Thursday, September 18, 2014

MARBIN: testimonios directos de la música en la carretera


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos en nuestras manos el disco en vivo de MARBIN titulado “The Third Set”. Después de tres trabajos de estudio – siendo así que el más reciente de ellos, “Last Chapter Of Dreaming”, se erigió como uno de los más bellos ítems de todo el catálogo de MoonJune Records – ya era hora de meternos a conocer más a fondo lo esencial del ideario estético de MARBIN… y lo más idóneo para hacer eso es disponer de un registro en vivo. Lo que nos muestra el cuarteto de Dani Rabin [guitarra], Danny Markovitch [saxofones], Justyn Lawrence [batería] y Jae Gentile [bajo] es un conjunto de 10 temas tomados de varios conciertos entre marzo y abril del 2013 durante una de sus muchas exhaustivas giras nacionales. O sea, lo que tenemos aquí es una documentación razonablemente minuciosa de lo que es la vida del músico en la carretera: temas de varios conciertos en varios lugares, algunos de ellos lugares donde la gente de MARBIN tenía que tocar dos y hasta tres veces – de ahí viene el título, “The Third Set”. Y encima, tengamos en cuenta los datos fríos y duros: más de 1000 conciertos en tres años y medio: por sí solo, estos datos retratan una vida intensa y finalmente agotadora que te lleva a través de diversos ambientes donde el calor del momento y el flujo aleatorio de la adrenalina imponen las reglas de juego a la hora de interpretar y extender los temas que conforman el repertorio en cada ocasión. Es un ritmo laboral que la banda ya ha dejado atrás (según palabras del guitarrista en una entrevista reciente), pues ahora está proyectándose hacia un ritmo más calculado y sosegado, y es por eso que la valoración principal que tenemos que hacer sobre “The Third Set” es de testimonio de una época donde Rabin, Markovitch y sus compañeros de viaje se erigían en jóvenes veteranos y bien curtidos del jazz-progresivo. Bueno, es verdad que, ante todas las cosas, hay que apreciar a “The Third Set” por lo que es en su realidad más concreta: un fabuloso disco en vivo. Vayamos ahora a los detalles del mismo, ¿vale?


La dupla de ‘Special Olympics’ y ‘The Depot’ pone a rodar el repertorio del disco: el primer tema se anuncia con un robusto riff de base que exige al saxo poner todo su fuego a arder en la hoguera sónica instalada por los otros tres instrumentos, la cual suena a un híbrido de JEFF BECK y JIMI HENDRIX en un acto de celebración de la pasión de vivir; el segundo tema baja un poco los deibeles de expansión sonora pero sigue mostrando fehacientemente los niveles de garra y nervio que el cuarteto es capaz de sacar de sí mientras da vueltas a un motivo sencillo compuesto en base a un estándar rocanrolero. Así las cosas, ‘Crystal Bells’ – pieza original del homónimo primer disco de estudio de la banda – emerge como un recurso de lírica introspección que, lejos de instaurar una fuente musical opuesta a la que se manifestaba en los dos primeros temas, le da nuevas aguas donde lo reflexivo es su color específico. ‘Redline’ es el primer tema del disco “Last Chapter Of Dreaming” que aparece aquí, y claro está, lo hace aportando una vibración sólida y juguetona, logrando así darle un aire refrescante al imponente vigor del momento. Lawrence se luce magníficamente en esta ocasión donde se le exige de manera especial. En este momento nos parece prácticamente imposible que la experiencia de “The Third Set” vaya a decaer en lo que resta del álbum, por lo que nos entregamos a la escucha de ‘Culture’ disfrutando de los recovecos judíos que Markovitch crea con su saxo en el inicio, y luego el ingreso del ensamble entero desarrollando un agradable jam en 6/8 con una actitud de vitalidad contenida a fin de dejar que el motivo central brille por sí mismo. ‘Vanthrax’ nos devuelve a las referencias al mejor BECK de sus aventuras jazz-rockeras, con algo de la exquisita rudeza de la última época del quinteto fundante de MAHAVISHNU ORCHESTRA.

  

Dentro de un repertorio tan homogéneo y bien perfilado como el que se contiene en este disco, nos parece que ‘Rabak’ y ‘Splaw’ merecen elogios especiales. En el caso de ‘Rabak’ tenemos un groove jazz-rockero que nos recuerda parcialmente al WEATHER REPORT de la etapa con Jaco Pastorius, pero con ese dinamismo enérgico que MARBIN ensalza como voz propia de su manera de concebir el lenguaje del jazz-rock como orgullosa extroversión. Una vez más, tenemos a un Lawrence que se crece monstruosamente detrás de sus tambores y platillos, gestando incluso un electrizante solo cerca del final, muy breve, pero orgánicamente integrado en el flujo sonoro creado por el ensamble. Por su parte, ‘Splaw’ continúa por esta senda de expresividad aguerrida y juguetona con un amplio espacio para desarrollar cadencias en clave bluesera. Cuando llega el turno de ‘Northern Odyssey’, nos metemos en un momento reflexivo donde la calidez del motivo central se impone con cándida precisión, abriendo así la puerta a ‘Volta’ – otro tema del “Last Chapter Of Dreaming” –, pieza a cargo de cerrar el repertorio y que es una de las composiciones más cercanas al legado de MAHAVISHNU ORCHESTRA que los MARBIN hayan hecho jamás.  


Si ya fue todo un deleite descubrir a esta banda a fines del 2012 con su grandioso disco “Last Chapter Of Dreaming”, lo que nos ofrece MARBIN ahora con “The Third Set” es un testimonio cabal del nivel de vitalidad con el que despliega y desarrolla sus creaciones y talentos performativos: hay que gritar tres hurras por los Sres. Rabin, Markovitch, Lawrence y Gentile.


Muestras de “The Third Set”.-

Monday, September 15, 2014

LIVING STILTS surcan las agitadas aguas de la música prog-sinfónica


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy presentamos a LIVING STILTS, un proyecto italiano de música progresiva fundado y liderado por el teclista y compositor Luca Mavilia. El disco debut de este proyecto es “Shipwreck”, un trabajo conceptual que se ubica en la dramática situación de una nave condenada al naufragio en medio de una terrible tormenta marítima; las canciones se centran en las circunstancias, temores y pasados de los personajes que saben que están a punto de encarar el momento final de sus vidas. En el departamento instrumental, el baterista-percusionista Alfredo Cassotta es el colaborador constante de Mavilia de modo que resulta integrante oficial de LIVING STILTS, mientras que [guitarras] y [bajo] aparecen como invitados especiales. Antonio Bella y Maria Tomassello se hacen cargo del canto y Ben McGuire hace lo propio con las recitaciones. La línea de trabajo de LIVING STILTS es de orientación prog-sinfónica, enfocada en un lirismo prístino dentro de una arquitectura musical bien definida, clasicista y sin sobresaltos, dejando que la melodía de turno se imponga con serenidad: algunas incursiones en climas pastorales ayudan a mantener la coherencia de dicha arquitectura. Esta iniciativa productora del sello mexicano Azafrán Media es un bue npretexto para seguir abriendo nuestros oídos al sinfonismo italiano actual.

‘Introducing The Storm’ nos introduce al repertorio del disco al modo de un preludio sinfónico dramáticamente manierista para que se instale sobre suelo firme la emergencia de ‘Shipwreck At Dawn’, la primera canción cabal del álbum. ‘Shipwreck At Dawn’ es una pieza ceremoniosa y moderadamente lánguida que se apoya consistentemente en un compás de blues: el resultado final suena a una cruza entre PINK FLOYD y LE ORME a través del filtro de XII ALFONSO. ‘A Woman Part I’ se desdobla en una sección introductoria instrumental y la canción central, la cual revela una calidez ensoñadora bajo un bloque instrumental que emula a una cajita musical. ‘Facing The Winds Of Doom’ porta un aire bucólico muy al estilo de los ambientes pastorales de inspiración mediterránea: las armazones de guitarras acústicas conforman el centro neurálgico de la instrumentación global mientras los vocalistas adoptan una actitud serena al concretar su labor. La idea de ‘Vertical Memories’ también se desdobla en un preludio instrumental y la canción central. El preludio en cuestión se adentra frontalmente en corrientes Floydianas marcadas por la suave marea sónica creada desde las capas y bases armónicas de los teclados, y luego afianzadas por vía de los punteos de la guitarra eléctrica, muy a lo Dave Gilmour. Cuando llega el momento de la canción central, nos encaramos con una envolvente balada sinfónica que va creando caminos de expansión expresiva mientras su desarrollo melódico va progresando: algunas secciones de los riffs guitarreros se sienten muy cercanas a los estándares del rock duro. La segunda parte de ‘A Woman’ retoma el motivo original con un sereno arreglo de piano.

