Música para el invierno de la vida de parte del gran grupo japonés MONO

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Nos llegan estupendas novedades desde la avanzada rockera japonesa con la salida al mercado del nuevo trabajo fonográfico del veterano grupo MONO. Se llama “Snowdrop” y fue publicado el pasado 12 de junio, como es usual, por el sello Temporary Residence Limited, tanto en CD como en vinilo doble (formato negro y con un disco amarillo y otro turquesa). El cuarteto de Takaakira “Taka” Goto [guitarra], Tamaki [bajo y piano], Yoda [guitarra] y Dahm [batería] sigue adelante con su visión contemplativa e introspectiva del rock instrumental con ambiciones cinematográficas y dramáticas. Chad McCullough es otro viejo conocido de la banda: el arreglista orquestal dirige a un ensamble de 10 músicos y una coral de 8 personas. El disco que hoy nos ocupa está inundado por un espíritu elegíaco, lo cual no es precisamente inusual en el amplio catálogo de MONO, pero esta vez se debe a algo concreto: la partida al más allá de Steve Albini, productor de varios discos anteriores y amigo muy cercano del grupo. Brad Wood, quien trabajó con los SMASHING PUMPKINS y otras bandas, se encargó ahora de la producción; para ello, utilizó el estudio del difunto Albini Electrical Audio en septiembre de 2025. La evocación de los muchos años de amistad con Steve es el hilo conceptual de este disco: revisamos ahora su contenido. 

Todo empieza con la pieza homónima: ‘Snowdrop (“Hope”)’ ocupa un espacio de casi 7 ¼ minutos y lo hace con una prestancia majestuosa, la cual comienza con un flotante armazón de lentas escalas de guitarras y piano para luego implosionar como una parsimoniosa tormenta donde la nostalgia se convierte en una centelleante garra emocional. Los sobrios ornamentos que la batería utiliza para reforzar el groove aportan una musculatura especial al entramado grupal en varios pasajes estratégicos. El terreno está preparado para que el cuarteto amplíe su fuerza poco antes de llegar a la frontera del quinto minuto y medio. ‘Winter Daphne (“Final Burst Of Life”)’ sigue a continuación para exhibir inicialmente la faceta más áspera de la banda, aumentando un poco el nervio e incrementando el swing. Lo que suena es como si una composición perdida de SONIC YOUTH hubiera sido recuperada por los RUSSIAN CIRCLES y éstos la hubiesen adaptado a su manera bajo la guía de MOGWAI. Los notables coloridos aportados por la orquesta recogen disciplinadamente los ecos vitalistas del momento. Una vez calmadas las cosas, la banda regresa a la senda de las texturas ensoñadoras con tendencia sinfónica; los arreglos orquestales sirven ahora para llenar espacios mientras se anuncia un epílogo emotivamente fastuoso. ‘Gerbera (“Loyal Love”)’ es la pieza más extensa del repertorio con sus 7 ¾ minutos de duración. Empieza con un tenor cósmico, una especie de neblina espacial cuyo contrapeso está en el swing cuasi-tribal elaborado por la batería. Al poco rato nos damos cuenta de que hay una espiritualidad jubilosa en la meticulosa maraña melódica donde la complicidad entre grupo, coro y orquesta establece una impetuosa inundación musical. Hay una ansiedad no de angustia sino de la búsqueda de una luz que ya se entreve, una aureola de inspiradora esperanza que se eleva continuamente mientras los guitarreos y el swing de la batería se tornan más macizos. Un cénit muy particular del álbum. ‘Statice (“Remembrance”)’ ofrece un abierto contraste frente a la pieza precedente al asentarse bajo una atmósfera crepuscular y una orientación minimalista en las bases armónicas de la composición. La riqueza sonora proviene principalmente de los arreglos orquestales y la coral, quienes parecen ostentar un posicionamiento místico. 

‘Hedera (“An Unchanging Heart”)’ tiene cierta semejanza con el tema precedente en cuanto a la espiritualidad expresiva, pero el esquema sonoro es más cálido, transformando la oscuridad de lo noctámbulo en un solaz contemplativo donde las reflexiones sobre el paso del tiempo fluyen con gentil gracilidad. Las puntuales acentuaciones del piano, a pesar de su relativa parquedad, resultan cruciales para el desarrollo temático. Cuando llega el turno de ‘Shion (“I Will Never Forget You”)’, el grupo se siente preparado para animarse un poco y volver a paso firme a los senderos luminosos por los que antes circuló durante la gestación del glorioso tema #3. Pero hay algo nuevo aquí, una agilidad más desparramada, una vivacidad aristocrática que incluso tiene algo de juguetón. El acopio de distorsiones de guitarra en clave post-metalera ayuda bastante a que la soltura sistemática en curso se enriquezca aún más con miras a un excelso clímax. ‘Bells Of Ireland (“Eternal Gratitude”)’ comienza con un sonido adusto de campanas en un vinilo gastado, un preludio evocador para un grave prólogo de piano en clave de muy lento vals. Los ornamentos de cuerda se suman de a pocos para establecer un señorío delicado. La intensidad cinematográfica lograda con el ímpetu protagónico del ensamble orquestal revela una gentileza renovadora que no se podía adivinar en las vibraciones oscuras del prólogo: el crescendo está muy bien logrado. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘Farewell To Spring (“I Miss You”)’, segundo tema más largo del mismo con su espacio de 7 ½ minutos. Tras un preludio marcado por vibraciones etéreas, el grupo elabora un groove cadencioso centrado en un noble optimismo evocador. El realce orquestal refuerza la animación reinante mientras la banda se asegu de preservar celosamente el aura distinguida de su peculiar punche rockero. El epílogo de piano tiene el encanto de una sedosa elegía que complementa a la flotante fluorescencia del motif central. Una hermosa manera de bajar el telón. Todo esto fue lo mostrado en esta nueva obra de los legendarios y aún vigentes MONO, campeones japoneses de la música atmosférica dentro del enclave post-rockero (aunque ellos odien esta etiqueta). Para ser más precisos, “Snowdrop” es un mágico paisaje de invierno traducido al lenguaje del rock atmosférico e introspectivo, demostrando así que los cuatro músicos de MONO mantiene la pericia de siempre a la hora de crear sus tapices sónicos. En suma, muy recomendable.

