LOS JAIVAS y el 30mo. aniversario de "Alturas De Macchu Picchu"

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es momento de rememorar un legado del Perú precolombino en conjunción con un legado de la vanguardia musical sudamericana: me refiero a esa maravilla fusión-progresiva que es “Alturas De Macchu Picchu” de LOS JAIVAS.

Este disco es más que el disco en sí: de hecho, el productor peruano Daniel Camino tuvo la idea de que se compusiera una cantata musical latinoamericana con las letras del poema de 12 partes (Cantos) “Alturas de Macchu Picchu”, el cual era a su vez parte del poemario Canto General (originalmente publicado en 1950). Una cantata con música de LOS JAIVAS, que para entonces ya era una leyenda viviente de la fusión latinoamericana moderna, y que incluyera la presencia vocal de figuras trascendentales del folklore sudamericano como Mercedes Sosa y Chabuca Granda. También habría un documental de dicha obra con narraciones de Mario Vargas Llosa y el imponente marco de las propias ruinas de Machu Picchu, no solo como paisaje sino como co-protagonista de esta mezcla de poesía y música. A fin de discutir el proyecto, viajó a Francia para plantear esta idea al grupo chileno – entonces todavía un sexteto con los hermanos Claudio, Eduardo y Gabriel Parra, Gato Alquinta, Alberto Ledo y el reincorporado Mario Mutis) –, siendo así que el colectivo se sintió simultáneamente honrado y abrumado por el rol que le ocupaba llenar en esta idea, por lo que la inacción fue la primera reacción que tuvo el sexteto. Bien es verdad que la agenda de LOS JAIVAS también tenía algunos llenos con su afinamiento del repertorio de versiones renovadas de clásicos de Violeta Parra (posteriormente registrados en otra monumental obra, “Obras De Violeta Parra”, en el año 1984), una gira europea en ciernes, pero se destaca esa mezcla de concentración mental en esa grandiosa idea “aún en el aire” y un no saber qué hacer, cómo empezar siquiera a componer las primeras notas para este proyecto. Pronto se dio la situación en que Alberto Ledo dejó la banda para mudarse a los Estados Unidos y proseguir con nuevas aventuras musicales, no sin antes dejar un regalo al quinteto remanente: una breve pieza instrumental donde él tocaba todos los instrumentos andinos de viento y percusión (zampoña, trompe, trutruca, bombo legüero y cascabeles). En medio de las insistencias (ora entusiastas, ora enojadas) del Sr. Camino, Eduardo captó el carácter etéreo de esta breve pieza de despedida de Alberto como evocador de las primeras palabras del poema de Neruda… ¡y así quedó bautizada como ‘Del Aire Al Aire’ para abrir el disco! Esta decisión sirvió finalmente como espaldarazo intelectual y estético para que la inspiración se disparara en un impulso para crear un repertorio lo suficientemente amplio como para llenar un vinilo entero. Habiendo coqueteado brevemente con la idea de hacer un repertorio íntegramente instrumental que “retratara” las diversas imágenes y simbolismo del poema nerudiano, finalmente el grupo se decidió por utilizar algunos versos como letras cantadas. Hay canciones como ‘Amor Americano’ y ‘Sube A Nacer Conmigo, Hermano’ donde la presencia vocal es abundante, mientras que es muy parca en ‘Antigua América’ (solo recoge tres líneas), y por su parte, resulta estratégicamente repartida en ‘La Poderosa Muerte’, dando pie a que las épicas secciones instrumentales se luzcan con su brillo propio. En el caso de esta última canción que mencionamos, resulta curioso que ninguna línea del verso donde se menciona el título se plasmó en la letra. El resultado final de toda esta labor de inspiración musical y reconstrucción poética se plasmó en sesiones de grabación que se repartieron entre París y Colonia de junio a agosto de 1981.

Si bien el proyecto musical se plasmó en una obra de suprema calidad, quedó como “deuda pendiente” el que no se concretara la presencia vocal de Mercedes Sosa y Chabuca Granda, pero de todas maneras, el documental se hizo. Con la co-producción del Canal 13 de Chile y RTP del Perú, LOS JAIVAS filmaron en setiembre del mismo año 1981 un playback del repertorio entero del álbum en medio de las ruinas, contando además con la presencia del notable escritor peruano Mario Vargas Llosa como presentador y comentador de la obra de Neruda: la primera emisión del documental, dirigido por Reynaldo Sepúlveda, tuvo lugar el 8 de octubre siguiente. En 2004, dentro del contexto del centenario del nacimiento de Pablo Neruda, este documental se re-editó en DVD, incluyendo extras como una entrevista extensiva a los sobrevivientes de aquella formación, un “detrás de cámaras” del documental y el vídeo-clip de la canción ‘Águila Sideral’.

Todo esto tuvo lugar hace 30 años, y la formación actual de LOS JAIVAS (Mario, Claudio, Juanita Parra, Ankatu Alquinta, Carlos Cabezas y Francisco Bosco) se tomó muy a pecho este 30mo. aniversario, programando un tour mundial llamado “A 30 años de la creación de la obra musical Alturas de Macchu Picchu”. El concierto que dio inicio a la gira tuvo lugar el domingo 17 de abril en el Teatro Nescafé de las Artes en Providencia, contando con un conveniente preludio en su participación en el festival de Viña del Mar a fines de febrero. Más adelante, la gira llevará al grupo por escenarios latinoamericanos, estadounidenses y europeos (Italia, Noruega, Suecia, Alemania), incluyendo una participación en el Festival Cervantino en México (uno de los festivales más importantes de habla hispana), y cómo no, a la misma ciudadela cusqueña. El sueño de tocar realmente en vivo en las ruinas que motivaron el proyecto se concretó por fin el día 7 de julio, en medio de las celebraciones del centenario del “descubrimiento científico” de Machu Picchu. Un plus especial fue que Eduardo Parra (actualmente retirado de la escena musical) se reunió con sus compinches en esta ocasión especial, la cual se extendió hasta una actuación en un festival en la ciudad de Cusco al día siguiente y otra el domingo 10 de julio en la capital peruana de Lima, como glorioso cierre del Festival Todos Juntos.

Llegó el momento de concentrarnos en un repaso del disco en cuestión. Tal como mencionamos anteriormente, ‘Del Aire Al Aire’ es una composición de Alberto Ledo que abre el disco, marcada por una enigmática confluencia entre vientos andinos y efectos de percusión y brisa en las montañas. Apenas concluido este preludio, el quinteto desarrolla una de las composiciones más épicas de toda su historia: ‘La Poderosa Muerte’. Durando poco más de 11 minutos, la ilación de sus diversos motivos se explaya de manera cohesiva, mostrando plenamente el exquisito acoplamiento de los músicos. Hay una extensa introducción marcada sucesivamente por la trutruca (el llamado de la muerte), el piano y la quena, con una primera sección cantada que abre la puerta para la instalación del primer motivo. Para el momento en que la dupla rítmica se va asentando y el Mini-Moog teje ornamentos efectivos y diversos, nos preparamos para un pasaje psicodélico intenso y mágico, cuyo cénit se concretiza en el solo de guitarra. De ahí sigue una diablada rockera donde la magia precedente se vuelve más contenida y también más solemne, aprovechando su cadencia casi marcial. La tercera y última sección cantada se focaliza en un ritmo de cueca, con un Gato que apasionadamente nos transmite la ceremonia de las miles de muertes individuales que subyacen a la inmortalidad pétrea del Machu Picchu. No hay modo en que esta pieza no termine sino con una coda monumental, y ésta llega perfectamente triangulada por la batería, el bajo y el Mini-Moog, una amalgama poderosamente orquestada que recibe oportunos aportes de parte de los retazos flotantes de la trutruca y la guitarra, en camino directo hacia el estruendo final. ¡Magnífico! ¡Imponente! ‘Amor Americano’ sigue a continuación, mostrando un fulgor colorido y vitalista que viene bien después de la pieza precedente, como simbolizando la pura luz de un nuevo amanecer. Construido al ritmo de Huaylas, con una combinación de precisión y vigor, Mutis y el Gato intercambian sus respectivos roles de guitarrista y bajista: valgan verdades, o por lo menos, lo que es mi apreciación estrictamente personal, Mutis porta un estilo más pulcro y ágil a la guitarra, aunque para nada quiero desestimar a ninguno de los músicos de LOS JAIVAS.

