RICK WAKEMAN y la melancolía de un piano solitario

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

El mes de octubre del pasado año 2025 vio la publicación de un nuevo disco del maestro británico RICK WAKEMAN solamente de piano. “Melancholia” es el nombre del disco en cuestión y Madfish es el título del sello fonográfico que lo publicó, tanto en CD como en vinilo. El piano clásico Steinway Model D, compañero de aventuras de WAKEMAN en muchas décadas de labor compositiva y desempeño formativo, es el instrumento exclusivamente protagonista de “Melancholia”. Las doce piezas aquí incluidas fueron grabadas en The Granary de Toft Monks, Norfolk. Erik Jordan dirigió las sesiones de grabación y el proceso de mezcla tuvo lugar en The Nursery de The Huntingdon. La ulterior masterización se realizó en Super Audio Mastering. En cuanto a la estructura explícita de su repertorio, “Melancholia” cumple con cerrar la trilogía iniciada por “Piano Portraits” (2017) y “Piano Odyssey” (2018). En lo que respecta a la personalidad propia del disco que hoy nos ocupa, todo surgió cuando la actual esposa del buen RICK notó que un pasaje de piano que él tocaba (la misma que ulteriormente se convertiría en ‘Garo’) tenía un apasionamiento especial, algo muy propio de él cuando se ponía a tocar su instrumento favorito en momentos de tristeza o torbellino emocional. Siguiendo su consejo de terminar la idea, componerla y grabarla, WAKEMAN fue tan lejos como crear una lista de nuevas piezas inspiradas en su propia melancolía. El buen RICK confiesa que fue diagnosticado con temperamento melancólico y ocasionales brotes de depresión, pero que ha aprendido a manejar los aspectos más constructivos de esa disposición melancólica. Le cedemos la palabra: “Un temperamento melancólico a menudo viene acompañado de rasgos tales como confiabilidad, sentido analítico, enfocados, [...] además de paciencia e increíble creatividad. [...] Habiendo dicho todo esto, las personas con temperamento melancólico tienden también a reservar sus emociones, lo cual general drásticos cambios de humor en ciertos momentos.” Este disco, además de una obra de arte musical, es también un autorretrato. Repasemos ahora los contenidos específicos del disco que hoy nos ocupa.  

El repertorio se abre con ‘Sitting At The Window’, una pieza que ostenta cierta agilidad en sus cálidos efluvios a lo BRAHMS; las calculadas variantes en las cadencias que se dan en algunos pasajes estratégicos sirven para que el patente posicionamiento contemplativo se mantenga fresco hasta el momento final. ‘Reflection’ sigue a continuación para adentrarse en un área más reservada, apelando a una manifestación de gravedad introspectiva. Con su habitual mezcla de modismos barrocos y atmósferas románticas, WAKEMAN saca buen provecho del aura amable inherente al esquema melódico. La dupla de ‘Pathos’ y ‘Dance Of The Ghosts’ sirve para que las teclas de ébano y marfil sigan surcando diversas ambientaciones melancólicas. La primera de estas piezas mencionadas se mueve dentro de un delicado despliegue de claridades melódicas que se mueven como agitaciones de un oleaje en la bahía, no demasiado turbulentas, realmente fuera de lo que llamamos calmado. Es como si el galante motif central escondiese una ansiedad bajo su satinado manto estilizado. En cuanto a ‘Dance Of A Ghosts’, su talante vira hacia lo contrario: una expresión de sobria dicha que emana del recuerdo de momentos felices del pasado que, a pesar de su efímera futilidad, saben dejar huellas benévolas en nuestros corazones y mentes. ‘Alone’ vuelve de lleno a lo más nostálgico de nuestras añoranzas, gestando una inspirada síntesis del principal espíritu expresivo del tema #2, incluso ahondando en la parsimonia de los contemplativo y engrosando el tapiz de gravedad reflexiva. ‘The Morning Light’ sigue este zigzag de lo introvertido a lo extrovertido y viceversa para mostrarnos una inequívoca luminosidad: el yo interior se complace en admirar el esplendor del nuevo día y los fraseos meticulosamente articulados del piano retratan este sentir a la perfección. ‘Garo’ se traslada desde esta refulgencia hacia un aura vespertina que se reviste de distinguida majestuosidad. Esta composición ostenta grácilmente sus estándares románticos, de hecho, posee una fuerza de carácter muy especial: recordemos que fue con ella que nació la idea de este disco. 

‘All In The Mind’ es la composición más extensa del disco con sus 5 minutos de duración. Caracterizado por una prestancia que sabe imponerse a través de la delicadeza estructural de su desarrollo temático, este tema sabe crear una tensión interna entre algunos focos temáticos a los cuales regresa varias veces. Hay ciertos matices épicos en el modo en que el piano se maneja solitariamente durante el ambicioso desarrollo melódico creado para la ocasión. Por otro lado, ‘Sea Of Tranquility’ es el tema más breve con su espacio de poco menos de 3 minutos: los calculados efluvios plasmados en los fraseos vuelven a dibujar un retrato de oleajes marinos relativamente serenos. ‘Missing’ retoma las vibraciones más intimistas e introvertidas del ideario musical proyectado para este disco; eso sí, la preminencia de notas altas en el motivo central alude colateralmente a la feliz nostalgia que ya presenciamos en ‘Dance Of A Ghosts’. Es casi como una pieza prima hermana. En el caso de ‘Watching Life’, se perpetúa la espiritualidad expresiva del tema precedente con una dosis mayor de gracilidad. La pieza precisamente titulada ‘Melancholia’ es la encargada de cerrar el álbum y lo hace al modo de una síntesis entre la prestancia crepuscular de la pieza inaugural y la aureola estoica de ‘Alone’, añadiendo algunos detalles fulgurosos en su último tercio. Fueron poco más de 45 minutos de exploraciones emocionales traducidas al léxico del piano clásico, uno que el gran RICK WAKEMAN conoce desde antes de la veintena gracias a esos años formación académica que precedieron a sus ulteriores carreras imparables como músico de sesión y leyenda perpetua del rock progresivo. Ante todo, apreciamos a “Melancholia” como un disco de bella factura que, además de motivar una experiencia gentil, también transmite un verídico retrato musical del mundo interior de WAKEMAN.

Muestras de “Melancholia”.- 

Pathos: https://www.youtube.com/watch?v=4mNLRTr-25o 

Dance Of The Ghosts: https://www.youtube.com/watch?v=pjxA94y7u-w 

Garo: https://www.youtube.com/watch?v=JmlkkT8jpuo

All In The Mind: https://www.youtube.com/watch?v=8ezNOKxicrM 

Grandes y auténticas noticias del legendario grupo avant-progresivo sueco ENSEMBLE NIMBUS

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Nos llega la muy grata noticia de que el grupo avant-progresivo sueco ENSEMBLE NIMBUS vuelve a hacerse presente en el mercado con un nuevo disco desde mediados del pasado mes de abril. “Fake News!” es el incisivo título de este álbum, el cuarto de su carrera, el mismo que se nos revela 26 años después de la díada de “Scapegoat” (1998) y “Garmonbozia” (2000), trabajos que quedaron como excelentes muestras de música progresiva experimental de los 90. Eso sí, no es un retorno de ENSAMBLE NIMBUS, que quede claro, pues esta es una obra grabada entre los años 2002 y 2005. En ese periodo, el grupo operaba con el trío de Håkan Almkvist [guitarras, bajo, teclados, acordeón, efectos y loops], Lars Björk [clarinetes alto, bajo y preparado, efectos y loops] y Hasse Bruniusson [baterías y percusiones acústicas y electrónicas]: su publicación se realizó por vía independiente. El grupo contó con las colaboraciones ocasionales del teclista compatriota Tomas Bodin y del baterista-percusionista inglés Chris Cutler (sí, el mismo de HENRY COW, ART BEARS, etc.). Fue Brunuisson el encargado de la organización y la ingeniería de sonido de esas diversas sesiones entre los años 2002 y 2005, así como de la mezcla. La concreción de las labores de masterización y la adición de unas cuantas sobremezclas estuvieron en manos de Almkvist en el pasado año 2025. Las actividades de estos músicos desde esos inicios del nuevo milenio han sido variadas y diversas: Almkvist ha estado en proyectos y haciendo discos solistas; Bruniusson ha hecho lo propio, además de formar la FLYING FOOD CIRCUS junto a su colega mencionado y, cómo no, participar en varios discos de THE FLOWER KINGS; Björk ha realizado numerosas sesiones de manera sostenida. Bueno, repasemos ahora los detalles estrictamente musicales de “Fake News!”.

