Wednesday, March 04, 2015

Las turbulencias progresivas de BACKHAND


HOLA, AMIGO DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos toca presentar al grupo BACKHAND, un ensamble de músicos venezolanos que hizo su entrada inaugural al mercado fonográfico con su disco “Through The Turbulence”. Formado en Caracas por la pléyade cuatripartita de Pablo Mendoza [guitarras], Adolfo Herrera [batería], Adrian Van Woerkom [teclados] y Oscar Fanega [bajo], se trata de un aquelarre de talentosos veteranos (todos ellos con sus propias formaciones eruditas, trayectorias musicales y misiones pedagógicas) unidos por la encantadora ilusión de hacer algo grande juntos. BACKHAND opera en su mayor parte como un grupo instrumental pero en algunas ocasiones aparece como quinto elemento el vocalista canadiense Phil Naro para añadir su canto. La línea de trabajo del grupo es, a la vez, diversa y bien focalizada: teniendo como núcleo recurrente la confluencia entre el sinfonismo estandarizado, el prog-metal y el jazz-rock de línea moderna, los músicos se sienten patentemente cómodos insertando también generosas dosis de recursos propios del rock duro melódico y el retro-prog que ocupa espacios tan grandes en la escena progresiva actual. La fábrica sonora restringe razonablemente sus tendencias ambiciosas cuando Naro entra a tallar, pero ciertamente su presencia no implica un estorbo sino una variante interesante dentro del repertorio integral. Como resultado de tres años de sesuda labor, “Through The Turbulence” se convirtió en una realidad concreta en el año 2014, a través del sello Melodic Revolution Records.


Ocupando un espacio de poco más de 11 minutos, ‘Introspektion’ abre el repertorio con variados recursos de solemnidad pesada, grooves jazzeros juguetones y dinámicas coloridas propias de la tradición sinfónica (YES, EMERSON, LAKE & PALMER). El bloque general de la arquitectura multi-temática se enriquece a mitad de camino cuando se organiza un motif blues-rockero muy en línea con la leyenda de GARY MOORE a partir de un preludio plácido y sereno: nada de introspectivo ha tenido esta electrizante y diversa proyección musical. Más adelante nos llegan dos temas cantados titulados ‘Hold The Light’ y ‘The Big Red Wall’, respectivamente: ambos se centran en el estándar del rock pesado melódico sazonado con oportunos arreglos progresivos de teclado y manejos inteligentes de síncopas en la armazón rítmica. En medio de ellos se sitúa ‘Spider Riff’, una pieza marcada por exploraciones en la faceta más sutil de la banda: aquí encontramos recursos de psicodelia etérea en medio del boato melódico que nos dejan los diferentes motivos que se van sucediendo. ‘Hardwood’ es un tema cálido, con predominio del factor jazzero, muy a tono con los legados de HERBIE HANCOCK y JAN HAMMER, pero siempre guardando una vibración rockera en el trasfondo para concretar un punche afín al que usualmente encontramos en el jazz-prog contemporáneo. Las canciones sexta y séptima son las dos partes de ‘A Million People Crying’: la primera parte se arma dentro de un esquema de power ballad, no muy lejano al JOURNEY de la época de Steve Perry, mientras que la segunda consiste en un jam jazz-rockero donde el bloque instrumental se enfila a darle un boato renovador a la base armónica de la primera parte. Nero realiza aquí una de sus mejores labores vocales.


‘Tears From The Sea’ nos abre la veta melancólica del grupo a través de un ejercicio de conmovedora musicalidad que nos remite a cercanías con el paradigma de CAMEL (etapas del “I Can See Your House From Here” y del “Nude”) a través del filtro de LIQUID TENSION EXPERIMENT. ‘Crime Story’, por su parte, nos devuelve una vez más a la faceta electrizante y pesada de BACKHAND, estableciendo un ejercicio de estilizada fastuosidad enérgica: aires de familia con otras bandas hispanoamericanas como los costarricenses TIME’S FORGOTTEN y los argentinos RETSAM SURIV resultan lógicos por el empleo de estándares de DREAM THEATER, DEEP PURPLE y el paradigma clásico del heavy metal. Los dos siguientes temas son sendos viajes instrumentales: ‘Wonderful Peace’ y ‘Roller Coaster’. El primero comienza con un motivo ágil donde se explora un estupendo híbrido de prog metal y retro-prog (a lo KARMACANIC), dando espacio a un hermoso solo de bajo; la segunda sección se centra en un desarrollo temático sereno que no incomodaría dentro de un estándar de PINK FLOYD, aunque el grupo le da una energía especial propia de su idiosincrasia. Por su parte, el segundo retoma el dinamismo versátil del cual habíamos disfrutado en el primer tema del álbum, pero en una dimensión mucho más reducida (solo dura 3 ½ minutos). Con ‘Me, Myself And I’ se cierra el repertorio del álbum: se trata de una cálida balada desarrollada sobre un suave compás de Latin-jazz y con presencia predominante de la guitarra acústica.

   

En líneas generales, lo que nos han ofrecido BACKHAND con el repertorio de “Through The Turbulence” ha sido gratamente impresionante, toda una montaña rusa de musicalidades energéticas y ricas en recursos dentro de una ingeniería netamente progresiva. Queda claro que cuando el conjunto se concentra en sus creaciones instrumentales da más rienda suelta a sus conceptos de musicalidad compleja y sofisticada, mientras que se contiene un poco más en este aspecto en el armado de los temas cantados para centrarse en el gancho del momento: como sea, el repertorio ha sido amplio a través de una amplia gama de posibilidades que no aburre al oyente empático. Ojalá el futuro cercano tenga en el horizonte más discos de esta banda para disfrute de todos los melómanos dispuestos a descubrirla. 


Muestras de “Through The Turbulence”.-


Sunday, March 01, 2015

Las múltiples aventuras de LA BATTERIA


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos el enorme gusto de presentar al grupo italiano LA BATTERIA por motivo de la edición de su homónimo disco de debut a inicios del presente año 2015. Este ensamble está compuesto por Emanuele Bultrini [guitarras eléctrica, acústica y clásica, mandolina], David Nerattini [batería, percusiones], Stefano Vicarelli [órgano Hammond C3, clavinet, pianos acústico y eléctrico Fender Rhodes, sintetizadores Mini-Moog, Prophet-5 y System 66, mellotrón, celesta, clavicémbalo] y Paolo Pecorelli [bajo]. Tres cuartos de esta banda forman parte de la alineación de FONDERIA, grupo que sigue activo y que actualmente está en proceso de completar el que habrá de ser su cuarto disco de estudio: valga esta aclaración pero valga más prestar nuestra atención a LA BATTERIA en este momento particular. Este grupo formado en Roma en el año 2012 se define a sí mismo como cultor de prog-funk cinemático, o lo que es lo mismo, un enfoque ecléctico de jazz-rock, fusión y sinfonismo de vieja escuela con miras a crear ideas que parezcan idóneas para bandas sonoras de películas y series televisivas de los años 70s. De hecho, la primera intención de LA BATTERIA era la de crear una librería musical para el sello Flipper Music, pero finalmente se convirtió en un álbum con personalidad propia. Para realzar esta peculiar forma de enfocar ideas retro, el grupo ha trabajado con técnicas de producción analógicas, pero yendo más allá de lo puramente retro, el grupo también incorpora elementos de electrónica y hip-hop en ciertos momentos. El sello Penny Records se encarga de difundir este disco a cuyos detalles pasamos ahora. 


