Thursday, March 26, 2015

UNREAL CITY: miradas al ocaso desde una grandiosa perspectiva progresiva


UNREAL CITY vuelve a la palestra con un disco fenomenal titulado “Il Paese del Tramonto”, el mismo que fue publicado por el sello AMS Records (en asociación con BTF Records) a mediados de enero pasado. A través del complejo y fastuoso repertorio del nuevo álbum, el frontman del grupo Emanuele Tarasconi hace gala de un nutrido arsenal de teclados [pianos acústico y eléctrico Fender Rhodes, órgano Hammond y otro de fuelles, mellotrón, algunos sintetizadores donde se incluye un Mini-Moog, clavinet, clavicémbalo y Theremin], mientras que la guitarrista Francesca Zanetta añade algunos pasajes de mellotrón a su labor. El cuarteto se completa con Federico Bedostri [batería, percusiones y coros] y el nuevo integrante Dario Pessina [bajo, pedales bajos y coros]. En algunos momentos entran en acción también los invitados Fabio Viale al violín y Rossano “Rox” Villa al trombón y la armónica. “Il Paese del Tramonto”, en líneas generales, recibe la herencia del disco debut (“La Crudeltà Di Aprile””) de hace un par de años y la magnifica con nuevos niveles de intensidad y expresividad dentro del dinamismo esencialmente retro con el que UNREAL CITY se erige como discípulo privilegiado del sinfonismo italiano de primera escuela. Vayamos a los detalles del disco para aclarar esta apreciación general.


El disco se abre con la pieza justamente titulada ‘Ouverture’, la cual brinda un ejercicio solvente de elegancia en la consistente ilación de los diversos motivos que van entrando a tallar, los mismos que anuncian algunos de los pasajes más llamativos que hemos de reencontrar en el repertorio del álbum. Lo que también se anuncia sin lugar a dudas ni confusiones es la envergadura de la fuerza de carácter del ensamble. Durando 9 minutos, ‘Oniromanzia (Il Paese Del Tramonto)’ exhibe una vitalista ilación de focos melódicos con un muy pulido manejo de los contrastes y continuaciones: la amplia gama de recursos sónicos provista por los teclados y los rotundos fraseos de la guitarra se coordinan ágilmente a través de la sólida arquitectura rítmica que arman Bedostri y Pessina a través de las numerosas variaciones de esquemas y ambientes. ‘Caligari’ sigue a continuación para seguir por esta senda de fastuosidades contundentes mientras les brinda unas dosis extra de vibraciones oscurantistas, casi góticas, en algunos pasajes específicos. Es como remodelar los legados de METAMORFOSI y ALPHATAURUS para acercarlos al modelo actual del movimiento retro-progresivo italiano, tan motivado por el ejemplo permanente de LA MASCHERA DI CERA y el legado noventero de A PIEDI NUDI. ‘La Meccanica Dell’Ombra’ abre un campo más amplio para las evoluciones temáticas instrumentales pues las partes cantadas no son tan relevantes como en los dos temas precedentes: el empleo de ambientes exóticos de inspiración arábiga en algunos pasajes bombásticos nos pueden hacer recordar al prototipo de EMERSON, LAKE & PALMER así como a lo que hicieron los AFTER CRYING en la época del “6”. ‘Il Nome Di Lei’ ostenta un aura ceremoniosa en la mayor parte de su enfoque temático, aunque algunos breves pasajes muestran a los músicos trabajando con swings jazzeros con el fin de elaborar ingeniosos recursos de variedad. Los solo de guitarra – muy a lo HACKETT – operan como el ítem primordial para el reforzamiento de las atmósferas centrales de esta canción.


‘Lo Schermo Di Pietra (κένωστς)’ vuelve de lleno al predominio de las sonoridades ácidas que se inspiran en los paradigmas de METAMORFOSI, BIGLIETTO PER L’INFERNO y ALPHATAURUS. Cada nuevo motivo es una demostración renovada de musculatura dentro de un engranaje de arreglos pulcros ejecutados con nervio inapelable. La idea de movimiento queda perfectamente reflejada en este portentoso despliegue de ágiles musicalidades. La suite ‘Ex Tenebrae Lux’ se encarga de cerrar el repertorio del álbum con un gigantesco esplendor musical, todo un paraíso mundanal para el amante promedio de la tradición sinfónica. Los títulos sucesivos de las cuatro secciones de la suite son ‘Gelida Imago Mortis’, ‘Ciò Che Disse Il Tuono’, ‘Processo Secondario’ y ‘Ab Aeterno’. Comenzando con una relativamente larga sección instrumental que transita desde la pomposidad ceremoniosa de clara inspiración gótica hasta el groove de tenor funky-rockero, la primera parte cantada se desarrolla con una actitud reflexiva donde el cantante sabe transmitir su mensaje en medio de las envolventes orquestaciones de teclado: la presencia del violín ayuda bastante a ensalzar el lirismo inherente a algunos pasajes de tenor manierista. También hallamos aquí los pasajes más calmados del disco (más cercanos a LE ORME que a ALPAHATAURUS), aunque siempre interrumpidos en algún momento por algunas excursiones instrumentales poderosas y densas. Mientras el grupo va afirmando la vía hacia los parajes conclusivos de la suite, se acrecienta la tensión expresiva tanto en los arreglos instrumentales como en las recitaciones empapadas de una espiritualidad tétrica y farsesca a la vez. De hecho, la coda que ocupa el último minuto irrumpe con un vigor inesperado que aporta un halo de esplendor final.      

 

Bueno, qué más elogios podemos añadir para “Il Paese Del Tramonto” sino que se trata de un ítem altamente recomendable para una colección de rock progresivo sinfónico contemporáneo. La gente de UNREAL CITY está haciendo crecer su grandeza musical ante nuestros ojos y oídos, toda la antítesis del ocaso (tramonto en español): más bien, el grupo ha sido bendecido con una habilidad innata para renacer y reforzarse a cada momento.


Muestras de “Il Paese DelTramonto”.-


Monday, March 23, 2015

El abundante encanto progresivo de UBI MAIOR


UBI MAIOR vuelve a la carga y lo hace a lo grande, aportando un disco fascinatemente épico titulado “Incanti Bio Meccanici”. Seis años después de su disco anterior “Senza Tempo”, este quinteto da rienda suelta hasta niveles estratosféricos a su amor por la línea de trabajo retro-progresiva que le engarza con los paradigmas de ALPHATAURUS, BIGLIETTO PER L’INFERNO, MUSEO ROSENBACH y PREMIATA FORNERIA MARCONI, además de los obligatorios guiños a la faceta rimbombante del sinfonismo británico a lo EMERSON, LAKE & PALMER y YES. Publicado en febrero por el sello AMS Records, “Incanti Bio Meccanici” nos muestra un repertorio rutilantemente ambicioso que fue trabajado en varios momentos de los años 2013 y 2014, armándose así un tema que supera los 20 minutos de duración, uno que llega casi a los 10 y dos que los superan. La alineación que concibió y grabó este álbum está conformada por Mario Moi al canto, el violín y la trompeta, Walter Gualtiero Gorreri al bajo y los pedales bajos, Gabriele Dario Manzini a los teclados, Alessandro Di Caprio a la batería y la nueva integrante Marcella Arganese a las guitarras y el sitar: destacamos en esta última su manera de reciclar los paradigmas de STEVE HACKETT dentro de su propio estilo, logrando así que sus interacciones con los siempre ambiciosos arreglos de teclado de Manzini sean equilibrados y sugerentes, independientemente de cuán pomposas sean algunas de las atmósferas más llamativas del repertorio. De hecho, la talentosa Marcella entró a la banda poco después de la publicación del mencionad osegundo disco. Podemos adelantar que con “Incanti Bio Meccanici”, los UBI MAIOR han logrado afianzar su posicionamiento en lugar preferencial dentro de la inagotable avanzada retro-progresiva italiana. Pero vayamos ahora a los detalles del disco para aclarar nuestra opinión tan positiva sobre este disco, ¿vale?


