IQ y los 25 años de "The Wake"

 

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Ya estamos a mediados del año 2010… y parece mentira que ya estemos en las bodas de plata de uno de los clásicos indiscutibles de la primera hornada neo-progresiva surgida en la escena undergound británica en medio del auge de otras vertientes musicales mejor recibidas por la industria musical como el new wave, el heavy metal, el tecno-pop y el post-punk. Nos estamos refiriendo a “The Wake”, segundo larga duración oficial de IQ, disco publicado el 10 de junio de 1985 (aunque su publicación estaba planeada para una semana antes). Ya en este momento, la banda contaba con un copioso repertorio que iba más allá de este long play y el anterior “Tales From The Lush Attic”, pues también contaban con singles y maxi-singles independientes además de un primer casete de circulación limitada. Aunque su estilo musical no tiene un hermanazgo Genesiano tan pronunciado como el que entonces ostentaba otro quinteto llamado MARILLION (la banda más exitosa comercialmente de esta hornada), no faltan razones para señalar a la dupla de “The Wake” y el “Misplaced Childhood” de Fish & co. como sendos hitos simultáneos para el afianzamiento del progresivo sinfónico post-70s.

   

“The Wake” fue señalado por Goff Mann (prolífico músico y artista visual que fungió como frontman de TWELFTH NIGHT durante sus años más fabulosos de carrera musical) como su disco favorito de IQ, y esta opinión fue compartida por muchos conocedores de la banda dentro de su círculo de culto. Con todo, este triunfo artístico se vio prontamente eclipsado por la dramática salida voluntaria del cantante y letrista Peter Nicholls de las filas de IQ. El hecho es que desde hacía un año que se generaron tensiones en el seno de IQ, y si bien este ambiente recargado pudo haber sido un motivador inicial para la creación de sólidos climas oscuros en la composición y arreglos del repertorio de “The Wake”, las cosas llegaron hasta el máximo sostenible tres meses después de la edición del disco. Antes de este hado (momentáneamente) fatal, el grupo ya contaba a inicios de marzo del año 1984 con tres canciones casi completas y presentadas al público en varios conciertos, mientras que otras dos estaban muy avanzadas en tránsito hacia las versiones que hoy por hoy conocemos de sobra a fines de ese mismo año. Antes de ponerse a grabar el disco en sí, el quinteto entró a los Cava Studios de la localidad escocesa de Glasgow en setiembre de 1984 para grabar las versiones de single y de maxisingle de ‘Barbell Is In’ (una amena canción en clave de tecno-reggae que para nada representa la esencia del grupo… excepto su buen humor), junto a la siniestra ‘Dans Le Par Du Chateau Noir’ (estupendo anticipo del clima general que luego se impondrá en “The Wake”) y la exultante ‘Just Changing Hands’ (tremendista elegía a las mujeres víctimas de la violencia doméstica). También se aprovechó la ocasión para grabar maquetas iniciales de ‘The Magic Roundabout’ y ‘The Thousand Days’. “The Wake” se grabó en los meses de marzo y abril de 1985 en los Falconer Studios de Londres, bajo la labor de coproducción del guitarrista Holmes y el bajista Esau. 

“The Wake” fue señalado por Geoff Mann (prolífico músico y artista visual que fungió como frontman de TWELFTH NIGHT durante sus años más fabulosos de carrera musical) como su disco favorito de IQ, y esta opinión fue compartida por muchos conocedores de la banda dentro de su círculo de culto. Con todo, este triunfo artístico se vio prontamente eclipsado por la dramática salida voluntaria del cantante y letrista Peter Nicholls de las filas de IQ. El hecho es que desde hacía un año que se generaron tensiones en el seno de IQ, y si bien este ambiente recargado pudo haber sido un motivador inicial para la creación de sólidos climas oscuros en la composición y arreglos del repertorio de “The Wake”, las cosas llegaron hasta el máximo sostenible tres meses después de la edición del disco. Antes de este hado (momentáneamente) fatal, el grupo ya contaba a inicios de marzo del año 1984 con tres canciones casi completas y presentadas al público en varios conciertos, mientras que otras dos estaban muy avanzadas en tránsito hacia las versiones que hoy por hoy conocemos de sobra a fines de ese mismo año. Antes de ponerse a grabar el disco en sí, el quinteto entró a los Cava Studios de la localidad escocesa de Glasgow en setiembre de 1984 para grabar las versiones de single y de maxisingle de ‘Barbell Is In’ (una amena canción en clave de tecno-reggae que para nada representa la esencia del grupo… excepto su buen humor), junto a la siniestra ‘Dans Le Par Du Chateau Noir’ (estupendo anticipo del clima general que luego se impondrá en “The Wake”) y la exultante ‘Just Changing Hands’ (tremendista elegía a las mujeres víctimas de la violencia doméstica). También se aprovechó la ocasión para grabar maquetas iniciales de ‘The Magic Roundabout’ y ‘The Thousand Days’. “The Wake” se grabó en los meses de marzo y abril de 1985 en los Falconer Studios de Londres, bajo la labor de coproducción del guitarrista Holmes y el bajista Esau. 

Pasando al disco mismo, se trata de una obra conceptual en torno a las circunstancias emocionales que abruman al alma de un hombre recién fallecido. La secuencia temática se inicia con el momento preciso del fallecimiento del protagonista (‘Outer Limits’), cuya alma pasa revista a su vida terrenal con una mirada llena de remordimientos y añoranzas (‘The Wake’). Una vez que vuelve sus ojos frente a sí, el alma presencia el raro espectáculo luminoso del limbo (‘The Magic Roundabout’), para poco después, sin salir de su aturdimiento ni su sensación de añoranza, deambular por los tortuosos pasadizos del limbo (‘Corners’). Toda esta incertidumbre no es sino un síntoma vívido de que el alma aún no ha aceptado realmente su situación separada de la vida terrenal, e incluso se complace en sentimientos de apego y celos en relación con las personas y cosas que dejó atrás (‘Widow’s Peak’). También hay referencias en la letra al inquietante relato de E. A. POE El entierro prematuro, algo que sirvió a Nicholls para introducir en el estado mental del protagonista el recuerdo de cómo llegó él a tan fatal estado: ¡fue enterrado cuando tuvo una catalepsia pero se le confundió con alguien ya fallecido!  Pero de pronto el alma recibe una luz de inspiración que le pone en claro la necesidad de aceptar su destino y hacer un balance diferente sobre lo vivido (‘The Thousand Days’), sintiéndose finalmente preparada para atravesar las puertas hacia una nueva vida mas allá de la pasada  (‘Headlong’). Resumiendo, es un retrato del proceso de aceptación en un contexto post-mortem. Justamente el penúltimo párrafo de ‘Headlong’ es bastante impetuoso respecto a la aceptación de sí mismo como alguien que ya no pertenece al pasado lleva al gallardo valor de arrojarse a lo que viene en el futuro: “I fought the memory of beautiful things / Imaginings. / The only strength I got from wanting you, / All the love I've been needing, / The hunger is feeding on me. / Spirit, bear me away / To the place of birth.” Esto puede entenderse como una evocación a una reencarnación en una nueva vida terrenal o como la transición definitiva hacia el Paraíso Celestial, o sea, el nacimiento de la vida eterna. Como sea, se trata de un final celebratorio y redentor: en el mismo seno de la banda, Nicholls quiso enfatizar la primera opción interpretativa, mas el guitarrista Holmes siempre dijo en entrevistas que esa referencia era más bien al acto de ir al más allá de manera definitiva y total. Justamente el sano debate sobre cómo interpretar las mágicas líneas que hemos citado fue uno de los pocos momentos realmente cordiales que el grupo recuerda de esa etapa de su actividad. Una música que cada vez  estaba mejor forjada acompañada de crecientes tensiones interpersonales que destruían amistades: así sucedió la historia. Una cosa queda clara, el final de la canción es celebratorio, como dijimos antes: ‘You, you put the fear in / The fear of flying, / The breath of dying. / You want a sign? / You want a sign, / It’s already there.’

