El pandemonio del jazz-metal progresivo según los franceses TRYTON

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Hay buenas nuevas desde los cuarteles del grupo francés de jazz-metal progresivo TRYTON: a inicios del pasado mes de junio se publicó su nuevo trabajo “A Season Of Pandaemonium” por vía del sello The Hills Are Dead Records, tanto en CD como en casete (ediciones limitadas de 50 CD y 50 casetes). El colectivo conformado por Tiziano Sammarro [guitarras, guitarra-sintetizador y bajo], Frédérique Koebel [sintetizadores y piano] y Rimal Tarba [batería y percusión]. El trío recibe las ocasionales colaboraciones de Pierre Marrinet (flautas), Mishelle Villarroel (violín y viola), Pierre-Emmanuel Chartron (cello) y Damien Sarret (oud). La inspiración visual del disco que hoy nos ocupa es el celebérrimo cuadro del maestro inglés JOHN MARTIN Pandemonium, mas bajo este ímpetu visual late un concepto de mensaje de fuerte carga social motivador por los tumultos bélicos y políticos que generan un imparable caos que las altas autoridades de las naciones presumen de contener bajo sus arbitrarias estructuras de orden. La reivindicación del pensador Domenico Scandella, Il Menocchio, del siglo XVI, los retos pendientes de la Primavera Árabe, la esperanza fraterna del multiculturalismo mediterráneo y los continuos recursos de opresión de parte de los poderosos inspiran a cada composición particular. Veamos ahora los resultados estrictamente musicales de estos procesos de inspiración.

Tras el ruido de un relincho de caballo y golpes de llamada a una puerta, ‘Il Menocchio (The Story Of Domenico Scandella)’ abre el repertorio con un masivo despliegue de nervio sofisticado cuyas garras bizarras se notan bastante afiladas. Los ornamentos y bases armónicas de los teclados arman un eficaz contrapunto frente a la intensa ingeniería rítmica mientras las líneas de bajo y los guitarreos lideran conjuntamente el mando metálico. Sigue a continuación ‘Al-Thawra (La Revolución)’ para cumplir con la misión de remodelar la fuerza sistemática de la pieza inaugural a través de un filtro exótico de inspiración medio-oriental. De esta manera, se abre camino a mayores recursos de versatilidad en el armado de recovecos multitemáticos. La inclusión de efectos de sonido de turbas airadas añade dramatismo al esquema musical en curso. ‘Tree’ comienza con un groove tribal que permite al ensamble acercarse más al factor jazz-rockero del ideario grupal. Por un buen rato, es más progresivo que metalero el armazón donde se encuadra la energía expresiva colectiva; de hecho, ostenta una estilización muy fulgurosa que algo tiene de festivo, si no mucho. Cuando finalmente entra a tallar el músculo metalero, opera como el clímax incendiario que el núcleo musical de la pieza exigía. ‘Sea People’ se sitúa dentro de una cruza entre los matices exóticos del segundo tema y el rabioso señorío del primero, siendo así que la catedral sónica que se va edificando establece puntuaciones bastante macizas. Los juegos de síncopas que gesta la batería portan un fragor absorbente mientras evitan hacerse machacones, realmente crean un swing elegante con el cual los otros instrumentos actuantes pueden explayarse en sus respectivos aportes.

 

La pieza más extensa del repertorio es precisamente la homónima, la cual ocupa un espacio de cerca de 8 ½ minutos. ‘A Season Of Pandaemonium’ comienza con una sección jazz-progresiva bastante ágil que sabe fluir con paso firme sobre la contundente base de la batería. No tardan las cosas en enfilar por la senda pesada trazada con laberintos geométricamente precisos; es aquí que los teclados elaboran varios nudos melódicos mientras el entramado global mezcla elementos de ANIMALS AS LEADERS y PLANET X. En el último cuarto de su desarrollo se genera un epílogo vivazmente oscuro, el mismo que está signado por una asertiva neurosis. El cénit decisivo del repertorio... pero todavía queda el bonus track ‘Le Bal Des Dragons’, un tema predominantemente basado en un lirismo grácil bajo la guía del piano. El vitalismo habitual de la banda se torna ahora sedoso, hasta gentil, al modo de una pequeña fiesta donde el factor melódico envuelve la logística sónica. Poco antes de llegar a la frontera del segundo minuto y medio, el bloque  sonoro aumenta su musculatura, lo cual no es tanto un viraje como una explosión momentánea de colores destellantes. El piano dirige el retorno al motif inicial para el epílogo. Todo esto fue lo que la gente de TRYTON nos brindó con “A Season Of Pandaemonium”, un estupendo trabajo que mantiene a la banda en la primera línea de la avanzada jazz-metalera de su país, y por consiguiente, también la avanzada rockera europea. Bastante recomendable. 

 

 

Muestras de “A Season Of Pandaemonium”.-

Al-Thawra (La Revolución): https://thehillsaredead.bandcamp.com/track/al-thawra-la-revoluci-n

A Season Of Pandaemonium: https://thehillsaredead.bandcamp.com/track/a-season-of-pandaemonium

 

Las crónicas progresivas del dúo noruego JORDSJØ para el año 2026

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He aquí lo nuevo del ensamble noruego JORDSJØ: “Pestkrønikene”, su séptimo trabajo de estudio exclusivo (el grupo tiene otros dos discos compartidos). La publicación del mencionado disco se dio el pasado 24 de julio por vía del sello Dying Victims Productions, tanto en CD como vinilo (formatos rojo y negro). El dúo conformado por Håkon Oftung [guitarras, flauta, teclados y voz] y Kristian Frøland [batería y percusión] recibió las colaboraciones ocasionales de Jon A. Henriksen (voz y pandereta), Lars Fredrik Frøislie (sí, el mismo de WOBBLER, al sintetizador Minimoog Model D), Andreas Prestmo (voz, también integrantes de WOBBLER) y Kristian Valbo (batería). La salida de este disco sirve para celebrar el décimo aniversario de JORDSJØ, un hito que la banda aprovecha para ostentar un nuevo giro más pesado que le da a su enclave históricamente centrado en el estándar folk-progresivo. El título del disco significa crónicas de la peste y ciertamente hay un dramatismo afín a esa noción en el modo en que los riffs de la guitarra eléctrica y los compases agitados de la ingeniería rítmica suenan tan prevalentes a lo largo del repertorio. De manera general, el disco gira en torno a las grandes lepras de nuestros tiempos: guerra, tensión social, la caída de gobiernos y el nuevo auge de sectas e ideologías excluyentes. En el aspecto técnico, Frøland estuvo a cargo de la producción y la mezcla de “Pestkrønikene”. Veamos ahora los detalles estrictamente musicales del disco. 
 
Durando casi 4 ½ minutos, la pieza homónima abre el repertorio con amplia prestancia. En efecto, ‘Pestkrønikene’ instaura un encuentro entre los mundos de WOBBLER y el maestro Bo Hansson con un gran impacto del factor de rock duro a la hora de concretar el esquema sónico.  En efecto, éste impone su potencia extrovertida para instalar el robusto cuerpo central. El intermedio bucólico pone una breve cuota de introspección lírica en medio del dominante fuego estilizado. Una apertura de álbum con mucho gancho, ojalá hubiera durado un poco más. ‘White Magic’ sigue a continuación para brindar una vivacidad renovada a la visión folk-progresiva que es esencial para el grupo. El cuerpo central, iniciado por un juguetón motivo de guitarra acústica, despliega un aura alegre donde los sobrios fraseos de la guitarra eléctrica añaden un colorido eficaz. El breve interludio reposado aporta una variable pastoral; finalmente, el epílogo vira hacia una solemnidad suntuosa. ‘Seven Heads’ regresa de lleno a la solidez hard-progresiva exhibida en la canción homónima, al modo de una composición perdida de QUATERMASS que pasó por el filtro de los URIAH HEEP de 1971-72. La dupla de ‘Kaosvelde – Vasallens Elegi’ y ‘Kaosveldets Endelikt’ permite al dúo explayarse en su bien definida paleta sonora. El primero de estos temas mencionados es un evocador juego folklórico cuyo emplazamiento padtora recibe interesantes ornamentos oscurantistas de parte de los teclados. Por su parte, el segundo es un animado instrumental rockero donde el grupo juega con agitaciones imponentes sobre un groove bastante intrépido. Las intervenciones del sintetizador ayudan a realzar el filo contundente del ensamble.
 