Yendo al repertorio mismo del álbum, ‘Chimera’ lo abre con un lirismo sereno y dueño de una cierta ansiedad etérea; la base de guitarra clásica y las sobrias orquestaciones de teclado focalizan en torno a sí el ceremonioso entramado organizado por el ensamble, casi al modo de la apertura de una película cuya banda sonora está a cargo de GOBLIN. ‘Vigilante’ vira hacia un terreno muy distinto, un ejercicio de densidad rockera esquematizada dentro de un groove de tendencia funky. El filo que aportan los ornamentos de sintetizador y las espartanas líneas de la guitarra eléctrica coquetean con atmósferas tétricas, pero básicamente es la intensidad extrovertida el recurso imperante en este vuelo musical. Con la secuencia de ‘Scenario’ y ‘Formula’, LA BATTERIA logran aumentar sus recursos estilísticos: el primero de estos temas es un ejercicio de psicodelia de vieja escuela en tempo de 6/8, mientras que el segundo explora ambientes electrónicos en un delicado matrimonio de boato krautrockero a lo TANGERINE DREAM y groove funky, extendiendo su paleta sonora al aspecto trance. De esta manera, ya tenemos en claro que el grupo se siente cómodo elaborando sus aventuras eclécticas con una actitud convincente que muy bien puede contagiar al oyente de turno. El quinto y el sexto temas, titulados ‘Vice Versa’ y ‘Manifesto’ respectivamente, retoman la intensidad funky-rock que antes apreciamos en ‘Vigilante’ y le añaden un toque extra de elegancia estructural: en el caso de ‘Viceversa’ se advierte un énfasis en el aspecto glamoroso del asunto, mientras que ‘Manifesto’ apuesta por un frenesí más pronunciado y un ahondamiento en la atmósfera de banda sonora de película.


‘Dilemma’ regresa a la psicodelia amable de vieja escuela dentro de un esquema rítmico vivaz y coqueto: el grupo sabe darle su propio sabor sofisticado al foco temático para ahondar en su intrínseca exquisitez, y lo mismo vale para ‘Espresso’, estupendo ejercicio de dinamismo funky con un talante inconfundiblemente jazz-progresivo en los ornamentos y solos de los teclados (un poco a lo CAMEL, la verdad). ‘Incognito’ traslada estas travesuras funky hacia un extraño pero efectivo clima fusionesco que incorpora elementos de la tradición italiana y también otros del prog electrónico. ‘Scenario 2’ no es sino un arreglo nuevo de ‘Scenario’, esta vez operando con un compás más cadencioso, lo cual permite al bajo lucir más su polenta y al órgano explayarse más cómodamente en sus desarrollo armónicos. El aire de música de fondo de una serie policíaca de los 70s es inocultable… además de placentero. El disco concluye con las piezas ‘Zero’ y ‘Persona Non Grata’, sucesivamente. El primero nos muestra la faceta más aguerrida de la banda, con unos guitarreos tan fieros como llamativos, una labor de teclados que llena todos los espacios y un trabajo rítmico muy cohesivo en su inherente sofisticación: el resultado final ostenta un gancho inapelable. Finalmente, el segundo elabora un clima ceremonioso sobre un compás relativamente marchoso, siendo así que la amalgama instrumental usa la dupla de órgano y clavicémbalo como base para que los sobrios fraseos de guitarra salgan al frente con elegancia y firmeza.  

  

Todo esto fue lo que nos ofreció LA BATTERIA con su homónimo disco de debut: un muestrario de musicalidades y atmósferas llevaderas, concebidas y armadas con una mentalidad sanamente ecléctica y un perfecto sentido de la elegancia. Esperemos que no se trate de su único disco.


Muestra de “La Batteria”.-

Thursday, February 26, 2015

Todas las áreas musicales de TESLA MANAF


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Ahora es el turno para presentar a TESLA MANAF, talentoso músico y compositor indonesio metido en esto de la vanguardia del jazz-fusión. El sello estadounidense MoonJune Records ha estado muy involucrado en los últimos años en la difusión de música contemporánea del país asiático y ahora nos brinda en un solo volumen los discos de TESLA MANAF “A Man’s Relationship With His Fragile Area” (original del 2014) e “It’s Only You” (original del 2011). Es justamente el más reciente de estos discos el foco principal de esta generosa reedición para la distribución mundial, pues el otro es designado como un bonus en los créditos escritos por el musicólogo Dan Burke. En efecto, “A Man’s Relationship With His Fragile Area” es un disco que se sitúa cómodamente en la cálida encrucijada de la fusión con raíces folklóricas (a lo SIMAKDIALOG) y el jazz modernista con afinidades avant-progresivas. Acompañan a TESLA MANAF Rudy Zulkarnaen [contrabajo], Desal Sembada [batería] y Hulhul [clarinete, tarompet pencak y flauta indonesia].


El repertorio de “A Man’s Relationship With His Fragile Area” comienza con la dupla de la pieza homónima y la titulada ‘Necrophilia’, siendo ambas sumamente breves – de ¾ de minuto y minuto y ½, respectivamente . La primera consiste en un delirantemente juguetón dueto de guitarra y canto femenino (este último a cargo de Zaky), mientras que el segundo es un ejercicio de free-jazz etéreo en el que el clarinete casi le roba el show a la guitarra. ‘Counting Miles And Smiles’ es el primer tema con un desarrollo reconocible, y aprovechando el despabilamiento motivado por las dos miniaturas precedentes, brinda una aureola de radiante emotividad a través de su razonablemente amplio desarrollo: se trata de una hermosa y envolvente maraña de coloridos atonales donde la guitarra y el clarinete se desafían y hermanan en serpenteantes líneas pletóricas de elegante luminosidad. El ensamble integral maneja los enredos resultantes dentro de una ingeniería meticulosa. Por su parte, ‘Moving Side’ se mete en el terreno de la fusión jazzera en clave de bossa nova con una masiva remodelación inspirada en la arquitectura desafiante de HENRY COW así como el dinamismo etéreo del WEATHER REPORT de los primeros discos. Con ‘Early Years’, pieza que dura poco menos de 8 minutos, TESLA y sus compañeros de viaje exploran una ambientación mucho más reposada, realmente introvertida, añadiendo algunos sobrios colores fusionescos al asunto por vía de la flauta indonesia. También hay un breve pasaje cerca del final donde el groove se intensifica notoriamente, gestando así un ingenioso recurso de inesperada variedad. Con la breve travesura dadaísta de múltiples guitarras titulada ‘Multiply By 0’, el ensamble se presta a obsequiarnos la secuencia de ‘Chin Up’ y ‘The Sweetest Horn’ para así completar el repertorio de  “A Man’s Relationship With His Fragile Area” con un robusto talante visionario. Coincidiendo ambas piezas en desarrollar sendos ejercicios de osada musicalidad, ‘Chin Up’ desarrolla una atmósfera de grisáceo festival a través de un groove festivo que parece esconder algo extraño tras bambalinas, mientras que ‘The Sweetest Horn’ exhibe afinidades con los paradigmas de HENRY COW y JOHN ZORN dentro de una armazón temática que tiene mucho de neurótico.

“It’s All Yours” es, como dijimos antes, un disco del año 2011 que completa la oferta del CD que estamos reseñando. Su estilo global es muy diferente del de “A Man’s Relationship With His Fragile Area”, sumergido en las aguas del jazz-fusión melódico con agradables incursiones esporádicas en ciertas influencias de PAT METHENY y RETURN TO FOREVER. Los invitados para la ocasión son el saxofonista-flautista Mumu, el contrabajista Gega Mesywara, el baterista Dani Irjayana, el teclista Yd Nafis, la vocalista Zaky y el conjunto de percusionistas étnicos MAHAGOTRA GANESHA (conformado por Adrian Firdaus, Dewa Made Premana, William Teh Putra, Wisnu Pramadi y Gede Darma Raharja). El repertorio de este disco consiste en seis temas que se titulan igual que el álbum y se distinguen en sus correspondientes seis partes. La primera Parte es la más extensa, durando 11 ¼ minutos: su tenor general es consistentemente colorido, penetrado por un dinamismo ágil y ligero, dando amplio espacio a varios solos de guitarra ejecutado con amable limpieza. Las Partes II y III brindan instancias de serenidad contemplativa: la primera de ellas se instala en una atmósfera introspectiva encubierta en una languidez envolvente, mientras que la segunda se expresa en un contexto más festivo desde el cual el saxo encuentra espacios de elegante lucimiento. ‘Part IV’ nos lleva en línea directa a territorio de AL DI MEOLA con los obligatorios asentamientos en recursos del folklore ritual de Indonesia (breves interludios de cánticos y percusiones). ‘Part V’ nos remite a un ensueño sónico amplificado con climas cinematográficos y efectos de sonido que emulan flujos acuáticos y radiaciones cósmicas: la flauta asume el rol protagónico mientras la guitarra de TESLA se centra en aportar a los efectos circundantes. Finalmente, la sexta Parte empieza transportándosos a la languidez introspectiva envolvente que encontramos en ‘Part II’ bajo la guía del solo de contrabajo, pero luego adquiere matices más vibrantes cuando el compás se intensifica y TESLA nos regala un fenomenal solo en clave Metheniense.


