerado de músicos de esta banda hubiese hecho una remodelación de una maqueta perdida de los ECHOLYN de “The End Is Beautiful”. La guitarra asume un protagonismo más intenso en la base instrumental, siendo así que, en la mayor parte del tiempo, se hace cargo de dirigir el dinamismo global de la instrumentación. Las titilaciones introspectivas que inundan la sección final establecen un oportuno epílogo ensoñador al asunto. ‘The Poison Garden’ es una bella pieza de piano y voz que toma la ensoñación con la que concluyó la canción precedente y la convierte en melancolía. El talante del piano se sitúa a medio camino entre el impresionismo y el paradigma Gershwiniano. 

El ítem más extenso del repertorio es el monumental ‘The Voice Of The Lar’, el cual se extiende por 20 minutos y pico. La primera instancia está sostenida por una etérea y minimalista capa de órgano sobre la que se instala un solo de guitarra. El prólogo se toma su tiempo para instaurar su discurso antes de dejar que el cuerpo central se empiece a soltar con un muy dinámico colorido, poco antes de llegar a la frontera de los dos minutos y tres cuartos. Tras un buen rato de expansiones fulgurosas, el todavía netamente instrumental desarrollo temático vira hacia un compás de 6 /8 lento, y es a partir del octavo minuto y medio que el canto de Darby entra a tallar. A partir de allí, tras una breve instancia flotante y ensoñadora donde solo actúa el piano eléctrico, el bloque instrumental retoma los dos motifs en una sucesión impolutamente organizada mientras el canto se mantiene sólidamente en su perfil evocador. Poco antes de llegar a la frontera del cuarto de hora, el bloque instrumental gesta otro pasaje extrovertido y lo hace en base a un explayamiento de recursos Yessianos (en consonancia con varios estándares de THE FLOWER KINGS y FARMHOUSE ODYSSEY). Con la reaparición de la parte cantada, el grupo regresa por última vez al cuerpo central, enfatizando los pasajes más entusiastas. ‘Mirie It Is’ es la pieza encargada de cerrar el álbum, y en muchos aspectos, asume una posición de retorno a la estilización contemplativa que había signado a la esencia de la primera canción del repertorio. La aparición de la flauta en el bloque sonoro realza eficazmente las vibraciones pastoriles sobre las cuales se asienta el núcleo melódico. La letra y la base melódica de ‘Mirie It Is’ proceden de una canción de inicios del siglo XIII, la cual aparece transcrita en uno de los copiosos archivos de la Biblioteca Bodleiana de Oxford. De hecho, se trata de la canción secular en idioma inglés más antigua de la cual se tiene noticia, y su letra es un lamento de la fragilidad del hombre ante las fuerzas imperiosas del invierno. Aunque las últimas líneas que canta Darby son muy parcas, aportan un oportuno aire de autoridad para consagrar una conclusión contundente para la canción y para el álbum.    

“Genius Loci” es una enorme belleza de disco que, aunque no trae algo propiamente nuevo respecto al disco precedente de esta banda, sí logra reafirmar su posicionamiento de gran relevancia dentro de la actual generación del rock progresivo sinfónico. Su lirismo es tremendamente cautivador y sus ambiciones melódicas son manejadas con suprema elegancia. THIEVES’ KITCHEN es un grupo que siempre vale la pena, por lo que recomendamos este nuevo disco que nos brinda al 100%. 

Muestras de “Genius Loci”.-

Uffington: https://thieveskitchen.bandcamp.com/track/uffington

The Voice Of The Lar: https://thieveskitchen.bandcamp.com/track/the-voice-of-the-lar

GUADALQUIVIR y la aventura de volver a la fuente originaria

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos una entrañable noticia con el disco de reencuentro de GUADALQUIVIR, el cual se titula “40 Aniversario”. El nombre de este ítem fonográfico lo dice todo: se trata de un tributo que el grupo hace a varios de sus momentos más inspirados dentro de su brillante (aunque breve) discografía, la cual se inició hace cuatro décadas, o para ser más exactos, en el año 1978, con su disco homónimo. El colectivo de los actualmente reunidos GUADALQUIVIR está liderado por los dos guitarristas Luis Cobo “Manglis” y Andrés Olaegui, completándose el núcleo histórico con el también veterano saxofonista-flautista Pedro Ontiveros. Los tres organizaron los arreglos del material aquí presente. Los arsenales del “Manglis” y de Olaegui incluyen guitarras eléctricas de 6 y 12 cuerdas, acústica, española, guitarra-sintetizador, guitarra acústica sintetizada, órgano, sintetizadores y clavinet. Claro está, hace falta una dupla rítmica, y ésta se integra con el bajista Javier Santana y el baterista Valentín Iturat, mientras el percusionista Nantha Kumar aporta abundantes golpes exóticos con sus implementos orientales (tablas, mirdanga, kanjira) en casi todos los temas del álbum. La lista de colaboradores se completa con las ocasionales aportaciones de Luis Gallo (guitarra flamenca), Ken Slaven (viola y violín), Joaquín Rodero (laúd turco), Carlos Guerra (bansuri), y los percusionistas Manuel Sutil y Miki Moreno. La labor de retorno a la fuente originaria aquí plasmada es simple y llanamente hermosa, enriquecida por vía de un enfoque más exuberante de las inquietudes fusionescas que el grupo siempre tuvo como bandera estética. Con un repertorio de seis temas donde el más breve dura poco más de 6 minutos y el más largo se extiende hasta los 11 minutos y tres cuartos, esta versión reformulada de GUADALQUIVIR se concentró en escoger cinco piezas del disco homónimo y la pieza titular del segundo disco (que data del año 1980). La cosa es que este resurgimiento no es una cuestión iniciada hace poco tiempo sino que se remonta hasta el año 2005, cuando se requirió literalmente la resurrección del grupo para que formara parte de carteles de diversos festivales a través de varios años: la Abuela Rock de Montilla, Festival Lago de Bornos, Bienal de Flamenco de Sevilla 2009, etc. En fin, ahora este disco es una realidad y va dedicado a las memorias de varios grandes de la tradición andaluza del rock y la fusión: Larry Martin (el baterista original de GUADALQUIVIR, precisamente), Rafael Gil, Manuel Marinelli, Jesús de la Rosa, “Tele” Palacios, Marcos Mantero y Diego Fopiani. Gente grande de TRIANA, ALAMEDA, CAI, IMÁN CALIFATO INDEPENDIENTE... 

