Friday, April 17, 2015

MARK WINGFIELD o cuando la música se hace luz


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de presentar al maestro británico MARK WINGFIELD, guitarrista de gran trayectoria dentro del jazz experimental, so pretexto de su álbum “Proof Of Light”. Le acompañan en esta aventura el contrabajista Yaron Stavi y el baterista Asaf Sirkis, compañeros idóneos para plasmar los diversos coloridos y recursos de energía musical que WINGFIELD tenía en mente a la hora de componer el repertorio. Como Stavi y Sirkis cuentan con sus propios proyectos musicales (ASAF SIRKIS TRIO, THE INNER NOISE, LIGHTHOUSE TRIO, etc.), WINGFIELD se siente complacido de brindarles amplios espacios de expresión dentro de este repertorio que conforma “Proof Of Light”. Desde fines de los 90s, WINGFIELD se ha labrado un nombre como voz peculiar dentro del jazz-rock de avanzada, World Music y música académica contemporánea. Con un pasado que le vincula a grupos de jazz vanguardista como SMQ y SCAPETRACE, WINGFIELD ya es, ante todo, una figura netamente individual dentro de su área: veamos cómo se traduce su genio creativo a lo largo del repertorio de “Proof Of Light”.


Durando poco más de 6 minutos y desarrollándose sobre compases alternados de 7/8 y 4/4, el primer tema ‘Mars Saffron’ muestra un ejercicio de vitalismo contenido donde la sobriedad marca la pauta en la expresividad del trío. El extenso rol protagónico de la guitarra sintetizada nos remite a un híbrido de HOLDSWORTH y METHENY. Acto seguido viene ‘Restless Mountains’, que a pesar de las alusiones de su título contiene una espiritualidad serena y un talante contemplativo, y más adelante, ‘A Conversation We Had’ hace lo propio con un aura etérea que realza irremediable el factor sereno. En medio de estas dos piezas se sitúa ‘The Way To Etretat’, pieza de carácter ensoñador donde la dulzura inherente al cuerpo temático se afianza rotundamente por medio de la ingeniosa fruición que se da en los diálogos continuos entre los tres instrumentistas. Sirkis brilla de una forma particular aquí con un solo que realza pertinentemente al momento climático para sustentar su expansiva luminosidad. ‘A Thousand Faces’ vira desde la serenidad contemplativa de algunas piezas precedentes hacia las mismas estepas de la introversión, elaborando así un paisaje sonoro lo suficientemente sutil como para permitir al contrabajo hacerse cargo de buena parte de sus coloridos centrales. Claro está, no falta la vibración imponente de la guitarra de WINGFIELD, pero en este contexto debe hacer que su paleta solo use tonos grisáceos.

La segunda mitad del álbum se abre con ‘Voltaic’, la pieza más extensa del álbum con sus poco menos de 8 ½  minutos de duración. Su propuesta sónica es tremendamente ambiciosa, pues comienza con un despliegue de explosiva extroversión como hasta ahora no se había dado en el repertorio (al modo de un híbrido entre MAHAVISHNU ORCHESTRA y JIMI HENDRIX), para luego derivar hacia un neurótico arrebato deconstructivo de base free-jazz, aportando tintes cósmicos al asunto. La tercera sección sustenta un groove cálido y misterioso al estilo del modelo primigenio de WEATHER REPORT finiquita las cosas mientras los ecos de caso controlado de la segunda sección siguen vigentes como una tormenta dispuesta a retornar para anunciar el clímax conclusivo, el mismo que se basa en un breve reprise del primer motivo. Con ‘Summer Night’s Story’, el ensamble preserva la aureola de la extroversión bizarra de la pieza anterior y la esquematiza dentro de un plan de trabajo centrado en estándares jazz-progresivos – notamos coincidencias con I KNOW YOU WELL MISS CLARA y los primeros álbumes de THE WRONG OBJECT. ‘Koromo’s Tale’, por el contrario, se proyecta hacia una engañosa languidez que parece esconder ladinamente la energía electrizante de una amenaza latente envuelta en misterio: un poco como si se tratara de UPPER EXTREMITIES haciendo un estudio de caso con una partitura perdida de WEATHER REPORT. En fin, la pieza homónima cierra el álbum con una soltura colorida muy agradable, la misma que se matiza en varios pasajes intermedios con la elaboración de texturas sutiles y sencillas. El groove general de la pieza nos vuelve a remontar a las remembranzas de las épocas más rutilantes de la MAHAVIHNU ORCHESTRA.


Todo esto fue “Proof Of Light”, una prueba de que la luz que emana de la música jazz-rockera de nuestros tiempos todavía goza de fuerza infinita, imposible de consumirse: MARK WINGFIELD demuestra la valía de su buena reputación en este disco muy recomendable.


Muestras de “Proof Of Light”.-
Voltaic: http://markwingfield-moonjune.bandcamp.com/track/mars-saffron

Wednesday, April 15, 2015

Una nueva estación de esplendor musical para DISCORDIA


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos fijamos en el grupo DISCORDIA y su segundo disco “Season Changes”, publicado a fines del 2014, 7 años después de su disco debut “Utopia Perfection”. Alternando pasajes solistas y compartidos, la dupla vocal del teclista Tero Väänänen y Riikka Hänninen se explaya perfectamente sobre la armazón instrumental creada por los guitarristas Antti Tolkki y Sande, el bajista Petri Sallinen y el baterista Otto Mäkelä. Aunque el grupo preserva la alineación de sexteto, las variantes actuales están en que ahora el grupo tiene dos guitarristas y no hay otra persona a los teclados; anteriormente, Tero Väänänen añadía el piano y el clarinete a su labor vocal. Esto es adecuado de señalar pues repercute en que DISCORDIA ahora apuesta por un endurecimiento de su sonido global y una reducción de los elementos folk-rockeros que fueron sensatamente cruciales en “Utopia Perfection”. Sin haber perdido la esencia original de su propuesta progresiva ecléctica y colorida, se nota en “Season Changes” una mayor presencia de densidad y robustez rockera en lo que concierne a sus recursos sónicos y arreglos musicales. Vayamos ahora a los detalles del disco en cuestión. 


El álbum se inicia justamente con la canción homónima, la cual despliega un desarrollo melódico preciso y directo, a medio camino entre el LANDBERK de la última época y PAATOS. El flujo de la inteligente sucesión de riffs de las guitarras durante el intermedio instrumental refleja apropiadamente la furia y la frustración de la letra. ‘Ideology’, la siguiente canción, lleva la huella de expresividad rockera por la vía de una fiereza notoriamente más pronunciada, especialmente por el nivel de fiereza que ostentan los guitarreos. Así las cosas, el tenor coral de las partes cantadas le da un aire de ópera-rock al asunto. Durando poco menos de 8 ½ minutos, ‘Ignalina’ está diseñada para que el grupo saque a la luz la dimensionalidad más épica de su voz propia. Recogiendo los ecos de la ceremoniosidad “operática” de la canción precedente, la canción se complace en abrir espacios a desarrollos temáticos centrados en crear atmósferas tensas, aunque manteniendo incólume la sensación de elegancia en su manejo cuidadoso de los climas épicos que se sugieren continuamente. La cadena de ‘Taken’ y ‘Green Light’ ofrece nuevos momentos para la continua elaboración de expresividades musicales rotunda de parte de la banda. Específicamente, ‘Taken’ incorpora cálidos aromas folklóricos a su base melódica, la cual es llevada a un plano muscular sólido por las guitarras duales, conectándose así con la cuestión épica de ‘Ignalina’; ‘Green Light’, por su parte, se centra en una sencillez relajada con el protagonismo de Riikka.