Si ‘Amor Americano’ puede verse como manifiesto de la alegría que traen el nuevo amanecer y el nuevo día, ‘Águila Sideral’ puede a su vez verse como un momento de relax vespertino: su tenor reflexivamente evocativo se acomoda muy bien al ritmo de cueca lenta sobre el cual se articulan la instrumentación y el canto del Gato. Sin duda que el fino ropaje psicodélico-progresivo que atraviesa esta canción resulta convenientemente ornamentado por las ensoñadoras florituras de piano a cargo de Claudio y los impresionantes adornos del bajo que continuamente va hilando Mutis con su habitual destreza, sin olvidar ese recurrente eco de la tarola de Gabriel. ‘Antigua América’ recupera el acento majestuoso que ya se había hecho magníficamente presente en ‘La Poderosa Muerte’, aunque esta vez en un formato menos extenso; de todas maneras, la muy parca sección cantada permite que se dé amplio espacio a los viajes instrumentales, muy fieles ellos a las pretensiones de complejidad sofisticada propias del rock progresivo. Tras una introducción armada sobre un diálogo de zampoña y quena, el piano de Claudio establece una segunda introducción a partir del cual emerge el motivo central, el cual se asienta muy bien en la armazón de batería, guitarra, bajo y teclados varios (además de la ocasional reaparición de vientos andinos). Una idea muy peculiar, y a la vez efectiva, es la aparición de un interludio de clave, muy señorial, muy conectado con la imaginería del Cusco colonial. La última canción propiamente dicha se aparta de alusiones andinas y se remonta hacia el joropo venezolano: nos referimos a ‘Sube A Nacer Conmigo, Hermano’, pieza que brinda un matiz de abierta esperanza al contenido casi íntegro del Canto XII en base a la cadencia saltarina inherente al joropo. La conclusión del eco de la última nota de piano de ‘Sube A Nacer Conmigo, Hermano’ se engarza con ‘Final’, un dueto de voz y piano donde el primero armoniza dulcemente los versos finales del Canto XII mientras el segundo enarbola siluetas ondeantes al modo de una marea espiritual prístina, constante y sutil a la vez.

Así culmina esta apreciación de “Alturas De Macchu Picchu”, una obra fundamental dentro del sistemático aporte a la fusión contemporánea latinoamericana que LOS JAIVAS instauró y desarrolló como brújula artística y razón de ser. Siempre hay un buen motivo para volver a él, y más allá de las arbitrariedades que rodean a la noción de “descubrimiento” de las ruinas de Machu Picchu, hay que valorar ante todo el modo tan genial en que la arquitectura, la poesía y la música han congeniado mutuamente en este homenaje a un huella particular del Perú precolombino, que es también una huella de la hermandad americana.


Muestras de “Alturas De Machu Picchu”.-
‘La Poderosa Muerte’: http://www.youtube.com/watch?v=7oxvmNgBjTE
‘Sube a Nacer Conmigo, Hermano’ + ‘Final’ (incluyendo unas palabras introductorias de Mario Vargas Llosa): http://www.youtube.com/watch?v=9OsLIi2YgAQ
‘Amor Americano’ y ‘Antigua América’ en vivo en las ruinas de Machu Picchu, 7 de julio de 2011: http://www.youtube.com/watch?v=KVkSyXz5anM

"Dead Horse", el impactante testamento de CHARTS AND MAPS

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Proveniente de la localidad californiana de Highland Park es el grupo que se trae a colación hoy: el quinteto instrumental CHARTS AND MAPS, el cual ha llevado una interesante trayectoria musical entre inicios del nuevo milenio y fines del año 2009, cuando el grupo decidió entrar en su fase de hiato que se prolonga hasta el momento de escribir la presente reseña. Su aporte al circuito rockero experimental del underground estadounidense dentro de la vertiente math-rock tiene un valioso testamento de su parte con la edición póstuma de su disco de larga duración “Dead Horse”, recién a inicios del presente año 2011. Hasta entonces, sus únicos ítems editados eran dos EPs del año 2008. Una cosa interesante de este grupo es que, a diferencia de otros que tienen talento y energía suficientes como para mantener viva la antorcha de la experimentación progresiva dentro de las sonoridades math-rockeras y afines, se abre libremente a la absorción de otros recurso estilísticos que van desde el jazz-rock hasta la psicodelia, incluyendo aditamentos de post-rock y noise-rock, mientras que hace un uso más comedido de su propio fuego rockero. El resultado es original y peculiar dentro y a través del estándar específico donde el grupo decidió focalizar su creatividad y desarrollo performativo. Con toda esta versatilidad bien encapsulada en su núcleo sonoro de dupla guitarrera, dupla rítmica y saxofonista, no es de extrañar que sus actuaciones en vivo recibieran elogios desbordantes de parte de la prensa musical del underground norteamericano.

‘Take Me Back To Highland Park’ abre el disco con un sólido recurso de tribalismo expectante en las primeras instancias de la secuencia rítmica, asentando la vía para un efectivo cuerpo central donde se suceden motivos cadenciosos que, merced al modo en que las guitarras y el saxo articulan su armazón dinámica, ofrecen un interesante enfoque jazzeado (a lo Krupa-con-Zorn) en torno al lenguaje del math-rock, añadiendo dosis de fiereza psicodélica al asunto. Después siguen los 11 minutos y medio de ‘In The Town Of Machine’, pieza que comienza con un aire de rock duro lento sobre una batería jazzeada y atravesada por guitarreos crimsonianos 80eros, con calculadas interferencias explosivas efímeras que funcionan como efectivos adornos psicodélicos. La agilización aumentada a poco de pasada la barrera de los 3’30” sirve para reafirmar el lenguaje math-rockero predominante de la banda bajo un esquema genuinamente progresivo, aunque sin olvidar definitivamente el elemento jazzero, tal como se muestra en el momento en que el saxo asume el rol solista. Con todo, este momento de tendencia jazzera funciona principalmente como un puente de aparente relax para que un crescendo se arme a través suyo, el cual lleva a un motivo nuevo, esta vez de tendencia psicodélico-funky. El llamativo swing que se arma aquí crea un espacio único para el desarrollo de sonoridades lisérgicas de las guitarras, antes de que un nuevo motivo muy crimsoniano emerja con el propósito de crear una coda moderadamente neurótica para la pieza. a fin de cuentas, el rol de ‘In The Town Of Machine’ puede designarse como una dinámica compilación de varias de las preocupaciones musicales más recurrentes en la visión musical de CHARTS AND MAPS. ‘Gold Roomer’ porta desde el inicio una vibración más extrovertida, a pesar de que la mayor parte del tiempo se explaya en compases no demasiado fragorosos: más bien, la actitud prioritaria de la dupla rítmica es la de contención durante los 3 primeros minutos, lo cual resulta idóneo para asegurar una fluida transición hacia el segundo motivo, el cual se sostiene en un ejercicio de post-rock en clave intrépida. Una pieza densa, pero no tan inescrutablemente compleja que no pueda desarrollar atmósferas entretenidas con solvencia. ‘Now I Must Hit You’, por su parte, prosigue por este camino de extroversión y moderada locura, una vez más, realzando el factor crimsoniano que es tan imprescindible en las manifestaciones más auténticas del math-rock; la relajada coda jazz-bluesera brinda una conclusión inesperada, un estímulo sano para la mente del oyente. Ojalá se hubiera extendido un poco más dicha coda… pero bueno…, en todo caso, cabe señalar que ‘Now I Must Hit You’ resulta más complejo compositivamente que ‘Take Me Back To Highland Park’ y un poco menos denso que ‘Gold Roomer’, aunque siempre manteniendo la garra electrizante que es una constante del grupo.