Ciñémonos ahora a los detalles del repertorio. La dupla de ‘Guadalquivir’ y ‘Baila Gitana’ no puede ser más llamativa para poner inicio a las cosas. La pieza de entrada recibe un colorido extra con la intervención del violín para el motif central mientras que los ulteriores espacios expansivos reciben una garra nueva: en una primera instancia, el grupo se enfoca en una vibraciones jazz-rockeras que bien nos remiten a la faceta más enérgica de unos MAHAVISHNU ORCHESTRA; en una segunda instancia, el ensamble se enrolla solventemente en un jam jazz-progresivo cuya esencial suntuosidad es explorada con detenida meticulosidad. Es en este extenso paraje donde el encuadre establecido entre las guitarras y la dupla rítmica asume una convincente aureola psicodélica a través del refinado swing jazzero en curso. En cuanto a ‘Baila Gitana’, la estrategia de remodelación no es tan radical como en el tema de apertura, pero las percusiones orientales se hacen sentir con un cimbreante fulgor dentro del armazón rítmico. De este modo, la agilidad propia del original asume ahora una mayor dosis de vitalidad. ‘La Danza De Los Tigres’ y ‘Generalife’ son las piezas más extensas del álbum, durando la primera casi 11 ¾ minutos y la segunda, más de 11 ¼ minutos. ‘La Danza De Los Tigres’ comienza con un largo preludio de vientos étnicos antes de que el cuerpo central entre a tallar con el nuevo enriquecimiento proporcionado por la mezcla de lo flamenco y lo oriental dentro del cautivador swing fusionesco sobre el cual se proyectan los solos, especialmente los del saxo protagónico. La intervención de la guitarra acústica sintetizada le da un momento mágico al asunto, mientras que los vientos étnicos y el ocasional cántico konakol (a cargo de Kumar) se encargan de la provisión de matices telúricos. ‘Generalife’ (que es probablemente nuestra pieza preferida de todo el catálogo histórico de GUADALQUIVIR) recibe aquí un ambicioso tratamiento jazz-progresivo con amplia raigambre fusionesca que nos remite a aquella escena de los 70s. El encanto esencial del motif central es preservado con sesuda prestancia mientras la caleidoscópica instrumentación (cuerdas, percusión extra, laúd turco) se encargan de potenciar una renovada exuberancia para el mismo. El nuevo solo de flauta que emerge a mitad de camino es simplemente celestial, a la vez que sensual; por su parte, los solos de guitarra añadidos se centran más en lo muscular pero desde una óptica tremendamente refinada. La virtuosa participación del baterista Iturak incluye un breve pero impactante solo inmediatamente antes de la retoma del motif central.

‘Camino Del Concierto’ es el único tema del segundo disco que hace acto de presencia aquí (y justamente le daba título). El principal aporte de este nuevo arreglo es el de hacer más largas las expansiones instrumentales en torno al esquema compositivo básico: esta versión dura casi 9 minutos. La presencia de un solo de guitarra sintetizada funciona muy bien como complemento a las líneas de saxo soprano que entran a tallar, y ello sirve para que el talante evocador del tema se adorne con soltura. ‘El Manglis’, pieza que abría el lado B de ese primer disco, está ahora a cargo de cerrar este álbum con su respectivo arreglo expandido. Al igual que con el tema precedente, la labor renovadora no se apartó demasiado de las pautas y grooves ya establecidos en las versiones originales, pero se nota que los nuevos arreglos percusivos intensifican la aureola extrovertida de la pieza: se refuerza así la frescura y el garbo que siempre estuvieron allí, y de paso, se remodelan el lugar y el carácter de las florituras de bajo que en el original eran un centro neurálgico del groove. Hay algo de irresistiblemente entrañable en el modo en que el colectivo de GUADALQUIVIR decide concluir el disco sin explayarse en el colorido suntuoso de otras piezas del álbum. Es como terminar la fiesta con una actitud de jovial serenidad. Este genial aquelarre de maestros ha llevado su renamiento musical a los escenarios en el evento GUADALQUIVIR 40º ANIVERSARIO que tuvo lugar en la Sala Malandar de Sevilla hace muy pocos días, el 14 de noviembre, para ser exactos. Respecto al propio disco “40 Aniversario”, solo nos queda expresar nuestro enorme agrado.


[Dedicamos esta reseña a Rafael Tardío por su generoso gesto de obsequiarnos un ejemplar de este disco.]

FLOR DE LOTO y sus memorias de la primavera progresiva de 2018

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy volvemos a los cuarteles del magno grupo peruano FLOR DE LOTO por motivo de la publicación de su Blu-ray “Live At RoSFest”, a fines del pasado mes de setiembre. La alineación que convirtió a esta actuación como la primera presencia latinoamericana de la historia del Rites Of Spring Festival estaba conformada por Alonso Herrera [guitarras y voz], Alejandro Jarrín [bajo], Gabriel Iwasaki [teclados y coros], Sergio “Checho” Cuadros [flauta y vientos andinos] y Álvaror escobar [batería]. La fecha de la actuación fue el sábado 6 de mayo de 2018 y el local fue The Majestic Theater en la localidad de Gettysburg, Pensilvania. Este ítem de edición limitada con 300 ejemplares explícitamente numerados tiene la magnífica peculiaridad de que contiene también una reedición de su anterior disco en vivo “Eclipse” con un repertorio ampliado con la inclusión de ‘Antes De Despertar’, una bella e intensa canción que, pese a estar acabada de arreglar y grabar, tuvo determinados problemas en la etapa de posptroducción, los cuales le impidieron formar parte del repertorio de la edición original del disco en cuestión (recordemos que el mencionado álbum “Eclipse” se publicó en los últimos meses del pasado año 2018). Este ítem es publicado por el sello Melodic Revolution Records; lo que se ve en el Blu-ray fue dirigido y organizado por personal de Zeitgeist Media. Pues bueno, ahora tenemos este documento audivisual y la concreta realización fonográfica de una canción que quedó pendiente y nos complace mucho que así sea, pero primero lo primero: a comentar lo que quedó registrado de la muy significativa actuación de los FLOR DE LOTO en esa edición del Rites Of Spring Festival. 

