"Kublai" - la grandeza imperial de ACCORDO DEI CONTRARI

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Hoy es el turno del grupo italiano ACCORDO DEI CONTRARI, uno de los ensambles más brillantes de la vertiente jazz-prog-fusión que han surgido a lo largo del nuevo milenio, y de hecho, no somos pocos los que los tenemos en tan alta estima. Tampoco somos pocos los que hemos recibido con entusiasmo a su nuevo disco “Kublai”, editado cuatro años después de su estupendo disco debut “Kinesis”. No cabe duda que se trata de lo mejorcito del progresivo de este año 2011: “Kublai” aporta nuevos y vigorizantes matices al esquema jazz-progresivo propio de la banda, la cual se supera a sí misma bajo sus propios términos. A lo largo de este repertorio nuevo, se deja plena constancia de los impresionantes niveles de versatilidad creativa, fineza performativa y energía vitalista que ACCORDO DEI CONTRARI encarna y exhibe con comprensible orgullo. Además, la presencia de un ilustre invitado como Richard Sinclair en uno de los temas añade más referentes de valía artística a este disco: sobre ellos volveremos más tarde, por lo que seguiremos con un repaso general del repertorio.

‘G.B. Evidence’ abre el disco con un despliegue de excitante jazz-rock plagado de reminiscencias inspiradas en el RETURN TO FOREVER 73-75 así como en el WEATHER REPORT 75-77: un tributo al legado de fusión moderna norteamericana, elaborado con un elegante sentido de la complejidad perfectamente combinado con explosivas dosis de energía, especialmente en la sección intermedia donde la batería marca un frenético compás en 15/8 y la guitarra dirige el núcleo del jam que se ha de terminar instalando. Tras este inicio tan patentemente muscular llega ‘Arabesque’, tema que con sus 12 ½ minutos de duración se erige como el más extenso del disco. El título indica certeramente el carácter abundantemente exótico de su base compositiva, ostentado desde el prólogo de más de tres minutos en el que los fraseos evocativos del oud se explayan mágicamente sobre una cortina cósmica de sintetizador. Una vez instalado el primer cuerpo central, nos topamos con un motivo literalmente arabesco trabajado con mucho vigor, casi como un híbrido de NIACIN y RETURN TO FOREVER. Las cosas regresan a una dimensión contenida merced al retorno del motivo del prólogo, esta vez reconstruido con una mayor presencia eléctrica y una sensación de sutil tensión psicodélica donde los ornamentos de la batería juegan un rol crucial. De esta manera se prepara el auge definitivo del jam que ha de funcionar como una coda alegre muy en onda con lo que solía hacer AREA en sus mejores épocas cuando exploraba cadencias orientales. ¡Brutal!, ¡magnífico! Y eso que a continuación llega ‘Dark Magus’, una composición particularmente monumental. Comenzando con un golpe de gong y los pasos de alguien que cierra una puerta tras de sí, el cuerpo central se impone instantáneamente sobre un swing sofisticado llevado magníficamente por la dupla rítmica con una mezcla de visión arquitectónica y vibración genuina, mientras que las intervenciones de la guitarra y de los múltiples teclados (piano, sintetizador y órgano) le dan un aire psicodélico al asunto. Un giro temático, anunciado poco después de pasada la barrera del tercer minuto y medio pero recién emergente un minuto después, permite al grupo apelar a sonoridades jazz-rockeras razonablemente agresivas a fin de transmitir una soltura colorida y extrovertida. Un tercer motivo nos traslada nuevamente a aires distintos, esta vez al modo de un GENTLE GIANT reciclado a través del filtro de D.F.A. – pero con el sello propio de ACCORDO DE CONTRARI, por supuesto. Es una pena que este tercer y último motivo no sea más extenso, pues tiene un atractivo sónico inapelable, pero en fin, el efecto del cierre (al modo de una implosión) crea un impacto bastante efectivo. Pero más allá de este detalle, la cosa es que el álbum sigue exhibiendo genialidad sin reposo y colorido musical sin atenuantes.

¿El oyente quiere seguir siendo sorprendido? Pues bien, para eso está ‘L'Ombra Di Un Sogno’, una pieza muy, pero que muy especial. Es básicamente un tributo al Canterbury que incluye la intervención de una de sus propias leyendas vivientes como invitado al canto: Richard Sinclair (cosa que ya adelantamos en el primer párrafo). La pieza tiene una estructura muy compleja en cuanto a las progresiones de acordes y variantes de motivos que van transcurriendo, junto con los ornamentos que concurren durante los pasajes más explícitamente sofisticados. ¿Y a qué suena este tributo canterburiano? 40% del HATFIELD & THE NORTH mezclado con el CARAVAN del primer disco, 30% del MATCHING MOLE del segundo disco (Sinclair usa un registro muy a lo Wyatt en sus cantos y tarareos), 15% del BILL BRUFORD de “Feels Good To Me” y otro 15% del HENRY COW jazzeado de la etapa “Leg End”. Los efectos de aves cantando en el bosque aportan un aire extra de simpático sentido de humor muy a tono con el tenor lírico que el grupo aportó al alegre motivo final, pero no solo eso: también posibilitan una relación de contraste frente a la expresividad vigorosa y colorido electrizante que muestra el siguiente tema desde el punto de arranque. En efecto, ‘Più Limpida E Chiara Di Ogni Impressione Vissuta, Part I’ encarna el brillo más incandescente de “Kublai” con sus pletóricos aires jazz-fusionescos que nos remiten fácilmente a MAHAVISHNU ORCHESTRA y al RETURN TO FOREVER de “Hymn Of The Seventh Galaxy”. Es decir, los aires de la línea fusion norteamericana vuelven con dosis extra de energía. Los últimos seis minutos y pico del álbum están ocupados por ‘Battery Park’, pieza cuyas atmósferas centrales tienen más que ver con el ARTI E MESTIERI de los dos primeros discos y las trayectorias piano-céntricas de Chick Corea y Herbie Hancock. Empieza con un tenor lírico bastante relajado, coqueteando con lo intimista pero sin adentrarse en recovecos introspectivos; luego, la instrumentación se agiliza considerablemente hasta igualar convincentemente los momentos más extrovertidos de los dos primeros temas; para el último minuto y medio, los últimos instantes del motivo extrovertido se reformulan con un tono solemne que alude a un actitud de descanso que se asienta de forma sostenida, calculando el gradual decrecimiento de la luz para dejar salir una niebla serena y apacible.

Todo eso es “Kublai”, una joya incuestionable de la escena jazz-progresiva que se viene haciendo en los últimos decenios, y sobre todo, un registro fonográfico que confirma a ACCORDO DEI CONTRARI como una de las más interesantes y relevantes fuerzas creativas de la vanguardia jazz-rockera actual a nivel internacional.