Con ‘A Dicer’s Oath’ tenemos el primer momento de esplendor extrovertido de LIVING STILTS: apelando al gancho sofisticado del mejor THE ALAN PARSONS PROJECT y con ciertos sutiles aires Yessianos que también entran a tallar, la presente canción exhibe una dinámica atractiva y bien perfilada, siempre con ese preciosismo meticuloso que es marca de la casa. ‘A Journey Into The Light’ se divide en dos secciones tituladas ‘The Light Enters’ y ‘A Journey Into The Light’: la canción consiste en un dueto de recitación y órgano gótico, siendo así que en la primera parte la voz asume una actitud santurrona, mientras que en la segunda adopta una entonación dramática. La tercera y última parte de ‘A Woman’ recupera el enfoque orquestal de la primera con una estilización acentuada. Con la secuencia de ‘The Traveller’, ‘Sirens’ y ‘Death And The Merciful Gods’ se arma la trilogía final del concepto. Durando casi 8 ¾ minutos, ‘The Traveller’ es la canción más larga del disco: técnicamente hablando, se trata de otra balada sinfónica sustentada en un sencilla base melódica, pero sin duda, el entramado musical se siente ambicioso en los arreglos corales mientras la instrumentación se focaliza en un encuentro entre CAMEL y PINK FLOYD. ‘Sirens’, por su parte, es una pieza donde la guitarra acústica y los etéreos arreglos de los teclados retoman el talante pastoral que ya encontramos antes en ‘Facing The Winds Of Doom’, aunque ahora se expresa con una ambientación más grisácea. En fin, ‘Death And The Merciful Gods’ – la segunda canción más larga del disco con sus poco menos de 8 ½ minutos de duración – establece el toque final de ceremoniosidad teatral con una sonoridad fastuosa que nos remite a algún punto intermedio entre XII ALFONSO y el estereotipo de LE ORME.


Todo esto fue lo que nos brindó el ensamble de LIVING STILS a través de “Shipwreck”, un concept-album muy estilizado que se instala coherentemente en el perpetuo escenario del rock sinfónico italiano. La verdad que este grupo mantiene una imagen muy pero que muy reservada, tanto así que no ostenta fotos de los dos músicos de base siquiera ni en su perfil de Facebook ni en su página web (la cual es de por sí un tanto lacónica). Como sea, con la música revelada en este CD tenemos ya bastante para conocer y apreciar su magia dentro del gran escenario prog-sinfónico de nuestros tiempos.


Muestra de “Shipwreck”.-


Friday, September 12, 2014

El exquisito delirio prog-psicodélico de JAY TAUSIG


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es un buen día para abordar la obra del estadounidense JAY TAUSIG, más específicamente, en uno de sus últimos discos, “Delirium”. No es de extrañar que un mismo año él acumule más de un disco en su currículum vitae (todos ellos publicados virtualmente en su blog de Bandcamp: http://www.jaytausig.com/), y de hecho, en este año 2014 se ha hecho notar con varios discos grabados a lo largo de los últimos años, los cuales van desde el space-rock hasta la electrónica progresiva, pasando por algunas incursiones eclécticas donde se conjugan la clásica escuela sinfónica y la psicodelia pesada. Todo ello mientras hace mini-giras con su banda de apoyo y goza de una membrecía en el grupo PARADOX DRIVE como baterista-vocalista, formando parte del colectivo space-rockero SPIRITS BURNING, participando además en varios discos tributo (a GENESIS, PINK FLOYD, VAN DER GRAAF GENERATOR, etc.), y produciendo desde el 2012 una serie de 12 discos sobre cada signo del Zodíaco… ¡Vaya por Dios! Además de increíblemente prolífico, TAUSIG es todo un veterano que desde los 80s hasta el nuevo milenio ha mantenido una consistente y marginal agenda progresiva como integrante de bandas como E MOTIVE, SOLID SPACE, D’ARCANA, etc. Pero bueno, concentrándonos en “Delirium”, tenemos aquí un disco de música progresiva space-rockera con altas dosis de sensibilidad melódica. Además de cantar y tocar las guitarras eléctricas y acústicas de 6 y 12 cuerdas, los teclados y el bajo, TAUSIG se encarga también de la batería, el saxofón y el cello… Vamos, parece que no necesita de colaboradores en el estudio de grabación ni para que le abran la puerta.


El material de este disco fue compuesto y grabado en el 2010 como un concept-album sobre la perspectiva holística la vida terrenal del ser humano y su conexión con el orden del universo. El carácter épico de esta idea temática se plasma muy bien en los ambiciosos y estilizados desarrollos musicales que tienen lugar en cada una de las cuatro piezas: éstas son tituladas como si fueran partes de integradas dentro del susodicho concepto. La primera parte se titula ‘Breathe It In’ y dura 12 ½ minutos. Empieza relajada y mística, regodeándose en una placidez cálida antes de intensificar su groove más adelante, aunque lo que sucede literalmente es que hay un esquema sonoro más rico y versátil donde los momentos serenos y los extrovertidos se alternan con una fluidez muy bien articulada. Las partes rockeras ostentan un aire a lo HAWKWIND pero con un talante domesticado que le permite ajustarse a las exigencias de las ilaciones temáticas que tienen lugar. ‘It’s Only Temporary’ es el título de la segunda parte del disco, y desde el arranque se siente que el punche rockero está llamado a ser más trabajado. De hecho, la pieza adopta una aureola más épica que la primera parte, remitiéndonos a referencias a los estándares de PINK FLOYD (etapa 73-75) y YES (etapa del “Tales”). También se nota una labor más ambiciosa en el desarrollo melódico de varias secciones, lo cual repercute positivamente en el reforzamiento del aire casi orquestal que ostenta la instrumentación global: un buen ejemplo de ello se plasma en una sección donde el saxofón ocupa el lugar protagónico y añade flotantes texturas signadas por una tensión  comedida mientras el piano y las capas de sintetizador arman la base armónica. La sección final se centra en atmósferas a lo TANGERINE DREAM (etapa 77-79) siguiendo la pista del aspecto solemne de la psicodelia progresiva electrónica. La tercera parte se titula ‘Everything Is Nothing’, y es aquí donde se muestra más fehacientemente la faceta explosiva de la visión musical de JAY TAUSIG. La fuerza de las guitarras eléctricas y el punche de la batería se revelan de manera bien armonizada. La cuarta y última parte se titula ‘The Living Proof’, la cual se puede muy describir como una vibrante síntesis de las atmósferas centrales de las dos primeras partes; es como si todo el fuego que quedaba desde ‘It’s Only Temporary’ se empleara ahora para llenar las ráfagas de éter psicodélico de ‘Everything Is Nothing’, y ahora le quedara a TAUSIG explorar los matices de los otros tres elementos. En algunos pasajes breves, la instrumentación explora recursos de plácido caos, al modo de deconstructivos interludios entre un motivo y el siguiente: sorpresas así ayudan a aportar alguna sobria dosis de tensión a este tema, mayoritariamente relajado.