‘The Awakened’ establece un vínculo con los JETHRO TULL de 1977-78 con añadidos matices a lo DEEP PURPLE, además de una garra refinada afín al paradigma de BRIGHTEYE BRISON. Los solos de guitarra ostentan la elocuencia necesaria para preservar la claridad melódica del momento. ‘Spiritual Lament’ es la pieza más extensa del disco con su espacio de cerca de 5 ¾ minutos. Desde el mismo punto de partida, la pieza demuestra su iniciativa de explorar los recovecos más sofisticados del estándar progresivo. Tras un pasaje prologar ajustado a un tempo inusual, la banda elabora una inspirada alternancia entre pasajes aguerridos y otros más líricos, siendo aquéllos los predominantes. La labor de la dupla rítmica a través de los diversos motivos incrementa la aureola señorial de los índices melódicos. Para nosotros, se trata del momento culminante de este disco. ‘Talisman II’ dura casi 5 minutos y se encarga de cerrar el álbum. Su espíritu expresivo, que ostenta cierto aire de familia con la banda compatriota TUSMØRKE, se enfila por una síntesis de la canción inaugural y la precedente, aunque con una variante un poco más solemne. La sección epilogar despliega una magnificencia aristocrática que brinda al disco el cierre suntuoso que merece. En poco más de 35 minutos, la gente de JORDSJØ nos ha mostrado que sigue siendo una voz fuerte dentro del escenario progresivo noruego de nuestros días. Nos sorprende el grupo con esta musculatura nueva que se exhibe sistemáticamente en la mayor parte de “Pestkrønikene”; de verdad, una obra bastante recomendable. 

 
 
Muestras de “Pestkrønikene”.-

Pestkrønikene: https://dyingvictimsproductions.bandcamp.com/track/pestkr-nikene
White Magic: https://dyingvictimsproductions.bandcamp.com/track/white-magic-feat-jon-a-henriksen
Spiritual Lament: https://dyingvictimsproductions.bandcamp.com/track/spiritual-lament-feat-kristian-valbo

La magna travesura del veterano grupo estadounidense FRENCH TV: desde el norte de España para el mundo entero

 

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Hoy tenemos algo muy grande que presentar, tanto cualitativa como cuantitativamente: se trata del nuevo trabajo fonográfico de la veterana banda estadounidense de rock progresivo ecléctico FRENCH TV, un doble álbum titulado “The Spanish Caper” que fue publicado por el sello Cuneiform Records el 24 de abril último. Como siempre, el personal de FRENCH TV opera bajo el mando del bajista Mike Sary. En el primer volumen, él está acompañado por Katsumi Yoneda [guitarra], Jeff Gard [batería], Nico Fabre [teclados], Ludo Fabre [violín] y Karl Ledus [saxofón y weirdophone]. En el segundo, FRENCH TV opera con el quinteto de Sary, Yoneda, el teclista Pat Stawser, el baterista Jeff “The Funky Judge” Gard y Gregory Acker al saxofón y la flauta. El nuevo material de la banda está reservado para el primer volumen: casi todo lo que suena allí fue registrado en los Estudios Pen de Ceros Studios de Oviedo, el norte de España, la hermosa Asturias, en julio de 2024. El segundo volumen está ocupado por versiones de canciones clásicas del rock de los 60 y 70, grabadas, mezcladas y masterizadas en el estudio Louisville Recording Arts, Louisville, Kentucky, en los años 2023 y 2024. Howie Gano se hizo cargo de todas estas cuestiones técnicas, incluyendo la posproducción y las mezclas de instrumentaciones adicionales para el repertorio nuevo. Mientras tanto, Sary realizó la imagen de la portada y el diseño gráfico. Él siempre tuvo en mente emular lo que muchos grupos hicieron en los 60 y 70, grabar un disco en alguna cabaña apartada del mundanal ruido urbano en medio de los conciertos de una gira. La oportunidad se presentó cuando el grupo realizó un concierto en la costa norteña española y gestó nuevo material durante un par de semana. La idea para el segundo volumen es una fantasía de Sary de hacer un disco completo de versiones, algo no ajeno al mundo de FRENCH TV, pues ya había versiones ocasionales de canciones de NEKTAR y SAMLA MAMMAS MANNA en algunos discos, además de un popurrí de aportes de grupos progresivos franceses. Pero esta vez se trata de canciones de diversos estilos que datan de los 60 y 70 y que contienen un elemento progresivo en sus pasajes instrumentales. El reto consistió en familiarizar a todos los demás integrantes de la banda con los 12 temas que Sary les propuso, pues ellos sólo conocían 2 o 3. En palabras del propio Mike, aunque la evaporación cultural de estas canciones pertenecientes a la leyenda del rock sea inevitable, él y sus compañeros de viaje pondrán su grano de arena en la postergación de ese momento. 

Veamos ahora los detalles concretos del vastísimo repertorio de “The Spanish Caper”. Todo empieza con ‘Entrance Of The Small-Faced Man’, una pieza bastante alegre cuya persistente vivacidad se manifiesta en el colorido esencial de sus centros temáticos, bien encuadrados ellos dentro de una ingeniería híbrida de jazz-prog y modismos Zappianos al estilo de fines de los 70. Los incesantes cambios de ritmo que tienen lugar brindan un dinamismo coquetamente exótico a la composición. ‘Who Is X-35?’ sigue a continuación para explayarse una aureola más ligera que permite a la continuada algarabía centrarse en un foco prog-sinfónico donde la banda establece nexos estilísticos con YES y CAMEL. Hay unos enormes solos respectivos de saxofón y sintetizador que emergen para dar una magnificencia especial al bloque sonoro íntegro. La dupla de ‘Just Another Tapdance On The Frying Pan Of Life’ y ‘The Eyes Roll For Thee’ expande la paleta sonora del ensamble con fruición y entusiasmo. El primero de estos temas mencionados se dedica básicamente a volver sobre los pasos andados por la pieza precedente, sólo que esta vez el vigor expresivo se atenúa un poco para que el ensamble pueda dar rienda suelta a su potencial de gracilidad. Las intervenciones del violín son cruciales para el refuerzo de las tonalidades grupales. En cuanto a ‘The Eyes Roll For Thee’, se trata de una nueva visita al área de jovialidad jazz-progresiva en la que el ensamble había instaurado la pieza de apertura. Eso sí, en esta ocasión, los colores sonoros tienen un fulgor más presuroso debido a las inteligentes variaciones de groove que impone la dupla rítmica. Los torcimientos y replanteamientos de la ingeniería musical están a la orden del día y gestan una sana variedad para el desarrollo multitemático hasta el rotundo golpe final. ‘In Pursuit Of Element 'Z'’ mantiene las cosas dentro de este talante extrovertido que es la pauta histórica de la banda y que ha ganado en luminosidad desde el año 2017 (el tiempo de “Operation: Mockingbird”). Los momentos de ágil esplendor y cálida gentileza se suceden con total fluidez; mientras tanto, el sintetizador genera recursos extravagantes en medio del bien estructurado dinamismo colectivo. El reposado epílogo llega de sorpresa, mostrando una vez más un ingenio portentoso dentro de una musicalidad que siempre quiere presumir de ser vivazmente ostentosa. Un cénit del álbum, no nos cabe duda de ello.

