Friday, July 29, 2022

FRACTAL SEXTET: música fractal a la sexta potencia progresiva



HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos el increíble deleite de presentar “Fractal Sextet”, el disco del colectivo también denominado FRACTAL SEXTET que armó el maestro suizo Stephan Thelen para que se pudiera concretar la grabación de sus nuevas composiciones centradas en la guitarra fractal (y retomar un par de composiciones previas), las mismas que acabaron exigiendo una logística armada por un amplio ensamble de músicos. También haya aquí una composición del maestro italiano Fabio Anile. La línea de trabajo de esta congregación consiste principalmente en seguir firmemente la senda de “Fractal Guitar” y “Fractal Guitar 2”, dos discos solistas de Thelen donde se proyecta una visión clara de una estética comprometida con vanguardia rockera del nuevo milenio; a partir de ahí, el sexteto brinda una exuberancia especial y genuina a esa visión. El sexteto, que tiene a Thelen a cargo de las guitarras, la guitarra e-bow y las programaciones fractales, y a Fabio Anile a cargo de los pianos acústico y eléctrico, el sintetizador y los samplers, se completa con Jon Durant [guitarras con y sin trastes, y Cloud Guitars], Colin Edwin [bajo], Yogev Gabay [batería] y Andi Pupato [percusión]. Thelen ya colaboró con Durant con un hermoso álbum “Crossings” del año 2021 y, a su vez, Durant es colega de Edwin en BURNT BELIEF (dúo gestor de otro hermoso disco del año pasado titulado “Mutual Isolation”). Edwin es principalmente conocido por su extenso paso por PORCUPINE TREE, pero tanto en BURNT BELIEF como en O.R.K., así como en este proyecto del FRACTAL SEXTET, él da rienda suelta a sus inquietudes más experimentales (mientras está liberado del grupo liderado por Steven Wilson). Durant es un respetado veterano del avant-prog, el jazz contemporáneo y el ambient, siendo además gestor de la Cloud Guitar, una guitarra eléctrica provista de enormes efectos cibernéticos para crear texturas y soundscapes. Anile es un músico italiano experto en electrónica y ambient, Pupato es un percusionista especialista en avant-jazz y fusión contemporánea, y Gabay es integrante del grupo avant-progresivo israelí ANAKDOTA. Todo una asociación cosmopolita que congrega a maestros de Suiza, Gran Bretaña, Estados Unidos, Italia e Israel. El material aquí recogido fue grabado entre abril de 2020 y febrero de 2022 en Zurich, Londres, Roma y Portland, dado que los planes iniciales de conformar una banda capaz de grabar y tocar presencialmente se vieron anulados por el arribo de la pandemia. Benjamis Schäfer y Markus Reuter se hicieron cargo del proceso de mezcla en Berlín entre los meses de febrero y marzo de 2022, mientras que la consecuente masterización tuvo lugar en el estudio Magic Garden Masterin de Los Ángeles, EE.UU., en manos de Brian Lucey. La publicación oficial del disco “Fractal Sextet” tendrá lugar el próximo 16 de setiembre y la campaña de pre-venta tendrá lugar a inicios de ese mismo mes, pero aprovechamos la ocasión de que tenemos ya en nuestras manos un ejemplar de este ítem; repasemos ahora cada tema contenido en él.


Abre el repertorio ‘Zeptoscope’, tema que ocupa un espacio de 10 ¾ minutos. Desde el primer instante hay una cadencia bien marcada dentro de una sofisticación que, aunque patente, se desarrolla bajo una pauta de sutileza. A partir de allí, se arma una atmósfera situada entre lo gentil y lo cósmico bajo un ropaje serenamente misterioso. Los solos de guitarra que van emergiendo en sucesivos pasajes estratégicos forjan recursos de filuda densidad, algo que ayuda bastante a que la pieza vaya ganando en musculatura a lo largo de una sobria dosificación. Pero, a fin de cuentas, el tema concluirá envuelta en la misma atmósfera con la que comenzó. ‘Fractal 5.7’ sigue a continuación para seguir explorando dinámicas complejas, las cuales remodelan y amplifican la estructura de la versión original presente en “Crossings”, el álbum de Durant y Thelen que mencionamos antes. Aquí hay un groove jazz-rockero absorto en una placidez crepuscular mientras las guitarras se reparten las labores con las armonías y los solos, y los teclados enriquecen el bloque sonoro global con capas y ornamentaciones. Todo es muy lírico aquí mientras se preserva esa aureola misteriosa que había signado de manera tan importante al tema de apertura. Un primer cénit del repertorio. La pieza más extensa del disco es la cuarta, durando poco más de 11 ½ minutos; se titula ‘Mise En Abyme’ y también se trata de una nueva versión de una idea originalmente compuesta para “Crossings”. En esta ocasión, el ensamble trabaja con vibraciones delicadas cuyo talante etéreo no esconde la tensión operante de forma latente en la inteligentemente enmarañada ingeniería rítmica. Todo se mantiene nebuloso la mayor parte del tiempo, pero algunas horadaciones permiten que se filtre algo de neurosis (solos de guitarra) o algo de intensidad introspectiva (solo de bajo). En medio de ellas se halla ‘Planet Nine’, un señorial tema bien asentado en el estándar del discurso jazz-progresivo en cuanto al desarrollo y al refuerzo de su swing básico, algo que obliga al ensamble a darle un viraje aún más vaporoso y sutil a su construcción de esquemas sonoros. Como dato curioso, uno de los solos de guitarra cita una sección de ‘Sailor’s Tale’, el clásico instrumental de “Islands”, el cuarto álbum de KING CRIMSON. Tras un breve dueto de batería y percusión, el ensamble íntegro regresa y lo hace con un expresionismo vivazmente activado, casi como si la luz de un nuevo día estallara con un fulgor divino. Otro estupendo cénit del álbum.
 

El final del álbum llega de la mano de ‘Slow Over Fast’, otra pieza de ambiciosa duración (casi 11 minutos) cuya misión específica es la de trabajar en la dimensión más propiamente extrovertida del ensamble, lo cual permite la gestación de una nueva instancia climática del disco. Contando con una particular agilidad de parte del entramado de las guitarras y teclados, por un lado, y con un meticulosamente ingenioso desarrollo de síncopas alternadamente sueltas y constreñidas por parte del trípode rítmico, el desarrollo temático logra pintar un paisaje sonoro donde se combinan la frescura de la brisa primaveral y el ígneo fervor del verano. Parece que cualquier síntoma suelto de vivacidad que formó parte ocasional de varias precedentes del álbum fue un anticipo de la espiritualidad invocada para este tema de cierre. Algunas florituras de piano son simplemente geniales. El epílogo vira drásticamente hacia un ambiente de anochecer, con un calmo diálogo entre la guitarra y el bajo sobre una sedosa base percusiva. Toda esta es la grandeza musical que los maestros Anile, Durant, Edwin, Gabay, Papato y Thelen plasmaron en “Fractal Sextet”. El colectivo del FRACTAL SEXTET nos ha brindado una exquisita demostración de música aventurera que plantea uno de muchos rumbos posibles para el rock artístico del nuevo milenio. Con toda sinceridad, recomendamos enormemente la adquisición de este disco apenas salga al mercado. 

