"In Case Of Loss...": el rédito progresivo de AREKNAMÉS para 2010

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Nos llegan más buenas nuevas para la escena progresiva italiana: AREKNAMÉS está de vuelta cuatro años después de su épico segundo disco de estudio “Love Hate Round Trip” y nos trae esta nueva joya retro-progresiva titulada “In Case Of Loss…”. El cuarteto dirigido por el teclista-cantante Michele Epifani mantiene una esencia estilística consistente en lógica conexión con la propuesta que la banda ha venido cultivando desde su álbum debut pero es claro advertir que en comparación con la densidad sombría y épica del “Love Hate Round Trip”, los matices preferentemente reasaltados en “In Case Of Loss..” resultan más luminosos en las de por sí emocionalmente oscuras composiciones. VDGG y PETER HAMMILL siguen siendo los principales referentes de influencia dentro del esquema compositivo que Epifani plantea en la dirección musical de la banda. Para este nuevo material, los guitarreos reducen su nivel de intensidad en la mayor parte del tiempo, y más bien se permiten dar más espacio a la elaboración de texturas: menos IOMMI y más HACKETT, por así decirlo. Y bueno, ya que estamos notando estos detalles, también se advierte que los teclados y el canto de Epifani agilizan sus aportes dentro del entramado sonoro.

‘Beached’ abre los primeros casi 7 minutos del disco con un muestrario de ágil space-rock portador de un swing llamativo, tal vez incorporando elementos del PORCUPINE TREE pre-“In Absentia” (y algo del RADIOHEAD maduro de nuestros días). El ambiente general de la pieza es agradable y contagioso, con una luminosidad que va a contrapelo de la abrumadora desesperación nihilista que había inundado el repertorio del “Love Hate Round Trip”. ‘Alone’ y ‘Dateless Diary’ sí guardan una relación más directa con el espíritu explosivamente sombrío del mencionado segundo disco. El primero, tras comenzar con lo que parece uan secuencia de cajita musical, establece un dinamismo muy nítidamente vandergraffiano con un inteligente manejo de razonablemente complejas secuencias rítmicas matizadas con cadencias jazz-rock (al estilo de “Godbulff”), mientras que los arreglos de saxos añaden una prestancia colorida al asunto. Por su parte, ‘Dateless Diary’ genera un despliegue de matices progresivos más envolventes, logrando así balancear las vibraciones cáusticas inherentes a la pieza anterior con estas dos canciones que acabo de mencionar siento que el fade-out llega demasiado pronto. ‘Don’t Move’ encarna el que se puede calificar como el momento más cálido del disco: se trata de una balada progresiva que tiene más que ver con la explícita faceta romántica de HAMMILL que con las semblanzas atormentadas que el estándar VAN DER GRAAF suele mostrar en bloque. A pesar de la existencia de ciertos pasajes intensos a lo largo de su tema central, prevalece una aureola etérea a lo largo de la pieza que resulta cautivadora (atención a esos cristalinos fraseos emitidos por el piano eléctrico), además de una expresión distinta del aspecto introspectivo que también sale a relucir del ideario musical de Epifani. ‘A New Song’ parece recibir una herencia directa de la aureola contemplativa de ‘Don’t Move’ en lo referente a su lenta sección inicial, pero cuando llegamos a la segunda sección, la furia emerge sin empachos ni complejos, muy a lo retro (imaginemos un híbrido de VDGG y GNIDROLOG contaminado de aires a lo DEEP PURPLE y ornamentos a lo GREENSLADE). El clímax resultante es contundente, inapelable, electrizante. ‘Where’ baja un poco (solo un poco) los decibeles a fin de instalar un punto medio entre los temas 1 y 3. La suite ‘The Last Number’, que cierra el disco, es una composición que se somete a los estándares de ambición musical y actitud dramáticamente épica que uno siempre espera de este tipo de expresiones progresivas. El tenor general de esta composición es introspectivo y melancólico, lo cual se nota ya desde los primeros instantes, plasmados en sonoridades sobrias y expectantes: la ambición musical y el dramatismo están allí, pero aquella está marcada por una sobriedad cuidada y ésta se expresa bajo un ropaje de tranquilidad emocional. La presencia de un solo de saxo a la hora de aumentar cuidadosamente la vibración ambiental ayuda a incrementar la aureola de melancolía en varios momentos. Aquí encontramos una bien hilada alternancia de motivos jazzeros y psicodélicos, moderadamente pesados y líricamente sinfónicos. Respecto a lo último, cabe destacar algunos arreglos de violoncello que entran a tallar para crear una ambientación cálida y poética. El clímax conclusivo está muy bien armado, bien a tono con el legado del VDGG 70-71. La coda que cierra la pieza definitivamente tras unos segundos de silencio está ejecutada al clavicordio con una mezcla de barroco y vanguardismo disonante: reconocemos este recurso a lo BALLETTO DI BRONZO, ¿no?

