"Coyote", la nueva fiera exquisita de KAYO DOT

HOLA AMIGOS DE AUTOOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy traemos a colación a una exquisita fiera progresiva engendrada por las expertas mentes y manos de KAYO DOT, ensamble estadounidense liderado por la dupla Toby Driver-Mia Matsumiya y que, hoy por hoy, encarna una de las expresiones más lúcidas y osadas de la vanguardia rockera estadounidense. Dicha fiera se titula “Coyote”, un concept-disc que se inspira en la visión de la propia mortalidad tal como se trasluce en las letras escritas por Yuko Sueta, narradora y artista visual amiga de la banda que estaba luchando sus últimas batallas contra el cáncer mamario que le afectaba: ella falleció mientras este álbum estaba en post-producción, por lo que naturalmente está dedicado a su memoria. La formación actual de la banda incluye a David Bodie (batería y percusión), Daniel Means (saxo alto), Terran Olson (teclados y saxo tenor) y a Tim Byrnes (trompeta), además de los ya mencionados Toby Driver (quien canta y reduce su aporte instrumental al bajo) y Mia Matsumiya (quien no luce tanto su principal ítem, el violín, y lo alterna con intervenciones a la guitarra eléctrica).

KAYO DOT comenzó como un derivado de MAUDLIN OF THE WELL, y al igual que éste, se propuso generar climas densos y atmosféricos impulsados desde lo gótico y lo metalero y encuadrados dentro de una mixtura de post-rock y progresivo experimental. Así podemos describir, grosso modo, los rasgos más distintivos de los dos primeros discos “Choir Of The Eye” y “”. Tras un notoria revolución interna, el tercer disco “Blue Lambency Downward” expuso una reorientación hacia una recurrencia de climas ensoñadores y sutilmente inquietos, producto de una refinada confluencia de post-rock, free-jazz y chamber-rock. Y bueno, ahora con “Coyote”, tenemos a KAYO DOT enfocado hacia el afinamiento del trabajo realizado en el disco precedente por vía del reforzamiento de la línea chamber-rock. Al menos, eso es lo que advertimos sin mayores dificultades en el tema de entrada ‘Calonyction Girl’, el cual instala de manera frontal e inapelable la aureola de exquisita tensión que habrá de ser norma recurrente de la obra integral: el asunto musical está tremendamente focalizado en el estándar del RIO francófono, y si no fuera por el canto casualmente urgente de Toby Driver, sería fácil confundirse con un disco cualquiera de UNIVERS ZERO o VORTEX. El efecto claustrofóbico del esquema sonoro global se sostiene en buena medida en las notas sostenidas emitidas por la dupla de saxo y trompeta. Poco antes de llegar a la barrera del 5to minuto, el esquema instrumental se suelta un poco más para llevar la tensión reinante hacia una dimensión más ágil, pero lejos estamos de llegar a un aligeramiento de la atmósfera psicológica. ‘Whisper Ineffable’ está a cargo de ocupar los siguientes 11 minutos y pico, y ciertamente conforma un pico de fastuosidad dentro del repertorio. El preludio de 3 minutos establece una larga expectativa donde la densidad se puede casi tocar a través del aire: la personalidad de Tim Byrnes impone una fuerza especial incluso desde antes que la batería ingrese para armar un esqueleto adecuado para la acción conjunta de todo el ensamble. Cuando ello efectivamente sucede, el grupo desarrolla una sonoridad retorcida donde el ambiente general en clave post-rock se nutre crucialmente de cadencias jazzeras vanguardistas y climáticos ornamentos de corte space-rock. ¿Y qué hay del canto de Toby Driver? Parece un trovador urbano en trance que hace que su voz expresen confusión y rabia al unísono. En el séptimo minuto, las cosas transitan hacia un pasaje lánguido marcado por pulsaciones convenientemente dispersas que fluidamente preparan el terreno para la coda orquestada, muy a lo RIO también.

A continuación siguen las dos piezas de la sección ‘Abyss’. La primera, ‘Sleeping Birds Sighing in Roscolux’, expresa los primeros momentos de auténtica extroversión sónica del disco: se trata de un viaje psicodélico bien llevado por el enérgico solo de órgano distorsionado de Olson, mientras que las cadencias semi-tribales de la batería impulsan casi todo el tiempo un logrado clima industrial. La segunda parte, ‘The Shrinking Armature’, conforma el segundo momento fastuoso del disco, y me animo a señalarla como la cúspide inapelable del disco. El viaje orquestal que el ensamble desarrolla durante los primeros 4 minutos y medio es excelso y sublime, marcado por un sentido controlado de la pomposidad y con una clara herencia de los 3 primeros discos del añejo UNIVERS ZERO. Cuando emerge la breve sección cantada, el esquema sonoro vira hacia un surrealista clima post-rock envuelto en calculados climas cósmicos, resultando algo similar a lo que podríamos escuchar en una escena de “Mulholland Drive” o “Lost Highway”. Después sigue una nueva secuencia instrumental notablemente signada por juegos disonantes de metales, órgano y violín, ágilmente trasladados por la móvil arquitectura rítmica de Bodie, quien genera su mayor lucimiento en el presente repertorio. La tensión está latente todo el tiempo, no muy difícil de notar, y sin embargo hay una ingeniería siempre serena en el sendero instrumental marcado por los músicos. Más aún, la pieza logra desarrollar un descenso refinado durante su último minuto y medio, evocando así la imagen de algo que se está alejando o desvaneciendo de a pocos. La última canción del disco, ‘Cartogram Out Of Phase’, es una triste e intimista elegía a ritmo de lento blues que el ensamble sabe reelaborar en clave de free-jazz contemplativo. Posiblemente yo hubiera deseado que durara un poco más esta canción de despedida, pero sin duda que está muy bien articulada para cumplir a la perfección su papel de epílogo para este disco.

En fin, el balance general de “Coyote” es altamente positivo: la renovación musical plasmada en este disco no implica una chocante ruptura con lo anterior sino una continuidad coherente con lo que hasta ahora es la historia viviente de KAYO DOT. Una última pregunta: ¿por qué no dura ni siquiera 40 minutos?

"Trans-indulgent", distinguida obra de un panel de expertos progresivos

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Comenzamos nuestras reflexiones progresivas de junio con un distinguido panel de expertos que justamente responde al nombre colectivo de DISTINGUISHED PANEL OF EXPERTS. El susodicho es un ensamble instrumental de jazz-rock progresivo que nació como iniciativa del bajista Mike Sary, líder permanente de FRENCH TV, quien no tuvo mejor idea en el año 2007 que congregar a Shawn Persinger (guitarrista del recordado grupo de jazz-rock BOUD DEUN), al teclista Guy LeBlanc (el hombre de NATHAN MAHL y ocasional lugarteniente de Andy Latimer en CAMEL) y a un ex-baterista de FRENCH TV llamado Chris Vincent. Todo este pedigrí que reúne a creadores de propuestas sólidas dentro del jazz-rock, el sinfonismo y el RIO se concentra en una muestra sólida y contundente de la primera de estas fuentes sónicas mencionadas. Pero lejos de ser un refrito del enfoque ácido de BOUD DEUN o del NATHAN MAHL originario, la variante jazz-progresiva que ofrece este panel de expertos tiene su propia afirmación fresca y particular, a tono con la escena contemporánea y mostrando en ciertos momentos la herencia de la añeja tradición 70era. Merced a la iniciativa conjunta de Musea Records y Luna Negra, este súper-grupo pudo lanzar al mercado el ítem “Trans-indulgent” a fines de 2009; recién ahora nos damos abasto para hacer la reseña del mismo.