Muestras de “Snowdrop”.-   

Winter Daphne (“Final Burst Of Life”): https://monoofjapan.bandcamp.com/track/winter-daphne

Gerbera (“Loyal Love”): https://www.youtube.com/watch?v=WOvK2QlSAwo

Farewell To Spring (“I Miss You”): https://monoofjapan.bandcamp.com/track/farewell-to-spring

El renacer de la química avant-progresiva de UNIT WAIL

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Llegan buenas noticias desde el escenario avant-progresivo francés: está en el mercado lo nuevo de UNIT WAIL y su título es “Petrochemicals Corp.”. El disco en cuestión fue publicado el 29 de mayo pasado por vía del sello Soleil Mutant. En el repertorio de este nuevo disco, la alineación vigente de UNIT WAIL gira mayormente en torno al trío de Philippe Haxaire [batería], Jérôme Lamarche [guitarras] y Vincent Sicot-Vantalon [teclados, sintetizadores, bajo y guitarras adicionales]. El bajista histórico Adrian Luna aparece en dos de los temas del álbum que hoy nos convoca. También aparece Anna Ivanova haciendo apoyo vocal en un tema. “Petrochemicals Corp.” es un álbum conceptual sobre el nefasto impacto ecológico que tiene la imparable expansión de las muchas industrias energéticas modernas. El colectivo resurge de una ausencia de casi 7 años con un enfoque más ágil y radiante de su propuesta musical que, por lo general, siempre se ha asentado en las áreas más oscuras y densas del discurso avant-progresivo. Discos como “Retort” (2013) y “Beyond Space Edges” (2015) significaron algo muy importante para una nueva generación de bandas francesas que querían llevar los legados del Zeuhl y del (así llamado) RIO hacia nuevos tiempos. Ahora, con “Petrochemicals Corp.”, los UNIT WAIL se preocupan por remodelar su propio patrimonio estético sin renunciar a su esencia histórica. Todo lo grabado aquí pasó por las manos de Sicot-Vantalon en los procesos de mezcla y masterización, habiendo sido también el autor del nuevo material. El arte gráfica es de Sara Barillot.

‘Our Beloved Hexane’ pone el rumbo inicial de las cosas y su sección prologar emplea un compás a medio tiempo sobre el cual los instrumentos organizan cómodamente los cimientos de lo que habrá de ser una predominante una atmósfera ominosa. Un poco más adelante, el groove general se dinamiza de tal manera que la ingeniería sónica en curso adquiere una gravedad señorial mientras realza sus vibraciones amenazantes. El vitalismo de los complejos juegos de síncopas armados por la batería completa la aureola belicosa de la composición. En la sección epilogar, la banda aterriza en un paisaje solemne que algo tiene de elegíaco, gestando una neblina que algo tiene de melancólico, incluso trágico. Gran inicio de álbum. ‘The Loot: Shareholders Delight’ sigue a continuación para orientar el empuje grupal hacia un área más fulgurosa, hermanada con el jazz-rock mientras sigue agitando olas de tensión y densidad. La compacta ilación de variantes rítmicas a lo largo del swing reafirma la soltura progresiva del momento mientras los músicos refinan su vigor colectivo. ‘Wild Wild Waste’ se pone en plan furioso en un primer instante antes de elaborar una consistente y fluida alternancia entre pasajes aguerridos y otros más sutiles. El grupo se alista prestamente a retomar los aires más sofisticados de las dos primeras piezas del álbum para dar un nuevo giro de tuerca a su panorama aguerrido y denso de lo que debe ser el jazz-prog bajo un esquema de trabajo frontalmente avant-progresivo. Lo que suena aquí es como un híbrido entre los KING CRIMSON de la fase 2000-03 y CASSIBER a través del filtro del punk-jazz y con la adición de algunos recursos estilísticos de aquel atemporal jazz-fusion de los 70. La manera en que se insufla una agilidad tan sistemática a una composición tan oscurantista es simplemente genial, especialmente en lo que concierne a la exuberancia absorbente de las líneas del bajo y la versátil resolución de la batería. Todo un cénit del álbum... Y cuando llega el turno de ‘Ethic Of Synthetic’, nos topamos con otro. El nervio y el lozano brío ampliamente manifestados en los dos temas precedentes pasa por una cirugía de arquitecturas perfiladas tan meticulosamente que se concreta un coqueteo con el math-rock y el prog-metal experimental. Los ingeniosos recovecos de la ingeniería rítmica y las tronadas guitarreras con las que se arman los solos trazan una fuerza renovada dentro de una estrategia temática donde racionalismo y dadaísmo confluyen en un único rudimento sónico. Los efectos siniestros de algunos ornamentos de sintetizador aportan una cuota de misterio al entramado general.

‘Dreams In Polyurethane’ es la pieza más extensa del repertorio con sus 6 ¾ minutos de duración; cuando impone su presencia, el disco sigue manteniendo a paso firme su momentum de expresividades inspiradas. La estrategia musical se centra mayormente en explotar más a fondo que antes los aspectos jazz-rockeros del actual esquema de trabajo, reforzando una vez más la faceta fulgurosa de estos tiempos de resurrección. Las dos guitarras dialogan entre sí con naturalidad y una minuciosa inteligencia estructural mientras el desarrollo temático íntegro hace gala de su razonable complejidad. Ya en su minuto final, la banda vuelve a coquetear con ciertas formas del prog-metal. Con el arribo de ‘Supertankers Battlefield’, la banda se centra abiertamente en su recurrente apreciación de lo oscurantista mientras rehabilita la musculatura machacante a la cual siempre nos había tenido acostumbrados. Eso sí, la batería realiza una eficiente labor saltarina a través de todos los arreglos armados para el suntuoso desarrollo temático. Los laberintos metálicos por los cuales se desplaza el entramado instrumental se abren ante nuestros oídos con innegable naturalidad en vía directa hacia el determinante momento final. El cierre del álbum llega de la mano de “Cumulative Impact’, tema centrado en sintetizar las dimensiones más misteriosas de varios de los temas precedentes mientras preserva sistemáticamente la cosecha de los elementos jazz-rockeros que brindaron un nuevo vitalismo a esta extravagancia. Algunos ornamentos de sintetizador añaden texturas psicodélicas en algunos parajes estratégicos mientras que el factor pesado es dosificado para que salga al frente en ciertos momentos efímeros, especialmente, en la coda. Todo esto fue “Petrochemicals Corp.”, el bienvenido testimonio de vuelta al ruedo del excelente grupo avant-progresivo francés UNIT WAIL: necesita menos de 40 minutos para mostrar cabalmente su grandeza. Renace la química musical de UNIT WAIL con una prestancia nueva que reorienta varios de los índices estilísticos muscularmente tensos e inquietos que han venido definiendo su lugar dentro de la escena progresiva de su país. Y del mundo también. ¡¡Totalmente recomendable!!

Muestras de “Petrochemicals Corp.”.-    

Wild Wild Waste: https://unitwail.bandcamp.com/track/wild-wild-waste   

Ethic Of Synthetic: https://unitwail.bandcamp.com/track/ethic-of-synthetic

Dreams In Polyurethane: https://unitwail.bandcamp.com/track/dreams-in-polyurethane

La nueva colina musical de AURORA CLARA

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Es un enorme gusto presentar el nuevo trabajo fonográfico del grupo español AURORA CLARA, el cual se titula “Seven Hills” y fue publicado el pasado 8 de junio por el sello Youkali Music. El grupo elabora en este nuevo disco un asentamiento especial del factor rockero dentro de su habitual mezcla de jazz-rock, rock progresivo y fusión contemporánea, lo cual lo convierte en un trabajo particularmente filudo dentro de su vigente discografía. En éste, su quinto trabajo de estudio, el guitarrista y compositor Raúl Mannola lidera una alineación que se completa con el flautista Juan Carlos Aracil, el teclista Denis Bilanin, el bajista Nil Oliveira y el baterista-percusionista Miguel Díaz. La sólida díada de “Dreams” (2023) y “IV” (2024), los dos discos precedentes, posicionó al quinteto en un lugar muy alto dentro de la élite progresiva española y “Seven Hills” cumple con la misión de reforzar esa presencia alturada con un renovado vigor expresivo; repasemos los destalles de su repertorio ahora mismo.