Balance final – tenemos aquí una obra importante para el legado progresivo que se está generando en lo que va de 2010. AREKNAMÉS tiene parte de la responsabilidad de esta buena onda que siento respecto a los lanzamientos progresivos italianos que más han llamado mi atención en esta primera mitad de año.

DAAL - un origami disorgánico hecho rock progresivo

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Saco a colación en este post a otro grupo que he conocido un poco tardíamente: me refiero a DAAL, proyecto italiano conformado por los dos veteranos Alfio Costa (teclista de COLOSSUS PROJECT, PROWLERS, TILION, etc.) y Davide Guidoni (baterista-percusionista de NUOVA ERA, TAPROBAN, OZONE PLAYERS, etc.). Su disco 2009 se titula “Disorganicorigami”, el mismo que resulta una mezcla de tributo a y reformulación de varias pautas clásicas del género progresivo, producto de una línea de trabajo sanamente ecléctica donde la variedad de ideas musicales en curso logra mantenerse bien focalizado en un esquema integral. Antes de este disco, esta dupla ya había concretizado su participación en una grabación multi-grupal de tributos al rock progresivo sueco titulado “Rökstenen”; además, está actualmente preparando sus aportes respectivos para un tributo progresivo al “Paraíso” de Dante y otro a los relatos de Edgar Allan Poe, ambos a ser publicados por Musea Records en el futuro próximo. Varios invitados van y vienen para aportar matices y solos desde la guitarra, los vientos, las cuerdas, el bajo y las voces, logrando así completar dinámicamente las ideas compositivas de Costa y Guidoni.

La diversidad de estrategias estilísticas que confluyen dentro del bien perfilado concepto sonoro de “Disorganicorigami” abarca al space-rock, al sinfonismo, a cosas cercanas al prog metal, a pasajes de corte free-jazz, incluso a una especie “modernizada” de rock in opposition junto a amables recuentos del estándar del así llamado World music. También hallamos en este disco sendos tributos a PINK FLOYD y al RAGNAROK sueco (en realidad, este último es un bonus que consiste en el cover de un tema del segundo disco e RAGNAROK para el mencionado recopilatorio “Rökstenen”). Con ruidos de sirena de alarma antibélica y secuencias sintetizadas espaciales se arma el clima de la pieza introductoria ‘Holocaustica’, un alucinado viaje musical por el camino del space-rock cuasi-metálico. Es una secuencia de latidos la que nos conecta con el siguiente tema ‘Chimaira’, el cual hereda mucho de los climas cósmicos y heavy del tema de entrada pero para reciclarlos a través de una confluencia entre el dinamismo del rock psicodélico y la fastuosidad imponente del rock sinfónico más ostentoso, con inocultables (aunque no exagerados) matices de prog-metal que entran a tallar con el fin de realzar el colorido general. Los riffs de guitarra son bastante contundentes desde su rol funcional, pero es en el perfecto encuadre entre el swing de Guidoni y los variados recursos que Costa extrae de sus sintetizadores y pianos donde radica la esencia de la pieza. ¿A qué sonaría OZRIC TENTACLES tocando un tema compuesto para el primer álbum de GORDIAN KNOT y contando con Gavin Harrison como baterista invitado? La respuesta se sabrá escuchando este tema… y de paso, dejándose cautivar por él. ‘Mo(o)nso(o)n’ sigue a continuación para trasladar el hasta ahora imperante ambiente space-rock hacia una dinámica ágil que combina la experimentación étnica del World music y apabullantes sonoridades astrales cibernéticas que nos remiten tanto a TANGERINE DREAM como al OZRIC TENTACLES de los primeros 90s. El solo de violín a cargo del invitado Riccardo Palfanin alterna pasajes de evidente corte académico con otros más etéreos que se condicen con las alusiones étnicas anteriormente mencionadas. Después de una sirena antibélica y un cardiograma, que no nos sorprenda que un tono de teléfono sea el ítem que introduce el cuarto tema, ‘Brain Melody’. Aquí la cosa pasa a un sendero menos astral y más cerebral, afín al estándar del chamber-rock galo (sí, algo así como UNIVERS ZERO). Los aires de misterio y tenebrismo se plasman perfectamente en las espartanas escalas de piano y capas de mellotron que emergen sobre la arquitectónica base rítmica armada por Guidoni. El siguiente tema, ‘The Dance Of The Drastic Navels, Part 1’, dura casi catorce minutos y medio. Durante sus primeros 3 minutos, el asunto está focalizado en ambientes concretos electrónicos que tienen mucho en común con el krautrock de base sintetizada (TANGERINE DREAM, CLUSTER), pero poco después la cosa vira inesperadamente hacia una excursión de free-jazz bastante solvente. Dentro del contexto musical que se había estado explayando en los primeros cuatro temas del disco, esto no parecía tener sentido, pero una vez que nos detenemos a escuchar lo que está pasando, podemos advertir la solidez técnica con la cual se desempeña el dúo. El invitado Alessandro Papotto, quien había aportado algunos matices de oboe a través de la secuencia espacial inicial, opera en la porción free-jazz con musculares elaboraciones al saxo. Al llegar al sexto minuto y medio, volvemos por un rato al minimalismo concreto para luego tornar hacia un modelo sinfónico inquietante que suena a un ELP “crimsonizado”. Parece mentira que se pueda crear tanta robustez rockera sin que esté involucrada ninguna guitarra… pero es realidad. Poco antes de llegar al minuto 10 se produce un nuevo y definitivo regreso a los climas cósmicos, un poco a lo JOBSON-con-VANGELIS.