Muestras de “Kublai”.-
G.B. Evidence: http://www.youtube.com/watch?v=kYc2LUrgoRg
Dark Magus: http://www.youtube.com/watch?v=k6DuZCgkOJ4
L’Ombra Di Un Sogno: http://www.youtube.com/watch?v=ts8XVC6VZlo

ANIMA MORTE - pesadilla musical, ensueño progresivo

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Hoy es el turno de hablar del grupo ANIMA MORTE, cuyo slogan musical dice: “Música para viejas películas de horror italianas hecha en Suecia”. Precisamente, el núcleo estético y la ideología de este cuarteto instrumental consisten en un sinfonismo retorcido e inquietante que da arrolladora preponderancia a la elaboración de climas tétricos. Fundado en 2005, ANIMA MORTE trae para el presente año 2011 su segundo CD de larga duración “The Nightmare Becomes Reality”, con la siguiente formación: Daniel Cannerfelt (guitarras eléctricas y acústicas), Stefan Granberg (bajo, bouzouki, guitarras eléctricas y acústicas, sintetizadores), Fredrik Klingwall (sintetizadores, mellotrón, piano eléctrico y pedales Taurus) y Teddy Möller (batería). “The Nightmare Becomes Reality” ya ha recibido varios elogios en e-zines y blogs de prog y metal, siendo considerado unánimemente como su trabajo más sólido hasta la fecha; es más, ingresó en el Top 20 de ventas de discos de su país natal en el mes de mayo, lo cual le otorga un cierto momento de notoriedad. ¿Y la calidad? Pues bien, allí está, manifestándose vigorosamente a través del repertorio que lo conforma, más de tres cuartos de hora de música intensa que rinde honores al legado de GOBLIN sin llegar a clonarlo, dinamizándolo de una manera peculiar a través de una meticulosa utilización de diversos colores sónicos que van desde el retro escandinavo de ÄNGLAGÅRD y SINKADUS hasta factores sinfónicos menos siniestros, así como algunos ornamentos prog-metaleros y psicodélicos, y cómo no, cercanías con el antecedente del súper-grupo MORTE MACABRE y su ya legendario “Symphonic Holocaust”. En comparación con este último grupo, ANIMA MORTE ofrece un bloque sonoro más pulcramente articulado, o dicho de otra manera, un enfoque menos visceral en la elaboración y enraizamiento de ambientes terroríficos. Como anécdota especial, Mattias Olsson, famoso como baterista del inolvidable ÄNGLAGÅRD (además de otras bandas del área), produjo este disco, además de añadir aportes de percusión y guitarra con arco en algún que otro tema. El músico Jerk Wååg también aportó algunas líneas de violín y aportes de piano en un puñado de temas.

‘Voices of Beyond’ brinda un prólogo frontalmente terrorífico, celebrando por medio minuto la sensación de pavor, antes de que ‘Corridor Of Blood’ traduzca ese pavor en majestuosa tensión articulada en torno al manejo “goblinesco” de poderosas sonoridades sinfónicas donde confluyen los paradigmas de WHITE WILLOW y el primer ANEKDOTEN junto con calculados resabios de inspiración prog-metalera a lo OPETH y algunos toques estilizados que resuenan a THE ENID. ‘The Revenant’ mantiene un nivel muy similar de fastuosidad, aunque bajándolo un poco a fin de permitir que se resalten los matices y ornamentos varios elaborados para realzar la base melódica operativa en el motivo central. ‘Contamination’ tiene un vigor más obviamente moderno, como el GOBLIN de “Noh Ho Sonno”, mientras que ‘Passage Of Darkness’ elabora pasajes más etéreos de lo habitual dentro del esquema de trabajo planteado por el grupo; en este último caso, el encuadre armado a dos bandas entre la esforzada labor del baterista y los incansables arpegios de piano sirven como recursos para impulsar ambientes inquietantes, aunque como se dijo antes, late en esta pieza una espiritualidad menso sombría que en cualquiera de los temas precedentes. Así las cosas, el momento parece idóneo para explorar lados más románticos y enfoques más evocativos: ‘Solemn Graves’ es el tema encargado de esto, con sus sortilegios de Moog muy a lo WAKEMAN y un solo de guitarra que tiene más de cameliano que de psicodélico o tenebroso. ‘Delirious’ se inspira abiertamente en un enfoque retro sinkadus-anglagardiano, el cual está perfectamente delineado para darle un swing más dinámico al tipo de atmósferas y bloques sonoros que ya habían hecho determinante acto de presencia en ‘Corridor Of Blood’ y ‘The Revenant’. ‘Feast of Feralia’ tiene aires de familia con ‘Contamination’ en cuando al tenor general de la ambientación, pero es verdad también que los aires folclóricos momentáneamente provistos por los interludios centrados en el bouzouki genera una vibración particular bastante útil a la hora de darle una inesperada frescura al asunto. Sigue a continuación la pieza homónima, que dura poco menos de 3 ½ minutos: después de un magnífico preludio de piano impetuosamente basado en grisáceas escalas disonantes, emerge un cuerpo central enfocado en rendir tributo directamente al GOBLIN de “Suspiria”, con la adición de algunos elementos de SCHICKE, FÜHRS & FRÖHLING del “Symphonic Pictures” y de RICK WAKEMAN del “Criminal Record”.

‘Things To Come’, con sus poco más de 8 minutos de duración, se instaura como la pieza más extensa del disco. A pesar de que se pudiera sospechar que el tema está diseñado para explorar y explotar lo matices más sombríos y densos de la propuesta musical de la banda (y realmente íbamos con esta expectativa en mente), en realidad se trata del ítem más explícitamente lírico del disco: encontramos las inevitables referencias al perpetuo modelo de GOBLIN, sí, y también hay algún pasaje estructurado en torno al estándar del prog-metal melódico, pero básicamente hallamos aquí un núcleo compositivo prog sinfónico de talante amable, incluso cálido. Podemos describir esta pieza como un collage de ideas incompletas de sesiones de ensayo de CAMEL, KAIPA y BMS, trastocado por un combo de músicos de SINKADUS, PÄR LINDH PROJECT y SYRYNX, durante el periodo del “Gothic Impressions” del segundo. Donde sí encontramos una recuperación genuina de la ideología estilizadamente tétrica proclamada por la banda es en el tema de cierre, ‘The Dead Will Walk The Earth’, el cual se basa en la reiteración perpetua de un motivo sencillo, siendo así que el afianzamiento del timbre rítmico y los crecientes ornamentos de sintetizador son los que están a cargo de sostener la expectativa en torno a la letanía por más de 5 minutos, aterrizando en una efectiva variación climática de la misma (como GOBLIN en varios momentos de su disco “Roller”). Concluye aquí la experiencia de esta pesadilla convertida en una exquisita realidad progresiva, y nos parece evidente que ANIMA MORTE llamará la atención de aficionados y coleccionistas alrededor del mundo de manera constante en el trascurso de los próximos meses.


Muestras de “The Nightmare Becomes Reality”.-
Corridor Of Blood: http://www.youtube.com/watch?v=Ys-rFlsbKJM
The Revenant: http://www.youtube.com/watch?v=ErxYMz8bC3I
Contamination: http://www.youtube.com/watch?v=uXIaxcKxvz4

TRETTIOÅRIGA KRIGET - ahora, después y siempre

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El momento que nos congrega hoy se concentra en una leyenda viviente del rock sueco de los 70s: TRETTIOÅRIGA KRIGET. Este grupo no necesita mayores presentaciones ante los ojos de la comunidad internacional de amantes del rock progresivo y del rock artístico en general: sus dos primeros discos, el homónimo de 1974 y “Kriggsång” de 1976, instauraron un modelo de avanzada rockera donde el hard rock, el estándar progresivo y la psicodelia heavy confluían de manera sólida y bien amalgamada. Autoridades progresivas del revival 90ero como ÄNGLAGÅRD, LANDBERK y ANEKDOTEN has citado a esta banda como influencia importante. TRETTIOÅRIGA KRIGET se reformó a finales de los 90s, retomando una carrera fonográfica que ha seguido siendo bien recibida por los fans y coleccionistas progresivos: 2011 es el año del tercer disco de esta segunda etapa del grupo, el cual se titula “Efter Efter”.