Ya hemos experimentado más de media hora de excitante complejidad rockera y todavía quedan 25 minutos de disco, siendo el tema encargado de iniciar lo que resta ‘Pearl Divers Of The Arabian Peninsula’: su cadencia tribal introductoria parece apelar a imágenes exóticas en los primeros instantes, pero con el pronto ingreso del ensamble entero se devela un ágil ejercicio de confluencia entre psicodelia cuasi-crimsoniana y jazz-rock de sutiles reminiscencias funky (algo parecido a lo que grupos de jazz-rock contemporáneo como GUTBUCKET y LED BIB hacen en sus momentos más intensos). El cuerpo central se arma en torno a un compás semi-lento que proporciona un amplio espacio para que sucesivamente se den los despliegues notorios plasmados en dinámicos fraseos solistas de saxo y un ulterior solo de guitarra que orgullosamente ostenta aires a lo Steve Hillage, mientras que en buena parte de la arquitectura subyacente se ensanchan capas cósmicas de guitarreos embebidos en filudos efectos psicodélicos. ‘Hypnotiq American Firework’ también aporta una fuerte presencia del saxofón en su primer motivo, cuyo tenor está basado en una armazón de síncopas rockeras movida por un combustible jazz-rockero. Poco antes de llegar a la barrera del segundo minuto y medio, llegamos a una lenta letanía absorbente e incandescente, en la que el solo de guitarra sale al frente de una forma exquisitamente agresiva, creando así un magnetismo crucial que evoca sensaciones de electrizante inquietud. La maquinaria instrumental intensifica su polenta en un crescendo letal que se arma poco antes de llegar a la barrera de los 7 minutos, aterrizando finalmente en un estupendo frenesí rockero al 100%. La pieza homónima ocupa los últimos 9 ½ minutos del álbum. Comenzando con una larga introducción free-form de clara tendencia lisérgica, seguidamente emerge un cuerpo central cuya cadencia rítmica y alusiones exóticas se parecen mucho a las de ‘Pearl Divers Of The Arabian Peninsula’, aunque cabe señalar que la ambientación onírica está trabajada aquí de manera más concienzuda, lo cual nos lleva a reconocer también un nexo cercano con las ensoñaciones poderosamente opresivas de ‘Hypnotiq American Firework’. ‘Dead Horse’ puede muy bien describirse como un híbrido entre ISIS y GUTBUCKET, o más concretamente, una síntesis de los dos temas precedentes que se perfila bajo las pautas más netamente psicodélicas del mundo sonoro de CHARTS AND MAPS, y por tanto, es un perfecto cierre para el disco.

Hoy por hoy, Jay Watford toca guitarra en DANGER BEES en dupla con un multivalente Mike Allison, quien también es guitarrista en PRIDE OF KENYA (donde también está Daniel Melancon) y saxofonista en RANDOM PATTERNS (donde también está Daniel, una vez más), mientras que John Taylor es guitarrista de SEMICONSCIOUS GLORIA. Todos los componentes individuales siguen bastante activos pero CHARTS AND MAPS como entidad colectiva ya no es una realidad fáctica. Así las cosas, solo falta agradecer al grupo su aporte hecho por la vanguardia math-rockera del nuevo milenio.

Muestras de “Dead Horse”.-
Take Me Back To Highland Park: http://www.youtube.com/watch?v=wTO7-Gp7_sU
Pearl Divers Of The Arabian Peninsula: http://www.youtube.com/watch?v=Yrfr_lp3CY4
Dead Horse: http://www.youtube.com/watch?v=NinTaGRJoWQ

HONDURAS LIBREGRUPO - lúcida célula vanguardista

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es ocasión de sacar a colación el cuarto trabajo fonográfico de HONDURAS LIBREGRUPO, “Célula Dormida”, editado en 2010: este disco es todo un prodigio de experimentación bien focalizada que asume con frescura y originalidad las influencias del rock in opposition, la psicodelia free-form y el krautrock (especialmente lo primero), generando así una sonoridad que es a la vez grisácea y contundentemente energética. Tras el camino trazado por los dos primeros álbumes, “Volumen 1” y “La Única Posición Es La Posición”, donde desarrollaba sonoridades eclécticas donde confluían ágilmente las herencias del space-rock, el Canterbury a lo MATCHING MOLE/ROBERT WYATT y algunas sazones de kraut a lo FAUST, el grupo empezó a articular esquemas más aventurados en su EP “3”. De este modo, se establecíana las condiciones para que en el año 2010, ya aumentado como septeto e incluso contando con aportes extra de músicos invitados ocasionales, HONDURAS LIBREGRUPO se proyectara osadamente hacia las dimensiones más desafiantes de su visión musical en “Célula Dormida”, disco relevante para uan recta comprensión de las posibilidades artísticas abiertas desde la vanguardia rockera argentina contemporánea.

Los primeros 4 minutos y un segundo del álbum están ocupados por el tema precisamente titulado ‘4:01’, cuyo motivo inicial revela una calma sombría alimentada por una refinada densidad principalmente apoyada en las capas de los vientos: los aportes posteriores de parte de la batería y el teclado, junto con los descoyuntados efectos percusivos en el trasfondo, añaden una tétrica solemnidad al asunto, muy a lo UNIVERS ZERO de los tres primeros álbumes. ‘Familias’ prosigue este momentum hasta llevarlo hacia parajes iluminados por brillos neuróticos de cadencias y ornamentaciones dadaístas, a medio camino entre la arquitectura retorcidamente grácil del último HENRY COW, la cáustica sonoridad de ART BEARS y la cadencia inescrutable de THIS HEAT. ¿Y esa letra sobre tu madre que se come a mis hijos y familias enteras que se alimentan de otras? – la engañosa suavidad del canto refleja la sórdida racionalidad de quien contempla. ‘No Hay Fiesta Después Del Recital’ se mete más de lleno en las aguas contemplativas en comparación con la pieza precedente, portando una aureola más calmada, en cierto modo afín al WYATT 70ero mezclado con el segundo AKSAK MABOUL. El jam final tiene una polenta muy efectiva, sólidamente adornada con tensas florituras del saxo. De esta manera, se prepara el camino para el inicio de la siguiente pieza, ‘Revolting In Stealth’, la cual establece un viaje psicodélico un poco más extrovertido que lo hecho en los temas anteriores; el breve tema seguidamente engarzado, titulado ‘Puente Llaguno’, desarrolla una letanía abstracta cuya cadencia rítmica punzante establece un eficaz contrapelo a la densidad emocional subyacente al motivo básico. ¿A qué suena esta dupla? ART BEARS con FAUST, tal vez… ‘Tomando Conciencia Del Baile IV’ establece un ejercicio de psicodelia sofisticada inicial que pronto se torna en una amalgama abstracta continuamente perturbadora, alternando pasajes minimalistas con arquitecturas inquietantemente mecanicistas. Casi parece una partitura perdida de VELVET UNDERGROUND retomada y deconstruida por un ensamble de músicos de FAUST, HENRY COW y CAN.