El sexto tema del disco ostenta el peculiar título de ‘An Unusual Tolerance For The Detrius Of Memorabilia’ y se enfoca preferentemente en el avant-prog de talante gentil y mentalidad dadaísta. Regresan esos extraños solos cósmicos de sintetizador y está desatada la lógica del cambio de reglas dentro de lo que, en la práctica, es un rompecabezas musical donde hay que ver el todo completado para captar la belleza de los colores dispersos en las piezas individuales. La séptima pieza es la que justamente da título al doble álbum. ‘The Spanish Caper’ es una digna heredera de las piezas #1 y #4 por su manera tan frontal de jugar con lo vitalista de una manera amable que también sabe ser estrambótica dentro de un entramado sonoro bien organizado. Es que la gente de FRENCH TV sabe cómo evocar a la anarquía mientras se mantiene en las antípodas de la misma, su singular organicidad donde conviven lo disparatado y lo compacto. Incluso en este caso, hay un par de pasajes donde se visita el ámbito del jaleo flamenco-latino. ‘Forest Of Forgotten Skulls’ cierra el primer volumen y es el ítem más extenso del mismo con su duración de 6 ¼ minutos. Comenzando con un breve preludio etéreo, la instrumentación pronto se torna bastante muscular, extrovertida pero ya no tan alegre, es más ruda y neurótica aunque con un manejo muy controlado del nervio rockero. Algunos pasajes todavía manifiestan esa frescura luminosa que es marca de la casa y una mención especial debe ir para el solo de violín eléctrico que emerge cerca del final. Tal como dijimos al inicio de la presente reseña, el segundo volumen está lleno de versiones de temas de otros grandes nombres del rock inmortal de ayer que el propio Sary considera que tienen suficiente potencial de sofisticación progresiva como para elevarlo de nuevas maneras. ‘20th Century Man’ de THE KINKS da inicio a este volumen con un despliegue de sofisticado lirismo que sabe elevarse hacia alturas aristocráticas en cualquier momento. ‘Nantucket Sleigh Ride’ de MOUNTAIN se revela con su garra chispeante sobre un compás ceremonioso. ‘Goin’ a Little Crazy’ de THE GUESS WHO contiene varios matices complejos en sus diversos pasajes instrumentales mientras que buena parte del canto exhibe una teatralidad masiva. ‘Fresh Garbage’ de SPIRIT porta una extroversión semejante, pero su estructura musical es más ligera mientras que el groove es más tirado al área del rock-fusión.

‘Butterfly Bleu’ de IRON BUTTERFLY es tratada con arquitectónico vigor mientras que la excelsa elegía gótico-progresiva de PROCOL HARUM ‘Dead Man’s Dream’ manifiesta lealmente su cautivador embrujo tanático marcado a fuego metafísico. El blues progresivo de IRON BUTTERFLY es como el crepúsculo esplendoroso que antecede a la noche sinfónica que encubre ese oscuro peregrinaje de los amos PROCOL HARUM. ‘Take A Look Around’ y ‘Funky Judge’ nos meten en los universos de THE JAMES GANG y BULL & THE MATADORS, respectivamente. La psicodelia ágil de la primera versión porta una espiritualidad inocente que funciona como oportuno contrate frente a la furia sarcástica que define a la segunda. ‘Freedom Rider’, uno de los muchos clásicos de TRAFFIC, es trabajado aquí con un máximo respeto por la prestancia envolvente de la canción original. La adición de un solo de sintetizador a mitad de camino agita las aguas sónicas con suma elegancia, la cual se resalta poco después con unas magníficas florituras de flauta. ‘Days And Nights’ (de BLOODROCK) y ‘A Million Miles Away’ (de RORY GALLAGHER) duran 7 minutos y pico y 7 ½ minutos, respectivamente, y el grupo saca buen provecho a sus espacios expresivos. El interludio del primero de estos temas gesta una solvente fluorescencia para la épica construcción integral, mientras que el desgarro telúrico sustenta la gloria musical del segundo: estupendos derroches de pathos para dos composiciones estupendas e inolvidables. ‘Renegade’ de STEPPENWOLF concluye el paseo por el pasado de los FRENCH TV y la banda rinde justo honor a ese espíritu de hard rock melódico con aires psicodélicos. Todo esto es lo que se nos brinda con “The Spanish Caper” desde los cuarteles de la versátil y maravillosa banda estadounidense FRENCH TV, una entidad que sigue manteniéndose muy viva a 43 años de su fundación y con la creatividad en un nivel siempre altísimo. Este doble álbum es una magna travesura que seguramente se erigirá como una de las obras progresivas más destacadas de este año. 

 
 
Muestras de “The Spanish Caper”.-
Entrance Of The Small-Faced Man: https://cuneiformrecords.bandcamp.com/track/entrance-of-the-small-faced-man-2
Just Another Tapdance On The Frying Pan Of Life: https://cuneiformrecords.bandcamp.com/track/just-another-tapdance-on-the-frying-pan-of-life-2
In Pursuit of Element 'Z': https://cuneiformrecords.bandcamp.com/track/in-pursuit-of-element-z-2
The Spanish Caper: https://cuneiformrecords.bandcamp.com/track/the-spanish-caper-2

La memoria retro-progresiva de los suecos SULPHUROUS SEA

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Hoy se da la ocasión de presentar lo nuevo del colectivo sueco SULPHUROUS SEA, tercer trabajo publicado en poco más de un año de actividad: “Flake Of A Memory”, el disco que hoy nos ocupa, salió al mercado a fines de febrero de este año 2026, sucediendo a “Tadmor” (de enero de 2025) y el homónimo segundo álbum (septiembre de 2025). Esta entidad tan prolífica que es SULPHUROUS SEA se inició en Estocolmo en 2024 como un proyecto unipersonal del compositor y multiinstrumentista Elis Ericson hasta que entró en escena también el guitarrista Viktor Hurst a inicios del presente año 2026. El enfoque estético del ahora dúo se centra en lo atmosférico y lo cinemático con una inspiración en el prog sinfónico de primera generación. Ericson sigue siendo el líder absoluto de este proyecto, quien no sólo es el autor de todo el material, sino que también realizó las labores de mezcla y masterización para el disco que hoy nos ocupa. Veamos los detalles específicos del repertorio de “Flake Of A Memory”. 

La larga y ambiciosa suite ‘A Pilgrim’s Tale’, que se extiende por un espacio de 23 ¼ minutos, se encarga de iniciar el repertorio de “Flake Of A Memory”. El prólogo se focaliza en un ambiente relajadamente suntuoso donde las flotantes capas de sintetizadores arropan grácilmente a las precisas escalas de guitarra. Un primer cuerpo central se centra en el etéreo despliegue de un aura impresionista de órgano que no tarda en completarse con la emergencia de una impetuosa guitarra solista y la sección rítmica; así las cosas, el asunto suena como una noción Floydiana de 1975 remodelada por la magnificencia romántica de los GENESIS de 1976 por un rato hasta que el órgano vuelve al frente en solitario. El terreno está preparado para un nuevo despliegue de núcleos temáticos, los cuales alternan compases de 3/4 y 4/4 en su base rítmica: lo Cameliano (al estilo del nuevo milenio) pasa a ser el factor predominante en el armado del paisaje sonoro. Poco antes del ecuador, emerge un motif de tenor cósmico donde las capas de teclados parecen proyectarse hacia un fulgor celestial, lo cual no es sino el puente hacia un nuevo pasaje de talante Floydiano, bien metido en una introspección fastuosa donde la implosión emocional se cuida mucho de sobrepasar fronteras expresivas rígidamente definidas. Con la ilación de una sección más intimista al estilo de Anthony Phillips y la breve retoma de un motivo de vals anterior, la suite está lista para cerrarse con una aureola estilizada que, de alguna manera, se emparenta con el paradigma de THE ENID. El segundo tema del disco justamente se titula ‘Flake Of A Memory’. Con sus bases armónicas de piano y sus exquisitas orquestaciones donde se combinan lo romántico y lo impresionista, parece que nos remontamos a las exploraciones de tipo ambient-progresivo que realizaba Anthony Phillips preferencialmente entre mediados de los 80 y buena parte de los 90. ‘The Tavern’ opera prácticamente un apéndice de la composición precedente, siendo así que el boato es menor con la excepción de una breve irrupción de una articulación rítmica en un ágil interludio: ojalá se hubiese ampliado más esta parte, pues realzaba el encanto del motif central, pero bueno, así quedó el asunto.  