Este trabajo destila un aura bastante sombría y misteriosa, congruente con su tema funerario. El tratamiento áspero de muchas partes de guitarra, los fondos y texturas cinematográficas de teclado, los fuertes cimientos creados por la sección rítmica, todos estos elementos están calculados para crear esta densidad emocional, capitalizada además por el peculiar canto de Nicholls, que suena a un PETER GABRIEL pasado por el filtro de RICHARD BUTLER. Además, se nota que la secuencia de las canciones está bien armada, yendo con fluidez desde motivos musicales progresivamente épicos hasta otros más pesados y psicodélicos, pasando por ambientes etéreos, y otros que destilan un oscuro romanticismo. Dentro del repertorio destacan las cuatro mini-suites ‘Outer Limits’, ‘The Magic Roundabout’, ‘Widow’s Peak’ y ‘Headlong’. ‘Outer Limits’ es un punto de inicio brutalmente efectivo, desarrollando un punche atractivo a través de la confluencia de estándares de U.K. y CAMEL bajo la pauta enérgica que es marca propia de IQ. El rol de los teclados es masivamente prioritario a la hora de elaborar orquestaciones y gestar pasajes manieristas en varios momentos donde se impone la necesidad de realizar un interludio... pero, sin duda, el mayor clímax lo realiza en su solo de guitarra que comienza mientras Nicholls canta la última sección vocal. Por su parte, la segunda se concentra en ambientes etéreos y melancólicos para su cuerpo central tras un bombástico prólogo instrumental que  reitera las alusiones a U.K.: es como pasar a un estándar del GENESIS de la etapa 76-78 contaminado con sobrios aires góticos tras una gloriosa tormenta sinfónica que comienza de forma misteriosa y redunda en una evolución extrovertida con mucha poleta. La penúltima de estas mini-suites desarrolla las sonoridades más bombásticas del álbum, mientras que la última completa el concepto con aires optimistas un tanto inspirados en lo céltico; de este modo, ambas piezas se encargan sucesivamente de terminar de hilar el esplendor sonoro con el cual el grupo realiza su enfoque musical. No somos pocos los conocedores que tienen a ‘Widow’s Peak’ como uno de sus temas favoritos de toda la trayectoria de IQ, y posiblemente el fastuoso sentido orquestal que se destila a través de sus diversas secciones tiene una cualidad imponente y envolvente que parece difícil de negar. El furioso vigor de las últimas líneas (‘Lost in love, senses flown. / Diamond hard heart of stone.’) es un mundo de expresividad lírica en sí mismo. 

De todas maneras, ‘Headlong’ también se destaca por la intensidad emocional única, y además, su estructura multi-temática se alimenta con retomas de breves secciones de canciones precedentes, con lo cual se refuerza la cohesión conceptual del álbum como un todo. Pongamos por ejemplo el breve solo de guitarra que antecede al canto de Nicholls ‘From the moment we were torn’, que reitera la introducción de sintetizador de la primera canción, y también a las aumentadas pulsaciones de la dupla rítmica durante el fade-out, que también remiten al inicio de la canción de apertura. Un círculo musical que se cierra con infinita prestancia. El sencillo solo de sintetizador del intermedio que termina disolviéndose ante la irrupción de la guitarra anuncia lo que pronto será el fina de la incertidumbre para abrir camino a una nueva celebración de la vida. Los temas mas breves también tienen sus atractivos: ‘The Wake’, con sus riffs llenos de gancho, nos ofrece uno de los momentos mas cercanos al heavy metal de la banda en toda su trayectoria; De hecho, el nervioso y airado canto de Nicholls se condice perfectamente con la ingeniosa rabia del solo de guitarra en el intermedio y el explosivo groove de la batería. ‘Corners’ combina texturas exóticas y secuencias programadas, al modo del PETER GABRIEL de la época 81-84, amén de atractivos toques de sitar eléctrico: psicodelia suave que coquetea con el techno-pop en un bien definido clima introspectivo. ‘The Thousand Days’, por su parte, ofrece un homenaje frontal a THE CURE pero con un carácter lo suficientemente macizo como para no caer en la trivialidad. Además, ese engañosamente parsimonioso interludio apoyado en capas de mellotrón le da una variante inesperada al desarrollo temático. Estos dos últimos temas sirven de oportunos alivios momentáneos para el oyente, en medio de la oscura borrasca emocional que envuelve al disco; adicionalmente cabe señalar que la coda de capas de sintetizador de ‘The Thousand Days’ repite las que se utilizaron en el intermedio de ‘Widow’s Peak’. La edición en CD incluye como bonus tracks un par de demos de temas ya mencionados y a ‘Dans le Parc du Chateau Noir’, pieza que queda muy bien debido a su espíritu abiertamente tétrico a pesar de no ser parte original del concepto. La letra es mínima por lo que el aprecio de esta canción debe centrarse en las atmósferas, ciclos melódicos y capas orquestales de teclado que se van sucediendo a través de diversos motifs. De todas maneras, el sello del grupo GEP está preparando una re-edición de 25to. aniversario muy a lo grande... ya veremos de qué se trata.

En resumen, “The Wake” es una joya definitiva de la nueva ola del rock progresivo británico. La vigencia y creatividad que aún mantiene IQ en lo que va del nuevo milenio es tal vez la mejor prueba de que este disco que acabamos de comentar significó un tremendo impulso para el reforzamiento del rock artístico tras la década de los 70s con miras hacia un horizonte infinito.


Muestras de “The Wake”.-

Widow’s Peak: https://www.youtube.com/watch?v=C5DoG2MZYoQ

The Thousand Days: https://www.youtube.com/watch?v=e1yq1e3dYJs

Headlong [en vivo en 2002]:  https://www.youtube.com/watch?v=a7fnPvbZVw8

The Wake + The Magic Roundabout [en vivo en 1985]: https://www.youtube.com/watch?v=C8aKokqQDJA

Dans Le Parc Du Chateau Noir: https://www.youtube.com/watch?v=6jf_tqof9ps

El retorno de PO90 con "Jitters" - rock progresivo a puro músculo

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Con la presente tengo el enorme agrado de presentar mis apreciaciones sobre el disco de retorno de PARALLEL OR 90 DEGREES, titulado “Jitters”. PO90 (como le llaman los amigos) era una de las bandas británicas que yo más apreciaba del revival progresivo noventero, y ciertamente se hizo extrañar por muchos mientras estaba relegado a un periodo de hibernación durante el desarrollo de THE TANGENT. El dinámico Andy Tillison, compositor, letrista, cantante, tecladista y guitarrista de PO90 se sentía cómodo y ocupado en su inicial asociación con Roine Stolt durante los primeros años de THE TANGENT. Quedando como única fuerza creativa al frente de esta banda, e incluso con un nuevo lanzamiento al mercado este año, Tillison pudo por fin darse abasto para retomar el proyecto de PO90. Por lo escuchado en “Jitters”, puedo aseverar fehacientemente que se ha tratado de una excelente ocurrencia, pues lo que se encuentra aquí es un disco muscular, repleto de sonoridades robustas y cimentado sobre un tratamiento moderno de las más típicas ambiciones progresivas. En buena medida, este disco preserva y enfatiza el tipo de garra sofisticada que se plasmó en el hasta ahora último disco de la banda “More Exotic Ways To Die” (del año 2002). Usualmente un quinteto durante sus primeros 7 años de existencia, en esta segunda fase de su carrera PO90 es un cuarteto de Andy Tillison (voz, teclados y guitarra), Dan Watts (guitarras y artilugios electrónicos), Matt Clark (bajo) y Alex King (batería y artilugios electrónicos).

Desde la vía de entrada plasmada en el tema irónicamente titulado ‘Interlude’ se siente un punche fenomenal, portando un filo inapelable que se desarrolla consistentemente a través de un motivo sólido: su estructura es un anticipo de riffs y motivos que aparecerán más desarrollados en varios temas que siguen a continuación. Como al fin y al cabo, se trata de un preludio, el primer ejercicio notable de desarrollo musical se da en ‘Standalone’. Durando casi 6 minutos, el tema se inicia con una evocativa introducción de piano que nos pone en ambiente con la emotividad arrolladora que se va instalando desde que los guitarreos entran en acción. ‘Threesome’ tiene una naturaleza más electrizante merced a la rabiosa confluencia entre los guitarreos y el sintetizador que se explaya sobre una arquitectura rítmica tremendamente sólida. Las alusiones a esquemas sonoros de PORCUPINE TREE, O.S.I. y MUSE son claras de percibir. ‘Entry Level’ tiene un swing un tanto tirado al soul de base funky, lo cual hace que se genere un oasis de contención en medio de los aguerridos ejercicios rockeros que han tenido lugar hasta ahora. ‘Backup’ parece portar descaradamente la influencia del PT de los últimos 10 años, estableciendo atmósferas llamativas en clave de rock potente que se explaya mayormente en un medio tiempo. En su interludio, el esquema rítmico se intensifica hasta el punto de crear un impacto psicodélico bárbaro desde una patente vecindad con el prog-metal, lo cual sirve para que el clima sonoro de la pieza implosione convincentemente tras regresar al compás inicial. El tema homónimo prosigue ciertamente por esta herencia PT, siendo así que también se pueden notar ciertas afinidades con MUSE y la faceta aguerrida de RADIOHEAD. Más adelante, las cosas se ponen un poco más eclécticas con la expansión de ciertas cadencias jazz-rockeras en el esquema rítmico y el uso relativamente destacado de teclados cósmicos, todo ello apuntando a asentar una especie de contraste con los pasajes más duros. ‘The Dock Of The Abyss’ combina en buena parte de su estructura interna la agilidad del post-punk con la pegada del rock alternativo melódico, pero lejos está PO90 de querer hacer una canción convencional sin más: los adornos de teclado son efectivamente bizarros, así como también lo es el intermedio metalero desde el cual se crea un clímax bastante ágil. Los últimos siete minutos del disco están ocupados por ‘On The Death Of Jade’: portando una base sonora patentemente digitalizada, la pieza recrea una ingeniosa confluencia de space-rock, Indie y krautrock, instalada sbre un compás semi-lento que evoca cadencias nostálgicas. Ya en discos antiguos de PO90 hallamos composiciones en esta línea, así que podemos decir que esta canción refleja la esencia más añeja de esta banda felizmente resucitada.