El tema ‘2.59’ ocupa el espacio temporal del título, y lo mismo sucede con ‘7:18’. Ambos temas se explayan en climas abstractos esencialmente incrustados en la irreverente lógica surrealista del rock in opposition. En el caso de ‘7:18’, el mayor espectro temporal permite al ensamble explorar de forma más detenida los aspectos más irrefrenables e inquietantes de la neurosis y la desconexión: como es natural, el clima de desasosiego emocional se hace más profundo. En medio de ambos temas se sitúa ‘Campos De Concentración’, breve pieza que desarrolla una cadencia de bossa nova en clave de AKSAKS MABOUL. ‘Canción Para Evo’ es un breve cántico que satiriza el aura de himno presidencial en “homenaje” al mandatario boliviano mientras las últimas aventuras sónicas de ‘7.18’ se van desvaneciendo. A partir de ahí se instala ‘Al Niño Mauricio Le Molestan Los Pobres’, tema muy a lo ART BEARS que se erige como un manifiesto de protesta política contra la muy controvertida figura de Mauricio Macri, Jefe de Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. La grisácea cadencia de la instrumentación y la lánguida compostura del canto reflejan, bajo la apariencia de desgano, una sensación de desencanto enojado, el cual se hace más patente en los efectos abstractos de percusión y sintetizador que ocupan un lugar notable dentro del esquema nuclear de la pieza. La languidez reinante se acrecienta en la pieza de cierre, ‘Esto Es El Invierno’, pieza cuyas capas minimalistas que operan en la base funcionan como caja de resonancia de la desazón emocional y la tensión mental que vienen operando de manera recurrente desde el inicio del disco: tenemos aquí una confluencia entre el CAN más lisérgico y el HENRY COW surrealista del “In Praise Of Learning”.

Todo esto es “Célula Dormida”, un disco fenomenal que fortalece inapelablemente la posición de HONDURAS LIBREGRUPO como figura relevante e indiscutible de la vanguardia rockera argentina actual. Este disco realmente merece situarse como un hito dentro del rock argentino de neustrso días... otra cosa es que la industria se atreva a otorgarle ese lugar merecido. El ensamble que grabó este disco era el más poblado de toda la historia del grupo: Alex Kodric (guitarras), Alejandro Leonelli (voz, bajo y percusión), Nicolás Kodric (teclados y percusión), Hernán Calvo (balalaika y percusión), Gabriel Falciola (batería y percusión), Agustín Partiré (saxos y otros vientos) y Omar Grandoso (trombón y otros vientos). Hoy en día, HONDURAS LIBREGRUPO opera como trío de Alex Kodric, Alejandro Leonelli y Nicolás Kodric, yendo perpetuamente a la caza de nuevas fórmulas para desafiar los estándares del arte del ruido.


Muestras de “Célula Dormida”.-
‘Familias’: http://www.myspace.com/loshonduras/music/songs/famlias-78494706
‘Revolting In Stealth’: http://www.myspace.com/loshonduras/music/songs/revolting-in-stealth-78494810
‘Esto Es El Invierno’: http://www.myspace.com/loshonduras/music/songs/esto-es-el-invierno-78494754

TANTRA - iluminación psicodélica desde la actual vanguardia rockera argentina

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión traigo a colación no un disco del presente año 2011 sino uno editado en enero del año pasado: “Satori”, cuyo gestor colectivo es el cuarteto instrumental argentino TANTRA. TANTRA se formó en Mar de Plata en 2004 (la historia oficial cuenta que todo comenzó en un sótano), con la misión de activar una potente dimensión de rock progresivo-psicodélico. Las sesiones de grabación del material que habría de conformar el repertorio de “Satori” empezaron en junio de 2009 y terminaron en febrero de 2010, siendo así que el producto final fue bien recibido por la crítica y amantes del rock experimental en redes internautas de su país así como internacionales. Entre el día de su formación y la salida al mercado de este disco, el grupo mantuvo una actividad importante de conciertos en escenarios de Mar del Plata, Buenos Aires y La Plata (compartiendo escenarios muchas veces con PEZ, LUZPARÍS, EL FESTIVAL DE LOS VIAJES, POSEIDÓTICA, FÚTBOL, HONDURAS LIBREGRUPO y otras numerosas bandas que apuestan por experimentar al máximo con los múltiples códigos posibles del rock), además de registrar un EP titulado “Horas” en algún momento del año 2006.



‘Einführung’ ocupa los primeros casi 5 minutos del disco, introduciéndolo (de hecho, el título es la palabra ‘Introducción’ en alemán) con una envolvente destilación de sonoridades cósmicas Eloy-Floydianas por todos sus poros, con esas envolventes capas de teclado que sostienen el contenido viaje instrumental en curso; acto seguido, la pieza engarzada ‘Niño De Cobre’ se encarga de impulsar las primeras demostraciones de robustez del disco, ensamblando un jam consistentemente confluyente con las huellas estilísticas de HYDRIA SPACEFOLK y del OZRIC TENTACLES de los primeros 90s. ‘Tensiones’ se encarga de darle un giro más grisáceo a la energía instalada por la pieza anterior: allí donde ‘Niño De Cobre’ era ágil y entusiasta, ‘Tensiones’ es contemplativo, estableciendo una polenta rockera moderadamente densa sobre la base de una cadencia rítmicamente sobria: algo así como una idea perdida del AMON DÜÜL II de la etapa “Yeti” retomada por el ELOY de la etapa “Inside”-“Floating”. Los constantes fraseos de la guitarra solista (entre gilmouriana y hillageana) mantienen un aura blues-psicodélica muy oportuna a la hora de ofrecer un creativo contraste frente a la bien amalgamada dinámica establecida entre la baterista Maru Valdez y el bajista Ramiro Orensaz; a la hora de insertarse algunas intervenciones de flauta a cargo del invitado Pablo Puntoriero, la cosa se siente muy natural. ‘El Emisario’ aborda un viaje musical potente que retoma parte de la energía ya mostrada en ‘Niño De Cobre’, permitiendo al ensamble mostrarse de forma particularmente extrovertida, lo cual repercute en crear un pico dentro del repertorio. El compás de 7/8 en los primeros 4 ½ minutos ayuda crucialmente a motivar recursos de sofisticación progresiva al asunto (un poco a lo GONG), así como a potenciar ciertas cadencias jazz-rockeras en la dupla rítmica, todo ello mientras los fraseos de la guitarra y los matices varios de los sintetizadores refuerzan y enriquecen las tonalidades inherente cósmicas de las ideas musicales que se van proyectando en el camino. En una segunda sección, la banda opera con un vigor frontal a lo HAWKWIND-con-HYDRIA SPACEFOLK sobre un compás de 4/4, gestando un jam que se siente demasiado corto una vez que concluye. Después de esta estupenda aventura psicodélica que ocupó un espacio de seis minutos y pico que dura la pieza, la misión de ‘El Lenguaje Es Un Virus Del Espacio Exterior’ consiste en mantener el momentum, y lo hace instalando una síntesis entre la cadencia reflexiva de ‘Tensiones’ (en un 60%) y la sofisticación estilizada de ‘El Emisario’ (en un 40%), haciendo que la pieza opere como una mirada hacia el interior más esencial de su propia visión musical. Cabe destacar el rol más destacado que tienen los sintetizadores en la maduración y desarrollo del motivo central, en comparación con los temas precedentes, en consonancia con el protagonismo menos notorio de la guitarra.