‘Teodora’ es la pieza más larga del álbum, durando 20 ¾ minutos, y justamente es la que abre el disco. Una sencilla y suave secuencia de acordes de guitarra dan inicio al tema con un aura de sobria serenidad, la misma que al incorporarse los demás instrumentos se torna dueña de una elegancia pastoral conmovedora: ése es el poder evocativo que tiene el violín del frontman Moi. Una pena que este pasaje introductorio no dure más de 105 segundos, pero es que el primer pasaje cantado irrumpe con todo para explayarse en una expresividad dramática señorial. A través de una ilación elaborada con pulcra fluidez, la siguiente sección vira hacia una espiritualidad más ceremoniosa, logrando así concretar una vitalidad melódica tan propia de sus legendarios compatriotas de MUSEO ROSENBACH como de otros más jóvenes como SITHONIA y MALIBRAN. En algún momento alrededor del decimoprimer minuto, las vibraciones melódicas aumentan de intensidad y la actitud reflexiva se ahonda más: los arreglos sucesivos de piano y mellotrón sirven de base para que el grupo en bloque articule el desarrollo temático en curso dentro de pautas sinfónicas bien definidas. Acto seguido, una inesperada variante tiene lugar y empieza a imperar un recurso de psicodelia lánguida que posiblemente porte algunos aires de familia con el viejo legado de VAN DER GRAAF GENERATOR: se trata en realidad de un interludio antes de que el grupo recupere el espíritu de la primera sección cantada, y lo hace con una estrategia sigilosa, con un crescendo inicial basado en las cadencias tribales provistas por la dupla rítmica, y luego, creando un pasaje rotundo donde el ensamble da rienda suelta al típico boato sinfónico. Tras un hermoso diálogo desafiante entre la guitarra y el violín que constituye el núcleo del clímax grupal, la suite se cierra con un breve reprise de un motivo de voz y piano: ¡a lo grande!

Todo un viaje ha sido la primera pieza del álbum… pero recién estamos comenzando. ‘Alchemico Fiammingo’ es la siguiente canción, durando casi 13 minutos. Comienza con un suave preludio breve de guitarra y violín antes de que el ensamble íntegro aborde el primer cuerpo central con una aureola alegre y extrovertida, más bien de tendencia neo. El segundo cuerpo melódico es un hermoso paraje instrumental que transita por el área de la estilización bucólica de BANCO DEL MUTUO SOCCORSO, cimentando así el terreno para que una nueva sección cantada (mayormente en 5/4) se explaye en un nuevo ejercicio de colorida gracilidad. La parte final baja un poco los decibeles rítmicos para asumir una ceremoniosidad relativamente dramática. ‘Il Cancello Del Tempo’ es la pieza menos extensa del álbum, y tal vez, la que más revela una espiritualidad romántica: a veces nos recuerda a SITHONIA en lo relativo a las fabulosas orquestaciones de teclado, pero otras veces donde el grupo juega con sonoridades etéreas e intimistas, el ensamble se explaya ingeniosamente en su talento para elaborar ingeniosas sutilezas melódicas como ha venido haciendo en sus discos precedentes (especialmente el segundo “Senza Tempo”). La construcción del clímax conclusivo es simplemente perfecta. ‘Lo Specchio Di Mogano’ cierra el álbum con otro despliegue de grandes ambiciones sónicas, sintetizando la grandiosidad retro-progresiva de las dos primeras canciones y los aires modernos predominantes de la tercera. Algunas menciones especiales deben ir para el fantástico solo de trompeta que anticipa la sección final, así como para el electrizante solo de Moog que coloca la bandera en la culminación del ascenso a la cima del desarrollo temático: este tipo de resoluciones melódicas dignifica a lo grande los legados de PFM y BMS.


Una misión difícil se puso sobre sus hombros la gente de UBI MAIOR cuando gestó la ingeniería artística de “Incanti Bio Meccanici”, y gracias a las Musas, el grupo enfrentó exitosamente el desafío y salió airoso de cada uno de los extensos viajes musicales que conforman el álbum. Un disco ideal para todo coleccionista de rock progresivo que se siente perpetuamente nostálgico de los tiempos de la primera generación de rock sinfónico: ¡totalmente recomendado!


Muestra de “Incanti Bio Meccanici”.-

Friday, March 20, 2015

La nocturna pasión progresiva de LA COSCIENZA DI ZENO


Hoy nos toca hablar sobre LA COSCIENZA DI ZENO, grupo italiano que vuelve a la carga con éste, su tercer disco, el cual se titula “La Notte Anche Di Giorno”. El ensamble ahora consta de Gabriele Guidi Colombi [bajo], Andrea Orlando [batería y percusiones], Alessio Calandriello [voz], Stefano Agnini [sintetizadores Solina, Elka Synthex, VCS3 y Mini-Moog, órgano KeyB], Davide Serpico [guitarras eléctricas  y acústicas], Luca Scherani [piano Yamaha, sintetizadores Korg Sigma, Crumar Multiman S3, Elka Rhapsody y Korg MS20, órgano Hammond B3, Mellotron M4000D y bouzouki] y Domenico Ingenito [violín]. O sea, ahora es un septeto con la presencia de un violinista permanente. Aun contando con un arsenal instrumental tan nutrido y rico, el grupo necesitó contar ocasionalmente con los aportes adicionales de la flautista Joanne Roan y de la cellista Melissa Del Lucchese, además del apoyo vocal de la bella Simona Angiloni (ARIES). El repertorio del disco dura 44 minutos y algunos segundos, repartiéndose casi equitativamente en dos bloques conceptuales respectivamente titulados ‘Giovane Figlia’ y ‘Madre Antica’.


‘A Ritroso’ abre el repertorio del disco y el concepto de ‘Giovane Figlia’… y ciertamente lo hace con todo: sonoridades majestuosas enriquecidas con una razonable dosis de polenta rockera, desarrollos temáticos sofisticados, ambiciosas amalgamas del violín con los múltiples teclados. Es mucho lo que sucede en poco menos de 5 ½  minutos y luego sigue ‘Il Giro Del Cappio’ para darle un matiz diferente al asunto bajo la guisa de una power-ballad sinfónica articulada bajo una ingeniería sonora suntuosa que revela aires de familia con los clásicos paradigmas de MUSEO ROSENBACH y METAMORFOSI, pero con ese aire nuevo que hallamos en los discos de LE PORTE NON APERTE y, sobre todo, los paradigmas de LA MASCHERA DI CERA y MALIBRAN. El turno de ‘Libero Pensatore’ es para reincidir en la espiritualidad ceremoniosa de la canción anterior, haciendo que su fuerza expresiva esencial adopte una sofisticación un poco más pronunciada, y por tanto, el grupo ostente su colorido inherente con matices aun más electrizantes: la introducción de un breve groove jazzero en la sección instrumental es un detalle efectivo. Con la dupla de ‘Quiete Apparente’ y ‘Impromptu Pour S.Z.’, el ensamble se alista a desarrollar complejas ilaciones musicales de tendencia manierista. Así las cosas, el terreno está preparado para que surja ‘Lenta Discesa All’Averno’ e instaure un nuevo ejercicio de musicalidades sinfónicas fastuosas azuzadas con apasionado fuego sónico. Dentro del diverso paisaje musical que se dibuja en esta pieza se incluye una hermosa sección de danza gitana en ¾ en la cual Simona asume el rol protagónico con su señorial canto. La mejor forma que se nos ocurre de describir la bella arquitectura de esta canción es que se trata de un híbrido de BIGLIETTO PER L’INFERNO y LE ORME.  

  

La secuencia de los cuatro temas que conforman el concepto de ‘Madre Antica’ se inicia con ‘Il Paese Ferito’, pieza que muestra recursos de apasionada expresividad a través de una serie de magníficas musicalidades donde se alternan una modalidad estilizada de densidad y una sensibilidad palaciega de línea romántica. Destaca en algunos pasajes la flauta a la hora de complementar algunas líneas de sintetizador. Acto seguido, ‘Cavanella’ nos brinda una semi-balada en compás de 3/4 sazonada en el pasaje final con una estupenda excursión instrumental que nos remite instantáneamente a los tiempos del clásico de PREMIATA FORNERIA MARCONI “L’Isola Di Niente”. Dicho pasaje instrumental opera realmente como un puente entre la parte cantada de ‘Cavanella’ y el entusiasmo vitalista de ‘La Staffetta’. Una vez más, tenemos una canción cuyo cuerpo central es sucedido por una sección instrumental, tratándose esta vez de un solo de piano… el cual también concluye elaborando una conexión con la canción que ocupa los últimos 7 minutos de ‘Madre Antica’ y del álbum. Esta canción se titula ‘Come Statua Di Dolore’ y se encarga de desarrollar con decisivo ahínco los recursos de estilizada expresividad que ya se habían plasmado en los momentos más intensos de las canciones primera y tercera de este concepto. El clímax final elabora una poderosa aureola de ceremoniosa tensión emocional que resulta cabalmente sazonada por las sobrias orquestaciones de teclados y las envolventes líneas del violín.  