Éste es un disco que rebosa energía rockera en un sentido decididamente frontal, aunque no se enmarca en el mainstream, sino que cuenta con sólidos recursos de sofisticación artística como para ameritar credenciales progresivas. No cabe duda que Andy Tillison sabe sentirse seguro dentro de un terreno musical que es tan ajeno a la fastuosidad retro de THE TANGENT, y si “Jitters” fue diseñado para demostrar que PO90 es una fuente de polenta rockera que no se ha enmohecido durante su periodo de hibernación, entonces a mí me consta que la demostración ha sido irrefutable.

La nueva frecuencia de IQ, la vieja maestría de siempre

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

“Frequency” es el nombre de la nueva oferta fonográfica de IQ, veterano ensamble que formó una parte importante de la nueva ola del rock progresivo en la primera mitad de los 80s, y que ahora, casi 30 años más tarde, todavía tiene suficientes dosis de ingenio y energía como para seguir creando música progresiva de primera categoría. Para este disco, el cual tiene la función de suceder al universalmente aclamado “Dark Matter” (2004), nos muestra a un IQ con dos nuevos miembros – el baterista Andy Edwards y el teclista Mark Westworth. Ellos se unen a Peter Nicholls (canto), Mike Holmes (guitarras) y John Jowitt (bajos), siendo así que la inconstancia inherente a todo recambio no fracturó para nada la cohesiva fortaleza de la propuesta sonora de IQ.

El tema homónimo abre el disco con iniciales emisiones radiales de la Segunda Guerra Mundial, las mismas que abren camino para un contundente motivo que suena a un híbrido de ‘Kashmir’ y ‘Fly on the Windshield’. Esta impresionante vía de entrada se complementa muy bien con la subsiguiente sección cantada (sobre una base de piano eléctrico) y el posterior frenético motivo en 7/8. Este último motivo desarrolla un impresionante clímax que aterriza en un breve reprise del antes mencionado motivo zeppeliniano-genesiano. ‘Life Support’ sigue a continuación, ostentando un esquema afín a algunas canciones viejas de la banda, como si se mezclaran ‘Guiding Light’ y ‘Fading Senses’: con un enérgico solo de sintetizador y unas atmósferas que reflejan muy bien la imagen de máquinas que sostienen una vida que se va marchitando poco a poco, la pieza evoluciona hacia un adecuado ambiente de claros ribetes cósmicos. ‘Stronger Than Friction’ (¡qué adorable ingenio hay en el título!) ocupa un espacio de 10 ½ minutos: el motivo central desarrolla un esquema melódico limpio y ágil, casi fronterizo con el AOR. La sección en 7/8 que signa la conclusión expansiva de la pieza muestra otra sólida exhibición del fuego sinfónico del estilo IQ. La balada ‘One Fatal Mistake’ es hermosa y refinada, apoyada en una atmósfera sencilla y razonablemente etérea, apropiada para que Nicholls de cuenta de esa vibración particularmente evocativa que él sabe imprimir a las melodías más vulnerables de IQ. Las cortinas espaciales de sintetizador y los retazos de mellotron coral indican el final de esta canción y el puente de transición hacia el siguiente, ‘Ryker Skies’. Ésta es otra canción extensa, la cual aporta un aire refrescante de agresividad rockera, a la par que retoma la vibración y las cadencias de ‘Frequency’. De hecho, en algún momento se inserta un par de citas de la susodicha canción. ‘The Province’ es la pieza épica por excelencia del disco. Heredando en gran medida la pomposidad perfectamente estilizada que había sido predominante en “Dark Matter”, ‘The Province’ exhibe un espectacular despliegue de variantes de atmósfera, compases inusuales y una instrumentación sólida que llena espacios con innegable contundencia (dicho sea de paso, también toma prestados algunos fragmentos de un tema precedente, en este caso, 'Life Support'). El viaje progresivo que tiene lugar refleja un articulado juego de desarrollos melódicos y ambientes pletóricos de potencia y colorido. El solo de sintetizador que tiene lugar tras el minuto 8 es tal vez el mejor de todo el disco. Los últimos 8 minutos del disco están ocupados por ‘Closer’, una atractiva semi-balada progresiva donde se destaca un efectivo interludio en 7/8, el cual genera un momentum envolvente que anima el motivo central.

A fin de cuentas, esta nueva frecuencia musical de IQ resulta otra notable muestra de la recurrente maestría que IQ ha ejercitado por más de un cuarto de siglo para la supervivencia y mantenimiento del rock progresivo – “Frequency” es un ítem muy valioso para este año 2009.

Descanse en paz, HUGH HOPPER

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Con la presente tengo que compartir la tristísima noticia de la partida de este mundo terrenal de HUGH HOPPER, quien fuera una incuestionable figura del Canterbury desde sus días en SOFT MACHINE y a través de una posterior carrera solista, intermitente aunque seriamente prolífica, que alternó dinámicamente con su participación ocasional en bandas como GILGAMESH, IN CAHOOTS e ISOTOPE. Además, colaboró muy asertivamente en discos solistas de LINDSAY COOPER, STOMU YAMASH’TA, y esa joya incuestionable que es “Rock Bottom”, el primer disco post-accidente de ROBERT WYATT (viejo compinche de SOFT MACHINE).

El domingo 7 de junio de 2009 se anunció su muerte, sucumbiendo a su lucha de un año contra la leucemia, a casi dos meses de cumplir la edad de 64 años. Su trayectoria musical estuvo bastante activa hasta hace poco, siendo así que unas de sus últimas participaciones más notorias fueron como miembro del SOFT MACHINE LEGACY y del trío experimental BRAINVILLE3, junto a sus viejos amigos DAEVID ALLEN y CHRIS CUTLER. El concierto a beneficio programado en Le Triton de París para el 27 de junio seguirá adelante, ahora convertido en concierto de homenaje póstumo.

A continuación, transcribo viejas reseñas mías sobre los discos “Third” y “Fourth” de SOFT MACHINE, a modo de tributo al Maestro HOPPER en una de sus etapas cumbre.


SOFT MACHINE “Third” (1970)

El tercer disco de Soft Machine significó no solo un importante paso en la evolución artística de la banda, sino que marco uno de los hitos definitivos e inapelables del movimiento así llamado Canterbury. De hecho, llamo particularmente la atención de la critica y entusiasmo a un numero cada vez mayor de conversos aficionados a la vanguardia rockera que intensamente se venia desarrollando por aquel entonces en los círculos underground de Gran Bretaña: recordemos que por aquel entonces, Pink Floyd estaba pavimentando su camino hacia el estrellato, King Crimson había tomado por asalto y sorpresa la escena rock, The Nice estaba gozando de sus últimos días de gloria comercial, y mientras tanto, Yes estaba entrando con su incipiente pero ya promisoria propuesta musical. Sin haber llegado a ser precisamente un superventas, ‘Third’ tiene bien ganado un sitial histórico muy importante dentro del parnaso de los discos mas influyentes e inventivos del genero progresivo. Mucho mas que en sus dos trabajos precedentes, Soft Machine logra plasmar en el acetato su agresividad sonora, así como su eficacia instrumental a la hora de jugar y expandirse con ideas musicales ambiciosas: claro esta, la participación de varios colaboradores (incluyendo el ingreso del saxofonista Elton Dean como miembro oficial del combo) funciona como un complemento invalorable a la hora de crear un colorido adecuado a las exigencias de los cuatro mega-temas que se repartían cada uno un lado del doble vinilo.


Los temas primero y cuarto son los que mas decididamente muestran las aristas vanguardistas que ya inundaban el sonido de Soft Machine, con un despliegue de potente volumen, motivos musicales densas e inquietantes, y exploraciones intensas. “Facelift” fue editado a partir de la fusión de dos ejecuciones en vivo realizadas en sendos recitales de Enero de 1970. “Slightly All the Time” está demarcado por una pauta mas obediente al tipico swing jazzero propio de la vanguardia de Miles Davies (et al.) en 6/4, con un alternado protagonismo del saxo soprano, el bajo y el piano electrico: me parece el menos destacado del repertorio de ‘Third’, pues se me hace un poco excesivo en su extension, pero ciertamente el despliegue de virtuosismo de los musicos (incluyendo el paso inmensamente preciso de Wyatt en la bateria) no tiene un segundo de pierde. Ahora que mencionamos a Wyatt, el unico tema cantado del disco, “Moon in June”, es de su autoria. El susodicho número consta de dos partes bien definidas: la primera, que es cantada, mantiene un aire coqueto y humorístico que no llega a ser tan notorio como en el disco anterior (‘Soft Machine, Vol. 2’), pero que esta ahí, funcionando con el mismo desparpajo; cuando pasamos a la parte exclusivamente instrumental, el sonido grupal se vuelve mas agresivo y explosivo, concluyendo con una densa y oscura cortina de órgano sobre la cual se explaya un alucinado solo de violín - un final ciertamente esplendido.