En el momento de su participación en este evento, el grupo aún no había terminado de gestar el cuerpo íntegro de “Eclipse”, pero varios temas del mismo ya estaban suficientemente madurados como para presentarse en concierto con solvencia y gran claridad de ideas. Por lo pronto, tras una breve introducción orquestal sintetizada, el concierto comienza con la tríada de ‘Paraíso’, ‘Tempestad’ y ‘Eterna Proyección’, canciones del entonces disco en proyecto y que nos brindan dos instancias de fastuosidad prog-metalera y otra de retunda y voraz metralla rockera. Con la mezcla de claridad melódica y punche que se destila en la ingeniería poliforme de ‘Paraíso’, el grupo se da a sí mismo el impulso necesario para exponer el virulento expresionismo de ‘Tempestad’ con una convincente musculatura. Así las cosas, el lirismo a la vez luminoso y torturado de ‘Eterna Proyección’ completa cabalmente un explosivo momentum continuado. Apelando a la dimensión más llamativa de la propuesta musical de FLOR DE LOTO, llega el turno de ‘Regression’, donde se alterna partes en inglés y en español: recordemos que esta canción fue el single destacado del álbum “Árbol De La Vida” y que tenía una versión en inglés cantada por Fabio Leone. El grupo vuelve a poner a prueba el material de su futuro disco con la cautivadora pieza instrumental ‘Líneas De Nazca’, la cual es seguida por un fastuoso solo de teclado a cargo de Iwasaki que comienza con un tenor sereno para luego llenarse de embrujadoras florituras donde se alternan las influencias de RICK WAKEMAN y JORDAN RUDESS. ‘Líneas De Nazca’ hace gala de su prestancia progresiva a través de su polícroma arquitectura melódica por donde fluyen naturalmente los pasajes serenos alternándose con los más pesados. Tras el mencionado solo de Iwasaki, la magia de este momento de brioso eclecticismo se perpetúa eficazmente con el arribo de ‘El Espejo Del Alma’, uno de los ítems más entrañables de la historia de la banda y una de las más intensamente empapadas de vibraciones fusionescas de base andina. La sección intermedia porta un encanto danzarín que se engarza muy bien con el resto de los instrumentos, signando el mismo camino hacia el cierre. El público, cautivado prácticamente desde el primer tema del evento, participa entusiastamente en la sección folklórica. Un dato simpático es ver a Cuadros imitar la pose emblemática de Ian Anderson de pararse sobre un solo pie en algunos pasajes de esta canción y alguna que otra por allí.

Sin duda, una de las piezas más celebradas de la noche fue ‘El Espejo Del Alma’, y lo mismo vale para ‘El Cóndor Pasa / Locomotive’. ‘Volver A Nacer’, uno de los temas más destacados de su tercer álbum “Mundos Bizarros”, hace acto de presencia con su mezcla de garra estilizada y musicalidad vorazmente extrovertida, pasando por un delicado manejo del intermedio sutil que tiene lugar antes del arrebato final. Un poco más adelante llega el turno de la canción titular, una de las composiciones más señoriales de toda la historia de la banda... Y encima, tratándose de una canción que data de fines del decenio pasado, su huella aún se siente en lo que FLOR DE LOTO es hoy en día. La sofisticación sistemática, el uso liberal de complejos esquemas rítmicos y cambios de atmósfera, y el uso inteligente de vibraciones épicas para el realce de los focos melódicos convierten a esta canción (la más extensa del evento) en algo más que una canción, todo un testimonio de lo que el quinteto vino a hacer en el festival. Esta canción que culminaba ese tercer álbum del año 2009 con una brisa fresca de aristocracia progresiva químicamente pura sirve ahora para instaurar un clímax radiante e incendiario. En medio de estas dos piezas se sitúa ‘Eclipse’, una idea muy buena pues este ítem exhibe un nervio rotundo a través de una ingeniería versátil, y encima su explosivo final se realza en su engarce con ‘Mundos Bizarros’. Con el inmediato arribo de ‘Animal’, el quinteto nos devuelve a la lógica de la metralla y la furia volcánica que antes había signado a ‘Tempestad’ en dosis aumentadas. La dupla de las canciones que cierran y abren el cuarto álbum de la banda – ‘Hasta El Final’ e ‘Imperio De Cristal’ – son las últimas del evento, armando una secuencia musical envuelta bajo una espiritualidad candorosa y rotunda. ‘Hasta El Final’ es otro emblema decisivo de la faceta más fastuosa y señorial del ideario estético que ha venido trazando la banda desde los tiempos de su tercer álbum. Por su parte, ‘Imperio De Cristal’ opera como el encore enfáticamente exigido por el público, y con su vigor cañero moldeado de acuerdo a los patrones del prog-metal logra sintetizar solventemente los aspectos más aguerridos de la noche.

  

Como dijimos en el primer párrafo de la presente reseña, este Blu-ray trae como bonus una edición ampliada del CD “Eclipse” con la recuperada canción ‘Antes De Despertar’, compuesta por Jarrín (“Viajando en un estado inmóvil, / Siendo y no siendo, / Volando no fuera sino dentro. / Sintiendo y no sintiendo, / Un mundo extraño en el que me encuentro.”). Esta canción es muy hermosa y tiene una letra con un sugerente talante introspectivo, pero que conste que se trata de una canción encuadrada dentro de un engranaje sonoro híbrido de prog-metal y prog sinfónico. La sección prologar establece una ingeniería meticulosa para anticipar el desarrollo melódico de las partes cantadas, las mismas que adquieren una dosis extra de vigor cuando entra a tallar el intermedio instrumental. Todo termina con un reprise del prólogo, muy a lo grande. De haber tenido una producción perfecta en su hora adecuada, esta canción hubiese venido bien poco antes del final, tal vez antecediendo a la magia evocadora del instrumental de cierre ‘Líneas De Nazca’, o tal vez, inmediatamente después de ‘Animal’... Bueno, estamos solo especulando. Cabe señalar también que el DVD trae como extras los respectivos vídeo-clips de ‘Animal’, ‘Esclavitud De Tu Ser’ y ‘Regression’. El segundo de ellos fue filmado a más de 4 mil metros sobre el nivel del mar, en el impresionante Bosque de Piedras de Marcahuasi, ubicada a en la zona andina del departamento de Lima. Una de las muchas bellezas contenidas en este ítem especial de “Live At RoSFest”, el cual, como un todo, supone otro gran logro dentro de la siempre expansiva producción de FLOR DE LOTO. Este doble documento audiovisual y fonografico es realmente de lujo. 

Muestras de “Live At RoSFest”.-
Tempestad: https://www.youtube.com/watch?v=ZDd5l5rnD68