 

La gente de LA COSCIENZA DI ZENO ha vuelto a aportar una referencia fonográfica relevante para la escena progresiva italiana del momento: “La Notte Anche Di Giorno” es un catálogo de melodías fantásticas donde el arte del ruido se desarrolla a pura pasión. Si este disco pretende reflejar toda la tensión apasionada de la nocturnidad, entonces las estrellas de este cielo musical brillan con una luz imponente e inapelable. ¡Totalmente recomendable para cualquier buena discoteca progresiva actualizada!


Muestras de “La Notte Anche Di Giorno”.-


Tuesday, March 17, 2015

NOT A GOOD SIGN: hacia un nuevo pico del rock progresivo italiano contemporáneo


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Ahora se da la ocasión de presentar el nuevo disco del grupo italiano NOT A GOOD SIGN, titulado “From A Distance”. Actualmente el personal de NOT A GOOD SIGN lo conforman Paolo “Ske” Botta [teclados], Alessio Calandriello [canto principal], el nuevo integrante AlessandroCassani [bajo, contrabajo, coros], Martino Malacrida [batería] y Francesco Zago [guitarras eléctricas y acústica de 12 cuerdas]. Tras el buen impacto que causó su homónimo disco debut de junio del 2013 en la comunidad progresiva mundial, ahora vuelve otra vez de la mano del sello AltrOck Productions para brindarnos un trabajo más focalizado en el aspecto hard de su propuesta retro-progresiva. Esto refuerza su sólida afinidad con otras bandas compatriotas como LE PORTE NON APERTE, CHAMERA CHIARA y ASTROLABIO. Le ha tomado solamente tres meses – desde octubre hasta diciembre del 2014 – al grupo el completar el repertorio del nuevo disco, presto a ser publicado en febrero del presente año: repasemos a continuación sus detalles.


Durando poco más de 5 minutos, ‘Wait For Me’ abre el disco con un breve preludio marcado por una vitalidad punzante antes de pasar a un cuerpo central más sigiloso y ceremonioso. El canto Calandriello se hace notar con su aguerrido sentido de la pasión, manifestando una sensación de convincente emergencia emocional que también se mantiene en la segunda canción, ‘Going Down’, la cual se percibe como una extensión de las atmósferas emocionalmente recargadas de la primera canción. En ambos temas (así como en otros dos más) participa como invitado Jacopo Costa a las percusiones tonales, cumpliendo cabalmente con la misión de añadir interesantes texturas sonoras a ciertas partes específicas de los teclados. ‘Flying Over Cities’ nos muestra una mayor recurrencia en el aspecto de la dureza rockera en base a un medio tiempo que abre espacios para el empleo de algunos recursos relativamente etéreos en medio del desarrollo temático. Pero no nos dejemos engañar… estos recursos tienen como misión reactivar la polenta y proporcionar al momentum una variante interesante. ‘Not Now’ ofrece un paraje de espiritualidad reflexiva al modo de balada sinfónica, articulada como un híbrido de LA MASCHERA DI CERA y CAMEL: las líneas de oboe que dibuja la invitada Eleonora Grampa son bellísimas, idóneas anticipadoras de la actitud intimista predominante en la canción. ‘Aru Hi No Yoru Deshita’ no solo reitera la presencia del oboe sino que también da campo para la presencia de otro invitado, Gian Marco Trevisan, quien aporta la guitarra eléctrica, además del pianista Maurizio Fasoli (amigo e integrante de SKE y YUGEN): se trata de un instrumental marcado por un lirismo sutilmente acechado por un aura de brumoso misterio. Tras transitar por este pequeño pasadizo de brumas otoñales emerge la fiereza llamativa de ‘Pleasure Of Drowning’, una canción que encajaría muy bien dentro de las facetas más duras de un disco de KARMACANIC o de HAKEN: los coqueteos con el estándar del prog-metal son fácilmente detectables aquí, pero también podemos notar algún impacto del legado de MALIBRAN.


‘I Feel Like Snowing’ y ‘Open Window’, las dos siguientes canciones, superan cada una los 7 minutos de duración, con lo cual encarnan las ambiciones progresivas del grupo con particular meticulosidad. ‘I Feel Like Snowing’ empieza con un espíritu sigiloso e intimista, con una efectiva base de piano eléctrico y vibráfono sobre la que se asienta el resto de los instrumentos; en la sección intermedia, se torna intenso con un dramatismo bien delineado que se refleja principalmente en las estilizadas líneas de la guitarra solista y el canto de Calandriello, llegando a un clímax de la mano de las capas de sintetizador. La coda recupera el primer motivo con una dosis un poco mayor de energía expresiva. Por su parte, ‘Open Window’ (donde vuelve a hacer presencia el pianista invitado Fasoli) es un viaje instrumental donde los pasajes aguerridos y los atmosféricos se alternan en una ilación muy cuidada, siendo así que el grupo parece estar sustentando un cierre extendido de la canción precedente mientras explora las expresiones de vigor rockero que habían inundado las tres primeras canciones del álbum con tremenda convicción. Nos vamos acercando al fin del disco cuando emerge la canción ‘The Diary I Never Wrote’, la cual exhibe una espiritualidad ceremoniosa dentro de un arreglo cercano al de la balada progresiva, ostentando un punche rotundo y electrizante. ‘Farewell’ es el idóneo título de la breve pieza que cierra el disco: este epílogo de piano y oboe refleja un clima de ensueño mientras en el trasfondo late un lejano ruido de ventisca que solo se apaga con lo que parece ser el sonido de un percutor.


Solo nos queda felicitar a la gente de NOT A GOOD SIGN por haber tenido el empuje y la inspiración para gestar un disco tan intenso como “From A Distance”, así como felicitarnos a nosotros mismos por tener a nuestro alcance el disfrute del rock sinfónico de nueva generación con esta obra fonográfica de tan buena factura. La propuesta de NOT A GOOD SIGN alcanza un nuevo pico en su vía ascendente hacia la gloria del rock progresivo italiano contemporáneo.


Muestras de “From A Distance”.-

Saturday, March 14, 2015

MAGMA y su nueva danza de fuego


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es tiempo de celebrar la publicación de un nuevo trabajo de MAGMA, el ensamble gestor y campeón del género Zeuhl bajo la ambiciosa y alucinada guía musical sempiterna de Christian Vander. “Šlağ Tanz” es el título de este EP que dura poco más de 20 minutos pero que en su brevedad porta un fuego sonoro capaz de incendiar 3 ciudades y 4 bosques. Al igual que en su disco anterior – otro EP donde el grupo retomaba y replanteaba la suite original del 1971 “Rïah Sahïltaahk” – el ensamble consta de Christian Vander [batería], el ensamble coral de Stella Vander, Isabelle Feuillebois y Hervé Aknin, Benoit Alziary [vibráfono], James Mac Gaw [guitarra], Jérémie Ternoy [pianos acústico y eléctrico Fender Rhodes] y Philippe Bussonnet [bajo]. Ahora, con esta suite “Šlağ Tanz”, el grupo explota con renovada intensidad esa robustez oscurantista que siempre ha conformado su esencia estética: los guitarreos de Mac Gaw son ingeniosos y relevantes, aunque es en la triangulación de batería, bajo y piano donde se generan los principales recursos de esa robustez que mencionamos antes. Ya ha sido presentada en varios conciertos que tuvieron lugar a lo largo del año 2014 y seguramente será un punto álgido de su repertorio para la próxima gira estadounidense.