Thursday, July 28, 2022

ODUMODNEURTSE: un espectro que pasea por el castillo de la vanguardia rockera peruana

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión presentamos a ODUMODNEURTSE, proyecto de rock vanguardista del músico multiinstrumentista y compositor peruano Jhordan Jurado Aponte. Este proyecto surgió en la bella localidad de Huancayo, patria chica de Hurtado, en el año 2018, siendo así que al año siguiente ya contaba con suficiente material para un álbum completo. Éste, que responde al título de “Espectros E Imaginarios De Posguerra”, fue publicado en CD y en casete por los sellos connacionales Discos Astromelia e Inti Records, respectivamente, en los sucesivos años de 2019 y 2020.* La propuesta de este proyecto se focaliza en un híbrido de psicodelia progresiva, krautrock, fusión contemporánea de talante posmoderno, space-rock y post-rock. Jurado es el autor de todo este material y está a cargo de un abundante arsenal performativo: guitarras eléctrica, acústica y preparada, bajo, teclados, batería, arpa, palo de agua, xilófono, triángulo, claves, platillos, chacchas, shakers, pandereta, cascabeles, sonaja, bombo de cuero, timbre, campana, percusión de metal y samplers. Además, cuenta con el apoyo ocasional de varios músicos como son Jhosep Santiago (guitarra eléctrica y tubo), Juan Palomares (violín, cello y voz), Felipe Benavides (saxo), Cristian Caballero (bajo), Raúl Cevallos (bongós, yembés y cencerro) y Luis Sarapura (tarola, hi-hat, pandereta, darbuka, palo de agua, platillos, timbales y batería). Mucho se ha expandido la visión musical desde aquellos días en los que fungía de líder de la inolvidable banda EL CEREBRO DE GREGORIO SAMSA, pilar solitario de la avanzada progresiva de Huancayo. Los dos primeros ítems del presente disco fueron grabados y producidos en la ciudad de Huancayo, Junín, durante el año 2018, mientras que el tercero fue grabado en Eco Estudio, ubicado en Lima. Este mismo estudio fue donde Camilo Uriarte se hizo cargo de las labores de mezcla y masterización en el año 2019. Bueno, veamos ahora los detalles del repertorio contenido en “Espectros E Imaginarios De Posguerra”.


La magna maratón sonora de 21 ½ minutos ‘Invitación A La Vida Heroica’ inicia las cosas a lo grande con una apertura donde se cruzan el estándar del stoner y el krautrock a lo ASH RA TEMPEL de una forma bastante dinámica, aunque preservando un aura etérea que permite que fluya naturalmente la pronta inserción de percusiones y azotes cósmicos de sintetizador. En este nuevo e intensificado escenario, se abre espacios para excelsos y filudos solos de guitarra: el esquema sonoro añade elementos de acid-folk a la reinante aureola lisérgica que alumbra a las interconexiones instrumentales. A poco de pasada la frontera del sexto minuto, las cosas se calman para adentrarse en una misteriosa bruma donde, bajo el sutil ropaje de flotantes sintetizadores, se gesta un efectivo cruce entre florituras de bajo, espartanos acordes de guitarra y ornamentos percusivos. Todo resulta ceremonioso, incluso introspectivo, desarrollándose un lirismo grácil que se sitúa entre lo abstracto y lo evocador. Una vez que la guitarra vuelve al primer plano, la ceremoniosidad asume un aire de expectativa ante la próxima irrupción de un relativamente denso ejercicio de psicodelia, el mismo que está motivado por un motif exótico. Los ornamentos percusivos ostentan ahora un tenor ritualístico que, finalmente, aterriza en un lento y solemne pasaje enmarcado dentro del post-rock. Un puente centrado en abstracciones electrónicas nos lleva hacia una nueva sección signada por una cruza de krautrock y space-rock oportunamente alimentada por agitaciones fusionescas (focalizadas éstas en las intervenciones percusivas). Es a partir de estas vibraciones luminosas y celebratorias que se arma el exultante clímax conclusivo de este ambicioso tema. Sigue a continuación ‘San Gregorio: Canto Funerario Mágico-Religioso Entre Los Ayllus Quechuas Del Sur Del Perú’, que comienza con un prólogo apoyado sobre un groove tribal de fuerte raigambre solemne, la misma que se realza eficazmente con el uso de percusiones folclóricas. Pronto se da un viraje radical hacia un ejercicio de space-rock asentado sobre un swing cañero, el cual, a su vez, es pronto reemplazado por una expansión de cánticos ancestrales arropados por efectos de guitarra y sintetizador. El viaje musical tiene sus siguientes estaciones en una breve secuencia electrónica, una serie de corrientes fluviales y otra sección electrónica que parece tener una orientación más gentil. A partir de allí, unos minimalistas efectos sintetizados anuncian un jam psicodélico con base de jazz-fusión; en éste, el saxofón sabe hacerse notar en medio de las aguerridas intervenciones de las guitarras, y así termina este tema con un talante jovial.     


Todo concluye con ‘Aia Marccai Quilla: Ceremoniales En Torno A La Vida Y La Muerte’, un tema cuyo inicio tiene vibraciones lisérgicas y claroscuras de una manera muy similar a las que imperaron al inicio del primer tema, aunque el factor cósmico está patentemente más ensalzado. La maraña de guitarreos y sintetizadores se arma en una atmósfera lúcida y contemplativa que nos remite a los paradigmas de HARMONIA y CLUSTER (discos tercero y cuarto). Tras una relativamente capa minimalista de teclado que anuncia el final de la primera sección, emerge otra que se centra en nimbos flotantes de guitarra que, de cierta manera, emulan el patrón de FRIPP & ENO. Este enfoque apunta a la edificación de una base instrumental para el cálidamente embrujador cántico femenino con el cual ha de concluir la pieza. De esta manera concluye la experiencia de “Espectros E Imaginarios De Posguerra”, el anuncio de ODUMODNEURTSE como una fuerza creativa importante dentro de la vanguardia rockera peruana de los últimos años. Llega un poco tarde esta reseña, pero puede servir como un referente de información sobre algunas vertientes creativas dentro del castillo de la vanguardia rockera peruana de estos últimos años. 


Muestra de “Espectros E Imaginarios De Posguerra”.-
Invitación A La Vida Heroica: https://discosastromelia.bandcamp.com/track/invitaci-n-a-la-vida-heroica


* A propósito, el nombre de este colectivo procede de la palabra que cierra uno de los poemas más célebres de CÉSAR VALLEJO, el Poema XIII – Pienso en tu sexo que forma parte del poemario Trilce (originalmente publicado en el año 1922).

Tuesday, July 26, 2022

Los diversos paisajes musicales del colectivo progresivo francés ENNEADE

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy presentamos “Withered Flowers And Cinnamon”, el nuevo disco del grupo francés ENNEADE, el mismo que está actualmente conformado por Julien Fayolle [bajo, contrabajo, Chapman Stick, pedales Moog Taurus y glockenspiel], Christophe Goulevitch [guitarras eléctricas], Christian Greven [voz, coros y teclados], Frédéric Lacousse [batería, percusiones, marimba y xilófono] y Georges-Marc Lavarenne [guitarras eléctrica y acústica, mellotrón y coros]. Este disco en cuestión fue publicado a fines del pasado mes de abril por el sello Vallis Lupi Productions. Se trata del tercer álbum de estudio de este ensamble formado en 1995 como sexteto en la bella localidad de Lyon, usando mayormente las coordenadas estilísticas del prog-metal. Eso sí, para el tiempo en que llegó el año 2005 y el grupo pudo concretar su álbum de debut “Remembrance”, el esquema sonoro de ENNEADE había virado hacia juegos de contrastes entre pasajes aguerridos y serenos, asimilando más elementos del sinfonismo de ayer y de hoy, y, a fin de cuentas, convirtiéndose en un grupo de prog ecléctico con ocasionales matices de prog-metal. De hecho, con cada nuevo álbum, el grupo tornaba su enfoque musical hacia terrenos más matizados. Aunque el arsenal sonoro del grupo es de por sí robusto, se dio todavía el lujo de contar con algunas participaciones extra: la de Kunio Suma (de la inolvidable banda japonesa BI KYO RAN), quien tocó sendos solos de guitarra en dos temas, y la del saxofonista Olivier Sola, quien aparece en el último tema. El material de “Withered Flowers And Cinnamon”se grabó en Warmaudio Studio y en Convulsound Studio, siendo así que Thibault Bernard (el dueño del segundo de estos estudios mencionados) se hizo cargo de la mezcla y la masterización. El baterista-percusionista de la banda Frédéric Lacousse realizó el arte gráfica del disco bajo la inspiración de una fotografía tomada por Martine Planet. Bueno, vamos ahora a los detalles del repertorio de “Withered Flowers And Cinnamon”.
 