Los siguientes 3 minutos del disco están ocupados por la pieza homónima. Ruidos mecanizados y respiraciones generan un espíritu de expectativa en medio de un contexto industrial, y esto es solo el principio de la extravagancia. El tenso solo de saxo a manos de Papotto y los samplers de bandas militares completan este cuadro musical abstracto que parece evocar imágenes surrealistas inspiradas en la deshumanización del mundo contemporáneo. El tributo a la emblemática banda PINK FLOYD llega con un cover de ‘A Saucerful Of Secrets’, un producto osado y original que logra crear algo renovado a partir de esta referencia universal para cualquier melómano progresivo. DAAL se vale de su propio interés por explorar artilugios digitales dentro de lo progresivo para impulsar su propia creatividad en relación con esta pieza ajena. La sección final recibe una dosis especial de candor merced a la intervención de una dupla vocal femenina. ‘Children Of Our Dreams’ es el epílogo del repertorio oficial del disco – basado en un bonito motivo de piano, incluye sobrios arreglos de cuerda y madera además de algunos ornamentos industriales en el trasfondo. La idea de esta pieza es extender un manto de bella serenidad sobre las inacabables alusiones a una inquietud inminente, y realmente es una idea excelente para completar el concepto de “Disorganicorigami”. No perdamos de vista a DAAL: quién sabe qué nuevas sorpresas progresivas nos brindará en el futuro.

El fuego inacabable de LA MASCHERA DI CERA - "Petali Di Fuoco"

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Desde el área italiana nos llega el nuevo trabajo de LA MASCHERA DI CERA, “Petali Di Fuoco”. El título de este trabajo musical muy bien hecho, signado por la riqueza melódica y vibrante energía que siempre han caracterizado a sus discos hasta el día de hoy puede muy bien signar la capacidad que tiene este grupo para seguir manteniendo viva la llama progresiva dentro del jardín musical internacional desde una estrategia retro-sinfónica, la misma que, de alguna manera mágica, se mantiene fresca y vigorosa. Para este nuevo disco, el grupo pasa a convertirse en sexteto merced a la inclusión de un músico permanente en el rol de guitarrista – Matteo Nahum. Ya desde el tiempo de su fabuloso segundo disco “Il Grande Labirinto” la guitarra tenía una presencia dentro de ciertos desarrollos instrumentales, pero esta situación ahora se sostiene en el hecho de que no tiene un rol extra sino que es estable. En todo caso, el teclista Agostino Macor sigue gozando de un incuestionable rol protagónico cuando el ensamble instrumental despliega la mayoría de sus viajes sónicos.