Con un espacio de poco menos de 12 ½ minutos, ‘Grip!’ se erige en la pieza más extensa del disco. El grupo aprovecha la ocasión para aplicar varios registros que van desde lo sereno hasta lo denso, además de un pasaje construido al modo de cantata que nos recuerda vagamente (y si se puede decir, extrañamente) al paradigma de los ART BEARS. En cuanto al aura magnífica de las orquestaciones de guitarras duales, las cruciales capas orquestales de los teclados y el vigor arquitectónico de la dupla rítmica, los aires de familia con ANEKDOTEN y LANDBERK se hacen notar sin resultar abrumadores… y posiblemente también cabe mencionar a GENTLE GIANT. Para la sección final, el engarce de bloque instrumental y arreglos corales asume una actitud muy intensa a través de su densa fastuosidad rebosante de vibraciones teatrales. ‘Random Hearts’ cierra el álbum con un tenor neo-progresivo muy agradable, con un punche tremendamente convincente que nos remite nuevamente a PAATOS y, tangencialmente, también a entidades como MARILLION y ENCHANT. El grupo le saca el jugo juiciosamente al cuerpo central y sus interludios instrumentales en un espacio de poco menos de 6 ½ minutos. Con todo esto completamos la experiencia de “Season Changes”, un disco que nos hace redescubrir la magia musical tan personal de DISCORDIA. Sin duda que este disco supone una adición placentera a cualquier colección de rock progresivo contemporáneo.


Muestra de “Season Changes”.-


Sunday, April 12, 2015

SIMON STEENSLAND: música progresiva para despedirnos de la luz y buscar una nueva razón


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos toca presentar al multi-instrumentalista sueco SIMON STEENSLAND por motivo de la reciente publicación de su trabajo fonográfico “A Farewell To Brains”: más exactamente, fue publicado a fines de enero pasado por el sello italiano AltrOck Productions. Este músico nacido en 1961 comenzó su carrera como baterista desde los 17 años, sin estudios teóricos pero una gran melomanía que le llevó a conocer toda la obra entonces disponible de sus ídolos UNIVERS ZERO, KING CRIMSON, PRESENT, MAGMA, HENRY COW, etc., expandiendo sus horizontes artísticos con el estudio de instrumentos de cuerda, teclado y percusión a través de los años. Su disco debut data del año 1993, titulado “The Simon Lonesome Combat Ensemble”, y ahora “A Farewell To Brains” entra en la realidad como su disco no. 6 (sin incluir el disco a dúo con STEN STANDELL “Under Oknar”, del 1997). Conociendo quiénes fueron sus figuras inspiradoras a la hora de forjar su sueño de convertirse en un creador de rock progresivo, no nos extraña que su misión personal sea la de mantener vivos los legados del chamber-rock de raigambre francófona y del Zeuhl. Hacer música para teatro e investigar en la cámara contemporánea así como en el jazz experimental le han llevado a madurar continuamente como compositor e intérprete a lo largo de la veintena de años que lleva como miembro activo de la vanguardia progresiva. Para  “A Farewell To Brains”, el buen SIMON se mantiene ocupado en los teclados, guitarra, bajo, cello, percusión tonal y flauta, mientras que un numeroso ejército de colaboradores/as aporta contribuciones instrumentales y corales. Vemos en los créditos de los discos los nombres del baterista Morgan Ågren, el bajista Guy Segers (quien tiene su pasado en UNIVERS ZERO), la violinista Sara Kihlman Wibe, los clarinetistas Bertil Fält, Gustav Rådström y Yann Le Nestour, el trombonista Magnus F. Andersson, el pianista Arvid Pettersson, el gaitero Peter Mörlin, el guitarrista Einar Baldursson, el teclista y también clarinetista Robert Elovsson, y un total de 12 mujeres vocalistas. Vaya, parece que el concepto del álbum exige aplicar estrictamente la ley del horror al vacío: repasemos su repertorio para ver si se cumplen nuestras sospechas.


Con el muy científico título de ‘Schrodinger’s Cat’, y lo hace con ambiciones artísticas que ostentan su propia vitalidad pretenciosa: de hecho, dura poco menos de 17 minutos este electrizante viaje musical con que STEENSLAND y sus colaboradores se presentan. Un seco golpe de una grave nota de piano abre paso al primer cuerpo temático, el cual exhibe una pulsación recurrente y opresivamente neurótica a lo PRESENT. Los primeros cinco minutos y medio de este masivo ejercicio de fastuosa oscuridad nos remiten tanto a las síncopas tanática de “Triskaïdékaphobie” como al esquematismo arrollador de “Le Poisón Qui Rend Fou”. Ya en una segunda sección, la atmósfera central vira hacia lo etéreo en consonancia con entidades más actuales como 5UU’S y FAR CORNER. En esta situación, STEENSLAND y sus colaboradores elaboran un crescendo que desemboca en un clima minimalista que instaura la tercera y última sección. Dicho ejercicio de minimalismo es trabajado en base a la armazón de órgano, cuerdas y percusión tonal, desde la cual se genera una tensión abrumadora. En un momento dado, la irrupción de la orquestación grupal apunta hacia lo que parece ser la resolución de la tensión, pero en realidad se trata de un eco pasajero de la primera sección pues el minimalismo pleno vuelve a imponerse tras la disolución de la orquestación. Con un arreglo de voces femeninas se arma una bella y efímera coda para ‘Schrodinger’s Cat’. Si el famoso físico Stephen Hawking siente ganas de disparar al gato cada vez que oye hablar de la hipótesis de Schrodinger, pues esta pieza muestra a dicho gato como un invulnerable monstruo felino sacado de los más escalofriantes relatos de Lovecraft. ‘Elephant’, el segundo tema, juega con un motivo breve bastante tenebroso, apoyado adecuadamente sobre un compás lánguido que realza el momentum opresivo. Se puede interpretar como una coda de los momentos más oscurantistas de ‘Schrodinger’s Cat’.


‘One’ es otro tema de generosa expansión, aunque “solo” dura 13 minutos. Con su electrizante mezcla de vitalidad tétrica y vigor recalcitrante, esta pieza se puede definir perfectamente como el diálogo ideal entre el UNIVERS ZERO del “1313” y el MAGMA del “Üdü Wüdü”… sin olvidar el modelo de PRESENT, claro. A todo esto cabe añadir el empleo de ciertos dinamismos ampulosos que permiten al ensamble actuante entablar nexos de parentesco con entidades modernas como GUAPO, RHÙN y FAR CORNER. La sección final tiene algo de celebratorio, pero el solo de saxo y los efectos del Theremín nos mantienen bien alerta respecto a la invasiva oscuridad delirante que nos envuelve mientras seguimos escuchando. ‘Fader Var’ es una breve cantata con base de piano que tiene toda la pinta de ser una evocación en un aquelarre: la amalgama de voces femeninas suena distinguida y contenida, pero sin duda hay algo de herética amenaza en su forma de crear un discurso sin palabras al cantar.


Durando 17 ¼ minutos, la pieza de clausura ‘The Idiot’ es la más larga del álbum. Su esquema de trabajo consiste básicamente en recolectar el surrealista oscurantismo ecléctico de ‘Schrodinger’s Cat’ y la densidad arrolladora de ‘One’ para armar una síntesis musical completa en el justo momento de finiquitar el repertorio. Poco antes de llegar al octavo minuto y medio, se impone un arreglo coral donde el constante delirio tenebrista adquiere una aureola de mágica magnificencia. Más adelante pasamos a una sección de tendencia minimalista donde una lúgubre nota de sintetizador sirve de sostén para la armazón envolvente de los demás instrumentos: de este modo, se prepara el terreno para el juego de formas libres aleatorias con el que se cimenta el final de la pieza, un final que parece evocar la despedida definitiva a los sueños y monstruos de la razón. Eso es lo que este despliegue de sonido deconstructivos sugiere al oyente: despedirse de su cerebro para dar la bienvenida a una oscuridad incomprensible que ha de envolverle de inmediato por siempre jamás. Así termina la intensa y majestuosa sucesión de piezas que conforman “A Farewell To Brains”, más que un simple disco, un retrato sónico de las pesadillas monstruosas más recurrentes de la razón. Más vale tarde que nunca cuando se trata de descubrir la propuesta musical de SIMON STEENSLAND, y en estas circunstancias, solo nos queda calificar a “A Farewell To Brains” como una obra sumamente recomendable para las mentes progresivas más aventureras.


