Rock progresivo al cubo: PSICOTROPIA y su nuevo disco

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Traemos ahora a colación el nuevo trabajo de PSICOTROPIA, power-trío madrileño que ha venido desarrollando una empresa musical consistente y sostenidamente escalonada dentro del rock vanguardista español desde los días de su homónimo disco debut. Lo que tenemos ante nosotros ahora es su tercer lanzamiento fonográfico, “Psicotropia3”. ¿Esto es lo que hay que esperar del disco?, ¿el testimonio de PSICOTROPIA al cubo? Más bien, lo que el guitarrista Pablo tato, el bajista Jaime Mariscal y el baterista Juan Llull nos brindan es un enfatizado refinamiento del sendero focalizado que ya se había delineado claramente en su trabajo anterior “Grog” – esto es, PSICOTROPIA ha decidido para este tercer disco perseverar uniformemente en reafirmar su maduración dentro de unas pautas que conocen al dedillo… ¡y les ha salido muy bien!

‘Habanera’ abre el disco con un fulgor rockero directo y preciso, propiamente fiel a la esencia del esquema sonoro y el swing de PSICOTROPIA (esa rehabilitación metaleramente crimsoniana del estándar PRIMUS-con-TOOL que les sale tan bien). La inserción de un pasaje del “Carmen” de BIZET a ritmo justamente de habanera añade un elegante toque humorístico al asunto. El viaje musical de inicio ha sido enérgico y sofisticado, lo cual nos permite abrirnos de frente al solo de batería con el que se inicia ‘Piedra’. Una vez instalado el ensamble, un compás jazz-rock bastante cadencioso establece un ambiente como de película de detectives no exento de cierto aire a farsa. Pasado el tercer minuto y medio, nos enfrentamos a un estupendo interludio en clave math-rock - y ojo a los matices que se añaden merced al teclista invitado Carlos Plaza, los cuales ayudan a realzar el color funky que se da en ciertos momentos específicos. Tras un tema extrovertido y otro que coqueteaba parcialmente con climas neuróticos, siempre es bienvenido un tema más calmo: en este caso, ‘Tinta’ nos brinda un momento reflexivo en una predominante alternancia de 6/8 y 7/8 sobre un compás moderadamente lento. Los arreglos de cuerda que entran a tallar a mitad de camino son realmente hermosos, y cuando se prolongan hasta completar el regreso de la sección cantada le dan una cierta aura sublime al canto de Tato. En este momento, la pieza vira hacia un desarrollo extrovertido bien calculado que lejos de romper con la melancolía reinante la lleva a un clímax rockero intenso que no desbocado. Lo que sí es puro fuego rockero es el breve instrumental ‘Country Grog’, un estupendo ejercicio de prog metal en el que el grupo explota al máximo su estructura de power-trío. ‘Patos’ comienza con una vibración melancólica quizá semejante a la de ‘Tinta’, e incluso se beneficia también de pulidos arreglos de cuerda, pero pronto la pieza pasa a desarrollar variantes de motivos y ritmos al más puro estilo progresivo. Por supuesto, la persistencia de los violines y cellos proporcionan capas de sonido que llenan oportunamente los espacios dejados abiertos por el trío central. En general, ‘Patos’ tiene que ser una de las composiciones más complejas de toda la historia de PSICOTROPIA. ‘Los Espectros De Kronstadt’ es una exhibición de puro vigor, tema que combina el gancho propio del rock con empuje vital y la fineza propia del modelo PRIMUS-KING CRIMSON que PSICOTROPIA hace suyo. ‘Oigo Silencio’ es lo opuesto total a esa mole sonora que supuso la canción ‘Oigo Voces’ del disco debut: ‘Oigo Silencio’ es una exploración en ambientes inundados de languidez en un reposo que tiene mucho de inquietud latente. La pieza logra crear efectivamente un clima etéreo y sus seis minutos y pico pasan casi volando. El epílogo del álbum no puede ser más estupendo cuando ‘Bella’ es la pieza que ocupa el rol de cerrar el mismo. Con un inicio marcado por juegos de riffs que nos retrotraen a tiempos primigenios de ZEPPELIN y SABBATH, la sección cantada se instala en un ambiente más contenido. Así las cosas, la pieza tiene una base para impulsar un ordenado juego de variaciones que de alguna manera me recuerda al tema ‘Madre Tierra’ de su disco debut. Los teclados de apoyo llenan espacios sin mucho barullo, mantienen una discreción atinada dentro del esquema sonoro en curso. Y eso que esta vez son dos los invitados a las teclas: Carlos Plaza y su hija, miembros de KOTEBEL.