La dupla inaugural de ‘The Lake’ y ‘No Return’ pone las cartas sobre la mesa con prestancia y convincente asertividad. ‘The Lake’ hace gala de una jovialidad bastante juguetona, inmersa en un espíritu lúdico que nos recuerda, en cierta medida, a HUMBLE GRUMBLE y RASCAL REPORTERS a través del filtro de SAMLA MAMMAS MANNA (donde estuvo Bruniusson). Los colores aportados por los vientos realzan la reinante exuberancia. A mitad de camino irrumpe un interludio deconstructivo que abre campo a una versión tensa del colorido inicial para el frondoso epílogo. Por su parte, ‘No Return’ se asienta sobre un terreno solemne que acomoda sus explayamientos bajo un aura folclórica de ribetes surrealistas, algo que nos remite directamente a los aspectos más extravagantes de los que hasta ahora habían sido los dos últimos discos de la banda. Aunque predomina aquí una ceremoniosidad cuyo tenor reflexivo, no hay intención de los músicos de esconder el colorido intrínseco a la composición. ‘Lucid Dreams’ ahonda en la fusión folclórica con un enfoque netamente progresivo, siendo así que juega a lo jovial con algunas cataduras señoriales. Instaurando el desarrollo temático sobre un esquema rítmico inusual, los aires festivos se despliegan con una sensibilidad fulgurosa arropada bajo envolventes haces de majestuoso esclarecimiento. ‘Indras Web’ vira hacia un terreno noctámbulo y sutilmente sombrío, apelando a una refinada densidad a la hora de articular el motif central. Los ornamentos de sintetizador elaboran un contrapunto de comedida soltura frente a la masa nuclear de armonías de teclado y clarinetes: una parsimonia casi mortuoria tras la exquisita trama de luz que la precedió. Cuando llega el turno de ‘Midas’, se reabren las puertas a lo festivo y lo hace con un ímpetu ampliado, el cual vuelve a dar preponderancia esencial al factor folk-progresivo. Fusionando la algarabía dadaísta del más típico SAMLA MAMMAS MANNA con los retorcimientos satíricos del Zappa de la fase 1969-75, el ensamble da rienda suelta a sus maniobras celebratorias haciendo que la amalgama instrumental se agite sobre la frontera entre razón y sinrazón con arquitectónica agilidad.

Con el arribo de ‘In Circles’, el esquema musical del ENSEMBLE NIMBUS se enfoca en lo palaciego. El deliciosamente extravagante groove compartido por el teclado y la batería establece un aura ceremoniosa donde lo burlón reina sobre lo ilustre mientras porta las aristocráticas vestimentas de éste. La sección final sirve para que esta extraña danza adquiera una mayor garra y coquetee abiertamente con la lógica deconstructiva; de hecho, hasta se podría decir que suena tenebrosa a pesar de que su atmósfera central no sea precisamente tétrica. ¿Quién ha organizado esta fiesta de élite para uno de los momentos culminantes del disco? ¿Nobles hedonistas caóticos o bufones anarquistas que acometieron un golpe de estado? Mientras nos concentramos en esta insoluble pregunta, llega el momento de ‘During The Night’, una pieza realmente amable cuya gentil solemnidad está bien apuntalada por un esquema melódico encantador. El uso de un swing entusiasta de parte de la batería permite a esta manifestación de afabilidad acoger una espiritualidad moderadamente enérgica en sus arreglos globales. También hace posible que se abra un espacio para un interesante diálogo entre la guitarra y el clarinete cerca del final, lo cual impulsa un crescendo apropiado para el clímax conclusivo. ‘Seven Signs’ es la pieza más extensa del repertorio con sus 8 minutos y pico de duración. Lo que opera en esta ambiciosa pieza diseñada para instalar el cénit decisivo del álbum es una confluencia entre la gravedad sistemática del tema #4, la misteriosa exaltación sombría del tema #6 y el majestuoso vitalismo folk-progresivo del tema #3, siendo justamente éste el orden jerárquico de prevalencia. En los pasajes más aguerridos, la guitarra encuentra espacios para poner sus robustas armonías y solos en el centro, en los más sutiles, son los ornamentos y capas de teclados los que dirigen el entramado general. A lo largo de la pieza íntegra, la batería y las percusiones preservan impolutamente la fluidez de los recovecos rítmicos que van surgiendo a lo largo del camino, reservando sus recursos de mayor intensidad para la efervescencia final. ‘Silent Movie’ retoma algo de la ceremoniosidad noctámbula de ‘Indras Web’, aunque la remodela con una dosis mayor de exuberancia. Cierto acercamiento hay con los HENRY COW de los dos últimos discos, nos parece.

‘New Midas’, a su vez, regresa a la festividad bucólica de ‘Midas’, pero ahora con una actitud más reservada. El nuevo groove es suficientemente sereno para jugar con los ocasionales quiebres rítmicos y las variaciones temáticas dentro de una atmósfera más controlada. Los breves momentos de real soltura se sitúan más del lado de una tensa dislocación que de una jovialidad propiamente dicha. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘Tap On Clouds’, una pieza diseñada desde la faceta más cálida del ideario de la banda. Su gentil núcleo melódico se afinca cómodamente sobre un esquema rítmico complejo que fluye en un dinamismo muy compacto. ¿Cómo sería una danza híbrida escandinava y centroeuropea compuesta por los VON ZAMLA? He aquí la respuesta. Todo esto fue lo que se nos reveló en “Fake News!”, el testimonio de las grandes y auténticas noticias del ENSEMBLE NIMBUS, un referente sueco inolvidable de la música avant-progresiva. Su sistemática manera de concebir el discurso del rock progresivo como un auge de lo surrealista y lo eclécticamente vitalista siempre ha sido y será bienvenida en cualquier fonoteca actualizada en el rock artístico de gran factura de ayer y hoy. Aunque póstuma, la presencia de “Fake News!” es un momento triunfal para el escenario vanguardista mundial de este año 2026.

Muestras de “Fake News!”.-                   

The Lake: https://tapmusic.bandcamp.com/track/the-lake   

Lucid Dreams: https://tapmusic.bandcamp.com/track/lucid-dreams  

In Circles: https://tapmusic.bandcamp.com/track/in-circles  

Seven Signs: https://tapmusic.bandcamp.com/track/seven-signs

ANTHONY GARONE y el gusto de hacer buena música porque sí

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Aquí tenemos una estupenda novedad de MoonJune Records desde el primer día del presente mes de mayo: el nuevo álbum del guitarrista y compositor estadounidense ANTHONY GARONE. “OK, But Why?” es el título del disco que hoy nos ocupa y supone (permítasenos adelantarlo) un gran aporte para la escena progresiva norteamericana. La publicación es tanto en CD como en vinilo doble. Se trata de su primer trabajo de larga duración desde 2007. Oriundo de Mesa, Arizona, el buen ANTHONY es, además de músico, tecnólogo y autor del libro Failure To Fracture: Learning King Crimson’s Impossible Songs, donde analiza las estructuras compositivas de varios temas dentro del inmenso canon de esa leyenda inmortal del rock progresivo de todos los tiempos. También dirige un canal de YouTube llamado Make Weird Music. En “OK, But Why?”, GARONE está acompañado por varios excelentes colaboradores: los bateristas Morgan Ågren, Sebastian Lanser, Owen Dueck y Rob Müller, los bajistas Michael Manring, John Landy, Andy West y Robbie Mangano, los guitarristas Steve Ball, Jan Zehrfeld, Tom Monda y Gretchen Menn, el pianista Gabe Garone, el teclista Adam Strand, la violinista Grace Guthrie y el fagotista Paul Hanson. Las labores de mezcla y masterización del disco fueron realizadas por el propio ANTHONY. Bueno, ya es hora de detenernos en los detalles estrictamente musicales de “OK, But Why?”.