¿Qué más puedo decir que otros no hayan dicho ya en otros lugares, y mucho mejor que quien escribe?... Solo puedo dictaminar que ‘Third’ es un tesoro indiscutible dentro de la tradición progresiva de vertiente jazzera, un testimonio del SM tradicional en su mejor momento creativo como ensamble bien integrado. A fin de cuentas, un diamante especial que brilla con luz propia en cualquier buena discoteca de música popular contemporánea.

SOFT MACHINE “Fourth” (1971)

Este habría de ser el ultimo disco de Soft Machine con Wyatt en sus filas; el hecho de que no haya ninguna pieza escrita por el en el repertorio, y que ni siquiera haya una sección cantada por él en ningún tema, es simplemente la manifestación de un descontento mutuo entre Wyatt y el resto de la banda. A pesar de las tensiones que esto conlleva necesariamente, nada de ello impide que ‘Fourth’ resulte otro trabajo brillante de SM. En buena medida, este disco retoma el sendero iniciado por “Third”, aunque bajando un poco la intensidad, y midiendo la mayor parte de las veces el alcance de los vuelos instrumentales que tienen lugar. Ya estamos en una etapa en la que SM se define como una banda de jazz vanguardista de manera plena.

Tal como señalé antes, Wyatt estaba sintiéndose relegado por la afiliación tan abrumadoramente jazzera del grupo, siendo así que las inclinaciones creativas de Wyatt apuntaban a una combinación del jazz vanguardista con elementos de psicodelia, cantos y ambientes de humor absurdo, y disonancias sistemáticas (cosa testimoniada en su primer disco solista, producido justamente casi en simultáneo a ‘Fourth’). Pero con todo, sus aportes siguen siendo relevantes como músico, a pesar de que aquí no hay ningún tema de su autoria y no se incluye ninguno de sus distintivos pasajes vocales. Por otra parte, se nota que Dean se ha acomodado bastante bien dentro de esta maquinaria, siendo así que desde su rol de miembro oficial ha pasado a convertirse en el nuevo protagonista del grupo. Sus partes de saxo y saxello dominan el espectro sonoro de SM, mientras que Ratledge opta por ocupar un puesto mas discreto en comparación con los discos anteriores, al darle particular relevancia a las sutilezas de su piano electrico, jugando con acordes, texturas y vacíos. Quien si encuentra espacio mas que suficiente para la manifestación de sus ideas es Hopper, quien no solo aporta el envolvente ‘Kings and Queens’, sino también la suite cuatripartita ‘Virtually’, que con sus 20 minutos de exquisitez pura ha quedado para la posteridad (con toda justicia) como uno de los clásicos definitivos de la historia de SM.

Tal como señale antes, ‘Fourth’ sigue por el camino de investigación que se abrió en su brillante antecesor, el doble ‘Third’, aunque con un nivel un poco menor de intensidad y ebullición. Con todo, la dosis de efervescencia que se expande a través de cada molécula de los solos respectivos de Dean y Ratledge en ‘Teeth’ es apremiante, contando además con un ensamble de metales que añade mayor consistencia al asunto: se nota que la influencia del Miles de fines de los 60s sigue siendo una fuente crucial de influencia para SM. A continuación viene una pieza compuesta por Hopper, ‘Kings and Queens’, una notable muestra de creatividad reflexiva, que posteriormente se engarza con el alucinante ejercicio de caos titulado ‘Fletcher’s Blemish’ (primer aporte de Dean como autor para el repertorio del grupo), el cual calienta el ambiente como un cúmulo de llamas desaforadas de free jazz. ‘Virtually’ es la magnifica cereza que corona el disco. La Parte 1 instara un motivo de acordes simple sobre el cual Dean explaya sus toques de saxo, mientras es acompañado por Skidmore, Hastings y Evans; mientras tanto, Ratledge, Hopper y Wyatt afianzan la cadencia rítmica con mucha clase, contando con la complicidad de Bobbington, quien extrae elementos casi etéreos de su contrabajo. La Parte 2 nos muestra inicialmente a Ratledge estableciendo un dialogo desafiante con Dean, mientras que Wyatt y Hopper salen “por su cuenta” para crear un cierto ambiente de tensión en un lugar aparte, antes de retomar el motivo de la Parte 1, lo cual es aprovechado por la sección de metales para salir al frente de manera mas notoria. Tras la abrupta conclusión de la Parte 2, la Parte 3 comienza con una secuencia retorcida de cintas al revés y otros efectos que distorsionan los golpes de platillo y cortinas de órgano, espacio que aprovecha Hopper para lucir su bajo con un fuzz contundente, mientras que en simultaneo Dean arroja unos tenues retazos de saxello. Los últimos segundos de esta sección funcionan como un preludio para la Parte 4, la cual retoma los acordes básicos de la Parte 1, haciendo que ‘Virtually’ concluya en un cierto clima de misterio introspectivo.


Es un consenso muy amplio el que señala que la grandeza de ‘Third’ no llego a ser igualada por ninguno de los discos de SM que vinieron después, y yo, en lo personal, estoy de acuerdo con algunos casos, pero no esta visión total de las cosas. Como sea, si algo ha de quedar claro tras una escucha atenta de ‘Fourth’, es que la capacidad creativa y exquisitez interpretativa de la banda siguen intactas, y tan brillantes como siempre.

¡Gracias por toda la música, Maestro! ¡Descanse en paz!

PETER GABRIEL en Lima - 20 de marzo

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Tengo ahora el enorme agrado de reseñar para todos ustedes el extraordinario concierto que PETER GABRIEL ofreció, acompañado de su banda de apoyo, la noche del 20 de marzo en Lima, más precisamente, en la Explanada del Estadio Monumental (distrito de Ate). Este evento resultó una tremenda ocasión de música espectacular, excelentes despliegues visuales, vigor y emotividad conjugados en un ambiente de comunión entre artista y público. El aura de GABRIEL es de por sí algo innegable, y él sabe valerse de su carisma y sensibilidad tan propia para crear puentes de conexión con su público, siendo así que además su propio repertorio histórico tiene grandes niveles de eclecticismo e ingenio como para cautivar a cualquier público que tenga ante sí: esa noche del 20 de marzo el público peruano pudo constatar empíricamente que la reputación de GABRIEL como creador e intérprete estaba justificada con creces. En esto de tender puentes con el respetable también ayudó su manejo de textos en nuestro idioma para exponer los significados de varias canciones, textos que él pudo leer con aceptable soltura.

Encargado no solo de cantar su material, sino también de los teclados en varios pasajes del concierto, el héroe de la noche estuvo acompañado de un sexteto de apoyo compuesto por Tony Levin (bajo, stick, contrabajo eléctrico y coros), David Rhodes (guitarra eléctrica, efectos, percusión y coros), Richard Evans (guitarras eléctrica y acústica, mandolina, percusión y gaita eléctrica), Melanie Gabriel (coros, percusión y samplers), Angie Pollock (teclados y coros) y Ged Lynch (batería y percusión).
Rhodes y Levin son colaboradores de larga data – Levin llega tan lejos en el tiempo como el mismísimo disco debut del Maestro, y dando muestras de que es un público conocedor, el respetable limeño le proveyó de los más intensos y largos aplausos a la hora de presentar a la banda. También es verdad que GABRIEL no puede con su orgullo de padre y artista ante su hija Melanie (quien incluso se hizo cargo del canto principal en la balada acústica ‘Mother of Violence’, gema olvidada del “2”), presentándola en más de una ocasión. Pero más allá de la ágil solvencia de Levin y la fineza de Rhodes, también cabe destacar la firmeza con que Pollock cumplía con su relevante labor en las teclas y la robustez pletórica que Lynch generaba desde su asiento tras los tambores de su batería. Cada componente del ensamble instrumental estaba en su sitio adecuado, sin por ello dejar de hacerse notar a fin de que el colorido del repertorio saliera a relucir tanto en los pasajes más texturiales como en los más enérgicos.