Resumiendo y recapitulando, se concluye que “Psicotropia3” es una muy lograda exhibición de la faceta más muscular del rock progresivo de nuestros días. A través del forjamiento de su propia veteranía, PSICOTROPIA se mantiene como un sólido referente dentro de la experimentación rockera que se viene realizando en España en lo que va de milenio.

La onomatopeya musical de CUAC! - grata sorpresa progresiva para fines de 2009

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hace pocas semanas, el grupo español CUAC! lanzó al mercado su homónimo disco debut, después de varios años en la brega por difundir su visión ecléctica de la música moderna: una confluencia de jazz fusión, funky, rock progresivo, pop de línea Indie y psicodelia se desarrolla de manera convincente en el repertorio de “Cuac!”. El mismo grupo denomina a su estilo con el neologismo de “onomatopop”: básicamente, se trata de una celebración humorística de su propia iconoclasia sonora. Anecdóticamente, la formación de CUAC! involucra a miembros del grupo SENOGUL tanto en el personal como en la lista de músicos invitados: de hecho, el lanzamiento de “Cuac!” se enmarca dentro de un proyecto discográfico llamado Disconsonancia, el cual busca crear y dar espacios a bandas relacionadas con los mencionados SENOGUL.

El disco abre con ‘No te conocía ese jersey’, tema que comienza con serenas capas de sintetizador sobre las que Pire expone un canto dulce con un toque leve de neurosis, para que luego el cuerpo central se desarrolle sobre un groove fusionesco refinado. El solo de guitarra medio a lo Fripp aporta un factor extraño al asunto sin romper con el esquema general de la pieza, el cual también incluye algunas escalas crimsonianas 80eras y un breve (demasiado breve) solo de sintetizador a lo Bardens. Tras esta gran entrada viene ‘Anika Pistophen’, tema enmarcado en cadencias bossanova, siendo así que perpetúa la refinada aureola evocativa iniciada por el tema de entrada: la presencia invitada del saxo completa eficazmente el carácter de la pieza. ‘Nun’ se enmarca en un ambiente más grisáceo, misterioso con un cierto talante ensoñador, casi en la onda de PORTISHEAD con su matiz crimsoniano extra: la coda de esta pieza se desarrolla en un excelente clímax progresivo. Con ‘Voleybol para adultos’, el grupo se retrotrae hacia esquemas jazzeros más serenos, para que acto seguido, el instrumental ‘Heliocentrismo’ nos brinde una atmósfera sinfónica ingeniosamente envolvente. ‘ExBeachIt’ es un cálido ejercicio de jazz-pop cuyo colorido sobriamente ágil no tiene mucho que ver con las intrigantes sutilezas de ‘Vomitina’, pieza que me suena a un conglomerado de PORTISHEAD y TORTOISE con BJORK a la cabeza: la descripción formal que acabo de hacer no resulta descabellada, merced a la manera tan contenida en que el grupo sabe armar sus amalgamas sonoras. ‘Fuagrás’ se encuadra dentro del jazz-pop con tonalidades muy amables (más un impresionante solo de saxo invitado), mientras que ‘¡Que alguien haga algo!’ se desenvuelve en climas psicodélicos flotantes, llenos de vitalidad sin hacerse realmente agresivo. ‘Marlene’ es un tema a ritmo de cabaret germánico, gracioso, muy a contrapunto con el tema que viene a continuación, ‘Abismo’, que tiene una belleza melódica manejada con agilidad. Su engañoso aire relajante en realidad refleja una misteriosa inquietud, y además, en sus momentos más intensos expone una plenitud neurótica inapelable, amén del que me parece el mejor solo de guitarra en todo el disco. ‘Tumbaos’ regresa a las aguas cálidas del jazz-fusión con aires latinos, antes de que ‘Corredor en el filo’ cierre el disco con esa ágil mezcla de jazz-rock y rock sinfónico que ya se hizo presente en otras piezas dominantes del álbum.

En verdad, esta oferta brindada por CUAC! me ha supuesto una gratísima sorpresa melómana para fines de este año 2009, independientemente de que le queramos llamar rock progresivo, rock ecléctico u onomatopop.