‘Binge’ es el título del tema que abre el repertorio y lo hace con un despliegue de exquisito vigor rockero revestido de electrizante sofisticación. Los meticulosos juegos de síncopas armados por la batería se asocian con un bajo robustamente distorsionado para asentar la ingeniería de un desarrollo temático sobriamente ágil en clave jazz-progresiva. La subsiguiente dupla de ‘Three Legged Dog’ y ‘Deathtrap’ permite a GARONE y sus compañeros de viaje añadir una inmensa garra a la persistente fuerza de carácter esencial de este proyecto. El primero de estos temas mencionados exhibe un esplendor asertivo a través de un dinamismo contundente. Aires de familia hay con STICK MEN y AZIOLA CRY con un filtro math-rockero. En cuanto al segundo, se trata de una explosión vitalista de jovial musculatura con una intrepidez propia de varios estándares del prog-metal y el jazz-rock en su modalidad más explosiva, coqueteando con eso que se suele llamar brutal prog. La cuarta pieza del disco es ‘Dance’ y cumple con la función de enfocarse en una senda de aristocrática neurosis donde confluyen aires de GORDIAN KNOT y los KING CRIMSON del nuevo milenio. La fuerza rockera es manejada con una prestancia cristalina sin ocultar una partícula de su fulgor esencial; la sofisticada labor de la batería ayuda a realzar este factor para el beneficio del lucimiento colectivo dentro de un aristocrático entramado sónico. Hemos podido disfrutar de tres cénit sucesivos del repertorio... Y todavía queda bastante por apreciar. ‘Brex’ define un patrón jazz-progresivo muy reminiscente de CAB con el retorno de algunos impulsos math-rockeros: la claridad melódica es manejada con impoluta lucidez en este ejercicio ecléctico de las aureolas expresivas de los tres primeros temas, lo cual se concreta en un manejo equilibrado de los espacios repartidos entre explosiones controladas, exaltaciones vivaces y vibraciones complejas. Los ornamentos del fagot aportan un color muy peculiar dentro del bloque global. Cuando llega el turno de ‘Harnch’, GARONE y sus colegas de turno suavizan el aura musical para focalizarse en una gracilidad fusionesca alimentada por un comedido uso del aliento rockero: lo que suena es como una composición perdida de Pat Metheny que fue redescubierta y reelaborada por THE ARISTOCRATS. El uso sistemático de compases inusuales realza el aura refinada de la composición. Otro cénit del álbum y ya van... varios.

‘My Garden’ retoma y remodela algunos aires expresionistas de los temas #3 y #4 mientras prosigue la exploración sesuda de esquemas rítmicos complejos de una manera similar a como lo hizo la pieza precedente. La adición del canto realza el cálido núcleo melódico que ya se anuncia desde los fraseos de la guitarra: en cierto sentido, esto suena como algo de los YES de 1971-72 a través del filtro de WISHBONE ASH con un tímido acercamiento a los STICK MEN. Una interesante sorpresa es la aparición de ‘Erudite Eyes’. He aquí esta versión de una vieja composición del legendario Robert Fripp para GILES, GILES & FRIPP, siendo transformada en un ejercicio de jazz-rock melódico donde los espacios de tersa delicadeza son priorizados dentro del armazón sonoro. ‘Trust’ ahonda en este viraje hacia algo intimista y contemplativo, incluso rayano con lo melancólico en esta ocasión específica. Desde las primeras notas del piano con las que se introduce la canción, se advierte que aquí se impone una actitud contemplativa: a pesar de su brevedad, el solo de violín que emerge en algún momento del último tercio aporta algo interesante a la atmósfera general. El canto refuerza la impresión de que la serenidad reinante refleja una manera de asentarse en el mundo que es muy propia de la faceta más etérea del discurso progresivo. ‘Pune’ establece un regreso pletórico a lo más extrovertido y alegre que forma parte del ideario musical de GARONE. La composición y sus arreglos exhiben una fluida combinación entre el colorido estilizado del rock progresivo y el brío radiante del jazz-prog, además de algunos ornamentos folk-rockeros en un interludio que nos toma por sorpresa en el sentido más agradable del término. Los 8 minutos y pico siguientes están ocupados por sendas adaptaciones rockeras de los motivos centrales de los Movimientos 1 y 3 del Concierto Para Violín Y Oboe del inmortal JOHANN SEBASTIAN BACH. El 1er. Movimiento es trasladado a una suntuosidad Yes-Emersoniana con anfetaminas, un recurso muy útil para que se destaquen los parajes más reposados que surgen en ciertos lugares estratégicos. El órgano asume el protagonismo cada vez que sale al frente mientras la batería hace gala de su fuerza mientras atraviesa los laberintos que se manifiestan a su paso. Por su parte, el 3er. Movimiento es más fiel a la luminosidad barroca propia de la idea original. El arsenal de guitarras se basta para realizar y amalgamar todas las texturas ágiles que podemos decir que son típicamente Bachianas. 

‘Crush’ retoma la garra ígnea y bizarra que se genera de la fusión entre prog-metal y brutal prog dentro de un esquema de trabajo que, a despecho de la fiereza de su manifestación sónica, revela una ingeniería musical muy refinada. El talante machacante que exhibe la dupla rítmica a lo largo de la mayor parte del desarrollo temático refuerza la exaltada arquitectura de esta poderosa erupción rockera. La miniatura de menos de un minuto ‘Tingz’ cierra el álbum con un aura misteriosa arropada por una gentileza noctámbula. Todo esto fue lo que se nos brindó con “OK, But Why?” desde los cuarteles de ANTHONY GARONE, un maestro de la guitarra que siempre se sale con su gusto de hacer música buena y extraña porque sí. En concreto, este disco supone un aporte muy constructivo para la avanzada progresiva de los EE.UU. y, en general, del mundo entero. Totalmente recomendable, la verdad que sí.

Muestras de “OK, But Why?”.-

Three Legged Dog: https://anthonygarone-moonjune.bandcamp.com/track/three-legged-dog 

Dance: https://anthonygarone-moonjune.bandcamp.com/track/dance-master 

Harnch: https://anthonygarone-moonjune.bandcamp.com/track/harnch 

Pune: https://anthonygarone-moonjune.bandcamp.com/track/pune 

Bach – Concerto For Violin And Oboe, Mov. 3: https://anthonygarone-moonjune.bandcamp.com/track/bach-concerto-for-violin-and-oboe-mov-3 

Los polacos AMPACITY vuelven a marcar la diferencia en la psicodelia pesada contemporánea

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Nos llegan buenas nuevas desde la avanzada rockera polaca, más exactamente, la publicación del nuevo disco de AMPACITY el 24 de abril pasado por vía del sello Piranha Music, tanto en CD como en vinilo (formatos de color negro y verdiblanco). “Cosmic Indifference” es el título del álbum que hoy nos convoca, el mismo que se proyecta hacia una persistencia de la psicodelia pesada con tintes space-rockeros y recursos progresivos que el grupo ha ido edificando y fortaleciendo a lo largo de su carrera. Ésta se inició en la localidad de Tricity a inicios de la segunda década del milenio y lo que tenemos aquí es su tercer trabajo de estudio. “Cosmic Indifference” sucede por 3 años a “IV”. El cuarteto vigente está conformado por Piotr Paciorkowski [guitarras], Marek Kostecki [teclados, órgano y sintetizadores], Sebastian Sawicz [batería] y Wojciech Lacki [bajo y sintetizadores]. El material aquí contenido se grabó en el Studio Cierpienie, estando Marcel Gawiniecki a cargo de la ingeniería de sonido. La mezcla estuvo en manos de Wojciech Lacki y la masterización fue realizada por Marek Przybyszewski. Kuba Sokólski hizo el arte gráfica y el diseño de la cubierta.