Los dos primeros temas, ‘Mannen På Bänken’ y ‘Barnet’ asientan cabalmente muchos de los indicios más recurrentes de garra rockera y sensibilidad melódica en torno a los que se sostendrá el repertorio global del álbum. El primero es un ejercicio de rock melódico, refinado y ágil, donde los motivos de las mudanzas y estribillos se engarzan con naturalidad. El segundo elabora un sendero musical un poco más fastuoso, con claras afinidades sinfónicas que se manifiestan especialmente en el bloque instrumental intermedio, el cual incluye atmósferas claroscuras parcialmente asimiladas al esquema crimsoniano temprano, así como un interesante e inesperado par de pasajes disonantes que guardan fuertes aires de familia con el estereotipo gentle-giantiano. ‘Tavlan’ es una balada patentemente estilizada, con tufillos blueseros en algunos guitarreos que le proporcionan ramalazos de una garra que sale a relucir prudentemente en algunos pasajes mientras que en otros se concentra en la simple melancolía, aunque la mayor manifestación de emotividad está reservada para el solo de sintetizador final, cuya vibración contemplativa parece emerger de los dedos de un “Rick Wright resucitado”. Hay una agradable aura añeja en esta pieza, algo emparentado con lo que hacían CRESSIDA y PROCOL HARUM en tiempos en que el género progresivo estaba al borde de la madurez; ante todo, se trata de una composición bonita, efectiva a la hora de reflejar un ánimo evocativo. ‘The Dance’ también porta un aire retro inocultable, aunque en el caso de esta banda, se trata más realistamente de una exploración en algunas de sus raíces estilísticas originarias: un blues-rock suavemente empapado de cadencias folk recicladas a través de un filtro suavemente sinfónico. Se puede describir como una composición abandonada del FLEETWOOD MAC de Peter Green retomada por un combo de músicos del CAMEL pre-“Mirage” y del PROCOL HARUM de la etapa “Home”. ¿Estábamos justo hablando de cosas retro? Pues ‘Glorious War’ llega para asentar más fuertemente esta cuestión, pues se trata de una vieja composición que la banda trae a colación para ahondar en la actitud más serena y contemplativa que hizo acto de presencia en ‘Tavlan’, solo que aquí la actitud no es de reflexión sino casi como un relato. La primera sección cantada transmite un aire de expectativa, mientras que la segunda sección empieza refleja un aire más envolvente, al modo de un relato de una leyenda medieval; su compás en 3/4 es aprovechado por el ensamble en bloque para completar un estupendo esquema progresivo blueseado que suena a un híbrido entre el TK de los 70s y el PINK FLOYD post-“Dark Side”. ‘Till En Sputnik’ es básicamente un ejercicio de rock’n’roll reactivado con tonos hard, una pieza que no hubiera estado fuera de lugar en uno de los discos de DEEP PURPLE pre-Gillan o de URIAH HEEP pre-“Demons And Wizards”: esta canción parece diseñada para poner la cuota de diversión rockera, aunque para nada está exenta de arreglos estilizados. El tema homónimo es el encargado de ocupar los últimos 10 minutos y pico del álbum, pero le precede la corta balada acústica ‘Paus’, muy a lo BREAD, al modo de una antesala introspectiva. Acto seguido, ‘Efter Efter’ establece un nuevo ejemplo de la maestría de TK a la hora de crear rock melódico de fuerte raigambre hard y amplias sensibilidades sinfónicas y psicodélicas: el espacio del que goza le permite reforzar los motivos insertos en su desarrollo, lo cual asegura un cierre debidamente fastuoso para el disco.

Como balance general, cabe concluir, en primer lugar, que este disco no iguala la brillantez ni la especial sofisticación vertidas en discos anteriores como el muy notable “Elden Av År” y el muy estilizado “I Början Och Slutet”, pero en segundo lugar, es justo afirmar que “Efter Efter” confirma que esta banda mantiene un crédito creativo bastante valioso, fiel a la posición musical que siempre defendió en los mejores momentos de su carrera: rock sólido con un fuerte interés en desarrollos melódicos inteligentemente armados con prístina inspiración progresiva sinfónica. Destaco personalmente a ‘Barnet’, ‘Tavlan’ y ‘Glorious War’ como las composiciones más logradas del álbum.


Muestras de “Efter Efter”.-
Barnet: http://www.myspace.com/trettioarigakriget/music/songs/barnet-the-child-81680715
The Dance: http://www.youtube.com/watch?v=F7UJ-prIfiM

Desde Berlín, NO NEBRASKA! despliega sus peculiares travesuras rockeras

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Hoy es el turno de NO NEBRASKA!, grupo alemán formado en Berlín ya hace algunos años, y ahora en 2011, ha logrado concretizar su primer disco de larga duración “Generalisation”… aunque la larga duración llegue en realidad a poco menos de media hora en total (7 de los 10 temas duran menos de 3 minutos). Este trío opera con la no muy usual estructura sonora de guitarra, batería y clarinete bajo, pero definitivamente usándolo de manera creativa a la hora de replantear un estilo cercano al math-rock desde una óptica zappiana-punk con amplios márgenes para desarrollar retazos primusianos, atmósferas inquietas propias del jazz-rock contemporáneo a lo Naked City, arranques avant-prog a lo Doctor Nerve y ornamentos RIO a lo Art Bears. O sea, un rock alevosamente heterodoxo en su jovial eclecticismo donde el math-rock es un elemento levemente destacado pero no decisivamente definitorio. A pesar de que el bloque sonoro de la banda es elaborado, lejos están estos tres gestores de NO NEBRASKA! de ostentar un aire de “aristocrático intelectualismo” a la hora de crear y plasmar su estrategia sonora: por el contrario, el grupo se complace mucho en aparentar un aire adusto y una sonoridad fingidamente desprolija, como si se tratara de un combo de algunos músicos de MADNESS y P.I.L. después de haber pasado un par de noches de insomnio escuchando discos de THIS HEAT y ART BEARS una y otra vez…, o como si la tríada de Fred Frith, Chris Cutler y Lindsay Cooper se hubiese congregado para grabar un disco de música punk tras haber perdido una apuesta. Ridículos escenarios contrafácticos que se me ocurren para tratar de describir el ambiente estético que se transpira continuamente en “Generalisation”, cuya portada de por sí es una imagen muy propia del pop-art de contracultura: una colorización kitsch de una foto de un dictador militar africano en base a predominantes tolos pasteles.

‘Duty Free’ abre el disco con un tenor alegremente desfachatado, un sentido muy preciso de la diversión pero para nada simplista, mientras que ‘Letterbox’ ofrece una variante en torno a esa desfachatez que se expresa de forma un poco más sombría y también más sofisticada; ‘Horsies, Horsies’ se puede describir como un punto de encuentro entre los ambientes nucleares de las dos piezas precedentes. ‘Tumble Dry’ ya da muestras de un delirio neurótico más pronunciado, emparentándose de alguna manera con MR. BUNGLE, como también lo hace ‘Norwegen Dir’, canción que empieza focalizada en torno a un enérgico replanteamiento de la cadencia propia del ska bajo una guisa de progresivo psicodélico, para luego llegar a una segunda mitad marcada por una dinámica rockera calculadamente filuda. Esta dupla conforma un cénit particular del disco. ‘New Year's Toast’ ofrece una peculiar mezcla de math-rock y stoner sin dejar de lado ni siquiera por un milímetro al despliegue de cadencias humorísticas y arreglos fáciles de seguir, y lo mismo vale para ‘Keyborader Gesucht’; por su parte, ‘Some Town Of Staring Shark’, tema situado en medio de los dos antes mencionados, desarrolla ciertos paralelos con el rock de garaje. ‘Klezmer Santa’ es un instrumental que tiene algo de klezmer, es verdad, pero ante todo resulta un nuevo breve viaje hacia la ideología de alegría airada y dadaísta que NO NEBRASKA! convierte en irrefutable paradigma. El tema de cierre ‘Taxis Of Beirut’ exhibe un oportuno compilado integralmente amalgamado de la desfachatez del primer tema, la fuerza de los temas 6 y 8, y la sorprendente locura juguetona de ‘Tumble Dry’: un cénit que concluye las cosas con un broche notable.

