La asociación de ISILDURS BANE con JINIAN WILDE crea un catálogo de perlas sonoras progresivas

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy tenemos la muy especial ocasión de presentar el nuevo trabajo fonográfico colaborativo del veterano ensamble sueco ISILDURS BANE, esta vez asociado con el cantante inglés JINIAN WILDE (a quien conocemos principalmente por su labor en la DAVID CROSS BAND). El disco que ahora nos convoca se titula “The Pearl Of Ever Changing Shell” y fue publicado el 23 de febrero del ya finiquitado año 2024 por el sello Ataraxia, tanto en CD como en vinilo. “The Pearl Of Ever Changing Shell” sigue la senda de otros álbumes de similar índole realizados en conjunción con Steve Hogarth (“Colours Not Found In Nature” de 2017) y Peter Hammill (“In Amazonia” y “In Disequilibrium”, de 2019 y 2021, respectivamente). El ensamble instrumental nuclear de ISILDURS BANE está conformado por Mats Johansson [piano, sintetizadores Moog, Oberheim, ARP, Pro One, Nord y Yamaha, clavinet, mellotrón, Bochla Software y composición], Klas Assarsson [marimba, vibráfono y otras percusiones], Luca Calabrese [trompeta], Axel Croné [bajo, flauta, clarinetes y clavinet], Samuel Hällkvist [guitarra], Kjell Severinsson [batería], Liesbeth Lambrecht [violín y viola] y Jan Severinsson [procesamientos sonoros]. También aparecen ocasionalmente algunos músicos invitados como el percusionista Xerxes Andren y el guitarrista Noah Söderberg Stenman. El disco que hoy reseñamos se centra conceptualmente en la noción de cambio, tanto en el exterior como en el interior. Como es habitual, además de ser el principal compositor, Johansson fungió como productor. El material contenido en “The Pearl Of Ever Changing Shell” fue mezclado por Charles Storm en el estudio Cloudchamber de Gotemburgo, mientras que el proceso de mezcla estuvo en manos de Severinsson. Hubiésemos deseado terminar esta reseña mucho antes de hoy y es justamente por ello que revisamos los detalles del disco sin más demora.

 

El repertorio de “The Pearl Of Ever Changing Shell” se inicia con la maratónica suite ‘RISE Parts 1 & 2’, que dura poco más de 15 ½ minutos.* El breve prólogo etéreo abre la puerta a un motif ceremonioso cuyo señorío intrínseco es transportado solventemente sobre un swing lento así como otro más rápido. Las suntuosas escalas de los teclados y los ornamentos de las percusiones tonales generan una envolvente majestuosidad en aras de enriquecer los índices melódicos que se van hilando. En varias ocasiones, el entramado sonoro combina lo denso con lo fulguroso, lo cual ayuda bastante a la persistencia de la aureola aristocrática que sustenta íntegramente a la suite. Para el último tercio, el centro temático vira hacia una cordial solemnidad que permanece con un consistente embrujo, casi al modo de un momento de detenida reflexión tras los diversos trayectos anteriores. Tras este monumental viaje musical que es todo un culmen en sí mismo, llega el turno de ‘Sign Of The Times (The Calling)’, una canción más directa que se conecta con el estándar neo-progresivo de los MARILLION del nuevo milenio en conjunción con ribetes de los paradigmas de bandas como RPWL y GAZPACHO. El luminoso gancho del núcleo melódico (apoyado por los firmes y entusiastas riffs de guitarra) gana en sofisticación con el uso de ciertos adornos electrónicos empleados en lugares estratégicos. ‘Born Afraid (The Binding)’ vira totalmente de registro al gestar un inicial híbrido de lo contemplativo con lo grisáceo con un talante flagrantemente moderno, algo así como un hermanamiento entre los PINEAPPLE THIEF y el PETER GABRIEL de la fase 1980-82. Ya más adelante, se abre espacios al explayamiento de recursos más intensivamente ágiles, lo cual motiva una ostentosa vivacidad, algo así como un vitalismo renovador cuyos mesurados aires dramáticos todavía le vinculan con la espiritualidad primigenia. Para la sección epilogar, todo aterriza en un clima misterioso de tenor cósmico, completándose así otro cénit fundamental del álbum. 