El repertorio se inicia con ‘Cosmic Indifference Blues’, un ejercicio de stoner blueseado que no estaría fuera de lugar en el tercer o cuarto álbum de BLACK SABBATH, aunque como se trata de AMPACITY, las texturas de sintetizador y las sucesivas variantes en la sobria musculatura de la batería hacen que el asunto se amplíe en recursos de sofisticación sónica que van más allá de los estándares inspiradores de trasfondo. Bastantes matices angulares y filudos que se hacen presentes en el bien calculado desarrollo temático se acercan a lo hecho por bandas como FANATISM, THE SPACELORDS y KUNGENS MÄN, especialmente cuando el groove se intensifica drásticamente a instantes de traspasar la frontera del tercer minuto y medio. Tras la explosión llega un breve momento de calma parsimoniosa desde el que se eleva un fulgor final. Un punto de arranque bastante llamativo. ‘Symetriada’ sigue a continuación para darle un viraje jazz-rockero al esquema de trabajo de la banda, siendo así que la dupla rítmica y el teclado aprovechan la ocasión para establecer un ambiente general marcado por una calma misteriosa que parece cobijar una fuerza ígnea bajo su manto exterior. Los guitarreos iniciales apuntan hacia lo atmosférico, casi como emulando la música de fondo de un spaghetti  western. A poco de atravesar la frontera del cuarto minuto, emerge una segunda sección donde el cuarteto se deja llevar por su lado más fiero, armando un jam cañero que deja una huella de hierro candente dentro del croquis musical en curso. La estrategia de insertar un pasaje parsimonioso comandado por una orquestación mellotrónica de talante reflexivo (muy a lo ANEKDOTEN) cuando menos se lo espera capitaliza inteligentemente las pretensiones eclécticas de la composición, la cual concluye con una coda sutil. Primer cénit del álbum. ‘Horizon Split’ es más ágil, usando una gracilidad urgente sobre un compás inusual. Esto significa que la banda quiere centrarse más en el aspecto más textural del estándar progresivo y atenuar, aunque sea transitoriamente, el boato más agresivo del paradigma psicodélico. Claro está, éste sigue presente dentro del armazón sonoro gestado para estructurar los arreglos vitales de esta composición. La magnífica sección epilogar se enfila sobre un swing elegante que no tarda en abrir paso a un groove aristocráticamente pesado donde confluyen los legados de KING CRIMSON y BLUE ÖYSTER CULT. Otro momento culminante del disco.

‘Phantomatics’ dura cerca de 13 minutos y se erige así como la pieza más extensa del álbum: claramente, tiene aspiraciones épicas, y cómo no, recibe los ecos de los diversos impulsos eclécticos mostrados en los dos temas precedentes. Todo empieza con un ejercicio de pletórica incandescencia no brilla como una fogata para una rito celebratorio, sino como un incendio en las praderas de la conciencia. El razonablemente complejo esquema rítmico empuja por un rato el potencial enérgico de los guitarreos hasta que las cosas se calman un poco a fin de mostrar una neblina más serena. De hecho, se aprovecha el momento para dar varias vueltas a una atmósfera relajada en clave post-rockera: el entramado colectivo de los instrumentos se hermana en un compacto clima otoñal. Una sección siguiente retoma lo más vitalista del paradigma stoner mientras retiene elementos de suntuosidad progresiva en clave psicodélica. algo muy emparentado con PAPIR y CAUSA SUI (también nuevamente, con los ANEKDOTEN del nuevo milenio). El terreno está preparado para que el cuarteto se encamine hacia un epílogo de inspiración minimalista. ‘Caves Of Carbon Fiber’ trae consigo el cierre del repertorio y su actitud es la de recuperar lo más aguerrido de su propuesta estética, un nuevo incendio dentro del discurso rockero. El jam inicial instala el motic principal con firmeza, pero el esquema integral de la pieza no se queda allí: se inserta una sección intermedia que comienza con un tenor sosegado signado por una aura misteriosa y concluye con un breve ejercicio de ruidismo. El epílogo retoma el jam inicial con una prestancia renovada. Un cierre contundente para el tema y el álbum. Todo esto fue lo que se nos brindó con “Cosmic Indifference” desde los cuarteles de AMPACITY, un disco crucial para mantener a esta veterana entidad musical en la primera línea de la vanguardia rockera de Polonia y de Europa, en general. Siempre marcando la diferencia, han hecho este disco bastante recomendable.   

Muestras de “Cosmic Indifference”.-  

Symetriada: https://ampacity.bandcamp.com/track/symetriada 

Horizon Split: https://ampacity.bandcamp.com/track/horizon-split

 

Nueva navegación del Acorazado Potemkin bajo la capitanía de I SINCOPATICI

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La travesía musical de hoy se da bajo la capitanía de I SINCOPATICI, ensamble italiano conformado por Francesca Badalini [piano y guitarras], Silvia Maffeis [violín], Andrea Grumelli [bajo] y Teo Ravelli [batería y efectos electrónicos]. Este ensamble asentado en Milán fue fundado por Francesca Badalini con la misión de replantear las bandas sonoras de películas del cine mudo e incluir composiciones propias para realzar una nueva apreciación de las mismas. Badalini tiene experiencia desde fines de los 90 colaborando con la Cineteca Italiana creando y realizando música para películas silentes, siendo así que esta experiencia propia le sirvió como idea para formar un grupo de avanzada progresiva que encarne una extensión de esta labor. Estamos ahora en el año 2026: en la primera mitad de enero, la gente de I SINCOPATICI publicó un disco celebratorio del centenario de El acorazado Potemkin del maestro ruso SERGEI EINSENSTEIN: Броненосец «Потёмкин» en ruso, “La Corazzata Potëmkin” en italiano, que así se llama el disco que hoy nos convoca. Sucede por un par de años a “Decimo Cerchio (L’Inferno 1911 O.S.T.)”, trabajo hecho en asociación con Claudio Milano (él mismo, toda una institución en la vanguardia musical italiana). Repasemos ahora los detalles estrictamente musicales de “La Corazzata Potëmkin”.

Con un trasfondo de ruidos del surco de un viejo vinilo, ‘Uomini E Vermi’ abre el repertorio con frontal elocuencia. Hay una capa densa inicial que guarda dentro de sí un potencial de explosiones tensas bajo un encuadre minimalista; el oscurantismo patente es, a la vez, autoritariamente tenebroso y extrañamente cautivador. De la neblina emana una base armónica de piano cuya imperiosa ceremoniosidad preserva un sólido aire dramático, el mismo que se sitúa en una zona híbrido de psicodelia progresiva y post-rock. La sección epilogar elabora un efectivo recurso de pesadez rockera que coquetea con la tradición stoner. Luego llega el turno de ‘Dramma Sul Ponte’, la pieza más larga del repertorio con su espacio de casi 10 minutos: ésta aprovecha su espacio de expresión para elevarse hacia un área de rutilante energía cuyos pasos iniciales están marcados por una solemnidad señorial. Muy pronto emergen algunos recursos minimalistas de talante deconstructivo que enriquecen las inquietudes arcanas inherentes al desarrollo temático. El viraje hacia un ensueño crepuscular que tiene lugar a poco de pasada la frontera del tercer minuto lleva a una búsqueda colectiva de una forma próxima, lo que significa que se impone una actitud expectante durante dicha búsqueda. Los fraseos tentativos del piano salen al frente para dirigir esa busca indefinida, la misma que se prolonga a través de una atmósfera aristocráticamente ansiosa. Es sobre la frontera del séptimo minuto que se concreta el nuevo núcleo melódico, el cual pone al violín en el centro protagónico a fin de exhibir sus estilizadas vibraciones dramáticas. ‘Il Morto Chiama’ se adentra en la faceta minimalistamente posmoderna del ideario de I SINCOPATICI con filudo entusiasmo. El diálogo entre piano y diálogo se centra en lo textural en base a un núcleo armónico desarrollado con un perfil sereno y contemplativo; la pronta intervención del violín añade un cierto fulgor al asunto. Tras un intermedio orientado hacia un ambiente de desasosiego encubierto que abre campo a unas texturas oscurantistas, un nuevo motif evocador se deja arropar por matices distinguidos bajo la guía del piano.

‘La Scalinata Di Odessa’ sigue directamente la huella de la última sección de la pieza precedente y se orientas hacia un lirismo envolvente y evocador. Permaneciendo el piano en su rol de guía, los discretos ornamentos del bajo añaden texturas que parecen anunciar la pronta emergencia de algo suntuoso. Dicho y hecho, los redobles de la batería entran a tallar mientras el piano ejecuta algunos fraseos imponentes y ya queda claro que el grupo va a perpetrar un momento de efluvios extrovertidos: el esplendor de ellos llega a su clímax cuando el violín empieza a desafiar el liderazgo del piano. He aquí una extraña mezcla de romanticismo, avant-jazz y encuadres progresivos de base impresionista. Todo aterriza en una nueva inmersión en la atmósfera nebulosa que ya hemos presenciado en temas anteriores. Los últimos 8 minutos (o casi) del repertorio están ocupados por ‘Una Contro Tutte’, composición que prácticamente condensa los aspectos más saltantes de los dos temas anteriores, dando una cierta prioridad a la majestuosidad y la claridad lírica heredadas de ‘La Scalinata Di Odessa’. Lo particular de este último tema del disco es que explora el énfasis del nervio rockero en el pasaje donde la batería realiza un groove reconocible con la complicidad de la guitarra. La última sección es una nueva demostración de habilidad grupal para elaborar focalizados aires de solemnidad en base a un núcleo melódico bien definido. La coda minimalista refleja un retorno . Toda esta fue la oferta de “La Corazzata Potëmkin”, un paso muy importante dentro la misión estética bajo la cual opera I SINCOPATICI. Bajo el mando de Francesca Badalini, los talentos combinados que fluyen en diálogo dentro del esquema de trabajo de este ensamble dejan una clara evidencia de su creatividad en la navegación fonográfica aquí plasmada. En suma, se trata de un disco muy recomendable. 