Aunque es muy seguro que este grupo no encaje dentro de los conceptos y esquemas mentales sobre el siempre polifacético y escurridizo tema de la esencia del rock progresivo, no me cabe duda de que NO NEBRASKA! está en posición de llamar la atención de los coleccionistas y conocedores del género progresivo que se sientan particularmente sensibilizados ante las facetas más inesperadas de la vanguardia rockera que se desarrolla en cualquier parte del mundo en nuestros días. Patentemente concebido como un disco no para todos, “Generalisation” brinda, a su vez, una oportunidad para los oyentes en cuanto a aventurarse con renovadores estímulos estéticos.


Muestras de “Generalisation”.-
Duty Free: http://www.youtube.com/watch?v=Bd8qkP0yi2k
Tumble Dry: http://www.myspace.com/nonebraska/music/songs/tumble-dry-77542536
Norwegen Dir: http://www.myspace.com/nonebraska/music/songs/norwegen-dir-77542521

Viajando de la mano de THIS WILL DESTROY YOU por los túneles del post-metal

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Hoy es tiempo de THIS WILL DESTROY YOU, grupo procedente del estado norteamericano de Txas que, a tres años después de grabar y editar su homónimo disco debut, vuelve a las andadas este año con “Tunnel Blanket” para así instaurar su propuesta de seguir explorando renovadoras potencialidades de la vertiente post-metal. El disco debut era más enfocado en organizar un híbrido de post-rock y post-metal, mientras que el nuevo repertorio que conforma “Tunnel Blanket” refleja un trabajo de ingeniería más refinado en las interacciones desarrolladas por los instrumentistas, lo cual significa que el grupo se tomó muy a pecho el manejo de las texturas en el arreglo y el transcurso de cada viaje sonoro particular. Podemos destacar de entrada el magnético diluvio neurótico de 'Little Smoke', el fulgor peculiar de 'Killed The Lord, Left For The New World' o la vibración introspectiva de la dupla que cierra el álbum - 'Black Dunes' y 'Powdered Hands' -, pero ante todo cabe destacar el derroche de ingenio sobre el cual se sostiene la consistencia del repertorio de este álbum.

Vayamos ahora a los detalles. ‘Little Smoke’ impone el tenor general del disco desde sus casi imperceptibles cortinas del inicio, proyectándose durante casi 3 minutos, antes que el vendaval de incendiaria nostalgia se imponga solemnemente sobre un compás lento que resulta mortuorio y motivador a la vez. Los últimos dos minutos conforman un momento de calma casi onírica tras la implacable explosión emocional que tuvo lugar de manera tan tétrica y majestuosa a la vez. 60% del MAUDLIN OF THE WELL de los dos primeros discos + 20% del RED SPAROWES de los dos primeros discos + 20% del MOGWAI del “Come On Die Young”. El siguiente cuarto de hora está ocupado por la dupla de ‘Glass Realms’ y ‘Communal Blood’: el primero de estos temas consiste en un soundscape masivamente minimalista donde el grupo renuncia a adentrarse en la oscuridad del cosmos para integrarse entre las sombras del yo interior, no menos inquietantes pero sí más intimistas; por su parte, el segundo encauza una dinamización para la constante densidad emocional que se refleja en la ideología sónica de la banda, dándole un aire más etéreo que en el tema de entrada a través de un reciclamiento más sutil del vigor generado por los combinados retazos de las dos guitarras y la efectiva vibración parsimoniosa de la dupla rítmica. ‘Reprise’ retoma la inquietantemente misteriosa vibración introspectiva de ‘Glass Realms’ adaptando su minimalismo esencial a una estructura sónica un poco más estructurada, aunque siempre manteniendo esa inapelable aura de oscura irrealidad que se hace presente en toda experimentación sonora que pretende hacerse eco de un viaje a los más oscuros recovecos de esa inescrutable caverna que solemos llamar “el yo”. ‘Killed The Lord, Left For The New World’ se hace debido eco de la densa calma y abandona la tensa sombra transmitidas por la pieza precedente, dando así un espacio para que la banda explore facetas más luminosas de su opción estética. Poco antes de llegar a la barrera del tercer minuto y medio, la asimilación de una cadencia marcial de parte de la batería y los ruidos de fondo de gente preparan el camino para lo que parece ser la anticipación de un momento de extroversión, pero en realidad se trata de una abrumadora capa sonora minimalista que manifiesta una majestuosidad quieta en sus propios límites, imponiéndose sin expandirse. Este inesperado para extrañamente colorido final de ‘Killed The Lord…’ se engarza con la breve pieza ‘Osario’, la cual coquetea abiertamente con la experimentación de concrete musique en el lenguaje del rock vanguardista – muy bien puede definirse como un híbrido entre el TANGERINE DREAM de “Phaedra” y el NEU! del tercer disco. Un factor muy común pero no siempre mencionado es que las áreas del post-rock y del post-metal guardan un relativo parentesco con las aventuras sónicas desarrolladas durante la edad de oro del krautrock… y en esta ocasión, esta observación se confirma con abundante claridad. ‘Osario’ opera no solo como una coda para ‘Killed The Lord…’ sino también como una apertura a la intensidad introspectiva de ‘Black Dunes’, una pieza donde el grupo articula una vez más su prístina habilidad para desarrollar bloques sonoros de intensidad contenida que resultan macizas y envolventes a la vez. 60% de PELICAN-con-ISIS + 40 % de GYBE! El tema de cierre, ‘Powdered Hand’, ahonda a su manera en el clima introspectivo trazado por ‘’ pronunciando la aureola espiritual hasta hacerla más cándida en líneas generales, a pesar de que el grupo se aferra a su gusto por crear una densidad sonora 100% genuina. El carácter adusto de la sonoridad instrumental de esta pieza, en conjunción con los soliloquios que cuelgan en el ambiente, hacen que el grupo se aproxime aún más a GYBE!, inmortal referente del post-rock más puro.

En conclusión, tenemos en “Tunnel Blanket” una apuesta por la revitalización de la vanguardia post-metalera a punta de magnificar el rol de las aristas más explícitamente atmosféricas del esquema sonoro de la banda: esto redunda en un interesante enriquecimiento en la elaboración de texturas y matices, un replanteamiento serio de lo que significa fuerza expresiva en el mundo musical de THIS WILL DESTROY YOU.