‘And Then... The Sigh’ abre el disco con ímpetu avasallador y espíritu entusiasta, un ejercicio de jazz-rock extrovertido en el que Persinger y LeBlanc despliegan mutuos desafíos muy a tono con la agilidad propia del tema. ‘(Palindrome)’ baja los humos para elaborar un jam más lánguido, el cual incluye ciertos elementos cósmicos en su estructura sónica; ‘Mundele’ se engarza con el tema precedente para darle un cierre armado en base a inquietantes juegos disonantes sobre un esquema rítmico a lo free-jazz. ‘Pretentious Literary Reference’ nos trae un ambiente más cálido, portando algo de la extroversión del tema de entrada aunque con una dosis menor de intensidad. Con sus casi 10 1/2 minutos de duración, ‘East Lansing To East Berlin’ resulta la pieza más extensa del disco. La mayor parte de su primer cuerpo central (que ocupa un espacio de 7 minutos, más o menos) se focaliza en un jam lento que elabora cadencias sobrias, las mismas que incorporan ciertas texturas psicodélicas a lo largo del camino así como algunos pasajes poderosamente rockeros que crean un clímax envolvente. ¿Sería incoherente recordar a ALLAN HOLDSWORTH en momentos como éste? Más tarde, un segundo cuerpo irrumpe para generar un clima contundentemente incendiario durante los últimos 3 minutos y pico. La breve pieza ‘Larry's Westport Fantasy Inn’ ofrece un puente cálido y etéreo entre las piezas precedente y subsiguiente: básicamente, se trata de una serie de ágiles acordes a la guitarra y el bajo. ‘Hong-Kong Blindfold’ comienza explayándose en amables cadencias que desarrollan climas optimistas; luego llega un extenso interludio armado por los teclados de LeBlanc, el cual brinda una sorpresa progresiva muy sugerente en clave chamber-rock. El reprise del cierre redondea esta idea bipolar exitosamente. Posiblemente tengamos en esta dupla de y al ápice del álbum, pero con los 21 minutos que quedan podemos estar seguros de que todavía hay más belleza sonora que disfrutar.

‘Song For Wesley Willis To Sing (Worker Bees)’ es principalmente un jam enérgico a medio tiempo, muy en onda con la tradición de WEATHER REPORT y RETURN TO FOREVER, o sea, un animado repaso de la gloriosa era del jazz-fusión 70ero. La sección final (la porción de ‘Worker Bees’) es un blues de salón sazonado con un monólogo sobriamente burlesco. ‘Dog Years’ se engarza como una coda experimental dominada por la batería y aditivos percusivos de Vincent más adornos de bajo a cargo de Sary. Esta orientación vanguardista se perpetúa en ‘Concert In Central Park’, pieza inundada por flotantes climas deconstructivos en clave free-form durante sus primeros 5 minutos y medio. Al llegar a este punto, la banda elabora una intentona de cálida sección rockera que emerge como una ligera intrusión en medio del esquema abstracto general. Una pieza rara pero convincente dentro de la propuesta jazz-prog ecléctica que conforma el norte de este combo. A contrapelo de su título y como cerrando el círculo musical del disco, ‘Underachiever’ completa los últimos 3 1/2 minutos del mismo con un clima de puro jazz-rock expresado con abundante magnetismo de vigorosa extroversión: Persinger nos demuestra por enésima vez lo buen guitarrista que es. De este modo concluye “Trans-indulgent”, un disco ideal para los melómanos amantes del jazz-rock y del progresivo con raigambre jazzera. DISTINGUISHED PANEL OF EXPERTS es una criatura que sabe alimentarse de la pericia y talento de sus componentes individuales bien entrelazados en su comunión.

Homenaje póstumo a ENRIQUE JARDINES, la mente del Cero Absoluto

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hoy traigo a colación la triste noticia de un reciente deceso musical – el bajista estadounidense de ascendencia cubana Enrique Jardines falleció el pasado 22 de abril, a la edad de 59 años, víctima de un inesperado infarto relacionado con su diabetes.

Él fue fundador del trío de jazz-prog vanguardista ABSOLUTE ZERO, el mismo que llevaba muchos años realizando una musicalidad excitante y siempre sorprendente, producto del híbrido entre free-jazz, rock in opposition y fusión, más exactamente, desde mediados de los 80s. Habiendo comenzado como un power-trío de guitarra, bajo y batería, fue con la formación de Aislin Quinn (voz y teclados), Pip Pyle (sí, el mismo de Hatfield & The North, National Health, Gong, Soft Heap, etc., a la batería y percusión) y Jardines (bajo) que ABSOLUTE ZERO grabó su único registro fonográfico “Crashing Icons” en 2003. La propuesta sonora plasmada en este disco es aventurera, agresiva y refinada a la vez, intensa y cerebral al unísono, ardiente de deseos por revolucionar el arte de sonido al mismo tiempo que festeja las diversas influencias recibidas de diversas vanguardias jazzeras y rockeras (especialmente el R.I.O. de Henry Cow y Art Bears).

A modo de póstumo homenaje, transcribo aquí una reseña que escribí a inicios de 2006 sobre este disco que me gusta mucho y que aún me parece una de las más tremendas joyas progresivas editadas en lo que va de milenio.-

“Temas -
1. Bared Cross (13:47)
2. Further On (20:43)
3. Stutter Rock/You Said (11:49)
4. Suenos Sobre Un Espejo (16:46)

Integrantes: Aislin Quinn (teclados, voz y percusión) / Enrique Jardines (bajo y percusión) / Pip Pyle (batería y percusión)
Colaboradores: Keith Hedger (trompeta y percusión en 4) / Jim Stewart (percusión en 2 y 4)

La visión musical del grupo parece ser una manifestación directa y literal del titulo en cuanto al orden, esquema melódico y convenciones estructurales: todos ellos quedan reducidos a la mínima expresión de cero absoluto. Jugando con la radical sorpresa propia del free jazz, las interacciones instrumentales y dadaístas vocalizaciones derivan en constantes cambios de ritmo y ambiente, sentido de caos sonoro, travesuras surrealistas,... todo ello ejecutado con majestuosa inventiva por las sólidas y agresivas labores de Jardines y Pyle, mientras que Quinn añade matices, adornos y algún que otro solo de teclado y canta con un espíritu libre semejante al de Deborah Perry de Thinking Plague (y por extensión, al de Dagmar Krause). La influencia mas evidente en el sonido de AZ es el Henry Cow más radical, el del ‘In Praise of Learning”.

En cierto sentido, los teclados de Quinn proveen algo de lirismo a un sonido global que suele estar dominado por los notoriamente agresivos aportes del bajo de Jardines – hay que ver que cosas tan increíbles hace este señor con su instrumento, llevándolo a los confines propios de la guitarra primera sin empacho alguno. El hecho de que c/u de los temas sea particularmente extenso (entre los casi 12 minutos y mas de 20 minutos de duración) permite la creación de espacios mas que suficientes como para que los músicos se explayen en sus ideas, variantes y, sobre todo, las sorpresas que se van acumulando inmisericordemente.

El Latin jazz y la música étnica exótica son elementos integrados dentro de la impresionante paleta sonora de Absolute Zero, tal como se deriva de ciertos pasajes de los temas: las cadencias particulares de ambos recursos estilísticos ayudan al material a mantener una patente frescura en medio de la continua experimentación visceral. Esto se nota de manera especial en ‘Further On’, que es, a la sazón, el tema más largo. La presencia destacada de percusiones tonales de corte africano opera como un catalizador de colores en medio de la niebla radicalmente neurótica creada por el trío nuclear. Pero no vale quejarse a estas alturas del partido: ya desde el tema de apertura ‘Bared Cross’ el oyente sabe que el arte del ruido esta siendo usado a fin de poner a prueba los limites de su “sensatez” estética e invitarlo a disfrutar de lo perturbador. En un disco tan parejo como este, me resulta un tanto difícil elegir a esta pieza como la mas notable, pero tengo bien en claro este veredicto personal. ‘Stutter Rock/You Said’ se centra más en lo jazzero, combinando las evocaciones a la escuela de free jazz tal como se desarrollo en los 60’s y la frescura del funky: eso la hace la pieza menos inescrutable de este repertorio. Aquí hallamos los solos de teclado mas impresionante, así como un guiño (otro más) al Latin jazz: el anuncio que hace Jardines de Jim Stewart como “salsero fabuloso” y “maestro del ritmo tropical” antes de su solo de congas es sencillamente estupendo en su desenfado. Es en esta porción donde el bloque sonoro entra en una exploración casi infernal (dije que ‘Stutter Rock/You Said’ era menos inescrutable, no que estuviera exenta de locuras). Si en el tema precedente las cosas bajan un poco su nivel de neurosis, en el estupendo tema de cierre parece haber una mayor apertura al lirismo en medio del perpetuo dadaísmo – ‘Suenos Sobre Un Espejo’ contiene un clima onírico, manifestado con sutileza mas sin ocultamientos. La aparición de pasajes oscuros y el empleo de vocalizaciones pomposamente ceremoniosas, en vez de dirigirse hacia lo tétrico o algo parecido, realzan efectivamente el absurdo de lo irreal: esto, en el mundo musical de AZ, significa traernos un poco de desestructuración e invitarnos a compartir la carga. La coda es lo suficientemente explosiva como para recordarnos que dicha carga implica, ante todo, un desafío.