‘Imëhntösz – Alerte!’ abre el álbum con un vigor frontal sabiamente expresado en las cadencias a contrapunto de la instrumentación y la coral, virando al poco rato hacia una actitud ceremoniosa. ‘Slag’ sigue a continuación para explorar la huella de la sección de apertura con un ejercicio más acentuado de tensiones mientras la dupla rítmica construye un fabuloso crescendo en su groove… siempre con ese talante marcial tan propio del paradigma de MAGMA. En un momento dado, se abre campo a las alternancias entre el fragor expresionista y recursos de relativa serenidad y es allí donde emerge ‘Dümb’ asumiendo el propósito de trabajar estos contrastes y reforzar el motivo central de la suite: el ensamble se ve obligado a explotar a fondo la gracilidad de sus aportes mientras Vander elabora un dinamismo jazzero plenamente soberbio mientras Aknin y Stella se lucen en un dueto genial a la hora de dirigir la parte vocal. Con ‘Vers La Nuit’, el ensamble explora más a fondo el groove jazzero que acaba de instalar, instaurando así un colorido mayor dentro de la intensidad imponente. Es a partir de aquí que ‘Dümblaë - Le Silence Des Mondes’ elabora un nuevo momento de superlativa intensidad expresiva. ‘Zü Zaïn!’ incluye unos interesantes juegos de síncopas corales y un espartanamente filudo solo de bajo (muy a lo “Üdü Ẁüdü”) antes de que la penúltima sección, titulada ‘Slag Tanz’, reformule el motivo central para traducirlo a una cacofonía infernal diseñada para completar el clímax de una fastuosa y exquisita apocalipsis. Las voces se enmarañan cuales llamas infernales mientras los instrumentos explotan en la articulación de una danza bélica. El último minuto y medio de la suite se ocupa con la sección ‘Ŵohldünt’ (con el jefe Christian al piano), la cual elabora el perfecto epitafio minimalista que abre la puerta al silencio después de esta orgiástica celebración de la ebullición musical.


Si soñábamos con una obra de más largo aliento en la nueva oferta de material nuevo de parte de MAGMA, pues nos quedaremos un poco con la miel en los labios tras completar el disfrute de “Šlağ Tanz”, mas de todas maneras la experiencia será rotunda pues nuestra electricidad corpórea natural resulta magnificada con este ejercicio de continuas explosiones sónicas que bombardean la conciencia y enaltecen nuestro espíritu de aventura melómana. MAGMA sigue gobernando con mano de incandescente hierro el reino de la vanguardia progresiva a 45 años de la publicación de su primer álbum: “Šlağ Tanz” fue diseñado para perpetuar el encantador gobierno de estas oscuras majestades de estirpe kobaïana.


Muestra de “Šlağ Tanz”.-
Dümblaë – Le Silence Des Mondes: https://www.youtube.com/watch?v=ec1oFgi6hcU


Wednesday, March 11, 2015

El genial milagro de CICCADA para el rock progresivo de hoy en día


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy miramos a la escena progresiva griega del momento y nos topamos con el estupendo grupo CICCADA, el cual hace poco ha publicado su segundo trabajo fonográfico “The Finest Of Miracles”. Sucediendo a su hermoso disco debut “A Child In The Mirror”, que data del 2010, este nuevo disco también destaca por su derroche de belleza sónica dentro de ese especial apego que tiene el grupo por rescatar los aspectos más estilizados del sinfonismo de sabor mediterráneo en su estrategia primigenia para promover ideas musicales, sometiéndolas luego a una refinada e implacable cirugía de osado eclecticismo donde también hay espacio para recursos modernistas a lo chamber-rock y retorcimientos temáticos inesperados al modo del jazz-prog (Canterbury, fusión) y el art-rock con raíces folklóricas. En lo que respecta a estos últimos detalles, el grupo establece nexos de parentesco con entidades como DELUGE GRANDER, UT GRET, AMAROK en sus últimas obras cumbre y el WOBBLER de los primeros discos: de hecho, ¿por qué no los apodamos “los DELUGE GRANDER griegos”? Grabado en diversas sesiones entre octubre del 2012 y junio del 2014, “The Finest Of Miracles” fue publicado a inicios del 2015 por los sellos asociados AltrOck y Fading Records. Responde al nombre CICCADA la alineación de Evangelia Kozoni [voz], Nicolas Nikolopoulos [órgano, sintetizadores, pianos acústico y eléctrico, flauta, saxo tenor, flautas dulces, glockenspiel], Yorgos Mouhos [guitarras eléctrica, acústica y clásica, coros] y Yiannis Iliakis [batería y percusiones]. Los recursos instrumentales empleados a lo largo del repertorio de  “The Finest Of Miracles” se amplían generosamente con las participaciones de  los bajistas alternantes Omiros Komninos, Johan Brand y Yorgos Lambadis, la violinista Lydia Boudouni, el teclista Savvas Paraskevas, la cellista Marianna Vassou y el clarinetista Panayiotis Sioras, amén de un quinteto de bronces en el décimo y último tema del álbum.


Los primeros 6 ½ minutos del álbum están ocupados por el cálido y envolvente instrumental ‘A Night Ride’, el cual se explaya en una musicalidad diversa donde los pasajes fastuosos y los serenos se articulan en una ilación impoluta. El empleo de sabiduría arquitectónica en todo este viaje musical es de proporciones cósmicas, algo que hubiera llenado de orgullo a RICK WAKEMAN en sus muchas fantasías de mitos pasados o a la gente de THE ENID en su faceta más abiertamente ampulosa. La primera pieza cantada del álbum es ‘Eternal’, la cual nos muestra un sólido ejercicio de melodías evocativas y orquestaciones supremamente elegantes al modo de un híbrido de GRYPHON, el YES del “Tales From Topographic Oceans” y el paradigma del “The Geese And The Ghost” de ANTHONY PHILLIPS. Los desarrollos temáticos son innegablemente sublimes, manejando con igual soltura la estilizada fastuosidad de lo palaciego con la grácil amabilidad de lo pastoral. ‘At The Death Of Winter’ se explaya en sonoridades menos ambiciosas debido a su más restringida duración, pero igualmente encarna un impresionante despliegue de imaginación musical: en efecto, tenemos aquí amplios márgenes para juegos disonantes más propios del rock-in-opposition (pensamos en unos THINKING PLAGUE en plan introspectivo) y pasajes instrumentales de tenor avant-jazzero. Parece mentira todo lo que puede suceder en 4 minutos cuando la musa progresiva proyecta toda su luz sobre algunas mentes en un momento específico. Como dato adicional, su letra está basada en el poema del autor inglés Mike Harding. El tema más largo del disco es ‘Around The Fire’, durando 9 ¼ minutos. Básicamente se trata aquí de retomar el preciosismo fastuoso que antes había marcado a ‘Eternal’: reconocemos la solvencia de la mejor labor de orfebrería sonora, pero esta vez la faceta pastoral ocupa espacios más destacados. Algunas alusiones a los paradigmas de JETHRO TULL y el sinfonismo italiano (PREMIATA FORNERIA MARCONI, LE ORME) entran a tallar en los pasajes bucólicos y los intensamente ceremoniosos, respectivamente.


Acto seguido tenemos una retahíla de cuatro instrumentales. ‘Lemos’ y ‘The Birth Of Lights’ son sendas miniaturas que preparan el terreno para el arribo de ‘Wandering’. ‘Lemos’ es una danza pastoral renacentista, ‘The Birth Of Lights’ es una exaltación sinfónica parcialmente emparentada con el KING CRIMSON primigenio, y finalizando esta secuencia, ‘Wandering’ desarrolla una ingeniería instrumental osadamente ecléctica donde se suceden los momentos manieristas, barrocos y folklóricos en una fluida alternancia de parajes eminentemente rockeros con otros acústicos. La coda de tendencia jazzera permite al piano explayarse en envolventes efluvios. Estos aires retro nos remiten fácilmente a las añoranzas de aquellos tiempos de PREMIATA FORNERIA MARCONI, JETHRO TULL y GNIDROLOG. ‘Siren’s Call’ cierra la faena con un aura de serenidad contemplativa, destacándose los ágiles diálogos de violín y flauta. ‘As Fall The Leaves’ parece hacerse eco de la pieza inmediatamente anterior, completando su espiritualidad con el canto de Evangelia. Los últimos 4 ¾ del disco están ocupados por la serena balada sinfónica ‘Song For An Island’: con sus muletillas de YES y GENESIS, además de sus sutilezas de inspiración renacentista, completa el repertorio de forma coherente valiéndose de un nuevo refuerzo del dinamismo de musicalidades majestuosas que el grupo maneja a su antojo.  