Y bueno, el ambiente estuvo servido desde el inicio, anunciado con una pista de “Passion” (esa estupenda banda sonora que GABRIEL ideó para la película de Martin Scorsese “La Última Tentación de Cristo”), para luego engarzarse con la secuencia sintetizada de ‘Rhythm of the Heat’. Es un rescate de gran altura retomar esta pieza para iniciar un concierto, pues su pulsación neurótica y su intensidad telúrica dan la sensación de que hay algo misterioso que está dejando de ocultarse para mostrarse en toda su magia. La fuerza del clímax de esta canción fue debidamente seguida por ‘On the Air’, pura exhibición de polenta donde lo exquisito y lo potente se conjugan en una sola fuente sonora: primeros lucimientos de Levin haciendo un breve solo de bajo con un sonido distorsionado. ‘Intruder’ aumenta la sensación de inquietud y neurosis instalada por las dos primeras piezas: no es tan frenética pero sin duda es capaz de motivar auténtica excitación melómana con esos ambientes tan oscuros plasmados sobre el esquema rítmico tribal instalado por el baterista. No me esperaba que la última línea “I am intruder” fuera gritada de esa manera, pero ciertamente GABRIEL logró con ese sencillo gesto redondear la idea. La excitación sigue pero esta vez en una clave más amable y pegadiza: ‘Steam’ nos trae parte de lo mejor de GABRIEL en su faceta popera, siendo como es amante del funky y del R’n’B, y gustando como gusta de revestir a su faceta más ligera con ornamentos preciosistas. Es fácil para muchos críticos especializados describir a este tema como ‘Sledgehammer no. 2’, pero en lo personal me parece una canción mejor armada, pues la labor de las guitarras y los arreglos de metales tienen una mayor dosis de expresividad. Siguiendo con el álbum “Us”, GABRIEL ofreció a continuación una de las canciones más sentimentales del mismo – ‘Blood of Eden’, canción auténticamente arquetípica del GABRIEL intimista post-“4”, la cual fue ejecutada con nervio y buen gusto. Menciones especiales van para los llamativos despliegues visuales relativos a estas dos canciones.

El filo rockero regresa con dos canciones del “3”: ‘Games Without Frontiers’ y ‘No Self Control’, ambos beneficiándose de la sonoridad llena aportada por el ensamble instrumental. En su momento, estos temas encarnaron (junto con ‘Intruder’ y ‘Biko’) el surgimiento de la marca musical PETER GABRIEL, y ahora cuentan con armazones particularmente coloridos que les permiten envejecer bien en el nuevo milenio, 28 años después de sus primeros registros. Tal como señalé anteriormente, Melanie Gabriel asumió el rol de cantante solista para ‘Mother of Violence’, canción que supuso un momento de respiro en medio del implacable despliegue de energía que estaba teniendo lugar. Y vaya si no era necesario este momento de respiro, pues cuando el Maestro volvió al escenario, fue el turno de ‘Darkness’. Esta canción volvió a explotar las potencialidades más neuróticas del evento, y justamente su esquema, donde se contrastan abiertamente los pasajes extrovertidos e introvertidos, le permitía transmitir el desasosiego e inquietud inherentes al terror a la oscuridad. El juego de luces arreglado para esta canción estaba milimétricamente ajustado al ambiente de esta canción. ‘The Tower That Ate People’ enfatizó el nivel de energía que el evento había alcanzado en ese momento, claro que esta gema de “Ovo” tiene menos de la grisácea densidad de ‘Darkness’ y tiene raíces más fuertes en el pop-rock étnico que GABRIEL casi ha patentado desde mediados de los 80s. ‘San Jacinto’… bueno, ¡¡‘San Jacinto’ fue el cénit de la noche!! La integración tan fluida entre canción, imagen y atmósfera fue brutal, creando un ensueño viviente sobre el escenario que me hipnotizó hasta el punto de casi hacerme creer que estaba soñando lo que estaba viendo. El ensamble elaboró magistralmente el contenido crescendo que conforma el cuerpo central de la pieza, con un GABRIEL que logró una de sus mejores actuaciones de la velada. La coda redondeó la idea con una magia inapelable: el público reaccionó bien al juego de luces dirigido por el Maestro.

‘Down to Earth’ y ‘Solsbury Hill’, cada uno a su manera, trajo un poco de calidez al asunto: ‘Down to Earth’, canción muy popular por lo de la película “Wall-E”, aportó ese candor pop-fusionesco en compás de 6/4 que lo hace contagioso sin mayores aspavientos; ‘Solsbury Hill’ es ya todo un himno a la vida rural y a empezar de nuevo, una canción que nunca envejece. ‘Secret World’ y ‘Sledgehammer’ se pusieron sobre los hombros el entusiasmo que ‘Solsbury Hill’ había encendido en el público. ‘Secret World’ es una canción típica del GABRIEL que se consagró en la escena pop de la segunda mitad de los 80s y primera de los 90s: esta canción portadora de un romanticismo optimista cala hondo como manifestación especial del sonido GABRIEL. Justamente la marchosa y señera ‘Sledgehammer’ fue la pieza que inició el ascenso por la escalera de la fama, y fue recibido por el público como todo hit lo merece: el tarareo de las armonías iniciales de metales al compás de Levin y Lynch auguraba un nuevo momento de fiesta en el respetable. Pero aún quedaban más momentos de intensidad emocional en reserva: ‘Signal to Noise’ encarna un pico de conmoción espiritual dentro de “Up”, e hizo lo propio en su aparición dentro del repertorio de la noche. A través del sencillo esquema armónico que completa el esquema compositivo de ‘Signal to Noise’, el mayor punche de la pieza está en las densas atmósferas que se van desarrollando en el camino, entre celebratorias y nostálgicas. El espíritu del difunto genial cantante paquistaní Nusrat Fateh Ali Khan fue reavivado a través del recurso del sampleo, mezclado con el canto afanoso de Melanie (aunque ciertamente no fue su mejor momento en la noche, pues ella se vio fácilmente sobrepasada por el canto inmortal de Nusrat). La fuga paulatina de cada miembro del ensamble a medida que se aproximaba la conclusión del tema era un anuncio de que el fin ya se estaba sintiendo en el aire, tras 2 horas de concierto – el primer verdadero conato de despedida llega con ese hermoso himno romántico que es ‘In Your Eyes’, todo un canto de redención y rendición al amor. Esta canción tiene suficiente “personalidad propia” como para hechizar de entrada con esa cadencia rítmica tan típicamente afro-latina y esos acordes básicos de piano. El breve solo de teclado a cargo de Pollock estuvo espectacular, aportando salero a la extensión improvisada. Siguiendo con los climas cálidos de “So”, ‘Red Rain’, otro clásico infaltable de GABRIEL, siguió aportando en esta atmósfera de despedida un motivo para seguir gozando con esos ritmos contagiosos y esas texturas envolventes tan bien dadas a transmitir melancolía en un clima de buena onda. Tras la despedida de rigor (chiste incluido con el septeto haciendo la reverencia de espaldas al público), GABRIEL retornó con Levin (al contrabajo) para tocar la intimista ‘Father, Son’, posiblemente el momento más inmediatamente vulnerable de la noche. Una vez terminada esta mirada hacia el ámbito interior del amor familiar, el grupo completo regresó al escenario para que GABRIEL abordara una mirada final hacia el entorno mundial. ‘Biko’, canción emblemática del mejor rock comprometido, cerró la noche con un esplendor bien llevado: los colores de la gaita eléctrica y el esquema percusivo armaron la excelsa arquitectura global de la pieza, mientras parte del público fervientemente acompañaba al Maestro en su canto. Teniendo en cuenta que el Perú es un país particularmente sensible a la cuestión de los derechos humanos, la inestabilidad institucional, el terrorismo y el abuso de poder, ‘Biko’ es una canción que se presta mucho a ser significativa más allá de su temática específicamente sudafricana.

El repertorio del concierto fue como sigue.-

1) Rhythm of the Heat

2) On the Air

3) Intruder

4) Steam

5) Blood of Eden

6) Games Without Frontiers

7) No Self Control

8) Mother of Violence

9) Darkness

10) The Tower That Ate People

11) San Jacinto

12) Down to Earth

13) Solsbury Hill

14) Secret World

15) Sledgehammer

16) Signal to Noise

17) In Your Eyes

18) Red Rain

19) Father, Son
20) Biko

Bueno, como nota anecdótica, señalo la actuación del grupo telonero THE BLACK SWAN EFFECT, presentado por el mismo GABRIEL antes de su propia actuación. No era un grupo muy llamativo ni tampoco muy original, patentemente enmarcado en la onda “Indie” y sin asumir demasiados riesgos dentro de sus bien definidos parámetros,… mejor lo dejamos ahí.

Siguiendo con PETER GABRIEL, cabe señalar que él hizo algunas variantes en el repertorio durante su periplo sudamericano: por ejemplo, ‘Father, Son’ no fue ejecutado en Caracas; en Argentina, GABRIEL añadió ‘Big Time’; en Chile, GABRIEL disfrutó del apoyo musical de parte del ensamble Inti Illimani para interpretar ‘Wallflower’. Fue un gusto ver a PETER GABRIEL, uno de mis máximos héroes musicales, tan cercano a la sesentena y en tan buena forma, tanto creativa como performativamente. Este repertorio que incluye tantos temas de sus primeros cuatro álbumes (presencia decreciente para sus giras de “Us” y “Up”) tuvo algo de nostalgia, pero mucho más de revitalización. Fue uno de los mejores espectáculos musicales jamás dados en el ambiente limeño.