“Crashing Icons” es esencialmente un disco martilleante y abrumador, el mismo que explota la herencia del RIO con energía, inventiva, e incluso descaro irreverente. Se trata de una labor de absoluta compenetración entre músicos que ponen sus ideales anárquicos al servicio de un bloque común mientras van interactuando sobre la marcha. Creo que esta es lo más adecuado que tengo a mi alcance para describir la alucinada oferta de Absolute Zero. Disco sumamente recomendable, pero también alevosamente “esotérico”: es un disco que busca su propio auditorio con mirada hermética y criterios incendiarios. ”

Gracias por la música, Maestro Jardines, redescubre nuevos esquema rítmico con Pip ahora que te has reunido con él en el más allá.

ROGER HODGSON en Lima, 18 de febrero de 2009

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

La velada que ROGER HODGSON y su banda de apoyo ofrecieron en el estadio Monumental de Lima la noche de l8 de febrero fue mágica, cálida y vigorizante – realmente hubo una conexión bárbara entre el ensamble de músicos y el público. Aunque el local no llegó al lleno total, la atención y recepción al material que HODGSON ofreció al público fueron abrumadoras. Teniendo en cuenta que HODGSON es de por sí una persona muy carismática y comunicativa, no se hizo problemas a la hora de presentar sus temas (en un inglés relativamente pausado), lo cual facilitó la llegada de su mensaje principal: “muchas de estas canciones significan mucho para mí y seguramente les traerán recuerdos, por lo que siéntense libres de acompañarme riendo, llorando, cantando, bailando, etc.” Sus palabras de elogio para con el público peruano incluyeron algunas evocaciones de su anterior venida a tierras peruanas, cuando dio un concierto (con una banda de apoyo que incluía a su hijo Andrew a la batería) en diciembre de 1988, en el Auditorio del Centro de Convenciones del Hotel María Angola. Aquella vez aprovechó un hueco en su agenda para visitar las ruinas cusqueñas de Machu Picchu.

En fin, en esta ocasión HODGSON contó esta vez con otro vástago del clan Supertramp clásico estaba a bordo: me refiero al multi-instrumentista Jesse Siebenberg, hijo del baterista de Supertramp Bob Siebenberg, quien para esta banda de apoyo se ocupó del bajo y los coros (en el Supertramp de los 90s se hacía cargo de la guitarra segunda y las percusiones). Los otros músicos fueron Aaron MacDonald (vientos, teclado y coros), Bryan Head (batería y percusión) y Michael Bluestein (teclados y coros). A pesar de la edad (que nuestro héroe supertrampiano ya está en sus últimos pasos de la cincuentena), HODGSON mostró una vitalidad innegable, y sobre todo, que su sensibilidad como músico y su manejo vocal siguen prácticamente intactos. El esfuerzo que tuvo que emplear para llegar a un par de agudos fue mínimo, y sobre todo, desplegó una garra inapelable. De hecho, HODGSON con su grupo de apoyo demuestra que en él reside la mayor proporción del espíritu original y clásico de Supertramp.
El repertorio del concierto fue ocupado en un 95 % por material del “quinteto de oro”: personalmente, preferiría que él diera más espacio a su repertorio solista, pues también hay allí varias cosas de calidad cuya inserción en un set podía tener bastante sentido. En el Estadio Monumental tocó solamente 3 temas solistas (a diferencia de los 5 que tocó en 1998 en el María Angola): el hermoso ‘Lovers in the Wind’, el simpático ‘You Make Me Love You’ y el cálido ‘Along Came Mary’. Pero bueno, las cosas fueron como fueron y me complacieron bastante. Aquí transcribo el repertorio, con base a otra fuente y con algunas ligeras modificaciones, pues me parece recordar que se acomoda exactamente a lo que se escuchó en el Monumental.

- Take the long way home
- Give a little bit
- Lovers in the Wind
- Hide in your shell
- Easy does it / Sister Moonshine
- Breakfast in America
- Along came Mary
- A Soapbox Opera
- You make me love you
- Child of Vision
- The Logical Song
- Lord is it mine
- Even in the Quietest Moments
- Don't leave me now
- Dreamer
- Fool's Overture

(Bis)
- School
- It's Raining Again

El comienzo con ‘Take the Long Way Home’ creó un momentum muy efectivo, el mismo que fue prolongado eficazmente con ‘Give a Little Bit’. Puesto que en el escenario había un auténtico piano de cola (aparte de los habituales teclados digitales), la primera vez que HODGSON lo abordó fue para el precioso tema ‘Lovers in the Wind’. ‘Hide in Your Shell’ sirvió para retornar al optimismo lírico después de la entrañable melancolía de ‘Lovers in the Wind’. Otro momentum especial fue cuando HODGSON invitó al público a silbar la melodía base de ‘Easy Does It’, engarzada con una versión recortada de ‘Sister Moonshine’. Por su parte, ‘Breakfast in America’ contó con un breve jam en la coda a fin de permitir un poco más de lucimiento para el vientista Aaron McDonald. Definitivamente, este miembro en particular fue el más destacado del ensamble, sabiendo replicar diestramente la dinámica peculiar de John Anthony Helliwell y además, fungiendo de Rick Davies en las voces de apoyo. Una agradable sorpresa fue la inclusión de ‘A Soapbox Opera’, una gema olvidada de los días de “Crisis? What Crisis?". La magnificencia del original quedó bien reflejada en este concierto, al igual que la de ’Fool’s Overture’, en la primera despedida. Ambas piezas son algunos de los ejemplos culminantes de esa mezcla tan equilibrada de rock sinfónico y AOR que Supertramp patentizó con su particular magia.

La inclusión de ‘Child of Vision’ fue también otro momento cumbre: Michael Bluestein se lució en el solo de piano, logrando focalizar muy bien el clímax que la pieza exigía. De hecho, me pregunto si HODGSON tocó este tema a modo de evocación de su primera venida a la capital peruana, cuando justamente esta canción fue el cierre del evento de aquel entonces. ‘Don’t Leave Me Now’ fue interpretado con el punche que ameritaba la ocasión, con una batería punzante oportuna para la peculiar fuerza de esta composición – qué pena que las partes cantadas hayan sido recortadas, pues con ello se quitó algo de espacio a las porciones de saxo (de todas maneras, muy lucido McDonald). ‘Lord Is It Mine’ nos brindó otro momento de ceremoniosa espiritualidad con el uso del piano de cola, mientras que ‘The Logical Song’ y ‘Dreamer’ encarnaron a la jovialidad misma. Con su versión solitaria y recortada de ‘Even in the Quietest Moments’, HODGSON recurrió a lo intimista. Finalmente, los bises de ‘School’ e ‘It’s Raining Again’ llevaron al público limeño a la plenitud de su goce, cerrando con un aire de llamativo optimismo la atmósfera de plena complicidad que HODGSON y cía. habían conquistado en el Monumental.

Aquí cierro mi reseña con los siguientes vídeos que recogen parte de la actuación de ROGER HODGSON:

‘Take the Long Way Home': http://www.youtube. com/watch? v=yrGvtK08YeM
‘Give a Little Bit': http://www.youtube. com/watch? v=G0_fS3j1mhw
‘Hide in Your Shell': http://www.youtube. com/watch? v=65ODaCcrYm8
‘Child of Vision': http://www.youtube. com/watch? v=ioNPAV4f0Ks
‘Don't Leave Me Now': http://www.youtube. com/watch? v=rMoVoFNU37I

Una muy buena noche con música de Supertramp para nostálgicos que sabían apreciar la fuente de la mayor parte de la esencia de Supertramp.

Un saludo especial para Joal Paiva, Patricia, Carmen y todos/as los/as amigos/as que encontré en el Monumental esa noche.

BIRDS AND BUILDINGS, la gran sorpresa prog 2008 desde los EE.UU.

BIRDS AND BUILDINGS es el nombre de un ensamble progresivo norteamericano compuesto principalmente por músicos que ya han compartido cartel en bandas como CEREBUS EFFECT y DELUGE GRANDER. “Bantam to Behemoth” es el título de su gema discográfica que ya ha llamado poderosamente la atención de variados y diversos comentaristas internautas en e-zines progresivos de todo el mundo. Se trata de una obra que muestra sus influencias añejas sin por ello dejar de sonar revitalizadora y sugerente bajo sus propios términos: la psicodelia espacial, los vericuetos jazzeros a lo RETURN TO FOREVER y la aureola distinguida del Canterbury son las principales fuentes de inspiración para Dan Britton (telcados, guitarras y canto), Malcolm McDuffie (batería), Brian Falkowski (saxos, flauta y clarinete) y d’Annon (bajo y guitarras), músicos que cuentan con bastante espacio para demostrar sus dosis individuales de solvencia y sensibilidad dentro de un sonido grupal muy compacto y bien afiatado.