‘Sailing Home (The Following)’ tiene una atmósfera general semejante a la de la primera mitad de la pieza precedente, pero con una fastuosidad cercana a la de la suite de apertura. Algunos instantes signados por un talante cinematográfico preparan el arribo de algunos recursos fulgurosos en la maraña instalación que sustenta al siempre evocador canto. ‘Avalon (The Knowing)’ insiste en una nueva exploración de las sendas y dimensiones más introvertidas de la estrategia sonora planteada en el álbum. Eso sí, no hay nada lánguido aquí: las flotantes orquestaciones de los teclados, los elegantes retazos de la guitarra y las adustamente tribales intervenciones del ensamble percusivo garantizan una rotunda sofisticación para la ingeniería grupal. Durando 6 minutos y pico, ‘Lifetimes (The Remembering)’ se encarga de traer el cierre del álbum y lo hace al estilo de una balada progresiva con orientación ambient, siendo así que las filtradas intervenciones de la guitarra, el violín y algunos sintetizadores brindan un cariz cinematográfico al asunto. Así concluye el repertorio, con una elegía cubierta por un manto de ensueño. Ésta fue la experiencia completa de “The Pearl Of Ever Changing Shell”, la nueva aventura fonográfica del veterano ensamble escandinavo ISILDURS BANE, esta vez en cooperación con JINIAN WILDE. Se trata de un disco hermoso y cautivador que, además de tener nexos estilísticos con “Mind Vol. 5” y “Colours Not Found In Nature”, también cuenta con buenas dosis de elementos propios que lo convierten en otro catálogo de perlas sonoras progresivas para el legado vigente de ISILDURS BANE y el versátil currículum de JINIAN WILDE. Muy recomendable.
 
 
Muestras de “The Pearl Of Ever Changing Shell”.-
RISE Parts 1 & 2: https://isildursbane.bandcamp.com/track/rise-parts-1-2
Born Afraid (The Binding): https://isildursbane.bandcamp.com/track/born-afraid-the-binding
Avalon (The Knowing): https://isildursbane.bandcamp.com/track/avalon-the-knowing
 
 
* Las Partes 1 y 2 se titulan ‘Dream Of Light (The Tempering)’ y ‘Trigger Finger (The Spiraling)’, respectivamente.

BIG BIG TRAIN: bajo el mástil de una nueva travesía progresiva

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de presentar el más reciente disco de estudio del veterano grupo multinacional (de origen británico en 1990) BIG BIG TRAIN, el cual se titula “The Likes Of Us”, aunque también daremos un espacio al trabajo anterior “Ingenious Devices”. Este último es un ítem fonográfico muy especial para la banda porque se trata de un tributo a la memoria del vocalista y multiinstrumentista David Longdon, quien trágicamente falleció en un accidente doméstico durante las fiestas navideñas de 2021. Fue publicado el 30 de junio de 2023 por el sello English Electric Recordings, tanto en CD como en vinilo (en formatos negro y azul): básicamente, es un ítem recopilatorio de nuevas o mejoradas versiones de temas que ya habían aparecido en otros discos de la banda en los que el malogrado Longdon fungía como frontman. Actualmente, el ensamble de BIG BIG TRAIN está conformado por Dave Foster [guitarras eléctricas y acústica de 12 cuerdas, y coros], Oskar Holldorff [órgano, piano, sintetizadores y coros], Rikard Sjöblom [guitarras eléctricas y acústicas de 12 cuerdas, órgano, sintetizadores y coros], Gregory Spawton [bajos, guitarra acústica de 12 cuerdas, pedales bajos, mellotrón y coros], Nick D’Virgilio [batería, percusión, guitarra acústica de 12 cuerdas, vibráfono y coros], la retornada Clare Lindley [violín y coros] y el nuevo integrante Alberto Bravin [primera voz, coros, piano, órgano, sintetizadores, guitarra acústica de 12 cuerdas]. Este último aparece en el tema en vivo que cierra el segundo disco antes mencionado, mientras que Longdon aparece en los demás temas cantados. “The Likes Of Us” es el disco del debut de esta nueva alineación, el decimoquinto con material nuevo de la amplia carrera de BIG BIG TRAIN; fue publicado el 1 de marzo del pasado año 2024 por InsideOut tras unas sesiones de grabación que tuvieron lugar entre mayo y junio de 2023, en los estudios de grabación Aubitt (Southampton), Urban (Trieste) e Inner State (Bath). Los músicos ocasionalmente invitados fueron Dave Desmond [trombón], Nick Stones [corno francés], Ben Godfrey [trompeta y trompeta pícolo], Jon Truscott [tuba] y Brian Mullan [cello].