El Cóndor Pasa / Locomotive: https://www.youtube.com/watch?v=3ulOZ6fdlO4

Mundos Bizarros: https://www.youtube.com/watch?v=b8CpSj9DMMI

Imperio De Cristal: https://www.youtube.com/watch?v=kBGsYGtGcQg

Antes De Despertar: https://www.youtube.com/watch?v=kbFjt0O-0l0

MOON MEN y su alunizaje #3

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Volvemos pronto al cosmos progresivo de los estadounidenses MOON MEN por motivo de la reciente publicación de su tercer disco, que justamente se titula “3”: más exactamente, este ítem fue lanzado al mercado en el primer día del pasado mes de noviembre, como siempre, por vía independiente y autofinanciada de parte del grupo, siendo Bret Hart el principal distribuidor a través de las redes sociales. Tenemos aquí una nueva prueba del lucimiento musical de que es capaz la congregación del ya mencionado Bret Hart [guitarras eléctricas, acústicas y E-bow, grabaciones de campo, sintetizador Casio SK5 y efectos electrónicos], Jerry King [bajos, guitarras eléctricas y trombones], Bill Jungwirth [batería y percusiones] y Dave Newhouse [saxofones, clarinete, teclados y sintetizadores]. Por supuesto, los miembros de MOON MEN usan también sus respectivos seudónimos de Eschaton Crater, Cthulhu Moone, Billzilla y Dom Fook. Este tercer alunizaje space-avant-progresivo de parte de los MOON MEN se asienta sobre unos viajes rockeros generalmente un poco más adustos que los exhibidos en los dos discos precedentes, a la par que se ahonda en las exploraciones de ambientes cósmicos y colores musicales. El disco fue mezclado y masterizado por Ian Beabout en el estudio ShedSounds Recordings. La solvente versatilidad de los cuatro integrantes individuales es muy bien aprovechada en el proceso de diseño, construcción y producción de cada uno de los ocho temas contenidos en el repertorio de “3”: las pautas creativas se han centrado principalmente en gestar atmósferas y estrategias sonoras más constreñidas que en discos precedentes. Veamos ahora los detalles específicos de estas pautas mencionadas.

Los 4 primeros minutos del disco están ocupados por ‘Fedora Moon’, un tema que se siente etéreo y entrañable a través del desarrollo de su sencillo motif, el cual halla no pocos recursos de expansión expresionista en las robustamente distorsionadas líneas del bajo. Con la batería manejando con sutil elegancia el compás básico en un medio tiempo y las guitarras articulando fraseos que van y vienen de lo espartano a lo otoñal, el grupo se pone muy en sintonía con los paradigmas de CAN (fase 74-75), ASH RA TEMPEL y la faceta más relajada de GURU GURU. ‘Peas & Carrots & Grass’ sigue a continuación para cumplir con la misión de expandir los recursos de exquisita extravagancia cósmica que el grupo tiene como norte primordial de su propuesta. Así, la pauta marcada por la batería apunta a un híbrido entre el avant-jazz y el post-rock con un filo psicodélico que está debidamente apuntalado por las presencias de los vientos, la guitarra y el teclado. Ese filo se acentúa a mitad de camino cuando el ensamble intensifica un poco el groove y aumenta la dosis de extravagancia a la variante temática que tiene lugar. Hay una suerte de extraña calidez funcionando sobre los cimientos de este viaje musical arropado por vibraciones sobrias y, hasta cierto punto, misteriosas. He aquí el eslabón perdido entre los PINK FLOYD de “Ummagumma” y el paradigma primigenio de HENRY COW (los dos primeros álbumes). ‘Coeur De Boeuf’ explora un clima parecido al del primer tema, pero con un encuadre más distante en su esquema sonoro, dando así una apariencia de rústico traqueteo. Muy a lo kraut con sus factores jazzeros operando de una manera sobriamente calculada. El solo de saxo que entra a tallar cerca del final es simplemente magnífico. Esta pieza y la precedente conforman dos cénits definitivos del repertorio. Bajo el ceremonioso título de ‘The Dark Side Of The Moon Is Dark For A Reason’, la cuarta pieza de “3” exhibe una aureola ceremoniosa que se siente, en muchos aspectos, penetrada por vibraciones místicas, especialmente en lo referente a los ornamentos de sintetizador que van flotando por aquí y por allá mientras el piano eléctrico y la batería pugnan conjuntamente por definir algún esquema general para la instrumentación. El quinto tema del repertorio es el más breve con sus poco más de 2 ½ minutos de duración y se titula ‘And With Stars At Her Feet’. Su enfoque sonoro se emparenta con el aura flotante de la pieza precedente, pero esta vez el grupo la remodela con un talante más lírico, un motif sereno y hermoso casi rayano con el acid-folk. 

‘Nurse Ratched’ se caracteriza por establecer un clima juguetón dentro de un esquema relajado y sosegado, utilizando un motivo musical de talante circense. En todo caso, esta pieza está en las antípodas del jolgorio y la algarabía de la autocomplacencia lúdica propia de una atmósfera circense: parece más bien una música de fondo para un paisaje donde se está desmontando toda la logística de un circo a la mañana siguiente de la función mientras se insertan trucos Zappianos a lo largo del camino (un poco al estilo de los pasajes más lánguidos de su discografía de fines de los 60s e inicios de los 70s). ‘The Mutt Stars And Cat Planets’ comienza elaborando el swing más extrovertido del álbum, dueño de unas cadencias bastante dinámicas dentro de un encuadre jazz-progresivo y también de un vigor refrescante y renovador que contrasta claramente con el predominio de lo sobrio que se ha venido dando hasta ahora. Pero este gobierno de la luminosidad dura poco porque el grupo finalmente regresa a lo otoñal por vía de un segundo motif en el que el grupo establece una remodelación Canterburyana de una idea musical que nos remite al modelo de HENRY COW, e indirectamente, al de los primeros discos de THE MUFFINS. Es una pena que esta segunda mitad de la pieza no dure más porque la base de piano que la impulsa es bastante llamativa. ‘Ennio Bopped Me’ es la pieza más extensa del álbum con sus poco más de 7 ¼ minutos de duración, y también es la que lo cierra. La alusión al tal Ennio debe ser al maestro compositor ENNIO MORRICONE pues el groove central de la pieza tiene la forma de una banda sonora de western, tanto en el armazón de la dupla rítmica como en los fraseos básicos de la guitarra. En todo caso, el grupo le da una aguda tergiversación avant-progresiva al asunto por vía de la adición de elementos jazzeros y psicodélicos al desarrollo temático. De hecho, poco antes de llegar a la frontera del tercer minuto y medio, el grupo vira hacia un ejercicio de space-rock contaminado por oleajes post-rockeros sobre un swing bluesero. La última sección de la pieza regresa al primer motif tras una cómica utilización del himno fúnebre militar: esta vez, el diseño instrumental es más parco y se incluye un monólogo campechano. Un cierre interesante para un disco que se rebalsa con mucha clase  en su propia creatividad constitutiva. Siendo una obra muy interesante que nos muestra unas aristas menos suntuosas del ideario de los MOON MEN que las que se plasmaron en los dos discos precedentes, “3” funciona como un testimonio de la refinada versatilidad que el cuarteto en cuestión tiene como su raison d'être. Nos ha gustado mucho este disco y nos parece que debe ser apreciado como una exitosa experimentación de sonoridades renovadoras emanadas de este grupo al que admiramos cada vez más.