TESLA MANAF ha sido un descubrimiento muy placentero para nosotros: es justo y necesario dentro de cualquier buena discoteca de rock artístico y jazz contemporáneo incorporar este ítem que contiene una doble oferta estupenda.


Muestras de “A Man’s Relationship With His Fragile Area”.-

Monday, February 23, 2015

El nuevo karma musical de DEWA BUDJANA


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

DEWA BUDJANA vuelve al ruedo en esta larga temporada de febril actividad y prolífica creatividad, siempre bajo el visionario auspicio de MoonJune Records. Lo que nos brinda ahora DEWA es “Hasta Karma”, un disco exquisito donde se rodea con colaboradores de lujo como son el contrabajista Ben Williams, el baterista Antonio Sánchez y el vibrafonista Joe Locke. Justamente cabe destacar especialmente la presencia de un vibráfono dentro del entramado sonoro integral de este álbum, pues dicho instrumento permite aumentar, resaltar y complementar ciertos fraseos de guitarra o ciertos grooves armados por la dupla rítmica con infinitas dosis de sensibilidad y lirismo. El asunto clave es que los integrantes del bloque instrumental sepa comportarse como una unidad sólida mientras la guitarraocupa un rol protagónico sabiamente cuidado… y efectivamente, esto es lo que se concreta cabalmente a lo largo del repertorio de “Hasta Karma”. DEWA saca buen provecho a las texturas de la guitarra sintetizada en varios temas del álbum, además de las habituales guitarras eléctrica y acústica. Sánchez y Williams, como colegas de PAT METHENY UNITY, se sienten a gusto habitando temporalmente el mundo musical del maestro indonesio. Este disco fue grabado durante unas sesiones de grabación que tuvieron en un solo día en el Sounds Studio de Union City (estado de New Jersey), en enero del año pasado… y ahora lo tenemos a la mano desde inicios del presente año 2015. Vayamos ahora a los detalles del repertorio, ¿vale?


“Hasta Karma” se inicia con ‘Saniskara’, un agradable viaje musical que se explaya hasta los 8 minutos de duración: su combinación de gracilidad y espiritualidad ensoñadora es elaborada sobre esquemas rítmicos que van desde compases inusuales a grooves relajados, esquemas que irradian una aureola de exquisita sofisticación. Luego de este despliegue de coloridos primaverales transitamos a la solemnidad otoñal de ‘Desember’, pieza que juega con sobrias armazones temáticas en clave atonal: comenzando con una actitud serena, su centro temático deja amplio margen para el lucimiento de filudos guitarreos de un DEWA que parece estar contemplando alguna suerte de tormenta interior, para luego finalizar con un regreso a la serenidad inicial, y de paso, motivar un estupendo solo de vibráfono. ‘Jayaprana’ porta una vitalidad fácil de advertir en su luminosidad, pero ésta es manejada con suma elegancia, al modo de un paisaje a las afueras de un contexto palaciego. El groove de la batería es simplemente fantástico, mientras que la guitarra y el vibráfono alternan solos desbordantes de ingenio y nervio. Lo que apreciamos aquí particularmente es un bien armado casamiento entre los modelos del WEATHER REPORT de la era Pastorius con el refinamiento melódico de PAT METHENY.

Para los últimos tres temas, Indra Lesmana se hace presente en el ensamble apoyando en el piano acústico, el eléctrico y la melódica. Durando 11 ¾ minutos, ‘Ruang Dialisis’ es el tema más largo del disco, y además, DEWA se inspiró en los tristes eventos de las sucesivas muertes de su padre y su abuela para componerlo. La espiritualidad melancólica es, naturalmente, el tenor esencial de esta pieza, y en esto se concentran los sutiles fraseos de la primera guitarra y las etéreas orquestaciones de la sintetizada. El entramado sonoro incluye también el sampleo de un cántico que hizo la abuela de DEWA cuando la muerte del padre era inminente. Cuando en un cierto momento, el ensamble se focaliza en un momento de caos antes del pasaje final, el tono elegíaco de la pieza se remodela con una intensidad tensa. ‘Just Kidung’ también tiene una duración generosa – 10 minutos – pero su ambiente es definitivamente más alegre que el del tema precedente. Lesmana aporta un solo de piano masivamente colorido a la vitalidad consistentemente sólida que desarrollan los cuatro músicos de siempre. El sexto y último tema se titula ‘Payogan Rain’: se trata de un ejercicio de espiritualidad nostálgica en base a la guitarra acústica, siendo así que la melódica y el vibráfono se conjugan hábilmente para llenar ciertos espacios sin llegar al innecesario recurso de la sobreabundancia. El ensamble se da buena mañana para hacer un retrato sónico de la lluvia del título.


En fin, todo esto fue “Hasta Karma”, un nuevo muestrario del tipo de vitalidad que DEWA BUDJANA viene brindando desde hace algunos años al escenario mundial del jazz-rock contemporáneo. Esperamos con impaciencia sus próximos trabajos fonográficos mientras nos detenemos a degustar y apreciar este disco como lo que es: una obra simple y llanamente estupenda.   

Muestras de “Hasta Karma”.-

Friday, February 20, 2015

CHEETO'S MAGAZINE: rock progresivo con hirviente humor


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el turno de CHEETO’S MAGAZINE, grupo oriundo de la ciudad española de Barcelona y que está compuesto por Esteban Navarro [primera voz y teclados], Manel Orella [guitarras, coros], Dídac García [bajo, coros], Matías Lizana [teclados, coros] y Esteban Portero [batería, coros]. Formado hace 11 años, el grupo publicó su disco debut “Boiling Fowls” en el año 2014 con el formato de cuarteto de Navarro, Orella, García y Lizana; el ingreo de Portero fue posterior pero con la suficiente prontitud como para que su nombre apareciera registrado en los créditos del disco. El estilo de la banda está centrado en la línea retro-progresiva de SPOCK’S BEARD y TRANSATLANTIC, además de ofrecer varios guiños a la vieja tradición sinfónica y al modelo del prog-metal de los 90s… pero sobre todo, mucho desparpajo y mucho humor, especialmente humor surrealista, y es aquí donde también podemos encontrar ciertos nexos con la actitud juguetonamente iconoclasta de un FRANK ZAPPA o de unos 10CC. Para decirlo en pocas palabras, este disco es buenísimo, un ejemplo de cómo se puede gestar una musicalidad jovial con toneladas de destreza y sofisticación muy a tono con lo que el amante del rock progresivo espera disfrutar de su discoteca particular. Bueno, sin más preámbulos, vayamos a los detalles de “Boiling Fowls” (“Hirviendo Pollos” en español). 