Un milagro, un festín, un festival de sonoridades sinfónicas empapadas con licores de una bacanal ecléctica, esto es lo que nos ofrecen CICCADA con “The Finest Of Miracles”. Este disco es una tremenda gozada que ha de ocupar un sitio preferencial en los archivos de rock sinfónico de nuestros tiempos y, más específicamente, del presente año 2015.


Muestras de “The Finest Of Miracles”.-

Sunday, March 08, 2015

TAYLOR'S UNIVERSE: un nuevo disco y un nuevo camino


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

TAYLOR’S UNIVERSE, el combo liderado por el genial multi-instrumentista y compositor danés Robin C. Taylor, acaba de publicar su nuevo ítem fonográfico titulado “From Scratch”. Este disco es en muchos sentidos un nuevo punto de partida para la evolución musical del ensamble, en primer lugar porque el buen Taylor prefiere dejar que su rol de guitarrista pase notoriamente a un segundo plano; el encargado del instrumento la mayor parte del tiempo es Claus Bøhling. Taylor toca algo de guitarras eléctrica y acústica pero sus principales funciones “se limitan” al bajo, los teclados y las percusiones. Otro detalle importante para entender a este álbum como un nuevo punto de partida es el hecho de que se distancia de la línea de trabajo que ha venido desarrollando el ensamble en los cuatro discos precedentes; las ideas musicales encapsuladas en “From Scratch” tienden a enfatizar sonoridades enérgicas que sirven para crear un nuevo dinamismo dentro del clima de perpetua creatividad de TAYLOR’S UNIVERSE. El maestro Karsten Vogel aparece una vez más como colaborador constante a los saxofones y clarinetes, mientras Klaus Thrane se hace cargo de la batería de forma exclusiva. El material fue grabado y producido en los estudios Soundscape Studio y Thrane Studio entre el verano del 2014 y el invierno del 2015, viendo la luz a pocos días de finiquitado todo este proceso. Repasemos a continuación los detalles del disco en cuestión, ¿vale?


El tema que abre el álbum, ‘Other Meetings’, despliega un vigor poderosamente llamativo, es simple y llanamente una demostración de fuerza de carácter articulada bajo las coordenadas de una musicalidad jazz-rockera tremendamente robusta, aún en los momentos donde la dupla rítmica baja la intensidad. Los sucesivos momentos de lucimiento para la guitarra y el Mini-Moog se sostienen sólidamente dentro del bloque instrumental integral. El siguiente tema se titula ‘Beta X’ y se encarga de virar las cosas hacia algo totalmente distinto: se trata de una pieza masivamente psicodélica que se explaya en grooves “mecanizados” que nos remiten a ciertas facetas del krautrock. Si los arreglos de batería ostentan una musculatura relativamente parca, las atmósferas de teclado y las líneas del saxo soprano aportan un aura etérea al asunto, logrando así que la expresividad nuclear de la pieza adquiera una riqueza especial. Las distorsiones abstractas del final añaden una gallardía bizarra al asunto. ‘Balcony People’ nos revela ciertas conexiones con la línea de trabajo desarrollada en el anterior disco “Evidence” en cuanto a groove y atmósfera articulada por el bloque instrumental, pero ese punche de la primera guitarra y del Mini-Moog hacen que la pieza refuerce su parentesco con la esencia del primer tema, claro que esta vez la ambientación general es más sobria. El epílogo de ‘Balcony People’ consiste en un soundscape de guitarra e-bow y cósmicos efectos de sintetizador con fondos de voces que parecen proyectarse por una línea telefónica. Ya con la secuencia de estos tres temas el oyente está bien al tanto del tipo de renovación sonora que la gente de TAYLOR’S UNIVERSE está afianzando desde su “revolución interna”.

El cuarto tema del álbum, ‘Interrail’, es el más largo – dura 9 ¼ minutos – y, además, es el único donde Robin Taylor toca todas las partes de guitarra y, como colofón, también la segunda batería. El motif recurrente es sencillo y llevadero, pero sin duda, portador de una aureola de oscura tensión que el bloque instrumental traslada a una ambientación onírica: el saxo alto asume un peculiar protagonismo con sus alucinados solos. Jytte Lindberg y Jan Fischer acompañan en los arreglos corales. ‘Laura’s Lullaby’ ofrece un momento de relax contemplativo: la amalgama de sencillos acordes de piano y cálidas florituras de saxo soprano funciona a la perfección. También cuenta con el apoyo coral de Lousie Nipper y la antes mencionada Jytte Lindberg. Siguiendo en parte la senda de ‘Balcony People’ pero con una actitud poco más aguerrida y una fastuosidad más acentuada, ‘Für Louise’ es otra genial muestra de musicalidad sobria trabajada con un razonable sentido de ampulosidad, bien encuadrada dentro del juego de síncopas que arma la dupla rítmica. Una mención especial debe ir para el colorido solo de Mini-Moog que nos regala Ulstrup en la sección final de ‘Für Louise’, el cual hubiera sido motivo de orgullo para el mismísimo Kit Watkins (el héroe histórico de los HAPPY THE MAN). Nos pasa con ‘Für Louise’ lo mismo que con ‘Other Meetings’ y con ‘Balcony People’: sus motivos centrales son tan adictivos que se sienten muy prematuros sus cierres. Esta vez es Finn Olafsson quien se encarga de la primera guitarra, mientras que Jakob Mygind y Carsten Sindvald (a los saxofones soprano y barítono, respectivamente) acompañan a Vogel en el departamento de metales. Cierra el disco la onírica pieza ‘Autumn River’, que, como su título indica, refleja el paisaje sónico de los apasionados torrentes fluviales que imponen su presencia a través de una envolvente niebla otoñal. La concreción musical de este paisaje se traduce en un aplicado ejercicio de psicodelia etérea guiada por la influencia de STEVE HILLAGE y algunos resabios de ROBERT FRIPP en los exultantes fraseos diseñados por un Bøhling que se luce a placer; por su parte, con su lúcida mentalidad de ingeniero del arte, Taylor aporta capas cósmicas de sintetizador y escalas sutiles de guitarra.


Todo esto fue el repertorio de “From Scratch”, un disco que es más que un disco a secas: es una firme declaración que hace el colectivo de TAYLOR’S UNIVERSE de su intención de explorar nuevos caminos para seguir bien asentado como una figura señera dentro de la actual avanzada progresiva danesa. ¡Bien por ello y bien por todos los prog-melómanos del mundo!


Muestra de “From Scratch”.-
Other Meetings: https://soundcloud.com/udi-koomran/taylors-universe-other-meetings


Friday, March 06, 2015

TOM DONCOURT en búsqueda de la inmortalidad de la música


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Ahora tenemos en nuestras manos el disco conceptual “The Mortal Coil” del músico y compositor norteamericano TOM DONCOURT. Este señor es todo un veterano cultor de formas experimentales de rock: nacido en el año 1955, le conocemos principalmente por haber sido teclista de CATHEDRAL, grupo que dejó su pequeña huella dentro de la escena progresiva estadounidense de la segunda mitad de los 70s con el álbum “Stained Glass Stories”, una de las más preciadas piezas de colección para los prog-melómanos. Yendo por su propia cuenta, DONCOURT es un investigador acucioso en los instrumentos de teclado (especialmente el mellotrón, el Chamberlain y los sintetizadores análogos de aquellos tiempos), percusión y viento, explorando estrategias del rock progresivo, la psicodelia y la electrónica para dar forma a sus inquietas ideas. Tras los días de CATHEDRAL, DONCOURT formó algunos proyectos de música experimental, además de publicar un disco solista titulado “Fauve” en el 2002 y armar un proyecto a partir de aquí que se denominó FAUVEMUSEUM. Su disco solista de junio del 2014 “The Mortal Coil” es un paisaje apropiado para estas versátiles aventuras en base a la idea de nuestra propia mortalidad y el carácter trascendente de nuestra alma: compañeros de aventuras en este disco son el baterista-percusionista Mattias Olssen, la guitarrista Yuko Pepe y la cantante Cassandra Jenkins.