Muestra de “A Farewell To Brains”.-

Thursday, April 09, 2015

Locura musical y ficciones progresivas de THE NERVE INSTITUTE



HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy presentamos a THE NERVE INSTITUTE, que es en realidad el proyecto musical solista del estadounidense Mike Judge, so pretexto de su nueva oferta fonográfica “Fictions”. Bueno, se trata más bien de la nueva versión de un disco que tiene 5 años de existencia como ítem de Recommended Records y que se titulaba “Ficciones” (sí, en español), bajo el nombre de SINTHOME. Cuando Judge cambió el nombre de su proyecto a THE NERVE INSTITUTE al año siguiente y publicó así el disco “Architects Of Flesh-Density”, y ahora Judge no tiene mejor idea que remodelar el material de “Ficciones” para seguir adelante. A fin de cuentas, es una muy buena idea pues lo que se nos revela ahora por vía del sello AltrOck desde fines de enero último es un disco estupendo donde las magias diversas del retro-progresivo, la psicodelia, el jazz-rock y los paradigmas modernos de PORCUPINE TREE y THE TANGENT se agrupan dentro de un esquema sonoro electrizante, amalgamando diversas atmósferas y ambientes con una fluidez alucinante. Judge aplica su pericia a las guitarras, teclados, bajo, batería, ritmos programados y percusiones para llevarnos a través del repertorio de “Fictions” de una forma muy llevadera. Además, Judge cuenta con un colaborador ocasional de lujo: Jacob Holm-Lupo, el mismo de WHITE WILLOW y THE OPIUM CARTEL. Otro detalle llamativo es el uso del cuadro “Extracción de la piedra de la locura” de El Bosco para ilustrar la portada: una imagen muy impactante por lo que significaba para el pintor en cuestión su repudio a las supersticiones y desvaríos de la ciencia de su tiempo. Vayamos ahora a los detalles del disco en cuestión.


‘The Confidence-Man’ abre el álbum con una actitud asertiva: los efluvios ondulantes de las escalas de las guitarras y mandolinas, el abierto dinamismo del esquema rítmico y el aura de convincente gracilidad que emana el mismo desarrollo temático se aúnan en la gestación de la canción perfecta para abrir este repertorio. El pasaje donde destaca un frenesí tropical de percusiones y fraseos psicodélicos de guitarra anuncia un final alucinado que nos toma de sorpresa. A continuación sigue ‘City Of Narrows’, cumpliendo con la misión de preservar el espíritu extrovertido del momento pero con una robustez rockera más pronunciada: hay, sin duda, conexiones estilísticas con el revival escandinavo encarnado por LANDBERK y ANEKDOTEN, además de algunos detalles a lo PORCUPINE TREE (etapas del “In Absentia” y “Fear Of A Blank Planet”) y a lo THE TANGENT. Jacob Holm-Lupo apoya tocando los teclados. ‘Knives Of Winter Coronation Day’ emerge para impulsar la sofisticación progresiva dentro de las sonoridades generales del disco: para ello incluye recursos de inspiración Crimsoniana y otros de tendencia space-rockera para así revestir de arrolladora majestuosidad a los diversos núcleos temáticos que se van sucediendo. Hay un solo de guitarra particularmente espectacular, así como la sección final cuasi-circense que bien podría haber formado parte de la banda sonora de una película de terror bajo la visión de un Tim Burton. Tras esta pieza tan alevosamente extravagante llega el turno de ‘Whistling Wire’, canción que reitera el factor de LANDBERK-con-PORCUPINE TREE con una vibración pop-rockera. El quinto tema del disco se titula ‘Knives Of Summer’ y es el más extenso del mismo, durando 10 ¼ minutos. La canción tiene una primera parte vibrante y colorida, en buena parte ostentando aires de familia con la musicalidad vivaz y moderadamente neurótica de ‘The Confidence-Man’. Un interludio irrumpe con aires exóticos que combinan lo arábigo con lo aflamencado: la prestancia que se genera en la triangulación de guitarras acústicas, percusiones y canto se impone como un ensueño de atardecer. Una nueva sección se focaliza en una espiritualidad más etérea, alimentada con una ingeniosa sofisticación que incluso abre algunos espacios para el fulgor rockero. Es casi un homenaje al mejor rock retro-progresivo que se ha hecho desde mediados de los 90s en adelante.


‘Rayuela’ ostenta el título de una de las obras narrativas más aclamadas del argentino Julio Cortázar, y en el caso de la visión musical de Judge, se trata de una bella canción en un medio tiempo donde se explora elementos y grooves del jazz-rock mientras se mantiene bien definido el desarrollo melódico en curso. La presencia de ornamentos de musicalidad latina añade algo simpático al asunto. ‘With Joy We Espy The Sarcophagus’ sigue por esta línea de trabajo mientras explora dinámicas heredadas de ‘Knives Of Summer’ y se centra en elaborar y reforzar atmósferas envolventes. Respecto a este último factor, lo que hace THE NERVE INSTITUTE nos recuerda un poco al estándar de DELUGE GRANDER. ‘Grimoire’ es básicamente un ejercicio de psicodelia progresiva muy afín a lo que enocntramos anteriormente en ‘City Of Narrows’ y ‘Whistling Wire’: Holm-Lupo vuelve a colaborar, esta vez a las guitarras adicionales. ‘Abrazo Y Caminando’ – sí, tiene título en español – es un ejercicio de suave rock psicodélico en clave rítmica de tango y con añadidas aportaciones de mandolina. La idea se hace gradualmente más extraña cuando se introduce un breve interludio centrado en salvajes riffs de guitarra. Durando 11 minutos y pico, ‘Docile Bodies / In The Leprosarium’ cierra el álbum desarrollando un bien logrado híbrido de los factores psicodélicos, retro-progresivos, space-rockeros y jazzeros que han venido alternando el protagonismo a lo largo del repertorio integral del álbum. Hay un momento muy solemne en el que los mellotrones de cuerdas y flauta arman una atmósfera específica mientras arropan una secuencia de piano eléctrico: aunque breve, este momento porta una gran fuerza evocativa. Como siempre, la sucesión de los diversos motivos se maneja con una inteligente fluidez mientras se abre a sorpresas intrigantes para el oyente empático: esto se cumple con peculiar precisión para el misterioso pasaje final.


Mike Judge es un músico que tiene sobre sus espaldas una amplia y variada trayectoria en bandas de punk, pop-orck y prog vanguardista, y ahora específicamente nos sentimos tremendamente complacidos al descubrir su proyecto THE NERVE INSTITUTE: “Fictions” es un disco osado y agradable a la vez, lleno de mil y una sorpresas sonoras dentro de una ingeniería artística meticulosa. ¡Recomendado!


Muestras de “Fictions”.-


Monday, April 06, 2015

Éste es el placer que obtenemos por escuchar a APOTHECARY


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy llega el momento de presentar al grupo jazz-progresivo nortemaricano APOTHECARY so pretexto de la reciente publicación de su disco “That’s What You Get For Talking”, un ítem fonográfico que ha tomado varios años de gestación hasta convertirse en la realidad física que ya es hoy por hoy. Conformado por Anna Koropchak [violín], Jeremy Cubert [teclados y Chapman Stick], Mike Galway [bajo] y el canadiense Gary Venable [batería], este ensamble asentado en la localidad de Gaithersburg (estado de Maryland) viene haciendo música no bailable desde el año 2005 (así se define a sí mismo en su página web http://www.apothecaryband.com/ApotheWeb/ApotheHome.html), debutando con un álbum homónimo del 2007, “Nos Just Loud” del 2010 y el de este año. Publicando todos sus trabajos a través de su propio sello independiente Apotherecords, APOTHECARY han logrado captar un público de culto en varias áreas de difusión y apreciación del jazz-rock y el rock progresivo de su país, y con este reciente disco “That’s What You Get For Talking” gozamos actualmente de una gran oportunidad para prestarles atención y aprender a disfrutar de su propuesta: veamos, entonces, los detalles del disco en cuestión, ¿vale?