Ocupando un espacio de poco más de 9 ¼ minutos, ‘A Foul Taste Of Freedom’ abre el disco a lo grande, iniciándose con un sereno cántico que pronto abre paso a un ejercicio de ágiles dinamismos rockeros que se sitúan a medio camino entre EDENSONG y YES, y estando así las cosas, se intercalan otros pasajes más filudos donde los riffs y efectos de guitarra ingresan convincentemente en el terreno de lo pesado a través del filtro de RIVERSIDE. De esta manera, opera en la canción una cruza entre la lozana frescura del aire y la fiera incandescencia del fuego. El cuerpo central se ornamenta cabalmente con algunos comedidos solos de sintetizador y de guitarra ubicados en ciertos lugares estratégicos. A poco de pasada la frontera del sexto minuto, emerge un interludio parco e introspectivo signado por armonías mínimas de guitarra acústica; esto sirve como puente hacia una nueva exaltación del bloque sonoro que está diseñada para redondear la faena con suficiente señorío. ‘Illumination’ sigue a continuación y no se deja opacar fácilmente por la canción precedente. De hecho, su estrategia consiste en trabajar la fastuosidad esencial de la banda por vía de una acentuación del perfil lírico, lo cual vez de la mano de un enfoque refinadamente arquitectónico de las secciones pesadas cada vez que estás surgen y salen al frente, algo que, en no poca medida, se siente emparentado con los DREAM THEATER de los dos últimos discos. Es por eso que su presencia ostenta una expresividad ígneamente dramática. Así pues, tenemos aquí una versión semi-metalizada de una cruza entre YES y GENESIS, y de paso, un primer cénit del álbum. Los ornamentos de percusión enlazan el final de este tema con el inicio de ‘Tinkling Forks’, canción, la cual sigue una línea de combinaciones estilísticas entre el paradigma de los BUBBLEMATH y el mejor legado de los KING CRIMSON de la etapa 81-84. La maraña de las guitarras crea una atmósfera grácil oportunamente ataviada por los aportes de las percusiones tonales. Todo se torna mágico cuando surge un flotante solo de guitarra, tras cuyo final se acerca el engarce con el cuarto tema del álbum, titulado ‘Grand Buffet’. Éste sigue por la línea del anterior con un enclave aumentado para el vigor rockero; de hecho, parece como si se tratara de una sola canción bien focalizada en torno a algunos centros temáticos bien definidos. 
 
El repertorio del álbum se cierra con ‘Autumn’, la más larga del disco con su espacio de casi 12 ¼ minutos. Todo comienza con una atmósfera ceremoniosa que raya con lo tétrico en base a un misterioso groove de la batería y unas capas misteriosas de sintetizador y mellotrón. Ya cuando las armonías de las guitarras entran a tallar, lo ceremonioso es reemplazado por lo evocador, siendo así que cuando el dúo rítmico termina de asentarse, la canción asume unas rotundas vibraciones expresionistas. Mientras el grupo va reforzando este posicionamiento en un terreno intermedio entre ADVENT y ECHOLYN, la inserción de algunos pasajes rockeramente vivaces ayuda bastante a sostener el clima de permanente sofisticación musical al cual apunta la banda, aunque la espiritualidad sigue siendo predominantemente evocadora. Esta noción es impulsada diáfanamente por el modo en que el saxofón guía el camino hacia el clímax conclusivo de la canción, uno bastante majestuoso. En menos de 40 minutos, la gente de ENNEADE se ha lucido muy decentemente en cuanto a la creatividad y la energía expuestas en “Withered Flowers And Cinnamon”, un disco que, según nuestra percepción, es uno de los más bonitos que se han realizado en la actual escena progresiva francesa en lo que va del presente año 2022. Muy recomendable, para decirlo con pocas palabras.
 
 
Muestras de “Withered Flowers And Cinnamon”.-
Illumination: https://vallislupi.bandcamp.com/track/illumination-2
Autumn: https://vallislupi.bandcamp.com/track/autumn-2


Saturday, July 23, 2022

La progresivamente electrónica materia gris de INNER PROSPEKT

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

“Grey Origin” es la más reciente obra gestada en los cuarteles de INNER PROSPEKT, proyecto del músico y compositor italiano Alessandro di Benedetti (a quien conocemos de MAD CRAYON), y es el disco que ahora reseñamos. INNER PROSPEKT fue fundado por Di Benedetti con el propósito de generar música ecléctica sin restricciones o limitaciones, siempre bajo ese gran abanico que solemos denominar como rock progresivo. Este proyecto funciona desde el año 2014, llevando un trajín bastante prolífico; entre sus discos más celebrados se hallan “The Gene Machine” (2014), “Canvas One” (2020) y “Canvas Two” (2021), los cuales, en mayor o menor medida, establecían un efectivo balance entre la electrónica, la tradición prog-sinfónica y el sinfonismo moderno. Ahora, con “Grey Origin”, INNER PROSPEKT nos brinda un álbum conceptual de ambientación futurista que pone un cierto énfasis en la electrónica mientras abre varios espacios a la inserción de elementos de jazz-rock contemporáneo, ambient y rock progresivo influido por el paradigma de GOBLIN. Publicado el pasado 2 de marzo por el sello Somnus Media, este disco se inspira en Dianetic Input-Output 5, una obra de ciencia-ficción de ALEX TROMA que aún está en proceso de terminarse, pero que ya tiene una trama bien definida: un científico trata de injertar cerebros en androides diseñados por él mismo, lo cual le lleva a descubrir una nueva forma de vida que él creó inadvertidamente, llegando todo a unos catastróficos resultados, al fin y al cabo. Di Benedetti se hace cargo de los sintetizadores, el piano, la batería, las programaciones de ritmo y el bajo, contando como colaborador en un tema con el guitarrista Rafael Pacha. Bueno, vayamos ahora a los detalles del repertorio de “Grey Origin”.


La obertura del disco se titula ‘En Trance’ y su estructura musical consiste en una elaboración de climas expectantes sobre un swing grácil, gestando desde allí un agradable y envolvente híbrido de nu-jazz y prog electrónico bajo un ropaje ambient. Así las cosas, los ligeros ribetes grisáceos que se mantienen latentes bajo la superficie sonora se mantienen relativamente contenidos por la serenidad emanada del armazón instrumental. ‘The Machinery’ sigue a continuación para plantear el viaje más extenso del álbum, el mismo que ocupa un espacio de casi 10 ¾ minutos. Bien pronto comienza el disco a poner varias de sus cartas sobre la mesa mientras el perturbador sonido de una maquinaria se despliega bajo las serenas escalas y ornamentos de los teclados, lo cual ya empieza a sonar como un inaudito (y eficaz) híbrido de GOBLIN y BURNT BELIEF. Cuando el esquema rítmico cibernético entra a tallar junto a las calculadas florituras del bajo, se da el momento idóneo para que una orquestación etérea de corales computarizadas impulse una ambientación sutilmente inquietante. Poco antes de llegar a la frontera del cuarto minuto y medio, las cosas se intensifican con estratégica gradualidad hasta convertirse en una mezcla de space-rock gentil y el patrón de los TANGERINE DREAM de los 80s, con algunos matices de tenor jazzero (especialmente, por la destacada labor del bajo). Más adelante, el swing se agiliza incrementadamente mientras los teclados arman una orquestación llamativa que podemos señalar como propia del prog sinfónico si no fuera porque esto se parece más a unos THE HUMAN LEAGUE tratando de emular a los GENESIS de la segunda mitad de los 80s que a YES o a los propios GENESIS en sí mismos. Finalmente, todo vuelve a la serenidad misteriosa con que se comenzó. Todo un cénit dentro del concepto del álbum. ‘Brain Sausage’ es un ejercicio de electro-jazz que se mueve naturalmente a través de un groove razonablemente sofisticado. Más allá de los ornamentos y esquemas rítmicos cibernéticos, nos topamos con un foco melódico que muy bien encajaría en un disco de los SOFT MACHINE de la etapa 75-78 que es remodelado por el personal de LA BATTERIA. Cuando llega el turno de ‘Gymnoectomie’, la estrategia creativa comienza con un drástico viraje hacia una cristalina sutileza de claro talante impresionista, para luego sorprendernos con un magnífico despliegue de esplendorosas vibraciones electrónicas con sus consabidos ornamentos jazzeros. Se sienten nexos con el tema #2.  