El viaje de “The Mortal Coil” comienza con la reflexividad relativamente ágil de ‘House In Paradise’, centrado en capas envolventes de teclado y esquemas rítmicos exóticos, ornamentado con un hermoso solo de sintetizador en el intermedio. Con ‘Black Square Golden Crown’, el esquema sonoro vira hacia recursos atonales y compases más complejos, gestando así una extravagante fastuosidad. La dupla de ‘Breaking Up In Bali’ y ‘Constellation Orpheus’ nos transporta a nuevas sonoridades, pasando de una densidad solemne (al modo de un PETER GABRIEL traducido al lenguaje del modernismo grisáceo de THIS MORTAL COIL) a la aureola de un misterio místico que sabe mantenerse en un lugar etéreamente hermético mientras revela algo de sí a la mirada perspicaz. ‘Which Fades Faster?’ parte de la abrumadora nostalgia contemplativa de ‘Constellation Orpheus’ y la lleva a un área más serena en base a un esquema musical más sencillo: el GABRIEL de “Up” es el referente principal para esta composición específica. Por su parte, ‘Darkness Of Wings’ nos devuelve a la magia inquietantemente otoñal de ‘Breaking Up In Bali’ pero con una dosis recargada de emotividad; el vigor que derrocha la siguiente breve pieza ‘Defy Gravity From Under The Ground’ sirve para redondear la faena con un inesperado recurso de vibraciones extrovertidas.


La dupla de ‘Highway 3000’ y ‘Horde Of Bones’ le sirve a DONCOURT para transitar del minimalismo atmosférico (antes presente en los pasajes centrados en lo electrónico) al exotismo vitalista y extravagante que ya hemos apreciado en el primer tema. De los cinco temas que quedan del repertorio, tres son los más largos del mismo, y el primero de éstos con el que nos topamos es ‘Moon Turns Orange Then Green’, un soundscape otoñal y denso que nos remite a los tiempos del krautrock electrónico (CLUSTER, TANGERINE DREAM) aunque con cálidos matices del estereotipo del prog sinfónico. Más adelante encontramos las dos últimas piezas del álbum, ‘Ragged Light’ y ‘Whirlpool’, dotadas de espacio para establecer desarrollos temáticos razonablemente ambiciosos: ‘Ragged Light’ elabora un colorido sinfónico masivamente modernizado, no muy lejano del modelo del “The Songs Of Distant Earth” de MIKE OLDFIELD; por su parte, ‘Whirlpool’, tras un inicio marcado por abstracciones percusivas, regresa al dinamismo exótico que hemos apreciado en otros temas para darle una forma bombástica, algo idóneo para cerrar el álbum con una atractiva luminosidad. Antes de llegar aquí, ‘Philosophers Path’ nos brinda una nueva muestra de la faceta más vulnerable del estilo general del disco y, acto seguido, ‘Princess Reindeer’ retoma la línea de trabajo de  ‘Breaking Up In Bali’, o sea, una densidad envolvente y conmovedora. Así llegamos a la culminación de “The Mortal Coil”, una obra magnífica a cargo de TOM DONCOURT, un músico y compositor al cual debemos prestar atención.


Muestras de “The Mortal Coil”.-
The Moon Turns Orange Then Green: https://www.youtube.com/watch?v=nnqUydVuh6s
Horde Of Bones: https://www.youtube.com/watch?v=oDNGriDqqs8

Wednesday, March 04, 2015

Las turbulencias progresivas de BACKHAND


HOLA, AMIGO DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos toca presentar al grupo BACKHAND, un ensamble de músicos venezolanos que hizo su entrada inaugural al mercado fonográfico con su disco “Through The Turbulence”. Formado en Caracas por la pléyade cuatripartita de Pablo Mendoza [guitarras], Adolfo Herrera [batería], Adrian Van Woerkom [teclados] y Oscar Fanega [bajo], se trata de un aquelarre de talentosos veteranos (todos ellos con sus propias formaciones eruditas, trayectorias musicales y misiones pedagógicas) unidos por la encantadora ilusión de hacer algo grande juntos. BACKHAND opera en su mayor parte como un grupo instrumental pero en algunas ocasiones aparece como quinto elemento el vocalista canadiense Phil Naro para añadir su canto. La línea de trabajo del grupo es, a la vez, diversa y bien focalizada: teniendo como núcleo recurrente la confluencia entre el sinfonismo estandarizado, el prog-metal y el jazz-rock de línea moderna, los músicos se sienten patentemente cómodos insertando también generosas dosis de recursos propios del rock duro melódico y el retro-prog que ocupa espacios tan grandes en la escena progresiva actual. La fábrica sonora restringe razonablemente sus tendencias ambiciosas cuando Naro entra a tallar, pero ciertamente su presencia no implica un estorbo sino una variante interesante dentro del repertorio integral. Como resultado de tres años de sesuda labor, “Through The Turbulence” se convirtió en una realidad concreta en el año 2014, a través del sello Melodic Revolution Records.


Ocupando un espacio de poco más de 11 minutos, ‘Introspektion’ abre el repertorio con variados recursos de solemnidad pesada, grooves jazzeros juguetones y dinámicas coloridas propias de la tradición sinfónica (YES, EMERSON, LAKE & PALMER). El bloque general de la arquitectura multi-temática se enriquece a mitad de camino cuando se organiza un motif blues-rockero muy en línea con la leyenda de GARY MOORE a partir de un preludio plácido y sereno: nada de introspectivo ha tenido esta electrizante y diversa proyección musical. Más adelante nos llegan dos temas cantados titulados ‘Hold The Light’ y ‘The Big Red Wall’, respectivamente: ambos se centran en el estándar del rock pesado melódico sazonado con oportunos arreglos progresivos de teclado y manejos inteligentes de síncopas en la armazón rítmica. En medio de ellos se sitúa ‘Spider Riff’, una pieza marcada por exploraciones en la faceta más sutil de la banda: aquí encontramos recursos de psicodelia etérea en medio del boato melódico que nos dejan los diferentes motivos que se van sucediendo. ‘Hardwood’ es un tema cálido, con predominio del factor jazzero, muy a tono con los legados de HERBIE HANCOCK y JAN HAMMER, pero siempre guardando una vibración rockera en el trasfondo para concretar un punche afín al que usualmente encontramos en el jazz-prog contemporáneo. Las canciones sexta y séptima son las dos partes de ‘A Million People Crying’: la primera parte se arma dentro de un esquema de power ballad, no muy lejano al JOURNEY de la época de Steve Perry, mientras que la segunda consiste en un jam jazz-rockero donde el bloque instrumental se enfila a darle un boato renovador a la base armónica de la primera parte. Nero realiza aquí una de sus mejores labores vocales.


‘Tears From The Sea’ nos abre la veta melancólica del grupo a través de un ejercicio de conmovedora musicalidad que nos remite a cercanías con el paradigma de CAMEL (etapas del “I Can See Your House From Here” y del “Nude”) a través del filtro de LIQUID TENSION EXPERIMENT. ‘Crime Story’, por su parte, nos devuelve una vez más a la faceta electrizante y pesada de BACKHAND, estableciendo un ejercicio de estilizada fastuosidad enérgica: aires de familia con otras bandas hispanoamericanas como los costarricenses TIME’S FORGOTTEN y los argentinos RETSAM SURIV resultan lógicos por el empleo de estándares de DREAM THEATER, DEEP PURPLE y el paradigma clásico del heavy metal. Los dos siguientes temas son sendos viajes instrumentales: ‘Wonderful Peace’ y ‘Roller Coaster’. El primero comienza con un motivo ágil donde se explora un estupendo híbrido de prog metal y retro-prog (a lo KARMACANIC), dando espacio a un hermoso solo de bajo; la segunda sección se centra en un desarrollo temático sereno que no incomodaría dentro de un estándar de PINK FLOYD, aunque el grupo le da una energía especial propia de su idiosincrasia. Por su parte, el segundo retoma el dinamismo versátil del cual habíamos disfrutado en el primer tema del álbum, pero en una dimensión mucho más reducida (solo dura 3 ½ minutos). Con ‘Me, Myself And I’ se cierra el repertorio del álbum: se trata de una cálida balada desarrollada sobre un suave compás de Latin-jazz y con presencia predominante de la guitarra acústica.