 

La pieza homónima abre al álbum con un groove fabuloso armado por la dupla rítmica que se apodera del escenario desde el primer instante. Mientras tanto, allí está el violín para dibujar el delineamiento central del motivo central; durante el desarrollo temático, el sintetizador y el violín toman turnos sucesivos para elaborar las florituras de turno, no quedándose el bajo detrás en los recursos de lucimiento. ‘Dirty Flippers’ sigue a continuación para seguir adelante con este dinamismo extrovertido y aumentar las dosis de vibraciones juguetonas. Ya parece la resurrección del MAHAVISHNU ORCHESTRA de aquellas “sesiones perdidas” en los Trident Studios con la versión de los WEATHER REPORT del “Mysterious Traveller”: así de electrizantes son los dinámicos diálogos que se establecen a lo largo y ancho de la arquitectura común de los cuatro instrumentistas. ‘Vampires In The Sun’ porta una musculatura especial porque ahora Cubert se cuelga el Stick y lo utiliza para crear nexos entre los ágiles fraseos melódicos del violín y la grácil vibración rítmica de la dupla Galway-Venable. Y cómo no… también para hacer un muy interesante solo que nos remite al bizarro sentido melódico de un TREY GUNN. Durando casi 8 ½ minutos, ‘Arlington’ se erige como la pieza más larga del álbum y también, de paso, como una de las más bellas. La nostálgica aureola a lo HAPPY THE MAN en las bases de piano y la sutileza elegante con la que el violín resalta el núcleo melódico nos ponen al tanto de la dimensión introspectiva del grupo. De todas maneras, hay ciertos momentos donde el cuerpo central vira hacia una atmósfera de sobria tensión, momentos idóneos para impulsar algo de expresividad impetuosa sin romper un ápice de la delicada ingeniería musical en curso. El momento del realce del bajo crea una interesante sensación de expectativa antes de la última vuelta al motivo central del violín. No nos dejemos engañar por la romántica calidez con la que se arma el prólogo del cuarto tema, titulado ‘Evil Toys’: su cuerpo central se trata de un ejercicio de ácido jazz-rock motivado por las cadencias armadas por una dupla rítmica dispuesta a mostrar toda su musculatura, aunque también baja la guardia cuando surge un breve interludio de talante sereno. Una vez más, Cubert hace del Chapman Stick el interlocutor del violín de Koropchak mientras el grupo crea, de vez en cuando, algunos recursos extravagantes a lo FRANK ZAPPA.


‘Corn On The Cobham’ nos devuelve a la extroversión celebratoria y juguetona de los dos primeros temas del álbum, y ello significa que volvemos a viajar en la máquina del tiempo hacia las fuentes originarias de los paradigmas del primer MAHAVISHNU ORCHESTRA y de WEATHER REPORT de mediados de los 70s. Si bien es justo decir que Venable hace gala de su habilidad y sensibilidad infinitas a lo largo de todo el álbum, tenemos razones para aseverar que su labor particular en ‘Corn On The Cobham’ ha quedado especialmente bordada. Acto seguido emerge ‘Touch The Sky’ para que el grupo se decida a mostrar las aristas más sombrías de su propuesta musical, jugando con un jam básico y explorando algunas ocasionales variaciones de ambiente en breves instancias. Bueno, no se trata de una pieza sombría per se, pero sí aporta una expresividad tensa que refresca la línea general del disco: su motivo central está inspirado en el folklore gitano y el empleo de trucos Crimsonianos en algunos fraseos del Chapman Stick apelan a una densidad emocional parecida a la neurosis hecha ruido inteligente... una cierta cercanía con sus paisanos de MORAINE se debe señalar. Mientras nos vamos acercando al final del álbum – quedan 13 minutos de más música de parte de APOTHECARY –, nos topamos con ‘Cacophony Confections’, otro tema con fuertes resabios de jam: tiene una espiritualidad alegre que nos recuerda a una cruza entre BOUD DEUN y RETURN TO FOREVER. Cierra el repertorio de “That’s What You Get For Talking” el tema titulado ‘Five Years Gone’, el cual tiene fuertes aires de familia con la pieza homónima mientras recupera parte del vigor rotundo antes exhibido en ‘Evil Toys’ con sus ocasionales esplendores Zappianos. Su principal mérito es completar el espectro sonoro del álbum con total y pulcra coherencia.  

 

Celebramos, a fin de cuentas, que APOTHECARY nos ofrezcan un sólido recursos estéticos para el estándar jazz-progresivo contemporáneo a partir de un recto balance de arquitectura musical y espíritu aventurero. Así pues, “That’s What You Get For Talking” se revela como un disco ampliamente recomendable en cualquier buena fonoteca roquera.


Muestras de “That’s What You Get For Talking”.-
That’s What You Get For Talking [en vivo en el sótano de la casa de Gary Venable]: https://www.youtube.com/watch?v=fZ7ssxRbv1Y
Touch The Sky [en vivo en el mismo sótano]: https://www.youtube.com/watch?v=I_8Pmm5Cdew
Arlington [en vivo en el mismo lugar]: https://www.youtube.com/watch?v=F14MIU8qT9M

Saturday, April 04, 2015

El magistral aquelarre de MARC EGEA y ÁNGEL ONTALVA


El dúo de MARC EGEA y ÁNGEL ONTALVA ha hecho algo muy relevante para la vanguardia española del momento con su disco “Sorginak”. Registrado en una actuación en El Arco de la Virgen (Barcelona) que tuvo lugar a mediados de octubre del 2013 y publicado por OctoberXart en formato físico a mediados del 2014, el repertorio de “Sorginak” es un muestrario de magníficos viajes experimentales donde ONTALVA [guitarra] y EGEA [hurdy gurdy, flauta y duduk] desarrollan diálogos que buscan y rebuscan sus propias formulaciones a lo largo del camino. Conocemos a ONTALVA por OCTOBER EQUUS y OFIR principalmente, mientras que EGEA es un músico con amplia experiencia free-lance en varias áreas de la vanguardia musical. Para este dúo específico, la fusión contemporánea de World Music, la musique concrete y la línea free-form son los recursos esenciales a la hora de crear las cuatro piezas que componen este álbum: al igual que con el disco solista de ONTALVA y el del dúo de ÁNGEL ONTALVA & VASCO TRILLA publicados en el 2014, este ítem cuenta con la producción de Francisco Macías y el arte gráfica del mismo ONTALVA. Vamos ahora a los detalles de dichas piezas.


‘La Carta’ abre el repertorio con una inicial disposición de embrujos de inspiración mediterránea en base la confluencia de los robustos efluvios de la guitarra y los gráciles coloridos de la flauta. Luego, la instrumentación se asienta un poco más en aires reflexivos donde la magia particular del hurdy gurdy elabora sonoridades evocativas en medio de las siempre traviesas intervenciones de la guitarra de ONTALVA, la cual sabe encontrar algunos espacios momentáneos para pasar al primer plano; de hecho, mientras se va ampliando esta aventura, la aureola evocativa que construye el dúo se va haciendo más intensa. Después sigue ‘Nudos’, el cual exhibe un carácter un poco más extrovertido en lo que se refiere a la evolución de sus atmósferas predominantes. ‘Aves Migratorias’ recurre a la densidad emocional y el misterio otoñal para que el duduk se sumerja cómodamente en envolventes exorcismos meditabundos mientras la guitarra parece evocar el frenesí de aleteos y las vibraciones de los vientos marinos. La pieza homónima, que dura casi 19 minutos, está cargo de cerrar el repertorio del álbum y justamente se encarga de llevar hasta las últimas consecuencias los recursos de vivacidad y expresividad extrovertida que el dúo tiene dentro de sí. Cual sortilegio denso, esta pieza cuya nombre alude a las participantes en los aquelarres de ritos de fertilidad en la mitología vasca, expone un cuadro de oscuro y desafiante misticismo desde las osadas coordenadas de libres formas musicales a las que se ajusta el dúo con infinito nervio.  


Todo esto fue “Sorginak”, una exquisita aventura osada de ÁNGEL ONTALVA y MARC EGEA, quienes nos invitan a disfrutarla con un espíritu de contemplación temeraria con miras a abrirnos a nuevos horizontes del arte del ruido.


Muestra de “Sorginak”.-


Wednesday, April 01, 2015

La constante grandeza prog-sinfónica de PTF


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Los japoneses de PTF vuelven a la carga con un nuevo disco donde siguen demostrando que dominan el arte de mantener en vigencia el sueño del rock sinfónico para el nuevo milenio. El nuevo disco en cuestión se titula “What Is Constant” y ha sido publicado a mediados de enero pasado por el sello francés Musea Records. El cuarteto conformado por el violinista Keisuke Takashima, el teclista Takeya Kito, el bajista Hiroyuki Ito y el baterista Yusuke Seki ha gestado un disco muy bueno con “What Is Constant”, rebosante de todo lo que ama el auditorio del rock sinfónico: desarrollos melódicos bien perfilados, manejo pulcro de diversos ambientes y esquemas rítmicos, gusto por lo fastuoso y la solvencia técnica en los arreglos. Con un repertorio trabajado en varios momentos del año 2014, el grupo ha concretado una labor muy bordada y lo confirmaremos tras nuestro repaso del repertorio del disco.