El disco se inicia con la pieza homónima, que es también la más extensa con su espacio de casi 10 minutos. ‘Seven Hills’ comienza ostentando un groove a medio tiempo sobre un compás inusual donde la exquisitez del motif central sabe apoyar su encanto intrínseco con una dosis adecuada de nervio. El posterior arribo de un exuberante solo de flauta aporta una pauta fundamental de colorido al bloque sonoro donde los instrumentos encuentran su amalgama perfecta. A poco de pasada la frontera del cuarto minuto, emerge un segundo motif donde el vigor aumenta un poco al modo de una cruza entre CAMEL y Jeff Beck con un trasfondo hispano: el solo de guitarra es simplemente alucinante, elevando su estructura lvirtuosismo hacia una senda de genuina efervescencia pasional. Un solo de órgano que se mueve en el área fronteriza entre los paradigmas de Wakeman y Lord empuja al ensamble a dar forma definitiva a la sección final del desarrollo temático, el cual termina a lo grande. Un acto valiente de parte de la banda el de iniciar el repertorio con un cénit. Acto seguido, emerge ‘Day Five’, tema que cumple con la función de concentrar los varios recursos de suntuosidad que el tema inaugural ya concretó en su mezcla de jazz-rock y prog sinfónico, siendo así que el primero de estos factores está un poco más realzado. El señorío de las cristalinas florituras de la flauta incrementan el candor del enclave melódico en curso. Los ulteriores solos de guitarra y de teclado completan la majestuosidad del momento a paso firme con el sólido sustento de una dupla rítmica bien afiatada. ‘Blues For L.C.’ apunta hacia el patrón de los WEATHER REPORT de fines de los 70 a la ahora de edificar el ambiente general para el jam central. Los solos de sintetizador y de guitarra gestan eficaces recursos de vigor mientras la flauta pone sus designios pastorales al servicio de una funcional musicalidad (un poco a lo FOCUS). 

‘Wise Raven’ es el segundo tema más largo del disco con sus 9 minutos y pico de duración. Su encuadre está más directamente conectado con el estándar sinfónico: la estilización melódica y el cuidado perfilamiento de los diversos esquemas rítmicos que se van hilando cohabitan dentro de un fluido sendero musical donde la extroversión es la pauta predominante. La versátil exuberancia del momento tiene varios vasos conectores con el paradigma  Yessiano y el patrón de Steve Hackett, más  algunos sutiles matices del proyecto  eléctrico de Chick Corea. Otro cénit del repertorio. ‘Feel The Cool Wind’ regresa a la atmósfera señorial que ya apreciamos en el tema #2, esta vez, con una cualidad un poco más grácil que se sostiene sobre el elegante swing armado por la dupla rítmica. Las tonalidades y la energía colectivas se sostienen sobre un excelente equilibrio entre los instrumentos actuantes. La no muy larga composición ‘No Return’ trae consigo el cierre del álbum. Su espacio de 2 ½ minutos está focalizado en un jam vivaz en base a la guitarra acústica, la cual había iniciado la pieza con un intrigante prefacio. Una vez en acción la dupla rítmica, la guitarra eléctrica entra a tallar con la forja de un ascenso armónico en asociación con la flauta y el sintetizador, resolviéndose todo con un travieso nudo conclusivo. Todo esto fue lo que se nos brindó con “Seven Hills” desde los cuarteles de AURORA CLARA, un disco bastante colorido cuyo consistente vigor expresivo le asegura un puesto de merecido privilegio dentro de la élite progresiva de España y, por qué no, de Europa entera.       

Muestras de “Seven Hills”.-  

Seven Hills: https://www.youtube.com/watch?v=Gacs3LOMoYE 

Wise Raven: https://www.youtube.com/watch?v=xUGq5cmPqr8

AGNUS: pintorescas expresiones en la escena progresiva argentina de los 70

 

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Hoy revisamos una de las páginas más interesantes de la primera generación del rock progresivo argentino, la página escrita por el colectivo AGNUS, formado en 1974 en Santa Fe (nordeste de Argentina) por iniciativa del guitarrista Luis Sáez: el nombre procede de la canción ‘Agnus Dei’ de ALMENDRA y, con el paso de los años, la banda va cambiando algunos integrantes y aumentando la cantidad de su membrecía. El ensamble llega a su alineación definitivamente completa (la #7) con Sáez compartiendo los roles de guitarrista y corista con Archi Basílica, Ricardo Tersse [bajo y coros], Ricardo Bonetto [batería, percusión y coros], Laura Fazzio [teclados, flauta dulce y coros], Alejandra Bernie [voz], y el trío coral de Graciela Girotti, Marcela Canalis y Graciela Cassano. Ésta es la alineación de AGNUS que efectuó su único disco de estudio, titulado “Pinturas y Expresiones” y publicado en 1980 por el sello independiente Discópocu; este detalle es algo muy propio de una banda que siempre operó de forma autogestionada y artesanal. El material allí contenido fue grabado en los estudios Recordex en junio y julio de ese mismo año 1980: el ingeniero de sonido fue Federico Ehrlich. El violinista Enrique Schussler aparece como invitado en uno de los cuatro temas del álbum. Además de aportar su canto, Graciela Girotti es también la autora del arte de tapa. En julio del pasado año 2025, el infatigable sello Viajero Inmóvil publicó una reedición expandida de “Pinturas y Expresiones”: Felipe Abel Surkan fue, como es habitual, el productor, mientras que Gustavo Bolasini (veterano difusor de las grandezas del rock argentino de ayer y hoy) se hizo cargo de la remasterización. Una labor loable y siempre agradecida por quienes sabemos apreciar las joyas musicales de antaño y sentimos perpetua curiosidad por descubrir detalles hasta ahora desconocidos por el coleccionista de a pie.

  

Repasemos por ahora el repertorio de “Pinturas y Expresiones”, el cual comienza con la suite de casi 15 minutos de duración justamente titulada ‘Pinturas Y Expresiones – Movs. I, II y III’. Las dobles guitarras abren muy pronto la senda de instauración y refuerzo del motif central, brindando los cimientos de un vigor elegante al sonido grupal integral. Los colores de la flauta (y los ulteriores cantos femeninos) añaden gracilidad al asunto mientras la dupla rítmica mantiene un insigne groove. A poco de pasada la frontera del sexto minuto, un interludio bucólico hace que las cosas se tornen un poco más gráciles. La última sección es la más diversa, alternando momentos eléctricos y acústicos con perfecta fluidez mientras se preserva un ambiente envolvente (al modo de un híbrido entre YES y GENESIS) para el desarrollo temático. Tras este estupendo viaje musical llega el turno de ‘Historia De Un Rey’, una pieza vivaz que funciona muy bien como cántico renacentista. La presencia del violín añade matices muy estilizados al centro melódico mientras la proyección del núcleo melódico hace gala de su palaciega placidez. Hay un cierto parentesco con la faceta pastoral de MIA (banda muy amiga, dicho sea de paso). La segunda mitad del disco se inaugura con ‘Siglo XXI’, que es quizás nuestra pieza favorita de todo el catálogo histórico de AGNUS. Su prestancia sistemática se inicia con unas solemnes orquestaciones y efluvios cósmicos de sintetizador, siendo así que los ornamentos de las guitarras preparan el camino para el arribo de una majestuosa sección inicial: casi como pasando de lo Floydiano a lo Genesiano, la pieza se explaya en un ejercicio cadencioso de sinfonismo bien delineado donde también hay lugares estratégicos para los ornamentos pastorales que entran a tallar de vez en cuando, especialmente, de parte de la flauta. De hecho, es de notar la intensa versatilidad que impulsa a la sucesión de los diversos motivos, incluyendo una explosión de masas así como un presto resurgir humano por vía de un bello arreglo coral femenino. La emergencia del fastuoso clímax final es dirigido por el hermanamiento de las dos guitarras mientras la dupla rítmica elabora un nervio estilizado bastante oportuno para lo que fue un mágico despliegue de colorido típicamente progresivo: ojalá hubiese durado más esta culminación, pero es lo que hay y está muy bien. 