‘Le Docteur’ parece regresar de lleno a las referencias al paradigma de GOBLIN en un contexto de experimentación electrónica con el ambient, siendo así que la arquitectura general de la pieza se inclina hacia cierto tipo de minimalismo. De todas maneras, hay algunos pasajes estratégicos donde se dan efímeros enclaves de estilización melódica. ‘Cavie’ regresa al sendero de lo más fastuoso de los temas #2 al #4 del álbum para alimentar al ágil groove en curso con una exquisitez cinematográfica que se explaya por igual a través de sus diversas secciones: algunas se enfocan en lo jazz-progresivo, otras se internan en un minimalismo etéreo con sutiles tonalidades espectrales. La presencia de la guitarra eléctrica para gestar un elegante solo a mitad de camino es suficiente para guiar al bloque instrumental entero hacia un aumento de la plasticidad y el colorido en el antes mencionado factor jazz-progresivo. La sección epilogar vira hacia un ambient moderadamente suntuoso que aterriza sobre unas grisáceas escalas de piano eléctrico. La segunda pieza más larga del álbum es la que sigue a continuación y se llama ‘Special Waste’ (dura 10 minutos y pico). Tras un preludio flotante y misterioso, emerge un bloque instrumental electrónico que se focaliza en una cruza entre el nu-jazz y la Escuela de Berlín, logrando también dar alas a desarrollos líricos que siempre se asocian a la faceta romántica del prog sinfónico tradicional en varios momentos. Eso sí, también hay otros pasajes de piano o de sintetizador que nos perturban con sus espartanos fraseos encuadrados dentro de una espiritualidad gótica, ostentando una apariencia solipsista y tenebrosa. Debemos volver a la imagen del paradigma GOBLIN filtrado a través de las pautas generales del ambient como referencia descriptiva. Con la dupla de ‘L’Assistant’ y ‘The Plague’, el repertorio sigue mostrando matices interesantes dentro del esquema de trabajo del disco. El primero de estos temas mencionados consiste en una ilación abstracta de varios motivos, mientras que el segundo se explaya fluidamente en una vivaz combinación de electrónica y jazz-rock con tonalidades un tanto espectrales. ‘Ex It’ trae consigo el cierre del disco y lo hace cerrando el círculo abierto por ‘En Trance’, mostrando una expansión de sus atmósferas cinematográficas

Como balance final, solo queda agradecer a INNER PROSPEKT que nos haya brindado un disco tan refinado como “Grey Origin”, renovando su senda musical con respecto a la línea de trabajo plasmada en los dos discos precedentes, a la par que conserva un espíritu de aventura y exploración dentro del multicolor mundo progresivo... y más allá. Un disco tan pletórico de orfebrería modernista solo puede recibir palabras de elogio y de recomendación.


Muestras de “Grey Origin”.-

Wednesday, July 20, 2022

El masivo protocolo jazz-progresivo del ensamble noruego PYMLICO

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el turno de presentar al ensamble jazz-progresivo noruego PYMLICO y su tercer trabajo de estudio “Supermassive”, el cual fue publicado el pasado 20 de mayo, tanto en CD como en vinilo (ediciones respectivas en colores negro y blanco). Se trata del séptimo disco de este grupo conformado por Øyvind Brøter [teclados], Stephan Hvinden [guitarras], Andreas Sjo Engen [guitarras], Arild Brøter [batería y teclados], Oda Rydning [percusión], Robin Havem Løvøy [saxofones] y Are Nerland [bajo y guitarras y teclados adicionales]. El disco que hoy reseñamos fue publicado tanto en CD como en vinilo por el hiperactivo sello Apollon Records el 20 de mayo pasado. Para algunas partes del repertorio de “Supermassive”, el ya abundante colectivo contó con las colaboraciones ocasionales de Mattias Krohn Nielsen (guitarras eléctricas y acústicas), Ole Michael Bjørndal (guitarra lap steel), Roine Stolt (guitarra), Erlend Lindvåg Solemdal (piano eléctrico Fender Rhodes), Filip Brekke Steigedal (trombón) y Petter Lien (trompeta). PYMLICO se formó en la ciudad de Oslo en 2009 como proyecto del compositor y multiinstrumentista Arild Brøter*, quien, trayendo consigo a su hermano Øyvind para tocar teclados y a otros amigos de su entorno para que añadan más instrumentos en la grabación de sus primeras composiciones, logró debutar en el año 2011 con el álbum “Inspirations”. A partir del cuarto álbum “Meeting Point” (2016), PYMLICO amplió su membrecía a quinteto y al poco tiempo se amplió a septeto. De paso, el repertorio de la ahora banda incluía composiciones de otros integrantes aparte de las del fundador. La línea de trabajo de PYMLICO siempre se ha movido dentro de una cruza modernizada de estándares del jazz-rock y el prog sinfónico, siendo así que en los últimos discos, la balanza se ha inclinado más hacia el primero de estos factores mencionados. “Supermassive” reafirma esta tendencia, tal como veremos al repasar los detalles del repertorio contenido en él. 
 

La dupla inicial de ‘Breaking Protocol’ y ‘Confusion’ ocupa un total conjunto de 12 minutos y sirve para que el ensamble ponga buena parte de las cartas de su baraja musical sobre la mesa. El primer tema ostenta un groove modernista sobre el cual se termina enarbolando las bases para el motivo central, el cual establece frontalmente un aura extrovertida y llamativa. La combinación de batería y ritmo programado asegura el encuadre perfecto para la combinación de jazz-fusion al estilo de los fines de los 70s y nu-jazz que delinea el esquema de trabajo del ensamble. En cuanto a ‘Confusion’, el ambiente se asienta sobre un groove muy semejante al de la pieza inicial, pero su dinamismo se siente un poco más sofisticado y, sobre todo, abre campo a un lirismo más fulguroso. En un inicio, el saxofón se destaca bastante dentro del entramado global, dejando después el protagonismo para las guitarras. La inclusión de pasajes etéreos y ornamentos cósmicos de sintetizador permite al grupo adentrarse convincentemente en un eclecticismo bien capitalizado. Un primer cénit del disco. ‘Clockwork’ cambia de registro por dos vertientes: una es la de trabajar con cadencias más reposadas, la otra es la de explorar un dinamismo más muscular para el enmarañamiento de los instrumentos actuantes. Hay algunos pasajes donde la banda parece coquetear con un swing de tenor reggae. También hay un hermoso solo de guitarra al final que es uno de los más destacados del disco entero (posiblemente sea el de Roine Stolt). ‘Are We There Yet?’ recoge en buena medida los trazos del segundo tema del álbum y le insufla un aura contemplativa en medio de la reinante luminosidad sonora. Regresando a la ingeniería sonora los ornamentos cósmicos de sintetizador, éstos son manejados a través de un filtro progresivo; por encima de ellos van brotando los sucesivos solos de las dos guitarras y del saxofón. ‘Time Out’ comienza mostrándonos la faceta más introvertida del ensamble, apoyándose sobre calmadas capas y ornamentos de teclado, pero cuando se instala el cuerpo central, el colectivo se enfoca en un cálido y llamativo ejercicio de jazz-funky propio del paradigma del HERBIE HANCOCK de fines de los 70s con algunos retazos de los WEATHER REPORT de inicios de los 80s. Otro momento culminante del álbum.