Me despido con los siguientes tubitos tomados de este evento que acabo de reseñar.-
Steam: http://www.youtube.com/watch?v=VoICWjhW-yA
Solsbury Hill: http://www.youtube.com/watch?v=S1cgijlf7xM
Sledgehammer: http://www.youtube.com/watch?v=bUXkIu5LLMM
In Your Eyes: http://www.youtube.com/watch?v=nTErXgE5rE4
Red Rain: http://www.youtube.com/watch?v=vIafpYi1IBM
Biko: http://www.youtube.com/watch?v=vwZ2dgeLiXY

Never Too Old To Rock 'n' Roll - 40avo Aniversario de Jethro Tull

Practicamente todos los fans del progresivo recordamos lo que dijo Ian Anderson en una famosa rola aparecida en 1976: “You’re never too old to rock ‘n’ roll, if you’re too young to die”. Lo cual desde el punto de vista de los fans pudiéramos parafrasear como “Nunca es tarde para ver en vivo a los grandes del rock progresivo”. Este Agosto 6 por fin pude presenciar un show de Jethro Tull, esta vez en el Filene Center del parque nacional Wolftrap en Vienna, Virginia, que estuvo lleno a reventar (aproximadamente unas 6,000 personas). Coincidió que la ocasión fue muy especial, pues Jethro Tull salió al escenario para celebrar su aniversario (de Rubí, para ser precisos) numero 40, como parte de un tour que los llevara primero por Europa, Turquia, los EEUU, Rusia, y después seguirán en la península Arabiga y el Asia (India, Singapur, Dubai).
En efecto, en Febrero de 2008 se cumplieron 40 años de que el grupo se presento en el Marquee Club en la Wardour Street del Soho, donde fueron apercibidos y luego contratados por los recién estrenados agentes de Procol Harum Terry Ellis y Chris Wright (que por cierto gracias al éxito de Jethro Tull formarían el año siguiente la trascendente Chrysalis Records).

A pesar de los rumores en sentido contrario, desde aquel entonces la banda nunca se desbandó, “ni siquiera por un momento”, a decir de Anderson. De hecho, de las grandes bandas del rock progresivo, Jethro Tull debe ser la mas longeva en actividad sostenida e ininterrumpida, ya que aunque Yes también se formo en el 68’, el grupo del otro Anderson (Jon) ha sufrido varias rupturas y ahora se encuentra en un paréntesis. King Crimson se formo en 1969 pero también ha tenido largos periodos de inactividad. Por otro lado, los Moody Blues (que mas bien son considerados precursores del rock progresivo), empezaron en 1964 pero se separaron por tres años durante los 70s. Hasta Diciembre de 2007, Jethro Tull ha tocado 2,898 conciertos desde 1968, según la cuenta que lleva http://www.ministry-of-information.co.uk/setlist/ (en promedio 74 conciertos por año durante 39 años). A Tull no se le da el crédito suficiente por la gran influencia que ha tenido en la música rock.

Los demás miembros que forman parte de Jethro Tull durante el tour son el guitarrista Martin Barre (39 años en la agrupación), el baterista americano Doane Perry (cumpliendo 24 años con JT), el tecladista/acordeonista John O’Hara y el bajista David Goodier (de reciente ingreso, el séptimo bajista en la historia de su line-up).

La banda toco alrededor de hora y media, iniciando despues de que el grupo folk irlandés The Young Dubliners levantara el animo del publico mayoritariamente cincuentón. Mis expectativas se fundaron en la informacion de su website que indicaba que se visitaria material de sus “tres primeros albumes” de final de los 60’s (ademas de la colita Brick/Aqualung/Locomotive que ha sido material obligado por casi tres décadas).

Ian Anderson, el excéntrico vocalista, flautista y compositor del grupo, acababa de celebrar su cumplemenos numero 61 el Domingo anterior. El show de Jethro Tull fue energico y teatral, sin ser fastidioso. Anderson saltaba en brinquitos controlados de un lado al otro del set, y cuando era pertinente nos ofrecia con delicada gracia su patentada postura de “flamingo con flauta transversa”, para luego darle agresivamente a la armonica o a la guitarra acústica. Talvez el unico sinsabor de su performance fue desde luego su desmejorada voz, que aunque sigue siendo potente ya no demuestra la capacidad de infleccion de antaño, lo cual resta brillantez a su cantar.

Abrieron el show con "My Sunday Feeling" de su primer album, para luego continuar con la “Serenade To A Cuckoo”. Despues de "Nursie" y "A Song for Jeffrey," les acompaño el Cuarteto de Cuerdas Calliandra, cuatro miembros del conservatorio de New England, para tocar "Reasons for Waiting", “Too Old To Rock'N'Roll...”(Anderson, que es un excelente cuenta-historias, se refirió a los 65 años cumplidos de Mick Jagger antes de iniciar esta rola), “Farm On The Freeway” (pilar del album “Crest of a Knave” de 1987 cuando sorprendentemente obtuvieron el Grammy por la mejor performance de Hard Rock/Metal), y “Bourée”.

En partes se podía oir la flauta aunque Anderson estaba haciendo otra cosa. Seria que el tecladista cubria la fluta usando el sintetizador o seria que usaron alguna grabación? En al menos una ocasión David Goodier cubrio las partes de flauta usando un glockenspiel. En “Reasons for Waiting”, varias melodias que en el album original son tocadas en flauta, en su lugar fueron interpretadas por el Cuarteto de Cuerdas Calliandra.

Siguieron con “A New Day Yesterday”, “For A Thousand Mothers”, y la clasica “Dharma For One” con un extendido solo de Doanne Perry. Al terminar Ian Anderson hizo referencia a la molestia que le causaban esas audiencias exaltadas y pasadas de copas (como esa “horrific and annoying audience of Belo Horizonte last year”), o los mosh-pits fuera de lugar.

Para la segunda parte nos refrescaron con “Heavy Horses”, una pieza de finales de los setentas, que fue seguida de una versión abreviada de "Thick as a Brick," esa maravillosa obra maestra que le dio a Jethro Tull su primer hitazo a nivel mundial. Inmediatamente después interpretaron mi pieza favorita "Aqualung," donde brilla con especial acento la guitarra del introvertido Martin Barre.

Para el encore, terminaron con "Locomotive Breath," con una brillante interpretación del tecladista O’Hara que recibio una gran ovacion de parte de la concurrencia.

A pesar de la poco optima calidad del sonido (el Filene Center es un recinto abierto), disfrute enormemente el ver por primera vez a este grupo seminal, pionero y baluarte del progresivo, afanoso destructor de reglas, librepensador y explorador de nuevas armonias y liricas, y por supuesto otro magnifico ejemplo de que en ocasiones se paga con creces el ir en contra de las tendencias del mercado.

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Musica Celestial - Oldfield y su Musica de Esferas

Mike Oldfield ha hecho publico el 25 de marzo su nuevo album de estudio titulado
"Musica de las Esferas". Este es el vigesimo tercer album de estudio de Mike Oldfield. El disco se grabo enteramente en el famoso estudio de Abbey Road, con un elenco integrado por una orquesta de 80 musicos, un coro, la soprano Hayley Westenra y el pianista Lang Lang. Oldfield mismo escribio el score musical en su Mac. El arreglo sinfonico fue creado por Karl Jenkins en base a los samplers que creara Oldfield en su computadora.

Aunque Oldfield ha transitado un largo camino desde 1972 cuando compuso Tubular Bells, su reciente trabajo no se aleja de los temas esenciales de su primera obra maestra. Musica de las Esferas toma prestadas varias ideas de Tubular Bells, pero se basa en una intrincada labor orquestal para enfatizar la belleza de las composiciones. Evidentemente se trata de musica clasica aumentada con instrumentacion electronica, con solos de guitarra acustica, un buen trabajo de vientos y el piano energetico de Lang Lang, que complementan y enriquecen los exuberantes paisajes sonoros de la orquesta sinfonica para crear armonias y melodias de altura. Como la primera palabra del titulo, el album cumple con lo que promete, esto es pura musica, soñadora, juguetona, extasiante, de manera muy similar a una banda sonora de cine bastante agradable.

Uno de los puntos flacos del trabajo es que con excepcion de la pieza "Empyrean", el resto del trabajo carece de puntos algidos o tensionantes capaces de atrapar y mantener el interes. Otra debilidad es que el score de Oldfield no aprovecha a la soprano mas que en una sola pieza, ni tampoco le da juego al pianista: son contados los momentos donde se destaque el piano del virtuoso Lang Lang. Esta es mi primera impresion, habra que oirlo mas para que decante y pueda asentarse en todo su sabor, emocion y gloria.