Todo esto fue “Delirium”, nuestro punto de partida en la exploración del inagotablemente nutrido mundo musical de JAY TAUSIG. Es de agradecer que este señor sea tan prolífico pues eso quiere decir que todavía hay en diversas partes del mundo músicos y compositores que ven en el ideal del rock progresivo una motivación inspiradora para hacer música rock artísticamente ambiciosa. Ésta ha sido una buena vía de entrada por lo que solo nos queda concluir que vale la pena seguir familiarizándose con la discografía de TAUSIG mientras ésta se va ampliando a la velocidad del sonido.

Muestra de “Delirium”.- 
It’s Only Temporary: http://jaytausig.bandcamp.com/track/part-2-its-only-temporary

Monday, September 08, 2014

Las nuevas oleadas jazz-progresivas de MORAINE


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

MORAINE vuelve a la carga bajo la permanente guía del genial guitarrista Dennis Rea, elaborando un nuevo disco excelente titulado “Groundswell”. Rea, quien además aporta intervenciones al mellotrón y efectos varios dentro del esquema sonoro de la remodelada alineación grupal, está acompañado por Alicia DeJoie [violín eléctrico], James DeJoie [saxo barítono, flauta, efectos], Kevin Millard [stick bass] y Tom Zgonc [batería]. Fiel a sus raíces jazz-progresivas de siempre mientras se mantiene al tanto de las vanguardias sonoras del momento, MORAINE es absolutamente capaz de generar implosiones de renovadora frescura dentro de una consistente esencia desde donde se enfoca la creatividad que tiene lugar. Así, “Groundswell” resulta un nuevo catálogo de exquisitas aventuras sónicas que dignifican enormemente a la escena progresiva contemporánea. El disco fue grabado en noviembre del 2013 en Seattle, lugar muy prolífico musicalmente de los EE.UU., y también sede residencial de los integrantes de MORAINE. El grupo se ha mantenido en un nivel intenso de actividad en los dos últimos años: además de grabar “Groundswell”, ha participado en varios festivales de vanguardia y de rock progresivo en diversas ciudades estadounidenses, además de la edición 2014 del Baja Prog en México. Para empezar, vaya nuestro agradecimiento a la gente de MoonJune Records por volver a producir y difundir la obra de este gran grupo, y ahora… concentrémonos en los detalles del repertorio de este disco, ¿vale?


Los primeros tres minutos y pico del álbum están ocupados por ‘Mustardseed’, un tema imponente que se caracteriza por una aureola de parsimoniosa densidad, sin duda, estableciendo abiertos coqueteos con el paradigma Crimsoniano 73-74. Luego, emergen sucesivamente ‘Skein’ y ‘Fountain Of Euthanasia’: el primero de estos temas, que se conecta con la línea de bandas como LED BIB y los siempre añorados BOUD DEUN, ostenta una agilidad sofisticada cuyas expansiones sonoras se sienten milimétricamente cuidadas; el segundo se caracteriza por un esquema de trabajo orquestal donde el núcleo temático se desarrolla delicadamente a través de sus variantes de ambiente, muy fiel al modelo preciosista del género progresivo en sí. ‘Gnashville’ es una pieza muy marchosa que rescata algo de la gracilidad de ‘Skein’ pero con un manejo más crudo de la extroversión que se va explayando: se trata de una manifestación “retorcida” de country-rock. Hay un momento de incandescente lucimiento del violín eléctrico, el cual propaga tensas llamas sonoras antes de que la guitarra disponga de su propia ocasión para el momentáneo protagonismo, pero sin duda, es el violín a cargo de sustentar el núcleo melódico del presente tema. Si es posible que exista algo así como un DIXIE DREGS Crimsonizado, pues la alquimia de MORAINE lo ha creado. ‘In That Distant Place’ se desplaza a territorios grisáceos arropados de una misteriosa aureola de calma espiritual en su mayor parte. El groove armado por la dupla rítmica es lo suficientemente sofisticada como para mantener el interés llamativo de este explayamiento reflexivo, y sobre todo, para impulsar finalmente un pasaje exultante cuya contundente musicalidad aporta un quiebre fenomenal para el clímax final. ‘Synecdoche’ es una nueva aventura de filuda extroversión con un cuerpo central en 7/8 y un intermedio electrizante que nos vuelve a recordar al estereotipo de unos BOUD DEUN, pero esta vez con un nervio psicodélico más notoriamente pronunciado. Con ‘The Earth Is An Atom’ gozamos de una idea melódica más cálida en el motivo central, pero igualmente el grupo se apoya en los ecos de la electrizante energía derrochada en la pieza precedente. Para este tema, es el saxo quien ocupa el rol protagónico en algunos pasajes donde predomina la intensidad expresionista, mientras que el violín se encarga de trazar el sendero de los momentos más contenidos. Y por supuesto, se puede contar con un fabuloso solo de Rea.


Las tres últimas piezas del disco son también las más extensas del mismo, durando cada una más de 7 minutos. ‘Waylaid’ se complace nuevamente en explorar sonoridades equitativamente fluidas y enérgicas a través de métricas inusuales y recursos experimentales inesperados. En un inicio, se puede definir como un híbrido de ‘Skein’ y ‘The Earth Is An Atom’, pero más adelante, bajo la pauta del violín, el grupo se pone a investigar en ambientes cósmicos deconstructivos que nos toman por sorpresa y nos llevan hacia estándares del krautrock sintetizado y el ruidismo. Para cuando vuelve a armarse un encuadre rítmico definido, las cosas no pueden ser las mismas; la sensación de tensión permanece pero ahora se transforma en arquitectura después de haber mostrado su faceta de etéreo flujo. ‘Spiritual Gatecrasher’, por su parte, establece un aura más relajada en base al esquema de trabajo cadencioso que instala la dupla rítmica; los efluvios sucesivos de la flauta y el violín ayudan enormemente a completar lo que parece ser un meticuloso retrato sonoro de un extraño ensueño otoñal. Los aires de familia con la sección mayoritaria de ‘In That Distant Place’ son evidentes, mas cabe hacer la acotación que en el caso de ‘Spiritual Gatecrasher’ disfrutamos de un lirismo más perfilado y una vibración melancólica más enfática. Finalmente, ‘The Okanogan Lobe’ ostenta una fastuosidad ceremoniosa donde Rea y sus socios elaboran climas envolventes con un inteligente manejo de la garra esencial del ensamble, cuya forma tan pulcramente integradora de actuar se centra en la esencia más “pura” del género progresivo. Aquellos parajes de incrementada intensidad operan eficazmente como motivadores del cuerpo central; y cómo no, la guitarra de Rea vuelve a lucirse en algún magnífico solo, insertado oportunamente para dejar que se expanda la ebullición climática de cierre.



Todo esto fue “Groundswell”, una auténtica oleada de aventuras musicales encapsuladas en un repertorio impresionante y sugerente, repleto de ingeniosos matices que se revelan y remodelan al oído del oyente con cada nueva escucha. MORAINE sigue afirmándose como una figura señera de la escena jazz-progresiva estadounidense: por tanto, merece ser mencionado en cualquier lista de lo mejor de la música progresiva del 2014.


Muestras de “Groundswell”.-

Friday, September 05, 2014

Nuevos magnetismos en la psicodelia vertiginosa de LIQUIDARLO CELULOIDE


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos complace traer a colación el nuevo disco del grupo peruano LIQUIDARLO CELULOIDE, titulado “Vértigo Magnético”, el cual instaura una remodelación certera y oportuna a su propia visión de la experimentación psicodélica dentro de los dialectos más osados e imprevisibles del lenguaje del rock. Bajo la eterna guía de Juan Diego Capurro [teclados y procesos electrónicos] y con la leal presencia de Efrén Castillo [guitarra] y Alfonso Vargas [batería], el ahora cuarteto se completa con Giancarlo Rebagliatti [bajo]. El proceso de grabación del material de “Vértigo Magnético” data de noviembre del 2012, pero los procesos de postproducción y arte gráfica han sido suficientemente ampliados hasta mediados del presente año 2014. El sello Buh Records se anota un gol olímpico con este disco, el cual no solamente contiene música estupenda sino que también está contenido dentro de un empaque gráfico muy atractivo y bien pulido. Veamos qué nos muestra la gente de LIQUIDARLO CELULOIDE en este parámetro para su nuevo impulso creativo.