El disco comienza y termina con sendas piezas que se extienden más allá de los 7 minutos de duración: ‘Time Lapse’ y ‘The Boundless Scenery Of The Spheres’. ‘Time Lapse’, tras un prólogo sereno en base a piano y violín, se pone explícitamente majestuoso a la hora de elaborar su cuerpo central dentro de una línea de trabajo netamente sinfónica. Si bien el violín ocupa el rol protagónico con inmensa notoriedad, el grupo construye algún espacio sutil para abrir campo a un solo de bajo y también se centra en torno a un sobrio solo de órgano en un momento estratégico antes del segundo solo de violín. El clímax conclusivo es intenso sin romper con la aureola estilizada global de la pieza. ‘The Boundless Scenery Of The Spheres’ cierra el repertorio del álbum, y lo hace con un ejercicio de musicalidades sinfónicas intimistas y relajantes, no ajenas en algunos momentos al barroquismo juguetón que es fácil de encontrar en los mejores discos solistas de RICK WAKEMAN. Con todo, es la faceta de ceremoniosa de unos CAMEL la principal fuente de inspiración para este bello cierre del álbum. Con todo, el núcleo del repertorio está conformado por la suite de cuatro secciones titulada ‘The Thing (That Is Constant)’: cada sección dispone de un título autónomo y todas juntas acumulan casi 44 minutos de duración.

‘Glacier Blue’, la primera sección, articula una exquisita asociación de pasajes marcados por una gracilidad armónica de inspiración romántica con otros un poco más tensos, signados por una serie bombástica de inquietantes síncopas (al modo de una mezcla de EMERSON, LAKE & PALMER y BANCO DEL MUTUO SOCCORSO). Es justo en estos últimos momentos donde el diálogo entre batería y teclado articulan idóneamente el groove y la vitalidad que la instrumentación integral ha de concretar en esta situación concreta. ‘The Versatile’ asume en su pasaje introductorio una actitud contemplativa que tiende ciertos puentes sugerentes con los estándares del chamber-rock, y cuando pasamos al cuerpo central el ensamble se asienta bajo un ideario de jazz-rock melódico, muy afín al paradigma del mejor JEAN-LUC PONTY: el armado de estos momentos sucesivos se da dentro de una arquitectura prístinamente fluida. ‘Beyond The Ridge’ varía totalmente de registro y se complace en dar mil y una vueltas a un dinamismo extrovertido donde vigor y colorido se convierten en una sola cualidad sónica. Persisten las alusiones al paradigma de PONTY pero, sobre todo, hay conexiones cercanas con las bandas compatriotas KBB y KENSO, sin duda que las hay; sin ser rampantemente comercial, sin duda que el violín de Takashima sabe mantener la vitalidad llamativa de la pieza a través de sus casi 6 ¾ de duración. La cuarta y última sección, titulada ‘Cloud 9’, es la más larga de la suite, y de paso, la pieza más larga del álbum: 19 minutos y pico de espacio necesita el grupo para decir todo lo que necesita decir aquí. Los motivos transitan sólidamente desde un sinfonismo de estilo clásico hasta el swing coqueto de un buen jazz-prog, pasando por una alegre parte de country-rock. El interludio que empieza antes de llegar a la frontera del octavo minuto porta un aura ensoñadora donde las líneas de violín flotan con una magia especial. Finalmente, el grupo se enrolla elegantemente con el sencillo cuerpo central (un poco a lo CAMEL), aprovechando que su sobria elegancia resulta difícil de saturar al oyente empático.  


Bueno, esto fue todo lo que nos ofrecieron los PTF con este bello disco titulado “What Is Constant”: parece que nada hay más constante que la constancia de estos cuatro músicos para congregar sus talentos individuales dentro de una inmensa creatividad colectiva que se toma muy en serio el propósito de mantener vigente el viejo pero incombustible sueño del rock sinfónico. ¡Disco altamente recomendado!


Muestra de “What Is Constant”.-
Beyond The Ridge [en vivo]: https://www.youtube.com/watch?v=onKwPsczKqw


Sunday, March 29, 2015

ALCO FRISBASS: el nuevo círculo cromático del progresivo francés


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.


Hoy se da la ocasión de presentar al grupo francés ALCO FRISBASS so pretexto de la reciente publicación de su disco homónimo de debut: más exactamente, a fines del pasado mes de enero, por vía del sello italiano AltrOck Productions. El proyecto de ALCO FRISBASS está conformado por el dúo de Fabrice “Chfab” Chouette [teclados, guitarras, flauta dulce, percusiones y voz] y Patrick “Paskinel” Dufour [teclados, piano eléctrico Fender Rhodes, percusiones y programación de ritmos]. Residiendo uno de ellos en París y el otro en Rennes, ALCO FRISBASS es el resultado del interés mutuo por hacer música progresiva instrumental en un acuerdo que se gestó en junio del 2013: más de un año y medio después, su disco debut es una realidad concreta. El dúo tiene el privilegio de contar con algunos colaboradores como son su compatriota Thierry Payssan (sí, uno de los hermanos líderes de MINIMUM VITAL) a los teclados en el tema ‘Judith Coupeuse De Tête’ y el guitarrista escandinavo Jacob Holm-Lupo (el mismo de WHITE WILLOW, en efecto) a las guitarras en los temas ‘La Suspension Ethéréenne’ y ‘Judith Coupeuse De Tête’. Un tercer colaborador es el violinista italiano Archimede De Martini, quien aparece en tres de los seis temas del disco. La línea de trabajo del grupo se sitúa cómodamente en una zona de confluencia entre el preciosismo del sinfonismo y el dinamismo de la vertiente jazz-progresiva, algo sobre cuyos detalles entraremos un poco más adelante. “Chfab” y “Paskinel” se reparten las labores de teclados y se meten con otros instrumentos de un modo equivalente al inolvidable dúo estadounidense A TRIGGERING MYTH; también hacen un uso muy exhaustivo de las computadoras rítmicas a la hora de organizar las partes de batería y percusión, lo cual resulta especialmente complejo en un caso como el de hacer música como ésta. 



Abre el disco ‘La Suspension Ethéréenne’ con su directa demostración de cómo hilar ambientes abiertamente contrastados: unos relajados de sobria tendencia jazzera, otros extrovertidamente intensos donde se elabora una exaltada mezcla de sinfonismo y psicodelia progresiva. La manera en que los solos de sintetizador de sintetizador y de violín se intercalan y dialogan entre sí permite al ensamble sacarle todo el jugo al jam en torno al cual se termina definiendo el cuerpo central de la pieza. El espacio de 10 ½ minutos está aprovechado con ingenio y soltura. ‘Pas A Pas’ dispone de menos dosis de frenesí expresionista para insertar el colorido esencial de su desarrollo temático en una aureola de otoñales sutilezas: las amalgamas de los dominantes sintetizadores son abrumadoramente cautivadoras, explotando infinitamente el potencial del ambiente general. La sección final, dirigida por un elegante fraseo atonal de teclado, se siente como entrando en una bruma misteriosa donde la expectativa ante algo incierto se impone como la espiritualidad dominante. ‘Induction Magnétique’ cambia totalmente de actitud para hacer una demostración de electrizante alegría, y lo hace combinando el groove de la mejor tradición jazz-progresiva (COS, FINNFOREST, MANEIGE) con la magia cautivadora del Canterbury (GILGAMESH, NATIONAL HEALTH). Una vez se resalta la buena muñeca con la que el dúo se enrolla en un motivo bien definido sin saturarlo. ‘La Danse Du Pantin’ también va por una onda muy similar a la de la pieza precedente per le añade unas dosis extra de sofisticación y vitalidad, haciéndose notar los aires de familia con el paradigma clásico de HAPPY THE MAN mientras que los aires del Canterbury se afianzan notoriamente.