"Ouroboros" - exquisito bestiario progresivo de KOTEBEL

  

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

La banda hispano-venezolana KOTEBEL sigue adelante con su más reciente lanzamiento “Ouroboros”, un disco conceptual sobre figuras mitológicas – en base al “Libro De Seres Imaginarios” de Jorge Luis Borges –, y realmente resulta una obra notable para este año 2009. En un hermoso formato de digipack con dibujos donde predominan suaves coloridos ocres expandidos en tonalidades suavemente nebulosas, KOTEBEL nos ofrece una muestra más de su pulcra e ingeniosa manera de revitalizar el sinfonismo para nuestros tiempos. A pesar de la ausencia de la flauta y la voz femenina, ítems relevantes para el sonido de KOTEBEL en discos anteriores como “Mysticae Visiones” y “Omphalos”, lo cierto es que el grupo demuestra que sabe mantenerse en su habitual grandilocuente magnificencia con el formato netamente instrumental. ‘Amphisbaena’ abre el disco con una breve introducción tenue antes de que el ensamble entero se enfrasque vigorosamente en una deliciosa arquitectura sinfónica generosamente adornada con elementos de corte fusionesco y otros más tirados hacia el estándar de GENTLE GIANT. Bien efectivo es el recurso de los dos Plaza de enfatizar sus masivos aportes duales de teclado para complementar y/o rodear y/o acompañar a los variopintos aportes del guitarrista César García Forero. Siendo éste un músico que se siente igualmente cómodo en la fineza sinfónica, las texturas jazzeras y la polenta rockera, se alza como una figura crucial a la hora de sostener el sonido grupal. Los pasajes dominados por el piano durante el último tercio del tema crean una oportuna expectativa para el dinamismo parcialmente etéreo que se va armando camino al fin. La suite ‘Ouroboros’ sigue a continuación, exhibiendo una intensa travesía progresiva donde no hay decaimiento alguno – en realidad, los motivos básicos son precisos y concisos, siendo así que el desarrollo de la suite misma se sostiene sobre un balanceado juego de variantes y recovecos donde la ilación se conserva fluyendo de manera bastante natural. El factor jazzero, con ciertas tendencias chamber-rock sabiamente matizadas, está bastante patente en una buena cantidad de pasajes, mostrando una especial vitalidad en ‘Variation II’. ‘Variation IV’ cabalga más bien en atmósferas flotantes que nos remiten un tanto al MIKE OLDFIELD de “Incantations” inicialmente, pero al arribar los tambores y la guitarra el asunto adquiere una ambientación un poco más bizarra para anunciar la ‘Variation V’. Más adelante, en la siguiente ‘Variation’, el grupo baja el nivel de intensidad y transita más decididamente por senderos más evocativos, comenzando con un solo de piano, continuando con una exhibición de calidez sinfónica, para luego a partir de aquí elaborar un clímax bien definido. El swing tan marchoso de la ‘Variation VII’ sostiene un pasaje particularmente vibrante, logrando que los motivos recurrentes nunca se hagan tediosos ni caprichosamente cargosos. Hay una sensación de ascenso que se va enarbolando de manera tremendamente cuidadosa. La ‘Coda’ resuelve la conclusión de la suite en un tono un tanto melancólico, aunque no por ello exento de energía.


‘Satyrs’ cumple solventemente con la difícil tarea de seguir detrás de la suite; la estrategia de ir por un camino muy diferente resulta efectiva. Tenemos aquí una pieza donde la guitarra ocupa una esfera predominante, contando además con un manejo más ligero de la complejidad rítmica a través del siempre exigente desarrollo compositivo. El uso de ciertos trucos “tangueros” en algunos momentos es una ocasión bastante curiosa, pero más me llama la atención ese pasaje lento en clave de psicodelia pesada que antecede al cierre, pues su espíritu misteriosamente denso resulta una sorpresa bien instalada en medio de la colorida vorágine instrumental. ‘Simurgh’ se embarca plenamente dentro de las coordenadas sinfónicas, exhibiendo una fastuosidad exquisita y elegante: la utilización de pasajes al estilo Latin jazz no pretende crear contraste sino guiar el desarrollo de la inspiración compositiva hacia un enfoque razonablemente ecléctico. ‘Behemoth’ se orienta por un sendero un poco más grisáceo, apoyado en un tempo semi-lento y densas cortinas de sintetizadores “mellotronizados” que edifican un bloque sonoro suntuoso, bastante afín al esquema crimsoniano de los 70s. Con los disonantes fraseos de la guitarra solista y las mágicamente cósmicas líneas de sintetizador, esta estilizada densidad adquiere un aura envolvente. ‘Legal Identity V’ cierra el repertorio oficial de “Ouroboros” con una manifestación pletórica de bombástica explosividad progresiva, donde los instrumentos se amalgaman perfectamente en un frenesí común.