Muestras de “Tunnel Blanket”.-
Little Blood: http://www.youtube.com/watch?v=2fV9mXWMDqs
Killed The Lord, Left For The New World: http://www.youtube.com/watch?v=BDlxs__MeK4

Un nuevo oasis zeuhl de la mano de SCHERZOO

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión se trae a colación al ensamble francés SCHERZOO, un nuevo proyecto de vanguardia progresiva encauzado por el multi-instrumentista François Thollot, quien tiene varios años consagrado a una carrera solista como solvente multi-instrumentista amante de las tradiciones del zeuhl, el RIO y varias otras modalidades progresivas radicales emergidas de las áreas gala y continental en los 70s y 80s. Con su habilidad para crear ritmos complejos a la batería, no menor a su habilidad para generar sombrías armazones bien articuladas y sólidos efluvios sonoros con instrumentos de cuerda y teclado, Thollot ha gestado discos osados y contundentes como “Ceux d’En Façe” y “Contact”, editados ambos en 2002. Su personalidad inquieta le ha empujado a formar parte también de varios proyectos mientras iba desarrollando su propia trayectoria individual. En este proyecto específico, él se pone detrás de los tambores, bombos y platillos para formar parte de la dupla rítmica con el bajista Anthony Béard; François Mignot, Jérémy Van Quackebeke y Guillaume Lagache completan el ensamble haciéndose cargo de la guitarra, el teclado y el saxofón, respectivamente. Las coordenadas generales del estilo avanti-progresivo plasmado por SCHERZOO en éste, su disco debut “o1”, portan huellas de ESKATON y el ZAO de la etapa “Kawana”, añadiendo de su parte una dosis extra de fuerza expresiva que lo sitúa muy en línea con otros nombres contemporáneos del zeuhl francés como NEOM y SETNA, con el atenuante de que el enfoque abordado por SCHERZOO da preferencia a sonoridades un poco más adustas (y por tanto, menos etéreas) que las expuestas por los dos grupos antes mencionados. Algunos de los temas de este disco debut de SCHERZOO son versiones nuevas de temas originalmente aparecidos en “Ceux d’En Façe”: el asunto ahora es darles un vigor nuevo a partir de un formato grupal constante.

‘Enilek’ ocupa los primeros 8 minutos y pico del álbum, ofreciendo desde ya una descarga grupal sin mayores preámbulos ni tanteos, de frente encarando la situación con una armazón rítmica efectiva y un saxo que no demora ni 5 segundos en desarrollar fraseos neuróticos: poco después de pasada la barrera de los 2 minutos y medio, se inicia un interludio sereno y sutilmente sombrío antes de que el ensamble en pleno retome el motivo inicial y explore su potencial hacia niveles más elevados de vitalidad y fiereza. La idea temática se completa con un nuevo interludio y una breve coda explosiva; así, tenemos que la pieza dio dos vueltas sobre su propio eje para asentarse de una forma lo suficientemente llamativa como para causar un impacto contundente al inicio del repertorio. ‘Douz’ sigue a continuación para seguir explorando las vías iniciadas por el primer tema y generar desde ellas senderos más sofisticados en los que el ímpetu se maneja con creciente esplendor. Aparte de la siempre destacada labor del saxo, vale destacar el determinante despliegue de las líneas de bajo a la hora de sostener los pasajes de ambientación más contenida, un bajo muy genuinamente crimsoniano. En general, esta pieza encarna un punto culminante del disco. ‘L’an 01’ tiene un esquema un poco más firme que los dos temas que le precedieron, asentándose sobre una consistente cadencia jazzera que reafirma inconfundiblemente el nexo con el legado de ESKATON, mientras que las influencias de RETURN TO FORVERE y FRANK ZAPPA se filtran de alguna manera. ‘Béba’ mantiene una prestancia de elegante robustez sónica que en buena medida recibe las vibraciones de ‘Enilek’ y ‘Douz’, inclinándose así por enfatizar muchas de las ambientaciones más densas que se habían expuesto en éstas. Por su parte, ‘Ceux d’En Façe’ se orienta principalmente hacia el armado y la preservación de un swing llamativo, lo cual la emparenta con ‘L’an 01’ hasta cierto punto: en comparación, esta pieza resulta menos extrovertida, y por ende, más afiliada a la exquisita neurosis musical que ha venido marcando los mayores recovecos instrumentales generados por el ensamble. Con todo, no deja de ser una pieza mayormente amable. ‘Voyage Au Bout De La Nuit’ es la pieza encargada de ocupar los últimos 19 minutos del álbum. Sus primeros minutos se centran en reiterar el factor jazzero del grupo aunque dejando en claro su solvente ligazón con las herencias del zeuhl clásico. Las florituras arabescas del saxo que marcan el motivo más recurrente plasman un aura extrovertida bastante atractiva. A poco de pasada la barrera del quinto minuto y medio, pasamos a una sección misteriosa donde los espartanos acordes de piano eléctrico y las líneas del bajo establecen la base para la atmósfera engañosamente cansina en curso, aunque en realidad se trata de un momento de tensión parcialmente contenida: los cósmicos efectos de sintetizador en el trasfondo y los torturados vuelos del saxo dan plena constancia de la energía patente que escoge parajes un tanto rebuscados para dibujar su manifestación. Lo que sucede a partir del décimo minuto es el ingreso de una ilustre demostración de matices crimsonianos coloreados con brochazos canterburianos oportunamente curtidos para la ocasión, no muy larga pero sí con bastante carácter como para provocar la gestación de un bien logrado contraste con el grisáceo pasaje calmado que le sucede. Así pues, a pocos segundos de pasado el cuarto de hora, la banda regresa a momentos expansiva extroversión, generando destellos de neurosis inteligentemente marcados para no sobrecargarse, lo cual facilita la ingeniería del tránsito hacia el pasaje final.

   

He aquí un retrato global y razonablemente pormenorizado de la dinámica musical de SCHERZOO, su opción estética en pos de la reavivación de una tradición específica, su manera de generar una propuesta ágil y consistentemente expresiva para la vanguardia progresiva de nuestros días: “01” será un disco a tener muy en cuenta cuando llegue la hora de hacer un balance general de la música progresiva hecha en 2011.


Muestras de “01”.-
Douz: http://www.youtube.com/watch?v=7PWxF5fm8hI
L’an 01: http://www.youtube.com/watch?v=8eGbFH9PqFY
Ceux d’En Façe: http://www.myspace.com/scherzoooo/music/songs/05-ceux-d-39-en-fa-e-78851061

El bautizo llameante de ÁRBOL DE FUEGO

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Con la presente traemos a colación a la banda peruana ÁRBOL DE FUEGO, un trío que apuesta por una revitalización ecléctica de los dialectos más pesados del rock, creando con sus potentes guitarreos y su sólida base rítmica una hibridización de rock duro clásico, metal alternativo, grunge, prog-metal y el rock psicodélico de vieja escuela. Este power-trío conformado por Jorge Pintado (guitarras y voz), Miguel Rodríguez (batería, percusión y coros) y Pedro Campos (bajo) ha pasado por varios años de maduración y afianzamiento de su sonido desde su fundación en El Callao, además de ciertos cambios de formación, hasta llegar al momento final de la edición de su disco debut “Numen” en marzo de 2011. La bellísima imagen que engalana la portada, a cargo del talentoso artista gráfico Eduardo Colmenares, añade un toque extra de distinción a la música contenida en este disco.