   

En líneas generales, lo que nos han ofrecido BACKHAND con el repertorio de “Through The Turbulence” ha sido gratamente impresionante, toda una montaña rusa de musicalidades energéticas y ricas en recursos dentro de una ingeniería netamente progresiva. Queda claro que cuando el conjunto se concentra en sus creaciones instrumentales da más rienda suelta a sus conceptos de musicalidad compleja y sofisticada, mientras que se contiene un poco más en este aspecto en el armado de los temas cantados para centrarse en el gancho del momento: como sea, el repertorio ha sido amplio a través de una amplia gama de posibilidades que no aburre al oyente empático. Ojalá el futuro cercano tenga en el horizonte más discos de esta banda para disfrute de todos los melómanos dispuestos a descubrirla. 


Muestras de “Through The Turbulence”.-


Sunday, March 01, 2015

Las múltiples aventuras de LA BATTERIA


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos el enorme gusto de presentar al grupo italiano LA BATTERIA por motivo de la edición de su homónimo disco de debut a inicios del presente año 2015. Este ensamble está compuesto por Emanuele Bultrini [guitarras eléctrica, acústica y clásica, mandolina], David Nerattini [batería, percusiones], Stefano Vicarelli [órgano Hammond C3, clavinet, pianos acústico y eléctrico Fender Rhodes, sintetizadores Mini-Moog, Prophet-5 y System 66, mellotrón, celesta, clavicémbalo] y Paolo Pecorelli [bajo]. Tres cuartos de esta banda forman parte de la alineación de FONDERIA, grupo que sigue activo y que actualmente está en proceso de completar el que habrá de ser su cuarto disco de estudio: valga esta aclaración pero valga más prestar nuestra atención a LA BATTERIA en este momento particular. Este grupo formado en Roma en el año 2012 se define a sí mismo como cultor de prog-funk cinemático, o lo que es lo mismo, un enfoque ecléctico de jazz-rock, fusión y sinfonismo de vieja escuela con miras a crear ideas que parezcan idóneas para bandas sonoras de películas y series televisivas de los años 70s. De hecho, la primera intención de LA BATTERIA era la de crear una librería musical para el sello Flipper Music, pero finalmente se convirtió en un álbum con personalidad propia. Para realzar esta peculiar forma de enfocar ideas retro, el grupo ha trabajado con técnicas de producción analógicas, pero yendo más allá de lo puramente retro, el grupo también incorpora elementos de electrónica y hip-hop en ciertos momentos. El sello Penny Records se encarga de difundir este disco a cuyos detalles pasamos ahora. 


Yendo al repertorio mismo del álbum, ‘Chimera’ lo abre con un lirismo sereno y dueño de una cierta ansiedad etérea; la base de guitarra clásica y las sobrias orquestaciones de teclado focalizan en torno a sí el ceremonioso entramado organizado por el ensamble, casi al modo de la apertura de una película cuya banda sonora está a cargo de GOBLIN. ‘Vigilante’ vira hacia un terreno muy distinto, un ejercicio de densidad rockera esquematizada dentro de un groove de tendencia funky. El filo que aportan los ornamentos de sintetizador y las espartanas líneas de la guitarra eléctrica coquetean con atmósferas tétricas, pero básicamente es la intensidad extrovertida el recurso imperante en este vuelo musical. Con la secuencia de ‘Scenario’ y ‘Formula’, LA BATTERIA logran aumentar sus recursos estilísticos: el primero de estos temas es un ejercicio de psicodelia de vieja escuela en tempo de 6/8, mientras que el segundo explora ambientes electrónicos en un delicado matrimonio de boato krautrockero a lo TANGERINE DREAM y groove funky, extendiendo su paleta sonora al aspecto trance. De esta manera, ya tenemos en claro que el grupo se siente cómodo elaborando sus aventuras eclécticas con una actitud convincente que muy bien puede contagiar al oyente de turno. El quinto y el sexto temas, titulados ‘Vice Versa’ y ‘Manifesto’ respectivamente, retoman la intensidad funky-rock que antes apreciamos en ‘Vigilante’ y le añaden un toque extra de elegancia estructural: en el caso de ‘Viceversa’ se advierte un énfasis en el aspecto glamoroso del asunto, mientras que ‘Manifesto’ apuesta por un frenesí más pronunciado y un ahondamiento en la atmósfera de banda sonora de película.


‘Dilemma’ regresa a la psicodelia amable de vieja escuela dentro de un esquema rítmico vivaz y coqueto: el grupo sabe darle su propio sabor sofisticado al foco temático para ahondar en su intrínseca exquisitez, y lo mismo vale para ‘Espresso’, estupendo ejercicio de dinamismo funky con un talante inconfundiblemente jazz-progresivo en los ornamentos y solos de los teclados (un poco a lo CAMEL, la verdad). ‘Incognito’ traslada estas travesuras funky hacia un extraño pero efectivo clima fusionesco que incorpora elementos de la tradición italiana y también otros del prog electrónico. ‘Scenario 2’ no es sino un arreglo nuevo de ‘Scenario’, esta vez operando con un compás más cadencioso, lo cual permite al bajo lucir más su polenta y al órgano explayarse más cómodamente en sus desarrollo armónicos. El aire de música de fondo de una serie policíaca de los 70s es inocultable… además de placentero. El disco concluye con las piezas ‘Zero’ y ‘Persona Non Grata’, sucesivamente. El primero nos muestra la faceta más aguerrida de la banda, con unos guitarreos tan fieros como llamativos, una labor de teclados que llena todos los espacios y un trabajo rítmico muy cohesivo en su inherente sofisticación: el resultado final ostenta un gancho inapelable. Finalmente, el segundo elabora un clima ceremonioso sobre un compás relativamente marchoso, siendo así que la amalgama instrumental usa la dupla de órgano y clavicémbalo como base para que los sobrios fraseos de guitarra salgan al frente con elegancia y firmeza.  

  

Todo esto fue lo que nos ofreció LA BATTERIA con su homónimo disco de debut: un muestrario de musicalidades y atmósferas llevaderas, concebidas y armadas con una mentalidad sanamente ecléctica y un perfecto sentido de la elegancia. Esperemos que no se trate de su único disco.


Muestra de “La Batteria”.-

Thursday, February 26, 2015

Todas las áreas musicales de TESLA MANAF


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Ahora es el turno para presentar a TESLA MANAF, talentoso músico y compositor indonesio metido en esto de la vanguardia del jazz-fusión. El sello estadounidense MoonJune Records ha estado muy involucrado en los últimos años en la difusión de música contemporánea del país asiático y ahora nos brinda en un solo volumen los discos de TESLA MANAF “A Man’s Relationship With His Fragile Area” (original del 2014) e “It’s Only You” (original del 2011). Es justamente el más reciente de estos discos el foco principal de esta generosa reedición para la distribución mundial, pues el otro es designado como un bonus en los créditos escritos por el musicólogo Dan Burke. En efecto, “A Man’s Relationship With His Fragile Area” es un disco que se sitúa cómodamente en la cálida encrucijada de la fusión con raíces folklóricas (a lo SIMAKDIALOG) y el jazz modernista con afinidades avant-progresivas. Acompañan a TESLA MANAF Rudy Zulkarnaen [contrabajo], Desal Sembada [batería] y Hulhul [clarinete, tarompet pencak y flauta indonesia].


El repertorio de “A Man’s Relationship With His Fragile Area” comienza con la dupla de la pieza homónima y la titulada ‘Necrophilia’, siendo ambas sumamente breves – de ¾ de minuto y minuto y ½, respectivamente . La primera consiste en un delirantemente juguetón dueto de guitarra y canto femenino (este último a cargo de Zaky), mientras que el segundo es un ejercicio de free-jazz etéreo en el que el clarinete casi le roba el show a la guitarra. ‘Counting Miles And Smiles’ es el primer tema con un desarrollo reconocible, y aprovechando el despabilamiento motivado por las dos miniaturas precedentes, brinda una aureola de radiante emotividad a través de su razonablemente amplio desarrollo: se trata de una hermosa y envolvente maraña de coloridos atonales donde la guitarra y el clarinete se desafían y hermanan en serpenteantes líneas pletóricas de elegante luminosidad. El ensamble integral maneja los enredos resultantes dentro de una ingeniería meticulosa. Por su parte, ‘Moving Side’ se mete en el terreno de la fusión jazzera en clave de bossa nova con una masiva remodelación inspirada en la arquitectura desafiante de HENRY COW así como el dinamismo etéreo del WEATHER REPORT de los primeros discos. Con ‘Early Years’, pieza que dura poco menos de 8 minutos, TESLA y sus compañeros de viaje exploran una ambientación mucho más reposada, realmente introvertida, añadiendo algunos sobrios colores fusionescos al asunto por vía de la flauta indonesia. También hay un breve pasaje cerca del final donde el groove se intensifica notoriamente, gestando así un ingenioso recurso de inesperada variedad. Con la breve travesura dadaísta de múltiples guitarras titulada ‘Multiply By 0’, el ensamble se presta a obsequiarnos la secuencia de ‘Chin Up’ y ‘The Sweetest Horn’ para así completar el repertorio de  “A Man’s Relationship With His Fragile Area” con un robusto talante visionario. Coincidiendo ambas piezas en desarrollar sendos ejercicios de osada musicalidad, ‘Chin Up’ desarrolla una atmósfera de grisáceo festival a través de un groove festivo que parece esconder algo extraño tras bambalinas, mientras que ‘The Sweetest Horn’ exhibe afinidades con los paradigmas de HENRY COW y JOHN ZORN dentro de una armazón temática que tiene mucho de neurótico.