‘Little Nellie’ se centra ya en una extroversión aún más expandida, centrando su foco sonoro en el estándar del jazz-rock con matices funky, incluyendo un pequeño dueto de batería y percusión de tenor Latin-jazz. De todas maneras, también hay espacio para que entre a tallar un pasaje más comedido donde se trabaja con sutilezas evocadoras, un estupendo recursos de variedad. Lo que suena tiene ciertos aires de familia con el patrón de VITAL  INFORMATION. Cuando llega el turno de ‘Doppelmayr’, el grupo regresa al señorío explícito que marcó anteriormente a la secuencia de los temas #2 a #4, aunque no con el mismo punche; eso sí, la labor de los teclados sigue siendo fundamental para marcar la pauta del motif central y los solos duales de guitarra y saxofón que entran a tallar en momentos estratégicos. El repertorio termina con ‘WTG’, una galante exhibición de jazz-fusion melódico con las suficientes dosis de lucimientos individuales (incluyendo un breve solo de bajo) en medio del ambiente moderadamente crepuscular que marca al desarrollo temático. Una vez más, el mejor solo de guitarra está reservado para los últimos momentos, los cuales anuncian un epílogo trazado por una muy bien cuidadamente orquestada atmósfera. Todo esto fue lo que la gente de PYMLICO nos brindó con su nuevo álbum “Supermassive”, casi tres cuartos de hora de música exquisita y refinada que puede complacer por igual a los coleccionistas de rock progresivo y los de jazz-rock. De paso, recomendamos a quienes nos lean que investiguen en toda su discografía anterior. 




* También es productor del disco de CALIGONAUT y fue baterista en el primer álbum de MYTHOPOEIC MIND, además de formar parte de la alineación momentáneamente reformada de la legendaria banda LUCIFER WAS a mediados del decenio pasado. 

Sunday, July 17, 2022

La ósmosis jazz-progresiva del cuarteto inglés SPLINK

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión se da el turno del cuarteto inglés de música jazz-progresiva SPLINK y su recientemente publicado álbum de estudio “Kozmosis”, más específicamente, publicado el pasado 22 de junio en el blog de Bandcamp del propio grupo, estando después disponibles los ejemplares físicos (desde el último día de ese mismo mes, para ser más exactos). La alineación de SPLINK está conformada por Matt Evans [guitarras y teclados], Tim Chapman [batería], Vikki Ings [violín] y Andy Crickett [bajo]. Se trata de su segundo disco de estudio tras el debut del 2017 titulado “Free”. Partiendo desde una muy ágil cruza entre el señorío del jazz-rock con elementos fusionescos y la colorida estilización de la más pura tradición prog-sinfónica, el colectivo de SPLINK se impulsa hacia un eclecticismo sólido y caleidoscópico donde los obligados despliegues de virtuosismo individual saben ajustarse compactamente a las exigencias emergidas de las bien delineadas interacciones entre los instrumentos. Todo se siente muy libre y muy articulado a la vez, y en sus actuaciones en vivo, los integrantes de SPLINK suelen disfrutar de hacer largos jams, tal como se evidencia en los registros en vivo “Live At The Avalon Ballroom Weekender 2019” y “Live At Glastonbury Psychfest”, ambos publicados a fines del año 2020 en el ya mencionado blog de Bandcamp de la banda. En este disco de estudio “Kozmosis”, el cuarteto explora ideas más concretas en cuanto a la ingeniería de sus desarrollos temáticos, pero la sofisticación estética del grupo está siempre a flor de piel. Veamos los detalles del disco en cuestión.  


Abre el álbum la pieza que justamente le da título, ocupando un espacio de poco más de 6 minutos y medio. ‘Kozmosis’ despliega una energía expresiva bien articulada sobre un medio tiempo en 6/8 que permite resaltar el peso lírico invertido en la gestación del motif principal y sus variantes sucesivas. Lo que suena parece una cruza entre el patrón del JEAN-LUC PONTY de la etapa 75-80 y el de la CHICK COREA ELEKTRIC BAND, con algunos toques de esa refinada garra alucinada que ALLAN HOLDSWORTH exhibió en su inolvidable fase 1983-89. Poco antes de llegar a la frontera del cuarto minuto, la mecánica sonora se detiene, y justo cuando esperábamos un viraje, en realidad se trataba de un breve paréntesis humorístico diseñado para reactivar de lleno el motif inicial hasta el final del camino. Con este estupenda apertura del álbum se engarza el siguiente tema, titulado ‘In The Pocket’, el cual se mete en un groove más propio del nu-jazz para, a partir de allí, explorar aspectos más densos del colorido esencial del ensamble. El violín ocupa un lugar más protagónico en el armado de la atmósfera general mientras las complejas líneas de bajo establecen el nexo perfecto entre el bloque rítmico y el bloque melódico. La dupla de ‘Brambling Song’ y ‘Pins And Noodles’ permite a la banda explorar más recursos sonoros dentro de su versátil paleta musical. El primero de estos temas mencionados, que dura poco más de 2 minutos y medio, se apoya en un esquema de trabajo bucólico muy genuinamente metido en el estándar prog-sinfónico: una pieza con una atmósfera así no hubiera estado fuera de lugar en un disco de HANDS o de PREMIATA FORNERIA MARCONI. En cuanto a ‘Pins And Noodles’, éste nos devuelve al terreno más plácido del ideario de PONTY a través de un filtro Yessiano y algunos toques extra de HAPPY THE MAN. La manera en que el compás inusual marcado por la dupla rítmica se destaca dentro del armazón sonoro global conlleva que el desarrollo temático se deje envolver por una expresividad bárbaramente magnética, grandilocuente con meticuloso refinamiento. 

‘Greenlands’ abre la veta de exploraciones folclóricas con altas dosis de convicción dentro de un contexto jazz-rockero particularmente sereno. Así las cosas, el estilizado núcleo melódico guiado por el violín asume una aureola reflexiva (de una manera afín a la flauta en los JETHRO TULL de la fase 77-78) mientras el resto del ensamble exhibe una garra expresiva relativamente contenida. Esa línea de trabajo continúa con el arribo de ‘Cavendish’ aunque con un enfoque notoriamente impactado por el incremento de garra expresiva apropiado por el ensamble para esta ocasión. En este momento, el grupo apela a un prólogo psicodélico de carácter cuasi-Crimsoniano y a un swing ágil para permitir que el nervio rockero remodele y hasta retuerza las vibraciones primigeniamente folclóricas del núcleo melódico. Es como tener juntos en un cuarto a MORAINE y BOUD DEUN elaborando una estrategia común para fomentar la heterodoxia progresiva plena dentro de la tradición pastoral. Tenemos aquí uno de los momentos más notables del disco. ‘Jeremy’s Been Shot’ es un ejercicio de jazz-rock sobre una base bluesera que se sostiene sobre el refuerzo continuo de un motif bien delineado. Algunas breves partes cantadas que, en realidad, son casi recitadas, añaden solemnidad al asunto. Siendo la pieza más extensa del álbum con su espacio de casi 8 ¾ minutos, ‘Spaghetti Double Gazing’ está diseñada para llevar al repertorio del álbum hacia un clímax decisivo. Los pasajes principales se mueven sobre un ágil swing jazz-progresivo mientras el violín y la guitarra se van turnando en la asunción de la guía de los desarrollos temáticos, los cuales transitan entre lo grácil y lo aguerrido. A mitad de camino, las cosas se calman para abrir campo a un interludio cósmico, el cual, a su vez, sirve como puente para un nuevo motif donde se abre campo un nuevo recurso de exultante vivacidad. Aquí se despacha más a su gusto la dupla rítmica en cuanto a su demostración de virtuosismo porque el swing adquiere una mayor dosis de sofisticación. Todavía queda algo más, la versión acústica de ‘Greenlands’: si bien la primera versión ya tenía guitarra acústica dentro de su armazón sonoro, ahora opera aquí solamente un dueto de guitarra acústica y violín, y además, opera aquí un espíritu más reposado y reflexivo. Es la manera que tiene el grupo de decirnos las buenas noches tras las diversas expresiones de jolgorio progresivo que se han venid sucediendo hasta este punto. 