Como muestra les dejo con la hermosa melodia de la pieza "Shabda".

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Regresa Frost este año?

Parece que Jem Godfrey, lider del grupo Frost esta carburando motores. Godfrey escribio en su blog que la banda estaria grabando en Enero con planes de sacar a la luz su segundo album este verano u otoño.

Anteriormente en esta entrevista, el ganador del premio Ivor Novello habia dicho que el album seria publicado en Septiembre del 2007. El ultimo performance de Frost fue en Londres a finales del 2006, soportando a The Flower Kings.

En este video recordamos Hyperventilate, primera e impactante pieza sinfonica de su album Milliontown.



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La apuesta de Radiohead ¿Cuanto pagaste?

Esta semana puede ser trascendental para la industria de la musica, aunque casi nadie se preocupe por Radiohead o su nuevo album, “In Rainbows,” que puedes descargar o pre-ordenar del website del album. No se puede conseguir en ningun otro lugar, pero a cambio se tiene la libertad de decidir cuanto se desea pagar, incluso nada.

¿Cuanto sera en promedio lo que realmente pague la gente? A decir de esta encuesta hay distintas actitudes, incluyendo las de los apasionados fans de Radiohead que estaran (espera la banda) dispuestos a pedir un “discbox,” que cuesta ochenta dolares y que sera enviado a principios de diciembre.

El blog Gothamist consiguio una entrevista con Jonny Greenwood hace un par de dias, logrando que hablara de In Rainbows. Jonny explica asi su motivacion para hacer la distribucion en linea:

“Just [wanted to get] it out quickly. It was kind of an experiment as well; we were just doing it for ourselves and that was all. People are making a big thing about it being against the industry or trying to change things for people but it’s really not what motivated us to do it. It’s more about feeling like it was right for us and feeling bored of what we were doing before ... It’s just interesting to make people pause for even a few seconds and think about what music is worth now. I thought it was an interesting thing to ask people to do and compare it to whatever else in their lives they value or don’t value.”

En termino de mercadotecnia, la banda esta intentando poner en practica una teoria casi absoluta de la discriminacion de precios (el cliente paga lo que “vale” para el este producto), que permite (otra vez en teoria) captar la mayor audiencia (y bolsa) posible del mercado, con el adicional aliciente que tampoco ha predefinido las “zonas” de precio (con excepcion del costo de transaccion, que es de alrededor de un dolar), lo cual amplia el potencial para incrementar geometricamente los efectos de redes sociales activas (que aumentan el “hype” o “buzz” sobre el album).

Para muchos, yo incluido, la banda solo esta capitalizando con la version para descarga (que es de 160kbps) una campaña promocional practicamente gratuita para el CD que saldra en el 2008. Por un lado, la principal razon de que la gente este enojada (el asunto de los 160kbps), no me parece ser de mayor importancia, siendo que la mayoria de la gente descargando Rainbows lo estaran oyendo en su computadora o en su iPod personal. Pero como todo verdadero fan sabe, hay una ligera pero notable diferencia entre 160 y 320 kbps. Radiohead debe dar una explicacion de porque esta ofreciendo el album a 160kbps, mas aun cuando practicamente su catalogo completo esta disponible en 320.

Otras teorias que Radiohead estaria ahora probando: ¿Puede una banda grande existir independientemente de la infraestructura corporativa de la música? La banda construyo sus doce años de carrera apoyandose en la ayuda de EMI, su Casa Distribuidora. Como Radiohead no le debe mas albumes a EMI ya puede determinar su propio destino, pero ¿podra Radiohead manejar el necesario esfuerzo de grass-roots sin requerir los recursos y la sofisticacion de los dragones corporativos? ¿Podra con el paquete, siendo que una mayoria de los teatros y arenas donde toca Radiohead todavia son controlados por las grandes corporaciones?


Aunque algunos musicos ya empezaron a vislumbrar un futuro distinto de planes de pago, los expertos no creen que el modelo de Radiohead pueda funcionar para todos. Suponen que solo grupos con bases importantes de fans pueden prosperar con este modelo.

De hecho, la movida de Radiohead no es solo un experimento para entender el comportamiento del consumidor sino tambien es esencialmente una nueva forma de distribuir discos legalmente. Cada donacion es una especie de demostracion de lealtad o de apreciacion a la independencia de las bandas (aunque algun paisano pagara solo $5, en parte porque cree que Radiohead ya hizo demasiado dinero), o incluso simplemente por el gusto de comprar nueva musica (algunos pagaran $2 en lugar de bajarla gratuitamente). Por otro lado, no es acaso paradojico que la banda confie a sus fans la decision de pagar lo que sea justo, cuando una mayoria de ellos seguramente cree que bajar musica gratuitamente no es robar. Talvez por lo mismo ocurra un "reacomodo” con respecto a ese razonamiento.

El consenso parece ser que la movida de esta banda ha sido un momento pivotal para la industria.

Finalmente, tuve oportunidad de escucharlo en audifonos y a pesar de la baja resolucion pude notar la complejidad del sonido, capas detras de capas, respirando una tras otra. Oyendo “Videotape” me conecte con algunos temas del album “OK Computer” de 1997, el album que talvez mejor refleje un estado de sicodelia depresivamente nostalgica o, para ponerlo en terminos de exito y prestigio, talvez el album #1 de Radiohead.



Despues de un dia completo de escucha, siento, como sucede con la musica que logra hacer un registro en nuestros cerebros, que este es el album que Radiohead debio hacer despues de “OK Computer” (o al menos las rolas que van de "Nude" hasta "Reckoner"). Es un album excitante, encantador, intricado en partes, hasta se podria decir con alma, los arreglos de Jonny añaden profundidad y calidez a cada cancion, la musica fluye organicamente, un clasico instantaneo. Se muy bien lo significativo que fue "OK Computer" y que tiene ya ganado su lugar en la historia; sin embargo, es posible que este sea el mejor album (en terminos de la calidad de la musica) que he oido de Radiohead.


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PRR - Victorius Cupid

Durante el NearFest 2007, Pure Reason Revolution demostro que tiene mucho mas talento que muchas de las bandas modernas de hoy. El hecho de que canten melodica y armoniozamente es un paso musical que va mas alla de lo que se oyen en estos dias.

Creo que PRR dio un Show sobresaliente e increiblemente entretenido, a pesar de los "detallitos" de la nueva conformacion (el quinto integrante, quien tocaba los teclados, el violin y la tercera guitarra dejo el grupo, asi que los 4 restantes tuvieron que recrear su parte del material durante el concierto).

A pesar de haber perdido el contrato con Sony por bajas ventas (quien nunca les hizo promocion), sigo pensando que esta banda tiene mucho potencial.

Mientras trabajan en su nuevo album del 2008, nos han dejado una cancioncita gratuita, para descarga desde su website, que prueba que Pure Reason Revolution seguira insistiendo con sus vocalizaciones a la Beach Boys y su sonido netamente progresivo.

La cancion se llama "Victorious Cupid" y la pueden ver y oir en este tubito:


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Distopia Pinkfloydiana

“Children of Men” (“Hijos/Niños del Hombre”), la pelicula distopico-futurista del director mexicano Alfonso Cuaron recien estrenada en los EEUU y Latinoamerica (tres meses despues que en Inglaterra por cierto) me ha dejado reflexionando ya por varios dias, por lo que la he puesto en mi pedestal de ciencia ficcion, junto a “Blade Runner” y “2001: Odisea del Espacio”.



Hay mucho que decir y discutir sobre el filme, por lo que aqui solo trazo unos pocos puntos, sin serme preciso discutir si la pelicula es altamente inverosimil o no, finalmente solo es la particular interpretacion de un director de cine de la novela cristiana de P.D. James enmarcada por una tesis de filosofia posmoderna (Slavoj Zizek, el filosofo Marxista Lacaniano, ha sido su asesor).

Para empezar, dire que me resulta fascinante esa falsa nostalgia politica tan del ’68, no solo por Jasper, el personaje Lennonesco magistralmente interpretado por Michael Caine, o por repetir “Ruby Tuesday” (interpretada por Franco Battiato) o por poner la fabulosa “Hush” de Deep Purple, sino mas bien por el simbolismo contenido en esa secuencia despues de que se oye la majestuosa "Court of the Crimson King", donde desde el ventanal de un penthouse decorado con el David de Miguel Angel y el Guernica de Picasso se ve la gran Estacion Electrica de Battersea con el “cerdito” rosa flotando entre dos chimeneas humeantes, un snapshot de la porcion izquierda de la portada del “Animals” de Pink Floyd. Este album de 1977 esta basado en el libro “Animal Farm” de George Orwell, que inspiro a Waters a usar animales para clasificar las clases sociales.