Poco más de 28 minutos han pasado desde que comenzó el disco y aún queda poco más de media hora para que acabe: en este momento cuando TANTRA ha puesto todas sus cartas sónicas sobre la mesa, le falta emprender sendos viajes extensos a través de ‘Bajo Tierra’ y la pieza homónima, respectivamente. Estas dos ocasiones musicales son vitales para que el grupo se disponga a poner toda la carne en el asador a la hora de inspirar imágenes y sensaciones electrizantes en el oyente por vía de proyecciones instrumentales de largo aliento. ‘Bajo Tierra’ comienza con un prólogo frontalmente lisérgico, fuertemente inspirado en la onda acid-folk de la tradición kraut (incluyendo florituras de flauta y golpes percusivos exóticos), virando pronto hacia un cuerpo central bastante muscular donde la potencia rockera se hermana fluidamente con cadencias rítmicas de raigambre funky. Poco antes de llegar a la barrera del séptimo minuto y medio, llegamos a un jam más reflexivo, tan floydiano como reminiscente del OZRIC TENTACLES pre-90ero, sin por ello perder una pieza del vigor propiamente contemporáneo que TANTRA exhibe tan creativa y solventemente. Un tercer jam regresa a la polenta del primero, potenciándola en lo que parece que será un clímax relevante para la pieza en sí, especialmente en lo que se refiere a las dosis aumentadas de musculatura y nervio en la dupla rítmica: no dura mucho, pero impacta profundamente en la estructura general del tema, pues lo que concluye la pieza es un reprise del motivo acid-folk inicial, al modo de un ritual que invoca al reposo después de la llamarada final. Mención aparte merece nuevamente el invitado Pablo Puntoriero, quien aporta matices relevantes con su saxo. ‘Satori’ replica la ambición estilística del tema precedente volviendo a las influencias de GONG y HAWKWIND, sin perder el pulso propio. Apelando a una expresión un poco más controlada de la fuerza rockera en aras de fortalecer las atmósferas emergidas de la interacción entre los instrumentistas, la pieza se enfila en su primera sección por una intensidad bárbara, inocultable, cada vez más patente mientras aumenta el frenesí rítmico durante la expansión de la primera sección. El momento de la segunda sección comienza con un pasaje de engañosa languidez que en realidad es una preparación emocional para un estimulante ejercicio de proyección psicodélica donde las estructuras sonoras exhiben formas más intrépidas y libres. Una vez concluida esta electrizante erupción de lava lisérgica, el grupo se dispone a tomarse su tiempo para armar una despedida contemplativa donde la psicodelia reinante se arrope bajo su faceta más introspectiva, una vibración tan inquieta como relajante.

Esto es “Satori”, un disco que pone “oficialmente” a TANTRA en un lugar dominante dentro de la actual vanguardia rockera argentina, y también en una posición de merecer la atención del público melómano mundial amante de aventuras progresivas de reciente data.


Muestras de “Satori”.-
‘El Emisario’: http://tantrarock.bandcamp.com/track/el-emisario
‘Satori’: http://tantrarock.bandcamp.com/track/satori

GARDEN WALL o cómo transmitir lo absurdo a través de una osada creatividad musical

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En esta ocasión nos toca hablar de “Assurdo”, la nueva oferta del grupo italiano GARDEN WALL. Esta sorprendente banda italiana se ha caracterizado por desarrollar una asombrosa e inesperada evolución desde territorios inconfundiblemente sinfónicos (con parentescos neo-progresivo en el debut “Principium” y tendencias retro-sinfónicas en el subsiguiente trabajo “Path Of Dreams”) hasta la trilogía de prog-metal vanguardista que engloba a “Forget The Colors” (2002), “Towards The Silence” (2004) y “Assurdo” de este año, siendo así que la dupla bisagra de “The Seduction Of Madness” (1995) y “Chimica” (1997) sirvió para virar hacia áreas sonoras marcadas por el fuego de la neurosis y la lava del vigor exaltado. ¿Qué tenemos concretamente en “Assurdo”? La respuesta es: un programa de acción donde Alessandro Seravalle y sus secuaces del momento se aprestan nuevamente a explorar, desde los márgenes internos de su visión artística, nuevas motivaciones dentro de su misión progresiva, inserta en formas eclécticas y vanguardistas de algo parecido al prog-metal… pero sin serlo realmente. Si la dupla de “The Seduction Of Madness” y “Chimica” fue el punto donde Pablo dejó los saulinos caminos melódicos del sinfonismo para enfilarse hacia una nueva fe progresiva, gradualmente alimentada de pertubadoras referencias a CYNIC y KING CRIMSON junto a las vertientes más desafiantes del thrash metal-progresivo y el rock in opposition, entonces quedaba claro que había llegado la hora de remodelar nuestra aproximación a GARDEN WALL (o, en último caso, dejar de aproximarnos a él).

Un factor gravitante en la reorientación musical plasmada en “Assurdo” con respecto a la secuencia de los dos álbumes que le preceden es la presencia de dos bateristas (uno a cargo de la versión acústica del instrumento y otro a cargo de la versión eléctrica). La formación actual de la banda es: Alessandro Seravalle (voz, guitarras eléctricas, e-bow y acústicas de 6 y 12 cuerdas, sintetizadores, teclados, sampleos), Raffaello Indri (guitarras eléctricas solistas), William Toson (bajos con y sin trastes), Ivan Moni Bidin (batería) y Gianpietro Seravalle (percusión electrónica, soundscapes). Para la grabación de este material, el grupo contó con varios colaboradores sucesivos a cargo de los vientos, el violín y percusión adicional.

‘Iperbole’ da inicio al álbum comenzando con un prólogo frontalmente metal-industrial, el cual es prontamente sucedido por sucesivos pasajes que transitan entre lo jazzero y lo fusionesco donde se mantiene el are de tenebrosa expectativa creado desde el primer instante. Recién al pasar la barrera del tercer minuto y medio, el grupo instala un motivo prog-metalero que tiene mucho del DREAM THEATER de “Train Of Thought” así como del FATES WARNING de “No Exit”, pero una vez más, se trata de una sección no muy extensa, pues pronto las aguas se aquietan en un clima psicodélico tan calmo como amenazadoramente perturbador. Hemos tenido, entonces, con este primer tema un viaje por diversos retazos sónicos que apropiadamente culminan bajo un aura sutil, pues el segundo tema ‘Butterfly Song’ emerge de inmediato con una docilidad contemplativa en base a las envolventes líneas de violín que fluyen sobre la contenida cadencia rítmica y los suaves arpegios de guitarra acústica. Las secciones cantadas se cifran bajo un código belew-crimsoniano (al modo de las semi-baladas de los álbumes de los 90s) con sazones a lo SLEEPYTIME GORILLA MUSEUM, amén de algunas confluencias con las dimensiones space-rockeras de PORCUPINE TREE. Poco antes del sexto minuto y medio, la piza vira hacia un interludio marcado bajo coordenadas cynic-fantomasianas antes de retomar el motivo de entrada bajo una guisa controladamente tétrica. ‘Trasfiguratofunky’ vuelve a establecer un clima de extravagancia extrovertida con su manera tan peculiar de reconstruir y deconstruir el estándar del funky con un vigor metaleramente psicodélico, mientras algunos intermedios reflejan un aire sombrío semi-crimsoniano. Cabe destacar los solos de sintetizador que toca el invitado Cristian Rigano para la ocasión, los cuales suenan muy a lo Jan Hammer mientras se entrelazan con los fraseos de la guitarra de Indri, muy a lo Jeff Beck. ‘Negative’ se explaya en aires a lo PETER GABRIEL-con-PORCUPINE TREE-con-TONY LEVIN, una sonoridad realmente amable, relativamente onírica, contrastada (naturalmente) por el nervio neurótico que Seravalle impone en su canto, incluso si la mayor parte del tiempo se dedica a susurrar y explorar su lado lírico. Este ejercicio de psicodelia fusionesca suavizada es manejado con tremenda soltura y sus invitados de turno (incluyendo a una vocalista adicional y a un vibrafonista), suponiendo un momento de genuino reposo emocional para el oyente. ‘Just Cannot Forget’ rompe con todo esto, plasmando una sonoridad mórbida que suena como un pasaje de la BSO de “Carnival Of Souls” reciclada por una congregación de músicos del TANGERINE DREAM de “Zeit” y ART ZOYD (esos retorcidos fraseos del clarinete bajo son brillantemente enajenantes). Dicha pieza sirve como un puente hacia ‘Flash (Short-Lived Neorealism)’, tema que parece empezar recogiendo parte de la contención emocional de ‘Negative’, pero en realidad está tomando impulso para elaborar un cuerpo central que suena a un híbrido de TOOL, FANTÔMAS y BETWEEN THE BURIED AND ME, con coloridos extra de corte space-rock. El clímax conclusivo es rotundo, contundente y brutal, y aún así, se nota a millas la dosis de pulcritud invertida para armar esta tormenta sónica.