Lo último que realmente escuchamos del disco es la ejecución de extracto de la suite ‘Mysticae Visiones’ (del álbum del mismo nombre) en el contexto del festival Gouveia Art 2007. Esta versión en vivo tiene realmente más polenta que la de estudio, y es una pena que no haya más espacio para mostrar más de esta excelente actuación. Pero bueno, la razón de ser de este disco está en los seis temas de estudio, los cuales suponen un nuevo cénit musical para KOTEBEL. Parte del disco se puede escuchar en el enlace http://www.myspace.com/kotebel

“Ouroboros” es un bestiario progresivo que recomiendo a ojos (y oídos) cerrados.

OCTOBER EQUUS "Charybdis"

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Seguimos con nuestro repaso de la actualidad rockera progresiva española con otra banda que se ha lucido este año con un tremendo segundo disco – me estoy refiriendo al grupo instrumental OCTOBER EQUUS y su disco “Charybdis”. Éste fue editado por el sello ruso RAIG. Dos años después de su espléndido disco debut homónimo, donde la banda dio rienda suelta a su manera tan fresca y vital para preservar las herencias de HENRY COW, PRESENT y UNIVERS ZERO, en confluencia con elementos crimsonianos, ahora el sonido de OCTOBER EQUUS acoge un nuevo dinamismo al realzar el elemento jazzero y dar más espacio a ambientes etéreos. No es que la música de OCTOBER EQUUS haya renunciado a los factores de oscuridad y tensión propios del RIO, pero definitivamente aquí ha habido un ingeniosos ejercicio de renovada orientación estilística. Es como si los pasajes fuertes estuvieran casi siempre en función del desarrollo que las capas sonoras deban asumir en cada momento específico. Este cuarteto conformado por Ángel Ontalva (guitarra), Víctor Rodríguez (teclados), Amanda Pazos (bajo) y José Varela (batería) ha contado con invitados ocasionales como Francisco Mangas (saxos) y Tom Zunk (waterphone).

El disco comienza con ‘Architeuthis Dux’, tema imponente cuya fuerza natural se despliega de manera inteligentemente armada sobre el desafiante esquema rítmico: el factor jazzero es manejado desde el aspecto de matices, lo cual supone un buen contrapunto a los predominantes pasajes de tenor más fastuoso. ‘Frozen Sea’ emite radiaciones más melancólicas con esas cortinas sombríamente grisáceas de órgano que nunca llegan a hacerse verídicamente tétricas; más adelante, cuando la pieza entra a un momento más extrovertido, marcan el liderazgo de lo jazzero (estilo Canterbury con una dosis extra de densidad) a la hora de estructurar este momentum, el mismo que al final encuentra un oportuno broche con un breve reprise del introspectivo motivo inicial. ‘Trylobites’ es una pieza no tan larga que se concentra en ambientes flotantes, que no exentos de una dosis de disonancia aventurera que apelan a una suerte de tensión controlada. ‘Fata Morgana’ prosigue por los renovadores aires jazzeros manejados por el grupo: la pieza oscila entre un cálido motivo en 6/8 que suena a un híbrido entre YUGEN y el primer HENRY COW, y un cuerpo central que suena como un vendaval muscular que oscila entre lo bizarro y lo caótico. ‘Unknown Pilot’ es un muy inspirado ejercicio de lirismo vanguardista, basado en la cámara moderna. ‘Forgotten Sirens’ es una pieza tremendamente muscular (en su mayor parte, pues también cuenta con una sección un poco más tirada hacia lo etéreo al llegar al final), muy a lo PRESENT aunque con el sello de OCTOBER EQUUS claramente marcado en ella. ‘Abyssal’ nos devuelve a la faceta más lánguida de la banda, sabiamente manejada con esos elementos de tensión y tenebrismo que ya habían ocupado un rol primordial y esencial en el disco debut – en el contexto de este disco, sin embargo, ‘Abyssal’ encaja muy bien dentro de un esquema más controlado. ‘Thera’ va por un sendero muy similar, incluso ahondando en lo etéreo, lo cual resulta muy efectivo cuando emergen esos breves momentos de intensificación de la energía sonora. ‘Niarsek’ no cambia mucho las cosas, con su núcleo sonoro que nos hace evocar una travesía por los parajes más reposados de la mente: las dominantes orquestaciones de teclado transmiten muy bien esa aureola contemplativa que en el género progresivo se explota tan bien en las composiciones de línea ceremoniosa. La pieza homónima, que completa una duración de casi 6 minutos, establece una vez más esa bien articulada combinación de vanguardia jazzera y RIO que OCTOBER EQUUS ha manejado tan magistralmente en los temas 1 y 4. ‘Helgoland’ es el epílogo que retoma la faceta reposada del grupo, jugando con una progresión armónica sencilla: la sección de piano es manejada con espartana delicadeza, mientras que el solo final de guitarra (con efecto midi) se explaya en fraseos sumamente diestros. El fade-out llega demasiado pronto: lo mismo me sucede con temas tan buenos como ‘Unknown Pilot’, ‘Abyssal’ y ‘Forgotten Sirens’, cuyo atractivo tan impactante me parece que no se muestran con suficiente holgura debido a las restricciones de sus respectivas duraciones. Pero bueno, esta queja menor no resta nada a mi gran aprecio general por “Charybdis”.