‘Nova America’ da inicio al repertorio a todo dar, a lo grande, pues se trata de una suite que dura poco más de un cuarto de hora. Desde el punto de partida, los despliegues de colorido en los ampulosos arreglos de teclado y de extroversión en el groove de la dupla rítmica revelan una disposición a electrizar el ambiente con gancho y vigor. Las intervenciones del saxo (a cargo del invitado Sergi Felipe) colaboran eficazmente en este sentido, pero sin duda es la guitarra solista el factor más protagónico dentro del bloque instrumental. Las intervenciones vocales, donde confluyen los modelos de SPOCK’S BEARD, FRANK ZAPPA y THE BEACH BOYS, dan incesante frescura al asunto. La sección que va desde los 9’30” hasta los 13’00” ostenta un dinamismo vertiginoso. A poco de pasada la barrera de los 15 minutos, el grupo pasa a una sección serena e introspectiva marcada por el piano y el sintetizador: su desarrollo temático goza de unos generosos 6 minutos antes de que el grupo vuelva a elaborar ambientes extrovertidos con un motivo llamativo que tiene algo de TRANSATLANTIC y MARILLION, cerrándose finalmente con una coda ceremoniosa típica del retro-prog que se ha venido modelando desde los tiempos del revival 90ero. ‘Nova America’ es impactante sin atenuantes, y para el oyente empático es una gozada de cabo a rabo. Después de todo esto, siguen los temas ‘The Driver And The Cat’ y ‘Volcano Burger’. El primero comienza con una extraña remodelación del estereotipo de GENTLE GIANT con un groove latino antes de virar hacia un ejercicio de pop discotequero con bizarros retoques electrónicos; por su parte, el segundo es un espléndido instrumental que conjuga grácilmente la rotunda pomposidad del retro-prog y la agilidad preciosista del neo-prog (con fuerte sabor de IQ), haciendo el grupo gala de su capacidad de elaborar ingeniosos desarrollos de un motivo bien definido.


‘Teddy Bear’ cuenta inicialmente con un bosquejo en clave pop-rockera, pero las cosas no tardan mucho en delinearse bajo la atractiva influencia de la faceta más llevadera de SPOCK’S BEARD, valiéndose además de arreglos corales propios de los estereotipos de THE BEATLES y 10CC. ‘Four Guitars’ es un instrumental que se centra en una confluencia de JOE SATRIANI y TRIBAL TECH, incorporando cerca del final un interludio de corte trance. Tras esta aventura sigue otra: ‘Octopus Soup’ parece una versión reducida de la suite ‘Nova America’ en lo que respecta a la esforzada labor de desarrollo e ilación de variados motivos y ambientes dentro de una estructura que da igual importancia a la sofisticación esplendorosa y al desparpajo humorístico. ‘Fat Frosties’ es un instrumental poderoso, tal vez el más aguerrido de los que se incluyen en el disco: la primera sección se pasea a paso firme por los paradigmas de EMERSON, LAKE & PALMER y DEEP PURPLE, mientras que una segunda sección gira dramáticamente hacia la ampulosidad orquestal de THE ALAN PARSONS PROJECT… aunque siempre hay espacio para que entre inesperadamente a tallar algún pasaje humorístico que parece fondo de un corto animado. ‘Naughty Boy’ cierra el repertorio oficial del álbum haciendo una nueva síntesis de pop y progresivo con un talante burlesco, algo así como el estándar de ‘The Driver And The Cat’ con un empuje masivamente ambicioso. Hay un bonus track titulado ‘Driver French’, el cual sirve para que el ensamble explore su gusto por el pop raro.


Todo esto fue “Boiling Fowls”, un catálogo de fieras expresividades musicales que apuntan a crear un paradigma muy particular, el de CHEETO’S MAGAZINE. La verdad que este grupo barcelonés ha encontrado una forma muy ingeniosa de llamar la atención dentro del surtido y muchas veces esquemático mundillo del rock progresivo.


Muestra de “Boiling Fowls”.-


Wednesday, February 18, 2015

ABOUT TESS: el fuego sónico del Japón


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Llegó el momento de presentar al grupo japonés ABOUT TESS, el cual se dedica a cultivar una interesante modalidad de rock experimental instrumental en base a su inusual alineación que consistente de dos guitarristas (Takuto y Kazuya), dos bajistas (Kanz y Mita-Ken) y dos bateristas (DKO y Tetsuro). Su principal fuente de inspiración es el estándar del math-rock, pero también saben adentrarse en aguas del rock pesado, el jazz-rock y de la escuela psicodélica cada vez que tienen ganas de explotar a fondo las potencialidades eclécticas de una idea específica. “Shining” es el cuarto de su carrera, publicado en marzo del año 2014 por el sello Virgin Babylon Records, y que reseñamos a continuación… adelantando que se trata de un trabajo excitante de escuchar.


Durando poco más de 7 minutos, ‘Shine’ abre el álbum con una garra esplendorosa, la misma que se ornamenta férreamente con estupendos fraseos de guitarra, y, como mención especial, oportunos recursos de dinamismo crucial en algunas partes de la base rítmica. Acto seguido emerge ‘Prism’, cuya misión central es la de alternar pasajes donde la fuerza expresiva del tema de inicio se capitaliza con otro donde se trabaja texturas de guitarras acústicas sobre un esquema rítmico atractivamente ágil. Como si el repertorio estuviese en sí armado como un crescendo, el tercer tema ‘Atom’ se explaya en una dinámica más agresiva que en cualquiera de los dos anteriores. La ingeniería rítmica es sumamente muscular en su consistente vibración. Tanteando con un groove jazz-rockero, ‘Void’ sirve para que el grupo desarrolle una variante más grácil a su recurrente extroversión, tan esencial para su visión musical; de todas maneras, el pasaje final se alimenta de un despliegue generoso de vigor rockero para gestar una coda tormentosa y pegadiza. ‘Seer’ entra a tallar para seguir adelante con la lógica del crescendo: ostentar más vigor que la pieza anterior. Algunos solos de guitarra a lo JOE SATRIANI sazonan inteligentemente el robusto delirio con que se desarrolla el cuerpo central de esta pieza, un delirio articulado al estilo de los UPSILON ACRUX.


‘Flame’ abre la segunda mitad del disco con un despliegue de polenta bárbaro, basado en un estilizado desarrollo de sonoridades propias del rock duro melódico, aunque siempre perfilándolas a través de grooves y dinamismos que ya hemos apreciado a granel en el repertorio precedente. Recién cuando llega el turno del séptimo tema, ‘Prayer’, el grupo se toma un periodo de reposo para trabajar en su faceta más relajada. Con un compás de medio tiempo y un buen manejo de espacios en los guitarreos, el tema fluye cadenciosamente a través de su controlado desarrollo temático. ‘Mirror’ vuelve a subir el nivel de fuego rockero, pero el grupo se toma su tiempo para reinstaurar la voracidad volcánica habitual: esta pieza porta una dosis moderada de expresividad extrovertida, dejando los sonidos filudos para cuando llega la breve coda. ‘Dazzling’ es una pieza que irradia una imperante luminosidad a través de su relativamente sencilla ingeniería musical. Cerrando el disco, ‘Eyes’ regresa de lleno a lo introvertido, pero esta vez con una actitud épica: la temática esencialmente post-rockera del motivo central es manejada con autoridad, haciendo que el grupo elabore un clima de densidad emocional mientras conserva la fineza performativa bastante pulcra. Los fraseos solistas de la guitarra merecen una mención especial por saber construir una electrizante calidez muy conveniente para el gran final que el ensamble tiene en mente. Así concluye “Shining”, un disco idóneo para empezar a valorar el tipo de fuego sónico que ABOUT TESS aporta a la vanguardia rockera de nuestros tiempos. Muy recomendado.


Muestras de “Shining”.-

Monday, February 16, 2015

Aquí está AIRE, el hermanamiento post-rockero de Tailandia y Japón

 
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy toca el turno del grupo AIRE, ensamble tailandés-japonés afincado en Bangkok y que se dedica a cultivar una refrescante modalidad de post-rock enriquecida con elementos de psicodelia progresiva, math-rock y jazz-rock moderno. Este quinteto conformado por los guitarristas Reo y Tatsu, el bajista Van, el teclista Phil y el baterista Ginn pertenece a la misma familia que las bandas NUITO, TOE y TÉ, estableciendo también algún nexo estilístico con EXPLOSIONS IN THE SKY y VESSELS. AIRE se fundó a inicios del año 2012, logrando hacer su debut fonográfico con “You Are Here” en junio del 2014 por vía del sello Parabolic Records.