Durando casi 4’50”, ‘Píldora Espiral’ pone el disco en marcha con un vigor electrizante e inquietante: tras un inicio de efectos de sintetizador que suena como una maquinaria que se está encendiendo, el grupo no tarda en instaurar el jam central con un punche sólido, no ajeno a las huellas intemporales de NEU! y GURU GURU. Acto seguido emerge la pieza homónima, la cual constituye un cénit del disco en lo que se refiere a la expresividad articulada del incendiario esplendor psicodélico donde el cuarteto asienta sus fundamentos sónicos: el carácter machacón de su groove nuclear es prácticamente idéntico al del primer tema pero aquí se siente un realce más contundente de la hoguera musical en curso, las llamas son más elevadas y viscerales, siendo así que los inagotables ornamentos de la batería son eficaces a la hora de avivar dichas llamas en el camino hacia el clímax final. ‘Amanecer’ baja un poco el nivel de frenesí pero manteniendo la noción de fuerza rockera envolvente, logrando con ello construir una atmósfera tan opresiva como reflexiva: coqueteos con el discurso del post-metal y el viejo paradigma del stoner conforman la estrategia del momento, logrando así insuflar nuevos aires muy interesantes al esquema de opresivas sonoridades experimentales que es especialidad de la casa. Hilándose con la pieza anterior, ‘Desconexión Extática’ nos transporta hacia las dimensiones más abstractas del ideario colectivo de LIQUIDARLO CELULOIDE, dejando que las capas y cadencias del sintetizador marquen la pauta mientras la guitarra se complace en irrumpir a ráfagas y la dupla rítmica elabora esquemas de sutil matiz jazz-rockero. Sonando a un híbrido de SONIC YOUTH y HARMONIA, ‘Desconexión extática’ aporta imágenes de éter tras las llamaradas directas de fuego que se transmitieron en los tres temas precedentes, un fuego que vuelve a hacerse presente inconfundiblemente en ‘Descoyuntura Ante La Caída’. Este tema, a pesar de su título, ostenta una arquitectura muy sólida que nos vuelve a remitir al paradigma de NEU! – los efluvios alucinados de la guitarra se hacen crecientemente dominantes mientras la banda aumenta el nivel de impacto en el jam que se está desarrollando, llegando hasta la neurosis tanática. El epílogo sintetizado marca un ambiente de languidez cósmica muy oportuna para abrirnos la puerta al siguiente tema del repertorio 

  

‘Un Pie En El Vacío’ es el tema más largo del disco, con una extensión de 7 minutos y pico: la banda aprovecha el tiempo de expansión del que goza para trabajar dimensiones señoriales de su ideología psicodélica, elaborando un adecuado equilibrio entre la fuerza visceral de la guitarra y la energía volcánica del sintetizador mientras Vargas y Rebagliatti sustentan robustamente el flujo del jam. ‘Espasmódica Transformación’ es, por seguir utilizando la terminología del repertorio, la pieza más espasmódica del álbum: con un compás aguerridamente rocanrolero (en cierto sentido, afín a lo que hallamos en discos de LA IRA DE DIOS, otra figura prominente de la escena psicodélica peruana) el grupo explora nuevas facetas de neurosis electrizante a lo HAWKWIND. El breve epílogo ‘Fin Del Viaje Vertical’ aporta un momento de efímera explosividad donde se cierra la caja de los más caóticos delirios sónicos que tuvieron lugar en el repertorio. Así concluye la experiencia de  “Vértigo Magnético”, un estupendo disco llamado a erigirse en un nuevo clásico de LIQUIDARLO CELULOIDE así como un renovador punto de referencia para la escena vanguardista peruana de nuestros tiempos.


Muestras de “Vértigo Magnético”.-
Un Pie En El Vacío: http://buhrecords.bandcamp.com/track/un-pie-en-el-vac-o

Tuesday, September 02, 2014

El último vuelo hacia el bosque musical de ALBATROS


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

ALBATROS alza su vuelo final con su tercer disco “Mundo Bosque”, testamento fiel de la línea de trabajo que ha venido cultivando y madurando la banda desde los tiempos de sus discos anteriores “Pentadelia” y “Ursus”, esto es, prog psicodélico elaborado con equitativas dosis de garra y refinamiento. Si decimos que se trata del vuelo final de ALBATROS es porque, en efecto, “Mundo Bosque” marca la despedida de la banda, la cual ya se halla disuelta desde antes de la edición concreta del disco en cuestión por obra del sello chileno Mylodon Records. Es una pena que el grupo ya no permanezca – bien es verdad que nada hay permanente en este mundo – pero todavía nos queda la alegría de disfrutar de nueva música rockera exultante de creatividad y osadía: en este sentido, la conjunción de Javi Fernández [guitarras y voces], Tolo Gabarró [batería], Joan Gabriel [bajo y voces], Marc González [guitarras y voces] y Red Pèrill [teclados, sintetizadores y voces] no nos decepciona para nada en este tiempo de abandonar la casa y apagar la luz. En algunas ocasiones, el quinteto viene aumentado por la presencia del percusionista invitado Magí Batalla. Repasemos a continuación los detalles del repertorio de “Mundo Bosque”.


A través de la secuencia inicial de ‘El Nombre Del Mundo Es Bosque’ e ‘Hijos De Los Hombres’ nos topamos con unos primeros 12 minutos y pico donde la gente de ALBATROS revela el asentamiento sonoro hacia el cual ha evolucionado de forma sólida y consistente. ‘El Nombre Del Mundo Es Bosque’ empieza con un ceremonioso preludio instrumental que suena a una versión domesticada de stoner con esas etéreas escalas de las guitarras y la cósmica capa de sintetizador; luego, el cuerpo cantado se centra en un ejercicio de psicodelia melódica, refrescante y agradable, bien encuadrado dentro de un groove sobrio. Por su parte, ‘Hijos De Los Hombres’ se revela intenso y explosivo, una situación donde la gente de ALBATROS juega sus cartas más extrovertidas, trazando nexos con estándares del rock duro clásico y la vertiente hard progresivo de aquellos años 70s: cómo no advertir vínculos con los paradigmas de BLOQUE y ASFALTO, cómo no sentirse motivado por las interacciones entre las guitarras y los teclados mientras la dupla rítmica asienta una ingeniería vibrante para sostener el desarrollo instrumental en curso. Luego sigue ‘El Hombre Anciano’, una pieza evidentemente signada por un talante reflexivo, mostrando su densidad emocional a través de la patente densidad de los guitarreos utilizados para su desarrollo melódico: la inserción de un interludio en clave marchosa realza la vibración meditabunda del tema, como si se tratara de un momento en que la insatisfacción adopta un disfraz airado. Cuando llega el turno de ‘Caminante De Luz’, volvemos a la robustez etérea con la que había empezado el disco, pero esta vez con una actitud más frenética que se emparenta con ‘Hijos De Los Hombres’. La transición elaborada por el inicio instrumental antes de llegar a la parte cantada es simplemente fenomenal: las ideas fluyen con solvencia, tocadas con la solidez y buen pulso que ha caracterizado desde siempre al colectivo de ALBATROS. Las cercanías a BLOQUE y ASFALTO vuelven a emerger, así como algunos elementos del URIAH HEEP temprano y una versión ultra-refinada de HAWKWIND. La canción es prácticamente un clímax continuo, y justo por ello siente el oyente que el final se da demasiado pronto… pero bueno, todavía queda disco por delante y es el momento de la pieza instrumental ‘Tardis’. En muchos sentidos, ‘Tardis’ es el sucesor ideal de ‘Caminante De Luz’ porque recoge parte de su vigor y lo reelabora con aires jazz-rockeros, logrando instalar así una variante interesante a la ilación de climas y atmósferas que nos ha estado entregando la banda. El tenor lírico de las bien construidas líneas de la primera guitarra y el dinamismo llamativo de la dupla rítmica encuadran muy bien el bloque general de la instrumentación; el solo de piano eléctrico también es digno de una mención particular. La tríada de ‘El Hombre Anciano’, ‘Caminante De Luz’ y ‘Tardis’ supone, sin duda, una ascensión hacia senderos de luz y pasión donde el repertorio del álbum halla un cénit de expresividad.