‘Foreigner’ se parece mucho a las dos piezas precedentes en lo pertinente a la estructuración de la atmósfera general, pero su enfoque es más fulguroso a la hora de desarrollar los índices melódicos. La hibridación entre lo Cameliano y el paradigma de THE ENID vuelve a ser el factor predominante, teniendo en cuenta que los teclados reinan con mano absolutista el entramado sonoro en curso. La gran baza de este tema es que cumple con la misión de sintetizar los aspectos más coloridos de la suite dentro de un bien aprovechado espacio de 6 ¼ minutos. La dupla de ‘Winter Carnival’ y ‘Road To Nidaros’ cierra el repertorio con presta elocuencia. El primero de estos temas mencionados reitera la estrategia de calma suntuosidad elaborada por la pieza precedente, incluso enfatizando el tenor contemplativo por vía de un posicionamiento claro de las capas de teclados. En cuanto a ‘Road To Nidaros’, se trata de una nueva vuelta de tuerca al mesurado fulgor Floyd-Cameliano que también hemos apreciado antes en la suite inaugural; siendo así que la guitarra aparece en el centro protagónico en una par de pasajes estratégicos, el señorío introspectivo está dispuesto para mostrar su sobria paleta sonora con la dosis apropiada de soltura. Todo esto fue lo que se nos brindó con “Flake Of A Memory” desde los cuarteles de SULPHUROUS SEA como aporte particular para la preservación del ideal rock progresivo sinfónico en este año 2026. Una obra muy refinada, realmente se nota que la meticulosidad en los planteamientos de melodías y atmósferas dentro de un contexto consistentemente gentil es el fuerte de este colectivo sueco. Hay que prestar atención a este álbum y, en general, a todo lo que ha venido haciendo este interesante proyecto sueco.

Muestra de “Flake Of A Memory”.- 

A Pilgrim’s Tale: https://sulphuroussea.bandcamp.com/track/a-pilgrims-tale

Lo que viene después, o sea, ahora para el dúo alemán CHOCLAT FROG

 

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Hoy presentamos lo nuevo del dúo alemán CHOCLAT FROG, conformado por los hermanos Tim [bajo, guitarras, teclados, programaciones y voz] y Rainer Ludwig [voz, batería, percusiones, teclados, programaciones, kazoo y arpa de boca]. “What’s Next?” es el elocuente título de este tercer álbum de CHOCLAT FROG, el cual se lanzó al mercado el 17 de julio último (hace muy poco). Las sesiones de grabación para el álbum que hoy nos ocupa tuvieron lugar entre noviembre de 2023 y febrero de este año 2026 en los Homerun Studios; allí se realizó también la labor de masterización de parte de Rainer Ludwig. Ludwig se hizo cargo de la imagen de la portada y del diseño artístico. El dúo recibió las colaboraciones vocales ocasionales de Mira Ludwig, Monica Ludwig, Floyd Anthony y… alguna mujer desconocida. En líneas generales, la banda se aferra a su alevosamente extravagante visión musical de explorar varias zonas vanguardistas del diverso discurso progresivo dentro de un todo colorido donde la elegancia, la osadía y el sentido de travesura conviven dentro de un vórtex sonoro marcado por un consistente dinamismo. Bueno, centrémonos ahora en los detalles estrictamente musicales de “What’s Next?”.

Todo empieza con el no muy largo tema ‘Reroot’ (sólo dura 2 ¼ minutos), una obertura marcada por capas y armonías de teclados donde se fusionan lo sombrío y lo evocador, estando lo segundo marcado por fraseos en clave de jazz contemplativo. A partir de allí emerge la pieza justamente titulada ‘What’s Next?’, una explosión de garra sofisticada donde el nervio neurótico es la fuerza rectora y el sofisticado swing de la batería es el cimiento impulsor de todas las variantes expresivas que se van hilando. Lo que suena es el matrimonio perfecto del paradigma Crimsoniano con la soltura extravagante del math-rock, todo ello sazonado con varios recursos jazz-rockeros. En el último tercio hay también algunos devaneos con el prog-metal. Muy impresionante este primer arrebato de luz. ‘Dangerous Ignorance’ sigue a continuación para instaurar un lirismo bien definido bajo coordenadas un tanto humorísticas, tal vez en afinidad con FROGG CAFÉ y BUBBLEMATH. La furia rockera en curso se enfila por una sistemática sofisticación donde conviven el punk-jazz y el avant-metal. Aunque el índice temático parece coquetear con la música de circo o de cabaret, el ensamble se las arregla muy bien para que los arreglos complejos lleven esta aureola burlona hacia una excelencia típicamente progresiva. ‘Cruel Ballad’ tiene un groove más pausado, siendo así que el cuerpo central de la pieza ostenta un refinamiento jazz-progresivo que no puede evitar seguir la estrategia sónica vigorosa sustancial al dúo. A mitad de camino, unas florituras melódicas del bajo impulsan la pieza hacia una tormenta momentánea antes de regresar definitivamente al motif principal. La traviesa incursión del kazoo invita nuevamente a lo humorístico. Cuando llega el turno de ‘Stampin’ And Toilin’’, el grupo se dispone a recrear una versión cálida del estándar de los STICK MEN, añadiendo algunas vibraciones Crimsonianas al modo de la fase 2000-03. Los aportes del teclado resultan fundamentales para añadir una candidez colorida al asunto que establece una rara, aunque, sin duda, efectiva, conexión con el patrón prog-sinfónico. Tal vez, el cénit crucial del álbum. 

‘The Poet’ se instala en un lugar intermedio entre la socarronería estilizada de la tercera canción y la excelencia señorial del segundo tema, lo cual se traduce en una muy fluida maraña de instancias joviales con otras más solemnemente preciosistas. También hay que hacer notar que el grupo sabe hacer combinaciones extrañas con inteligencia estructural: ceremoniosas escalas de piano interrumpidas por golpes metaleros de guitarra y batería, inserción de parlamentos airados en medio de un croquis gentilmente sinfónico. De hecho, hay un trasfondo dadaísta en estas motivaciones musicales específicas, pero sus realizaciones se ciñen a una ingeniería tan rigurosa como dinámica. ‘Joe Umpf’ sí se sitúa alevosamente en una posición más cercana a la de ‘Dangerous Ignorance’, dándose aquí la peculiaridad de que el vigor rockero a cargo de la concreción de la arquitectura musical es, en comparación, menos compleja y más punzante. La presencia de las voces es más persistente y eso colabora con el hecho de que el swing general sea más frontal que en otros temas anteriores del disco. Otra vez emergen los momentáneos solos de sintetizador para irradiar su esbelta prestancia dentro de la controlada explosión sonora en curso. ¿Cómo actuarían los PRIMUS imitando a TOOL usando una composición perdida de Frank Zappa de la etapa 1981-83? Pues así. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘Eau (O)’. La aureola cibernética que se impone en la sección prologar pronto abre paso a un motif serpenteante que reactiva y amplía los aspectos más tensos y neuróticos de la propuesta musical del grupo, algo así como una síntesis de las vibraciones más fulgurosas de los temas #2, #5 y #6. También hallamos aquí uno de los mejores solos de guitarra del disco; también se luce el bajo, más puntilloso que nunca en su recorrido a través de los diversos ambientes que se van manifestando en el camino.* “What’s Next?” es el preclaro manifiesto del aquí y ahora de CHOCLAT FROG. Su vitalidad y su creatividad son cruciales para mantener a la escena progresiva alemana en un sitial destacado dentro de la escena mundial. Muy recomendable este disco, la verdad que sí.

Muestras de “What’s Next?”.-  

What’s Next?: https://choclatfrog.bandcamp.com/track/whats-next

Stampin’ And Toilin’: https://choclatfrog.bandcamp.com/track/stampin-and-toilin

The Poet: https://choclatfrog.bandcamp.com/track/the-poet

* De hecho, el bajo que suena aquí es un Rickenbacker que Peter Latsch prestó a Tim Ludwig, algo que se le agredece explícitamente en los créditos.