‘Clamores Horrendos Ad Sidera Tollit’ nos devuelve de entrada el swing jazzero y el clima expectante que ya habían sido ingredientes relevantes en pasajes anteriores del álbum: Seravalle se explaya en sus semi-hammillianas extensiones de sílabas mientras canta en la primera sección, la cual no llega a los 2 minutos de duración. Una segunda sección nos guía hacia parajes psicodélico-fusionescos a lo Trey Gunn-Tony Levin por un par de minutos antes de que la tercera sección se explaye en una erupción de prog-metal filudo y terrorífico exquisitamente instalado sobre un frenético compás de 7/8. La sección de cierre culmina de forma oscuramente relajada, como la engañosa quietud que hallamos en los momentos más sutiles del “Delirum Corda” de FANTÔMAS. ‘Vacuum Fluctuation’ vuelve a áreas de SGM y BTBAM en sus pasajes agresivos, insertados fluidamente entre despliegues de colorido folclórico euro-oriental que nos remiten también a Indukti. El último cuarto de hora está ocupado por la secuencia de ‘Re-Awakening’ e ‘Isterectomia’. El primero de estos temas comienza impulsando sus iniciales climas oníricos a partir de la vibración fusionesca de la pieza precedente, enriqueciéndolos poco a poco con ornamentos psicodélicos, adicionales arreglos percusivos, e incluso algunas hermosas florituras de flauta: como no podía ser de otro modo, también entran a tallar algunas secciones metaleras potentes que nos remiten a ciertas confluencias con OPETH. En fin, el último tema articula un recurrente esquema de rock industrial reconstruido bajo una óptica chamber-rock, creando así una aureola de ensoñación tensa. La molecularmente breve coda en clave de thrash metal permite soltar algo de esa tensión latente: la coda en cuestión es una retoma de los primeros segundos de 'Lead', tema que abría "Forget The Colours" - se cierra así el círculo abierto por la trilogía.

Todo eso significa la bizarra y motivadora experiencia estética de “Assurdo”, registro fonográfico que confirma por enésima vez a GARDEN WALL como una de las personalidades más osadas y extravagantes del rock experimental italiano de los últimos años.

Muestras de “Assurdo”.-

Iperbole: http://www.youtube.com/watch?v=hvnML7XwQNw
Re-awakening: http://www.youtube.com/watch?v=RNXTF-DGS2s

[Gracias especiales a William Toson por las sugerencias sobre algunos detalles de este disco.]

El fuego colectivo de SCALE THE SUMMIT alimenta las nuevas llamas del prog-metal

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Hoy giramos nuestras miradas y oídos hacia la espacial ciudad de Houston, donde surgió en 2004 la banda de prog-metal instrumental SCALE THE SUMMIT. Su tercer lanzamiento discográfico “The Collective” brinda nuevos y frescos aires de enérgica estilización en la escena prog-metalera para el presente año 2011. La propuesta sonora del grupo es sólida y fiera dentro de lo que se espera de una sonoridad genuinamente metalera, pero cabe señalar que lo que se plasma en “The Collective” refleja una focalización preferencial en lo melódico y un manejo utilitario de ambientes contenidos; así pues, SCALE THE SUMMIT modera el nivel habitual de complejidad rítmica y desarrollo temático del usualmente ostentoso subgénero de este caso, prefiriendo generar ambientes y vibraciones a través de inteligentes juegos de riffs y escalas.

‘Colossal’ inicia el disco con una especie de parsimonia engañosa que no logra realmente ocultar el despliegue de energía que se desarrolla vigorosamente en la articulación de riffs y ornamentos de bajo. A continuación sigue ‘Whales’, pieza que sí hace más patente la robustez esencial al sonido de la banda, incluso generando una cantidad interesante de variantes en los ambientes, estructuras rítmicas y motivos: ciertamente se notan las influencias de LIQUID TENSION EXPERIMENT y MESHUGGAH en la labor articulada de los cuatro músicos, aunque siempre se les nota impidiéndose imitar los niveles de boato usuales en las bandas mencionadas. Los siguientes cinco minutos y medio del disco están ocupados por ‘Emersion’ y ‘The Levitated’: el primero de estos temas tiene una estructura melódica limpiamente lírica, al modo de una fusión entre el Joe Satriani romántico y el FATES WARNING de la etapa post-“Inside Out”; el segundo, por su parte, ahonda en lo lírico con una sutileza envolvente marcada por el modo tan hipnótico en el que los arpegios de las guitarras ondean, haciendo del espacio circundante una especie de mar calmada donde ellos generan olas suaves. ‘Secret Earth’ crea una suerte de espacio intermedio entre los ambientes de las dos piezas precedentes, lo cual da la fuerte impresión de que se trata posiblemente de una trilogía musical. ‘Gallows’ nos devuelve a experiencias sónicas más excitantes, una pieza que se arma a puro nervio en el contraste entre los pasajes ostentosamente musculares y otros más contenidos, en base a las influencias y confluencias con los ya mencionados MESHUGGAH y CANVAS SOLARIS. El dinamismo creado por esta pieza es retomado y focalizado más enérgicamente por el tema siguiente, ‘Origin Of Species’, el cual se siente demasiado corto cuando empieza el fade-out y el oyente se da cuenta de que estaba totalmente enganchado con el ritmo y los fraseos de la primera guitarra. Por su parte, Alpenglow establece un nexo entre la atmósfera lírica que antes hallamos en ‘Emersion’ y la fresca vitalidad de los pasajes más extrovertidos de ‘Gallows’. Durando casi 8 minutos exactos, ‘Black Hills’ resulta la pieza más larga del disco. El grupo aprovecha este espacio para hilvanar un sano clima de diversidad sonora en la composición: en los primeros 2 minutos y pico, el grupo desarrolla un clima muy a lo FATES WARNING; luego pasa a una sección un poco más reposada, donde se incluye un breve pasaje de corte space-rock y una excursión en el factor “Satriani romántico”; la última sección ahonda en el lirismo parcialmente patente y lo hace relucir de una forma serena y viril sobre un compás lento en 6/8. Esta cadencia solemne y serena marca relevantemente la primera mitad de ‘Balkan’, antes de que irrumpa una poderosa conclusión en la cual el grupo echa mano a su fuego esencial a partir de un finamente arquitectónico manejo de cadencias y síncopas, dándole así un aire casi “orquestal” a los contundentes riffs en curso. ‘Drifting Figures’ concluye el disco con un manejo más controlado de la garra inviolablemente inherente a la banda.

Hemos concluido aquí nuestro repaso de “The Collective”, un disco que confirma a SCALE THE SUMMIT como un referente valioso para el prog-metal que aún se siente fresco dentro de la amplia gama de propuestas emergidas y desarrolladas en los Estados Unidos durante el nuevo milenio. Se trata de un catálogo de 11 temas sin desperdicio alguno. En verdad que la decisión de parte de la gente de DREAM THEATER de brindarle a este grupo un espacio en la Gira ProgNation 2009 fue tan justa como acertada.