Tanto literalmente como metaforicamente, el filme esta salpicado en diversas partes por estas referencias simbolicas Orwellianas. Theo, el protagonista principal, mantiene relacion con “Pigs” (su aristocratico primo), “Dogs” (la policia y varias fuerzas en oposicion), y “Sheep” (el pueblo y la clase media levantada). No sorprende pues que haya un policia fascista que se llama Syd, amigo de Jasper (Syd Barret fue fragil y reclusivo).

La accion esta situada en el Londres del 2027, cuando la humanidad ya ha perdido la capacidad de procrear. Con una trama interesante, plantea que en un momento dado, todas las esperanzas de la humanidad residen en una mujer de la clase marginada llamada Kee, la cual esta embarazada. Se nos indica que “only Britain soldiers on” (el unico lugar del mundo donde impera cierto orden) pero que la isla es una zona de guerra permanente (EEUU se ha implosionado, y el “Sitio de Seattle, USA” ya ha entrado en el 1,000avo dia). Tanto el aire como el agua estan ya muy contaminados. Diversos cultos y sectas han aparecido, tales como los Renunciantes (que se auto-flagelan), y los Arrepentidos (grupos que se arrepienten en publico). El gobierno (para gran beneficio de las omnipresentes farmaceuticas) promueve un “kit suicida” llamado latinizantemente Quietus, para consumo de los viejos y el populacho ya desperanzado. Una muestra del uso intensivo de propaganda y mercadotecnia efectivista de parte del sistema totalitario tal como se aprecia en el filme puede ser vista en este link, cortesia del estudio de diseño londinense Foreign Office.

El escenario resultante del impacto global de la infertilidad humana es planteado bajo una doble tesis. La primera es que con el estancamiento de la natalidad humana, el sistema capitalista cae estrepitosamente (no es posible crear mas demanda en terminos absolutos, y por lo tanto todo crecimiento economico es solo relativo), y que con excepcion de la isla britanica, el resto del mundo esta practicamente destruido o sobrevive en total anarquia.

Sobra decir que la pelicula no explica porque unicamente Inglaterra ha sido capaz de mantener el “orden”, por lo que uno puede empezar a hacer ciertas suposiciones, por ejemplo suponer que Inglaterra se salva en el corto plazo por ser una isla relativamente pequeña, un sistema cerrado capaz de mantener empleada a los ciudadanos britanicos, y con los recursos (por ejemplo, controlando los fondos financieros acumulados por la City a cambio de mantener segura y contenta a la plutocracia) para imponer un orden economico ciertamente minimalista pero comparativamente viable en el corto plazo.

Esto deriva en un segundo planteamiento, que sostiene que las condiciones minimas (Novus Ordem Seclorum?) solo puede garantizarlas un estado represivo y discriminatorio, capaz de regular el flujo de inmigrantes y refugiados que escapan del continente europeo hacia la isla. Los inmigrantes ilegales con pie en la isla son considerados enemigos de primer orden y son inmediatamente dispuestos en campos de concentracion. El maltrato a los inmigrantes indocumentados se muestra como el contexto de fondo de manera permanente a lo largo de la pelicula. Los “fugees” (o “fugitivos”) como se les llama en la pelicula son arreados, golpeados, enjaulados en practicamente cada rincon de la ciudad frente a la mirada indiferente de los ciudadanos britanicos.

En el libro original de P.D. James, la figura del Dictador de Inglaterra (the Warden of England, que no es mencionado en el filme) justificaba su autoridad con referencia a un futuro, un futuro cercano e irreversible que ya esta llegando, prometiendo seguridad y el status quo, y demostrandole al pueblo sus esfuerzos para garantizarlos. De hecho, es por la imposibilidad de un futuro a largo plazo que el gobierno puede justificar sus politicas racistas y brutales, ya que como no hay futuro nadie podra juzgarlo ni hacerlo rendir cuentas, y por ende, el pueblo ingles acepta sin chistar sus politicas. El gobierno cree estarle haciendo un beneficio a la poblacion al generar empleos burocraticos, apoyar a las pocas corporaciones en operacion, y preservar el orden y los ultimos vestigios de la civilizacion.

“Los Hijos/Niños del Hombre” es indudablemente un fuerte filme politico con claras alusiones al contexto de la actual “guerra contra el terror”, donde la dinamica social es planteada como un juego dialectico que solo crea division y mas caos. Un grupo de ciudadanos denominado los Fishes mantiene una lucha de resistencia contra las autoridades, buscando derrotar al ejercito y terminar la opresion contra los inmigrantes. Sin embargo, vemos a estos insurgentes de “izquierda” (por llamarlos de alguna manera) asesinando brutalmente gente del pueblo y matandose entre si en persecucion de dudosos intereses e ideales conflictuados. Desde un principio, los “Fishes” han escondido y protegido a la mujer embarazada con la intencion de llevarla sana y salva hasta el “Human Project”, un grupo cientifico altruista que pretende encontrar una cura al problema de la infertilidad humana. Sin embargo, el grupo se torna indeciso sobre las ventajas de entregar a Kee, y se discute el no hacerlo, lo cual genera profundas diferencias entre los Fishes, ocasionando que parte del grupo mate a su propia lider e intente secuestrar a Kee para su propio beneficio.

En este sentido, el filme trata de no caer en lo dogmatico, y a diferencia del libro de P.D. James, los elementos proclivemente religiosos han sido eliminados (aunque el filme siga siendo una version ampliada de la natividad cristiana). Aun asi, dada la carencia de explicacion explicita en el filme, me parece que no puede hacerse una interpretacion objetiva de esta pelicula, sino que entonces cada quien vera lo implicado por las imagenes -desde y a traves de- un filtro diferente, y como resultado, cualquier juicio sobre el filme debe situarse en un terreno neutral.

Por lo mismo, el foco se pone en unos pocos protagonistas neutrales (representando a la humanidad, a ti, a nosotros) luchando por la supervivencia en un mundo plenamente descarriado (i.e. las ideologias tradicionales ya no ofrecen seguridad en un mundo asi), haciendo hincapie en que la VERDAD (i.e. esperanza, salvacion), no esta en la izquierda o la derecha sino que esta amenazada por estas ciegas fuerzas del poder en enfrentamiento (la verdad -segun el filme- yace en un punto medio, representada por una inocente bebita bautizada con el nombre de Dylan!)

El personaje de Clive Owens, Theo, una especie de Jose del siglo XXI, puede conceptualizarse como el eje moral de la pelicula. El representa a los dos lados de la misma moneda, habiendo sido activista previamente, y ahora burocrata del Ministerio de Energia. Al parecer, Theo no tiene agenda preconcebida alguna, solo decide hacer lo moralmente correcto (con un empujoncito de su ex-esposa), que es proteger a la madre (i.e. el equivalente de Maria) y salvar a la bebita para llevarla a manos de investigadores que pueden resolver el problema de la infertilidad humana.

No se me escapa la sutil critica a las generaciones sesenteras, las mismas que participaron en el movimiento hippie pro-comunitario y ecologista, o que al menos disfrutaron del auge del rock progresivo (la generacion es llamada los “baby boomers” aqui en los EEUU), y que aqui se convierten ipso facto en principal responsable de la hecatombe ecologica (y genetica) retratada. Por implicacion, la pelicula talvez nos recrimina por ser una generacion que mantuvo una variedad de perspectivas sociales contradictorias e inconsistentes: relativismo moral a raudales(no es curioso pues que la mariguana siga prohibida mientras la droga suicida Quietus se venda sin prescripcion), pacifismo en rebanadas, superficialidad verde-ecologista, y que sigue queriendo ser pretendidamente radical pero que mas bien se queda en el paroxismo eclectico, en otras palabras indecisa, comprable, aburguesada y decididamente utopica.

Ahi esta el primo de Theo, un adinerado alto oficial del gobierno y coleccionista de arte. Este personaje usa su fortuna para crear una burbuja esteril que lo aisle del caos, un paraiso artificial que le “evite” pensar en la realidad del mundo. De la misma manera, a pesar de su amabilidad, inventiva y humor, rasgos todos ellos positivos, el personaje de Michael Caine –Jasper- tambien es un espejo del coleccionista, un excentrico aislado que usa su jardin de ganja para olvidar su destino en total seclusion del caos, que concientemente ignora la realidad. Ambos estan solos, Jasper junto a su comatosa esposa y el otro con un hijo en estado cuasi-vegetativo. Aunque finalmente Cuaron se compadece de si mismo (tiene 45 años) y de manera redentoria propone que representantes de todas las clases (el primo aristocrata, el policia fascista, la gitana romana, Jasper) sean finalmente quienes colaboran entre si para llevar a Kee a las manos del altruistico Human Project.

En resumen, Cuaron nos brinda en este excelente filme la ilusion de que incluso el mundo desarrollado puede converger en un futuro decadente y talvez irreversible, y simultaneamente nos recuerda a todos cual debe ser la prioridad de la humanidad.



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