 

‘Ende’ es un blues-rock fiel al estilo 70ero, muy retro, coloreado con arreglos corales ingenuos y una ágil frescura que no viene nada mal después de la secuencia de las tres canciones precedentes. De hecho, es una oportunidad idónea para disfrutar de una apreciación directa del buen manejo que ALBATROS puede hacer de ideas musicales perfiladas con cierto preciosismo. Más tarde o temprano debemos llegar a los últimos 8 ½ minutos del álbum, los cuales están están ocupados por ‘Cómo Estás Cuando Estás Bien’: esta canción retoma el espíritu contemplativo de ‘El Hombre Anciano’ durante la mayor parte de su estructura temática, añadiendo también algunos momentos cañeros en el camino. La sección final se sostiene en un motivo recurrente en 3/4 donde la banda expande su nervio rockero con calculado nervio que permite al clímax concluyente mantener el control de su propio vigor expansivo. Esto es todo con “Mundo Bosque” y también es la caida del telón para ALBATROS como entidad musical: gracias a Javi, Tolo, Joan, Marc y Red por todo lo que nos han dado en estos años, incluyendo a esta estupenda carta de despedida.


Muestras de “Mundo Bosque”.-
Hijos De Los Hombres [vídeo-clip]: https://www.youtube.com/watch?v=Vsxo0NrhxQg
Caminante De Luz: https://psicoalbatros.bandcamp.com/track/caminante-de-luz

Saturday, August 30, 2014

El nuevo enigma prog-sinfónico de LOGOS


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Hoy presentamos al grupo italiano LOGOS, formado en 1996 como banda tributo a LE ORME mientras iba aprendiendo a armar composiciones propias dentro de la tradición prog-sinfónica. Con dos discos grabados entre fines del milenio pasado e inicios del presente, LOGOS procuró hacerse de un sitio concreto dentro de la escena progresiva contemporánea, y ahora nos viene con su nuevo trabajo “L’Enigma Della Vita”, el cual ya ha sido apreciado en varias páginas web como su mejor disco hasta la fecha. El disco en cuestión fue publicado por el sello Andromeda relix en mayo pasado. Los músicos fundadores de la banda son el teclista Luca Zerman, el baterista Alessandro Perbellini y el guitarrista-bajista Fabio Gaspari, siendo así que actualmente conformada como cuarteto con la inclusión de otro teclista llamado Claudio Antolini. Los dos primeros discos también fueron grabados con la alineación de cuarteto, pero con un guitarrista en vez de otro teclista: parece que LOGOS se siente más firme en el asentamiento de su visión musical cuando hay dobles teclados a bordo, y justamente se siente su gran relevancia a la hora de manejar y sopesar varias de las ideas melódicas que se suceden a lo largo del repertorio de “L’Enigma Della Vita”. Revisemos dicho repertorio con más detalle.


El preludio del disco es ‘Antifona’, durando poco más de 2 minutos: sus climas flotantes y expectantes abren la puerta a ‘Venivo Da Un Lungo Sonno’, un sólido y generosamente expandido ejercicio de sinfonismo moderno en clave de 7/8. Los nexos estilísticos con los paradigmas de CAMEL y ELOY, así como con el neo de los 90s en adelante (MANGALA VALLIS, H20, TRAUMHAUS), son bastante evidentes, y en el caso de LOGOS, ellos saben darle una ingeniosa revitalización al asunto. Los últimos solos de guitarra ostentan una laxitud a lo DAVE GILMOUR, y de hecho el arreglo de las capas de los sintetizadores ayuda a intensificar las afinidades Floydianas en curso. La dupla de ‘In Fuga’ y ‘Alla Fine Dell’Ultimo Capitolo’ llega para incrementar las dosis de energía expresiva y musicalidad: el primero de estos temas ostenta una sana complejidad en las armazones rítmicas empleadas para la ocasión, así como intrincados desarrollos temáticos; por su parte, el segundo exhibe un vigor llamativo que nunca decae a través de sus 9 minutos y pico de duración. Vale destacar específicamente en ‘Alla Fine Dell’Ultimo Capitolo’ lo bien que se aprovecha la densa magia del mellotrón en el desarrollo del intermedio instrumental. ‘N.a.s.’ es un instrumental poderoso, dueño de un radiante dinamismo en el que la maquinaria sónica del grupo se luce con florituras comedidas, siempre al servicio de los motivos centrales y del espíritu general de la pieza, bastante extrovertido, típicamente signado por la sofisticación característica del género progresivo. Sin duda, se trata de un clímax decisivo del disco. El sexto tema del álbum es justamente el que le da título, explorando un medio tiempo con un manejo sobrio de cadencias propias del rock duro bajo un envoltorio casi cósmico: sin duda que se puede ver aquí la influencia del PORCUPINE TREE de los últimos álbumes, aunque sin dejar atrás del todo las afinidades con MANGALA VALLIS y H20. Las capas y bases de los sintetizadores portan el suficiente carácter como para establecer un adecuado complemento a los riffs guitarreros.   

‘In Principio’ es la pieza más extensa del álbum durando 11 ½ minutos. Su sección inicial nos toma de sorpresa – de una manera agradable – al proyectarse hacia contemplativos ambientes pastorales bajo la guía de la guitarra acústica y los flotantes ornamentos de los teclados. La cosa realmente parece Genesiana en la primera mitad, incluso estableciendo nexos con el modelo de revival que propone la banda compatriota THE WATCH. En la segunda mitad, el talante de la canción vira notoriamente hacia un dinamismo psicodélico donde los efectos electrónicos se combinan fluidamente con el vigor rockero explícitamente diseñado para la ocasión – algo así como lo que esperaríamos de LABIRINTO DI SPECCHI y GRAN TURISMO VELOCE. ‘Completamente Estranei’ mantiene ambientes y grooves propios del neo-progresivo, explotando cabalmente el gancho de los motivos melódicos en torno a los cuales gira la canción. ‘In Quale Luogo Si Fermó Il Mio Tempo’ es una bella sonata de piano que prepara el terreno para el segundo tema más largo del disco, ‘Pioggia In Campagna’: esta canción brinda una síntesis cohesiva de la magnificencia de ‘Alla Fine Dell’Ultimo Capitolo’ y el dinamismo ostentoso de ‘N.a.s.’, calzando con total eficacia las atmósferas esenciales de la vieja tradición 70era (LE ORME, PFM) dentro del esquema de trabajo obviamente moderno donde se mueven estos músicos. La claridad magistral de los desarrollos de los sucesivos motivos operan como la cima última idónea para el álbum, aunque todavía falta ‘Il Rumore Dell’Aria’, el breve epílogo que repite los climas cósmicos del prólogo mientras suena una recitación ceremoniosa.  



Musicalidad preciosista de una muy cuidadosa factura donde la energía expresiva y el refinamiento van de la mano a cada momento: esto es lo que encontramos en “L’Enigma Della Vita”, enésimo testimonio de la prestancia magnífica que la nutrida y prolífica escena italiana ostenta hasta el día de hoy. LOGOS es uno de muchos grupos que garantizan la buena salud del rock artístico europeo - los 13 años de distancia entre el disco anterior y el nuevo han rendido buenos frutos.

Wednesday, August 27, 2014

HOMÍNIDO o la nueva estirpe de la fusión progresiva chilena


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Hoy se da la ocasión de presentar al grupo chileno HOMÍNIDO, el cual acaba de publicar su disco debut “Estirpe Lítica”. Este grupo ya tiene algunos años de existencia bajo la iniciativa del bajista Francisco Martín y el baterista-percusionista Rodrigo González Mera, quienes conformaron la dupla rítmica de la ya desaparecida banda LA DESOOORDEN. A esta nueva misión musical de González y Martín se han venido sumando Pablo Cárcamo [guitarras, E-bow, teclados, coros], Eliana Valenzuela [voz, coros], Benjamín Ruz [violín] y Christopher Hernández [trompeta, fiscorno]. Teniendo en cuenta que Martín no solo se limita a tocar el bajo sino que añade el trompe y el didgeridoo a su arsenal, pues se garantiza en HOMÍNIDO una plenitud sónica fundamental e inapelable.