Todo esto fue lo que se nos ofreció en “Kozmosis” desde los cuarteles de SPLINK para nuestro deleite melómano; hemos descubierto a esta banda recién con este segundo trabajo fonográfico de estudio y nos parece interesante investigar en todos los registros pasados de este cuarteto que nos ha dejado muy per que muy complacidos. Un disco totalmente recomendable para cualquier fonoteca dedicada al jazz-rock o al rock progresivo... ¡o a ambos géneros! 



Thursday, July 14, 2022

TRYTON: una quimera prog-metalera francesa


 
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Hoy es el turno de presentar al trío instrumental francés de prog-metal TRYTON y su primer trabajo de estudio “Chimères”, el cual fue publicado el pasado 28 de mayo como descarga desde el blog de Bandcamp de la propia banda. Los integrantes de esta banda parisina son el guitarrista Tiziano Sammarro, el teclista Damien Chauvin y el baterista Yves Dubeloy. Las piezas compuestas en este álbum oscilan entre los poco más de 3 minutos y cuarto y los casi 6 minutos de duración, con excepción del último, el cual dura 7 minutos y pico. Formado en la capital francesa de París hace algunos años, este grupo cultiva un sonido aguerrido y filudo que se enriquece en varios momentos con la apertura ecléctica a ornamentos y texturas procedentes de otras fuentes del art-rock. Adelantamos que “Chimères” es un disco bastante interesante por causa de lo bien llevado que es precisamente ese eclecticismo al cual acabamos de hacer mención; la grabación del material de este álbum tuvo lugar en el Studio Du Regard bajo la guía de Christophe Sarlin. La cautivadora y perturbadora imagen de la portada fue creada por Marie Leon. Bueno, veamos ahora los detalles de este repertorio. 


Da inicio a las cosas ‘Axone’, una pieza muscular y oscurantista que nos remite a un talante Sabbathiano en los golpes prologares tanto como en los riffs básicos, aunque pronto se desarrolla un cuerpo central estilizado que mayormente se explaya sobre un medio tiempo. Un interludio trepidante entra a tallar para aportar algo de variedad al asunto, regresando justamente para la instancia final. Llega a continuación el turno de ‘Mega Low Don José’, una pieza diseñada para perpetuar el vigor expresivo de la pieza inicial y reactivar su fragor expresivo. Todo este despliegue de vibraciones metaleras con proyecciones razonablemente sofisticadas incluye algunas conexiones con el patrón del death metal y la neurosis del paradigma Crimsoniano. Hay ciertos pasajes que gestan una ambientación expectante antes de que emerjan trazos arquitectónicos de furia rockera para el clímax que tiene lugar durante el último minuto. El grupo sigue mostrando renovadoras aristas dentro de su propuesta musical cuando llega el turno de ‘Blue Pepper’, una pieza que comienza en clave de jazz-rock con el infaltable dinamismo metalero, para luego establecer un inconfundible groove jazz-progresivo sobre el cual el trío despliega una aguerrida energía rockera muy en línea con lo que hacen bandas como AZIOLA CRY. Los ornamentos del órgano ayudan solventemente a concretar el colorido potencial de la pieza, llenando espacios con relevantes pinceladas sin hacerse abrumadores. La dupla de ‘Frustration’ y ‘Monde 2-1’ sirve para que el ensamble siga explorando matices y atmosferas de su propuesta musical. El primero de estos temas mencionados se sitúa cómodamente en una cruza entre los temas #1 y #2 con un especial énfasis en el desarrollo de atmósferas mecánicamente oscurantistas: la estrategia consiste mayormente en traducir el estándar del death metal hacia un señorío de inspiración math-rockera. En cuanto a ‘Monde 2-1’, éste porta una agilidad cristalinamente perfilada y bien arropada por vibraciones ígneas. Guardando ciertos aires de familia con ‘Blue Pepper’, el trío concreta aquí varios recursos de estilización palaciega sobre los que se atiza la contundente aureola del desarrollo temático. Tenemos aquí un cénit definitivo del álbum.  

‘Neapolis’ es una pieza aún más compleja que sondea y edifica enmarañamientos entre el prog-metal de nervio oscurantista, la psicodelia y el math-rock, muy en línea con las líneas de trabajo de CANVAS SOLARIS y TITAN TO TACHYONS. Los diversos motivos se van sucediendo con impoluta fluidez mientras los aportes instrumentales se mantienen bien focalizados en su ingeniería colectiva. El séptimo tema del álbum es el que le da título: Chimères’ recibe, en buena medida, los ecos de recia y maciza sofisticación del tema precedente junto a rezagos sónicos derivados del tema #5. El solo de guitarra que entra a tallar alrededor de la frontera del segundo minuto es particularmente puntilloso, mientras que otro que emerge más tarde exuda una cierta aureola Frippiana (al estilo de los KING CRIMSON de 1974). Antes de este último, el trío había armado un interludio machacón, y ahora, en la última sección del tema, el groove se torna ceremonioso y adopta ciertas vibraciones tribales. ‘Toxic’ es un tema que regresa, en cierta medida, a la sofisticación progresiva que quedó bien marcada en la secuencia de los temas tercero al quinto. Aquí tenemos el que tal vez sea el mejor solo de teclado de todo el álbum y, de paso, uno de los más alucinantes solos de guitarra. La batería también se siente especialmente destacada dentro del entramado sonoro, no quedándose atrás en su lucimiento a la hora de sustentar la meticulosa ingeniería multitemática. Como dijimos en el primer párrafo, el último tema del disco es el más largo del mismo y responde al título de ‘Zvedza’. Éste comienza con una proclama emitida por una voz femenina, lo cual abre camino a un complejo ejercicio de vibraciones marciales sobre un compás inusual, lo cual pronto abre puertas un nuevo ejercicio de señorío metal-progresivo. En muchos sentidos, esta pieza continúa por la senda ígneamente implosiva del penúltimo tema para impulsarlo hacia un escalón superior de arrebato majestuoso, tanto en el desempeño individual de cada instrumento como en el armazón general. Muy buena resultó la idea de cerrar el disco con dos cénit sucesivos, pues esto ayuda crucialmente a impulsar el impacto del repertorio de “Chimères” como un todo. La gente de TRYTON nos ha impresionado bastante con su primer álbum; este trío francés hace gala de una frescura muy peculiar dentro de la provincia rockera del prog-metal. Atención a este grupo, ojalá nos traiga más discos estupendos en el futuro próximo. 