‘Fino All'Aurora’ abre el disco estableciendo de lleno una resurrección de los esquemas progresivos de BIGLIETTO y ALPHATAURUS, un área de trabajo conocida por los coleccionistas progresivos y que LMDC maneja a su antojo. La riqueza melódica de la pieza es prístina y efectiva, con un manejo de no demasiado enredado de las variantes de ritmos y motivos…. Y por supuesto, ese sintetizador analógico que entra a tallar en varios momentos provoca un goce irresistible. ‘D-sigma’ es un tema más breve, menos fastuoso, casi como un single “sin querer queriendo”, pero igualmente centrado en atmósferas sinfónicas que, hoy por hoy, nos suenan emparentadas con lo que hacen otras bandas italianas como UBI MAIOR y NOTABENE: aquí empieza a notarse más claramente el rol gravitante que tiene la guitarra permanente dentro del esquema sonoro aumentado que nos ofrece ahora LMDC. Tengamos en consideración que en “Luxade” ya había demostrado el grupo un gusto por endurecer ocasionalmente su sonido con notables dosis de músculo y fibra. Maurizio DiTollo deja su arsenal de batería y percusiones para desarrollar una hermosa pieza contemplativa a la guitarra clásica (algo que ya hizo en ROHMER), resultando así ‘4.18’. Básicamente, esta pieza sirve como preludio a ‘Discesa’, un tema en el que LMDC explora su vena jazzera dentro de un esquema sinfónico, algo que nos puede muy bien recordar al FINISTERRE de “In Ogni Luoco”, así como a CHIAVE DI VOLTA, y por qué no, finalmente a MUSEO ROSENBACH (el lado 2 de “Zarathustra”). ‘Tra Due Petali Di Fuoco’ tiene una primera mitad sumamente intimista, con el romántico canto de Corvaglia volcado desde el mismo inicio sobre escalas de guitarra acústica y clavicordio; una vez que se unen el piano y la flauta, la atmósfera evocativa adquiere matices etéreos de modo que logran crear trazos de emoción contenida que envuelven el ambiente. La segunda mitad empieza trasladando lo romántico hacia un terreno un poco más fastuoso cuando el encuadre marcado por las texturas hackettianas de la guitarra y la batería se llena con capas de mellotron. Es una pena que este pasaje no dure mucho, pero la coda jazzero-pastoral también es bienvenida. Esta canción bien puede ser la composición más bella de LMDC (hasta ahora). Cuando la espartana línea de bajo que inicia la siguiente canción despliega una solemnidad tan grisácea, tenemos motivos fundados para sospechar que ‘L’Inganno’ nos tiene preparada una cosa muy distinta. Sin tratarse de una pieza excesivamente agresiva, sí porta una densidad fácil de notar, aunque no exenta de aura melancólica.

Lo melancólico se manifiesta expresamente en ‘Agli Uomini Che Sanno Già Volare’, otra pieza vívidamente diseñada desde el lado introspectivo de la banda. Me parece oportuno que una pieza tan explícitamente conmovedora anteceda a ‘Il Declino’, tema que comienza con la polenta rockera bastante recargada, casi como el mejor OSSANA. Pero hay sorpresas progresivas a lo largo del camino, por supuesto, con un ceremonioso motivo lento que emerge poco después de pasar la frontera de los 3 minutos. El asunto permanece estable en esta área a fin de crear un nexo con la pieza siamesa ‘Phoenix’, la cual se impulsa desde la reinante atmósfera ceremoniosa y elabora una arquitectura tan densa como dinámica – las capas de mellotron y controlados solos al sintetizador y al órgano se encargan de dirigir el colorido resultante en camino hacia el fade-out, mientras que la guitarra solista asume un rol complementario. El disco termina con la última muestra de romanticismo progresivo al estilo italiano que es ‘La Notte Trasparente’: durante los primeros casi 2 minutos, la canción mantiene una ambientación muy intimista, mas poco a poco va elaborando una gradual fastuosidad que realza efectivamente el atractivo general propio de la idea melódica básica. La guitarra eléctrica se luce como nunca antes en el disco, colaborando ampliamente con la arquitectura contundente enarbolada por la instrumentación. Se trata de una excelente manera de concluir un disco que está destinado a llamar la atención de una buena parte de coleccionistas progresivos a lo largo de este año 2010 – LA MASCHERA DI CERA se confirma como campeona de la preservación del sinfonismo italiano primordial.

ROHMER, nuevo proyecto de veteranos progresivos italianos

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Con la presente les traigo ahora a la banda italiana ROHMER. Se trata de una banda de reciente formación pero no conformada por neófitos, pues su origen proviene de las cenizas de FINISTERRE, grupo que fue tan vital para el revival progresivo italiano de los 90s. ROHMER está formado por Fabio Zuffanti (bajo y efectos), Agustino Macor (sintetizadores, mellotron, piano eléctrico y glockenspiel), Maurizio di Tollo (batería, percusión y guitarra) y Boris Valle (piano y órgano), y para su disco homónimo editado el mes pasado, cuenta con una buena cantidad de invitados ocasionales a la flauta, saxos, trompeta, viola, guitarra solista, además de recitadoras en algunos soliloquios en idioma francés.


El sonido y el estilo de ROHMER se hacen eco de la psicodelia estilizada del último FINISTERRE (“La Meccanica Naturale”), el jazz-rock relajado de ZAAL y el post-rock envolvente de LAZONA, haciendo una cuidada amalgama de todas estas fuentes en una mezcla que también incluye elementos ambient (a lo TALK TALK de los últimos discos), prog sinfónicos y space-rock. Como ven, he mencionado en la lista de influencias a otros proyectos donde estaban involucrados Zuffanti, Macor y Valle: ROHMER es producto de inquietudes definidas dentro de un contexto particular de profunda camaradería en el rock artístico. El resultado final es rico en texturas pero nada ostentoso en cuanto al ingenioso uso del colorido musical, pues ciertamente la banda se apresta a mantener de manera consistente una ambientación relajada y ensoñadora en el repertorio de “Rohmer”.