Abre el álbum justamente la pieza homónima, dueña de una languidez sobria y flotante, mu ya tono con los estándares del post-rock. Su duración de 2 ½ minutos le hace parecer no tanto una pieza autónoma como una vía de apertura para el tema que sigue a continuación, ‘Pyramid Sequence’. Éste se explaya en una dinámica math-rockera muy interesante, ostentando un manejo controlado de la fuerza rockera y una inteligente articulación de los guitarreos como si se estuviera elaborando una maraña. ‘Sanagito’ se hace eco de la vitalidad enarbolada por la pieza anterior y la reconstruye con un impulso genuinamente electrizante. Cabe hacer una mención especial a la idea de incorporar momentáneos aires latinos dentro de la ingeniería rockera en curso. Cuando emerge ‘Withering’, el grupo solo tiene que activar el piloto automático y volver a regodearse en su oficio de elaborar esquemas rítmicos atrapantes y atractivas amalgamas guitarreras. Esta vez nos topamos con la peculiaridad del uso de ciertos grooves jazz-rockeros de parte de la dupla rítmica. Esto mismo lo notamos en la pieza que sigue a continuación, la misma que se titula ‘Jinrikisha’, pero esta vez el grupo trabaja con un medio tiempo a fin de explorar las dimensiones más sutiles de su voz musical. El bloque central de la instrumentación se centra en una calidez serena en base a un cándido motivo de guitarra. ‘Turkish Ice’ encarna un momento cumbre del disco al emplear una arquitectura sofisticada en sus ilaciones temáticas, estableciendo una fluidez inexpugnable a través de sus variantes rítmicas. Algunas atmósferas, de hecho, ostentan grácilmente un aura inconfundiblemente Crimsoniana.
 

 
‘Forest’ regresa un poco a la espiritualidad lánguida que había marcado a la pieza homónima de entrada, y de hecho, su motif central porta una sencillez muy reveladora, pero la resolución se da con un dinamismo que más le acerca a ‘Pyramid Sequence’. Acercándonos ahora al final del repertorio, ‘Kendama’ se hace cargo de devolvernos a la intensidad estilizada de ‘Withering’ en una exhibición de sofisticada vitalidad emparentada con esquemas del rock progresivo del nuevo milenio. Siendo el tema más largo del álbum – dura casi 7 ½ minutos – ‘Before Flight’ cierra el disco aportando recursos de majestuosidad sónica para concretar la prestancia ampulosa que suelen exigir los momentos culminantes de un disco de rock. El clima general está muy bien articulado, con una perfecta interacción entre los guitarreos y el esquema rítmico para asentar la atmósfera de los jams en curso con perfecto nervio. Así las cosas, tenemos poco menos de 40 minutos de post-rock de gran altura: “You Are Here” es la carta de presentación idónea para despertar en nosotros la curiosidad por lo que aguarda en el futuro de AIRE en beneficio de nuestro deleite melómano. 


Muestras de “You Are Here”.-


Saturday, February 14, 2015

El mágico peregrinaje de MONTIBUS COMMUNITAS


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

“Pronto descubrirás que lo que hay dentro de ti es lo que yace fuera de ti. Pronto descubrirás que el vacío es plenitud. La mente liberada de todas las dualidades.” Esto es lo que nos dice la gente de MONTIBUS COMMUNITAS en la contraportada de su disco del año 2014 titulado “The Pilgrim To The Absolute”, el cual supone un volver a la carga con los alucinantes peregrinajes progresivo-psicodélicos a los que nos tiene ya acostumbrados, placenteramente acostumbrados. Publicado en formato de vinilo por el sello norteamericano Beyond Beyond Is Beyond a fines de setiembre del 2014: la peculiaridad de esta edición en vinilo es que éste viene en tres formatos – negro, claro y brillante en la oscuridad. Detrás de la meticulosa versatilidad en el diseño físico de esta edición se halla una muestra de ingeniosos coloridos y vibraciones musicales orquestadas bajo los parámetros del acid folk y la psicodelia de inspiración krautrock que siempre han trazado las coordenadas de cada aventura de MONTIBUS COMMUNITAS. En todo caso, lo que advertimos en el caso específico de “The Pilgrim To The Absolute” es una exploración más sesuda en los senderos más intimistas del patrón estético de la banda.


Bajo el liderazgo de A (a quien antes conocíamos como Bryan Buckt) en el proceso creativo y la producción, el ensamble que ha plasmado este peregrinaje mágico y sólidamente intenso está centrado en el propio A [flauta traversa, bansuri, guitarra, bajo, percusiones, sintetizadores, efectos sonoros], quien cuenta con las rotantes asistencia de Anna [violín, guitarra], Paul [sintetizadores, flauta, bansuri, canto], Carlos [bajo], Pedro [bajo, canto] y Giancarlo [percusiones, canto], dependiendo del tipo de atmósfera que se tiene en la mira para cada pieza individual. También se nota la incorporación de conversaciones en medio de algunos pasajes instrumentales, pero ante todo se destaca el rol prominente de los ruidos de la naturaleza. ‘The Pilgrim Under Stars’ abre el disco con un preludio de flujos acuosos y cándidos ambientes forestales, asentando así el terreno para un cuerpo central intensamente caracterizado por climas lánguidos y expectantes. Los retazos de percusión, guitarra y teclado son manejados con una consistente sutileza. Luego sigue ‘The Pilgrim To The Woods’, un viaje musical más breve que se concentra en una expresividad un tanto más extrovertida en base a un uso razonable de cadencias tribales de parte de la sección percusiva; los enfoques minimalistas del bajo y la guitarra traducen al lenguaje musical la vibrante corriente de pensamientos y reflexiones en la mente. Dentro del esquema general del repertorio, este segundo tema opera como un puente entre el primero y el tercero, titulándose éste ‘The Pilgrim At The Shrine’. Durando 10 ¼ minutos, empieza con una inquietud ritual que impone instantáneamente su magia particular, apoyándose en gran medida en los clamores cálidos y exóticos del violín. Con todo, es en la nutrida labor de los instrumentos de percusión donde encontramos la recurrente raíz para armar y reformular el enfoque grupal; de este modo se entiende que en algún momento cerca del final surja un trance electrizante de arreglos vocales, lo cual redondea la faena contemplativa con coherente excitación espiritual.


La segunda mitad del álbum se inicia con la dupla de ‘The Pilgrim To The Source Of Love And Life’ y ‘The Pilgrim And The Light Masters’. El primero de estos temas retoma el tipo de pulsión relativamente contenida que antes hallamos en ‘The Pilgrim To The Woods’, en base al equilibrado encuadre de percusión y flauta, aunque en comparación ostenta un revestimiento musical más oscuro. Por su parte, el segundo se adentra en senderos de tensión que, aunque no llegan a ser totalmente opresivas debido al tenor místico que el ensamble siempre mantiene a flote, sí muestran una densidad inapelable: el sonido de tránsitos fluviales apela a evocaciones de ‘The Pilgrim Under Stars’ mientras opera de conexión para el último tema, que justamente da título al álbum y es también el más extenso, con una duración de de 13 ¾ minutos. ‘The Pilgrim To The Absolute’ se explaya enormemente en climas contemplativos minimalistas, los mismos que están sólidamente plasmados en las etéreas capas de teclado que envuelven al oyente en una relajante bruma onírica mientras los fraseos de guitarra dibujan susurros cósmicos en el aire. La técnica de los instrumentistas y los sonidos de la versátil Madre Naturaleza se conjugan en una armonía total. Con este despliegue de misteriosa belleza se cierra el repertorio de “The Pilgrim To The Absolute”, otro gran capítulo de este fantástico libro de experiencias vanguardistas que es MONTIBUS COMMUNITAS. Más que un trayecto, lo que este peregrinaje ha tenido en su trazo es el universo interior del yo en busca de una luz nueva. La verdad es que este ensamble peruano nos está acostumbrando a disfrutar de joyas sónicas de exquisita factura, y por nosotros, que no paren de hacerlo: solo nos falta, para concluir esta reseña, felicitarles por darse tanta maña para hacer esta magia tan gloriosa desde su pequeño rincón dentro del underground limeño.