‘Nace El Día (Los Monjes De La Desesperación)’ trae consigo el cierre del álbum, siendo así que su principal función consiste en perpetuar el aura épica de la canción precedente mientras le da una dosis razonablemente mayor de musculatura; esto permite que se muestre con mayor soltura el vigor propio de las dos guitarras en torno a las cuales gira el resto de la ingeniería instrumental, la cual emplea grooves alternados de rock progresivo y blues-rock con una bien perfilada fluidez. Aquí ya es más evidente la influencia de INVISIBLE en el esquema de trabajo grupal, lo cual facilita la manifestación de aureolas extrovertidas a lo largo de los centros temáticos que se van hilando. Los arreglos corales que emergen cerca del final establecen una conexión estilística con la canción precedente antes de que la sección epilogar despliegue una extroversión distinguida: incluyen un breve solo de batería e incrementa la solemnidad del estándar blues-rockero en sus instancias finales. Los dos bonus tracks son ‘Siglo XXI’ y ‘De Un Huevo No Tan Rosa’, extraídos de un concierto del año 1979 en el Anfiteatro Juan de Garay, Santa Fe. Lo que observamos en ‘Siglo XXI’ es un indicio claro de lo bien definidas que estaban las ideas musicales de esta composición a lo largo del armazón de sus variadas secciones, e incluso se nota que opera una mayor dosis de musculatura, algo que ayuda mucho a realzar la impetuosa exuberancia de la composición. En cuanto a ‘De Un Huevo No Tan Rosa’, se nos revela una pieza signada por una polenta bastante llamativa; de hecho, la batería resuelve el groove básico con una oportuna mezcla de vigor y sofisticación, mientras el bajo coopera con las armonías básicas desarrolladas por las dos guitarras. En medio de toda esta algarabía rockera, la flauta sabe hacerse notar en varios parajes estratégicos, especialmente aquellos donde se realza lo bucólico. Posiblemente se puede decir que hay algo de Tulliano aquí, pero INVISIBLE y GENESIS siguen siendo los principales referentes inspiracionales. Con la sucesión de los dos enclaves subsiguientes, presenciamos lo más aguerrido que haya hecho jamás la gente de AGNUS: la electricidad va en aumento con el paso de los minutos. Todo esto fue lo que se testimonió oficialmente de las pintorescas expresiones progresivas de la escena argentina de fines de los 70 que brindó la gente de AGNUS. No pasó mucho tiempo tras la publicación de “Pinturas y Expresiones” cuando el grupo se disolvió; su última actuación fue en el Teatro Lasalle de Buenos Aires como acción final de la presentación de este disco que tantos años le costó concretar.

Pero... ¿hay más secretos por descubrir de AGNUS? Pues la respuesta es sí. En el mismo día del lanzamiento de la reedición ampliada de “Pinturas y Expresiones” que acabamos de comentar, también se hizo lo propio con “En vivo En El Cine-Teatro Luz Y Fuerza – Santa Fe”, registro de un concierto que el grupo hizo en el lugar mencionado el 10 de noviembre de 1978. Por aquel entonces, la banda contaba con su cuarta alineación: Luis Sáez [guitarra], Ricardo Tersse [bajo], José Luis Tenuta [guitarra], Cecilia Glaría [flauta], Ricardo Bonetto [batería], Silvia López Rosas [voz], Cristina Cantero [voz], Rossana Sarubbi [voz] y Daniel Carli [violín]. El repertorio del evento se inicia con la dupla de ‘Preludio’ y ‘El Fugitivo De Las Sombras’. La iniciación va muy tirada al barroco con un enfoque pastoral que en muy poco tiempo se intensifica con los arreglos corales que abren el camino al núcleo central. La narrativa es cálida y el desarrollo melódico es suficientemente delicado. Entonces, al surgir ‘El Fugitivo De Las Sombras’, el grupo se enfila hacia un acrecentamiento de este sinfonismo pastoral bajo un índice renacentista, siendo así que el desarrollo temático resulta más diverso. ‘El Sabio Y La Mujer’ asienta un tenor más solemne y sofisticado a la ya bastante afianzada línea progresiva, añadiéndose algunos ornamentos de jazz-fusion en ciertos parajes estratégicos. La dupla de ‘Desde El Techo Del Cielo’ y ‘Buscando Motivos’ funciona para que el ensamble de AGNUS siga avanzando a paso firme con su bien perfilada propuesta musical. El primero de estos temas mencionados ostenta un talante evocador, a veces rayano con lo introspectivo. Los matices que aportan el violín y la flauta sirven como la vía conectora entre el restro del ensamble y la luz exterior. A partir de allí, se cimenta una sección intermedia bastante animada antes de que el retorno del motif inicial redondee la faena con efectivo fulgor. Por su parte, ‘Buscando Motivos’ reconstruye la espiritualidad de la segunda canción con una prestancia renovada. Emerge un recurso cinematográfico con el empleo de efectos de sonido de una navegación. ‘Viajando’ asume un aura palaciega en du breve prólogo antes de impulsarse hacia una algarabía folk-rockera. El uso de cadencias criollas en algunos pasajes resulta muy ingenioso. Hay efectos de sonido de un tumulto callejero y pasos de carrera.

  

‘Historia De Un Rey’ ya existía en este momento de la historia de AGNUS, por lo que su función en este concierto es el de objetivar la faceta más jovial del ideario grupal. ‘Ciegos Somos’ es una nueva manifestación de la sabia manera que tiene el grupo de hilar varios núcleos melódicos que, como un todo, reflejan diversas atmósferas que van desde lo luminoso hasta lo grisáceo, desde lo vivaz hasta lo reposado. La manera tan finamente orquestada de realizar las conexiones entre las guitarras dobles, el violín y la flauta funciona impolutamente mientras las secciones cantadas y los arreglos corales completan el paisaje cada vez que salen al frente. Hay tal vez algo de Yessiano en las proyecciones progresivas de esta estupenda composición. ‘Cuento’ (con letra de Mónica Gaubry) da constancia de una agilidad rockera en su sección prologar (muy propia de bandas compatriotas como AVE ROCK e INVISIBLE), pero pronto regresa a la narrativa pastoral bajo una variable etérea, lo cual sirve para que se dé un nuevo giro de tuerca a la lógica de múltiples melodías sucesivas que la gente de AGNUS convierte en su marca de fábrica. Eso sí, siempre hay especio para cualquier momentáneo resurgir de lo vigoroso. La flauta tiene aquí un especial protagonismo. La dupla de ‘Mensaje A La Humanidad’ y ‘Siglo XXII’ clausura este evento en Cine Teatro Luz Y Fuerza. La primera de estas canciones retoma la faceta solemne en algunos parajes mientras  los alterna con recursos sobriamente fastuosos. El último, visto con la perspectiva del tiempo, es un anticipo certero de las coordenadas más enérgicas del ensamble. Cabe señalar que la publicación de este concierto está dedicada a la memoria de Cecilia Glaría, una de las vocalistas. Aquí concluye nuestro repaso del único disco de estudio del AGNUS y su registro en vivo recientemente rescatado por el sello Viajero Inmóvil. Este numeroso ensamble argentino encarnó una voz muy peculiar dentro de la escena del rock progresivo de su país y siempre vale la pena volver a lo que legaron para la historia; es una bendición de la tecnología discográfica del nuevo milenio que podamos disfrutar de algo más que su único LP “Pinturas y Expresiones”. Como dijimos en el primer párrafo de este texto, gracias a toda la gente que hace posible nuestro acceso a estas reliquias eternas. También damos gracias, por supuesto, a la banda que gestó todo esto: AGNUS, entidad portadora de pintorescas expresiones dentro de la primera generación del rock progresivo argentino.