Se puede escuchar un par de temas del disco “Rohmer” en http://www.myspace.com/rohmerofficial ; el disco mismo está a la venta a través de la distribuidora italiana BTF (http://www.btf.it/).

“Rohmer” es una obra muy interesante para la actual escena progresiva en lo que nos queda del año 2008 – compra recomendada.

Me despido con ¡PRÓSPERO AÑO NUEVO PARA TODOS USTEDES!

El 4th de DFA (Duty Free Area)

Con su album “4th”, sin lugar a dudas hasta ahora mi disco preferido del año, DFA me demuestra que es una de las mejores bandas de fusion progresiva del planeta. A diferencia de sus anteriores trabajos, cuya fusion lindaba con una psicodelia space rock estilo Gong, esta vez el cuarteto italiano regresa con una fusion con influencias del Canterbury de Hatfield and The North, enarbolando un apabullante dominio compositivo, denotada calidez y una libertad de estilos en los arreglos que les permite saltar las barreras usualmente restrictivas de este tipo de musica. Aunque DFA llego a la escena progresiva con la fuerza de un ciclon memorable en los 90s, sus fans tuvimos que conformarnos con un reducido numero de albums, 2 de estudio y uno en vivo (“Work in Progress/Lavori In Corso” - MoonJune, 2001, grabacion en vivo en el NEARFest 2000). DFA es una banda clave en el repertorio de la casa MoonJune (junto con Mahogany Frog y The Wrong Object), conducida como ya mencionamos aqui por el dinamico Leonardo Pavkovic, enfocado en recuperar el espacio ocupado anteriormente por lumbreras como Soft Machine, Steve Hillage, Caravan, y Gong.


Con composiciones de la mas alta complejidad y contagiante intensidad, cambios de ritmo y de tiempo y texturas musicales tonales y atonales dinamicamente intercaladas, un patron de transiciones sorprendentes que sin embargo se mantienen hilvanadas tematicamente en perfecta coherencia estilistica y melodica, asi como un impresionante repertorio de ideas progresivas, demuestran que los musicos de DFA son artistas serios y profundamente involucrados con el genero.

La rola que abre el album “Baltasaurus” empieza en tono minimalista y lentamente va creando el suspenso de una pelicula de David Lynch y luego gradualmente aumentando la tension hasta armar un frenetico conglomerado intrumental con el Hammond, la flauta y el sintetizador de grandes alcances (casi 15 minutos) e inusitada intensidad, que recuerdan a Tomohiro Ueno de la banda japonesa Pochakaite Malko. El equilibrio entre los instrumentos es simplemente impresionante.



La tercera rola “Vietato Generalizzare” demuestra la calidad composicional de la banda, combinando arreglos en contrapunto de magistral complejidad que recuerdan a un energico ELP con momentos psico-espaciales suaves que les conocemos de su disco en vivo “Lavori In Corso”.

La pieza “Mosoq Runa” es una epica verdaderamente monumental, y que a pesar de su nombre no tiene similitud con la musica andina, inicia con una suave melodia al piano Steinway de Bonomi que podria pasar por un solo de Keith Jarrett, para luego transformarse de un delicioso jazz canterburiano que a partir del quinto minuto derrapa cual locomotora jazz-fusionante de impresionante cadencia y fuerza en la pieza mas progresiva y espiritualmente enaltecedora de todo el album. DFA menciona en su album que esta apoyando a “Mosoq Runa” (en quechua “Nueva Gente”), una casa hospicio en Urubamba, (a 50 km de Cuzco, Peru) a educar a los niños de la comunidad, a quienes dedica este album.

Debemos resaltar las contribuciones de Zoltan Szabo al chelo, asi como Maria Vicentini en la viola y el violin de en los casi diecinueve minutos de “Mosoq Runa" y los seis de “La ballata the S'isposa 'e Mannorri”, quienes proponen una atmosfera clasica con una calidez raramente encontrada en un segmento de jazz-rock.

Mencion especial merece mi favorita “The Mirror”, una composicion de gran envergadura, que recorre una variedad de planicies jazzisticas que desencadenan en un intensisimo climax lidereado primero por la guitarra holdsworthiana de Silvio Minella y luego por el jazzeante bajo de Luca Baldassari mientras son acompaniados por los coros de Andhira y las percusiones de marimba y bongoes del lider de la banda Alberto De Grandis, en una fusionante composicion donde la guitarra y el fabuloso Hammond interpretado por Alberto Bonomi conducen el hilo melodico del torrente ritmico durante al menos 10 memorables minutos.