Muestras de “The Pilgrim To The Absolute”.-
The Pilgrim At The Shrine: https://www.youtube.com/watch?v=gOj5VetHblA

The Pilgrim To The Source Of Love And Life: https://www.youtube.com/watch?v=3XJ-U6saEjA

Wednesday, February 11, 2015

ÁNGEL ONTALVA y VASCO TRILLA: un monstruo de dos cabezas


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da el turno del dúo del guitarrista ÁNGEL ONTALVA y el baterista-percusionista VASCO TRILLA, dos colegas del fabuloso grupo campeón de la vanguardia progresiva española OCTOBER EQUUS que un buen día se pusieron a armar un fractal para gestar el disco “Balimonster”: este disco recoge piezas registradas en dos jornadas de grabación que tuvieron lugar en Barcelona y La Ratonera, respectivamente, en junio del 2013. Publicado en la red Bandcamp de OctoberXart [http://octoberxart.bandcamp.com/album/aceite-de-perro – con el título inicial de “Aceite De Perro”] a fines de junio del 2013, “Balimonster” tuvo su edición física al año siguiente bajo la producción ejecutiva de Francisco Macías… y por supuesto, con el arte del mismo ONTALVA. Vayamos al repertorio del disco a continuación.


‘Las Hermanas Despiertan’ abre el disco desarrollando una amplia gama de climas sigilosos y misteriosos; luego gesta una cadencia bien delineada desde la cual se arma un clímax conclusivo etéreo. ‘La Mano Del Muerto’ y ‘Polillas En La Ventana’ son sendas viñetas breves donde el dúo pasa de una actitud de contemplación serena a otro de concentración en tensiones abstractas. En ‘Pobre, Pobre Wan-Rung’, el dúo explora con solvencia y agudeza ambientes del Extremo Oriente. Los climas exóticos en curso se reciclan a través de una pertinente dosis de neurosis avant-progresiva mientras se mantiene con buen pulso el aura evocativa de los diálogos entre la guitarra y las percusiones: una gran manera de retratar la fatalidad y la melancolía que signaron la vida de la última emperatriz de China. La pieza más extensa de “Balimonster” es ‘Mira El Río Baja’, la misma que se orienta claramente hacia las aperturas deconstructivas del free-jazz. A través de un espacio de casi 10 ½ minutos, los dos músicos construyen espacios para sus expresividades individuales mientras buscan caminos por donde pueden llegar a efímeros puntos de encuentro. Esta ambiciosa exhibición de musicalidades desafiantes e inquietantes es seguida por la tercera viñeta del álbum: ‘Murciélagos’, centrada en las líneas indias de la guitarra mientras la batería se proyecta a cadencias ritualísticas.


‘Aceite De Perro’ conforma un cénit decisivo del disco donde la guitarra de ONTALVA muestra plenamente su filo extrovertido, trabajando ornamentos especialmente electrizantes en varios recovecos. Otro cénit es ‘Casa Tomada’, pieza marcada por un aura espectral bajo cuyo manto siniestro el dúo se ve empujado a seguir ahondando en sus exploraciones de constructivas. El trayecto de este repertorio llega a su fin con ‘Fin De Trayecto’, pieza de talante solemne: TRILLA elabora y sustenta un complejo groove de tendencias tribales mientras ONTALVA vuelve a regocijarse en climas exóticos. Todo esto es lo que encontramos en “Balimonster”, un testimonio sólido del espíritu aventurero e imprevisible de ÁNGEL ONTALVA y VASCO TRILLA, una unión de dos mentes musicales, o si se quiere, un monstruo bicéfalo que sabe cómo generar una propuesta interesante para la vanguardia española de nuestros tiempos.


Muestras de “Balimonster”.-
Las Hermanas Despiertan [en vivo]: https://www.youtube.com/watch?v=UaDL2L-3oyQ

Aceite De Perro [en vivo]: https://www.youtube.com/watch?v=UaDL2L-3oyQ

Monday, February 09, 2015

ÁNGEL ONTALVA: desde la tierra de la experimentación musical


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy prestamos nuestra atención a ÁNGEL ONTALVA y su segundo trabajo solista “Land Of Rain And Steel”. Conocemos al maestro guitarrista español ONTALVA por su labor en OCTOBER EQUUS, OFIR, GULAG y varios proyectos en diversas asociaciones, así como su primer trabajo solista “Mundo Flotante”, donde él contaba con la colaboración de parte de OCOTBER EQUUS y otros ilustres invitados. La cosa es distinta ahora con “Land Of Rain And Steel” pues ONTALVA aparece totalmente en solitario. Se trata de un catálogo de experimentaciones con guitarra que se registraron en La Ratonera en el año 2007, mientras OCTOBER EQUUS se encontraba preparando su segundo álbum “Charybdis” (y antes del tiempo de “Mundo Flotante”); por fin, tras pasar por un proceso de mezcla y remasterización en manos de ONTALVA en el 2013 para su publicación virtual en Bandcamp, se benefició de su respectiva edición física bajo la producción ejecutiva de Francisco Macías en el 2014. Repasemos ahora el repertorio de “Land Of Rain And Steel”, ¿vale?

‘No Birds’ abre el repertorio con una imponente aura sombría que se acomoda muy bien para dibujar espacios donde los fraseos centrales de la guitarra puedan explayarse en una ceremoniosidad misteriosa. Luego emerge ‘Strange Garden’ para regocijarse en la creación de texturas retorcidas en una atmósfera un tanto torturada, casi como una oda al sobresalto: definitivamente, hay aires de familia con buena parte de la obra del maestro Fred Frith. Cuando llega el momento de ‘Heavy Industry’, ONTALVA construye unas cadencias mecanicistas rotundas y electrizantes, muy a tono con las alusiones futuristas del título: la ansiedad y el estrés de la vida en un mundo dominado por la máquina hayan un correlato genial en este intenso boceto sónico que dibuja el guitarrista con su buen oficio de siempre. ‘The Border’ se apunta hacia una filuda psicodelia sistemáticamente empapada de aires orientales, mientras que ‘Last Chance’ exhibe una actitud reflexiva, con fraseos imaginativos que se mantienen dentro de una aureola serena. ‘Sand And Bones’ vuelve de lleno al aura sombría que ya conocimos en ‘No Birds’ y la explora más afondo, dándole una dosis más notoria de intensidad y alimentando su tensión latente con mayor ahínco.


Ya nos vamos acercando al final del álbum y nos topamos con ‘Acid Sea’: su propuesta es frontalmente deconstructiva, al modo de una inmensidad cuyas formas ni colores nos son perceptibles pero que invade nuestro pulso vital más allá de lo que la razón puede explicar, y de eso nos queda una inquietud ante algo que nos parece tétrico por ingobernable. Algunos efectos parecen emular golpes de campana, al modo del anuncio de un bramor apocalíptico en el horizonte cercano. ‘Rain And Steel’ es la pieza más larga del disco, durando más de 7 minutos: su esquema de trabajo se basa en retazos y capas de notas flotantes sobre los cuales se desarrollan algunos fraseos etéreos, algo que ha pasado a denominarse usualmente como el paradigma Frippiano. Igual está ONTALVA más cerca del modelo de Frith, pero sin duda, esta estrategia de usar la guitarra como una paleta nos remite a construir una articulación de sonido como si se tratara de un paisaje otoñal e intenso. El breve ‘Requiem’ cierra el álbum con una nueva exhibición de serenidad ornamentada con fraseos ondeantes que preservan una eficaz fuerza de carácter. Así termina la experiencia de “Land Of Rain And Steel”, una muestra fehaciente de la permanente inquietud creativa de ÁNGEL ONTALVA.