En este momento, hacemos un alto en nuestra apreciación de la novedad para hacer un repaso muy somero del repertorio de “Ingenious Devices”. Ya hemos dicho quiénes cantan en este disco, pero hay que mencionar la lista de músicos: Dave Gregory [guitarras eléctrica y acústica de 12 cuerdas], Andy Poole [guitarra acústica, mandolina, teclados y coros], Rikard Sjöblom [teclados, guitarras, acordeón y coros], Danny Manners [teclados y contrabajo], Rachel Hall [violín, viola, cello y coros], Greg Spawton [bajo, pedales bajos, guitarra acústica y coros] y Nick D’Virgilio [batería, percusión y coros]. ‘East Coast Racer’ abre el repertorio con una nueva cara, no solamente con arreglos nuevos en varias transiciones de diversos motivos, sino también contando con la adición de un ensamble orquestal de 17 músicos. La necesariamente resultante suntuosidad de la ocasión está manejada con suficiente criterio como para mantener la calidad melódica esencial de la canción: se trata del arte de hacer que algo viejo se sienta nuevo sin que deje de ser reconocible. La miniatura ‘The Book Of Ingenious Devices’ es una breve pieza orquestal de poco más de minuto y cuarto de duración, concebida con un patrón romántico; sirve como nexo para otra canción remodelada, ‘Brooklands’, la cual no sólo adquiere nuevos colores, sino que también ve amplificada su fuerza expresiva originaria. La misma lógica del reacomodo ingenioso y leal de piezas de viejos rompecabezas prog-sinfónicos se aplica al caso de ‘Voyager’. Al igual que en el caso de ‘Brooklands’, es de notar el modo en que se sienten los aportes de la dupla rítmica al dinamismo grupal dentro de estas nuevas mezclas. Todo termina con la versión en vivo de ‘Atlantic Cable’, registrada de un concierto que tuvo lugar en Friars, Aylesbury, en setiembre del 2022. Tal como se señaló en el primer párrafo de la presente reseña, en esta canción final canta el sucesor de Longdon. .

Ahora nos concentramos en “The Likes Of Us”, que, como ya dijimos antes, se publicó en marzo del 2024 por vía del sello InsideOut Music. La publicación se hizo en varios formatos: CD, CD + Blu-ray, y vinilos dobles de color negro, anaranjado, celeste y verde oliva. Tras las sesiones de grabación del nuevo material, Bravin y Rob Aubrey se hicieron cargo de la mezcla mientras que este último realizó la masterización. Repasemos ahora el repertorio de este nuevo disco. Todo empieza con ‘Light Left In The Day’, una canción que desde el punto de arranque hace gala de su bien delineado lirismo con el dueto de voz y guitarra, para que muy pronto el asunto se impulse hacia un suntuoso dinamismo que es muy propio de la esencia histórica de la banda. Las ilaciones establecidas entre los pasajes más intrépidos y los más reposados fluyen naturalmente con la persistencia de la garra extrovertida del bloque instrumental. ‘Oblivion’ se focaliza consistentemente en los ecos del masivo fulgor progresivo de la canción inicial para gestar una inspirada confluencia de gancho melódico y sofisticado vitalismo. Lo que suena se sitúa en un punto intermedio entre los ARENA del nuevo milenio y los SPOCK’S BEARD de fines de los 90, siendo así que la manera en que se conectan el bajo y los teclados activan el resto del engranaje melódico con muy buen pulso. El tercer tema del disco es el maratoniano ‘Beneath The Masts’ (dura poco menos de 17 ½ minutos), lo cual viene bien como un sistemático despliegue de cristalina fastuosidad melódica tras el llamativo vigor de ‘Oblivion’. Todo empieza con un aura de melancolía contemplativa donde el equilibrio instrumental se complementa a la perfección con el evocador canto. A poco de pasada la barrera del cuarto minuto, las cosas se intensifican notoriamente para transitar por varios parajes temáticos cuyas respectivas arquitecturas rítmicas van de una ligereza con orientación pesada a una complejidad marcada por ingeniosos juegos de síncopas. Es en estos últimos que el grupo parece coquetear ligeramente con el estándar del prog-metal melódico, mientras que en los primeros imperan las influencias Yessianas y Genesianas. Para el epílogo, el grupo regresa al motif inaugural, siendo así que el impacto del extenso cuerpo central está patente al 100%. Un cénit definitorio del álbum.