“La ballata de S’isposa ‘e Mannorri” es una cancion escrita para tres voces y coros femeninos y piano, un lamento proveniente de la isla de Cerdeña que recuerda una batalla real que culmino con la total desaparicion de ese pueblo. Consta de una serie de arreglos al teclado orquestrados con un giro clasico y que son acompaniados por las voces polifonicas de Andhira, un trio de vocalistas de excelente coloratura que cierran de manera deliciosa este trabajo.

En sintesis, para oir “4th” hay que prepararse para un roller coaster de virtuosidad progresiva en imparable vertiente de imaginativa concatenacion del idioma fusionante ya clasico de Hatfield and the North y National Health, la complejidad de King Crimson, y la vitalidad italiana de por ejemplo un Deus ex Machina o un Accordo Dei Contrari, simplemente magistral.

(todas las fotos cortesia del sitio de DFA)

New Trolls - The Seven Seasons

No hay como empezar la primavera con una buena dosis de rock sinfonico clasico. Esta pieza instrumental que lleva como titulo "The Knowledge" da inicio al mas reciente album de esta longeva banda italiana, "Concerto Grosso, The Seven Seasons". Oigo reportes de que su ultima presentacion (con la orquesta de Baja California, Mexico, acompañandolos) en el BajaProg 2008 fue simplemente sensacional. Para muestra basta un boton, este tubito de su concierto en Mexicali.

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La Torre dell'Alchimista - Neo

El progresivo italiano siempre ha sido una de las vertientes más importantes dentro del género. Una y otra vez he sido sorprendido gratamente por un nuevo lanzamiento, o por un trabajo antiguo que no conocía. También es característico por la gran cantidad de grupos que han lanzado tan sólo un trabajo excelente, y luego han desaparecido.

La Torre dell'Alchimista podría haber sido uno de ellos. Pero el año 2007 editaron su extraordinario segundo trabajo: " Neo ".

Hagamos un rápido recuento: tomemos un poco de Keith Emerson en su mejor momento, tocando el hammond, espolvoreado de sintetizadores rapidísimos. Demosle una buena dosis de esteroides, una pizca de buen jazz, pasajes de flauta, una sección rítmica impecable y vocales en italiano. El resultado no puede ser mejor.

Me pregunto porqué este trabajo no recibió una mejor acogida. Cualquiera que guste el buen prog basado en teclado tiene aquí un material de la mejor calidad.

Mis temas favoritos son Dissimmetrie y Cerbero, ambos muy diferentes. El primero con un ritmo cambiante y sincopado que discurre a toda velocidad sobre los teclados, muy bien acompañado por la batería.

Cerbero, por otro lado, me emociona por su fuerza y por su línea vocal. El pasaje final, explosivo y bombástico. En el medio una línea de violin que es acompañada por el órgano de manera magistral. La irrupción de los sintetizadores me produce escalofrios. Verdaderamente siento a Cerbero a mi lado en este tema.

En Idra y L'amore diverso, Michelle Mutti ( teclados ), el líder y compositor de La Torre dell'Alchimista nos ofrece dos temas delicados al piano, muy bien logrados.

En resumen, un ELP italiano de excelente calidad que tomando su inspiración de los grandes tecladistas del rock progresivo de los 70s , nos trae un trabajo maduro y muy inspirado.
Este fué mi cd preferido del 2007 y recomiendo su escucha.

Joal

La Maschera Di Cera - Genuino Prog Italiano

La banda genovesa La Maschera di Cera nos ofrecio un excelente show en el NearFest 2007, muy bien ejecutado, recreando de manera muy parsimoniosa la gloriosa tradicion de las grandes bandas de prog italianas de los 70s, particularmente el sonido de grupos como Museo Rosenbach, Biglietto Per L’inferno y el Balletto Di Bronzo. El vocalista Alessandro Corvaglia, literalmente de blanco del pie a la cabeza (i.e. su cara pintada toda de blanco), dio realce al espectaculo con su gran presencia, cantando apasionadamente de tal dramatica manera que todo el auditorio podia entender intuitivamente el italiano (sin saberlo ni quererlo). Un Fabio Zuffanti luciendo mucho mas serio (de edad) y con pelo corto en el bajo y la guitarra, sin cantar gran cosa, pero magistral como cuando lidereaba en Finisterre, Aries y Hostsonaten, y bien acompañado por el ex baterista de Finisterre Marco Cavani (en la foto de al lado con Alessandro). En los multi-teclados de rigor el magnifico Agostino Macor, tambien ex-Finisterre, ofreciendo composiciones muy elaboradas, con muy buenos arreglos melodicos e inventivas entradas de tanto en tanto, como para darle fuerza a la flauta de un timido pero virtuosamente impecable Andrea Monetti.

Acompaño mi breve reseña con unas cuantas fotos de los integrantes de la banda (Fabio Zuffanti, en el triptico mas abajo).