Muestras de AGNUS.- 

Pinturas Y Expresiones – Movs. I, II y III: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/pinturas-y-expresiones-mov-i-ii-y-iii 

Siglo XXI: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/siglo-xxi-2 

De Un Huevo No Tan Rosa [en vivo]: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/de-un-huevo-no-tan-rosa-en-vivo-anfiteatro-juan-de-garay-1979 

El Sabio Y La Mujer [en vivo]: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/el-sabio-y-la-mujer 

Ciegos Somos [en vivo]: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/ciegos-somos 

[La parte de esta retrospectiva centrada al LP “Pinturas Y Expresiones” está inspirada en una reseña originalmente publicada en el blog La Caja de Música. Enlace: https://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/Discos/agnus_pinturasyexpresiones.html]

La perspectiva progresiva de TUSMØRKE sobre los ciclos del sol y la oscuridad

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy presentamos el nuevo disco del prolífico y misterioso ensamble retro-progresivo pagano noruego TUSMØRKE, el cual se titula “Balderdom” y fue publicado por el sello Karisma Records el último 20 de marzo, tanto en CD como en vinilo verde. El centro conceptual de este nuevo álbum es sobre el paso del tiempo, no en un proceso lineal, sino como un ciclo de perpetuo retorno del día a la noche y viceversa. En palabras de Benediktator, el líder musical e ideológico del grupo: “¿El día brota desde la oscuridad de la noche que le precede o la noche devora la luz del día cuando retorna? ¿Estamos escapando del pasado o acomodándonos al futuro?” – “La noche pertenece al día, cada amanecer más glorioso que el anterior, en la repetición de lo eterno por siempre jamás hasta que el engranaje gire para hacer que un nuevo sol brille en un nuevo horizonte.” No un retorno al punto de partida, sino a un nuevo punto, una vuelta en espiral ascendente donde el ascenso significa mejoría. La alineación de TUSMØRKE que gestó el disco que hoy nos convoca consta del ya mencionado Benediktator [bajo, voz, guitarra eléctrica, Mellotrón M4000D, sintetizadores Moog Minimoog Model D, Roland SH-2 y Roland TR-08, glockenspiel, percusión, efectos y palmas], Kusken [batería en los cuatro primeros temas], Selve Kraften [órgano Hohner Symphonic 30, Pianet T, piano eléctrico Fender Rhodes, Mellothor, piano Yamaha y efectos], Krizla [flauta, flauta dulce y sintetizador Minimoog Model D] y Brennesle [batería, percusión y guitarra eléctrica en el último tema]. El coro Oslo Badstukor, dirigido por Judith Utz, también aparece apoyando ocasionalmente al grupo. Los procesos de grabación de este nuevo material tuvieron lugar entre los años 2023 y 2025, la mayor parte de ellos, en Det Ytre Rommet, siendo el ingeniero de sonido y productor Benedikt Momrak. Las partes de teclados tocadas por Kraften fueron registradas en el Spectral Tape Studio y en Valberg Laboratorium, en el año 2025. La ulterior labor de masterización estuvo a cargo de Christian Obermayer en el estudio Strype Audio.

Veamos ahora los detalles concretos del disco que hoy nos convoca. Los primeros 4 minutos y pico del álbum están ocupados por ‘Svensk Drøm’, una canción bien insertada en el discurso de la retro-psicodelia, algo así como una canción perdida de THE ZOMBIES que fue remodelada por GILES, GILES & FRIPP. Funciona aquí una calidez otoñal adecuadamente asentada sobre un compás a medio tiempo mientras el cuerpo central se refuerza con plenitud consistente. Los arreglos corales ostentan un aire misterioso a través de su ostentosamente jovial musicalidad. A continuación, llega el turno de la canción homónima ‘Balderdom (Tres Jolie)’ sigue adelante con esta línea retro-psicodélica que se emparente tanto con el estándar general de los cuatro primeros álbumes de Kevin Ayers como con el proyecto de Arthur Brown KINGDOM COME. Con los aditamentos percusivos que refuerzan el cándido groove de la batería y los opprtunos colores de flauta que entran a tallar en algunos pasajes estratégicos, la agilidad expresiva y el colorido están suficientemente garantizados sobre la base del paradigma progresivo de viejo cuño. ‘Rerun Of Forever (Stravinsky)’ nos muestra a la banda dispuesta a trabajar con un esquema más sofisticado: se trata de un ejercicio jazz-progresivo bastante animado cuyo despliegue de ludismo caleidoscópico suena como una mezcla de los GONG del primer álbum y la faceta más humorística de los SOFT MACHINE de 1968-69 con algunos retazos Zappianos. ‘Vi Er Et Kollektiv’ concluye la primera mitad del repertorio haciendo un viraje hacia una espiritualidad más solemne, preservando incólumes la gracilidad y la exuberancia de raigambre jazz-progresiva que ya habían signado la estructura de los arreglos nucleares de la pieza precedente. Si estas cuatro canciones fueron compuestas durante una celebración del solsticio de invierno en noviembre de 2022 (lo cual motivó la idea general del disco) por Benediktator, la suite que ocupa toda la segunda mitad de “Balderdom” tiene su origen en maquetas de los años 90. El flautista-teclista Kristoffer Momrak (cuyo apodo es Krizla) es el autor del concepto general; el grupo trabajaba esporádicamente en varias versiones de la misma a lo largo de los años hasta llegar a ésta, por fin, la definitiva. 