Se puede escuchar material de OCTOBER EQUUS en su blog de Myspace www.myspace.com/octoberequus . Definitivamente, “Charybdis” es una obra altamente recomendable para los genuinos amantes de las líneas de trabajo más vanguardistas del género progresivo.

PLANETA IMAGINARIO "Biomasa"

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Ahora vuelvo a hablar del progresivo de la Península Ibérica desde la nación catalana – esta vez me refiero a PLANETA IMAGINARIO, grupo que consta de una abundante formación de ocho músicos y cuyo segundo álbum “Biomasa” (2008, Cuneiform Records) constituye una auténtica joya musical del jazz-rock progresivo de nuestros tiempos. Hace ya cuatro años atrás, con su disco debut “¿Qué Me Dices?”, PLANETA IMAGINARIO había dado debida cuenta de su talento, creatividad y energía, pero bajo la perspectiva de este nuevo disco “Biomasa” podemos afirmar sin mayores tapujos que la banda ha encontrado el punto decisivo para la manifestación de su voz musical, especialmente en lo que se refiere a su funcionamiento como ensamble. También cabe notar que el sonido grupal es más fuerte, demostrando una inteligencia refinada a la hora de suministrar su potencia en los pasajes más agresivos del disco.

PLANETA IMAGINARIO saca provecho de la situación de contar con cuatro músicos especializados en vientos. Se nota en varios momentos del disco que el grupo recibe una fuerte herencia de WEATHER REPORT y FRANK ZAPPA, pero las influencias más notorias provienen de las vertientes del Canterbury planteadas por GILGAMESH, HATFIELD & THE NORTH y el SOFT MACHINE post-“Third”. El disco comienza con un preludio cósmico un tanto perturbador titulado 'Discurso Cósmico desde el Planeta Imaginario', muy a lo TANGERINE DREAM primigenio, antes de que emerja ‘El Francotirador de Washington’, a pesar de las intenciones criminales del título, es en realidad un tema colorido y estructurado sobre un fino equilibrio entre los instrumentistas. ‘Capture’ ofrece un dinamismo mucho más incrementado, sonando a una mezcla del ZAPPA de “Waka/Jawaka” con el de “One Size Fits All” – incluso hay un falsete burlón que realza el ágil humor inherente a la composición. El tema homónimo y ‘La Caja Negra’, durando 11+ y 12+ minutos respectivamente, ofrecen sendos picos dentro del repertorio. ‘Biomasa’ comienza con una ambientación relajada, con un intimismo propio de la actitud contemplativa; una vez que las cosas se intensifican un poco, la pieza vira hacia un jam muy enraizado en cadencias africanas, no furioso pero sí intenso de una forma controlada. La dupla rítmica funciona impecablemente a través de la evolución temática de este jam, el cual termina con un breve reprise del motivo inicial. ‘La Caja Negra’ ofrece un espectro sonoro más explícito, con una primera mitad que refleja una ágil combinación de HATFIELD y NUCLEUS, para luego pasar a una sección más agresiva, muy a lo GONG, en un despliegue de vivacidad bizarra. ¡Brillante! ‘El Teatro de los Faranduleros’ es una estupenda muestra de introspección y misterio, marcada por el contrapunto entre piano y guitarra acústica, y llenada por los vientos en una orquestación sutilmente sombría – me recuerda al PICCHIO DAL POZZO del primer disco. Pegado a un breve reprise del 'Discurso Cósmico' surge el cálido 'Hoy es un Nuevo Día', el cual suena a un homenaje a faceta lírica del ZAPPA 69-72, añadiendo elementos del vuelo introspectivo de un Zawinul en los momentos más etéreos del WEATHER REPORT añejo. 'L'estiu' aprovecha acto seguido este desarrollo sonoro para seguir ahondando en lo introspectivo en su primera instalación: más adelante, las cosas viran hacia un jam de tenor funky, pero no me suena tanto a contraste sino a un giro más extrovertido de un dinamismo reflexivo siempre presente. Teniendo en cuenta lo fabuloso que es el solo de guitarra que se explaya en esta porción del tema, junto con el delicioso armado de los vientos, me hubiese gustado que este jam durara un poco más, pero no tengo nada que objetar al hermoso solo de piano espartano que sirve de coda. ‘Trastornos Ópticos del Oso Polar’ cierra el disco con sus momentos más energéticos. Se trata de una exquisita mezcla de la densa tensión crimsoniana con la agilidad dadaísta del ZAPPA de la “big band”, atravesado por elementos de space-rock. El final es un delirio de caos neurótico y fantasía circense que suenan a humor negro. Un gran final para un gran disco.