Monday, July 11, 2022

Espacio de renovación para TANGERINE DREAM

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el turno de presentar un disco muy especial, un disco que cumple con la misión de reforzar la vigencia de un nombre veterano y esencial dentro de la larga tradición del krautrock electrónico desde la Escuela de Berlín: TANGERINE DREAM. El nuevo disco de esta entidad transgeneracional que actualmente opera con la alineación tripartita de Thorsten Quaeschning [sintetizadores y secuenciadores], Hoshiko Yamane [violín, violín y viola eléctricos] y Paul Frick [sintetizadores, secuenciadores y piano] se titula “Raum” y publicado por el sello londinense Kscope el pasado 25 de febrero, tanto en CD como en doble vinilo. El sello alemán Eastgate colaboró en esta producción y su difusión en el mercado europeo. Un factor entrañable que se plasma en parte del repertorio de este nuevo disco es la presencia póstuma de Edgar Froese, ni más ni menos. Este maestro que fue el único integrante constante en todas las obras fonográficas de TANGERINE DREAM hasta hace algunos años falleció el 20 de enero de 2015, pero dejó una serie de grabaciones de esquemas e ideas melódicas en un copioso archivo personal. El trío vigente usó unos cuantos de ellos para que formen parte del disco que ahora reseñamos, y no solo eso: también se usó algunas fotos hechas por el propio Froese para la portada y la contraportada de este álbum (recordemos que Froese, antes de embarcarse en la profesión musical, provenía de las canteras de las artes plásticas). O sea, tenemos aquí la peculiaridad de que este segundo álbum de estudio tras su muerte reactiva la presencia de Froese dentro de la propuesta musical expuesta en este disco. Pero bueno, hoy por hoy, Quaeschning, un prolífico músico y compositor experto en electrónica, es el líder de la etapa nueva que se abrió para TANGERINE DREAM tras el mencionado fallecimiento de Froese. Su primera presencia aquí tuvo lugar en el año 2005 como parte del trío completado por Edgar y su hijo Jerome Froese en el disco “Jeanne D’Arc – La Révolte Éternelle”, y tras la partida de Jerome, se erigió como lugarteniente perfecto del buen Edgar. Frick, por su lado, es un joven veterano y versátil que estudió piano y ha pasado por áreas musicales tan disímiles entre sí como la música de conservatorio, el metal, el hip-hop, el jazz y, claro está, la electrónica. Tras fungir como músico de apoyo en conciertos, se convirtió en miembro oficial de la banda a mediados del año 2020. En fin, Yamane, pasó de colaboradora a integrante de TANGERINE DREAM desde 2011; natural de Osaka, radica en Alemania desde que decidió estudiar allí la maestría en violín. El ámbito académico y el electrónico le son muy familiares por igual. “Raum” fue grabado en varias sesiones a lo largo del pasado año 2021 en Raum Studio y The Shoppe Studio, ambos situados en Berlín; la mezcla se realizó en el segundo de estos estudios mencionados, mientras que la masterización se realizó en Islandia, más específicamente, en el estudio Sundlaugin de Reikiavik. Bueno, vayamos ahora a los detalles del repertorio, ¿vale?


Todo comienza con una entusiasta y dinámica pieza titulada ‘Continuum’, cuyo breve preludio de densas capas cósmicas abre paso a un grácil swing computarizado sobre el cual se arma un entramado de secuencias y revestimientos armónicos que ostentan solventemente un espíritu de gentil agilidad. Solo en las instancias finales se da un impulso especial al potencial señorial de la estructura expresiva de esta pieza de apertura. Acto seguido, llega el turno de ‘Portico’, una de las composiciones impulsadas a partir de esos aportes póstumos de Froese a los que aludimos en el primer párrafo de la presente reseña. Desde la sección introductoria nos damos cuenta claramente de que el ensamble trabaja con una cruza entre las fases 74-75 y 1980 dentro del legado eterno del grupo. Hay un enfoque claro en ambientes minimalistas de tenor futurista y icho enfoque es mencionado con una musicalidad cristalina que hace de lo etéreo una exhibición de fulgor modernista. La arquitectura de grooves y secuencias repetitivas permite a la banda contar con un contante núcleo de apoyo para los sintetizadores actuantes. ‘In 265 Zeichen’ es el tema más extenso del álbum con sus 19 minutos y pico de duración. Su sección prologar es solemne sin dejar de tener conexiones estilísticas con la pieza precedente, siendo así que cuando las cosas se enfilen más sesudamente hacia un horizonte de sonoridades flotantes, el trío crea una poderosa y envolvente atmósfera donde las irrupciones de algunos elementos sintetizados operan como complementos vivaces del clima general. Antes de llegar a la frontera del quinto minuto, la pieza vira hacia un motif centrado en un señorío fastuoso, siguiendo la pauta trazada por el serpenteo temático del violín. Los matices futuristas de la electrónica progresiva se conectan muy bien dentro del esquema de trabajo operativo, el cual se centra en un esplendor fastuoso que se instituye como ingeniería directora del firme viaje musical en curso. Más adelante, tras un breve puente marcado por los ornamentos tribales en el groove computarizado, la banda explora otro campo de lirismo hasta el punto de darle un convincente recurso de exultante majestad a la dinámica vitalidad compartida por los instrumentos actuantes. El aterrizaje conclusivo sobre el motif inicial redondea la labor eficazmente. Tenemos aquí un cénit del álbum, no nos cabe duda. 
 

‘You’re Always On Time’ comienza con una secuencia rítmica que emula un mecanismo de relojería, lo cual resulta bastante idóneo para explorar cadencias renovadoras y refrescantes dentro del canon presente de TANGERINE DREAM. La naturaleza cuasi-robótica de varios elementos percusivos aquí presentes nos vuelven a hacer recordar esa fase 74-75. En cuanto al desarrollo temático en sí, el grupo sigue trabajando con atmósferas cósmicas de claro talante fastuoso. ‘Along The Canal’ comienza con una secuencia intrépida que pronto se emplaza en un swing más calmado, aunque siempre preservando esa cualidad acuática que ya están presentes en varios momentos incluidos en los repertorio de discos tan paradigmáticos como “Phaedra”, “Ricochet” Stratosfear”. De hecho, todas las texturas del violín eléctrico y todos los colores gestados por las capas de los sintetizadores giran en torno a las variables que va adoptando dicha secuencia: ésta es la columna vertebral de la composición misma y, con ello, impulsa un dinamismo abstracto que, a fin de cuentas, resulta bastante poderoso. Podemos considerar a esta pieza como otro cénit emblemático del disco. La dupla de ‘What You Should Know About Endings’ y la pieza homónima ocupa conjuntamente el espacio de los últimos 21 ¾ minutos del repertorio, y, de paso, contiene también aportes del inmortal Edgar Froese ‘What You Should Know About Endings’ tiene una estrategia relativamente similar a la de la pieza precedente, pero su espiritualidad es más intensa, lo cual le permite gestar y ostentar una pomposidad cibernética más contundente, incluso exhibiendo a veces un carácter más filudo. Si el empuje expresivo fundamental de ‘Along The Canal’ era lúdico y saltarin, el que define a ‘What You Should Know About Endings’ tiende a ser más tenso en varios pasajes de su sofisticada estructura. Por su parte, ‘Raum’ se enfila mayormente hacia algo relajado y contemplativo en una primera instancia, llevándonos hacia esa combinación de centelleo envolvente y minimalismo electrónico que signó al periodo 74-75 del clásico trío de los Sres. Froese, Franke y Baumann. Más adelante, el centro temático adquiere una densidad exuberante que se sitúa a medio camino entre la exaltación y el ensueño. Poco antes de llegar a la frontera del décimo minuto, el ambiente se apacigua un poco a fin de brindar un aura más explícitamente señorial a las vibraciones modernistamente exultantes que llevan varios minutos llenando espacios por doquier. El último minuto y medio se enfoca en una relajante atmósfera crepuscular.  


“Raum” es un disco interesante en sí mismo porque ostenta un vitalismo que, de manera muy eficaz, muestra que esta nueva generación de TANGERINE DREAM tiene mucho por ofrecer a la vanguardia musical de nuestros tiempos. Claro está, también está la circunstancia significativa y entrañable de que el inmortal maestro Edgar Froese se hace presente en algunas de las composiciones aquí contenidas. La palabra Raum significa espacio, lugar, habitación, confín, contexto... Y bien puede describirse este disco como una exploración de renovados confines para el actual trío mientras echa algunos vistazos a algunos de los lugares más notables de su extensa trayectoria pasada y heredada. Es un trabajo muy bueno, digno heredero de muchas de las orientaciones estilísticas plasmadas en lo más celebrado de la tradición particular de TANGERINE DREAM, por lo que lo recomendamos fehacientemente en cualquier fonoteca que se precie de ser, como mínimo, buena. De paso, dedicamos esta reseña a la memoria de Edgar Wilmar Froese (Tilsit, 6 de junio de 1944 - Viena, 20 de enero de 2015).