‘Birds Flying Into Buildings’ da inicio al disco con una actitud frenética, la misma que se plasma en una bien articulada dinámica encuadrada entre la batería y los teclados (cortinas de mellotron y vuelos de piano eléctrico): el factor jazzero desplegado por la dupla rítmica ayuda a agilizar la potente psicodelia que conforma el núcleo de la pieza, la misma que nos recuerda a una cruza entre RETURN TO FOREVER, GONG y un GUAPO bien “magmeado”. Las cosas giran hacia una dimensión más lírica y relajada con ‘Terra Fire’, aunque el aspecto cósmico de la pieza precedente se perpetúa todavía en cierta medida gracias a las cortinas flotantes de mellotron; por su parte, el saxo y la batería preservan la vibración jazzera, y así pues, el gancho de la pieza. Realmente se sienten muy cortos sus 3 ½ minutos de duración. ‘Tunguska’ se pasa a una dimensión más profunda de la línea introducida en el tema precedente, plasmando unas cadencias étnicas espaciales que nos pueden recordar en parte a EMBRYO mezclado con el SOFT MACHINE del “Third” y el HILLAGE de “Fish Rising”. Al pasar a una sección más agresiva, las cosas se ponen momentáneamente en un tono VAN DER GRAAF GENERATOR, tras lo cual el elemento jazz-rock es retomado con más vigor. La coda porta el boato propio del sinfonismo más clásico. ‘Caution Congregates and Forms a Storm’ comienza con un colorido cálido emanado por la inteligente armazón de guitarra acústica, piano, mellotron y flauta: una vez que entra la batería, el contexto se intensifica un poco pero la instrumentación principal sigue casi igual. El carácter general de la pieza transita entre un romanticismo grisáceo y ambientaciones pastorales etéreas, algo así como una conjunción de ANTHONY PHILLIPS, PULSAR, HAPPY THE MAN y PFM. Los casi 11 minutos que dura el tema pasan volando, y ciertamente el esquema sonoro del tema parece retratar musicalmente el cielo que sirve de marco para dicho vuelo. Las cosas siguen un sendero muy parecido con ‘Chronicle of the Invisible River of Stone’, enfatizando la vertiente sinfónica y apelando a atmósferas más intimistas. La inclusión de algunos pasajes de inspiración renacentista ayuda a mantener un aura distinguida, mientra que el ingreso de otros momentos más densos (guiados por el mellotron y el sintetizador) permite continuar con las cadencias espaciales a los cuales es tan afecta la banda. ‘Yucatan 65: The Agitation of the Mass’ reitera una vez más la preeminencia de desarrollos líricos con guitarra acústica, mellotron y flauta, pero esta vez el asunto resulta menos sinfónico y más fusionesco (incluyendo ambientes mediterráneos y arábigos de manera dosificada). Esto se ahonda cuando llegamos a la segunda mitad, la cual plasma un híbrido de EMBRYO y SOFT MACHINE, con algo del OLDFIELD de “Hergest Ridges” – un híbrido enérgico que no chillón. ‘Chakra Khan’ establece un dinamismo muy afín al que impregnaba al tema de apertura, sonando casi a una mezcla de BRAND-X y WIGWAM. Como siempre, los efectos cósmicos de sintetizador entran a tallar para aportar algo peculiar al entramado instrumental. El órgano tiene un sonido añejo entrañable, parecido al que escuchamos en los discos de COLOSSEUM y ARZACHEL. El solo de saxo me recuerda a Dick Heckstall-Smith, dicho sea de paso. ‘Battalion’ parte de la electrizante vibración precedente y la orienta hacia un aumento de la robustez. Eso último permite, de rebote, establecer un juego más pronunciado de contrastes entre el jam jazz-rock que ocupa el núcleo de la primera parte con el jam más psicodélico y contenido que ocupa casi toda la segunda mitad, antes de la intensa coda que concluye la pieza con gran esplendor. ‘Sunken City Sunny’ cierra el disco con un intimismo onírico y envolvente: se trata de un ejercicio de languidez dedicado a evocar una espiritualidad relajada y contemplativa. Algo así como una balada de HAWKWIND reciclada por un conglomerado de músicos de Canterbury y krautrock.

“Bantam to Behemoth” es un ítem infaltable en futuras listas Top 10 del progresivo en el año 2008 y BIRDS AND BUILDINGS es un referente esencial para el género progresivo realizado en los EE.UU. durante este año 2008 que ya se nos está yendo.

HANDS "Strangelet"

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Con la presente les muestro el más reciente lanzamiento discográfico de HANDS, titulado “Strangelet”. HANDS es una banda veterana sobreviviente de la oleada progresiva setentera estadounidense, y es casi un milagro que todavía pueda ser una banda activa sobre los escenarios y en los estudios de grabación, aunque sea de forma muy esporádica. De hecho, pocos son los integrantes originales que quedan todavía (el guitarrista Ernie Myers y el teclista Michael Clay), pero ninguno de los recientemente incorporados es tampoco un principiante. Por ejemplo, Mark Cook es un veterano guitarrista que lleva años experimentando con el Chapman Stick y el Warr Guitar, y justamente es este último instrumento el que trae dentro del renovado arsenal de HANDS. Históricamente, el sonido de la banda apostaba por una dinámica confluencia entre las influencias de parte de sus compatriotas y coetáneos HAPPY THE MAN y otras fuentes británicas como GENTLE GIANT, GENESIS, GILGAMESH, HATFIELD & THE NORTH y JETHRO TULL, incorporando también ocasionales elementos de country-rock, folklore pastoral y cámara contemporánea. “Strangelet” es, en mi opinión, una de las máximas joyas del género progresivo par este año. La banda misma la ha puesto a nuestro alcance por medio de la descarga autorizada: en su blog de Myspace (www.myspace.com/handsband) hay enlaces para la descarga iTunes del disco y para los créditos.

“Strangelet” es un disco peculiar desde el momento en que leemos los créditos: se trata del primer ítem discográfico de HANDS sin un violinista y sin un vientista, y también del primero con dos bateristas-percusionistas; además, teniendo a un guitarrista que comparte a veces su rol con el bajista y el teclista, más y un Warr-guitarrista, resulta razonable que para este nuevo disco tendremos una muestra de alguna faceta más agresiva de lo habitual en HANDS - esto sucede a veces de manera muy marcada, tal como indicaremos más adelante. En líneas generales, el grupo está decidido a integrar sonoridades nuevas con otras más tradicionales en su (inconstante) historia.