Muestras de “La Corazzata Potëmkin”.- 

Dramma Sul Ponte: https://isincopatici.bandcamp.com/track/dramma-sul-ponte 

La Scalinata Di Odessa: https://isincopatici.bandcamp.com/track/la-scalinata-di-odessa

La genialidad automática del maestro DAVE NEWHOUSE

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

El veterano maestro estadounidense DAVE NEWHOUSE tiene una nueva obra fonográfica desde el primer día del presente mes de mayo: “Automatic Writing” es el título del disco en cuestión, publicado por vía independiente. NEWHOUSE se hace cargo de los saxos, los clarinetes, los teclados, la armónica y algunas percusiones. Le acompañan los bajistas Guy Segers y Sam Newhouse, los bateristas Sean Rickman y George Newhouse, Jerry King (guitarras eléctricas y acústicas, y bajo), el guitarrista Ángel Ontalva, Rick O’Meara (percusiones tonales, gongs, platillos y metales) y Michael Zentner al violín eléctrico. Gente de UNIVERS ZÉRO, CLOUD OVER JUPITER, OCTOBER EQUUS, ETC. Todas las composiciones contenidas en “Automatic Writing” son de la autoría de NEWHOUSE, con la excepción de la segunda, donde el buen DAVE compartió labores creativas con Rickman y Segers. Respecto a lo que signíficó para NEWHOUSE hacer este nuevo álbum, él dice lo siguiente: “Alguien me preguntó si yo pensaba que mi música cambió desde los tiempos en que existían THE MUFFINS y realmente pienso que no. A mis oídos, sigo haciendo exactamente la misma música que hacía en los 70 cuando tenía una grabadora de carrete a carrete de 2 pistas de marca Sears, un micrófono de baja fidelidad y un piano espineta en mi habitación dentro de la casa de mis padres. Esas mismas Musas siguen conmigo (gracias al Cielo) y aún sigo componiendo la música que ellas susurran a mis oídos.” Los procesos de mezcla y masterización estuvieron a cargo de Mike Potter en los Orion Studios. La imagen de la portada y el diseño gráficos son de la autoría de Eric Kearns en PhinBot Graphics. Bueno, ya es hora de repasar los detalles estrictamente musicales del disco que hoy nos convoca.

La pieza precisamente titulada ‘Automatic Writing’ da inicio al repertorio del disco y lo hace con un desarrollo de atmósferas y grooves de tenor jazz-progresivo. La mesurada agilidad y la fuerza de carácter de los instrumentos actuantes (especialmente, los vientos y la batería) son las claves esenciales para que el desarrollo temático se preserve con impoluta solvencia mientras algunos ornamentos armónicos van y vienen. La espiritualidad es crepuscular en cuanto a lo expresividad, pero el vitalismo del swing global es lo que más se hace notar. Gran inicio de álbum. Luego sigue ‘Song For Saner Times’, a la sazón, el tema más extenso del disco con sus casi 8 ¼ minutos de duración. Lo que se advierte en su primera parte es que su atmósfera y su groove general son muy similares a los de la pieza homónima, pero también tiene sus peculiaridades: la intensidad es mayor en la sofisticación de los arreglos diseñados para el desarrollo del cuerpo central; el swing es más complejo, y; la expresividad es más densa, más inclinada hacia la actitud postmoderna del avant-prog estandarizado. Una segunda parte emerge cuando, tras unos instantes de silencio, una figura de piano eléctrico abre campo a unos recursos de arcana inquietud guiadas por torturados fraseos de guitarra que van flotando como síntomas de una pronta tormenta. Dos cénit sucesivos para iniciar el trayecto del álbum, nos complace mucho esto. ‘Billy’s Boots’ ostenta un dinamismo más alegre, un tanto cercano al paradigma Zappiano a través de los filtros simultáneos de THE MUFFINS y los SOFT MACHINE de la fase 1973-76. Se advierte en el breve momento de protagonismo para la guitarra la aseveración de algunos ecos de la tensa conmoción que apareció en el tema precedente. ‘Everybody’s Moon’ comienza con una cautivadora fanfarria de saxos y clarinetes desde la cual se anuncia la emergencia de un swing relativamente relajado. La serenidad es ahora la marca central de la estrategia expresiva del armazón instrumental, pero lejos está esto de la introspección; por el contrario, el entramado de los instrumentos actuantes se arroja orgánicamente a un fulgor que se ubica entre las vibraciones otoñales y el candor de un amanecer estival. Es muy simpático el epílogo campirano con armónica y guitarras acústicas: nos toma de sorpresa, pero tiene sentido su vínculo con el talante sobriamente jovial del motif central.

Cuando llega el turno de ‘Slightly, Virtually’ (muy “maquinista” el título, por cierto), el factor de vivacidad explota con un entusiasmo trepidante y machacón tras un melancólico preludio de piano eléctrico: he aquí una fiesta rockera plagada de lúdica neurosis donde la guitarra, una vez más, se erige como fuente surtidora de tensiones sónicas en medio de una robusta amalgama instrumental. Los explayamientos y ocasionales quiebres en el swing armado por la batería son manejados con la robustez necesaria en los parajes más aguerridos, pero a poco de pasada la frontera del tercer minuto, la espiritualidad expresiva se calma un poco, lo cual repercute en una variación importante dentro del dinamismo colectivo. Se regresa al señorío exquisito que ya se hizo presente en un par de temas precedentes hasta alrededor de la frontera del sexto minuto y medio, cuando el ímpetu anterior resurge con la misión de articular la sección epilogar. El sexto tema del álbum ostenta el significativo título de ‘One For Brubeck’. Centrando su núcleo temático en unas serenas figuras de piano, se retrotrae a esos tiempos del cool jazz con una prestancia aristocráticamente estoica; los arreglos de vientos y la refinada labor de la batería se encargan de añadir recursos rutilantes al desarrollo temático. ‘Mr. Susie’ trae consigo el cierre del repertorio y su sección prologar exhibe un crepuscular delirio de formas libres en clave vanguardista: vemos en ella detalles al estilo de SUN RA que se mezclan con estrategias líquidas al estilo de los SOFT MACHINE de 1972. Una vez despejada la incertidumbre inicial, surge un motif jovial marcado por un talante jazz-progresivo que nos remite a los legados de HATFIELD AND THE NORTH, de THE MUFFINS (etapa 2002-04) y de los WEATHER REPORT de 1974-75. la renovada algarabía se mantiene constante con pulso firme hasta el contundente golpe final. Todo esto fue “Automatic Writing”, un catálogo de nuevos testimonios preclaros e indubitables de que DAVE NEWHOUSE es un maestro consumado de la avanzada progresiva de ayer y hoy y siempre. Desde su rincón estadounidense, el ideal del rock ecléctico se proyecta con automática precisión arquitectónica hacia las dimensiones más divinas del arte musical. Un disco muy recomendable que se revela como parte de lo mejor de este año 2026 que ya se acerca a su ecuador: así resultan las cosas cuando las Musas son infatigables y el músico es imparable.