Justo cuando la dupla de ‘Induction Magnétique’ y ‘La Danse Du Pantin’ permite al disco conquistar un clímax decisivo se da la emergencia de la pieza más extensa del álbum, ‘Escamotage’, durando 12 ¼ minutos. De hecho, la ambientación general de esta pieza se basa en una confluencia bien articulada de los puntos en común de los dos temas mencionados y el gallardo colorido juguetón que el grupo nos había regalado en la primera pieza. El ensamble maneja las ilaciones de motivos con pulcra prestancia, algo fundamental a la hora de sustentar y preservar la aureola de magnificencia que claramente se ha diseñado para una pieza tan extensa. Los silbidos de “Chfab” conforman una efectiva fuente sonora para reforzar el lirismo de varios ornamentos de sintetizador que se van explayando a través del groove general. Aires de familia con sus compatriotas de FORGAS BAND PHENOMENA y SCHERZOO se hacen sentir de una forma alturada y moderada. El disco concluye con ‘Judith Coupeuse De Tête’, un tema cuya primera mitad se explaya en climas serenos donde las flotantes orquestaciones de teclado marcan la pauta nuclear para las relajantes atmósferas en curso mientras la guitarra acústica y la flauta dulce aportan un matiz pastoral al asunto. El detalle de la guitarra cuasi-Frippiana viene a cargo de Holm-Lupo. Luego, el swing se intensifica para desarrollar una vitalidad grácil y elegante desde la cual los sucesivos solos de sintetizador (uno de ello es ejecutado por Payssan) impulsan la fastuosidad para así gestar un momentum excelso.  El legado sinfónico se explaya aquí con una convincente soltura que en el pasado admiramos en los discos de GENESIS y CAMEL. Y... todo esto concluye con un humorístico efecto de ovación, una ovación que los oyentes damos con toda la seriedad del mundo. 


Bueno, esto es todo lo que nos han ofrecido los ALCO FRISBASS con su disco debut: una maravilla definida por un espectacular eclecticismo y un impresionante ímpetu creativo. Recomendamos la adquisición del disco “Alco Frisbass” dentro de cualquier buena colección fonográfica buena.


Muestras de “Alco Frisbass”.-
Escamotage:  http://altrockproductions.bandcamp.com/track/escamotage

Thursday, March 26, 2015

UNREAL CITY: miradas al ocaso desde una grandiosa perspectiva progresiva


UNREAL CITY vuelve a la palestra con un disco fenomenal titulado “Il Paese del Tramonto”, el mismo que fue publicado por el sello AMS Records (en asociación con BTF Records) a mediados de enero pasado. A través del complejo y fastuoso repertorio del nuevo álbum, el frontman del grupo Emanuele Tarasconi hace gala de un nutrido arsenal de teclados [pianos acústico y eléctrico Fender Rhodes, órgano Hammond y otro de fuelles, mellotrón, algunos sintetizadores donde se incluye un Mini-Moog, clavinet, clavicémbalo y Theremin], mientras que la guitarrista Francesca Zanetta añade algunos pasajes de mellotrón a su labor. El cuarteto se completa con Federico Bedostri [batería, percusiones y coros] y el nuevo integrante Dario Pessina [bajo, pedales bajos y coros]. En algunos momentos entran en acción también los invitados Fabio Viale al violín y Rossano “Rox” Villa al trombón y la armónica. “Il Paese del Tramonto”, en líneas generales, recibe la herencia del disco debut (“La Crudeltà Di Aprile””) de hace un par de años y la magnifica con nuevos niveles de intensidad y expresividad dentro del dinamismo esencialmente retro con el que UNREAL CITY se erige como discípulo privilegiado del sinfonismo italiano de primera escuela. Vayamos a los detalles del disco para aclarar esta apreciación general.


El disco se abre con la pieza justamente titulada ‘Ouverture’, la cual brinda un ejercicio solvente de elegancia en la consistente ilación de los diversos motivos que van entrando a tallar, los mismos que anuncian algunos de los pasajes más llamativos que hemos de reencontrar en el repertorio del álbum. Lo que también se anuncia sin lugar a dudas ni confusiones es la envergadura de la fuerza de carácter del ensamble. Durando 9 minutos, ‘Oniromanzia (Il Paese Del Tramonto)’ exhibe una vitalista ilación de focos melódicos con un muy pulido manejo de los contrastes y continuaciones: la amplia gama de recursos sónicos provista por los teclados y los rotundos fraseos de la guitarra se coordinan ágilmente a través de la sólida arquitectura rítmica que arman Bedostri y Pessina a través de las numerosas variaciones de esquemas y ambientes. ‘Caligari’ sigue a continuación para seguir por esta senda de fastuosidades contundentes mientras les brinda unas dosis extra de vibraciones oscurantistas, casi góticas, en algunos pasajes específicos. Es como remodelar los legados de METAMORFOSI y ALPHATAURUS para acercarlos al modelo actual del movimiento retro-progresivo italiano, tan motivado por el ejemplo permanente de LA MASCHERA DI CERA y el legado noventero de A PIEDI NUDI. ‘La Meccanica Dell’Ombra’ abre un campo más amplio para las evoluciones temáticas instrumentales pues las partes cantadas no son tan relevantes como en los dos temas precedentes: el empleo de ambientes exóticos de inspiración arábiga en algunos pasajes bombásticos nos pueden hacer recordar al prototipo de EMERSON, LAKE & PALMER así como a lo que hicieron los AFTER CRYING en la época del “6”. ‘Il Nome Di Lei’ ostenta un aura ceremoniosa en la mayor parte de su enfoque temático, aunque algunos breves pasajes muestran a los músicos trabajando con swings jazzeros con el fin de elaborar ingeniosos recursos de variedad. Los solo de guitarra – muy a lo HACKETT – operan como el ítem primordial para el reforzamiento de las atmósferas centrales de esta canción.


‘Lo Schermo Di Pietra (κένωστς)’ vuelve de lleno al predominio de las sonoridades ácidas que se inspiran en los paradigmas de METAMORFOSI, BIGLIETTO PER L’INFERNO y ALPHATAURUS. Cada nuevo motivo es una demostración renovada de musculatura dentro de un engranaje de arreglos pulcros ejecutados con nervio inapelable. La idea de movimiento queda perfectamente reflejada en este portentoso despliegue de ágiles musicalidades. La suite ‘Ex Tenebrae Lux’ se encarga de cerrar el repertorio del álbum con un gigantesco esplendor musical, todo un paraíso mundanal para el amante promedio de la tradición sinfónica. Los títulos sucesivos de las cuatro secciones de la suite son ‘Gelida Imago Mortis’, ‘Ciò Che Disse Il Tuono’, ‘Processo Secondario’ y ‘Ab Aeterno’. Comenzando con una relativamente larga sección instrumental que transita desde la pomposidad ceremoniosa de clara inspiración gótica hasta el groove de tenor funky-rockero, la primera parte cantada se desarrolla con una actitud reflexiva donde el cantante sabe transmitir su mensaje en medio de las envolventes orquestaciones de teclado: la presencia del violín ayuda bastante a ensalzar el lirismo inherente a algunos pasajes de tenor manierista. También hallamos aquí los pasajes más calmados del disco (más cercanos a LE ORME que a ALPAHATAURUS), aunque siempre interrumpidos en algún momento por algunas excursiones instrumentales poderosas y densas. Mientras el grupo va afirmando la vía hacia los parajes conclusivos de la suite, se acrecienta la tensión expresiva tanto en los arreglos instrumentales como en las recitaciones empapadas de una espiritualidad tétrica y farsesca a la vez. De hecho, la coda que ocupa el último minuto irrumpe con un vigor inesperado que aporta un halo de esplendor final.      

 

Bueno, qué más elogios podemos añadir para “Il Paese Del Tramonto” sino que se trata de un ítem altamente recomendable para una colección de rock progresivo sinfónico contemporáneo. La gente de UNREAL CITY está haciendo crecer su grandeza musical ante nuestros ojos y oídos, toda la antítesis del ocaso (tramonto en español): más bien, el grupo ha sido bendecido con una habilidad innata para renacer y reforzarse a cada momento.