La propuesta del XAVI REIJA ELECTRIC QUINTET para el año 2026

 

 
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
En esta ocasión presentamos el disco del XAVI REIJA ELECTRIC QUINTET “Nu Breed”, el cual se publicó a fines del pasado mes de marzo por vía del sello MoonJune Records. Los compañeros del maestro barcelonés Reija en el ELECTRIC QUINTET son Tomás Fosch (piano eléctrico Fender Rhodes y sintetizador Mini Moog), su colega de largo tiempo Dušan Jevtović (guitarra eléctrica), Rafael Garcés (saxo) y Bernat Hernández (bajo). El material aquí contenido fue registrado en La Casa Murada en los días 31 de julio y 1 de agosto del pasado año 2025. Las labores de mezcla y masterización estuvieron en manos de Juan Pablo Alcaro en ese mismo mes de agosto. El arte gráfica es de la autoría del propio Reija. Algunos temas del repertorio de “Nu Breed” proceden de trabajos solistas previos de Reija: “Reflections”, 

“Dreamscape Room” y “Workplace”. Además, uno de los temas es una reelaboración de la pieza homónima del primer álbum de este proyecto de REIJA, el cual data de 20 años atrás. Aquí tenemos la primera exploración en el jazz-prog eléctrico desde el año 2018, el tiempo de ese hermoso álbum conceptual “The Sound Of The Earth”, un trabajo muy peculiar dentro del canon del maestro Xavi. La labor del quinteto actual brinda algo nuevo a dicho canon, una luminosidad nueva que emana de la gracia y el candor con que interactúan todos los músicos involucrados, quienes demostraron ser totalmente capaces de insuflar sensibilidad e inteligencia en las instalaciones de los núcleos temáticos y sus respectivos desarrollos. Más detalles sobre lo bien que funcionó esto, de inmediato. 

Los 5 primeros minutos de “Nu Breed” están  ocupados por ‘Dream Land’: este tema inicia el rumbo de las cosas con un despliegue de pura extroversión donde la claridad melódica exhibe su fulgor esencial mientras la banda mantiene su nervio colectivo dentro de una ambientación genuinamente aristocrática. Las iniciales líneas de bajo son vibrantes por sí mismas, cumpliendo a la perfección con la función de impulsar la algarabía colectiva; el momento del solo de saxo resulta vital para realzar esto que de por sí es patente. Acto seguido, emerge ‘Dusan V3.0’ con la misión de intensificar la sensación de algarabía fusionesca merced a la inspiración emergida de esta composición del crack Jevtović. El swing preserva consistentemente un aura aristocrática y desde ya entra a tallar uno de los más notables solos de guitarra dentro del álbum. En cierto sentido, es como si el espíritu de WEATHER REPORT hubiera penetrado el área de SLIVOVITZ bajo la guía de Larry Coryell. La tercera pieza es justamente la titular y su manera de prolongar el esparcimiento de los colores musicales desarrollados en los dos temas precedentes es bastante significativa; de paso, es la pieza más extensa del álbum con sus 6 ½ minutos de duración. En efecto, ‘Nu Breed’ nos muestra a un ensamble cada vez más firme en sus avances a lo largo de la jornada musical en curso, notándose en la soltura del saxofón y las intrincadas exaltaciones del bajo que la banda está consistentemente inmersa en una nueva fiesta de agilidades efervescentes donde se reavivan los legados de RETURN TO FOREVER y los BRAND X de los tres primeros discos. Todos los instrumentos tienen sus momentos de lucimiento particular dentro de una agitación sistemática que se afianza sobre el sólido terreno cimentado por la infatigable batería del jefe Xavi. Cuando llega el turno de ‘Reflections’, el ensamble explora senderos de serenidad que, haciendo honor al título de la pieza, elabora un enfoque de evocaciones reflexivas bajo una modalidad de suntuosa placidez. Cabe destacar los respectivos solos de bajo y piano eléctrico en lo que se refiere a las instalaciones de elegantes variantes para el motif central. 

‘Dreamscape Room’ exhibe un aura de serenidad muy similar a la de la pieza anterior, pero esta vez lo hace sobre un swing un poco más animado, el cual porta un cauce un tanto arquitectónico; así, los diálogos y enmarañamientos entre los instrumentos actuantes pueden ir fluyendo con grácil naturalidad a través del paisaje fusionesco en curso. El solo de piano eléctrico es muy bello, de hecho, nos hace recordar a Jarrett y Hancock simultáneamente. La dupla de ‘We Keep Walking’ y ‘Are You Religious?’ sirve para que el quinteto siga añadiendo matices a su bien definida fuerza de carácter comunal. El primero de estos temas mencionados explora más a fondo los colores impresionistas que, de alguna manera, predominaron en los dos temas precedentes, esta vez con la mirada puesta en una agilidad mesurada donde el evidente ímpetu exuberante de la composición se focalice en la noción de que lo textural debe priorizarse sobre lo enérgico. Esto se ejemplifica muy bien en la ilación de los solos de sintetizador y saxofón, un nuevo recordatorio del impacto perenne del paradigma de los WEATHER REPORT de la segunda mitad de los 70. Por su parte, ‘Are You Religious?’ funciona como una pieza inmersa en los aspectos más extrovertidos del ensamble. Proyectando un vigor jazz-rockero que no estaría fuera de lugar dentro de algunos de los últimos discos del perpetuo proyecto Protocol del venerable maestro Simon Phillips, la banda se suelta con sobresaliente vivacidad. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘Two Sides’, pieza que muy bien puede describirse como una síntesis de los espíritus expresivos de los tres primeros temas del álbum. Es como el cierre de un círculo que se empaqueta con todos los nudos meticulosamente atados. Adicionalmente, algunos ecos del señorío de ‘We Keep Walking’ se hacen notar dentro de la logística grupal. Todo esto fue lo que el XAVI REIJA ELECTRIC QUINTET forjó para nuestros oídos en este año 2026: “Nu Breed” es una muestra fehacientemente genuina del tipo de organicidad expresiva y emocional que el crack Xavi y sus compañeros de viaje son capaces de concretar dentro de un contexto de música jazz-progresiva repleta de energía y colorido. En suma, muy recomendable.

 
 
Muestras de “Nu Breed”.-
Dusan V3.0: https://xavireija-moonjune.bandcamp.com/track/dusan-song

Nu Breed: https://xavireija-moonjune.bandcamp.com/track/nu-breed

Dreamscape Room: https://xavireija-moonjune.bandcamp.com/track/dreamscape-room

El nuevo velo progresivo de los noruegos 35 TAPES

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos el enorme gusto de presentar el nuevo trabajo fonográfico del grupo noruego 35 TAPES, el cual se titula “Veil On Life” y fue publicado en el último día del pasado mes de abril por el sello Apollon Records, tanto en CD como en vinilo. La banda conformada por Morten Lund [guitarras, teclados, voz y coros], Jarle Wangen [bajo, guitarra, voz y coros], Andreas Eriksen [teclados y percusión], Jo Wang [teclados y Therevox] y Kai Lundewall [batería y coros] nos  brinda otra muestra de su enfoque reflexivo para la música progresiva que, por igual, se sustenta en las influencias de los paradigmas Genesiano y Cameliano, los PINK FLOYD de la fase 73-75 y la faceta más delicada del prog sinfónico moderno de los 80 y 90 (eso que muchos llaman neo-prog). También se nota en su esquema de trabajo una serie de afinidades con entidades contemporáneas tales como RPWL y GAZPACHO. Frank Lewis se hizo cargo de la ingeniería de sonido durante la grabación de este nuevo material en el Frydelund Studio de Oslo, siendo el disco producido por Morten Lund. A su vez, Kai Lundewall es el autor de la portada y del diseño gráfico. Pasemos ahora a los detalles estrictamente musicales de “Veil On Life”.