Muestras de “Automatic Writing”.-  

Automatic Writing: https://davenewhouse.bandcamp.com/track/automatic-writing   

Song For Saner Times: https://davenewhouse.bandcamp.com/track/song-for-saner-times   

Slightly, Virtually:  https://davenewhouse.bandcamp.com/track/slightly-virtually

PHAEDRUS: retratos progresivos de las luces de las divinas Pléyades

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Nos llegan muy buenas noticias desde los cuarteles musicales de PHAEDRUS, el ensamble progresivo español que surgió de las entrañas de la veterana y venerable entidad KOTEBEL. Se inició como una iniciativa solista de Csrlos García Plaza, pero ahora PHAEDRUS opera con el trío de César García Forero [guitarras, bajo, teclados y clarinete], Víctor Rodríguez [teclados, orquestaciones digitales y soundscapes] y el mencionado Carlos García Plaza [teclados, bajo y batería]: conocemos a Rodríguez por su membrecía en OCTOBER EQUUS. “Pleiades Suite” es el título de la segunda obra fonográfica de PHAEDRUS, publicada el 21 de abril de 2026 por el sello Vessence Experimental. En la mitología griega, las Pléyades son las siete hijas del titán Atlas y la ninfa marina Pléyone, nacidas en el monte Cilene, que fueron madres de diversos dioses, semidioses y reyes. En palabras de la gente de PHAEDRUS: “7 retratos, 7 mujeres, 1 destino — unidas por la sangre, sagradas en su humanidad, ardiendo eternamente en su ingreso en la noche. Un diamante a través del cual la luz de la mitología impacta en el inconsciente colectivo con vívidos colores.” El material contenido en “Pleiades Suite” fue grabado en los respectivos estudios individuales de los integrantes del trío vigente en varias sesiones a lo largo de los años 2025 y 2026; además, en esos estudios se realizaron las labores de mezcla y masterización. También cabe añadir que las composiciones de las diversas secciones de esta obra conceptual se repartieron entre los maestros César, Víctor y Carlos. Las partes de percusión en uno de los temas del disco que hoy nos ocupa fueron ejecutadas por Carlos Franco Vivas. Alexis Lope-Bello realizó la producción. El diseño gráfico es de la autoría de Rodríguez. 
 
Este catálogo de magnas elocuencias progresivas comienza con ‘Merope’, precisamente la pieza más extensa del repertorio con sus más de 10 ½ minutos de duración. El groove inicial pone las cosas en su sitio desde el mismísimo punto de partida: una ingeniería llevada a medio tiempo cuyos enfoques temáticos e índices atmosféricos desarrollan sonoridades sombrías, las mismas que se explayan con fuerza de carácter. Mientras avanza la pieza, la ingeniería se va tornando más grácil mientras incrementa su sofisticación; además, las orquestaciones y bases armónicas de los teclados van ganando en fulgor. La inserción de un interludio sutil en clave impresionista prepara el camino para el arribo de un motif introspectivo signado por matices noctámbulos, el mismo que es sucedido por un retorno al ambiente inaugural, realzando los recursos de señorío sinfónico cuya conclusión se eleva hacia un minimalismo cinematográfico. Acto seguido, llega el turno de ‘Maia’, el segundo tema más largo con su espacio de 9 minutos y pico. La languidez introspectiva de su sección prologar se mueve etéreamente sobre los cimientos de unas escalas relajadas de teclado sobre las que se proyecta una orquestación que de a pocos intensifica su aura misteriosa. Una vez instaurado el esquema de trabajo de los teclados, la guitarra y la sección rítmica, se nos revela un esplendor aristocrático donde el estándar prog-sinfónico incorpora algunos aires avant-progresivos que, aunque comedidos, dejan constancia de su talante tenso. Imaginemos a los YES de 1974 hermanados con THE ENID de los tres primeros discos tras haber disecado obsesivamente los aspectos más calmados de los dos primeros álbumes de UNIVERS ZÉRO. La sección final se centra en un imponente lirismo de inspiración romántica que se abre paso con peculiar magnificencia hasta volver a la serenidad inaugural. ‘Taygete’ comienza con un armazón de orquestaciones gráciles y percusiones tribales, aterrizando todo en un cuerpo ágil que se asienta cómodamente sobre un swing razonablemente complejo. Este nuevo recurso de suntuosidad tiene algo de festivo en medio de la densidad reinante. la misma que sabe siempre acomodarse a las variantes melódicas que surgen en el camino. Poco antes de llegar a la frontera del quinto minuto, las cosas se calman un poco y el trío se proyecta hacia una actitud contemplativa, la cual guía el camino hacia el final. A propósito, hay un hermoso solo de guitarra que transmite melancolía y alegría por igual, el centro idóneo para el epílogo.

‘Alcyone’ comienza con una figura de piano en un lento 3/4 sobre la que los ornamentos de sintetizador y guitarra clásica van anunciando el pronto arribo de un sortilegio opulento. Una vez concretado éste, se nos muestra otro ejercicio de estilizado oscurantismo progresivo, aunque esta vez hay una especial delicadeza en el armado del entramado instrumental que impide a las tinieblas tornarse amenazantes; más bien, se orientan hacia una aureola de misticismo mayestático. Lo más imponente del momentum se manifiesta sobre la frontera del quinto minuto; un poco más adelante, el ambiente general se intensifica y empieza a revelar una exaltación inescrutable. El epílogo regresa a la niebla misteriosa inicial y llega el turno de ‘Electra’. Esta composición se centra mayormente en el factor sinfónico con algunas incursiones en el clasicismo y la fusión jazz-progresiva que generan elegantes recursos de diversidad temática. Hay varios factores que nos toman por sorpresa mientras seguimos con atención los recovecos musicales que se nos revelan a lo largo de un espacio de 6 ½ minutos. El último cuarto de hora del disco está ocupado por la dupla de ‘Sterope’ y ‘Celaeno’. El primero de estos temas mencionados se orienta frontalmente por una vivacidad especial que se distingue de otros aspectos y motivos fulgurosos que el trío ha utilizado en secciones específicas de algunas piezas anteriores. En simultáneo, la labor del ensamble vuelve a dar rienda suelta a su gusto por combinar sólidas estrategias de delineamiento melódico con tonalidades sombrías portadoras de una inquietud saltarina. también hay cierto parentesco con el tema precedente en el sentido de que inserta factores propios del jazz-fusion en algunos pasajes de la zona media. Por su parte, ‘Celaeno’ instala el punto culminante de las exploraciones avant-progresivas del ideario musical del trío. En una primera instancia, la agilidad casi líquida de la arquitectura rítmica y la masiva vehemencia que se encarna de mil y un modos en la incesante ilación de centros temáticos se conectan en un viaje hacia un aristocrático limbo sónico. En un segundo hito, se arma un pasaje de bien focalizada serenidad que comienza poco antes de la frontera del sexto minuto, logrando que lo lúgubre se revista de telas nobles bajo una atmósfera calmadamente tenebrosa. Un estupendo cierre para la pieza y para el álbum. 

Todo esto fue lo que se nos brindó con “Pleiades Suite” desde la fábrica de refinería progresiva de PHAEDRUS. Muchas gracias a los Sres. García Plaza, García Forero y Rodríguez por gestar esta pinacoteca sonora tan grandilocuente de las mágicas y fatales Pléyades: este aquelarre triádico ha hecho una labor fenomenal. Definitivamente, se trata de una de las producciones progresivas más notables en lo que va de esta primera mitad del año 2026. ¡¡recomendable al 300%!! (Un 100% por cada integrante.)

 
 
Muestras de “Pleiades Suite”.-
Merope: https://vessence-e.bandcamp.com/track/merope
Taygete:    
Celaeno: 

La boutique progresiva de REFESTRAMUS

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy echamos un vistazo a la avanzada progresiva estadounidense del momento y nos topamos con el nuevo disco de REFESTRAMUS: “Morri’s Rock Boutique” es su título y su publicación data de inicios de marzo del presente año 2026. El núcleo de REFESTRAMUS, banda afincada en Chicago, está conformado por Derek Ferguson [batería], Mitch Lawrence [clarinete y saxofones] e Ian Beabout [producción, mezcla y masterización]. Los invitados más recurrentes son Jan Christiana (bajo, guitarras, teclados y voz) y Dyanne Potter Voegtlin (teclados y voz). También están los colaboradores ocasionales son Jerry King (bajo), David Jackson (saxofones), Joe Deninzon (violín), Rick Witkowski (guitarras), Lynx (voz), Derek Pavlic (guitarras y viola), Dan Bozek (bajo) y Tanaka Seijin (shamisen, koto y shakuhachi). Vemos aquí gente de bandas tan diversas como VAN DER GRAAF GENERATOR, KANSAS, CLOUD OVER JUPITER y CRACK THE SKY. Ferguson se hizo cargo de todas las composiciones y todas las letras, salvo en el caso de una canción que es una adaptación que él mismo hizo de una canción tradicional rusa. El material recogido en “Morri’s Rock Boutique” fue grabado en varias sesiones entre los meses de febrero y marzo del pasado año 2025: los estudios fueron Aardvark Productions & The Rec Room, en Steubenville, Ohio; Studio L, en Weirton, Virginia del Este; Uberwald Elektroakustik, en Chicago, Illinois. Ian Beabout, Jan Christiana, Dan Bozek y Rick Witkowski fueron los ingenieros repartidos en todos estos lugares. El primero de ellos se hizo cargo de las labores de mezcla y masterización en e lantes mencionado estudio ShedSounds Recordings. La bella portada es de la autoría de la banda junto Refestramus y Veseli ć &Veseli ć. La producción también involucró a la banda junto a Beaubout.