Setlist:

Doppia Immagine (LuxAde)
Nuova Luce (con intro di ago) (LuxAde)
Orpheus (LuxAde)
Un Senso All'impossible (LuxAde)
La Consunzione (Il Grande Labirinto)
Schema (LuxAde)
Enciclica 1168 (LuxAde)






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PFM y la Imaginacion Salvadora

La prolifica banda Milanesa Premiata Forneria Marconi nos ofrecio en Diciembre pasado su ultima produccion llamada “Stati Di Immaginazione” ("Estados de la Imaginacion"). Los fans acostumbrados a la efusividad vocal, al enfasis en el liricismo y el melodrama de esta banda italiana se sentiran talvez un poquitin traicionados, pues este trabajo es 100% instrumental. Pero que trabajo Señores! Sin lugar a dudas uno de los mejores regalos que nos ha brindado PFM en sus 35 años de carrera.

Primeramente, del PFM de antaño solo queda un trio dinamico, con Franco Mussida diseñando melodias en las guitarras electrica y acustica, Franz Di Cioccio dosificando energias en la bataca, y espaciando de vez en vez unos toques de Bossanova, y el bajo de Patrick Djivas moviendonos con su peculiar (y mas notoria?) presencia contagiosa.

En los teclados Gianluca Tagliavini, el cuarto y nuevo integrante en reemplazo de Flavio Premoli, contribuyendo notablemente en "La Terra Dell’Acqua" y "Il Mondo In Testa", con el mismo nivel de calidad y claridad que en las obras clasicas de la banda, tanto que practicamente no se nota que Premoli haya dejado el grupo. Mas aun, el Hammond y el Moog se oyen hiper-espontaneos (i.e. sin secuenciador y regrabaciones), casi como si la grabacion se hubiera hecho en vivo. Ademas los acompaña al violin el invitado Lucio Fabbri, añadiendo preciosismos pastorales de clasicidad inobjetable en varias rolas.

El album esta compuesto de ocho rolas que nos invitan a visitar una historia hecha en imagenes, como si las notas mismas fueran necesarias para llevarnos en un viaje que se desenvuelve naturalmente en una sucesion cronologica de acontecimientos, registrando la tension del Ying Yang, la lucha entre el bien y el mal, la calma y la tormenta, las conquistas de la mente y la racionalidad humana frente a la energia y leyes de la naturaleza, las fantasias del hombre en perpetuo funcionar despues de si mismo (figuracion talvez de que hacer ante el Calentamiento Global?).

En la primera rola “La Terra dell’Acqua”, los arpegios de guitarra de Mussida abren las puertas de la distancia imaginaria, unos resbalones dociles como para entrar timidamente en los mundos de la mente, con atmosferas ritmicas que recuerdan tierras lejanas, seguidos de una progresion de teclados espaciales que van calentando los bajos, que eleva gradual pero efimeramente el ritmo para diluirse en un violin en intensidad creciente que enaltece la pieza. Ya dentro de la espiral imaginaria, el bajo y la bataca laten aceleradamente junto con una guitarra distorsionante de sonoridad esplendida en franca interaccion cautivante con el piano, ambos propulsados por el trabajo del tambor en direccion hacia un caos rimbombante.

El caos desemboca en un remanso de luz, pintado por el pianoforte de Tagliavini, inicialmente al estilo del Keith Jarret de la era del “Concierto de Koln” con notas de una inmensa belleza, y prosiguiendo con una melodia clasica en crescendo que decanta en un caleidoscopio progresante de sonidos lidereados por la guitarra, y como protagonistas del fondo, la bateria y el piano en jazzeante.

Se trata de la interaccion de los elementos, la tierra y el agua conectados con el aire ante la lucidez del sol, el orden del caos perfectamente autopoietico. Aqui me sorprende sobremanera el talento de la PFM para hacer fluir las armonias con una desenvoltura absolutamente descarada, sera que a estas alturas los musicos se saben por fin libres en el centro del mas iracundo huracan.

En esta lucha eterna de y con la naturaleza, el hombre se contempla a si mismo triunfador, pero esta destinado a doblarse y arrodillarse ante ella. Veamoslo como una forma de juicio universal privado de la autoridad absolutista de las referencias metafisicas, pues el hombre al compenetrarse en el misterio de la naturaleza, al ganar y reapropriar nuevas fronteras va tambien construyendole una trampa a la humanidad.

Una naturaleza que sabe esperar, fuertemente amparada en el unico limite que el hombre no sabe (ni puede) traspasar: el tiempo. En su devenir historico a traves de los siglos, el hombre solo puede enfrentar este desafio perpetuo a traves de sus descendientes.