Dicha suite dura poco más de 20 ¾ minutos y se titula ‘Lidskjalv’. Ya desde el punto de partida emergen unas vibraciones ágiles que se sitúan en un intermedio entre GRACIOUS!, ELK y BEGGARS OPERA, siendo así que las partes cantadas emiten un vigor ceremonioso. Podemos advertir ciertas convergencias con otros nombres escandinavos recientes como RING VAN MÖBIUS y JORDSJØ. Los índices folclóricos que alimentan a esta lúcida combinación de jazz-prog y psicodelia primitiva son cruciales para impulsar el groove general, siendo así que el rol prioritario de los órganos y los sintetizadores dentro de la maraña instrumental concreta una grandilocuencia muy especial.  Poco antes de llegar a la frontera del octavo minuto, la permanente magnificencia gira efímeramente hacia algo denso en un breve puente que nos lleva hacia un desarrollo temático nuevo donde lo suntuoso se resalta aún más. Ya cuando se bordea la frontera del minuto 12, el aura de sofisticación se eleva aún más en el enriquecimiento melódico y la ingeniería rítmica por igual: incluso el resaltamiento de los riffs y bases armónicas de la guitarra ayuda a incrementar la musculatura colectiva en este camino hacia un exultante clímax. Una vez alcanzado éste, la banda regresa a una danza folclórica de tenor pastoral mientras preserva algo de la fuerza recientemente ganada; a partir de allí, se gesta un crescendo que se enfila hacia un segundo clímax, el mismo que abre camino a un epílogo ágil y envolvente que incluye algunos matices cósmicos. Todo esto es lo que se nos brinda con “Balderdom” desde los cuarteles del infatigable grupo TUSMØRKE, entidad campeona de la mentalidad postmoderna retroactiva y pagana dentro del actual escenario del rock progresivo noruego. Se trata de un disco que pone sobre la mesa un vigor renovado para un patrón de rock progresivo que ya tiene bastante tiempo de estar bien asentado dentro del panorama escandinavo actual. TUSMØRKE ha concretado aquí un muy buen disco en torno a la noción de los ciclos del sol y la oscuridad con prioridad de esta última: de verdad, se trata de un ítem muy recomendable para cualquier fonoteca de rock progresivo y afines.

Muestra de “Balderdom”.- 

Lidskjalv: https://tusm-rke.bandcamp.com/track/lidskjalv

El cuarteto italiano AETHER y su tercera excursión por el territorio jazz-progresivo

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy presentamos el nuevo disco del cuarteto instrumental italiano AETHER, el mismo que fue publicado el pasado 22 de mayo: siendo su tercera obra fonográfica, la gente de AETHER la tituló simplemente “III”. La publicación de este ítem fue producida por el sello Luminol Records. El personal está integrado por Andrea Ferrari [guitarras y teclados], Andrea Grumelli [bajo sin trastes], Andrea Serino [piano eléctrico Fender Rhodes y teclados] y Matteo Ravelli [batería y efectos electrónicos]. Fundado a fines del año 2021 en Milán, el grupo se dedica a desarrollar un híbrido de jazz-rock contemporáneo, rock progresivo y post-rock con una importante presencia de ornamentos propios del ambient electrónico: un eclecticismo aventurero signado por la búsqueda de elegancia máxima para el enfoque experimental contemporáneo de las pautas generales del discurso jazz-progresivo. Todo ellos individualmente tienen amplia experiencia en otros grupos y proyectos dentro de las áreas del rock psicodélico, el heavy metal, el jazz-fusion y la música académica; dicho sea de paso, Grumelli y Ravelli también forman parte del ensamble I SINCOPATICI. En el disco que hoy nos ocupa, el cuarteto cuenta con las ocasionales colaboraciones de Claudio Milano (recitación) y Rosarita Crisafi (flauta). Las sesiones de grabación tuvieron lugar en los Guscio Recording Studios y el ulterior proceso de mezcla se hizo en los Distant Zombie Warning Studios. Veamos ahora los contenidos específicos de “III”.

El repertorio de “III” empieza con ‘Oort Cloud’, tema que aprovecha su espacio de poco más de 6 ¼ minutos para plasmar una interesante exhibición de recursos estilísticos. Comenzando con un clima expectante donde lo misterioso y lo espectral se fusionan en una sola fuerza expresiva. De este modo, se nos devela un ejercicio de atmósferas sombrías que se toma su tiempo para arribar a la espiritualidad aguerrida y densa donde la locación sónica se empieza a estructurar cabalmente. La fraternidad de jazz-prog y post-rock gana nervio con la incorporación de elementos de tipo Zeuhl. ‘Vogon’ sigue a continuación para expandir la presencia de grooves jazzeros y lo hace con una prestancia renovada que se siente bastante fulgurosa. Así, nos damos cuenta de que el grupo está bien dispuesto a explotar su faceta más extrovertida, algo que se resalta particularmente cuando entra a tallar un intenso solo de guitarra, el mismo que introduce inteligentes retazos psicodélicos en un contexto jazz-rockero. El canto de Milano añade un aura de exquisita extravagancia al asunto, es muy efectivo a despecho de su brevedad. En líneas generales, el bloque instrumental suena a un híbrido de WEATHER REPORT y SUN RA, añadiéndose algunas cercanías (posiblemente involuntarias) con grandes nombres del jazz-prog escandinavo actual como KROKOFANT y ELEPHANT9. ‘Cinq Teintes, Quatre Cadres’ se explaya por un espacio de casi 8 ¾ minutos. Tras una sección prologar de talante ambient, la intervención de un estilizado solo de sintetizador dirige la senda hacia un cuerpo central evocador que se deja arropar por una espiritualidad etérea. Hay un nervio operante bajo la capa de retazos flotantes que sabe cuándo dar indicios de sí mismo en medio del meticuloso entramado instrumental, el cual desarrolla una ambientación crepuscular sobre el sustento de un compás atípico en clave lenta. La guitarra exorciza efluvios expresivos de Allan Holdsworth y Larry Coryell en simultáneo mientras las cosas se orientan hacia un primer clímax, un arrebato inquieto y absorbente cuyo abrupto final abre la puerta a la sostenida emergencia de un nuevo motif, esta vez, con la mira puesta en la guía del piano eléctrico. Mientras tanto, el groove se torna aún más sofisticado, generando un clima cuasi-Crimsoniano para el armazón instrumental general. Bastante reveladora esta secuencia de los tres primeros temas del álbum, siendo ‘Cinq Teintes, Quatre Cadres’ un cénit fundamental del álbum como un todo. 

‘La Mélancolie Du Petit Prince’ comienza con una plenitud de vibraciones meditabundas bajo la guía de las bases armónicas del piano, las mismas que se benefician de las puntuaciones precisas del bajo. Mientras avanza el desarrollo temático, el talante contemplativo de la composición asume una creciente densidad y su aureola expresiva se hace más tensa. La permanente exquisitez del lienzo sonoro alcanza un brío de desahogo ante de que las últimas escalas del piano regresen a la calma inicial. Cuando llega el turno de ‘Panta Rei’, el ensamble se dispone a crear un híbrido de los temas #1 y #3 con un especial énfasis en el desarrollo de climas contemplativos. El tránsito de una inicial espiritualidad distante hacia una incandescencia estilizada se realiza con un refinamiento aristocrático donde el entramado colectivo funciona como un solemne palacio de acogida para el núcleo temático. Cuando irrumpe el solo de guitarra, la intensidad resultante dentro del bloque íntegro adquiere una cualidad avasalladora con un ademán cautivante. ‘Swerve’ trae consigo el cierre del repertorio, erigiéndose como la pieza más extensa del mismo con sus cerca de 10 ¾ minutos de duración. Tal como se insinuaba en la secuencia de las tres piezas precedentes, el ensamble juega al unísono con la tradición del jazz-fusion de los 70 y las nuevas formas del jazz-rock experimental con añadidos enclaves de prog vanguardista. Tras unos iniciales coqueteos sistemáticos con lo parsimonioso, la banda crea espacios para la gestación y la gestión de un nervio sónico bastante cercano al Zeuhl-fusion (ESKATON, ONE SHOT y ZAO, por ejemplo) una vez pasada la frontera del quinto minuto. La exuberancia de la batería y el talante sofisticado del bajo se unen para sustentar compactamente al enclave musical en curso. Tres minutos después, las cosas se calman un poco para abrir campo a una placidez señorial de raigambre progresiva. Ahora prima una candidez melódica meticulosamente perfilada. Los trazos del campo de aterrizaje están perfectamente delineados para este excelente fin del álbum. Todo esto fue lo ofrecido en “III” desde los cuarteles del cuarteto italiano AETHER: en ésta, su tercera excursión por el territorio de la música jazz-progresiva, el mencionado grupo logra.