Muestras de “3”.-

Peas & Carrots & Grass: https://bhhstuff.bandcamp.com/track/peas-carrots-grass

Coeur De Boeuf: https://bhhstuff.bandcamp.com/track/coeur-de-boeuf

Ennio Bopped Me: https://bhhstuff.bandcamp.com/track/ennio-bopped-me

AUTOMATISM: desembocando en el mar con el ímpetu de la psicodelia progresiva

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de reseñar el disco “Into The Sea”, el más reciente trabajo fonográfico de los suecos AUTOMATISM cultores de una modalidad de rock progresivo donde concluyen el space-rock, el krautrock y la psicodelia de inclinaciones post-rockeras, más algunos matices añadidos de jazz-rock. Este cuarteto conformado por Hans Hjelm [guitarra, sintetizador y percusión], Gustav Nygren [guitarra], Mikael Tuominen [bajo, guitarra y percusión] y Jonas Yrlid [batería] nos sorprendió gratamente con su disco de julio del pasado año 2018 “From The Lake”; un año más tarde, en el mismo mes del actual año 2019, el grupo publicó “Into The Sea”, un disco de cuatro piezas entre las que se incluyen nuevas versiones de dos de los que formaban parte de “From The Lake”: eso convierte a este nuevo disco en un ejercicio de reflexión sobre el anterior. Para uno de los temas nuevos, el cuarteto contó con la colaboración del guitarrista Jakob Sjöholm. Las sesiones de grabación de este nuevo disco tuvieron lugar en el Scartsjörlandet Studio de Estocolmo y el Moderskeppet de Aspudden. Vayamos ahora a los detalles de “Into The Sea”., ¿vale?

Los dos temas viejos que resurgen aquí con nuevos arreglos son ‘Propeller Propulsion’ y ‘Standing Wave’: recordamos que este último nos pareció un punto culminante del disco anterior. En el caso de ‘Propeller Propulsion’, nos encontramos con el mismo enfoque donde se hacía una reconstrucción del lenguaje cósmicamente machacante del space-rock con matices flotantes propios del post-rock y un esquema rítmico de talante motorik al estilo de de los dos primeros álbumes de NEU!. ‘Standing Wave’, por su parte, recibe una relevante remodelación que lo acerca mucho al otro tema que mencionamos antes, pues el grupo refuerza el esquematismo de la labor rítmica y matiza el vigor expresivo que antes encontramos en la versión original. El primero de los temas nuevos es ‘Journey In Satchidananda’, el mismo que dura 13 ¼ minutos. Esta composición es original de ALICE COLTRANE (pianista y compositora de jazz que fue la segunda y definitiva esposa del maestro JOHN COLTRANE), y en manos de este ensamble se convierte en un ejercicio de hibridización entre el jazz-prog de talante sombrío y el post-rock, todo ello arropado bajo un manto de evocadoras vibraciones psicodélicas cuya energía se expresa con muy tenue sutileza. Allí está latente la fuerza de carácter, muy real, recreándose en su propia aureola de misterio a través de las omnipresentes cadencias lánguidas que emanan del groove armado por la dupla rítmica. Las diversas fuentes de las guitarras van desde rasgueos oscilantes de talante distante hasta serenos fraseos melancólicos que salen al frente si asumir una actitud abrumadora. Hay un crescendo que se va armando pero que no busca proyectarse hacia un clímax suntuoso sino hacer resaltar su comedida paleta de colores sonoros; así, poco antes de llegar a la frontera del décimo minuto, las cosas se calman un poco y el clima general de languidez regresa a su nivel habitual de magia ensoñadora. 

‘Sparkler’ es el segundo tema nuevo y también el que se encarga de cerrar el disco. Se trata de la única composición nueva hecha por el grupo y podemos decir que nos complace mucho el modo en que el grupo emplea una ambientación absorbentemente crepuscular para sustentar sólidamente una estrategia de confluencias entre la faceta más onírica del krautrock (al modo de las facetas más introspectivas de unos AGITATION FREE o unos AMON DÜÜL II) y el nervio inquietante generado por el continuo brote minimalista de tendencia post-rockera. Sobre esta base, el colectivo crea recursos de controlada sofisticación mediante el empleo de un constante groove de tintes jazzeados, y, a poco del final, la inserción de un onírico solo de sintetizador: a pesar de no tratarse de algo fastuoso per se, la inserción de este último elemento resulta crucial para resaltar la muy sobria magnificencia que se transpira a través del repetitivo motif central. Dentro del entramado central, el núcleo temático reposa sobre los etéreos enmarañamientos de las guitarras y las elegantes cadencias del bajo. Todo esto es lo que se nos ofrece en “Into The Sea” de parte de AUTOMATISM: no es mucho lo nuevo que hallamos aquí pero está muy bien que la banda se mantenga activa en paralelo con otros proyectos en los que están involucrados sus integrantes. De hecho, el ensamble de AUTOMATISM publicó a fines de setiembre un EP dividido junto al grupo alemán PAVALLION, aportando una composición titulada ‘Sonar’. Esperamos que el próximo disco de larga duración de AUTOMATISM los siga mostrando con la buena forma de siempre y, sobre todo, que no tarde mucho en concretarse.

Muestras de “Into The Sea”.-

Journey In Satchidananda: https://automatismband.bandcamp.com/track/journey-in-satchidananda

Sparkler: https://automatismband.bandcamp.com/track/sparkler

Un estupendo menú prog-psicodélico de parte de KUNGENS MÄN

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión presentamos “CHEF”, el más reciente disco del prolífico ensamble prog-psicodélico sueco que se llama KUNGENS MÄN. El disco en cuestión fue publicado en en el último tercio de febrero de este año 2019, por vía del sello Riot Season, exclusivamente en formato de vinilo. La alineación que gestó y grabó “CHEF” está conformada por el bajista Magnus Öhrn, los guitarristas Hans Hjelm y Mikael Tuominen, el baterista Mattias Indy Pettersson y el sintetista Peter Erikson. Para el último de los temas de este disco, el quinteto contó con la participación invitada de un tercer guitarrista, Gustav Nygren, quien también es colega de algunos de los integrantes de KUNGENS MÄN en AUTOMATISM, además de ser integrante de FANATISM. Parece ser que, tras esta participación, Nygren pasó a ser el sexto integrante de la banda, dada la evidencia de su presencia recurrente en fotos publicitarias y de conciertos a lo largo de este año 2019. Tuominen, uno de los guitarristas, se hizo cargo de organizar los procesos de grabación y de mezcla de este disco que aquí reseñamos. KUNGENS MÄN, grupo instalado en la ciudad de Estocolmo, tiene una amplia discografía en su haber, la cual se inició en el año 2013 con el álbum “Transportkatalogen”, completado y publicado de manera solamente virtual un año después de la formación del grupo en cuestión. La formación del grupo ha oscilado siempre entre el formato de quinteto y el de sexteto, y en el caso de la grabación de “CHEF”, tenemos la situación particular de un quinteto que se estaba rearmando como sexteto. Bueno, veamos ahora los detalles de su repertorio.