Vayamos ahora a los detalles del repertorio mismo. Todo empieza con ‘Storms’, una canción que se apoya directamente en su gancho y su garbo marchoso, el mismo que sabe incorporar algunos quiebres bastante dinámicos en su estructura rítmica. He aquí el híbrido perfecto de los STYX de 1978 y los KANSAS de 1976-80 para un oportuno primer fogonazo progresivo modernizado. A continuación, llega el turno de ‘Cossacks Dream’, esa antigua canción rusa a la que hicimos alusión más arriba. Aquí se modela como una solemne balada sinfónica que empieza con un piano barroco prontamente acompañado por el violín y una base orquestal; una vez asentado el cuerpo central, se despliega una ceremoniosa ingeniería melódica donde el boato diseñado para la ocasión es manejado con oportuna delicadeza. Hay unos fabulosos solos de guitarra en la sección intermedia que brindan altivez al desarrollo temático, lo cual implica un realce de su fulgor inherente. Primer cénit del disco: es verdad que nos hubiera gustado que durara un poco más, pero también está bien como quedó, a fin de cuentas, funciona muy bien como un estamento mini-épico. ‘Tonight, Tonight, Tonight, Tonight, Tonight’ emerge con un prólogo marcado por un groove al modo de jazz-pop, el cual sirve para abrir campo a lo que, en esencia, es una expansión de ambientes ceremoniosos sobre un medio tiempo. El empleo de expresiones dramáticas en el canto y las intervenciones del saxo y la guitarra añade fuerza de carácter al entramado sonoro. Tras un cierre etéreo, emerge ‘Lakeview Samurai’, canción diseñada para que el ensamble explora su gusto por las texturas gentiles y el enfoque estilizado del discurso rockero. Gozando de un swing más intrépido que el de la pieza precedente, preserva la ceremoniosidad general de ésta mientras le añade una dosis mayor de fulgor sónico. ‘Hell Or NYC’ absorbe y manifiesta un aura de suntuoso vodevil combinado con un surrealismo lúdico Devo-Zappiano: la traviesa agilidad del esquema rítmico principal y la inserción de un interludio combativamente señorial (un poco a lo INNER EAR BRIGADE) garantizan que la sofisticación progresiva siga haciéndose presente en ese momento de alevosía humorística.

‘Deathless’ es el ítem más extenso del disco con su espacio de 8 ½ minutos y contiene las secciones ‘Above Volokov’s Mill’, ‘Goodbye America!’ y ‘And He Always Will’. La canción comienza con un talante solemne debidamente arropado por texturas sinfónicas que suenan casi como un híbrido de los ECHOLYN del nuevo milenio y los GENESIS de 1976-78. Poco a poco se arma un crescendo de auténtico poder rockero que revela una mezcla de asertividad y angustia existencial: la suntuosidad reinante se retroalimenta eficazmente mientras pasan los minutos. La sección final comienza con un suave dueto de voz y guitarra acústica que abre campo a un epílogo que retoma parte del esplendor previo, pero con un evidente sentido de la mesura: es algo así como una extraña calma tras la tormenta interior. Otro culmen decisivo del repertorio. ‘The Lucky Ones’ es una canción sobria cuyo desarrollo melódico revela una gracilidad inspirada, un gancho muy especial. Los ornamentos de sintetizador y el groove al estilo de THE BEATLES de fines de los 60 y THE KINKS de inicios de los 70 permiten que la jovialidad comedida que reina en la atmósfera general preserve su aura distinguida de manera consistente. La dupla de ‘Wasteland, Pt. 1’ y ‘Another Country’ completa el repertorio. El primero de estos temas mencionados brinda un recurso de elegante ligereza que viene muy bien tras los despliegues de profunda emotividad y sistemática fastuosidad elaborados en los núcleos temáticos de las dos canciones precedentes. Mención especial para el solo de guitarra que entra a tallar a mitad de camino, quizá el más notable de todo el álbum. Por su parte, ‘Another Country’ se pone más fiero, coqueteando abiertamente con el hard rock melódico (algo cercano a los JOURNEY de 1980-81); el grupo está centrado en desarrollar un bloque melódico accesible que esté atravesado por un impulso majestuoso que haga posible la capitalización de la musculatura reinante. Todo esto es lo que se nos ofrece con “Morri’s Rock Boutique” desde los cuarteles de REFESTRAMUS, una nueva muestra de frescura y magna expresividad dentro de la actual escena progresiva estadounidense. Es bastante recomendable hacer una visita (o varias) a esta boutique rockera, la verdad que sí. 

Muestras de “Morri’s Rock Boutique”.-

Cosacks Dream: https://refestramus.bandcamp.com/track/cossacks-dream-feat-joe-deninzon

Tonight, Tonight, Tonight, Tonight, Tonight: https://refestramus.bandcamp.com/track/tonight-tonight-tonight-tonight-tonight-feat-lynx

Deathless: https://refestramus.bandcamp.com/track/deathless-incl-above-volokovs-mill-goodbye-america-and-he-always-will

ODISEA TANGO XXII y la vida perpetua del tango-fusión

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy presentamos a ODISEA TANGO XXII, un joven ensamble argentino de tango-fusión progresivo y su álbum de debut “Y Nosotros Lo Hemos Matado”, el mismo que fue publicado por el heroico sello connacional Viajero Inmóvil a mediados de este mes de abril que ya se nos va. La alineación de ODISEA TANGO XXII consiste en Ulises Thayer (piano), Elías Alem (batería), Mateo Pérez Valente (bajo), Miguel Thayer (contrabajo), Facundo Díaz (guitarra), Agustín Matera (sintetizador) y Franco Bruschini (bandoneón). el material aquí contenido fue grabado en los Estudios Mudras entre septiembre de 2024 y febrero de 2026, siendo todas las composiciones de la autoría de Ulises Thayer. Se trata de una agrupación proveniente de lo profundo del Conurbano Sur del Gran Buenos Aires, integrada por jóvenes de entre 15 y 24 años. Las labores de producción y mezcla estuvieron a cargo de Ignacio Zavalla, mientras que la masterización fue hecha por Pablo Gastón Barros. El diseño gráfico es de Fran Pontenpie.

Repasemos ahora los detalles estrictamente musicales de este disco. Durando poco menos de 3 ¼ minutos, ‘Orfeo’ abre el álbum con un despliegue de agilidad colorida y juguetona que sabe conjugar a la perfección las texturas esenciales de la tradición tanguera y el vitalismo señorial inherente al foco distinguido del discurso rockero en su dialecto progresivo. El uso de un swing enmarcado en un tempo sofisticado ayuda a activar liberalmente los colores ínsitos en el desarrollo  melódico. Qué gean inicio de las cosas. Sigue a continuación la pieza justamente titulada ‘Y Nosotros Lo Hemos Matado’. El ensamble vira hacia un talante más misterioso, usando una atmósfera y un groove marcados por una espiritualidad otoñal. Hay un ansia introspectiva en el trasfondo de la suntuosidad sónica que se explaya exteriormente. La dupla de ‘La Mefistofélica’ y ‘Oda A Violencia Rivas’ sigue a continuación para expandir la paleta sonora del ensamble. El primero de estos temas mencionados retoma las policromías sistemáticas de la pieza inaugural y las remodela con una ceremoniosidad renovadora. El swing de la batería y los patrones temáticos del sintetizador dirigen el enclave colectivo al unísono. El ímpetu final oficia como un cautivador clímax epilogar donde se hacen presentes ciertos matices psicodélicos. En cuanto a ‘Oda A Violencia Rivas’, se trata de un ejercicio de jazz-fusion marcado por un dinamismo mesurado. La voz de protesta del inicio indica el significado social del título.* Esta vez es la guitarra quien asume el rol protagónico dentro de la arquitectura grupal. ‘Los Candiles’ es una pieza de piano solitario donde se elabora una muy inspirada ilación de tonalidades criollas. ‘Brindis Por Pillud’ comienza en un plano muy cercano a la ceremoniosidad grisácea que anteriormente signó al tema homónimo; en este caso, la ingeniería rítmica ostenta una mayor dosis de gracilidad. En la segunda mitad, las cosas se ponen un poco más luminosas, casi al modo del legendario trío ALAS en la época de su segundo álbum. 