Por lo tanto como "La Terra dell’Acqua", tambien las otras siete rolas del presente trabajan sobre la misma idea, pintando las grandes metas de la humanidad, sus grandes intuiciones, sus sueños, sus conquistas y derrotas, pero tambien recomendando las formas del respeto hacia la misma naturaleza. Las tecnicas, estudios esteticos, adaptaciones culturales y sociales y demas aprendizajes evolutivos son la esencia sobrevivencial misma de la humanidad, abrazando en conjunto su entendimiento de como empatizar armoniosamente con la complejidad erotico-tanatizante de la naturaleza.

“Il Mondo in Testa” inicia primero con piano clasico y luego con violin, seguido de guitarra ritmica acompañada de bajo, teclado y baterias jazzeantes, subsecuentemente con guitarra melodica a la que se le añade en puntos vibrafono y piano, evolucionando con melodias muy variadas, que tanto intercalan el violin al mejor estilo de Jean-Luc Ponty, como teclados progresantes y vibrafono en partes, cerrando con un par de acordes de piano.

“La conquista” Mussida inicia con un riff fantastico, inmediatamente seguido por el bajo jazzeante, la bataca y el vibrafono en emocionante interaccion. A la intensa primera parte le sigue una seccion tranquila y eterea, tan eterea que si uno cierra los ojos tiene uno la sensacion de remontar las horas flotando en una nubes Cumulus Nimbus, porcion que culmina con la guitarra revisitando las mejores epocas la tradicion rockera. La rola termina con un cambio de tiempos, una seccion ritmica el moog subiendo en la escala de notas como un tren que se encamina hacia la meta, un tanto reminiscente de la sonoridad del musical de Dracula.

Quizas la sorpresa mas deliciosa del album sea “Il Sogno Di Leonardo”, una version New Age a la Windham Hill en guitarra acustica, que si fuera pelicula seria una fabula barroca de limpida inocencia y romantica pureza. El sueño de Leonardo es un vuelo entre las nubes diseñado para descansar las extremidades en la comodidad de un sillon reclinable: el uso amplio del Moog para crear capas atmosfericas, el violin en crescendo, el piano y el fagot creando superficies tenues con toques de guitarra acustica derritiendolo todo, en una composicion espectacular de clasica belleza.

El sueño continua con “Cyber Alpha”, un viaje cosmico espacial donde los cuatro musicos muy estoicamente, no se rinden a la arrogancia de la electronica pura, sino mas bien al trio minimalista de la guitarra-bajo-bateria. Tecnicamente los riffs de Mussida bordean en las fronteras de la perfeccion y el uso espectacular del pedal del wah-wah: hay que escuchar para creer... la progresion en crescendo continuo de una guitarra en estado puro, complementada por un fondo de bateria y bajo progresante de Cioccio-Djivas que se derriten en un unico ritmo.

“Agua Azul” inicia con una pieza experimental, con escalas y teclados en la busqueda del espacio perdido, que es seguido por un seccion melodica similar a “La Conquista”. Como un riachuelo de agua que cae en cascada del acantilado al rio, el intrigante Violin conversa con la bataca de Franz Di Cioccio, y de ahi para unirse a un Moog de progresante intensidad, acicalando el ritmo hasta cerrar en un remanso oceanico de sinuosa calma.

“Nederland 1903” es como un cuadro de Van Gogh, musica diseñada en base a colores muy suaves y tenues, una pintura de la heterogeneidad de los estados de la imaginacion buscando impactar los sentidos con impresiones que se diluyen en divergentes interpretaciones propioceptivas. Talvez sea un homenaje a la voluntad Holandesa de reclamarle su tierras al mar. Recordemos el dicho "Dios creo al mundo, pero los Holandeses crearon a los Paises Bajos".

El album cierra con “Visioni di Archimede” para mi la mejor lograda de las rolas, con un sonido dinamico y variado, coloreado por la guitarra electrica ardiendo de ritmo, que juega en progresiones de fractalidad infinitesimal con un violin, un Hammond de gran alcance y un Moog a todas luces orgasmicamente espectacular. Este es PFM en su mejor y mas autentico momento. La guitarra contestataria parece decirnos de manera afirmativa que las visiones de Arquimedes son optimistas, no tanto en la confianza ciega en la ciencia como baluarte del progreso perpetuo de la humanidad, sino mas bien mediante la esperanza de la voluntad e imaginacion humanas, que no puede rendirse a las injurias del tiempo. Mussida y asociados parecen decirnos que la imaginacion es la fuente clave para abrir caminos y soluciones a los cambiantes imponderables del mundo humano, a traves de la potenciacion al maximo del mundo sensciente.

En conclusion, “Stati Di Immaginazione” es un album enorme de una PFM en la cumbre del paroxismo creativo, que con ocho rolas saturadas de vitalidad propositiva sin etiquetas y profundas raices progresivas que nos llevan de travesia por los inabarcables espacios de la imaginacion.

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