Durando casi 11 ½ minutos, ‘Fyrkantig Böjelse’ abre el disco con una estrategia sonora que se enfila por un doble frente muy interesante: por un lado, tenemos el refinamiento de inclinaciones jazz-rockeras de los guitarreos (un poco al estilo de unos AGITATION FREE dinamizados por el enfoque modernizado de unos MY SLEEPING KARMA); por el otro, una dupla rítmica que fluye mecánicamente, al inicio como el clásico motorik de unos NEU!, y derivando luego hacia una pulsación más ruda a lo HAWKWIND. Es cuando entra a tallar esta última instancia que los guitarreos se vuelven más fieros, y también aprovecha el sintetizador, al inicio bastante escondido, para lucirse un poco más a fin de completar los espacios de los riffs dobles. Ya en este momento, la pieza llega a su decisivo summum de extroversión psicodélica hasta el punto de convertirse en un genuino manifiesto de jolgorio rockero. Impactante punto de partida que es seguido por ‘Öppen För Stängda Dörrar’, pieza que cumple con la misión de explorar atmósferas lánguidas y misteriosas, casi coqueteando con lo oscurantista, bajo las pautas simultáneas de unos GURU GURU (discos segundo y tercero), unos ASH RA TEMPEL y los PINK FLOYD de la fase 69-71. La elección de un compás lento, el manejo de ornamentos cósmicamente siniestros de parte del sintetizador y el empleo de algunos rasgueos extremadamente densos de una de las guitarras actuantes hacen que el esquema sonoro global se adentre en el stoner, y además, se emparente con la esfera más áspera del post-rock. Tras el jolgorio creciente desarrollado en el tema de apertura llega un momento de reposo para un ejercicio de voraz e inescrutable introspección. La segunda mitad del disco (para nosotros, la mejor) se abre con ‘Män Med Medel’, una pieza particularmente intensa. Todo comienza con un perfilamiento capitalizador de la exaltación psicodélica y robusta del primer tema, llevándola hacia un terreno más explosivo. Las incandescentes cadencias del muy distorsionado bajo le hacen mezclarse con la dupla guitarrera con total naturalidad mientras la batería se deja llevar por su propia musculatura. Suena aquí un híbrido de BLACK SABBATH y HAWKWIND a través de los filtros contemporáneos de CAUSA SUI y AMPACITY (más cercanos a la furia de aquéllos que al nervio más refinado de éstos). El epílogo marcado durante los dos últimos minutos es un ejercicio de caos climático que, en bastante medida, signa la celebración de su propia majestuosidad salvaje. 

Ocupando un espacio de poco más de 11 ¼ minutos, ‘Eftertankens Blanka Krankhet’ cierra el disco a lo grande pues es cuando el grupo aprovecha la ocasión de contar con un guitarrista extra para hacer dos cosas: añadir más cemento a su muralla sonora y explorar el factor más sofisticado de su ideario musical. En efecto, ahora el grupo explora un dinamismo exótico tanto en las cadencias meso-orientales armadas por la dupla rítmica como en los laboriosos enmarañamientos de las tres guitarras, las cuales gestan una especie de sortilegio onírico. Sin ser precisamente una pieza trepidante, se siente un vigor muy colorido y muy estimulante a lo largo del desarrollo temático, el cual saca buen provecho de su groove en 6/8. Lo que suena ahora es un encuentro entre la tradición de los AMON DÜÜL II de la etapa 1970-2 y el paradigma de MY SLEEPING KARMA. El cuerpo central mantiene una constancia en la preservación de la atmósfera tan convincente que nunca se hace cansina... y de hecho, el fade-out nos deja con ganas de más, pero es que el disco ya llegó a su fin. El grupo se mantiene muy activo, y tanto es así que ya tiene un nuevo LP en el horno que se llama “Hårt Som Ben” y cuya fecha de salida será a fines de este mismo mes de noviembre, así que… ¡a estar preparados para esa ocasión! Por lo pronto, “CHEF” nos brinda una experiencia melómana intensa, rica en matices y cautivadora: seguiremos de cerca las nuevas pistas de KUNGENS MÄN.

Muestras de “CHEF”.-

Män Med Medel: https://kungensman.bandcamp.com/track/m-n-med-medel

Eftertankens Blanka Krankhet: https://kungensman.bandcamp.com/track/eftertankens-blanka-krankhet

El intenso orbe prog-psicodélico de MONOMYTH

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy presentamos al grupo neerlandés MONOMYTH y su cuarta placa fonográfica, la cual se titula “Orbis Quadrantis” y fue publicada poco antes del ecuador del pasado mes de setiembre. El sello encargado de esta publicación es Suburban Records, quien realizó una edición en CD y varias limitadas en vinilo (una de ellas con coloración transparente de azul y negro). Este quinteto afincado en La Haya se dedica a cultivar una psicodelia progresiva bastante ecléctica donde confluyen elementos del stoner, el post-rock, el krautrock y el space-rock: su conformación está integrada por Selwyn Slop [guitarras barítino y bajo], Sander Evers [batería y percusión], Boudewijn Bonebakker [guitarra], Peter Van Der Meer [teclados y guitarra] y Tjerk Stoop [sintetizador y guitarra]. Los dos primeros son los fundadores de este combo fundado en el año 2001. Su disco homónimo de setiembre del año 2013 marcó su debut en el Mercado musical, marcando una trilogía a ser completada por la sucesión de ‘Further’ (2014) y ‘Exo’ (2016), siendo así que este último tuvo una gran recepción en los círculos de difusión de rock psicodélico. Ahora, con “Orbis Quadrantis”, podemos decir que la gente de MONOMYTH ha conquistado una nueva instancia de matices refrescantes dentro de su bien enfilada línea de trabajo. Este nuevo disco consta de 4 piezas, durando dos de ellas 9 minutos y las otras dos oscilando entre los 10 y los 12 minutos. El proceso de grabación, producción y mezcla de este Nuevo disco tuvo lugar entre los meses de junio y agosto del pasado año 2018, en los estudios Moon Music y The Void. ¡Parece que el grupo se tomó un tiempo muy paciente preparando esta publicación final! Bueno, veamos ahora sus detalles, ¿vale?