Los primeros 6 ¼ minutos del repertorio están ocupados por ‘Hallway’, una pieza bastante llamativa que sostiene un esquema híbrido de CAMEL y GAZPACHO en lo referente a la logística sonora y los arreglos que enfilan el desarrollo temático. Más adelante, la sobria luminosidad del cuerpo central es reemplazado por un intermedio sosegado de tenor crepuscular desde el cual se prepara el arribo de un motivo nuevo, el cual est¿a signado por un cándido esplendor donde confluyen gozo y melancolía. Muy interesante inicio de álbum. Acto seguido, tenemos la dupla de ‘Water’ e ‘Brise’, dos piezas que refuerzan y envigorizan la propuesta musical plasmada en la pieza de apertura. El primero de estos temas mencionados se centra en una sofisticada manifestación de suntuosa introversión; lo que suena es como si los PINK FLOYD de los 90 estuvieran rescatando una idea abandonada por los GENESIS de 1978. La patente elegancia de la composición es manejada con lánguida estilización. El segundo de ellos empieza como una semi-balada sinfónica en plena clave moderna que no hubiera estado fuera de lugar en un disco de PENDRAGON o ARENA, pero con el factor añadido de que hay ingeniosos arreglos de la dupla rítmica que permiten al groove predominante adquirir una animación genuina, siempre mesurada, pero con un inocultable fulgor expresivo. Ya a mitad de camino  las cosas se agitan un poco más bajo la guía de un hermoso solo de guitarra que empuja al bloque global a una suerte de exaltación antes de llegar al flotante epílogo trazado por una encantadora orquestación de teclados. Quizá hay aquí un cénit del álbum. ‘Borrowed Time’ parece centrarse en una síntesis de los elementos más saltarines de las dos canciones precedentes mientras los guitarreos incrementan el punche inherente a la composición. El empleo de un compás inusual en varios parajes ayuda a mantener la prestancia sónica del grupo mientras el motivo central se va afianzando en el transcurso de la ingeniería sonora. Hay un vitalismo patente que parece haber aguardando hasta este momento específico para brotar con su soltura propia. 

 

Cuando llega el turno de ‘Borrowed Time’, el grupo da rienda suelta a su faceta más amable con la gestación de una canción muy en línea con el aspecto más etéreo del estereotipo del Brit-pop trasnochado de unos COLDPLAY, también con algunos guiños a la dimensión más suave de los PORCUPINE TREE de 1999 en adelante. Los rasgueos milimétricos de la guitarra acústica, el canto sedoso y los ornamentos de teclados que van de menos a más se despliegan cómodamente sobre un ritmo pegajoso. Las capas de coral mellotrónica del final añaden una peculiar densidad al asunto. El fin del repertorio llega de la mano de ‘Cities’, a la sazón, la canción más larga con sus poco más de 8 ½ minutos de duración. El inicio Floydiano bajo la guía de una guitarra introspectiva abre campo a un paisaje otoñal que sabe dosificar su fuerza expresiva con las sucesivas apariciones de ornamentos de sintetizador, los cuales van anunciando el pronto surgir de recursos de sofisticación progresiva dentro del bloque global. Poco antes de llegar a la frontera del tercer minutos y medio, la banda se pone a elaborar recovecos multitemáticos que, de a pocos, gestan una gracia rockera bastante absorbente. La ilación de los motivos es impoluta y la riqueza melódica van en auge en lo que es el culmen definitivo del repertorio. Todo esto fue lo que el colectivo de 35 TAPES nos brindó con “Veil On Life”, un estupendo ejercicio de rock progresivo sinfónico cuyo enfoque sistemáticamente melódico plasma un enclave modernizado donde confluyen los legados de varias generaciones de esta modalidad rockera. En poco más de 40 minutos, el grupo ha dado amplias muestra de creatividad musical y sentido de la sofisticación: ellas son las claves constantes de este disco bastante recomendable.
 
 
Muestras de “Veil On Life”.- 

Brise: https://35tapes.bandcamp.com/track/brise 

Cities:  https://35tapes.bandcamp.com/track/cities

El lúcido ataque musical de ZHONGYU para el año 2025

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Con cierta demora (o bastante demora, para srr más veraces) comentamos este disco que el colectivo estadounidense ZHONGYU publicó el 1 de octubre del año 2025 por vía del sello Right Brain Records. “Super Z Attack Team” es el título del disco en cuestión. La alineación triádica del ensamble que gestó el álbum que hoy nos ocupa está conformado por Jon Davis [Chapman Stick, sintetizadores de hardware y software, guzheng, samplers, Otamatone, percusión, Theremín, didgeridoo, piano de juguete, grabaciones de campo y programaciones], Jim DeJoie [saxos barítono y alto, clarinetes alto y bajo, flauta, flauta de madera, percusión y voz] y Randy Doak [batería y percusión]. Todavía resuena en nuestras mentes y oídos ese disco homónimo del año 2016 donde el grupo operaba como un quinteto que incluía a la violinista Alicia DeJoie y al guitarrista Dennis Rea (a quien conocemos mayormente por MORAINE). Era una muestra excelsa de vuelos jazz-progresivos con un fuerte filo vanguardista y ahora, con “Super Z Attack Team”, la alineación vigente apostó por una renovada energízación para su propuesta estética. El material aquí contenido fue grabado a lo largo de varios años, algunos temas datan del año 2017, y fue en el año 2024 que Jon Davis dio los toques finales al repertorio íntegro. Todos los temas son de la autoría de Davis salvo uno de DeJoie. Davis se hizo cargo de la ingeniería de sonido, la mezcla y la masterización, así como de la imagen de la portada. Como anécdota entrañable, “Super Z Attack Team” está dedicado a la memoria de la Sra. Gladys Oletia Davis, madre de Jon. Bueno, ya es hora de revisar los detalles estrictamente musicales del disco que hoy nos ocupa. 

‘Plan Of Attack’ inicia el repertorio como un auténtico plan de ataque de experimentaciones refinadas con texturas y colores evocadores. Tras un breve prólogo de orquestaciones sintetizadas, el armazón percusivo impulsa el jam central que se enriquece con los diversos  aportes de los vientos y la amplificada densidad de los teclados. Se trata de un inspirado vuelo étnico cuyas alusiones atmosféricas se centran en una versión space-rockera de los WEATHER REPORT de los tres primeros discos. ‘Gang Of Three’ sigue a continuación para explorar una nueva área de vigor expresivo desde el seno estructural del trío. He aquí  un vibrante ejercicio de pulsaciones jazz-progresivas que se van desarrollando sobre una ilación variada de esquemas rítmicos complejos y deconstrucciones juguetonamente ágiles. Primer cénit del álbum. ‘Insta Graham Poser’ prosigue por la línea extrovertida iniciada por el tema precedente mientras reformula la sofisticación esencial con un swing un poco más llevadero. Lo que suena está muy emparentado con THE MUFFINS del nuevo milenio. La díada de ‘Name Of The Sun’ y ‘Odyssey Of Penguin 337 / Sneak Attack’ sirve para que el ensamble siga expandiendo su paleta sonora con total liberalidad y más total creatividad. El primero de estos temas mencionados establece una gracilidad muy particular a través de una confluencia entre índices arquitectónicos bien definidos y expansiones libres donde los músicos tantean caminos para remontar un esquema común. Es así como se arma el cuasi-carnavalesco epílogo, el cual también tiene algo de inquietante bajo su (más o menos) ostentoso manto de luminoso júbilo. Por su parte, ‘Odyssey Of Penguin 337 / Sneak Attack’ pone sobre el tapete todas las bazas de garra rockera que el grupo siempre tuvo a su disposición, pero que iba afilando de modo escalonado. Ahora opera un nervio más explícito, el mismo que se sustenta inicialmente sobre un groove parsimonioso para ir después hacia un recurso de intensidad instaurado al modo de un híbrido entre KING CRIMSON y HENRY COW. Si lo primero era un misterio con sospechas trazas tenebrosas, lo segundo es un manifiesto de aristocrática fiereza que se enorgullece de su propia prestancia progresiva. 