‘Simún’ pone en marcha las cosas, empezando con un preludio expectante donde el clamor flotante del didgeridoo parece anunciar el pronto surgimiento de algo grande… y en efecto, eso es lo que sucede cuando el bloque grupal se asienta y empieza a elaborar el cuerpo central de la pieza, asentándolo sobre un groove llamativamente cadencioso que ostenta su sensual luminosidad fusionesca. Luego sigue ‘Ciudades De Piedra’, cuya misión central es la de seguir ahondando en estos cautivadores esquemas rítmicos, con el plus de que los guitarreos ahora portan un punche más filudo. Cuando llega el turno de la dupla de ‘Insano Devenir’ y ‘Desde Las Cumbres Del Mar’, el bloque sonoro de la banda se siente cada vez más robusto: en el caso del primero de estos temas, disfrutamos de un híbrido de RUSH y LED ZEPPELIN en clave jazz-rockera, siendo así que las percusiones añaden un oportuno sabor latino al asunto; en el caso del segundo, la banda se concentra en ambientes reflexivos y relajados, usando su bien afiatada prestancia colectiva para hacer de su creación sonora un acto pictórico de retratos de los horizontes que contempla el espíritu dentro de sí mismo. Por ahora ya tenemos en claro la línea de trabajo de HOMÍNIDO así como su nivel de creatividad al moverse en ambientes diversos sucesivos. ‘Shanlágram Shilá’ y ‘Eterno Retorno’ conforman otra dupla importante, y de hecho, se puede afirmar que instauran en su conjunción – prolongada por casi 16 minutos – un clímax fundamental para el disco. ‘Shanlágram Shilá’ elabora climas y paisajes de raíz medio-oriental con un punche lo suficientemente medido para no saturar al oyente mientras los instrumentistas y Valenzuela dan vueltas y más vueltas al mágico sortilegio sobre el que se centra el motivo recurrente. Por su parte, el brillante instrumental ‘Eterno Retorno’ edifica una hoguera sonora muy en línea con el legado del SANTANA primigenio, con firmes aproximaciones a ritmos caribeños y afro-brasileños, explorando el discurso del rock-fusión con una vitalidad psicodélica atrapante. La verdad que en varios pasajes, la guitarra se siente muy metalizada, lo cual resulta muy útil para dirigir el empuje de la instrumentación integral.   

  


‘Cabeza De Piedra’ desarrolla una retoma de la solidez rockera que ya habíamos atestiguado en ‘Insano Devenir’, añadiéndola una vibración sofisticadamente electrizante mayor que atribuimos al impacto directo del tema precedente. ‘Mi Roca Interna’ vira hacia un clima de suave ensoñación: los roles protagónicos del piano y el violín a la hora de instalar el motivo central son bien aprovechados por el canto y la solemne cadencia latina de la armazón rítmica. Una delicia de poco menos de 4 minutos. Proyectándose desde estas cadencias ensoñadoras para elevarse hacia una exaltación rockero-tribal, ‘Adoquines Queretanos’ nos muestra al grupo preparado para volver a explorar su faceta más extrovertida; eso sí, lo hace con una actitud pertinentemente comedida. Cuando llega el turno del décimo tema – justamente el que da título al disco – la susodicha exaltación se trabaja más a fondo, una vez más, volviendo al estándar de ‘Insano Devenir’. ‘Salar’ nos remite a parajes introspección serena y cálida en base a la delicada triangulación armada entre la guitarra acústica, la percusión étnica y el corno. El canto de Valenzuela evoca un viaje en barca a través de un río desde donde se pueda proyectar una mirada nueva hacia el mundo que nos rodea. Durando casi 8 ½ minutos, ‘Magma’ cierra el álbum con un retorno en pleno hacia los parajes más esenciales del dinamismo fusionesco que HOMÍNIDO ha convertido en núcleo de sus exaltaciones musicales, pero como si estuviera sobrecogido por la excursión introspectiva de la canción precedente, mantiene una espiritualidad etérea a través de su patente luminosidad y su llamativo groove. Eso sí, el climático pasaje de cierre, nutrido con exuberantes vibraciones tribales y alimentado con un solo de guitarra casi Crimsoniano, ayuda a crear una electrizante sensación de esplendor mientras se explaya hacia su fade-out.


HOMÍNIDO es, sin duda, una revelación importante y esencial para la vertiente progresiva sudamericana de raíces fusionescas: este disco debut “Estirpe Lítica” es una gozada de principio a fin, una labor de artesanía musical elaborada a punta de nervio, creatividad y refinamiento extremo. ¡Recomendado!


Muestras de “Estirpe Lítica”.-

Sunday, August 24, 2014

La rueda perpetua de HUMUS


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Hoy nos toca fijarnos en el ensamble prog-psicodélico mexicano HUMUS so pretexto de su nuevo lanzamiento discográfico “The Wheel Of Malarkey”, el mismo que está publicado en CD y en doble vinilo. HUMUS es una banda veterana y muy idolatrada dentro del underground rockero mexicano: el trabajo que traemos ahora a colación ha sido publicado en junio del presente año 2014. El repertorio íntegro del disco se ha venido grabando desde el 2012, bajo la perpetua guía del guitarrista Jorge Beltrán, quien además de tocar la primera guitarra, también se hace cargo de los programas computarizados de teclado. A lo largo del disco, Charly López, Jeff Beltrán y John Westminster se alternan en el rol de baterista, mientras que Víctor Basurto se hace cargo del bajo y de efectos de iPad. Jorge Beltrán es el autor de casi todo el repertorio. Un dato curioso sobre “Wheel Of Malarkey” es que buena parte del material contenido en él fue compuesto como música de fondo para el menga “Bit Blood Aberrant” (un menga es un manga de factura mexicana).


Como dijimos más arriba, este disco está concebido no solo como ítem digital sino también como vinilo doble, y es por eso que los créditos del repertorio están repartidos en cuatro “lados”. El primer lado se abre con ‘Blatant/Mouge’, una pieza que comienza en clave cibernética (texturas de teclados y batería computarizadas) para luego virar hacia una enérgica demostración de space-rock de línea stoner. Así de llamativo es el inicio de las cosas, por lo que el terreno está adecuadamente preparado para que emerja el maratónico tema ‘Ultimate Help Resurgence’, que dura 10 minutos y pico. A través de diversos motivos que gozan de convenientes explayamientos efímeros, el grupo mantiene un groove dinámico y consistente: la guitarra de Beltrán, que mayormente se apoya en la elaboración de riffs y sencillas progresiones armónicas, mantiene una robustez sólida que resulta crucial a la hora de dar coherencia a la meticulosa ilación de motivos que sigue su curso al modo de los cambiantes niveles de intensidad de una corriente fluvial. ‘We’, por su parte, se articula dentro de una dinámica más focalizada, destacándose la vital aproximación entre el bajo y la guitarra, así como un estupendo solo a lo HENDRIX a la hora de elaborar el clímax conclusivo. El segundo lado comienza con ‘Bait For The Free’, un tema que suena al BLACK SABBATH de la etapa 71-73 remodelado con comedidas tonalidades etéreas a lo STEVE HILLAGE, seguido de ‘Flush Down The Mewk In June’, tema que da prioridad a los talantes del blues psicodélico y del jazz-rock dentro de su osada serie de variaciones sónicas muy propias de la esencia tradicional de la música progresiva. ‘The Mind Has A Mind Of It’s Own’ se perfila hacia climas góticos y misteriosos, apelando sutilmente a elementos tétricos de vez en cuando: el rol del órgano ocupa un protagonismo especial dentro del bloque sonoro. ‘Pouy Trell Koll’ suena como una versión reducida del espíritu general de ‘Flush Down The Mewk In June’, mientras que ‘Rat Bat Blue Variations’ cierra el segundo lado con una minúscula demostración de cálida ingeniería armónica de computadora. Los expertos en DEEP PURPLE reconocerán que se trata de una versión especial de un tema del álbum “Who Do We Think We Are”, de hecho, una de las piezas más enérgicas de ese disco. 