Muestras de “The Collective”.-
Whales: http://www.youtube.com/watch?v=AQKIuy6vsSU
Gallows: http://www.youtube.com/watch?v=GzsoBv2nfX4
Black Hills: http://www.youtube.com/watch?v=aLKuCDKL9TU

AUREA HYBRIDE, elemento fundamental del prog-metal mexicano actual

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En esta ocasión nos remontamos a la ciudad mexicana de Zacatecas para focalizar nuestra atención y nuestros oídos en el ensamble instrumental AUREA HYBRIDE, el cual surgió recientemente casi “de la nada” para tomar por sorpresa (en el sentido más placentero del término) a los amantes de los géneros progresivo y prog-metal de su país, y a través de la red informativa internauta, de varias partes del mundo. Su formación es: Isack González (guitarra y sintetizadores), Rubén Medina (bajo), Alejandro Sánchez (batería y guitarra acústica) y Carlos Ortega (guitarra). “Elementario” es el título de su disco debut, un disco no muy extenso – dura menos de 40 minutos –, pero que sí deja amplia constancia del tipo de vitalidad y reconstrucción que el grupo pretende brindar al área del prog-metal. La estrategia principal que encuentra AUREA HYBRIDE para gestar y plasmar su propia voz dentro de este género es la trabajar climas bien balanceados de tonalidades cósmicas y atmósferas psicodélicamente introspectivas, sin variantes dramáticas de ritmos o atmósferas, siempre manteniendo un buen pulso a la hora de expresar su de por sí extrovertida esencia rockera. El grupo ha hecho asequible su material para download en algunos blogs internautas, por lo que conocer a este grupo y llegar a algunas conclusiones parecidas a las que se acaba de exponer no debe suponer una dificultad grande.

El tema que abre el disco, ‘Minimal Signo’, comienza con un prólogo enmarcado entre las simultáneas coordenadas del post-rock y el metal, y aunque poco antes de llegar a la barrera de los 2 se crea un pequeño clímax metalero, el tenor grisáceo de la cadencia de fondo y los solos se preserva por un rato más de una forma envolvente. Recién en el peaje del cuarto minuto se embarca el cuarteto en el afianzamiento del factor metalero para marcar crucialmente la segunda mitad de la pieza: la meticulosa arquitectura de bases riffs, armonías y rítmicas ejemplifica muy bien el funcionamiento tan fluido del ensamble. Luego sigue la pieza más extensa, ‘Drama & Caos’, la cual comienza con una ambientación lánguida que en su alternancia de 6/4 y 11/8 establece una suerte de candidez espiritual en medio de la polenta metalera que acecha para emerger en cualquier momento… y lo hace poco a poco, hasta explotar al modo de una hoguera cósmica que cuenta con todo el espacio libre del mundo para manifestar su luminosidad, aunque siempre controlando inteligentemente el potencial de fortaleza sonora inherente al cuarteto. Más adelante, el grupo vuelve a bajar los decibeles para manejar climas más vinculados al space-rock en clave misteriosa y expectante: mientras se acerca el final, los decibeles vuelven a subir de manera bien cuidada a fin de crear un clímax contundente y, a la vez, marcado por una ingeniería sónica pulcra y refinada. ‘Biogénesis De Un Sueño’ ocupa los siguientes casi 8 minutos del disco, una pieza que perpetúa en parte el aura contemplativa del tema precedente durante su primera sección, pero esta vez se encuadra más decididamente dentro del área estandarizada del prog-metal con algunos aires de familia con el PORCUPINE TREE de los últimos años. La segunda sección vira sorpresiva y eficazmente hacia un ejercicio de space-rock con una base electrónica parcialmente relevante: el asunto ha virado en este punto hacia áreas de GORDIAN KNOT y una “versión modesta” de HYDRIA SPACEFOLK. Los últimos 13 minutos del disco están ocupados por la dupla de ‘Maquinas Híbridas (Esperanzas)’ y ‘Balance Elemental’. El primero refleja frontal e intensamente las influencias de MESHUGGAH y CANVAS SOLARIS, lo cual quiere decir que el cuarteto tiene el pretexto perfecto para establecer al máximo su gusto por la garra metalera revestida de sofisticación e complementada con pasajes más matizados. El segundo tiene una cualidad más inclinada hacia un intermedio entre AT WAR WITH SELF y el DREAM THEATER de los viejos tiempos del “Awake” durante sus primeros dos minutos; a partir de allí, la pieza vira sorpresivamente hacia aires de bossanova con algo de humor pero sin perder un ápice de prestancia artística; finalmente, la coda se focaliza en un aire ambiental muy al modo de un space-rock reposado.

AUREA HYBRIDE ha demostrado en este disco debut que está fehacientemente decidido a darle eclécticos aires nuevos al paradigma del prog-metal: “Elementario”, en tanto catálogo, funciona como un ejemplo de utilización inteligente e integral de variantes sonoras a partir de la instalación de un foco preciso inicial. Este ensamble mexicano debe ser considerado como una de las sorpresas progresivas hispanoamericanas más notables del año 2011, una auténtica revelación que emerge a lo grande.


Muestras de “Elementario”.-
Drama & Caos: http://www.youtube.com/watch?v=sTVjYUfsdWQ
Biogénesis De Un Sueño: http://www.youtube.com/watch?v=73kMHt0nMY8

URANIAN - un sueño progresivo real desde Argentina

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URANIAN es el grupo que traemos a colación en esta ocasión: este cuarteto instrumental argentino, formado y forjado en la localidad de Bahía Blanca a lo largo de los años 2006 y 2007, ha lanzado al mercado su disco debut “La Ciudad De Los Sueños”. El sonido de URANIAN tiene como principales referentes a LIQUID TENSION EXPERIMENT y al DREAM THEATER de la etapa Moore, con amplios márgenes para la inclusión de recursos sinfónicos y jazz-rockeros; esto lo pone muy en línea con otras bandas sudamericanas como los chilenos de LEPRECHAUN y PRISMA-X, así como con sus compatriotas de ALTRUISMOS y, por el lado de lo sinfónico, RETSAM SURIV. En líneas generales, la línea de trabajo de URANIAN a la hora de elaborar y arreglar sus ideas melódicas no tienden a explorar tanto la complejidad estructural (que la hay, claro que sí) como la explotación de matices y atmósferas que se pueden derivar de dichas ideas. La guitarra es el ítem protagónico en el sonido grupal, pero lejos de asentarse como foco exclusivo de los desarrollos musicales, siempre hay un posicionamiento importante del bloque cuatripartito en tanto tal, un sentido del ensamble que permite al grupo transmitir la sensación de orden a través y en medio de su inherente potencia.

‘Amalgamas De Soledad’ abre el disco con una aureola de exquisito esplendor sinfónico, mesuradamente solemne y patentemente vigoroso: la dupla rítmica se porta a las mil maravillas a la hora de sostener las variantes de cadencias y atmósferas a lo largo de un espacio de casi 6 ½ minutos. Le sigue ‘Alter Ego’, pieza que en muchas maneras perpetúa los climas predominantes de la primera aunque con un énfasis en el contraste entre el tenor prog-metalero de las partes más agresivas y el lirismo tranquilo de las secciones más calmadas; siguiendo con el incremento gradual del factor prog-metalero, ‘Regreso Al Origen’ tiene un aire inconfundible al DREAM THEATER de la etapa “Awake”, y vale añadir que hay un estupendo solo de bajo cerca del final, el cual ayuda a preparar el terreno para el solo final de guitarra. ‘Melancólico Recuerdo’ deja este factor para su sección intermedia, pues el cuerpo central de la composición se explaya en el lado romántico de un Vai o un Satriani con ciertas sazones de LTE arrojadas al mezclador, especialmente en su bien armado clímax conclusivo. ‘Paradoja Ancestral’ comienza con una orientación fusionesca que sirve para introducir un aire de sorpresa al álbum: su estructura compositiva alterna las cadencias de fusionesca (en base a una bien articulada amalgama de piano y guitarra acústica) con otros pasajes rockeros que se revelan como algo tremendamente feroz, especialmente en lo que se refiere a los trucos thrasheros que emplea a veces la batería y las capas semi-góticas de teclado que envuelven la parafernalia de la guitarra y el bajo. La verdad que la idea básica de esta composición es bastante rara, por decirlo de algún modo, pero ciertamente funciona y resulta, además, genuinamente entretenida. ‘0 Bytes’ tiene una magnificencia no muy rara en las composiciones progresivas de considerable extensión: su espacio de 9 minutos comienza con un motivo marcial que suena relativamente amenazante, el cual permite la instalación de un primer motivo estilizado y efectivo. A continuación se desarrolla un ejercicio de ilación de climas y solos bajo la fuerte influencia del DT 92-94, RUSH y LTE. Si bien la garra ocupa un lugar preferencial, también se puede apreciar un momento de belleza reflexiva que comienza a poco de pasada la frontera del quinto minuto y medio. Una vez terminado este pasaje, un breve interludio de corte semi-arábigo emerge con suficiente fuerza como para permitir la instalación de un reprise del motivo inicial para la coda.