Friday, July 08, 2022

El eficiente espacio rockero del trío finlandés MOONWAGON

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da el turno de presentar uno de los discos más interesantes y eclécticos que se ha gestado en el escenario progresivo escandinavo en lo que va del año 2022: nos referimos al nuevo álbum del trío finlandés MOONWAGON “The Efficient Use Of Space”, el mismo que fue publicado en la última semana de febrero pasado por el sello connacional Presence Records tanto en formato de CD como de vinilo. La alineación de MOONWAGON está conformada por Joni Tiala [guitarras, sintetizador, piano, Theremin y canto], Janne Ylikorpi [bajos, pedales bajos y sintetizador] y Jani Korpi [batería, percusión, pad electrónico y voz]. Se trata del cuarto disco de estudio de este grupo, sucediendo por 7 años a “The Rule Of Three”, siendo así que el material contenido en “The Efficient Use Of Space” fue grabado en varias sesiones que tuvieron lugar a lo largo del extenso ínterin desde el año 2018 al 2021. El grupo se originó como cuarteto en la localidad de Kokkola en 2008, pero a partir de la época del antes mencionado “The Rule Of Three”, el grupo se reajustó como trío. La banda practica un prog psicodélico colorido y versátil que se siente muy afín a la línea del space-rock, pero, principalmente, con un gusto consistente y coherente por el enriquecimiento ecléctico del potencial expresivo de cada una de sus composiciones; justamente este nuevo disco es el más ambicioso de su carrera en cuanto a la concreción de este enfoque estético dentro del escenario progresivo actual. Repasemos a continuación los detalles de su repertorio.

Abre el álbum ‘Banzai Boogie’, una pieza sencillamente demoledora que, tras un breve cántico cósmico, se enfila hacia un frenesí propio del estereotipo de HAWKWIND, frenesí que se capitaliza sustancialmente con la inclusión de afinidades con los contemporáneos TOWN PORTAL y los legendarios BLACK SABBATH. Se crea así una explosión incendiariamente híbrida de hard rock clásico y jam rock bajo un manto de psicodelia pesada. Luego de este despliegue de llamativo fragor sigue la secuencia de dos temas que, respectivamente, duran 8 ¾ y 8 minutos: ‘Far Apart’ y ‘Waiting For  Tomorrow’. El primero de ellos vira totalmente de registro para encaminarse por un grácil rock psicodélico parcialmente emparentado con los veteranos escandinavos MOTORPSYCHO, aunque, esta vez, en lugar de centrarse en un vigor incendiario, su núcleo sonoro se centra más bien en armonías desarrolladas al estilo del así llamado rock alternativo. De esta manera, el swing puede elaborarse con un cierto nivel de sofisticación (incluyendo la inserción de algunos tempos inusuales) y los ornamentos sintetizados pueden hacer notar más sus aportes al bloque sonoro íntegro. También hay que resaltar la presencia de un espectacular solo de guitarra y varios pasajes muy lucidos del bajo. En cuanto a ‘Waiting For Tomorrow’, el grupo comienza delineando un cautivador ejercicio de space-rock alimentado por grooves jazz-progresivos (como a veces hacen otras bandas como VESPERO o HIDRIA SPACEFOLK), para luego virar hacia algo más frontalmente denso a fin de dotar de un vigor renovado al bien definido perfil temático de la pieza. De hecho, una vez instalados adecuadamente los refuerzos de vigor rockero, el ensamble se siente cómodo manejando la cruza de psicodelia espacial y filuda, jazz-rock y prog sinfónico con la que seguirá manejando lo que queda del ambicioso desarrollo temático. El uso de algunos estilizados solos y capas de sintetizador ayuda bastante a preservar el señorío de una piza tan clamorosamente vitalista como ésta. Dos cenit sucesivos para un álbum que ya da muestras de grandeza progresiva antes de completar el espacio de 25 minutos. ‘Left Dangling’ sigue específicamente las pistas de jazz-rock y sinfonismo dejadas por el tema precedente y realiza otro renovador ejercicio sonoro, esta vez navegando en un terreno intermedio entre LIQUID TENSION EXPERIMENT y BOZZIO LEVIN STEVENS. 

‘Neverending Sky’ toma nota del espíritu general de la pieza precedente y de los elementos más sutiles del tema #3 para fusionarlos dentro de un estupendo ejercicio de refinado lirismo que se explaya plácidamente sobre un groove relativamente sereno. Con una base sonora notablemente influida por el jazz-rock meódico del nuevo milenio, esta pieza también acoge fluidamente ornamentos y vibraciones propias del space-rock melódico, muy a tono con lo que observamos en los pasajes más líricos de los discos de MAAT LANDER y VESPERO. Otro ítem climático del repertorio. La miniatura de menos de 2 minutos ‘Strange Encounters’ establece un groove llamativo para un esquema de trabajo electrónico de matices pop, lo cual siembra el terreno para que emerja ‘Nights Of Neon’ con un nuevo despliegue de space-rock melódico apropiadamente alimentado por aspectos ambient e inteligentemente reforzado por el rol suficientemente protagónico de la guitarra. Mientras tanto, las armonías y capas de sintetizador cumplen con la misión de llenar espacios con soltura mientras el bajo dibuja virtuosas conexiones entre melodía y esquema rítmico. Cuando llega el turno de ‘Northern Secrets’, el trío se centra nuevamente en elaborar una cruza entre prog psicodélico y jazz-rock, trabajando esta vez un enfoque más estratégico para emplazar los lugares donde el esquema sonoro desde ostentar una suntuosidad envolvente y otros donde éste debe ser más cerrado y espartano. ‘Smoke & Mirrors’ es el tema más extenso del repertorio con su espacio de más de 10 minutos y medio, y ciertamente, aprovecha su privilegiada duración para explayarse en la elaboración de variados recursos sonoros. Comenzando con un groove jazz-progresivo arropado por etéreos climas psicodélicos, llega pronto el momento en que la guitarra sale al frente y le insufla una musculatura especial al esquema sonoro. Poco antes de llegar a la frontera del cuarto minuto, el trío gira hacia una garra explosiva reminiscente de la pieza de apertura, logrando así impulsar la erupción de una hoguera contundente y áspera marcado por un clamor desenfrenado y pesado. Una última sección se vuelca hacia una instanciación space-rockera que empieza con una delicadeza solemne y termina con un garbo preciosista y rotundo. Una pena que el fade-out llegue cuando dicho garbo aún parecía tener un poco más para ofrecer. ‘Orbits’ cierra el repertorio con una aureola centrada en el ambient progresivo que vuelve a poner al trío en disposición de explorar la faceta más serena de su visión eclécticamente cósmica del rock. Los teclados ocupan el rol protagónico dentro de este marco epilogar; la presencia ocasional de percusiones étnicas también resulta relevante para completar la atmósfera de este broche final del álbum.

Ésta fue nuestra experiencia con “The Efficient Use Of Space”, un disco realmente espléndido que conforma un momento cumbre para la discografía de los finlandeses MOONWAGON, quienes, con total eficiencia, logran reforzar su espacio de merecido privilegio dentro de la actual élite prog-psicodélica escandinava. Recomendable para cualquier buena fonoteca dedicada al género progresivo de ayer y hoy. 


Muestras de “The Efficient Use Of Space”.-
Waiting For Tomorrow: https://www.youtube.com/watch?v=Rusa3HCUn6A
Neverending Sky: https://www.youtube.com/watch?v=FKEozo247Ls
Smoke & Mirrors: https://www.youtube.com/watch?v=JAbD2kqAZdI