El tema de entrada ‘Ateo’ pone toda la carne en el asador desde un inicio: rock fiero y potente que electriza sin faltar al uso de matices y variantes interesantes que se insertan fluidamente en medio de la implacable ráfaga sónica. Un poco más adelante, ‘Umbral’ (el single del álbum) reitera este fuego contundentemente, al modo de un FAITH NO MORE del “King For A Day” mezclado con el DREAM THEATER del “Awake”. En medio de ambas canciones, ‘Cliché’ procura realzar recursos de sofisticación rítmica con cadencias cuasi-tropicales a fin de dinamizar la “ley del rock” de una manera diferente. También en la quinta canción ‘Ven’ notamos que estas inquietudes de la banda por investigar vías se plasman de una forma imaginativa, logrando crear una polenta rockera tan contundente como colorida: un momento de lucimiento que cabe destacar como uno de los puntos álgidos de “Numen”. ‘Pasado’ nos devuelve justamente a tiempos pasados cuando URIAH HEEP y LED ZEPPELIN soberbiamente elaboraban contundentes ideas rockeras en tempos contenidos, aunque ÁRBOL DE FUEGO le da un ligero toque grunge al asunto para evitar sonar “descaradamente” retro. ‘Ocaso’ también engloba una actitud bastante interesante, alternando mudanzas suaves marcadas por sutiles matices jazzeros con estribillos alimentados de energía rockera, mientras el esquema global de la canción se nutre de la preservación de su consistencia melódica: otro punto álgido del disco. Con sus casi 6 minutos de duración, ‘Verdugo’ resulta la pieza más extensa del disco, situación que ÁRBOL DE FUEGO aprovecha para explorar con mayor laxitud su sensibilidad, para que acto seguido, ‘Irreal’ exhiba un llamativo viaje heavy directo al punto. ‘Locura’ completa el repertorio del disco con un cierto aligeramiento de la polenta en nombre del afianzamiento del factor grunge, un poco a lo ALICE IN CHAINS con STP (atención a la coda semi-bluesera que emerge segundos después de la última nota).

Este bautizo de ÁRBOL DE FUEGO ha dado un buen resultado que se refleja en la diversidad de recursos rockeros que se congregan y armonizan a lo largo del repertorio de “Numen”: sin duda, este trío está marcando convincentemente nuevas áreas de exploraciones sonoras dentro de la escena metalera peruana.


Muestras de “Numen”.-
Umbral: http://www.myspace.com/arboldefuego/music/songs/umbral-80187708
Ven (en vivo): http://www.youtube.com/watch?v=poNAAjg09Ck
Ocaso (en vivo): http://www.youtube.com/watch?v=O545CxWuZoY

SANHEDRIN - esta asamblea de sabios progresivos israelíes crea uno de los mejores discos sinfónicos del año

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Hoy es el día de traer a colación a un grupo que promete ser especialmente importante para el estado de cosas del prog sinfónico en el año 2011: SANHEDRIN, banda instrumental forjada en la ciudad israelí de Tel-Aviv. Israel es un país que ya nos ha brindado otros excelentes ítems progresivos como SYMPOZION, TRESPASS, THE ASHQELON QUILT y EGGROLL (por nombrar solo algunos) en lo que va del nuevo milenio: en el caso específico de SANHEDRIN, es muy probable que su disco “Ever After” sea considerado como una de las propuestas más brillantes de la vertiente sinfónica del género progresivo de este año a medida que los conocedores y coleccionistas lo vayan conociendo en cantidades crecientes. No es para menos, y es que este disco recoge una serie de inspirados ejercicios de sinfonismo afianzado en varias de las coordenadas más clásicas y consistentes del periodo clásico del género progresivo, insuflándoles una enérgica revitalización a punta de crear ideas melódicas atractivas que se suceden una tras otra, tanto dentro de cada tema como yendo de un tema a otro. Las dosis de eficiencia de cada músico individual y sensibilidad en las interacciones mutuas son prácticamente inmensurables. El grupo saca buen provecho de su esquema de trabajo, con una guitarra que sabe lucir sus solos y demás encantos varios sin negar espacios a las orquestaciones y ornamentos aportadas por el teclado, y mucho menos a la flauta, que a pesar de su inherente delicadeza sabe hacerse notar sólidamente en medio del bien nutrido entramado instrumental. Influencias como las de CAMEL, el PINK FLOYD estilizado de la época 73-77, GENESIS, el sinfonismo italiano de vieja escuela y más recientes generaciones, e incluso algunos ocasionales registros inspirados en JETHRO TULL y CARAVAN, conforman las bases para esta primera definición del magnífico sonido de este grupo.

La obertura del disco, que se titula precisamente ‘Overture’, establece un ágil motivo en 11/8 que se ajusta muy bien a un patrón compartido entre los estándares respectivos del CAMEL de “Moon Madness” y el GENESIS de “A Trick Of The Tail”. De esta manera se abre camino para ‘Il Tredici’, una pieza cuya duración de 11 ¾ minutos la hace fundamental para establecer el ambiente general del repertorio integral. ‘Il Tredici’: el tema comienza con un motivo recurrente en 13/8 donde se desarrolla un colorido extrovertido, para luego virar hacia un motivo lento de corte floydiano-cameliano marcado por una lírica solemnidad, el mismo que termina con un tenor claroscuro afín a varios referentes del sinfonismo italiano 70ero; después de esto, un nuevo motivo ceremonioso e intrigante retoma el compás de 13/8 en clave lenta, aunque esta vez se advierte una ambientación un poco más grisácea en su desarrollo, una sensación que se sostiene durante un tiempo considerable antes de que la coda ofrezca un pasaje cálido para cerrar el momento al modo de un inesperado brillo de sol. ‘Dark Age’ sigue a continuación, con una estupenda introducción que nos hace remontarnos al tiempo de la joya tulliana “Songs From the Wood”, para luego instaurar un nuevo ejemplo de sofisticación progresiva tan ligado a la exquisitez suprema de BMS como al dinamismo estilizado de IL CASTELLO DI ATLANTE o MALIBRAN, amén de algunos ejercicios de densidad a lo KING CRIMSON que entran a tallar para inocular algo de neurosis al asunto antes del pasaje final. ‘The Guillotine’ recupera buena parte de la solemnidad de ‘Il Tredici’, aunque no se queda solo en eso pues desarrolla también espacios más filudos que permiten a la guitarra crear una mayor presencia de sí en algunos pasajes: en todo caso, queda claro que la labor del teclista es la fundamental a la hora de hilar los diversos motivos.

‘Timepiece’ se focaliza en sonoridades coquetas dentro de un esquema melódico bien definido, y es en esta ocasión que el grupo se permite incursionar en pasajes jazzeros que guardan cercana relación con CARAVAN, lo cual se engarza de las mil maravillas con el tono predominantemente cameliano con que el grupo elabora la estructura melódica del motivo central. ‘Sobriety’ nos hace retornar a aires pastorales célticos, esta vez combinando la aureola tulliana que antes se había hecho presente en el inicio de ‘Dark Age’ con el candor del PFM de la mejor época, aunque no tarda en reinsertarse una vez más el aspecto cameliano, (impregnado una vez más) de ciertos aromas floydianos en ciertos momentos. Grupos brasileños como QUATERNA RÉQUIEM, DOGMA o INDEX también han seguido pautas similares dentro del sinfonismo de las últimas dos décadas. ‘Tema’ es una breve pieza a doble guitarra clásica de inspiración barroca donde las florituras suenan muy a lo Steve Howe: funciona como un interesante puente de cristalino relax entre la exultante elegancia de ‘Sobriety’ y la majestuosa pomposidad de ‘Steam’, pieza que tiene a su cargo culminar la arquitectura del disco con una electrizante recapitulación de las mejores cualidades melódicas que ya se han hecho presentes en varios momentos anteriores del repertorio. En efecto, ‘Steam’ recoge motivos ágiles ligeramente tocados por un tenor juglaresco, un motivo lento repleto de solemne espiritualidad, y cómo no, algunos pasajes un poco más agresivos que persisten en coquetear con el elemento crimsoniano; la locación de éstos al final permiten generar un clímax muy adecuado para culminar la experiencia de “Ever After”.