Muestras de “III”.- 

Cinq Teintes, Quatre Cadres: https://aether5.bandcamp.com/track/cinq-teintes-quatre-cadres 

Swerve: https://aether5.bandcamp.com/track/swerve

El sexto protocolo del maestro SIMON PHILLIPS

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Tenemos en nuestras manos lo nuevo del maestro SIMON PHILLIPS, veterano baterista-percusionista británico de larga trayectoria en todo el mundo en varias áreas del jazz y del rock, y cómo no, un as con nombre propio en la escena jazz-rockera desde fines de los 80 hasta ahora. El nombre de su nuevo disco solista es “Protocol 6”, habiendo sido publicado el 5 de junio pasado por el sello Phantom Recordings. En él le acompañan Ernest Tibbs al bajo, Otmaro Ruiz al piano y los teclados, Alex Sill a la guitarra y Phillip Whack al saxofón alto. Los temas contenidos en “Protocol 6” fueron grabados en el estudio Carbonita Sound de Ojai, California, con excepción de las partes de piano, que se registraron en el estudio Otmatik Sound de Santa Clarita (también en California). PHILLIPS se encargó de la mezcla en su estudio Phantom Recordings; la ulterior labor de masterización estuvo en manos de Richard Dodd. Parece mentira que haya pasado tanto tiempo desde aquel año 1988 cuando PHILLIPS publicó su EP de debut “Protocol” y ya en 2026 tenemos a este álbum que sucede a “Protocol V” por seis años. El disco que hoy nos ocupa es el séptimo de larga duración en la trayectoria solista del buen SIMON (con la atingencia de que posteriores reediciones de “Protocol” en CD lo convirtieron asimismo en un trabajo de larga duración) y ya es hora de revisar los detalles de su contenido.

‘Andromeda’ da el rumbo inicial al repertorio con un vivaz despliegue de colorido que, a cada instante, encapsula infinitas dosis de elegancia. Comenzando con unas cadencias de piano, se prepara meticulosamente el surgimiento de un swing vivaz sobre un tempo razonablemente complejo. El dúo de guitarra y saxofón instaura el motif central mientras la batería sustenta la ingeniería global con impecable pulso. A lo largo del trayecto, el vigor reinante preserva una sobriedad exquisita; claro está, hay momentos durante los respectivos solos de guitarra y saxofón donde el fulgor se intensifica sistemáticamente. Muy bien aprovechado este espacio de 6 ¾ minutos. ‘Unstable Grounds’ sigue a continuación para estabilizar la estrategia estilística del ensamble y lo hace con un coqueto despliegue de vibraciones funky que reconocemos de la larga tradición del jazz-fusion desde mediados de los 70. La agilidad es mas relajada y la gracilidad heredada de la pieza inaugural se torna un poco más punzante. Los inteligentes juegos de síncopas de la batería animan el corazón de la ciudadela sónica edificada por los músicos y el luminoso solo de sintetizador la inunda de gracia y prestancia. ‘Intrepid Traveller’ se mete en la zona de atmósferas etéreas y ramificaciones melódicas delicadas sin sacrificar un ápice del señorío extrovertido que se ha venido desarrollando en los dos temas anteriores. El saxo parece dirigir el centro temático mientras la guitarra espera el momento para resaltar un solo refinado y grácil. Aquí funciona un híbrido entre los YELLOWJACKETS de los 80 y el PAT METHENY GROUP de los 90 con una adición de matices propios del jazz-rock melódico de las últimas décadas. Cuando llega el turno de ‘As The River Flows’, PHILLIPS y sus ilustres compinches se embarcan en un exquisito viaje fusionesco donde la interacción entre el swing tribal de la batería y las delicadas primeras líneas de la guitarra acústica preparan el terreno para una exhibición de relajados fulgores vespertinos. Los respectivos solos de piano y de saxofón enriquecen el foco temático con cristalina pericia; mientras tanto, la guitarra acústica saca buen provecho de su momento de destaque, lo cual permite que se realce el embrujo inherente a la composición.

‘Code 4 Kryptos’ se asienta sobre una ingeniería rítmica compleja donde predomina el tempo de 5/4. La agilidad colectiva da sobrias muestras de carácter mientras va forjando una nueva exhibición de exquisitez jazz-rockera. Nos sentimos familiarizados con los nexos estilísticos con RETURN TO FOREVER que se abren paso mientras la pieza va desplegando el centro temático y sus variantes sucesivas guiadas por los solos de guitarra y de saxofón. En lo referente al hermoso y breve solo de sintetizador, se devela dentro de un clima sereno que brinda un efímero relax en medio del colorido predominante. Siendo la pieza más extensa del repertorio con sus 14 minutos y pico de duración, ‘Event Horizon’ se erige como la manifestación más épica de la logística comunitaria; de hecho, se puede advertir en varios pasajes la actitud de coqueteo con la estilización melódica del prog sinfónico. Todo empieza con una atmósfera meditabunda apoyada en las bases armónicas de piano, las mismas que arman un cobijo para un solo introductorio de saxo. Una vez armada la coalición íntegra de los instrumentistas, emerge una agilidad fulgurosa y cándida que hace justicia a la cálida expresividad del núcleo temático. Cabe destacar el solo de guitarra, el cual oscila entre la soltura vibrante de un Coryell y la bizarra hidalguía de un Holdsworth. Sobre la frontera del sexto minuto, las cosas se calman para regresar a los retazos etéreos de la introducción, los cuales pronto articulan un motif reposado donde se impone una espiritualidad crepuscular. El teclista asume aquí un rol rector cuando, en primer lugar, realiza una serie de efluvios de piano con los que agita un poco las aguas de esta marea razonablemente calmada, siendo así que se va preparando el camino para el arribo de una nueva sección animada; es aquí que, el segundo lugar, el solo de sintetizador instaura el primer recurso de entusiasmo expresivo para el nuevo escenario. Siguen adelante los sucesivos solos de saxofón, guitarra y sintetizador para reforzar esta nueva luminosidad y provisionarla con un vigor reconstructivo. La acuciosa labor de la batería en manos del capitán PHILLIPS resulta crucial para mantener este clímax y guiar el camino hacia el solemne epílogo, el cual termina aterrizando en el recogimiento inicial. El cierre del álbum llega de la mano de ‘Sundown In Old Town’, pieza centrada en la exhibición de aires noctámbulos tal como se indica en el título. La gentileza propia del hermoso centro melódico explota su encanto particular bajo la guía del saxofón; en el intermedio, los solos de piano y guitarra realzan el embrujo grisáceo en curso. 