“Biomasa” es un disco que ha recibido varios elogios, bastante merecidos, en e-zines varios y de diversos idiomas dedicados al progresivo y al jazz. PLANETA IMAGINARIO no debe faltar en la lista de compras de ningún serio coleccionista de rock y jazz vanguardistas. Por lo pronto, podemos ecuchar parte de su material en el blog de Myspace www.myspace.com/planetaimaginario - ¡a disfrutar!

GURTH

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

La escena progresiva española está generando muchas ideas nuevas y robustas en los últimos tiempos. Para ceñirnos solamente al presente año 2008 que está pasando por su recta final, podemos mencionar al grupo catalán GURTH, cuyo disco “Tormentes” muestra un sonido dinámico y colorido basado en la confluencia entre el KING CRIMSON ochentero, jazz-fusión al estilo de WEATHER REPORT, ICEBERG y SECTA SÓNICA, y el jazz-rock contemporáneo a lo TRIBAL TECH. Todas estas influencias básicas son traducidas por GURTH a un lenguaje fresco y original, mayormente signado por la exhibición de energía.

Tenemos un fabuloso tema de entrada en ‘Somnis Lliures’, una pieza no muy extensa pero portadora de un carisma crimsoniano muy a lo ‘Discipline’ pero con un swing más pronunciado y un uso más concienzudo de la calidez a fin de atenuar la latente neurosis. ‘Les Calderes d’en Pere Botero’ también tiene un fuerte elemento crimsoniano, con un añadido matiz de humor que me recuerda al ZAPPA de fines de los 70s. ¡Y qué decir de ‘Tormentes de Diners Amb Fang’ y ‘Truita de Tortuga’! – piezas bien armadas y robustas, siendo así que el primero termina con una divertida cita de ‘Larks’ Tongues in Aspic Part II’. También hay temas como ‘Camí Sonor’, ‘Cosses que Passen’ y ‘Juga’mi’ destacan por su inspirada vibración fusionesca adecuadamente alimentada por una buena dosis de riqueza melódica (especialmente en el segundo caso). Por el lado donde se acentúa el lado rock del jazz-rock, tenemos a ‘La Corrupció de l’Enyor’, que me recuerda un poco a COLOSSEUM II tanto por su punche como por su gancho. ‘Les Oliveres d’en Joan’ nos muestra a GURTH explorando el ámbito del Latin-jazz con fineza y alegría. ‘Sssss, A Dormir’ es el suave epílogo del álbum, revelando una atmósfera relajada y ensoñadora con base de guitarras acústicas duales y un hermoso solo de clarinete.

Gran disco es “Tormentes”, así como grande es GURTH, un grupo al cual hay que prestar mucha atención dentro de la faceta jazzera del rock progresivo contemporáneo. Por lo pronto, se puede ir escuchando parte de su repertorio en el enlace www.myspace.com/gurthprogressive . Su próximo concierto tendrá lugar el domingo 16 de noviembre en Sala La Nau de Barcelona, a partir de las 8.00 PM. ¡Toda la suerte del mundo para este grupo tan excelente!