“It’s All Yours” es, como dijimos antes, un disco del año 2011 que completa la oferta del CD que estamos reseñando. Su estilo global es muy diferente del de “A Man’s Relationship With His Fragile Area”, sumergido en las aguas del jazz-fusión melódico con agradables incursiones esporádicas en ciertas influencias de PAT METHENY y RETURN TO FOREVER. Los invitados para la ocasión son el saxofonista-flautista Mumu, el contrabajista Gega Mesywara, el baterista Dani Irjayana, el teclista Yd Nafis, la vocalista Zaky y el conjunto de percusionistas étnicos MAHAGOTRA GANESHA (conformado por Adrian Firdaus, Dewa Made Premana, William Teh Putra, Wisnu Pramadi y Gede Darma Raharja). El repertorio de este disco consiste en seis temas que se titulan igual que el álbum y se distinguen en sus correspondientes seis partes. La primera Parte es la más extensa, durando 11 ¼ minutos: su tenor general es consistentemente colorido, penetrado por un dinamismo ágil y ligero, dando amplio espacio a varios solos de guitarra ejecutado con amable limpieza. Las Partes II y III brindan instancias de serenidad contemplativa: la primera de ellas se instala en una atmósfera introspectiva encubierta en una languidez envolvente, mientras que la segunda se expresa en un contexto más festivo desde el cual el saxo encuentra espacios de elegante lucimiento. ‘Part IV’ nos lleva en línea directa a territorio de AL DI MEOLA con los obligatorios asentamientos en recursos del folklore ritual de Indonesia (breves interludios de cánticos y percusiones). ‘Part V’ nos remite a un ensueño sónico amplificado con climas cinematográficos y efectos de sonido que emulan flujos acuáticos y radiaciones cósmicas: la flauta asume el rol protagónico mientras la guitarra de TESLA se centra en aportar a los efectos circundantes. Finalmente, la sexta Parte empieza transportándosos a la languidez introspectiva envolvente que encontramos en ‘Part II’ bajo la guía del solo de contrabajo, pero luego adquiere matices más vibrantes cuando el compás se intensifica y TESLA nos regala un fenomenal solo en clave Metheniense.


TESLA MANAF ha sido un descubrimiento muy placentero para nosotros: es justo y necesario dentro de cualquier buena discoteca de rock artístico y jazz contemporáneo incorporar este ítem que contiene una doble oferta estupenda.


Muestras de “A Man’s Relationship With His Fragile Area”.-

Monday, February 23, 2015

El nuevo karma musical de DEWA BUDJANA


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

DEWA BUDJANA vuelve al ruedo en esta larga temporada de febril actividad y prolífica creatividad, siempre bajo el visionario auspicio de MoonJune Records. Lo que nos brinda ahora DEWA es “Hasta Karma”, un disco exquisito donde se rodea con colaboradores de lujo como son el contrabajista Ben Williams, el baterista Antonio Sánchez y el vibrafonista Joe Locke. Justamente cabe destacar especialmente la presencia de un vibráfono dentro del entramado sonoro integral de este álbum, pues dicho instrumento permite aumentar, resaltar y complementar ciertos fraseos de guitarra o ciertos grooves armados por la dupla rítmica con infinitas dosis de sensibilidad y lirismo. El asunto clave es que los integrantes del bloque instrumental sepa comportarse como una unidad sólida mientras la guitarraocupa un rol protagónico sabiamente cuidado… y efectivamente, esto es lo que se concreta cabalmente a lo largo del repertorio de “Hasta Karma”. DEWA saca buen provecho a las texturas de la guitarra sintetizada en varios temas del álbum, además de las habituales guitarras eléctrica y acústica. Sánchez y Williams, como colegas de PAT METHENY UNITY, se sienten a gusto habitando temporalmente el mundo musical del maestro indonesio. Este disco fue grabado durante unas sesiones de grabación que tuvieron en un solo día en el Sounds Studio de Union City (estado de New Jersey), en enero del año pasado… y ahora lo tenemos a la mano desde inicios del presente año 2015. Vayamos ahora a los detalles del repertorio, ¿vale?


“Hasta Karma” se inicia con ‘Saniskara’, un agradable viaje musical que se explaya hasta los 8 minutos de duración: su combinación de gracilidad y espiritualidad ensoñadora es elaborada sobre esquemas rítmicos que van desde compases inusuales a grooves relajados, esquemas que irradian una aureola de exquisita sofisticación. Luego de este despliegue de coloridos primaverales transitamos a la solemnidad otoñal de ‘Desember’, pieza que juega con sobrias armazones temáticas en clave atonal: comenzando con una actitud serena, su centro temático deja amplio margen para el lucimiento de filudos guitarreos de un DEWA que parece estar contemplando alguna suerte de tormenta interior, para luego finalizar con un regreso a la serenidad inicial, y de paso, motivar un estupendo solo de vibráfono. ‘Jayaprana’ porta una vitalidad fácil de advertir en su luminosidad, pero ésta es manejada con suma elegancia, al modo de un paisaje a las afueras de un contexto palaciego. El groove de la batería es simplemente fantástico, mientras que la guitarra y el vibráfono alternan solos desbordantes de ingenio y nervio. Lo que apreciamos aquí particularmente es un bien armado casamiento entre los modelos del WEATHER REPORT de la era Pastorius con el refinamiento melódico de PAT METHENY.

Para los últimos tres temas, Indra Lesmana se hace presente en el ensamble apoyando en el piano acústico, el eléctrico y la melódica. Durando 11 ¾ minutos, ‘Ruang Dialisis’ es el tema más largo del disco, y además, DEWA se inspiró en los tristes eventos de las sucesivas muertes de su padre y su abuela para componerlo. La espiritualidad melancólica es, naturalmente, el tenor esencial de esta pieza, y en esto se concentran los sutiles fraseos de la primera guitarra y las etéreas orquestaciones de la sintetizada. El entramado sonoro incluye también el sampleo de un cántico que hizo la abuela de DEWA cuando la muerte del padre era inminente. Cuando en un cierto momento, el ensamble se focaliza en un momento de caos antes del pasaje final, el tono elegíaco de la pieza se remodela con una intensidad tensa. ‘Just Kidung’ también tiene una duración generosa – 10 minutos – pero su ambiente es definitivamente más alegre que el del tema precedente. Lesmana aporta un solo de piano masivamente colorido a la vitalidad consistentemente sólida que desarrollan los cuatro músicos de siempre. El sexto y último tema se titula ‘Payogan Rain’: se trata de un ejercicio de espiritualidad nostálgica en base a la guitarra acústica, siendo así que la melódica y el vibráfono se conjugan hábilmente para llenar ciertos espacios sin llegar al innecesario recurso de la sobreabundancia. El ensamble se da buena mañana para hacer un retrato sónico de la lluvia del título.


En fin, todo esto fue “Hasta Karma”, un nuevo muestrario del tipo de vitalidad que DEWA BUDJANA viene brindando desde hace algunos años al escenario mundial del jazz-rock contemporáneo. Esperamos con impaciencia sus próximos trabajos fonográficos mientras nos detenemos a degustar y apreciar este disco como lo que es: una obra simple y llanamente estupenda.   

Muestras de “Hasta Karma”.-