El tema homónimo es un prólogo sintetizado que no dura siquiera tres cuartos de minuto, aterrizando en ‘Dark Matter’, que dura todo un cuarto de hora. Las primeras sonoridades de esta pieza ofrecen un esquema híbrido entre GORDIAN KNOT y DJAM KARET, explorando una alternancia de ambientes medio-orientales con otros más tirados hacia el space-rock. Los adornos de tinte pesado en ciertos riffs ayudan a mantener el aire de elegante extravagancia que el grupo pretende a todas luces plasmar. La sección bucólica que comienza al arribar el séptimo minuto aporta un momento de estilizada serenidad que poco a poco elabora una vía para el surgimiento de otra sección más fastuosa que se prolonga hasta después de pasado el duodécimo minuto y medio. El epílogo tiene un cierto acento a lo YES tanto en su actitud contemplativa como en su pomposo broche final. Progresivo con todas y cada una de las letras bien puestas, ‘Dark Matter’ deja un listón muy alto para el repertorio restante, pero tratándose de HANDS, es de esperar un disco con altos estándares de principio a fin. ‘Tambourin’ se basa en el protagonismo del piano, el cual transita fluidamente entre el emersonismo jazzero y el lirismo melancólico tipo HAPPY THE MAN – una pieza muy bien aprovechada en su espacio de 5 ¾ minutos. ‘Running Room’, con su inocultable cadencia inspirada en la etapa psicodélica de THE BEATLES, puede acusar ciertos parecidos “peligrosos” con THE FLOWER KINGS o el mejor SPOCK’S BEARD: una cosa parecida ya había hecho la banda en un tema de “Tewnty Five Winters” (2002). Al superar la barrera de los 4 minutos, algunos arreglos tipo GENTLE GIANT entran a tallar para aumentar un poco la intensidad sin romper con la bien fijada estructura melódica de la pieza. ‘Entry of the Shiny Beasts’ tiene un tono jazzero muy juguetón, emparentado con el Chick Corea de fines de los 70s, aunque también se notan ciertos adornos inspirados en el patrón de HAPPY THE MAN (una vez más). ‘Miracle in the Mind’ ofrece en su primera sección una peculiar mezcla de GENTLE GIANT y KING CRIMSON ochentero en clave semi-acústica: de este modo, la preservación de un ambiente mayormente sereno permite a la pieza ser más evocativa que chocante. La porción tribal se explaya eficazmente en cadencias tribales, tornando después hacia un frenesí fusionesco adornado con soundscapes frippianos y ruidos de gente en la calle. Los últimos 2 ½ minutos se basan en una retoma del primer motivo, intensificado con una reiteración de trucos frippianos de guitarra. ‘Rotten’ es la última pieza del disco, grabada en vivo en el estudio Cristal Clear Sound: un sólido ejercicio de crimsonismo al estilo más reciente, con una controlada acentuación de la faceta pesada. A través de todo este despliegue de vigor, el ensamble de HANDS se las arregla muy bien para insuflar una inapelable distinción al asunto, evitando así la tentación del “caos autoindulgente”: en principio, no hay nada destinado en ello, pero teniendo en cuenta los pilares de este álbum tomado como un todo, una desviación por ese terreno hubiera sido contraproducente. Bueno, a fin de cuentas, HANDS se conoce a sí mismo mejor de lo que quien esto escribe o cualquier otro puede pretender.

Como anécdota especial, el grupo dedica el disco a la memoria del fenecido baterista Ian Wallace, con quien estos músicos trabaron una estrecha amistad e incluso compartieron algún proyecto musical en los últimos años. Contemplando la belleza, intensidad y refinamiento que se invierten en el repertorio de este disco, HANDS realmente ha ofrecido a su amigo un homenaje de infinita envergadura artística, y para todos los melómanos que quedamos aún en la Tierra, “Strangelet” es un regalo enorme que nos da la vida.

KANSAS retoma su "Two for the Show" - reedición 2008

HOLA A AUTOPOIETICAN Y TODOS LOS AMIGOS PROGRESIVOS, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Tengo en mis manos desde el primer día del presente mes de agosto a toda una joya progresiva en una reedición fabulosa – me refiero al ‘live’ de KANSAS “Two for The Show”, cuya edición original de 1978 era en doble vinilo y que ahora, 30 años más tarde, se halla remasterizado y ampliado a doble CD. En su momento, “Two for the Show” apareció en el momento cumbre de la banda tanto a nivel artístico como comercial, con dos discos de estudio precedentes (“Leftoverture” y “Point of Know Return”) que la habían puesto en las grandes ligas del negocio y con una fanaticada que parecía ampliarse hasta el infinito. El tocar en campos polideportivos, estadios y grandes teatros desde inicios de 1977 les llevó finalmente en 1978 a dar mega-conciertos que duraban 2 ½ horas y más. Este disco recoge temas de varios conciertos de su gira tripartita desarrollada desde 1977 hasta 1978, pero se nota un sentimiento bastante fluido en la escucha.

KANSAS muestra aquí todas las facetas de su oferta musical con total brillo igualmente repartido en todas ellas: la predominante pomposidad sinfónica, los momentos pesados llenos de sofisticación, los elementos blues-country-bluegrass que llaman a la tierra natal, los momentos peculiares donde emergen solos de guitarra acústica, piano o batería,… todo está allí plasmado con vigor. El librito contiene copiosas fotos (incluyendo a un Steve Walsh bailando a lo Jim Morrison para enamorar salvajemente a las chicas del público, y también a un Robby Steinhardt mirando a la nada mientras se interna mentalmente en sus línea de violín... ¡imágenes impredibles!) y comentarios históricos, aparte de la transcripción de la dedicatoria al joven fan que perdió la vista en un serio accidente de tráfico tras un concierto de esta gira. El hecho de que las guitarras o teclados duales (dependiendo del rol de Livgren en el momento dado) se repartan en diferentes canales de audio ayuda a disfrutar de y entender la inteligencia vertida en las interacciones instrumentales de la banda. Claro está, también ayuda a realzar la labor de Steinhardt, protagonista en numerosas ocasiones desde su rol de violinista.

El CD1 contiene las versiones definitivas de ‘Icarus’, ‘Portrait (He Knew)’, ‘Mysteries and Mayhem’ (más frenético de lo usual), ‘Journey from Mariabronn’ y ‘Magnum Opus’; versiones muy fieles a las de estudio de ‘Paradox’ y ‘The Wall’; una versión forzadamente recortada de ‘Song for America’; y por último, la omisión de ‘Closet Chronicles’, una de las piezas más impresionantes del “Point of Know Return” y uno de los picos absolutos del “Two for the Show” en vinilo. Pero esta omisión específica se resuelve gloriosamente en el CD2, el cual contiene en total 11 canciones extra. Pero no es con el recuperado ‘Closet Chronicles’ que comienza el CD2, sino con ‘Hopelessly Human’, el cual abría parte de los conciertos de la primera mitad de esta híper-gira. Esta versión expandida comienza con un breve preludio etéreo, seguido por las primeras 16 barras de ‘Incomudro’, para luego dejar paso a la canción misma. ‘Child of Innocence’ y ‘Belexes’ nos transportan a tiempos anteriores de la gloria comercial de KANSAS: ‘Child’ viene precedido de un estupendo jam en clave R’n’B, mientras que ‘Belexes’ es ejecutado “a mil por hora”, siendo así que la velocidad extra le resta dramatismo pero lo compensa con una mayor explosividad. ‘Cheyenne Anthem’ tiene la peculiaridad de que llena más los espacios de violín y sintetizadores duales en el juguetón interludio, lo cual se traduce en un excitante realce de la dimensión orquestal del mismo. ‘Lonely Street’, ‘Down the Road’ y ‘Bringing It Back’ nos muestran, sin tapujos ni excusas, la faceta más provinciana de KANSAS: ‘Lonely Street’ nos muestra a un Walsh genialmente inmerso en el dolor tanático y destructivo del protagonista (un cowboy de mala muerte que añora vengar con sus propias manos la muerte de su novia prostituta), mientras que ‘Bringing It Home’ mantiene a Steinhardt dibujando mil y una siluetas con su violín, a veces acompañado de la potente guitarra de Williams. Con esta versión me quedo definitivamente convencido de que esta canción pertenece más al grupo que al autor original J. J. Cale (como pasa con Hendrix y el ‘All Along the Watchtower’ compuesto por Dylan).



‘Miracles Out of Nowhere’ es ciertamente una de las más bellas y envolventes composiciones de Livgren: en esta versión se incluye un solo de órgano a cargo de Walsh, donde se alternan estilizadas estratagemas barrocas y retazos hard-blues rock de tipo Jon Lord. También demos mencionar los nuevos arreglos de múltiples teclados que reactivan el colorido contrapuntístico del interludio a fin de sacar provecho de los condicionamientos propios del vivo. ¡Y qué tremendo baterista es Phil Ehart! - el solo de 5 ½ minutos que elabora aquí muestra al desnudo las influencias recibidas de Barriemore Barlow y Carl Palmer, a la par que su dinamismo particular. Este solo deriva en una versión electrizante de ‘The Spider’, una de las composiciones más laberínticas que se hayan gestado jamás en el mundo de KANSAS. Se nota que la edición en fade-out iba camino hacia la emergencia del riff de bajo de ‘Portrait’: ¿no debió haberse aprovechado esta re-edición para seguir mejor esta secuencia de un tirón? Muy posiblemente sí... pero es lo que hay y lo que hay ya es de por sí grandioso.

En mi humilde opinión, se trata posiblemente de la mejor reedición progresiva para este año 2008: ciertamente, es un testimonio de la esencia musical más puramente versátil de KANSAS en la plenitud de su esplendor creativo.