El tercer lado comienza con una composición de Ben Williams titulada ‘Losless Faster’ donde el mismo Williams toca los teclados, la guitarra, la batería y el bajo. Su función principal es la de abrir la puerta para la composición más extensa del disco, ‘Fulham’. Con un amplio enfoque centrado en el desarrollo de texturas y climas computarizados dentro de una ingeniería de cadencias que coquetean en buena medida con el free-jazz, la ambientación general de la pieza en cuestión se siente flotante e inquieta a la vez. A poco de pasada la frontera del séptimo minuto, se da una prioridad de texturas líricas, a veces juguetonas, a veces reposadas. Lo que se disfruta de ‘Fulham’ principalmente es la novedad que supone el dejarse llevar por esta refinada elaboración de excursiones electrónicas dentro de un clima expresivo muy rico en musicalidad. Luego siguen tres piezas un tanto breves para completar el tercer lado del álbum, siendo la primera de ellas ‘Float’, un tema signado por el vitalismo áspero y exquisito que es marca doméstica de HUMUS. La segunda, titulada ‘Fluctuation’, nos lleva hacia una expresividad visceralmente vigorosa más intensa donde la batería ocupa un privilegiado espacio central dentro de la instrumentación: por supuesto, Beltrán da rienda suelta a sus habituales signos a lo HILLAGE-HENDRIX sin dejar de darle una vitalidad nueva. Finalmente, ‘Bashes’ nos lleva hacia un ambiente relajado, tirado a lo jazzero, donde el piano se sitúa como protagonista. El cuarto y último lado de “Wheel Of Malarkey” comienza con ‘Junior Flake’, un jam rotundamente voraz que explora las facetas filudas del estándar del rock stoner con grooves muy pero que muy interesantes. Tras su abrupto final emerge la composición de Alejandro Toledano Castillo ‘Events’, el cual nos muestra la simpática idea de un trío de maderas elaborando matices estilizados sobre un compás básico bastante frenético. ‘Cream’ vuelve de lleno al esquema triádico de guitarra-bajo-batería con una excelsa demostración de pesadez rockera que tiene bastante del rollo de LED ZEPPELIN, pero con esa aureola de ácida complejidad que se deriva del space-rock. ‘11 12 13’ es un tema donde Beltrán cuenta con invitados muy especiales: el guitarrista Eliud Varela, el bajista Ricardo Salinas y el baterista Christopher Kreuzer. Se trata de un jam intenso y sanamente visceral donde los involucrados se recrean en un clima magníficamente incendiario, un tanto a lo HAWKWIND. ‘Joy’ cierra el álbum con una muy breve (ni siquiera dura 2 ¾ minutos) recapitulación de ambientes y cadencias que ya disfrutamos en ‘We’ y ‘Cream’, siempre con su oportuno toque de sofisticación.



Todo esto ha sido “The Wheel Of Malarkey”, un testimonio inequívoco del carácter incombustible del que goza la creatividad de Jorge Beltrán como compositor y músico, haciendo que HUMUS permanezca como una fuerza esencial para la vanguardia rockera mexicana. No nos cabe duda que es un disco altamente recomendable para apreciar parte de la cima del mejor rock progresivo hecho en tierras hispanohablantes. 

Thursday, August 21, 2014

ASTROLABIO o la integración de varias tradiciones del rock progresivo italiano


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Hoy se da la ocasión de presentar al grupo italiano ASTROLABIO, el cual postula una visión reactivadora de la vieja escuela prog-sinfónica: su disco debut “L’Isolamiento Delli Numeri Pari” es una cabal exhibición de dicha visión musical. Formado en las postrimerías del año 2009 en la bella ciudad de Verona a partir de las cenizas del grupo ELETTROSMOG, ASTROLABIO se compone de Michele Antonelli [voz, guitarras eléctrica y acústica, flauta], Alessandro Pontone [batería], Massimo Babbi [teclados] y Paolo Iemmi [voz, bajo]. La publicación de este disco a cargo del sello Andromeda Relix es un evento culminante para un ensamble que ha tocado en cuanto sitio ha podido durante tres años y que en 2012 había publicado el demo “Temperato Demo(dé)”. Una curiosidad muy peculiar referente a este disco es que su repertorio está articulado para hacerse eco de su título: en efecto, en medio de cada una de las 11 canciones se sitúa una pista de pocos segundos de silencio, lo cual significa que cada pista numerada par queda literalmente aislada del repertorio en sí. En cuanto a la postura musical de ASTROLABIO en sí, se trata de una vertiente pesada de la vieja tradición sinfónica cuyas raíces se hunden en las escuelas de ALPHATAURUS, BIGLIETTO PER L’INFERNO y MUSEO ROSENBACH: muchas bandas actuales del revival progresivo italiano van por allí, por lo que el cuarteto que ahora nos ocupa se halla en una vertiente bien nutrida, y de hecho, ASTROLABIO integra también estas visiones más jóvenes dentro de su propia paleta sónica. Veamos ahora los aspectos específicos del repertorio de “L’Isolamiento Delli Numeri Pari”.


Con los temas primeros y tercero, titulados respectivamente ‘E’ Stato Detto Tutti’ y ‘31 Aprile’, disponemos de una clara muestra del tipo de vitalidad progresiva sobre el cual concentran ASTROLABIO sus mayores esfuerzos, generando incansablemente coloridos melódicos donde los teclados y la flauta suelen ocupar lugares relevantes. Los nexos estilísticos con sus compatriotas de LE PORTE NON APERTE e IL BACIO DELLA MEDUSA son fáciles de advertir; incluso remontándonos a los 90s, hallamos también afinidades con A PIEDI NUDI y MALIBRAN. La pequeña cita del clímax intermedio del clásico Crimsoniano ‘21st Century Schizoid Man’ en ‘E’ Stato Detto Tutti’ es un detalle simpático, así como lo es la pequeña cita del clásico Tulliano ‘Aqualung’ en algún lugar de ‘31 Aprile’. Durando poco más de 8 minutos, ‘Brie-Collage’ nos brinda inicialmente una atmósfera más calmada, orientada hacia el rescate de los paradigmas de GNIDROLOG y PINK FLOYD (etapa del “Meddle”); posteriormente emerge un extrovertido interludio que nos remite al glorioso primer disco de ALPHATAURUS, llevando así a la canción hacia su eficazmente airado cierre. Siendo ‘Aurora’ un bello pasaje pastoral de guitarra acústica acompañado de tenues capas de teclado, su función principal es la de servirnos como puente hacia la solemnidad poderosa de ‘Fotografie’, una canción que nos muestra una efectiva conjunción de parsimonia Floydiana y lirismo Genesiano, siempre con ese toque italiano que en este momento particular nos remite al aspecto intimista de JUMBO. ‘Sono Io O Sono Te’ nos devuelve de lleno a las ambientaciones predominantes de los temas primero y tercero, aunque con un poco más de parsimonia en algunas de las partes más agresivas, aunque también se destaca un vuelo rockero particularmente sofisticado a la hora de armar el pasaje de cierre. Tenemos aquí un lugar de plenitud para el álbum, sin duda

‘Corso Di Eurostima’ es una suave balada acústica a la cual sigue ‘Servilo’, una canción filuda y con mucho gancho, cercana tal vez a los que nos ofreció la legendaria banda ASGARD en su tetralogía inicial, pero también con guiños al primer disco de A PIEDI NUDI. ‘Non Ricordo’, por su parte, nos remite a las baladas progresivas de BIGLIETTO PER L’INFERNO pero con un toque moderno que identificamos con el paradigma retro de LA MASCHERA DI CERA. Durando casi 10 ½ minutos, se trata de la canción más larga del álbum, lo cual permite a la banda explorar ampliamente un clima flotante en 11/8 desde donde brotan atmósferas psicodélicas mientras se arma un crescendo suficientemente aguerrido como para mantener la intensidad expresiva en un nivel interesante. ‘Un Minuto Di Silenzio Per Il Sistema Bancario’ brinda una simpática viñeta de un poco fructífero uso de un cajero electrónico, abriendo así la puerta para la espiritualidad juguetona de ‘Pugni Chiusi’, una canción de la era del beat italiano para la cual ASTROLABIO hacen una remodelación típicamente progresiva. Para la ocasión Raffaello Regoli funge como vocalista invitado. (Él formó parte de CORMORANO y ha participado en LIIR BU FER, RUNAWAY TOTEM, etc.) El bonus track (sin título específico) consiste en una llamada telefónica que responde una recepcionista solamente para indicar que el autor de la llamada no puede ser atendido en ese momento. El cariz crítico contra las formalidades del sistema social moderno queda totalmente claro.