‘Worm Jets Vs Murphys Claw’ es la pieza más extensa del álbum con sus 13 minutos y pico de duración. Tras una breve sección inicial que hereda la gracilidad sistemática del tema #3, el trío se detiene en una nueva exploración deconstructiva bajo la guía del Chapman Stick, siendo así que los devaneos de la batería aguantan el aura de muscular expectativa. Alrededor de la frontera del cuarto minuto y medio, emerge un armazón híbrido de punk-jazz y psicodelia progresiva, tan cáustico como señorial, a lo cual sigue un motif un poco más vivaz, todavía signado por un nervio vigoroso y absorbente con claras connotaciones Crimsonianas. El crescendo colectivo anima el moto perpetuo hasta llevarlo a un clímax majestuoso de tenor neurótico, casi endiablado. Llega el momento de retomar la parsimonia previa con una dosis extra de fuerza a modo de puente hacia la sección epilogar, un despliegue jazz-progresivo cuya acidez expresionista se acomoda al complejo esquema rítmico que parece evocar estándares math-rockeros. El clímax decisivo de un tema que se erige como un culmen definitivo del disco. Cuando llega el turno de ‘Beautiful Smoke’, el trío gesta una proyección etérea de ondulaciones atmosféricas. El ambiente general está centrado en un minimalismo psicodélico al cual los soliloquios añaden un cariz ritualístico: un paraje introspectivo tras la versátil pinacoteca anterior. ‘11.9% ABV’ encarna un nuevo giro de tuerca a la faceta plenamente jazz-progresiva del ensamble, concretando una inspirada síntesis de los colores más ágiles de las piezas segunda a la cuarta. La confluencia de energías  individuales funciona orgánicamente a través de índices temáticos que exhiben sus propios ganchos con fluidez total. El cierre del repertorio llega de la mano del tema curiosamente titulado ‘Whatever Happened To The Worm Jets?’ (homenaje humorístico al legendario Brian Eno y conexión con el título del sexto tema de este mismo disco). Pero no es humorístico sino solemne el talante del foco musical aquí desplegado. Las vibrantes florituras de la flauta se hermanan con las razonablemente sobrias líneas del saxo mientras los demás instrumentos van cimentando una estructura movida por un groove bastante alegre. Ya no es el espíritu de travesura sino un gozo metafísico el que anima este colorido musical con el que se baja el telón.

Todo esto fue lo que el colectivo de ZHONGYU armó con “Super Z Attack Team” en el año 2025. Se trata de una magnífica obra repleta de ingenio creativo y vigor performativo donde la versatilidad es la fuerza gobernante de esta comunión triádica. Gracias a los Sres. Davis, DeJoie y Doak por crear esta magnificencia ecléctica tan sólida desde sus cuarteles de Seattle, Washington. 

Muestras de “Super Z Attack Team”.-   

Gang Of Three: https://zhongyu.bandcamp.com/track/gang-of-three

Worm Jets Vs Murphys Claw: https://zhongyu.bandcamp.com/track/worm-jets-vs-murphys-claw

11.9% ABV: https://zhongyu.bandcamp.com/track/119-abv

Música para el invierno de la vida de parte del gran grupo japonés MONO

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Nos llegan estupendas novedades desde la avanzada rockera japonesa con la salida al mercado del nuevo trabajo fonográfico del veterano grupo MONO. Se llama “Snowdrop” y fue publicado el pasado 12 de junio, como es usual, por el sello Temporary Residence Limited, tanto en CD como en vinilo doble (formato negro y con un disco amarillo y otro turquesa). El cuarteto de Takaakira “Taka” Goto [guitarra], Tamaki [bajo y piano], Yoda [guitarra] y Dahm [batería] sigue adelante con su visión contemplativa e introspectiva del rock instrumental con ambiciones cinematográficas y dramáticas. Chad McCullough es otro viejo conocido de la banda: el arreglista orquestal dirige a un ensamble de 10 músicos y una coral de 8 personas. El disco que hoy nos ocupa está inundado por un espíritu elegíaco, lo cual no es precisamente inusual en el amplio catálogo de MONO, pero esta vez se debe a algo concreto: la partida al más allá de Steve Albini, productor de varios discos anteriores y amigo muy cercano del grupo. Brad Wood, quien trabajó con los SMASHING PUMPKINS y otras bandas, se encargó ahora de la producción; para ello, utilizó el estudio del difunto Albini Electrical Audio en septiembre de 2025. La evocación de los muchos años de amistad con Steve es el hilo conceptual de este disco: revisamos ahora su contenido. 

Todo empieza con la pieza homónima: ‘Snowdrop (“Hope”)’ ocupa un espacio de casi 7 ¼ minutos y lo hace con una prestancia majestuosa, la cual comienza con un flotante armazón de lentas escalas de guitarras y piano para luego implosionar como una parsimoniosa tormenta donde la nostalgia se convierte en una centelleante garra emocional. Los sobrios ornamentos que la batería utiliza para reforzar el groove aportan una musculatura especial al entramado grupal en varios pasajes estratégicos. El terreno está preparado para que el cuarteto amplíe su fuerza poco antes de llegar a la frontera del quinto minuto y medio. ‘Winter Daphne (“Final Burst Of Life”)’ sigue a continuación para exhibir inicialmente la faceta más áspera de la banda, aumentando un poco el nervio e incrementando el swing. Lo que suena es como si una composición perdida de SONIC YOUTH hubiera sido recuperada por los RUSSIAN CIRCLES y éstos la hubiesen adaptado a su manera bajo la guía de MOGWAI. Los notables coloridos aportados por la orquesta recogen disciplinadamente los ecos vitalistas del momento. Una vez calmadas las cosas, la banda regresa a la senda de las texturas ensoñadoras con tendencia sinfónica; los arreglos orquestales sirven ahora para llenar espacios mientras se anuncia un epílogo emotivamente fastuoso. ‘Gerbera (“Loyal Love”)’ es la pieza más extensa del repertorio con sus 7 ¾ minutos de duración. Empieza con un tenor cósmico, una especie de neblina espacial cuyo contrapeso está en el swing cuasi-tribal elaborado por la batería. Al poco rato nos damos cuenta de que hay una espiritualidad jubilosa en la meticulosa maraña melódica donde la complicidad entre grupo, coro y orquesta establece una impetuosa inundación musical. Hay una ansiedad no de angustia sino de la búsqueda de una luz que ya se entreve, una aureola de inspiradora esperanza que se eleva continuamente mientras los guitarreos y el swing de la batería se tornan más macizos. Un cénit muy particular del álbum. ‘Statice (“Remembrance”)’ ofrece un abierto contraste frente a la pieza precedente al asentarse bajo una atmósfera crepuscular y una orientación minimalista en las bases armónicas de la composición. La riqueza sonora proviene principalmente de los arreglos orquestales y la coral, quienes parecen ostentar un posicionamiento místico. 

‘Hedera (“An Unchanging Heart”)’ tiene cierta semejanza con el tema precedente en cuanto a la espiritualidad expresiva, pero el esquema sonoro es más cálido, transformando la oscuridad de lo noctámbulo en un solaz contemplativo donde las reflexiones sobre el paso del tiempo fluyen con gentil gracilidad. Las puntuales acentuaciones del piano, a pesar de su relativa parquedad, resultan cruciales para el desarrollo temático. Cuando llega el turno de ‘Shion (“I Will Never Forget You”)’, el grupo se siente preparado para animarse un poco y volver a paso firme a los senderos luminosos por los que antes circuló durante la gestación del glorioso tema #3. Pero hay algo nuevo aquí, una agilidad más desparramada, una vivacidad aristocrática que incluso tiene algo de juguetón. El acopio de distorsiones de guitarra en clave post-metalera ayuda bastante a que la soltura sistemática en curso se enriquezca aún más con miras a un excelso clímax. ‘Bells Of Ireland (“Eternal Gratitude”)’ comienza con un sonido adusto de campanas en un vinilo gastado, un preludio evocador para un grave prólogo de piano en clave de muy lento vals. Los ornamentos de cuerda se suman de a pocos para establecer un señorío delicado. La intensidad cinematográfica lograda con el ímpetu protagónico del ensamble orquestal revela una gentileza renovadora que no se podía adivinar en las vibraciones oscuras del prólogo: el crescendo está muy bien logrado. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘Farewell To Spring (“I Miss You”)’, segundo tema más largo del mismo con su espacio de 7 ½ minutos. Tras un preludio marcado por vibraciones etéreas, el grupo elabora un groove cadencioso centrado en un noble optimismo evocador. El realce orquestal refuerza la animación reinante mientras la banda se asegu de preservar celosamente el aura distinguida de su peculiar punche rockero. El epílogo de piano tiene el encanto de una sedosa elegía que complementa a la flotante fluorescencia del motif central. Una hermosa manera de bajar el telón. Todo esto fue lo mostrado en esta nueva obra de los legendarios y aún vigentes MONO, campeones japoneses de la música atmosférica dentro del enclave post-rockero (aunque ellos odien esta etiqueta). Para ser más precisos, “Snowdrop” es un mágico paisaje de invierno traducido al lenguaje del rock atmosférico e introspectivo, demostrando así que los cuatro músicos de MONO mantiene la pericia de siempre a la hora de crear sus tapices sónicos. En suma, muy recomendable.