NEARfest 2008

Una vez mas la pase de maravilla en el NEARfest, disfrutando musica progresiva en practicamente todas sus formas y variantes. Esta vez ademas se cumplieron los 10 años de aniversario, lo cual predispuso a los organizadores a enlistar bandas de merecido renombre. Durante el fin de semana, Bethlehem se rindio a los pies de la fanaticada, quienes disfrutando del excelente clima visitaron sus pocos restaurantes en irremediable decadencia. Al tratar de visitar la abandonada siderurgica de Bethlehem Steel, una patrulla policiaca nos impidio el paso aunque nos permitio tomar una foto de los antiguos hornos, que aun se elevan majestuosos cual tributo a lo que alguna vez esta fabrica represento para la industria ferrocarrilera de este pais.

Durante el evento se celebro el paso de estafeta (foto superior) a un nuevo equipo de organizadores, pues Chad Hutchinson y Rob DeLuca (en la foto) se retiran para dar paso a un nuevo ciclo del festival. Otro que se retira es Roger Dean, quien hasta ahora fue quien diseño el logo del NEARfest, esperemos esto no sea motivo para que nos vuelva a visitar el proximo año con sus lienzos y posters de sus ya famosas portadas, aunque doy por sentado que vendra a promocionar su nuevo libro ilustrado proximo a publicarse en Octubre.

Las fiestas que se organizaron despues del show en el Hotel Confort Inn permitieron conocer a otros contertulianos y artistas y disfrutar de musica progresiva en vivo y la excelente cerveza de Pennsylvania. Como siempre resulto excelente ver de nueva cuenta a los amigos y compartir noticias y tips musicales.

Las salas para la venta esta vez no contaron con la presencia de la distribuidora y productora Wayside/Cuneiform Records, comandada por la alta conciencia que es Steve Feigenbaum, lo cual dio oportunidad y espacio a otros personajes del medio (mas sobre estos en un momento). Tuve a bien preguntarle a Steve el porque de la ausencia de su mesa de venta, que solia ser un suculento "showcase" de musica avant-garde de bandas como Fred Frith, Guapo, Nebelnest, y Thinking Plague, y algunas bandas renombradas como Soft Machine, Present, Picchio dal Pozzo, Djam Karet, The Mahavishnu Project, Happy The Man, Universe Zero y Von Zamla. Su respuesta me resulto inverosimil: "It is too much work, the logistical effort involved to bring the CDs, pay and lodging for the sales people, and bring back the remaining stock does not pay for itself. It just offers a low return on my investment". Aunque ciertamente es trabajoso traer y vender CDs, no creo que sea esta la razon principal, pues yo mismo vi en anteriores ocasiones como se vende su mercancia. Sospecho que Cuneiform Records se ha estirado demasiado ultimamente contratando los derechos de muchas bandas de alcurnia e imprimiendo sus inventarios, obligandole a conservar capital, aunque parezca increible.

Con el distribuidor que pudimos conversar un poco mas (y en español) fue con Leonardo Pavkovic (en la foto), dueño de MoonJune Records, quien anda distribuyendo el 4th de DFA (Duty Free Area), Mahogany Frog, Phil Miller in Cahoots, Arti & Mestieri (su primer disco en vivo en Japon), el "Storybook" de Finisterre, y algunos albumes de Soft Machine Legacy. Nos comento que trabaja desde Nueva York y que proximamente estara llevando a PFM al Peru.

Leonardo, quien es Bosnio de nacimiento, hizo muchos amigos entre las bandas italianas cuando residio en Italia durante mas de 20 años. Leonardo fue quien llevo a PFM al Japon en el 2002, un tour recordado en Occidente gracias al DVD que Pavkovic arreglo para su produccion. Asimismo fue el quien trajo a Hatfield & The North y a Allan Holdsworth al NearFest 2007 y ahora en este 2008 a Banco.

Las compras estuvieron a la orden del dia, en especial cuatro de ellas por haber sido efectuadas directamente de los artistas: de las manos bataqueras de Yoshida Tatsuya recibi uno fenomenal llamado "Hauenfiomiume" donde colabora con el loquerrimo guitarrista Haino Keiji; de Radio Massacre International adquiri un album tributo a Syd Barret llamado "Rain Falls in Grey", cuya portada fue diseñada por el mismisimo Daevid Allen, de Gong; de la mesa del simpaticomico Ray Weston de Echolyn me hice con una copia recien masterizada de "Mei", obra clave del grupo; y del pionero sintetista (particularmente con el Moog) Larry Fast y su Synergy, un amplificante "Reconstructed Artifacts", su decima creacion.

Como siempre, Ken Golden de LaserCD, Greg Walker de Syn-phonic, y Bernard Gueffier de Musea estuvieron vendiendo cantidades industriales de CDs. A Golden le compre el ultimo BoxSet (DVD+4 CDs) de Rocket Scientists, los dos ultimos de Canvas Solaris, el ultimo de la banda italiana de Prog Metalico PathosRay, el DVD de Par Lindh Project en Polonia, el DVD del "Sola Scriptura" de Neal Morse, el album "Same and the Other", ultimo de los Aleuchatistas, el "Sleeping in Traffic: Part 2" de Beardfish, el "Water Road" de Thieves Kitchen, un remaster del primero de Univers Zero, y un excelente libro austriaco sobre rarezas para coleccionistas. De Greg Walker (en la foto) obtuve el "H" de Deformica, el ultimo de MediaBanda, y las partes 1 y 2 del "Chinese Songs" de la banda rusa Little Tragedies. De Musea compre el concierto de Banco en la Cd. de Mexico y el concierto en Tokio del '97, el primero y unico de Saena, y el "Hibridos" de Jose Luis Fernandez Ledesma.

Muchos otros hallazgos completaron mi carrito de compras, en total casi 30 CDs y 5 DVDs, incluyendo ejemplares de todas las bandas y artistas presentes en el evento.

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Oblivion Sun - La Resurrecion de Happy The Man!

Para aquellos que recuerden los ya clasicos LPs de Happy The Man, el reciente album de la nueva encarnacion de HTP, Oblivion Sun, empieza donde se quedo su ultimo esfuerzo, Muse Awakens, pero lo supera con creces. El nuevo elenco de Wyatt y Whitaker esta compuesto de Stan Whitaker en guitarra y voz, Frank Wyatt en teclados y saxo, Chris Mack en bateria, Dave DeMarco en bajo y Bill Plummer en teclados.

Haciendo un breve recuento historico de HTM, la banda inicio en la primera mitad de los 70s y despues de varias permutaciones logro establecerse en el panorama progresivo en base a un contrato con Arista Records. Despues de publicar sus dos unicos albumes de estudio, el grupo se desintegra al final de la decada una vez que el punk y el new wave capturaron el mercado. Antes de que terminara el milenio, en 1999, HTM sorprendio a sus fans con un magnifico album multifacetico de alta calidad compositiva: Muse Awakens. En 2006 el duo dinamico de Wyatt y Whitaker formaron Pedal Giant Animals inaugurandose con un album que incluia piezas que no entraron el paquete de Muse Awakens. Poco despues deciden formar Oblivion Sun en el 2007.

La musica suena casi como Happy The Man, los clasicos ritmos angulares mezclando funk y jazz con rock con interludios etereos en base a una cuidada orquestacion practicamente de camara. Sin embargo, en Oblivion Sun la composicion tiene mayor fluidez e intensidad, la ejecucion enfatiza el entrejuego instrumental dandole mayor fuerza interpretativa. Otro punto bueno es que la voz de Whitaker suena mejor que nunca. El album inicia extraordinariamente con "Fanfare", un interjuego dinamico de teclados, guitarra y el Fender Rhodes de altisima progresion y belleza. En la fantastica rola "Catwalk" notamos ciertos aires del primer Genesis. Tres de las piezas son instrumentales jazz fusionantes, "Noodlepoint" (con Wyatt al saxo), "No Surprises" (destacando el juego entre saxo y guitarra)y "Re:Bootsie" (rola funkie punteada por la guitarra de Whitaker donde el desconocido Plummer le da buena cuerda al sinte de Wyatt). Destaca la inclusion de dos piezas mas pesadas, "The Ride" y "Chapter 7.1". "Ride" es una rola roquera interpretada brillantemente por Whitaker. En "Chapter 7.1" las percusiones ritmicas progresivas muy al estilo de Tool se transforman en progresiones del Moog y del Hammond de mayor sutileza, con un trabajo de guitarra que sostiene y da forma a la breve pieza. Asimismo la guitarra melodica de Whitaker nos da una gran sorpresa en "Tales of Young Whales", una pieza progresiva de altisima belleza.

A mi que antaño me gustaban las composiciones mas atmosfericas de Happy The Man para pasar un momento tranquilo y leer una buena novela, a Oblivion Sun lo encuentro disfrutandolo aun mas que a su antecesor, talvez por ser mas energetico y cambiante, similar a lo que me ha ocurrido con lo ultimo de Djam Karet.