Con su espacio de 8 minutos, ‘Proyecto Lluvia’ se erige como la pieza más extensa del álbum. Desde el punto de arranque se nota que la solemnidad es el índice expresivo a priorizar durante su desarrollo temático: la sección prologar marcada por sencillas armonías de piano, orquestaciones impresionistamente etéreas de sintetizador y nostálgicos fraseos de guitarra con talante Floydiano dejan eso muy claro. Una vez que el armazón rítmico instaura su firmeza definitiva, el foco grupal aumenta su suntuosidad para brindar una prestancia aumentada al motif central. Hay mucho de cinematográfico en el manejo de la composición; el grupo logró crear un paisaje sónico inmenso y envolvente a partir de una base armónica estructuralmente simple. ‘Don Sploindor’ se inicia con un solo de batería, abriendo luego una puerta para un centro melódico que combina los aspectos más ágiles y los más estilizados del ideario musical de la banda. Posiblemente podríamos describir esto como una mezcla entre los SPINETTA JADE del primer álbum y aquel añejo paradigma de la GENERACIÓN CERO de Rodolfo Mederos. Ojalá hubiese durado más esta hermosa pieza que parece contentarse con su espacio de 3 ¾ minutos, pero es que llega el turno de ‘Argos’, tema que trae consigo el cierre del repertorio. Su modus operandi sigue adelante con la manifestación más frontal del patrón del tango-fusión de siempre. Claro está, el bandoneón se apodera del rol protagónico en buena parte del esquema compositivo, pero también hay espacio para un introspectivo pasaje de piano solo (una vez más, nos acordamos de los ALAS del segundo disco). Aunque las teclas del piano surcan sus propios efluvios con un paso sereno, se hace notar un fulgor inmanente en el índice temático que va dibujando a lo largo de su caminata; es la preparación para el efímero golpe final colectivo. Todo esto fue lo que se nos brindó con “Y Nosotros Lo Hemos Matado” desde los cuarteles de esta congregación de jóvenes talentos que es ODISEA TANGO XXII. Nada muere en manos de esta agrupación, más bien, todo se reactiva con una vitalidad perpetúa en beneficio del ideal ecléctico del tango-fusión. A propósito, suena muy nietzscheano el título. ¡¡Muy recomendable!!

Muestras de “Y Nosotros Lo Hemos Matado”.- 

Orfeo: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/orfeo-2 

La Mefistofélica: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/la-mefistof-lica 

Proyecto Lluvia: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/proyecto-lluvia

* Violencia Rivas un personaje ficticio creado en 2009 por el actor y humorista argentino Diego Capusotto: la biografía de Vilencia es que ella fue una cantante de rock pionera del punk en los 60, y en la actualidad, es una satirista que cuestiona burlonamente el machismo, el consumismo, el abuso de poder, la sociedad del espectáculo, la apatía civil y muchas cosas más.

El esplendor sinfónico que brinda PHOG a la escena progresiva del año 2026

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
PHOG, el proyecto solista del multiinstrumentista y compositor francés Philippe Ogier, se hace presente en el escenario progresivo del año 2026 con su nuevo disco “Brightness”: éste fue publicado por vía independiente el 20 de febrero pasado. En el disco que hoy nos ocupa, Ogier, además de crear todo el material, se hace cargo de las guitarras, los teclados, el bajo, la flauta, el ukelele y las programaciones de ritmos. El amplio repertorio de “Brightness” nos brinda más de 51 minutos de esplendor sinfónico, siendo así que el resultado final es un paso natural e inteligente dentro del enfoque sonoro que PHOG ha venido madurando desde el tiempo de su disco “El Castillo” (2021). 
 
Prestando nuestros oídos al disco desde el punto de partida, nos damos cuenta de que éste comienza con la pieza justamente titulada ‘All Ears’: he aquí una advertencia sobre el tipo de colorido que será un tanto predominante en la estructura integral del repertorio. Musicalidad prístina con calculados espacios para la garra, claridad melódica inserta en una espiritualidad  solemne, refinado manejo de las texturas propias del discurso prog-sinfónico, enclaves rítmicos cuyas variantes son manejadas con fluidez. He aquí un inspirado híbrido de CAMEL, GENESIS y ECLAT que se concreta en un muy bien logrado punto de arranque para el álbum. ‘Find The Way’ sigue a continuación para surcar una senda más concisa que realza lo ceremonioso con miras a reforzar un desarrollo temático reconocible. El canto ayuda a mantener esta estrategia de refuerzo. Con la dupla de ‘Long Straight Line’ y ‘Tit For Tat’, se sigue explorando diversos matices prog-sinfónicos. El primero de estos temas mencionados empieza con un posicionamiento receptivo de los ecos del tema precedente para reactivarlos con un enfoque Floydiano, el mismo que se sostiene bajo la imponente guía de la guitarra. Más adelante, las cosas se tornan más gráciles y eso impulsa un retorno del factor Cameliano al frente, además de un fulgor renovador. Teniendo ahora los teclados un rol más relevante dentro del entramado musical, la alternancia entre pasajes animados y reposados es manejada con una fastuosidad exquisita que se muestra como un todo orquestado. El interludio pastoral que emerge a poco de pasada la frontera del cuarto minuto tiene una estupenda magia evocadora. Todo un cénit del álbum En cuanto a ‘Tit For Tat’, se trata de un ejercicio de sólidas expansiones melódicas que se apoyan en una mesurada musculatura. El medio tiempo diseñado para elaborar el motif central y sus ulteriores variantes está diseñado con un groove bastante versátil: de esta manera, los recursos de sobria sofisticación que van emergiendo a lo largo del camino pintan con pulso firme las tonalidades adicionales que proveen al tema de un colorido suficientemente expandido. Cierto parecido hay con el paradigma del colectivo compatriota ALCO FRISBASS.
 
Durando menos de 2 ½ minutos, ‘Northern Sky’ exhibe un aura bucólica al estilo de Anthony Phillips bajo una atmósfera flotante de relativo cariz cósmico. Las escalas armónicas de la guitarra acústica sustentan la ingeniería sónica integral. A partir de allí surge la pieza homónima: ‘Brightness’ fusiona los ambientes y grooves centrales de los temas #1 y #3, jugando con conexiones fluidas entre los variados ritmos y ambientes. ‘Road & Trip’ es otro momento culminante del repertorio: casi como una pieza prima-hermana de la homónima, explora los índices y senderos más suntuosos del esquema estilístico de PHOG sesuda estilización. Eso sí, sus ambiciones estructurales son más elevadas, aparte de que la fuerza de carácter del esquema instrumental global ostenta una organicidad más fastuosa. Cuando llega el turno de ‘Forest Echoes’, reconocemos en él una conexión directa con el vitalismo sofisticado del tema precedente y del inaugural, dejándose llevar por una agilidad aristocrática muy Cameliana. ‘Shadow Of Memory’ trae consigo el cierre del álbum: también es el tema más extenso del mismo con sus cerca de 9 ¾ minutos de duración, siendo articulado como el cénit decisivo que el disco merece en base a una combinación compacta de los recursos de claridad melódica, agilidad y vibraciones contemplativas que se han venido desarrollando en la secuencia de los tres temas precedentes. De hecho, se reitera aquí algo del sosiego contemplativo que apreciamos en ‘Road & Trip’, pero también hay algunos parajes marcados por una vivacidad consistentemente colorida, la cual abre camino al explayamiento de un swing razonablemente animado para sostener algunos focos temáticos. Las influencias de Anthony Phillips y Mike Oldfield se hacen notar en varios momentos. Todo esto fue lo que se nos brindó con “Brightness” desde el solitario cuartel musical del maestro Philippe Ogier: una vez más, PHOG se posiciona en un sitial preferente dentro de la élite de la música prog-sinfónica de nuestros días. Bastante recomendable este disco, no tenemos duda alguna al respecto. 

 
 
Muestras de “Brightness”.-

Long Straight Line: https://phog.bandcamp.com/track/long-straight-line

Road & Trip: https://phog.bandcamp.com/track/road-trip

Shadow Of Memory: https://phog.bandcamp.com/track/shadow-of-memory