‘Aquilo’ abre el álbum con todo, y eso que sus pasajes iniciales exhiben una languidez flotante que se regodean en sus tenues vibraciones minimalistas con una gracia etérea que se siente tan otoñal como inescrutable. Recién cuando falta poco para que se pase la frontera del cuarto minuto es que entra en acción la batería, siendo éste el momento en que el ensamble instaura en bloque un cuerpo central centrado en el territorio de MOGWAI con algunos elementos de MONO. La persistente presencia de ornamentos sintetizados ayuda mucho a reforzar el aura introspectiva a través de esta primera sección. Cuando llega la hora de la segunda sección, el grupo pasa a un ejercicio de stoner a medio tiempo, el cual impulsa un fino enriquecimiento del trasfondo de teclados y abre campo para una sucesión de sugerentes solos de guitarra. Estos mismos se sitúan en una encrucijada de los paradigmas de PINK FLOYD (fines de los 70s) y GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR (fase 1994-2002). Para el último minuto, el bloque instrumental se densifica a la par que inserta un crucial lirismo, haciendo que todo se torne apropiadamente fastuoso de forma veloz y fluida. Tras este estupendo punto de arranque emerge ‘Eurus’, tema que comienza con un vigor rockero razonablemente cañero, un ejercicio de space-rock machacón que hermana la añeja tradición de unos HAWKWIND con el vitalismo modernizado de unos CAUSA SUI y unos MY SLEEPING KARMA. En todo caso, se nota un predominio de la estrategia refinada de los dos últimos grupos mencionados a través de la ilación de los diversos riffs desde los cuales se impulsan los sucesivos motivos. Hay una musculatura nerviosa y exquisita en el traslapamiento de los guitarreos mientras la dupla rítmica da prioridad a la dimensión maquinista del groove en curso. La calidez altiva que entra a tallar en el armazón sonoro poco antes de llegar a la frontera del séptimo minuto permite al grupo explorar una vez más su faceta cósmica, casi coqueteando con el paradigma de AGITATION FREE; es hora de que la dupla rítmica se suelte un poco a fin de crear una cadencia señorial y relajada, para que así este río rockero desemboque en el mar del vacío conclusivo con total naturalidad. 

La misión de ‘Auster’ es, para empezar, la de tomarnos por sorpresa pues comienza con una secuencia sintetizada propia de un disco de TANGERINE DREAM de la segunda mitad de los 70s, pero mientras los instrumentos van aunándose gradualmente, nos damos cuenta de que hay aquí un hermanamiento sólido entre las abstracciones cibernéticas y la faceta más sofisticada del patrón space-rockero. El tempo en 6/8 es bien aprovechado por el ensamble, tanto en lo referente a la gracilidad arquitectónica de la batería como en la amalgama de guitarras y teclados. A mitad de camino, un momento de incremento en la densidad de las capas de teclados y el empleo de efectos lisérgicos de las guitarras gesta un puente oportuno para la próxima instauración de una atmósfera punzante. El camino está perfectamente preparado para un crescendo rotundo en el cual el grupo proyecta las aristas más ambiciosas de su dinamismo esencial. Tal vez se trate de nuestra pieza favorita del álbum, no, no tal vez, definitivamente lo designamos como tal. Todo termina con ‘Favonius’, una pieza que básicamente está diseñada para volver a explorar las atmósferas flotantes y misteriosas que ya apreciamos en el primer tema del álbum. De hecho, es prácticamente un apéndice del mismo porque su foco temático se delinea centrándose exclusivamente en esa languidez otoñal que signó a buena parte de ese cautivador tema de inicio. ‘Favonius’ ejerce así el rol de canalizador de la faceta más prestamente introspectiva de la banda, usando una parsimonia introspectiva como presa de contención ante la densidad emocional latente. El esquema sonoro es una proyección post-rockera de los modelos de AGITATION FREE y PINK FLOYD, comenzando con un tempo de 7/8 y luego con un más relajado 4/4. Se toma su tiempo para aterrizar y calmarse, pero al final se llega al cierre plácido que la pieza reclamaba En fin, esto es todo lo que nos brindó el personal de MONOMYTH con “Orbis Quadrantis”, un disco muy interesante de psicodelia progresiva donde sus fuentes eclécticas sirven para crear atmósferas razonablemente variadas dentro de un enfoque estilístico inteligente y estilizado. Nos ha causado muy buena impresión esta banda que acabamos de descubrir: se recomienda ampliamente investigar en toda su fonografía, incluyendo a este nuevo disco de manera enfática.

Muestras de “Orbis Quadrantis”.-

Aquilo:  https://monomyththeband.bandcamp.com/track/aquilo

Auster: https://monomyththeband.bandcamp.com/track/auster

Una nueva dimensión para la veterana identidad progresiva de SEZIONE FRENANTE

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos el placer de hablar del grupo prog-sinfónico italiano llamado SEZIONE FRENANTE y su nuevo disco “Nuove Dimensione”, publicado por el sello Ma.Ra.Cash Records en el pasado 18 de mayo. El colectivo que gestó este disco está conformado por el pentágono de Alessandro Casagrande [batería y percusión], Mirco De Marchi [piano, órgano Hammond, mellotrón y sintetizadores], Sandro Bellemo [bajos con y sin trastes], Antonio Zullo [guitarras eléctricas, acústica y clásica] y Luciano Degli Alimari [voz]. En algunos temas, el quinteto cuenta con las colaboraciones de Deborah Barbiero (coros), Mauro Martello (flauta) y Francesca Rismondo (cello). Este grupo se formó en Venecia en el año 1974 y se disolvió 4 años después, resucitando en el nuevo milenio de la mano de tres de sus integrantes originales: De Marchi, Casagrande y el guitarrista Doriano Mestriner, siendo así que este último dejó la banda un año después de la publicación de “Metafora Di Un Viaggio”, el primer disco propiamente dicho de este ensamble. Curiosamente, en aquellos años 70s, el nombre que había adoptado esta banda fue NUOVE DIMENSIONE, y ahora en el año 2019, resulta ser el título de su segundo álbum con su nuevo nombre adoptado en el año 2006. El estilo de la banda es fiel a sus raíces originarias: sería injusto llamarlo retro-progresivo solo porque tuvo la mala fortuna de no lograr nunca un contrato de grabación formal en sus primeros tiempos (un mal hado compartido con otras bandas italianas como CONSORZIO ACQUA POTABILE e IL CASTELLO DI ATLANTE). “Nuove Dimensione” es un disco conceptual sobre el ansia del hombre por conocer los misterios del universo: su origen, su estructura material, el flujo del tiempo, la profundidad del espacio, el surgimiento de los agujeros negros. Fue grabado a fines del 2018 para ser mezclado y remasterizado en Il Passo Studio en febrero del 2019. Bueno, veamos ahora los detalles de su repertorio, ¿vale? 