Definitivamente un gran debut, los integrantes de Oblivion Sun evidentemente han estado tocando juntos durante años ;-) pero ademas en este album consiguen añadirle a su añejo estilo actualidad y mayor atractivo. Musicalmente un album sobresaliente que garantiza transportarnos al paisaje de la foto, una caminata de fantasia por terrenos multi-texturizados gratamente iluminados .

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Bedlam in Goliath - Furia Mars Voltiana

La palabra clave para describir este album es “Energia”: el recien estrenado baterista Thomas Pridgen trayendo tanta o mas bataca de calidad que Jon Theodore, pero a paso redoblado; el bajista Juan Alderete seguramente potenciado con esteroides, imprimiendo cadencias ritmicas positivamente funkadelicas (i.e. en “Ilyana”, “Askepios” y “Aberinkula”); el saxofon de Adrian Terrazas intercalando vuelos tanto melodicos como disonancias al mejor estilo avant; la voz estridente de Cedric Bixler Zavala estilizada con hidrogeno puro (i.e. en “Goliath”) y el guitarrista Omar Rodriguez mostrandose ya en pleno dominio de su instrumento (i.e. en Ouroboros).

Las 12 rolas se nos revientan como ampollas post-hardcore, propulsadas por progresividades crimsonianas, y bajofondos neo-psicodelicos y electronicos. Los Mars Volta han creado el primer gran album progresivo del 2008.

A pesar de que “Bedlam in Goliath” esta diseñado para escucharse a todo volumen, resulta curioso que no sea un album cansador y de rapido hartazgo, si no mas bien es una grabacion altamente refrescante.

El album es mas dinamico que nunca (la tension se mantiene permanentemente en el filo de la navaja), ademas de estar mejor cohesionado que Amputechture o Frances The Mute. Curiosamente en esta mezcla hay mas destellos de rock clasico derivativos del mejor Led Zeppelin, que percusiones Santanescas.

Este debio haber sido el album que llevaria a The Mars Volta hacia nuevas direcciones, pero en su lugar la banda ha creado un album que casi perfecciona las formulas que ha venido trabajando desde “Deloused…”, pero las potencia con irreverencias funk, riffs y hooks clasicos de hard rock y melodias mediorientales, y al menos en “Ourobouros” con cadencias francamente metalizantes. El baterista Thomas Pridgen resulta una grata adicion, incorporando enorme entusiasmo y energia, como excelente contrapeso al bajo de Juan Alderete, quien en este album brilla en practicamente todas las rolas. Destaca su trabajo en "Ilyana", una rola francamente pegadiza.

Musicalmente, es el trabajo mas euforico ofrecido por el octeto. En los diez minutos que van desde la primera parte de "Ilyana" pasando por la fundamental "Wax Simulacra" hasta el final de "Goliath", los Mars Volta finalmente relevan en la categoria de grupo mas energetico a Rage Against The Machine.

Por otro lado, King Crimson estaria asimismo orgulloso de algunas piezas. Los ocho minutos de duración de "Aberinkula" cierran con un extraordinario trabajo de saxo que me recuerda a "Formentera Lady" del “Islands” de Crimson. Encima de esto, la fabulosa rola "Goliath" cruza las puertas de la locura mediante un dramatico riff a la Black Sabath, seguido por unos coritos en estacato, y un excelente puente instrumental que nos recuerda al "21st Century Schizoid Man" de Crimson.

Liricamente, The Mars Volta sigue explorando la fragilidad del inconsciente antes la inminencia de terribles cataclismos y/o explosiones de la fatalidad. Las letras del trabajo hablan de demonios y arquetipos, de espectros y espiritus amenazando la conquista de almas desde el inframundo, siempre con la idea de exorcizar miedos basados en mitologias pseudoreligiosas.

Si el resultado no lleva a la banda a nuevos terrenos progresivos, es talvez porque ya llegaron al limite musical de esta decada, hoy por hoy no hay horizontes mas lejanos que estos.


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Ahleuchatistas - Provocacion Perfectamente Controlada

El trio de Carolina del Norte Ahleuchatistas manejado por Cuneiform Records ha sacado su cuarto album, llamado "EVEN IN THE MIDST...". Ellos pertenecen a un selecto grupo de bandas de Math Rock fuera de serie en las que me he perdido este año, repletas de ritmos multivariantes, tiempos atipicos, disonancias armonizantes, y demas extremaduras. Su musica puede sonar experimental, pero esta muy lejos de ser la intercalacion de ruidos inaccesibles.

En su pagina el grupo autoclasifica su estilo como “avant-technical, improv-core, math-metal, art-damage, punk-prog". Segun el Audiversity review, su nombre se deriva de la rola de Charlie Parker "Ah-Leu-Cha" y de las guerrillas Zapatistas que aun sobreviven en las junglas de Chiapas, Mexico.

La recompensa al oirlos es que, gracias a los rompimientos jazzeantes, el jaloneo preciso de cada cuerda, y los redobles de bataca en aspavientos perfectamente coordinados, encontraras que esta banda esta haciendo algo mas que math rock, o jazz-punk, o como quieras llamarlo, un paso adelante hacia la musica de la proxima centuria.





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Rocket Scientists - Looking Backward [2007]

Este video de la rola "Pythagoras (Unbound)" nos da solo un ejemplo de lo que podemos escuchar del mago del teclado Erik Norlander en el nuevo album "Looking Backward" de los angelinos Rocket Scientists. A decir de Think Tank Media, el album sera vendido como un set de 5 piezas, 4 CDs y 1 DVD en stereo y surround 5.1 conteniendo entrevistas y presentaciones historicas de la banda. El CD del nuevo album estara acompañado de ediciones remasterizadas de los 3 primeros albumes de la banda, Earthbound (1993), Brutal Architecture (1995) y Oblivion Days (1999).



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Wax Simulacra

"The Bedlam in Goliath" es el cuarto album de The Mars Volta, ya programado para su venta al publico el 29 de Enero de 2008. El disco consta de 12 rolas, que nos hace pensar que habra pocas de larga duracion. El video promocional de una de ellas “Wax Simulacra", se puede ver y oir en este tubito:





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Phideaux - Los Nuevos Amos del Prog

“Doomsday Afternoon” es un album de verdadera grandeza, un faro deslumbrante, un pinaculo del prog del siglo que empieza, que mas puedo decir de este magnifico e hiper-brillante album? Como me gusta encontrar esta clase de discos para escucharlos y disfrutarlos una y otra vez, con la esmerada atencion que dedicaba antaño a las joyas setenteras.

Phideaux es un ensamble de 6 musicos y 5 vocalistas (uno dobla en la guitarra acustica y otra en el piano), una guitarra electrica, dos tecladistas (uno de ellos doblando en la guitarra), el bajista y la bataca, mas aparte 7 invitados que aparecen en piezas especificas. Ademas, 15 integrantes de la Orquesta Filarmonica de Los Angeles les acompañan en 4 de las piezas. La banda esta lidereada por el multi-instrumentalista Phideaux Xavier y el baterista Richard Hutchins y este es su sexto album y segunda parte de su trilogia The Great Leap. Curiosamente, Phideaux Xavier es mejor conocido en USA por ser director de telenovelas, ultimamente por una llamada Passions que pasa en cadena nacional (en NBC).


El disco consta de dos actos, de 29.6 y 37 minutos de duracion respectivamente, cada uno de los cuales esta compuesto por 5 piezas. Conceptualmente se nos narra una fabula centrada en el viacrucis de la catastrofe ecologica por venir, el miedo y ansiedad carcomiendo las esperanzas de sus personajes. Sin dejar de ser originales, los recurrentes temas me recuerdan mucho al estilo del mejor Genesis y en partes escucho melodias folk inglesas que sin duda Jethro Tull hubiera hecho suyas sin pensarlo en sus dias de fama, los arreglos y sobretodo la instrumentacion orquestral es de primerisima calidad.


Toques sinfonicos brillantemente ejecutados, toques psicodelico-espaciales pinkfloydianos, voces agradables, Phideaux Xavier nos cuenta del triste y decadente devenir ecologico en la apocaliptica rola “Microdeath Softstar”, en el fondo sintes futuristicos y guitarra acustica donde voces femeninas se lamentan, “Stop the senses, stop the beast, all we need is time” y entrando en una seccion orquestral de increible dinamismo y belleza con un violin de Matthew Parmenter en primer plano, con la fantastica guitarra de Joel Weinstein y acompañados por los teclados de John Unicorn. Tambien se puede escuchar la voz de Arjen Lucassen de Ayreon diciendo las siete palabras secretas al minuto 7:50.