Muestras de “Il Paese DelTramonto”.-


Monday, March 23, 2015

El abundante encanto progresivo de UBI MAIOR


UBI MAIOR vuelve a la carga y lo hace a lo grande, aportando un disco fascinatemente épico titulado “Incanti Bio Meccanici”. Seis años después de su disco anterior “Senza Tempo”, este quinteto da rienda suelta hasta niveles estratosféricos a su amor por la línea de trabajo retro-progresiva que le engarza con los paradigmas de ALPHATAURUS, BIGLIETTO PER L’INFERNO, MUSEO ROSENBACH y PREMIATA FORNERIA MARCONI, además de los obligatorios guiños a la faceta rimbombante del sinfonismo británico a lo EMERSON, LAKE & PALMER y YES. Publicado en febrero por el sello AMS Records, “Incanti Bio Meccanici” nos muestra un repertorio rutilantemente ambicioso que fue trabajado en varios momentos de los años 2013 y 2014, armándose así un tema que supera los 20 minutos de duración, uno que llega casi a los 10 y dos que los superan. La alineación que concibió y grabó este álbum está conformada por Mario Moi al canto, el violín y la trompeta, Walter Gualtiero Gorreri al bajo y los pedales bajos, Gabriele Dario Manzini a los teclados, Alessandro Di Caprio a la batería y la nueva integrante Marcella Arganese a las guitarras y el sitar: destacamos en esta última su manera de reciclar los paradigmas de STEVE HACKETT dentro de su propio estilo, logrando así que sus interacciones con los siempre ambiciosos arreglos de teclado de Manzini sean equilibrados y sugerentes, independientemente de cuán pomposas sean algunas de las atmósferas más llamativas del repertorio. De hecho, la talentosa Marcella entró a la banda poco después de la publicación del mencionad osegundo disco. Podemos adelantar que con “Incanti Bio Meccanici”, los UBI MAIOR han logrado afianzar su posicionamiento en lugar preferencial dentro de la inagotable avanzada retro-progresiva italiana. Pero vayamos ahora a los detalles del disco para aclarar nuestra opinión tan positiva sobre este disco, ¿vale?


‘Teodora’ es la pieza más larga del álbum, durando 20 ¾ minutos, y justamente es la que abre el disco. Una sencilla y suave secuencia de acordes de guitarra dan inicio al tema con un aura de sobria serenidad, la misma que al incorporarse los demás instrumentos se torna dueña de una elegancia pastoral conmovedora: ése es el poder evocativo que tiene el violín del frontman Moi. Una pena que este pasaje introductorio no dure más de 105 segundos, pero es que el primer pasaje cantado irrumpe con todo para explayarse en una expresividad dramática señorial. A través de una ilación elaborada con pulcra fluidez, la siguiente sección vira hacia una espiritualidad más ceremoniosa, logrando así concretar una vitalidad melódica tan propia de sus legendarios compatriotas de MUSEO ROSENBACH como de otros más jóvenes como SITHONIA y MALIBRAN. En algún momento alrededor del decimoprimer minuto, las vibraciones melódicas aumentan de intensidad y la actitud reflexiva se ahonda más: los arreglos sucesivos de piano y mellotrón sirven de base para que el grupo en bloque articule el desarrollo temático en curso dentro de pautas sinfónicas bien definidas. Acto seguido, una inesperada variante tiene lugar y empieza a imperar un recurso de psicodelia lánguida que posiblemente porte algunos aires de familia con el viejo legado de VAN DER GRAAF GENERATOR: se trata en realidad de un interludio antes de que el grupo recupere el espíritu de la primera sección cantada, y lo hace con una estrategia sigilosa, con un crescendo inicial basado en las cadencias tribales provistas por la dupla rítmica, y luego, creando un pasaje rotundo donde el ensamble da rienda suelta al típico boato sinfónico. Tras un hermoso diálogo desafiante entre la guitarra y el violín que constituye el núcleo del clímax grupal, la suite se cierra con un breve reprise de un motivo de voz y piano: ¡a lo grande!

Todo un viaje ha sido la primera pieza del álbum… pero recién estamos comenzando. ‘Alchemico Fiammingo’ es la siguiente canción, durando casi 13 minutos. Comienza con un suave preludio breve de guitarra y violín antes de que el ensamble íntegro aborde el primer cuerpo central con una aureola alegre y extrovertida, más bien de tendencia neo. El segundo cuerpo melódico es un hermoso paraje instrumental que transita por el área de la estilización bucólica de BANCO DEL MUTUO SOCCORSO, cimentando así el terreno para que una nueva sección cantada (mayormente en 5/4) se explaye en un nuevo ejercicio de colorida gracilidad. La parte final baja un poco los decibeles rítmicos para asumir una ceremoniosidad relativamente dramática. ‘Il Cancello Del Tempo’ es la pieza menos extensa del álbum, y tal vez, la que más revela una espiritualidad romántica: a veces nos recuerda a SITHONIA en lo relativo a las fabulosas orquestaciones de teclado, pero otras veces donde el grupo juega con sonoridades etéreas e intimistas, el ensamble se explaya ingeniosamente en su talento para elaborar ingeniosas sutilezas melódicas como ha venido haciendo en sus discos precedentes (especialmente el segundo “Senza Tempo”). La construcción del clímax conclusivo es simplemente perfecta. ‘Lo Specchio Di Mogano’ cierra el álbum con otro despliegue de grandes ambiciones sónicas, sintetizando la grandiosidad retro-progresiva de las dos primeras canciones y los aires modernos predominantes de la tercera. Algunas menciones especiales deben ir para el fantástico solo de trompeta que anticipa la sección final, así como para el electrizante solo de Moog que coloca la bandera en la culminación del ascenso a la cima del desarrollo temático: este tipo de resoluciones melódicas dignifica a lo grande los legados de PFM y BMS.


Una misión difícil se puso sobre sus hombros la gente de UBI MAIOR cuando gestó la ingeniería artística de “Incanti Bio Meccanici”, y gracias a las Musas, el grupo enfrentó exitosamente el desafío y salió airoso de cada uno de los extensos viajes musicales que conforman el álbum. Un disco ideal para todo coleccionista de rock progresivo que se siente perpetuamente nostálgico de los tiempos de la primera generación de rock sinfónico: ¡totalmente recomendado!


Muestra de “Incanti Bio Meccanici”.-

Friday, March 20, 2015

La nocturna pasión progresiva de LA COSCIENZA DI ZENO


Hoy nos toca hablar sobre LA COSCIENZA DI ZENO, grupo italiano que vuelve a la carga con éste, su tercer disco, el cual se titula “La Notte Anche Di Giorno”. El ensamble ahora consta de Gabriele Guidi Colombi [bajo], Andrea Orlando [batería y percusiones], Alessio Calandriello [voz], Stefano Agnini [sintetizadores Solina, Elka Synthex, VCS3 y Mini-Moog, órgano KeyB], Davide Serpico [guitarras eléctricas  y acústicas], Luca Scherani [piano Yamaha, sintetizadores Korg Sigma, Crumar Multiman S3, Elka Rhapsody y Korg MS20, órgano Hammond B3, Mellotron M4000D y bouzouki] y Domenico Ingenito [violín]. O sea, ahora es un septeto con la presencia de un violinista permanente. Aun contando con un arsenal instrumental tan nutrido y rico, el grupo necesitó contar ocasionalmente con los aportes adicionales de la flautista Joanne Roan y de la cellista Melissa Del Lucchese, además del apoyo vocal de la bella Simona Angiloni (ARIES). El repertorio del disco dura 44 minutos y algunos segundos, repartiéndose casi equitativamente en dos bloques conceptuales respectivamente titulados ‘Giovane Figlia’ y ‘Madre Antica’.


‘A Ritroso’ abre el repertorio del disco y el concepto de ‘Giovane Figlia’… y ciertamente lo hace con todo: sonoridades majestuosas enriquecidas con una razonable dosis de polenta rockera, desarrollos temáticos sofisticados, ambiciosas amalgamas del violín con los múltiples teclados. Es mucho lo que sucede en poco menos de 5 ½  minutos y luego sigue ‘Il Giro Del Cappio’ para darle un matiz diferente al asunto bajo la guisa de una power-ballad sinfónica articulada bajo una ingeniería sonora suntuosa que revela aires de familia con los clásicos paradigmas de MUSEO ROSENBACH y METAMORFOSI, pero con ese aire nuevo que hallamos en los discos de LE PORTE NON APERTE y, sobre todo, los paradigmas de LA MASCHERA DI CERA y MALIBRAN. El turno de ‘Libero Pensatore’ es para reincidir en la espiritualidad ceremoniosa de la canción anterior, haciendo que su fuerza expresiva esencial adopte una sofisticación un poco más pronunciada, y por tanto, el grupo ostente su colorido inherente con matices aun más electrizantes: la introducción de un breve groove jazzero en la sección instrumental es un detalle efectivo. Con la dupla de ‘Quiete Apparente’ y ‘Impromptu Pour S.Z.’, el ensamble se alista a desarrollar complejas ilaciones musicales de tendencia manierista. Así las cosas, el terreno está preparado para que surja ‘Lenta Discesa All’Averno’ e instaure un nuevo ejercicio de musicalidades sinfónicas fastuosas azuzadas con apasionado fuego sónico. Dentro del diverso paisaje musical que se dibuja en esta pieza se incluye una hermosa sección de danza gitana en ¾ en la cual Simona asume el rol protagónico con su señorial canto. La mejor forma que se nos ocurre de describir la bella arquitectura de esta canción es que se trata de un híbrido de BIGLIETTO PER L’INFERNO y LE ORME.  