 

SANHEDRIN es un grupo bastante sorprendente en cuanto al nivel de madurez que muestra como banda desde esta primera instancia fonográfica: sin duda que el aprendizaje asimilado durante sus años como banda de covers de CAMEL (desde fines de los 90s) ha sido tremendamente inspirativo para la banda a la hora de generar sus propias ideas, a despecho de la inconstancia de su formación desde sus primeros días de exsistencia. ¡¡Recomendable al 100%!!


Muestras de “Ever After”.-
Dark Age: http://www.youtube.com/watch?v=Kge3THkTskY
The Guillotine: http://www.youtube.com/watch?v=6dnUayNdCYE
Steam: http://www.youtube.com/watch?v=aREyNI6H2g8


[Un agradecimiento a especial a Marcelo Calderón, quien me permitió descubrir este disco que es uno de mis favoritos máximos del año 2011 - a él dedico esta reseña]

BATTLES da nuevo lustre a su sonido y saca nuevo brillo al rock experimental

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión traemos a colación BATTLES, banda que se formó principalmente como un vehículo para la comunión en torno a novedosos experimentos sónicos dentro del rock vanguardista que se desarrolla actualmente en varias áreas underground de los EE.UU. Uno de los principales motores de esta extravagante maquinaria rockera es Ian Williams, uno de los forjadores del estándar math-rockero de DON CABALLERO; otro es Tyondai Braxton, creativo y versátil músico solista que se sentía plenamente dispuesto a operar dentro de un contexto grupal, a la vez que asume el rol de frontman. Junto a Dave Konopka (ex-miembro de LYNX, una efímera pero brillante leyenda del math-rock del nuevo milenio) y John Stanier (baterista mayormente vinculado al metal alternativo 90ero desde sus días en HELMET), el cuarteto se completa y define un sólido álbum debut titulado “Mirrored” en 2007. Con su replanteamiento del discurso math-rockero por vía de la sólida inclusión de elementos inspirados en paradigmas tan diversos como el rock industrial, el prog-metal, el krautrock, el rock-fusión y el minimalismo electrónico, BATTLES llamó ciertamente la atención del público amante del rock más aventurero. Cuatro años más tarde, ya sin Braxton como miembro, BATTLES reemerge con un nuevo disco titulado “Gloss Drop”, signado por la brillantez creativa y la valiente exploración de renovadores sonidos y ornamentos. Para el puñado de temas cantados, BATTLES recurre a ocasionales invitados de lujo… ¡incluyendo a una venerable gloria de la vanguardia pop británica como Gary Numan!

La juerga comienza con ‘Africastle’, pieza que comienza con un dinámico cuadro de lisérgicos brochazos de guitarras procesadas, armando así por un espacio de 2 minutos pico un ejercicio de psicodelia ágil articulada en torno a un compás traviesamente fusionesco, claramente orientado hacia cadencias latinas. Luego, a poco de pasada la barrera de los 3 minutos y medio, la pieza vira hacia un motivo un poco más grisáceo, aunque sin perder para nada la conexión con la amalgama de space-rock y fusión que se había manejado en un inicio. La coda es una exploración de cálidos climas electrónicos que completa el colorido sónico reinante. Sigue a continuación ‘Ice Cream’, el tema escogido para sobresalir en la promoción del nuevo disco: contando con el chileno, Matías Aguayo como cantante ocasional, el trío de BATTLES se explaya en un simpático ejercicio de rock “electrificado” sobre la base de un compás inspirado en el estereotípicamente tropical calipso. Este enfoque tan osado y a la vez divertido del lado más ameno del rock se engarza con ‘Futura’, pieza que destila un innegable aire kraut, al modo de un fondo musical para una fiesta de máquinas que adquirieron vida animada por arte de magia: el elemento tropical en la base rítmica sigue presente a la hora de organizar el bloque sonoro del trío de una forma compacta. ‘Inchworm’ no modifica mucho el estado de la cuestión, pero sí se nota que las intervenciones de los efectos y demás artilugios de las guitarras están focalizadas en realzar la pauta rítmica de la pieza: o sea, que la dinámica extrovertida en curso adopta un aire un poco más abstracto que en ‘Futura’. ‘Wall Street’ emerge desde un lugar diferente a la hora de exhibir su aporte al clima general del disco: la batería se hace más frenética mientras que la instrumentación se hace más robusta, definitivamente acrecentando su filo psicodélico, e incorporando variantes lúdicas que tienen algo de ZAPPA y también algo de FANTÖMAS (una versión más calmada), así como una conclusión electrónica que hubiese muy bien podido de salir de alguna cosecha de KRAFTWERK o CLUSTER. Así las cosas, resulta oportuna la presencia de este nuevo invitado llamado Gary Numan para la canción ‘My Machines’: en efecto, quien fuera el rey del tecno británico en la escena pop británica de los primeros 80s aporta su canto para esta pieza signada por un compás razonablemente machacante y un paisaje sónico muy tirado hacia lo industrial. Se me vienen a la mente imágenes del OMD pre-“Dazzle Ships” y D.A.F. mezcladas con retazos de NINE INCH NAILS y SONIC YOUTH. A continuación sigue la secuencia de ‘Dominican Fade’ y ‘Sweetie and Shag’: el primero es prácticamente un breve recuento de las aureolas sonoras plasmadas anteriormente en ‘Futura’ e ‘Inchworm’, mientras que el segundo hace un breve viraje a climas experimentales al modo de una versión NEU!-izada de Laurie Anderson (el registro que emplea Kazu Makino, líder de BLONDE REDHEAD, es vital para producir este efecto).

Todavía quedan 17 minutos y pico para que concluya el disco, y es en este punto que la dupla de ‘Toddler’ y ‘Rolls Bayce’ instaura un viaje electrónico sublime que comienza de forma calma y puntillosamente minimalista para luego girar hacia una ambientación más extrovertida, nada ajena a las cadencias rítmicas de inspiración tropical que ya se han hecho presentes en varias instancias del disco, algo así como un ‘Ananas Symphonie’ reciclado por un combinado armado por músicos de CAN y TORTOISE bajo la dirección artística de Brian Eno. ‘White Electric’ se impulsa desde el ejercicio de gallardía electrónica precedente y lo trastoca en un alucinado juego de matices casi robóticos de guitarra sobre una compostura rítmica muy típica del math-rock, creando así un crescendo mágico que a poco de pasada la barrera de los 3 minutos deja irrumpir un despliegue muscular de psicodelia pesada poderosamente adornada con retazos de corte space-rock. La coda expresa un momento de puro relax basado en destellos minimalistas de la guitarra procesada. La canción que cierra el disco es ‘Sundome’, la cual incluye como colaborador al versátil cantante japonés Yamantaka Eye; la canción suena a un tributo simultáneo al CAN de “Future Days” y a la YELLOW MAGIC ORCHESTRA en clave de “white reggae” mezclado con funky. Este cierre tan flagrantemente dadaísta es más que lógico para un disco como “Gloss Drop”, excéntrico igual que divertido, alegre igual que osado, vivaz igual que inescrutable

Como conclusión, BATTLES reafirma exitosamente su deseo de instaurarse como un mundo único dentro del gran universo de la vanguardia rockera de su país. En comparación con “Mirrored”, “Battles” refleja un viraje hacia el predominio de las facetas más extrovertidas de la banda, resultando así un muestrario musical más alegre y vibrante, menos denso – en pocas palabras, diferente pero igualmente fiel al deseo de renovar el escenario rockero de nuestros días.