Todo esto fue lo que se nos brindó con “Protocol 6” desde los cuarteles musicales del maestro británico SIMON PHILLIPS, un veterano que preserva certeramente la lozanía creativa y todavía sabe añadir recursos renovadores a su muy proba sabiduría performativa. Todo un acierto asociarse con los también maestros que le acompañan en esta nueva expansión protocolaria, y más acierto es plasmar a la perfección la magia inherente a este nuevo catálogo de composiciones. ¡¡Totalmente recomendable!!

Muestras de “Protocol 6”.- 

Andromeda: https://www.youtube.com/watch?v=ub4_wbiXwPU  

Intrepid Traveller: https://www.youtube.com/watch?v=aBOhnl5V2mQ 

Event Horizon: https://www.youtube.com/watch?v=U9eQNbcbOhI

Los nuevos pasos del ensamble jazz-progresivo noruego RED KITE

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Nos llegan buenas noticias desde los cuarteles del ensamble jazz-progresivo noruego RED KITE: su nuevo trabajo fonográfico “This Too Shall Pass” ha salido al mercado el 19 de junio pasado – hace muy poco – en su blog de Bandcamp tras un largo tiempo de espera desde su segundo álbum “Apophenian Bliss” del año 2021. El sello Is It Jazz? Records se hará cargo de la publicación física, tanto en CD como en vinilo  el 26 de junio próximo. La alineación vigente de RED KITE consta de Even Hermansen [guitarras], Trond Frønes [bajo], Torstein Lofthus [batería] y Gisle Johansen [saxofón]. El teclista cofundador Bernt André Moen estuvo en estos últimos años padeciendo una grave enfermedad que le obligó finalmente a abandonar este proyecto. Además, el padre del guitarrista estuvo internado por culpa de varias enfermedades acumuladas. También murieron algunos amigos de la banda y el gato de uno de los mejores amigos del guitarrista, de quien sólo se recuperó una pata; esto explica que varias piezas del nuevo álbum tengan un norte expresivo un tanto sombrío, tal como veremos más adelante. De todas maneras, el cuarteto actual  supo remodelar su energía de siempre y recibió el apoyo ocasional del teclista Ståle Storløkken (a quien conocemos principalmente de ELEPHANT9) para seguir aferrado a su esquema sonoro habitual. Hermansen es el autor de todos los temas salvo uno donde comparte créditos con el saxofonista Johansen. Y pensar que éste sólo iba a ayudar en unos temas, pero finalmente pasó a ser integrante a tiempo completo. Su presencia permite a RED KITE crear algunas cercanías estilísticas con FIRE! y KROKOFANT. Dag Erik Johansen se hizo cargo de la ingeniería de sonido y la mezcla en el estudio Athletic Sound, mientras que Espen Høydalsvik hizo lo propio con la masterización en el estudio OSLO:Fuzz. Per Spjøtvold es el autor de las imágenes y el diseño gráfico. 

 

El repertorio de “This Too Shall Pass” empieza con ‘Not To Be’, una pieza ceremoniosa atravesada por una intensiva aureola de melancolía. Tras una envolvente introducción de piano eléctrico, el ensamble arma un viaje introspectivo bastante conmovedor, siendo así que se arma un crescendo exquisito. ‘Requiem For Bolla’ sigue a continuación para perpetuar una versión incrementada de las vibraciones introvertidas plasmadas en el tema inaugural.  Esta vez, los recursos de densidad expresiva se atenúan para realzar cristalinamente la prestancia evocadora inherente al índice temático. A propósito, Bolla era el nombre de la mascota muerta a la que hicimos alusión en el primer párrafo de la presente reseña. Durando 14 minutos (o casi), ‘Texas Of Sweden’ se erige como la pieza más extensa del álbum. Concretamente, su función consiste en trazar la faceta más extrovertida del ideario musical del ensamble. El uso de un swing complejo y el armado de un bloque instrumental vivaz aseguran la gestación de un robusto híbrido de jazz-rock y punk-jazz a paso firme. Las agitaciones del saxo en su solo son absorbentemente radiantes. A mitad de camino, las cosas se suavizan un poco a fin de resaltar las texturas ocultas del entramado colectivo, pero se trata sólo de un puente hacia un nuevo explayamiento intenso. A poco de llegar a la frontera del décimo minuto, el grupo realiza un foco incendiario donde el potencial factor prog-psicodélico entra a tallar con convincente vigor. Especial mención para la batería, cuyas estilizadas agitaciones sustentan la implosión comunitaria con un swing sumamente complejo. Todo un cénit del disco. ‘No Safe Harbour’ se enfila por una solemnidad oscurantista donde la tormenta jazz-progresiva en curso entra en franco diálogo con el tenebrismo de estilo chamber-rock. La explícita  parsimonia es abiertamente belicosa, una furia angustiosa que se adentra por las sinuosas cavernas de un limbo que no se sabe si es interior o externo a paso apelmazado, y justo eso lo hace sonar más ominoso. Imaginemos una composición de PRESENT filtrada a través del patrón de la MAHAVISHNU ORCHESTRA bajo la guía de los KING CRIMSON de 1974: así suena esto.
 
‘For Ugly Ducklings’ establece un lúcido juego de texturas bajo el mando de las delicadas líneas del saxofón, siendo así que una vez integrado el ensamble completo en la acción, se concreta un vitalismo aristocrático a través de una compleja arquitectura rítmica. La batería se sitúa en la misma línea fronteriza entre el orden y el caos mientras sostiene la ingeniería grupal con sumo ingenio. Cuando llega el turno de ‘Bernt’, el ensamble desarrolla un nuevo ejercicio de excelsas sonoridades focalizadas en los elementos más suntuosos de su ideario estético. Todo lo de los dos temas anteriores es reemplazado por una vivaz algarabía que fluye sueltamente a través de una ingeniería acuciosamente sofisticada. La punzante urgencia de la guitarra y el órgano halla su complemento idóneo en la aristocrática musculatura de la batería. Otro momento culminante del disco, y uno que asienta decisivamente el posicionamiento estético del ensamble. ‘Broken Heart And Broken Bones’ es una relativamente breve exploración en un paisaje calmado y solitario que se deja arropar por una gentil neblina. El talante nostálgico se impone sin aspavientos, se basta con su delicada sencillez. Le sigue ‘All’s Well That Ends’, quien trae consigo el cierre del repertorio. Portando uno título tan ingenioso, se trata de una mirada profunda a las atmósferas noctámbulas que ya ha se hicieron presentes en la pieza precedente. Contando esta vez con un bloque instrumental más lleno, la composición despliega solventemente su encanto esencial. El tiempo de ausencia de RED KITE pasó y ahora, con el arribo de su nueva obra “This Too Shall Pass”, el colectivo noruego anda sus nuevos pasos dentro de la escena jazz-progresiva noruega. Y vaya si tienen firmeza estos pasos nuevos. Un disco totalmente recomendable para cualquier colección actualizada de propuestas visionarias dentro del jazz-rock contemporáneo y el rock progresivo. 

 
 
Muestras de “This Too Shall Pass”.-
Not To Be: https://thisisredkite.bandcamp.com/track/not-to-be
Texas Of Sweden: https://thisisredkite.bandcamp.com/track/texas-of-sweden
Bernt: https://thisisredkite.bandcamp.com/track/bernt