  

La secuencia de los cuatro temas que conforman el concepto de ‘Madre Antica’ se inicia con ‘Il Paese Ferito’, pieza que muestra recursos de apasionada expresividad a través de una serie de magníficas musicalidades donde se alternan una modalidad estilizada de densidad y una sensibilidad palaciega de línea romántica. Destaca en algunos pasajes la flauta a la hora de complementar algunas líneas de sintetizador. Acto seguido, ‘Cavanella’ nos brinda una semi-balada en compás de 3/4 sazonada en el pasaje final con una estupenda excursión instrumental que nos remite instantáneamente a los tiempos del clásico de PREMIATA FORNERIA MARCONI “L’Isola Di Niente”. Dicho pasaje instrumental opera realmente como un puente entre la parte cantada de ‘Cavanella’ y el entusiasmo vitalista de ‘La Staffetta’. Una vez más, tenemos una canción cuyo cuerpo central es sucedido por una sección instrumental, tratándose esta vez de un solo de piano… el cual también concluye elaborando una conexión con la canción que ocupa los últimos 7 minutos de ‘Madre Antica’ y del álbum. Esta canción se titula ‘Come Statua Di Dolore’ y se encarga de desarrollar con decisivo ahínco los recursos de estilizada expresividad que ya se habían plasmado en los momentos más intensos de las canciones primera y tercera de este concepto. El clímax final elabora una poderosa aureola de ceremoniosa tensión emocional que resulta cabalmente sazonada por las sobrias orquestaciones de teclados y las envolventes líneas del violín.  

 

La gente de LA COSCIENZA DI ZENO ha vuelto a aportar una referencia fonográfica relevante para la escena progresiva italiana del momento: “La Notte Anche Di Giorno” es un catálogo de melodías fantásticas donde el arte del ruido se desarrolla a pura pasión. Si este disco pretende reflejar toda la tensión apasionada de la nocturnidad, entonces las estrellas de este cielo musical brillan con una luz imponente e inapelable. ¡Totalmente recomendable para cualquier buena discoteca progresiva actualizada!


Muestras de “La Notte Anche Di Giorno”.-


Tuesday, March 17, 2015

NOT A GOOD SIGN: hacia un nuevo pico del rock progresivo italiano contemporáneo


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Ahora se da la ocasión de presentar el nuevo disco del grupo italiano NOT A GOOD SIGN, titulado “From A Distance”. Actualmente el personal de NOT A GOOD SIGN lo conforman Paolo “Ske” Botta [teclados], Alessio Calandriello [canto principal], el nuevo integrante AlessandroCassani [bajo, contrabajo, coros], Martino Malacrida [batería] y Francesco Zago [guitarras eléctricas y acústica de 12 cuerdas]. Tras el buen impacto que causó su homónimo disco debut de junio del 2013 en la comunidad progresiva mundial, ahora vuelve otra vez de la mano del sello AltrOck Productions para brindarnos un trabajo más focalizado en el aspecto hard de su propuesta retro-progresiva. Esto refuerza su sólida afinidad con otras bandas compatriotas como LE PORTE NON APERTE, CHAMERA CHIARA y ASTROLABIO. Le ha tomado solamente tres meses – desde octubre hasta diciembre del 2014 – al grupo el completar el repertorio del nuevo disco, presto a ser publicado en febrero del presente año: repasemos a continuación sus detalles.


Durando poco más de 5 minutos, ‘Wait For Me’ abre el disco con un breve preludio marcado por una vitalidad punzante antes de pasar a un cuerpo central más sigiloso y ceremonioso. El canto Calandriello se hace notar con su aguerrido sentido de la pasión, manifestando una sensación de convincente emergencia emocional que también se mantiene en la segunda canción, ‘Going Down’, la cual se percibe como una extensión de las atmósferas emocionalmente recargadas de la primera canción. En ambos temas (así como en otros dos más) participa como invitado Jacopo Costa a las percusiones tonales, cumpliendo cabalmente con la misión de añadir interesantes texturas sonoras a ciertas partes específicas de los teclados. ‘Flying Over Cities’ nos muestra una mayor recurrencia en el aspecto de la dureza rockera en base a un medio tiempo que abre espacios para el empleo de algunos recursos relativamente etéreos en medio del desarrollo temático. Pero no nos dejemos engañar… estos recursos tienen como misión reactivar la polenta y proporcionar al momentum una variante interesante. ‘Not Now’ ofrece un paraje de espiritualidad reflexiva al modo de balada sinfónica, articulada como un híbrido de LA MASCHERA DI CERA y CAMEL: las líneas de oboe que dibuja la invitada Eleonora Grampa son bellísimas, idóneas anticipadoras de la actitud intimista predominante en la canción. ‘Aru Hi No Yoru Deshita’ no solo reitera la presencia del oboe sino que también da campo para la presencia de otro invitado, Gian Marco Trevisan, quien aporta la guitarra eléctrica, además del pianista Maurizio Fasoli (amigo e integrante de SKE y YUGEN): se trata de un instrumental marcado por un lirismo sutilmente acechado por un aura de brumoso misterio. Tras transitar por este pequeño pasadizo de brumas otoñales emerge la fiereza llamativa de ‘Pleasure Of Drowning’, una canción que encajaría muy bien dentro de las facetas más duras de un disco de KARMACANIC o de HAKEN: los coqueteos con el estándar del prog-metal son fácilmente detectables aquí, pero también podemos notar algún impacto del legado de MALIBRAN.


‘I Feel Like Snowing’ y ‘Open Window’, las dos siguientes canciones, superan cada una los 7 minutos de duración, con lo cual encarnan las ambiciones progresivas del grupo con particular meticulosidad. ‘I Feel Like Snowing’ empieza con un espíritu sigiloso e intimista, con una efectiva base de piano eléctrico y vibráfono sobre la que se asienta el resto de los instrumentos; en la sección intermedia, se torna intenso con un dramatismo bien delineado que se refleja principalmente en las estilizadas líneas de la guitarra solista y el canto de Calandriello, llegando a un clímax de la mano de las capas de sintetizador. La coda recupera el primer motivo con una dosis un poco mayor de energía expresiva. Por su parte, ‘Open Window’ (donde vuelve a hacer presencia el pianista invitado Fasoli) es un viaje instrumental donde los pasajes aguerridos y los atmosféricos se alternan en una ilación muy cuidada, siendo así que el grupo parece estar sustentando un cierre extendido de la canción precedente mientras explora las expresiones de vigor rockero que habían inundado las tres primeras canciones del álbum con tremenda convicción. Nos vamos acercando al fin del disco cuando emerge la canción ‘The Diary I Never Wrote’, la cual exhibe una espiritualidad ceremoniosa dentro de un arreglo cercano al de la balada progresiva, ostentando un punche rotundo y electrizante. ‘Farewell’ es el idóneo título de la breve pieza que cierra el disco: este epílogo de piano y oboe refleja un clima de ensueño mientras en el trasfondo late un lejano ruido de ventisca que solo se apaga con lo que parece ser el sonido de un percutor.


Solo nos queda felicitar a la gente de NOT A GOOD SIGN por haber tenido el empuje y la inspiración para gestar un disco tan intenso como “From A Distance”, así como felicitarnos a nosotros mismos por tener a nuestro alcance el disfrute del rock sinfónico de nueva generación con esta obra fonográfica de tan buena factura. La propuesta de NOT A GOOD SIGN alcanza un nuevo pico en su vía ascendente hacia la gloria del rock progresivo italiano contemporáneo.


Muestras de “From A Distance”.-