Muestras de “Land Of Rain And Steel”.-

Saturday, February 07, 2015

SEZIONE FRENANTE: bitácora de un largo viaje progresivo


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de presentar a SEZIONE FRENANTE, un grupo italiano con un destino extraño, y a la vez, admirable por su ejemplo de perseverancia. Con la formación de Alessandro Casagrande [batería y percusiones], Sandro Belleno [bajo], Doriano Mestriner [guitarras y voz], Mirco De Marchi [teclados y voz] y Francesco Nardo [voz solista], además de contar con la colaboración de Antonio Zullo a la guitarra acústica, el grupo grabó “Metafora Di Un Viaggio”, un disco conceptual inspirado en la poética de Dante Alighieri y que fue publicado por el sello Ma.Ra.Cash en junio del 2014. La cuestión es que el grupo se formó en los años 70s con los cinco primeros de los músicos antes mencionados, y de hecho, el grupo estuvo activo fungiendo de telonero para bandas del entorno como IBIS, LE ORME, BIGLIETTO PER L’INFERNO y PERIGEO, pero antes del fin de la década el grupo se separó sin haber conseguido contrato de grabación alguno. Ahora, con la aventura de reunirse y dar forma completa a sus viejas composiciones para elaborar un disco conceptual como “Metafora Di Un Viaggio”, se da una misión cumplida para SEZIONE FRENANTE. El grupo también ha vuelto al ruedo dando varios conciertos a lo largo del año 2014, convertido en sexteto con la inclusión permanente de Zullo. Desvelemos ahora el misterio renovado del repertorio de “Metafora Di Un Viaggio”.


Apoyándose en una nota sostenida inicial de órgano, ‘La Quiete In Un Attimo’ arma un bloque instrumental solemne y poderoso donde se articula una maravillosa confluencia de LE ORME y YES; para la segunda mitad, que es cantada, el clima pasa a ser melancólico y romántico, poniendo a las escalas de piano como núcleo. Luego sigue la dupla de ‘La Meta Non Trovata’ y ‘La Meta Non Trovata – Curiosità Di Essere’, donde la banda explora el dramatismo manierista que era tan común en varias de las grandes leyendas del sinfonismo italiano de los 70s (CORTE DEI MIRACOLI, APOTEOSI, BIGLIETTO PER L’INFERNO). ‘Atessa’ es un instrumental que retorna a la faceta más filuda de SEZIONE FRENANTE y lo hace explotando un motif sencillo con un ingenioso rol protagónico del bajo y un groove llamativo. ‘Passaggio’ es un breve pasaje instrumental donde la banda explora un dinamismo jazzero con un compás inusual, lo cual sirve para resolver cierta aura de tensión que se destilaba en la pieza inmediatamente anterior. Así las cosas, emerge ‘Viscido Ambiente’ para volver al romanticismo dramático, pero esta vez sobre un compás de blues que permite al grupo darle una musculatura mayor al asunto. Nos frustra un poco que esta canción no tenga un desarrollo más largo, pero de inmediato surge ‘Pace Imaginata’ para seguir adelante con el espíritu reflexivo reinante, elaborando un elegante ejercicio de sinfonismo al más puro estilo italiano – pensamos en LE ORME otra vez, pero con la actitud de unos BIGLIETTO PER L’INFERNO. ‘Quattro Stelle’ se enfila hacia climas emocionales más ligeros, apoyándose en melodías llamativas y efectivos arreglos de teclados, además de un groove marchoso: los aires de familia con ERIS PLUVIA (etapa del “Third Eye Light”) y H2O son inocultables.

  

Las dos últimas canciones, ‘Nota Stonata’ y ‘Svegliati Luce’, son las más largas del disco, ocupando juntas un espacio de poco menos de 17 ¾ minutos. ‘Nota Stonata’ se sostiene básicamente sobre la calidez evidente que emana de su desarrollo temático, muy en línea con la estilización sobria que LE ORME plasmó en “Contrappunti” así como con la vitalidad que entidades actuales como F.E.M. y AD MAIORA dan al sueño sinfónico italiano. Esta gente de SEZIONE FRENANTE sabe dar un aire nuevo a sus viejas ideas. ‘Svegliati Luce’, por su parte, nos guía hacia una retoma de las armazones melódicas y atmósferas más fastuosas del estilo de la banda, manejando con buen pulso la ilación de los diversos motivos. Hay un interludio magnífico donde la dupla de piano y sintetizador guía a los demás instrumentos en un crescendo muy bien cuidado. Y en fin… esto es todo lo que nos brinda la experiencia de “Metafora Di Un Viaggio”, la perfecta venganza dulce contra las desazones y desdenes del destino que los SEZIONE FRENANTE han perpetrado a punta de imaginación melódica y fineza musical. Más que una metáfora, una ordalía con final feliz; más que un simple disco de rock sinfónico, el testimonio de un sueño progresivo que vivió en la oscuridad resistiéndose tenazmente a morir bajo la ausencia de luz; más que un recuerdo de tiempos perdidos, un auténtico viaje desde un pasado que no llegó a ser hacia un presente real y vital. Ya es hora de prestar oídos a la música de SEZIONE FRENANTE.


Muestras de “Metafora Di Un Viaggio”.-
Pace Imaginata [en vivo]https://www.youtube.com/watch?v=erGktKP2sMo
Quattro Stelle [en vivo]https://www.youtube.com/watch?v=CcsMezU4mhg


Wednesday, February 04, 2015

La ascensión progresiva de MICHAEL PINNELLA


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

MICHAEL PINNELLA es principalmente conocido como el teclista de SYMPHONY X, así como uno de los principales compositores del grupo detrás del omnipresente guitarrista Michael Romeo. Nacido a fines de agosto del 1969 en Nueva Jersey, ha tenido formación académica de piano desde su infancia, pero como ha pasado con muchos, terminó decidiéndose por ser músico de rock al enamorarse de la música progresiva de vieja escuela y del metal de los 80s. Bien conocida es la historia de que él trabajaba como profesor de piano cuando Romeo le propuso formar parte de SYMPHONY X en su etapa originaria, y es el único integrante que ha estado en todos los discos del grupo hasta ahora junto con el mencionado Romeo. En cuanto a su labor solista, su primera aventura fue el disco “Enter By The Twelfth Gate”, publicado en el 2004 por el sello InsideOut. En diciembre del 2014, PINNELLA publicó su segundo álbum “Ascension” a través de Knife Fight Media en asociación con sus propios medios independientes. Repasamos ahora el repertorio de este segundo disco.


PINNELLA pone las cosas en un nivel ascendente desde el punto de partida con ‘New City Rising’, una pieza poderosa que se revela como bien articulada dentro una ingeniería musical exquisita y sobre la base de armazón rítmica ágil. Algo más ceremonioso resulta ‘Flip Side Of Things’, e incluso da espacio predominante a compases parsimoniosos sin dejar de incluir algunos pasajes explícitamente intensos: básicamente encontramos aquí el hermanamiento perfecto de los estándares de Rick Wakeman y Jon Lord. Para cuando llega el turno de ‘From Empty Places’, PINNELLA se decide a crear bases de piano con acentos románticos mientras las orquestaciones, líneas melódicas y solos de los demás teclados asientan un boato sinfónico solvente y atractivo. Estos viajes sonoros vertidos en ‘From Empty Places’ nos recuerdan, en buena medida, a varios de los climas épicos que gozamos en el clásico de SYMPHONY X “V”, y lo mismo vale para el siguiente tema, ‘La Batalla En La Niebla’ (así está el título, en idioma español), todo un ejercicio de estilizaciones académicas traducidas al esquema y vigor del rock. ‘Miswired’ porta una polenta más filuda, incluso llegando a tender puentes con los paradigmas de DREAM THEATER y SHADOW GALLERY. Esa misma polenta se recarga y capitaliza en ‘A Weight Of The World’, una pieza que vuelve de lleno a la expresividad electrizante y rotunda de los dos primeros temas.