Muestras de “Snowdrop”.-   

Winter Daphne (“Final Burst Of Life”): https://monoofjapan.bandcamp.com/track/winter-daphne

Gerbera (“Loyal Love”): https://www.youtube.com/watch?v=WOvK2QlSAwo

Farewell To Spring (“I Miss You”): https://monoofjapan.bandcamp.com/track/farewell-to-spring

El renacer de la química avant-progresiva de UNIT WAIL

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Llegan buenas noticias desde el escenario avant-progresivo francés: está en el mercado lo nuevo de UNIT WAIL y su título es “Petrochemicals Corp.”. El disco en cuestión fue publicado el 29 de mayo pasado por vía del sello Soleil Mutant. En el repertorio de este nuevo disco, la alineación vigente de UNIT WAIL gira mayormente en torno al trío de Philippe Haxaire [batería], Jérôme Lamarche [guitarras] y Vincent Sicot-Vantalon [teclados, sintetizadores, bajo y guitarras adicionales]. El bajista histórico Adrian Luna aparece en dos de los temas del álbum que hoy nos convoca: sigue siendo integrante oficial de la banda, pero su nuevo domicilio le impide estar al tanto de todas las sesiones colectivas de grabación. Anna Ivanova aparece haciendo apoyo vocal en un tema. “Petrochemicals Corp.” es un álbum conceptual sobre el nefasto impacto ecológico que tiene la imparable expansión de las muchas industrias energéticas modernas. El colectivo resurge de una ausencia de casi 7 años con un enfoque más ágil y radiante de su propuesta musical que, por lo general, siempre se ha asentado en las áreas más oscuras y densas del discurso avant-progresivo. Discos como “Retort” (2013) y “Beyond Space Edges” (2015) significaron algo muy importante para una nueva generación de bandas francesas que querían llevar los legados del Zeuhl y del (así llamado) RIO hacia nuevos tiempos. Ahora, con “Petrochemicals Corp.”, los UNIT WAIL se preocupan por remodelar su propio patrimonio estético sin renunciar a su esencia histórica. Todo lo grabado aquí pasó por las manos de Sicot-Vantalon en los procesos de mezcla y masterización, habiendo sido también el autor del nuevo material. El arte gráfica es de Sara Barillot. Repasamos ahora los detalles estrictamente musicales de este disco.

‘Our Beloved Hexane’ pone el rumbo inicial de las cosas y su sección prologar emplea un compás a medio tiempo sobre el cual los instrumentos organizan cómodamente los cimientos de lo que habrá de ser una predominante una atmósfera ominosa. Un poco más adelante, el groove general se dinamiza de tal manera que la ingeniería sónica en curso adquiere una gravedad señorial mientras realza sus vibraciones amenazantes. El vitalismo de los complejos juegos de síncopas armados por la batería completa la aureola belicosa de la composición. En la sección epilogar, la banda aterriza en un paisaje solemne que algo tiene de elegíaco, gestando una neblina que algo tiene de melancólico, incluso trágico. Gran inicio de álbum. ‘The Loot: Shareholders Delight’ sigue a continuación para orientar el empuje grupal hacia un área más fulgurosa, hermanada con el jazz-rock mientras sigue agitando olas de tensión y densidad. La compacta ilación de variantes rítmicas a lo largo del swing reafirma la soltura progresiva del momento mientras los músicos refinan su vigor colectivo. ‘Wild Wild Waste’ se pone en plan furioso en un primer instante antes de elaborar una consistente y fluida alternancia entre pasajes aguerridos y otros más sutiles. El grupo se alista prestamente a retomar los aires más sofisticados de las dos primeras piezas del álbum para dar un nuevo giro de tuerca a su panorama aguerrido y denso de lo que debe ser el jazz-prog bajo un esquema de trabajo frontalmente avant-progresivo. Lo que suena aquí es como un híbrido entre los KING CRIMSON de la fase 2000-03 y CASSIBER a través del filtro del punk-jazz y con la adición de algunos recursos estilísticos de aquel atemporal jazz-fusion de los 70. La manera en que se insufla una agilidad tan sistemática a una composición tan oscurantista es simplemente genial, especialmente en lo que concierne a la exuberancia absorbente de las líneas del bajo y la versátil resolución de la batería. Todo un cénit del álbum... Y cuando llega el turno de ‘Ethic Of Synthetic’, nos topamos con otro. El nervio y el lozano brío ampliamente manifestados en los dos temas precedentes pasa por una cirugía de arquitecturas perfiladas tan meticulosamente que se concreta un coqueteo con el math-rock y el prog-metal experimental. Los ingeniosos recovecos de la ingeniería rítmica y las tronadas guitarreras con las que se arman los solos trazan una fuerza renovada dentro de una estrategia temática donde racionalismo y dadaísmo confluyen en un único rudimento sónico. Los efectos siniestros de algunos ornamentos de sintetizador aportan una cuota de misterio al entramado general. A propósito, ¡cuánto nos gustan estos juegos de palabras sarcásticos en los títulos!

‘Dreams In Polyurethane’ es la pieza más extensa del repertorio con sus 6 ¾ minutos de duración; cuando impone su presencia, el disco sigue manteniendo a paso firme su momentum de expresividades inspiradas. La estrategia musical se centra mayormente en explotar más a fondo que antes los aspectos jazz-rockeros del actual esquema de trabajo, reforzando una vez más la faceta fulgurosa de estos tiempos de resurrección. Las dos guitarras dialogan entre sí con naturalidad y una minuciosa inteligencia estructural mientras el desarrollo temático íntegro hace gala de su razonable complejidad. Ya en su minuto final, la banda vuelve a coquetear con ciertas formas del prog-metal. Con el arribo de ‘Supertankers Battlefield’, la banda se centra abiertamente en su recurrente apreciación de lo oscurantista mientras rehabilita la musculatura machacante a la cual siempre nos había tenido acostumbrados. Eso sí, la batería realiza una eficiente labor saltarina a través de todos los arreglos armados para el suntuoso desarrollo temático. Los laberintos metálicos por los cuales se desplaza el entramado instrumental se abren ante nuestros oídos con innegable naturalidad en vía directa hacia el determinante momento final. El cierre del álbum llega de la mano de “Cumulative Impact’, tema centrado en sintetizar las dimensiones más misteriosas de varios de los temas precedentes mientras preserva sistemáticamente la cosecha de los elementos jazz-rockeros que brindaron un nuevo vitalismo a esta extravagancia. Algunos ornamentos de sintetizador añaden texturas psicodélicas en algunos parajes estratégicos mientras que el factor pesado es dosificado para que salga al frente en ciertos momentos efímeros, especialmente, en la coda. Todo esto fue “Petrochemicals Corp.”, el bienvenido testimonio de vuelta al ruedo del excelente grupo avant-progresivo francés UNIT WAIL: necesita menos de 40 minutos para mostrar cabalmente su grandeza. Renace la química musical de UNIT WAIL con una prestancia nueva que reorienta varios de los índices estilísticos muscularmente tensos e inquietos que han venido definiendo su lugar dentro de la escena progresiva de su país. Y del mundo también. ¡¡Totalmente recomendable!!

Muestras de “Petrochemicals Corp.”.-    

Wild Wild Waste: https://unitwail.bandcamp.com/track/wild-wild-waste   

Ethic Of Synthetic: https://unitwail.bandcamp.com/track/ethic-of-synthetic

Dreams In Polyurethane: https://unitwail.bandcamp.com/track/dreams-in-polyurethane