"Candybrain" es una rola muy memorable y entretenida, recurriendo en la melodia de la primera pieza. “Crumble” nos ofrece el toque femenino de Valerie Gracious y Molly Rutan haciendo los coros de fondo y delicadamente etereas melodias del piano y orquesta.


El segundo acto es decididamente progresivo sinfonico con un toquesin gotico donde el trabajo vocal de Phideaux Xavier y sus amigos se desarrolla sobre sintes, piano, con mucho mas piano, flauta (en momentos tan pastoral como Jethro Tull), guitarras acusticas y electricas, y bajo melodico. “Thank you for the Evil” es una pieza en tono pinkfloydiano para la reflexion y remembranza de tiempos pasados. “A Wasteland of Memories” es una rola instrumental sinfonica de impresionante belleza que presenta una escena muy pastoral, casi teatral realzada por la voz de Valerie que canta “Do not speak of bigotries…”, “Walk away, there’s no escape” sobre un piano delicadisimo. Una rola cuya lirica hay que estudiar detenidamente. Le sigue “Crumble”, en su segunda version, mas clasica y delicada esta vez.


Inspirada en Annie Haslam, la impecable y eterea voz de Valerie Gracious nos deleita en “Formaldehyde”, una fantastica rola que se sostiene en suaves melodias de guitarra acustica y los sintes que Martin Oxford de IQ hace sonar, deliciosamente punteados por la folklorisima flauta de Steve Dundon y el violin de Matthew Parmenter, evolucionando con constantes cambios ritmicos que devenir en una extravaganza teclados, flautas, coros, Xavier intercalando historias cual juglar medieval y Chudkins brindandonos una bataca excelente.

Por ultimo, la larguisima rola "Microdeath softstar" cierra el album de magnifica manera, con un diseño de composicion moderno y progresividad francamente superior y extraordinaria.

Amigos mios, levantemonos y demosle la bienvenida a los nuevos amos del prog, Phideaux por fin ha llegado!

(Mil gracias a http://www.en-live.org/ por las fotos del Festival Crescendo 2007).

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Neal Morse: Mercadeando el Prog Cristiano o Brainwash Fundamentalista?

No soy hijo de pastor luterano, pero musicalmente hablando, el ultimo album de Neal Morse"Sola Scriptura", es un album sobresaliente. Se trata de uno de sus mas ambiciosos albumes desde su salida de Spock's Beard, con rolas epicamente largas, ejecutadas por instrumentistas de estatura (Portnoy, Morse, Paul Gilbert, Randy George), y una lirica conceptual vocalizada inmejorablemente por el mismisimo Morse y sus coristas. De entrada, el album intimida un poco, con solo 4 rolas, expandidas hasta los 76 minutos. Debajo de las pistas grabadas en la superficie metalica, la musica es atractiva, involucrante y muy diversa. Los musicos le dan un spin dinamico al disco, cada uno entregandonos interpretaciones de altisima calidad. El album se termina sin darnos cuenta, lo cual confieso es exactamente lo contrario a lo que me pasa cuando oigo algo de Spock’s Beard. Es cierto que el album no nos trae nada de nuevo en terminos de experimentaciones ni mayor evolucion con respecto al estilo que ya le hemos oido, pero aun muestra en plenitud todos los elementos que quisieramos oir en cualquier buen album de rock progresivo, ademas de que el tono entusiasta (tanto musical como vocalmente) fluye sin friccion alguna por nuestros oidos.

Lo que esta claro es que se equivocaron los que pensaron que una vez que Morse se refugio en el Cristianismo terminaria haciendo melodias para la alegrar la Misa del Domingo. Su primer album como solista, "Testimony" (2003) conto la historia de su peregrinaje hacia la fe. Desde entonces, Morse siguio explorando los temas teologicos en sus demas trabajos, "One" y "?". Sin embargo, su musica se ha ido paulatinamente haciendo cada vez mas agresiva, mas energetica con cada una de sus entregas, convergiendo en un estilo que podriamos decir es la combinacion perfecta de Spock's Beard y Dream Theater.


"Sola Scriptura" nos cuenta la historia de la oposicion de Lutero frente a la Iglesia Catolica, resaltando su postura anti-corrupcion y de ejemplo moral ante los excesos y las "bajezas" morales cometidas durante los papados de la epoca. Esto en si mismo no causaria mayor resalto, pero como Morse se ha empeñado en entrevistas en caracterizar a las Iglesias Protestantes de hoy en dia como las unicas y verdaderas salvaguardas de la fe cristiana, el torrente de criticas .que le han llovido resulta en todo caso comprensible. Desde mi agnostica posicion, no veo porque una Iglesia sea mejor que la otra, cuando los ejemplos de corrupcion, drogas, excesos sexuales y demas decadencias abundan tanto en las unas como en las otras.

Basta recordar recientemente no solo el escandoloso comportamiento de la Iglesia Catolica Norteamericana antes los innumerable casos de pedofilia cometidos por sacerdotes en varios estados del pais sino especialmente el caso de hipocresia moralina elevada al cubo del Reverendo Ted Haggard, lider y Presidente de la Asociacion Nacional Evangelica de los EEUU, un grupo que dice contar con 30 millones de miembros. A Haggard, devotamente casado con cinco hijos y declarado activista homofobico, se le descubrio infraganti en un cuarto de hotel consumiendo drogas fuertes en compañia de un edecan trasvestido. O hablando de excesos, como no recordar el documental "Jesus Camp" (2006), que trata sobre los campamentos de tipo "Jihad" (sorprendentemente inspirandos por las escuelas “madrasas” del Islamismo radical) organizados por la Iglesia Evangelica en el Medio Oeste americano para adoctrinar a niños (evangelico) cristianos a dar literalmente sus vida como soldados del ejercito de "Jesus". Resulta tambien comico que Morse haya comentado en una entrevista que su opinion sobre la Santisima Trinidad se base en parte en haber visto un documental en el History Channel.

No creo que Morse sea tan ingenuo o santimonioso como San Agustin, sino que mas bien no debe haber olvidado que el Medio Oeste americano es hoy por hoy el gran mercado del prog metalico, rock pesado y rock metalico de los EEUU.

A pesar de lo anteriormente dicho, esto no significa que el mensaje lirico no sea importante, pues claramente la musica esta compuesta primordialmente para darle realce y fuerza, expandiendo los elemenos introducidos en sus trabajos previos. En este sentido, Neal Morse es un predicador efectivamente progresivo. La adicion de la guitarra de Paul Gilbert añade riffs de soberana potencia a las epiquisimas rolas, sosteniendose por arreglos de grandiosidad sinfonica y atrapantes melodias. Los primeros siete minutos de "The Door" retruenan de pesadez y dinamismo, con un piano encendido y riffs que sorprenderian a Paganini y una bataca magistralmente comedida por Portnoy, se refrenan en la parte media con texturas acusticas acompañadas por la voz de Morse y el coro femenino que en momentos no deja de ser sublime, para terminar recordandonos un poco al SPMTe de Transatlantic.

En la segunda rola "The Conflict" destaca la guitarra de Gilbert en tono de rock pesado, una secuencia de extraordinarios acordes salidos del bajo de Randy George y una buena dosis de guitarra acustica. Los arreglos de Morse en esta larga pieza demuestran una gran versatilidad musical, pasando de un sabrosisimo rock pesado al flamenco y a la rumba latinizada de manera perfectamente armonizada con los coros, piano y acusticos de fondo.

La tercera rola “Heaven in My Heart” es una corta balada cantada por Morse acompañada por un piano muy melodico, con las cuerdas de violines y cellos en creciente y hasta me parece oir un corno frances.

La ultima pieza “The Conclusion” inicia con una seccion ritmica multi-instrumental efectivamente progresivista, prosigue con un soliloquio Morseano de largo alcance y de excelente factura, para terminar con una francamente fantastica y concienzudamente elaborada seccion climatica contrapunteada de guitarra y teclados que logra sacarnos a borbotones la poca o mucha emocion mistica que traigamos secularmente encerrada, haciendonos por breves instantes pasto abierto a siembra de la doctrina eclesial de este mesianico album.

Descubrir todas las facetas de este album es uno de sus placeres, a pesar de sus solo puedo darle mi sincera recomendación.

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