    

‘Kosmos’ abre el álbum iniciando su trayecto sonoro con un envolvente clima cósmico de etéreas capas de sintetizadores que quedan oportunamente acentuadas por minimalistas notas de piano eléctrico. A poco de llegar a la frontera del minuto y tres cuartos, una secuencia de guitarras acústicas armonizada con expansiones de los sintetizadores empiezan a armar un cuerpo central que no tardará mucho en revelarse como extrovertido y jovial. Las puntuaciones inicialmente tentativas de la tríada de guitarra, bajo y batería impulsan el llamativo groove sobre el cual se habrá de sostener el desarrollo temático. Con guitarreos y armazones de teclados que transitan entre lo Genesiano y lo Cameliano bajo una ingeniería al estilo de LE ORME (post-80) e IL CASTELLO DE ATLANTE, la pieza se asienta firmemente como una apertura idónea para el repertorio. Tras este tema que duró 6 ¼ minutos sigue otro que dura 6 ½ minutos, el mismo que se titula ‘L’era Di Planck’. Aquí opera un aura más ceremoniosa que nos remite a lo sombrío bajo la pauta de un dramatismo fastuoso que se siente típicamente italiano (por decirlo de alguna manera). Aquí confluyen la vieja escuela de BANCO DEL MUTUO SOCCORSO y los aires nuevos de unos SYNDONE y unos UNREAL CITY. Tras una expectante primera sección en la que el órgano llenaba el foco instrumental, el ensamble en pleno entra en acción para trasladar la permanente ceremoniosidad hacia una ambientación un poco más aguerrida. Para los dos últimos minutos, el grupo da un viraje temático más intenso, con ciertos ribetes Emersonianos a despecho del protagonismo de la guitarra. El inicio del tercer tema, titulado ‘Fuso Delle Necessita’’’, se engarza con el final del anterior. Su cuerpo central se desarrolla sobre un ágil y vivaz tempo en 7/8 que se sitúa a medio camino entre el paradigma de METAMORFOSI y el sinfonismo moderno. La breve coda nos sorprende por virar radicalmente a un clima taciturno. ‘Principe Del Vuoto’, que es la segunda canción más extensa del disco con sus casi 8 minutos de duración, comienza reiterando en cierta medida las vibraciones ceremoniosas de ‘L’era Di Planck’, aunque es notable la variante pastoril que entra a tallar aquí en varios momentos del refinado y cristalino esquema melódico en curso. De hecho, la presencia de la flauta es importante para que se inserte algo de calidez en medio del dramatismo reinante (mientras que en la canción precedente, realzaba el fulgor crucial). Pasado el ecuador de ‘Principe Del Vuoto’, el grupo elabora un swing ágil y resuelto sobre el que se explaya un índice melódico de inspiración arábiga, una sección final que concluye con un golpe de rotunda resolución. Todo un cénit del álbum.

‘Orizzonte Degli Eventi’ tiene que lidiar con su posición de pieza sucesora del esplendoroso cuarto tema, y lo hace exhibiendo un solvente punche rockero sobre un swing que no es extremadamente frenético pero que sí ostenta suficientes recursos de gracilidad y vigor como para permitir que la entusiasta musicalidad del desarrollo temático exhiba una muy atractiva exuberancia. Las variaciones de motivos son manejadas con impoluta fluidez, llegándose a incorporar incluso un pasaje de atenuada extroversión donde el piano eléctrico asume unas cadencias jazzeras mientras la guitarra elabora un solo de contenida pirotecnia. La breve coda reitera el motivo inicial, redondeando el manejo del punche rockero, con lo cual se concreta otro punto culminante de este disco, el cual exhibió aires de familia con NUOVA ERA e IL BACIO DELLA MEDUSA. Cuando llega el turno de ‘Venere’, el grupo le da una remodelación un poco menos aguerrida a las atmósferas y esquemas sonoros que signaron a ‘Orizzonte Degli Eventi’ para llevarnos a algo más cercano al modelo retro-progresivo europeo que se ha venido reforzado continuamente desde aquellos tiempos del revival de los 90s. La guitarra y la dupla rítmica se orientan mayormente hacia cadencias funk-rockeras mientras que el elemento sinfónico queda a cargo de las capas y solos de teclado. Solamente al final se suelta la guitarra para añadir copiosas acentuaciones a la dinámica bien delineada del Moog. La penúltima pieza del álbum se titula ‘E’ Nata Una Stella (Giostra A Catena)’ y con sus poco más de 10 minutos de duración se erige como la más extensa del disco; de hecho, esta circunstancia le permite plasmar las mayores dosis de magnificencia sonora que forman parte del ideario estético de la banda. Todo empieza con la guitarra acústica trazando el camino para la base armónica que en breves instantes llenará con solemne majestuosidad el quinteto en pleno. Poco antes de llegar a las frontera de los cuatro minutos y tres cuartos, la pieza da un quiebre colorido al asunto en base a una muy inspirada amalgama de vibraciones manieristas en el nuevo esquema melódico y enclaves folklóricos en el armazón rítmico. Ese factor manierista se sitúa cómodamente en la encrucijada entre ELP, LE ORME y FINISTERRE. Lo que ocurre aquí es un interludio no muy extenso, pero su esencial vivacidad causa suficiente impacto como para que el regreso a las atmósferas solemnes iniciales asuma una renovadora musculatura. Nos perece innegable que el último solo de guitarra de esta canción, el cual cuenta con un generoso espacio para expresar su propia tensión particular dentro del engranaje grave y señorial de la sección final de ‘E’ Nata Una Stella (Giostra A Catena)’, es la más impresionante de todas sus intervenciones en el disco que ahora reseñamos. 

‘Nomadi Velieri’ es el epílogo del álbum y su aporte consiste en la exploración de sencillas atmósferas bucólicas dentro de un encuadre folk-progresivo de inspiración renacentista. En poco menos de 4 minutos, esta canción expone un efectivo contraste frente a la severa y expansiva prestancia de la larga canción que le precedió. El enraizamiento frontal de las intervenciones de la flauta y el cello hermanadas con las bases armónicas de las guitarras acústicas tienen la apariencia de un sortilegio que convoca a la calma y el reposo. De esta forma, “Nuove Dimensioni” termina de decirnos todo lo que nos quería decir desde la congregación de mentes que diseña el ideario musical de SEZIONE FRENANTE. Este grupo ha asumido con muchísima seriedad la misión de tomarse la revancha contra las ingratitudes del mercado musical, logrando concretar una propuesta musical comprometida con la belleza, la energía expresiva y el vitalismo versátil propio del estándar del rock sinfónico: este bello disco es la prueba irrefutable de eso. 

Muestras de “Nuove Dimensioni”.-

L’era Di Planck: https://maracashrecords.bandcamp.com/track/lera-di-planck

Principe Del Vuoto: https://maracashrecords.bandcamp.com/track/orizzonte-degli-eventi

Orizonte Degli Eventi: https://maracashrecords.bandcamp.com/track/orizzonte-degli-eventi