ASTROLABIO se ha lucido a placer con “L’Isolamiento Delli Numeri Pari”, un disco debut excelente que nos muestra los nuevos horizontes que siguen abriéndose sin parar para la escena retro-progresiva italiana. Su propuesta musical es, sin duda, una exitosa labor de integración de diversas generaciones del rock progresivo italiano, sacando a cada una de su propio castillo aislado para inundar un valle entero de sonidos magníficos.  


Monday, August 18, 2014

ILUVATAR regresa desde el silencio


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Hoy prestamos toda nuestra atención al quinteto estadounidense ILUVATAR y su nuevo disco “From The Silence”, el cual emerge efectivamente de un silencio fonográfico que se inició en 1999 cuando se publicó su tercer trabajo “A Story Two Days Wide…”. “From The Silence” fue grabado entre 2012 y 2013 por la formación clásica del grupo: Glenn McLaughlin [voz y percusión], Dennis Mullin [guitarras], Jim Rezek [teclados], Dean Morekas [bajos, pedales bajos y coros] y Chris Mack [batería y percusión]. 10T records ha sido el sello encargado de publicarlo en junio de este año 2014. Los músicos no han estado inactivos desde aquellos años de inicios del milenio: por ejemplo, Rezek y Mack han estado asociados con los maestros de HAPPY THE MAN Frank Wyatt y Stan Whitaker tanto en su proyecto PEDAL GIANT ANIMALS como en la conformación de OBLIVION SUN. Lo que nos ofrecen los resucitados ILUVATAR es una entusiasta confluencia del punche vigoroso de “A Story Two Days Wide…” y la elegancia colorida de “Children”, justamente los dos discos más apreciados por los fans. Imaginamos que lo que quiso ILUVATAR fue explorar su esencia a partir de los discos de los cuales estaban más orgullosos. En todo caso, a pesar de todo este orgullo, el vocalista Glenn McLaughlin anunció que dejaba el grupo (en buenos términos) después de culminarse las sesiones de grabación de este disco, decidiendo los demás seguir adelante. Pero bueno, vayamos ahora al repertorio del disco en cuestión.


‘From The Silence’ es un breve prólogo que dura menos de un minuto que empieza con ruidos de interferencias radiales y deriva en un breve adelanto de lo que será más adelante la canción ‘The Silence’. Con la inicial secuencia de escalas de sintetizador empieza la primera canción propiamente dicha, ‘Open The Door’, un ejercicio vibrante de sinfonismo moderno donde se aprecia a la perfección el gusto de ILUVATAR por crear climas intensos y llamativos, así como su agilidad para manejar fluidamente compases inusuales y cambios de ritmo a lo largo del desarrollo de una sola canción. ‘Resolution’ prosigue por esta senda de magnética intensidad aunque con un vigor rítmico más comedido: en todo caso, seguimos expuestos a pasajes sónicos incendiarios como el esplendoroso solo de guitarra que se inicia alrededor de la barrera del tercer minuto. Todavía no vamos por el primer cuarto de hora del disco y ya nos damos cuenta de que este nuevo amanecer de ILUVATAR está valiéndose de toda su luminosidad para hacerse notar. ‘Le Ungaire Moo-Moo’ es un arquetípico instrumental en 7/8 que suena a un híbrido entre IQ y el SPOCK’S BEARD 95-97, portando una musicalidad exultante bien sostenida por la dupla rítmica en un juego de moderada tensión. Este instrumental pone un lazo para cerrar el dinamismo explayado en los dos temas anteriores, pues cuando emerge ‘Across The Coals’ nos enfrentamos a un momento de introspección donde la gente de ILUVATAR explora los legados de GENESIS y CAMEL a través de un filtro contemporáneo que los emparenta con bandas como GREY LADY DOWN y AGENTS OF MERCY, siempre abriendo espacios para el inteligente manejo de variedad de motivos y ambientes, incluyendo además un hermoso solo e guitarra acústica en uno de los pasajes instrumentales. Se puede decir que con esta pieza y ‘Resolution’ se arma el cénit decisivo del repertorio integral. Durando casi 4 minutos exactos, ‘The Storm’ nos muestra un gancho inapelable sobre un tenor casi hard-rockero y un vibrante tempo de 7/8: definitivamente, aquí nos ha pasado que nos han metido en los tiempos del MARILLION pre-“Clutching At Straws” y del IQ de la primera etapa con Nicholls. 

  

La dupla de ‘Favourite Son’ y ‘Between’ se encarga de empujar la segunda mitad del repertorio. En ambas canciones se destaca la presencia de las guitarras acústicas, siendo así que la primera tiene una tendencia folk-rockera cálida, mientras que la segunda tiene una orientación de semi-balada progresiva con estilizada actitud filuda, algo así como una mezcla de los estándares del GENESIS de los últimos alientos de los 70s y el RUSH de la primera mitad de los 90s. Así las cosas, ‘Favourite Son’ hace valer una serenidad alegre (realzada en el solo de sintetizador final) mientras que ‘Between’ ostenta una melancolía fastuosa que aguarda el momento para explotar con flameantes colores, logrando generar otro cénit del repertorio. Con el final de ‘Between’ se inserta el inicio de ‘The Silence’, el cual muestra un solemne esquema cósmico en su preludio Floydiano para luego dejar paso a un cuerpo central armado sobre un groove sencillo y un tanto etéreo – esto va muy en onda con los dos primeros discos de la banda, y en general, con la faceta más “ligera” del paradigma neo-progresivo. También cabe notar un filo psicodélico que comparten los flotantes fraseos de la guitarra (a lo HACKETT) y las gruesas cortinas de sintetizadores, lo cual ayuda enormemente a la pieza a reflejar un sólido dramatismo. ‘Older Now’ es una balada sencilla e intimista que sirve principalmente como puente hacia la pieza de cierre titulada ‘Until’, una canción a medio tiempo que comienza explayándose por el tenor meditabundo de ‘Older Now’ para terminar revistiéndose de un esplendor rockero macizo donde los instrumentistas ornamentan el desarrollo melódico. Su ambientación general se sitúa en un intermedio entre ‘Between’ y ‘Resolution’. Como detalle curioso, el cuerpo central de esta canción termina poco después de pasada la barrera de los 4 ½ minutos, pero tras unos segundos de silencio se arma un reprise donde se reitera el clímax final y se regresa a los sonidos de interferencias radiales con las que había comenzado el álbum.

  

Como dijimos antes, McLaughlin dejó al grupo, por lo que ahora ILUVATAR cuenta con Jeff Sirody como nuevo frontman. Él ya ha debutado en los escenarios desde su rol, resultando especialmente significativa la actuación de la banda en el Prog Day Festival de 2012. Con el nuevo material contenido en “From The Silence” y el peso del repertorio de sus discos anteriores, ILUVATAR cuenta con suficientes recursos para manejar solventemente sus próximas misiones musicales. Nada ha decaído en esta banda que en su momento fue puntera del revival neo estadounidense: esto es un retorno a lo grande, sí señor.


Muestras de “From The Silence”.-