Para cuando llegamos a la dupla de ‘Spiders Web’ y ‘Welcome Home’, PINNELLA decide explorar más a fondo la dimensión sinfónica de su propuesta musical. Con el tipo de intensidad que hallamos en discos de ROYAL HUNT y AYREON, PINNELLA desarrolla fehacientemente ideas inspiradas en el manierismo y el romanticismo. Si ‘Spiders Web’ se explaya notablemente en climas extrovertidos, ‘Welcome Home’ se resuelve más decididamente en un lirismo evocativo y fastuoso. ‘The Great Escape’, como si tomara la posta cedida por el lirismo sistemático de ‘Welcome Home’, se conduce bajo la guía del piano a través de un aura reflexiva, debidamente colorida con orquestaciones sumamente elegantes y la inserción de algún pasaje de cabaret en la sección final. Durando poco más de 7 minutos, el último tema ‘The Ascencion’ es también el más largo del álbum. Siguiendo con el tenor predominante de los temas inmediatamente anteriores, este cierre elabora bellas melodías y cadencias en clave sinfónica, pasando de lo reflexivo del tema anterior a un intimismo razonablemente pomposo. Los hermosos solos de sintetizador que entran a tallar se complementan a las mil maravillas con las bases de piano.


“Ascension” es, en el balance general, una gran obra de rock sinfónico para nuestros tiempos modernos, un trabajo muy bien hecho y que se conecta fluidamente con el estándar del SYMPHONY X que conocimos hasta los tiempos de “The Odyssey”. Hay que celebrar que MICHAEL PINNELLA sepa dar rienda suelta febrilmente a su propio ingenio musical y dirigir su propia ascensión dentro de la actual escena progresiva.


Muestra de “Ascension”.-

Monday, February 02, 2015

ENCHANT: más allá de todas las divisorias


HOLA, PROGRESIVOS, LES SALUDA CÉSAR INCA.

ENCHANT volvió al ruedo en el 2014 tras varios años de un período de hiato… y lo hace de la única manera que vale la pena: con un buen disco bajo el brazo, en este caso, “The Great Divide”. Con la formación de Ted Leonard [voz y guitarra], Douglas Ott [guitarras y coros], Ed Platt [bajo], Bill Jenkins [teclados] y Sean Flanegan [batería] vuelve a escena con este nuevo disco bajo el brazo después de que pasaron 11 años del disco de estudio precedente “Tug Of War” y 10 del DVD “Live At Last”. ENCHANT fue uno de los grupos más llamativos del revival progresivo estadounidense de los 90s, entablando puentes entre estándares del prog-metal, el neo-prog y el sinfonismo de vieja escuela con una frescura propia: RUSH, KANSAS, MARILLION, DREAM THEATER y GENESIS eran puntos de referencia peculiarmente amalgamados dentro de esta entidad musical formada en San Francisco a fines de los 80s de las cenizas de un grupo llamado MAE DAE. El grupo, aunque no llegó a igualar la fama de otros grupos progresivos y metal-progresivos de los 90s, contó siempre con una hinchada fiel y creciente. Eso significa que nunca fue olvidado, y ahora que Ted Leonard ha estado fungiendo como frontman de SPOCK’S BEARD en estos últimos años, la esperanza de volver a tener nueva música de ENCHANT se reavivó. Hace un par de años, el bajista Ed Platt anunció que había planes de reunión para la banda: pues bueno, “The Great Divide” es el testimonio de la realización de dichos planes en su rumbo hacia un buen puerto: InsideOut Music fue el sello responsable de poner este disco en el mercado el 30 de setiembre del año pasado. Vayamos ahora a los detalles del disco, ¿vale?


Con un punche inapelable desarrollado sobre un medio tiempo, mezclando grooves y estándares de KARMACANIC, ILUVATAR y el SPOCK’S BEARD post-Neal Morse, ‘Circles’ da inicio al disco con una musicalidad majestuosa. El teclado ocupa una posición particularmente destacado dentro del desarrollo temático, y también hay lucimiento especial para la labor de la batería dentro de la mezcla. Y sobre todo, una pregunta: ¿por qué tiene Ted Leonard que imitar a Neal Morse? Bueno, ojalá sea solamente una ocurrencia específica para esta canción, aunque más bien parece que su registro se ha “alterado” un poco. Las dos siguientes canciones, ‘Within An Inch’ y la homónima, se hacen cargo de proyectar lo que será la serie de coordenadas recurrente para el repertorio global. ‘Within An Inch’ está a cargo de preservar la garra y el punche de la pieza de entrada pero con un dinamismo un poco más contenido, lo cual permite al ensamble trabajar los ocasionales quiebres rítmicos con un mayor énfasis en los contrastes. Otra vez nos regala Jenkins un fabuloso solo de sintetizador que nos remite a los tiempos del primer DREAM THEATER así como a los primeros discos de ARENA. En cuanto a la canción homónima, pues para empezar, se trata de la más larga del disco con sus 9 minutos de duración. Pero sobre todo cabe destacarse su manera de crear y explayarse en atmósferas de relax espiritual en su desarrollo temático, con una dupla rítmica que añade ciertos resabios jazz-rockeros en su labor mientras que las complementaciones entre la guitarra y el teclado nos llevan hacia terrenos referentes a la tradición neo-progresiva británica (MARILLION, PENDRAGON, JADIS). ‘All Mixed Up’, por su parte, vuelve a la dinámica predominante de los dos primeros temas, pero tal vez con un coqueteo más abierto con el paradigma del prog-metal melódico (creando nexos con los alemanes de VANDEN PLAS).

La dupla de ‘Transparent Man’ y ‘Life In A Shadow’ encarna la instancia más popera de este repertorio: establece aires de familia con las pautas más recurrentes del tercer álbum “Break”, y también con la faceta menos sofisticada de SPOCK’S BEARD y, claro está, el aspecto más complaciente del MARILLION del nuevo milenio. Eso sí, no falta el recurso de algunas síncopas ingeniosas en el pasaje intermedio del primero de estos temas, así como sendos emotivos solos de guitarra muy a lo Steve Rothery para los dos. Justo cuando se cierne la amenaza de que el álbum caiga en una suerte de anemia musical, emerge ‘Deserve To Feel’ para gestar una ingeniosa y enérgica combinación de prog-metal y neo-prog, una visión del tipo de musicalidad y nervio al cual parecían aspirar los ARENA en sus discos más recientes pero que no lograban concretar del todo. Bueno, esto es territorio pleno de ENCHANT y ellos cumplen a cabalidad con las exigencias de esta tarea de exploración. Los últimos 15 ½ minutos del álbum están ocupados por la secuencia de ‘Here And Now’ y ‘Prognostication’. ‘Here And Now’ revela ciertos acentos épicos en su modo de ornamentar el bien delineado desarrollo melódico, definido bajo los patrones históricos de ENCHANT (su clásico primer álbum “A Blueprint Of The World”). ‘Prognostication’ – técnicamente, un bonus track – ocupa un espacio de casi 8 ½ minutos, es una arrolladora muestra instrumental de sinfonismo moderno expuesto a su potencia más vitalista, lo cual se debe a los elementos prog-metaleros que entran a tallar dentro de la amalgama sonora.


Resumiendo: lo que los ENCHANT han logrado con “The Great Divide” ha sido un retorno serio y bien constituido, mostrando el buen oficio de siempre a la hora de crear material musicalmente atractivo y plasmarlo con ejecuciones tan enérgicas como limpias. Yendo más allá de la gran divisoria que separa al presente del pasado, Los ENCHANT han vuelto con la pureza de sus ideales progresivos propios intacta.


Muestras de “The Great Divide”.-