Muestras de “Gloss Drop”.-
Ice Cream: http://www.youtube.com/watch?v=fAbc5yhbBFQ
Futura: http://www.youtube.com/watch?v=uh9xdJjctig
White Electric: http://www.youtube.com/watch?v=XgRSLEc2C64

Una nueva acción de DAAL reconstruye el lenguaje actual del rock progresivo

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

El dúo italiano DAAL vuelve a las andadas con su particular manera de replantear y reavivar la vibrante lógica del eclecticismo, esencial en el género progresivo, para la escena actual del susodicho género: la nueva afirmación de su propuesta musical se titula “Destruktive Actions Affect Livings”. Dicha propuesta retoma y reaviva la visión musical compartida por el teclista Alfio Costa y el baterista/percusionista Davide Guidone, plasmada por primera vez en “Disorganicorigami” un par de años atrás. Una peculiaridad especial de este disco es que hay una edición limitada del mismo con un disco extra, un disco adicional titulado “Echoes Of The Falling Stars”, el cual queda constado como tercer disco oficial de la banda: las ganancias pro las ventas de este formato doble irán directamente a Peter Pan, una fundación que apoya a los niños con cáncer (www.peterpan.it). Aquí comentaremos solamente la versión “normal” de “Destruktive Actions Affect Livings”.

La secuencia de las canciones ‘Redroom’ y la desafiantemente titulada ‘AnarChrist’ abre el disco con una espectacular combinación de polenta y exquisitez. ‘Redroom’ suena como un híbrido de la banda sonora de “Eraserhead” y los estilizados vuelos lisérgicos que TANGERINE DREAM proyectó en su suite ‘Phaedra’, todo ello dentro de los restringidos confines de un prólogo de 2 ½ minutos; acto seguido, ‘AnarChrist’ emerge como un notable ejercicio de chamber-rock electrónico mezclado con dinámicas estructuras de base kraut, aires sinfónicos oscuros (casi escandinavos) y dejes crimsonianos, resaltando el aura cibernética motivada por el rol protagónico de los sintetizadores. ‘Noises From An Interlude’ comienza con ruidos de pasos y una puerta que se abre, y lo que sucede al abrirse la puerta es un juego caótico de ambientes lúdicos que se explayan en lo psicodélico de una manera más “domesticada”, un juego que concluye con el cierre de la puerta; de este modo se prepara el camino para ‘Level 6666’, pieza que se complace en desarrollar una atmósfera sinfónico-psicodélica no exenta de colores exóticos de raigambre arabesca, y también absorta en sutiles ambientes tenebrosos que pueden hacernos evocar un poco a GOBLIN. ‘The Dance Of The Drastic Navels, Part II’ es un intense viaje musical de casi 17 minutos de duración que prosigue por la senda la suite que ocupaba el centro del disco predecesor “Disorganicorigami”. La solemnidad contemplativa reina en el desarrollo de la pieza, a lo cual ayuda mucho el cálido canto del bajista invitado Guglielmo Mariotti; los adornos percusivos y los variados ornamentos delineados por los sintetizadores enriquecen de forma relevante, que no ostentosa, la sencilla base armónica sobre la cual se sostiene la composición. En la frontera del séptimo minuto se va gestando una “revolución interna” dentro de la arquitectura de capas y loops sintetizados, lo cual lleva al bloque instrumental a derivar en un sólido ejercicio de space-rock poco antes de llegar al octavo minuto y medio. Este ejercicio parece una idea abandonada por el HAWKWIND de “Hall Of The Mountain Grill” que fue rescatada y remodelada por una asociación de dos músicos del TD clásico, un teclista de OZRIC TENTACLES y Nick Mason, todos unidos en la misión de llegar pronto a un breve pasaje descoyuntado, con un filo aleatorio “estratégicamente anti-climático”. Así se abre un viraje hacia un motivo que oscila entre lo psicodélico y lo sinfónico, alternando pasajes de carácter clásicamente armónico con interludios disonantes que aluden a una grisácea inquietud. En los últimos dos minutos y pico, el esquema sonoro pasa a asentarse sobre ambientes reposados donde la serenidad y la sensación de estar perdido en medio de algo misterioso parecen fundirse con impoluta fluidez.

Parece como si con ‘The Dance Of The Drastic Navels, Part II’ el disco hubiera llegado a la culminación de una sección y el anuncio de una posterior: al menos, eso es lo que se puede deducir del modo en que ‘Cry-Hologenic’ recoge ese aire de reposado misterio que marcaba las últimas instancias de la suite previa, transformándolo en un etéreo viaje abstracto donde la dialéctica minimalista compartida por los casi cinematográficos ambientes de los teclados y la batería suavemente tribal refleja el poder impersonal de la tecnología como forjador de una realidad que se impone a lo largo de todo el orbe. ‘Aglatarium’ refleja recién la primera aparición del elemento jazzero a la cual la dupla de Costa y Guidoni nunca ha sido ajena: a pesar de su inherente melancolía crepuscular, esta pieza parece celebrar los colores sobrios de la placidez y la sencillez, colores intimistas que brillan sin cegar, indiferentes a la opresión mecanicista retratada en piezas anteriores. Pero... ¿qué es eso que surge poco antes del tercer minuto y medio? – un giro radical aunque bien conectado hacia un fastuoso interludio que tiene algo de floydiano y de vandegraffiano, no precisamente extenso pero ejerciendo el suficiente impacto como para manchar de invisible densidad el reposado bosquejo introspectivo dibujado por los sobrios fraseos de piano en el cierre. La pieza homónima, que ocupa un espacio de 10 minutos, tiene una primera mitad focalizada en surrealistas climas electrónicos que exudan por todos sus poros aromas y esencias krautrockeras: el CLUSTER de los primeros discos, el aura espiritual de YATHA SIDHRA y el primer POPOLO VUH, además de algunos delineamientos inescrutables al estilo del VANGELIS de “Beauborg”, son exorcizados fehacientemente en los climas sónicos que van flotando como destellos inalcanzables de pulsares. Después de pasada la barrera de los 5 minutos, el dúo se reorganiza para comenzar con un paseo por los terrenos del jazz industrial y terminar con un jam space-rockero marcado por una controlada agilidad. La clausura del disco llega con ‘Memories Of Old Pictures’, pieza muy atmosférica que está mayormente estructurada en torno a un hermoso motivo de piano que viene oportunamente aumentado por lánguidas orquestaciones de teclado en el trasfondo y serenas florituras jazzeras de saxo que salen más al frente; una extravagancia final del disco, al más puro estilo DAAL, es la inclusión de un interludio cósmico-electrónico que parece inspirado en el TD de la etapa de “Logos” y “Hyperborea”, antes de que el motivo de piano inicial imponga una actitud reflexiva para los instantes finales del disco.

Como balance general, cabe indicar que “Destruktive Actions Affect Livings” encarna una oferta sónica más focalizada que la presente en el impresionante disco debut “Disorganicorigami”. Mostrando aún la fidelidad a las diversas coordenadas estilísticas que esta energética dupla de Costa y Guidone convierte en ingredientes perfectamente integrados en un esquema sonoro dinámico y sorprendente, se nota que este nuevo disco se ha armado bajo un plan arquitectónico más compacto – las mismas cualidades bajo una luz más diáfana y una iluminación más ordenada. DAAL se mantiene, entonces, como una voz única dentro de la amalgama de variantes musicales progresivas que sigue existiendo y persistiendo en Italia.


Muestras de “Destruktive Actions Affect Livings”.-
Anarchrist: http://www.youtube.com/watch?v=getqGlordM4
Level 6666: http://www.youtube.com/watch?v=Q91R4gF-GYg
Memories Of Old Pictures: http://www.youtube.com/watch?v=ItWcqUS45Gw


[Dedico esta reseña a mi amigo progresivo Alfredo Rojas, el hombre de la magia digital]