‘En Busca Del Sol’ tiene la gracia particular de incorporar cadencias jazz-rockeras al sonido nuclear de la banda, además de roles más destacado del teclado y del bajo: la novedad resultante proporciona una frescura especial al repertorio. Por su parte, ‘Transiciones’ regresa a las áreas expresivamente extrovertidas de corte vai-dreamtheatero que ya han venido ocupando un lugar predominante en las atmósferas más habituales del repertorio general. La pieza homónima es otra que presume de gozar de una duración exhaustiva: 11 minutos y segundos. De hecho, se trata de un pico musical dentro del disco, todo un ejercicio de esplendor progresivo donde los riffs pesados, los teclados sinfónicos y los diversos solos de guitarra se engarzan en una amalgama sónica impresionante a través de las modalidades rítmicas y melódicas que van sucediéndose. La fluidez de esta ilación es tremendamente natural, haciendo que los 11 minutos se vayan volando como si fueran muchos menos. Esta pieza, en unión con ‘0 Bytes’ y los dos primeros temas, funcionan como un manifiesto artístico de lo que significa para URANIAN hacer rock artístico en nuestros tiempos. Los últimos 6 minutos del disco están ocupados por ‘Un Tiempo Después’, pieza ágil que redondea coherentemente y sin sobresaltos las pautas generales de elegancia prog-metalera expuestas a lo largo del álbum.

Al final de cuentas, tenemos en “La Ciudad De Los Sueños” una cantidad generosa (casi 70 minutos) de prog-metal instrumental melódico concebido con inspirada sensibilidad y ejecutado con refinada factura: URANIAN se hace presente como una voz particular muy a tener en cuenta dentro de la nueva generación de bandas progresivas en el medio argentino.

JARDÍN DE LA CROIX o el rock progresivo hecho océano de fuego

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El ensamble instrumental español JARDÍN DE LA CROIX sigue dispuesto a agitar las aguas progresivas de su entorno, tal como lo muestra su nuevo disco “Ocean Cosmonauts”, recientemente editado a través del sello Noma Records. Partiendo de la referencia precedente expuesta en su disco debut “Pomeroy”, pletórico de fuerza y sofisticación, es válido y seguro afirmar JARDÍN DE LA CROIX mantiene y aún capitaliza su compromiso con la creación de una sonoridad que sea visceralmente potente en total lealtad con los cánones más electrizantes de la esencia rockera, pero nunca apelando lo crudo, siempre manteniendo una exigente pulcritud a las poderosas interacciones desarrolladas por los instrumentistas. El estilo compositivo y el tenor de los arreglos subsiguientes en este nuevo repertorio que nos ofrece el grupo (que cuenta con Carlos Schonert como nuevo bajista desde hace algún tiempo) son patentemente complejos, pero nunca haciendo que lo intrincado se justifique por sí mismo, sino utilizándolo para explorar ingeniosas maneras de generar explosividad prog-metalera de una forma motivadora y renovadora. ¿Cómo se trasladan estas pautas generales al repertorio en sí? Repasémoslo tema por tema para ver cómo.

‘Blacksnout Seasnail’ abre el disco con una aureola de refinada sofisticación donde el imperio de la textura determina la expresión de fuerza, incluyendo el desarrollo de un par de pasajes tremendamente potente, los cuales permiten a la pieza gestar un clímax excitante cerca del final. Los aires a lo GORDIAN KNOT y AT WAR WITH SELF en esta pieza son innegables. Tras esta apertura tan marcada por una elegancia sónica “casi aristocrática”, emerge ‘Vostok’ para avivar las cosas de manera notable, aportando una garra contundente que tiene mucho que ver con las áreas de trabajo de MESHUGGAH y CANVAS SOLARIS, aunque lejos está este tema de convertirse en una celebración monotemática del prog-metal: se trata más bien de un híbrido ágilmente efectivo de prog-metal y math-rock. ‘Island Of Atlas’ sigue a continuación, siendo la pieza más extensa del álbum con sus casi 10 minutos de duración. En muchos aspectos, esta pieza perpetúa las inquietudes eclécticas de ‘Vostok’, llevándolas hacia un nivel más elevado de expresividad incendiaria: aquí hallamos huellas claras del prog-metal técnico de CANVAS SOLARIS, la psicodelia crimsoniana que sigue siendo ampliamente actualizada en varias propuestas progresivas de las últimas dos décadas (YANG, EXSIMIO, NAIKAKU, por poner ejemplos de diversos continentes), las cadencias complejamente tensas de TOOL y la sofisticación juguetona del math-rock. En todo caso, se nota la predominancia de atmósferas pesadas así como el carácter inteligentemente controlado que exhibe la refinada arquitectura sonora articulada por los miembros del cuarteto.

Llegamos ahora a ‘Maelstrom’, pieza que aunque empieza con lo que parece un tenor sutil, bien pronto se transforma en una excursión pletórica de prog-metal: MESHUGGAH vuelve a ser un referente descriptivo útil, así como BEHOLD… THE ARCTOPUS. En los últimos dos minutos se dan ciertos juegos de contrapuntos a lo KING CRIMSON que posibilitan un ingenioso recurso de variedad sónica a la hora de alimentar la maquinaria pesada en curso. Los temas ‘Challenger’ y ‘Caronte’ están a cargo de retomar el fuego abrasador e inapelable de ‘Maelstrom’ y amplificar su fiero fragor prog-metalero, estableciendo de forma definitiva los aspectos más agresivos y prioritarios de los fundamentos estéticos que la banda proyecta como voz propia dentro de la escena progresiva mundial. Entre ambos temas se sitúa ‘Math Of Vortex’, donde notamos un magnífico acercamiento al eclecticismo de ‘Island Of Atlas’, además de nuevas utilizaciones de recursos crimsonianos en algunos pasajes al estilo de los pasajes más filudos de ‘Maelstrom’. El disco lo cierra ‘Japanese Rockets’, pieza centrada en tender puentes entre el estereotipo math-rockero y el prog-metal técnico: la aureola de extroversión que proyecta esta pieza la convierte en cierre ideal para un disco que en sí mismo supone para el oyente un viaje hacia las facetas más explosivas de su yo interior. JARDÍN DE LA CROIX regresa por todo lo alto con este nuevo disco, ampliando así las dimensiones estéticas y los niveles de garra de su sofisticada energía rockera: “Ocean Cosmonauts” refleja una convincente muestra de nervio y músculo que se hace destacar volcánicamente en medio de la vanguardia rockera española.


Muestras de “Ocean Cosmonauts”.-
Blacksnout Seasnail: http://www.youtube.com/watch?v=xupEsVsJLYs
Island Of Atlas: http://www.youtube.com/watch?v=_1YgKYdN1Gg
Maelstrom: http://www.youtube.com/watch?v=r4NXfDQoX58