‘Skates On’ es una amable semi-balada con claros aires Genesianos donde la vulnerabilidad marca determinantemente al desarrollo melódico así como a la emotividad vocal. ‘Miramare’ también cuenta con una generosa duración de 10 ¼ minutos. Tras una serena introducción coral, el grupo elabora un exquisito viaje melódico donde las proyecciones de la rutilante estilización instrumental se completan cabalmente con los excelsos pasajes cantados. La presencia de vientos resulta muy efectiva a la hora de dar una densidad extra a los pasajes orquestalmente suntuosos desde la perspectiva de la tradición prog-sinfónica de siempre. El último solo de guitarra es de los más hermosos del disco entero: logra encauzar al bloque instrumental a un cierre monumental para el que, a fin de cuentas, es otro culmen del disco. Cuando llega el turno de ‘Love Is The Light’, la banda vuelve a centrarse en su faceta bucólica y melancólica; las líneas de violín están signadas por una muy oportuna sutileza sobre las líneas de piano. Cuando más adelante las cosas se tornan un poco más climáticas, lo melancólico se reviste de ropajes señoriales en aras de gestar un dramatismo palaciego. ‘Bookmarks’ proyecta una espiritualidad muy afín a la de la canción precedente, pero con un manejo más etéreo de las vibraciones reflexivas que se van plasmando a lo largo del camino. El carácter envolvente de los arreglos permite al romanticismo pastoral de la canción mantener su consistencia expresiva. Ocupando un espacio de cerca de 8 minutos, ‘Last Eleven’ cierra el repertorio con una exhibición de agradables agitaciones melódicas que se acercan bastante a los patrones de TRANSATLANTIC y SPOCK’S BEARD. En algún momento emerge un bello solo de sintetizador que capitaliza la bonhomía general de la canción. Mientras tanto, el colectivo se mueva eficazmente a través de todas las dimensiones centelleantes del desarrollo temático, el cual explota la faceta más ágil del paradigma histórico de la banda. A fin de cuentas, esta canción de cierra expone una síntesis de los recursos más saltarines de las canciones #2 y #3 con la adición de algunos artefactos luminosos plasmados en ‘Miramare’. El perfecto cierre para el que nos parece uno de los mejores discos de toda la historia de BIG BIG TRAIN, todo un manifiesto de cómo el colectivo ha podido rehacerse con creatividad y autoridad tras la debacle generada por el fallecimiento de Longdon. “The Likes Of Us” funciona, por igual, como bitácora de una nueva travesía y como epifanía de una presta resurrección.

Pero hay algo más. La gente de BIG BIG TRAIN publicó el registro en vivo “A Flare On The Lens: Live In London” durante el último tercio del año 2024. Este triple CD + DVD (que también existe como doble vinilo en colores negro, amarillo y rojo transparente) nos muestra a una banda muy proactiva en el exhaustivo repaso de varias canciones de su amplio repertorio histórico desde el 2009, con una prevalencia del material de los discos de “English Electric”, muy emblemáticos para la trayectoria del grupo. En los conciertos del 12 y el 13 de setiembre del 2023 en el Cadogan Hall de Londres, el entonces sexteto de Bravin, D’Virgilio, Holldorff. Lindley, Sjöblom y Spawton estuvo acompañado por la guitarrista italiana Maria Barbieri y el cuarteto de metales conformado por Dave Desmond (trombón y mellotrón), Danae Eggen (corno francés), Nick Mott (trompetas) y Mike Poyser (tuba). Hay varios aspectos a destacar de este minucioso testimonio en directo: exultantes ejecuciones de ‘Summoned By Bells’, ‘A Boy In Darkness’, ‘Apollo’, ‘East Coast Racer’, ‘Victorian Brickwork’ y ‘Brooklands’; un medley acústico que culmina con una emotiva versión de ‘Wassail’; un diálogo entre batería y ensamble de bronces que incluye citas del clásico de YES ‘Heart Of The Sunrise’; primicias de ‘Love Is The Light’ y ‘Oblivion’ con el anuncio de un “próximo nuevo disco” que mueve la ovación del público. Se nota que los fans de la banda tienen una actitud receptiva al 100% para con el nuevo frontman, quien realmente muestra destreza a los teclados y la guitarra acústica de 12 cuerdas, además de tener un gran manejo escénico… y cómo no, un estupendo registro vocal. Todo esto fue lo que se nos brindó en estos últimos años desde la remodelada fábrica de música progresiva de BIG BIG TRAIN, una banda que regresa de las cenizas con premura, nuevo vigor y renovada creatividad musical para beneplácito de la escena progresiva de nuestros días. “The Likes Of Us” y el documento en vivo “A Flare On The Lens: Live In London” son registros incuestionables de la vigencia que mantiene la entidad de BIG BIG TRAIN en ésta, su nueva travesía progresiva.

Muestras de “The Likes Of Us” y algo más.-

Oblivion: https://insideoutmusic.bandcamp.com/track/oblivion

Beneath The Masts: https://insideoutmusic.bandcamp.com/track/beneath-the-masts

Miramare: https://insideoutmusic.bandcamp.com/track/miramare

Love Is The Light [en vivo, setiembre del 2023]: https://www.youtube.com/watch?v=oAlu6kzTp6Q

QUÁSAR: una nueva galaxia en el cosmos del rock progresivo argentino

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy presentamos al novel grupo argentino QUÁSAR, el cual debutó fonográficamente con un disco homónimo publicado a fines del mes de mayo del año 2023. El grupo integrado por Francisco Comínguez [teclados y voz], Santiago Rodríguez [guitarras y voz], Iván Vega [bajo] y Leopoldo Arenas [batería] cultiva un prog sinfónico muy vivaz que recibe influencias de GENESIS, YES, CRUCIS y CAMEL, afiliándose en una línea de trabajo similar a las de VITRAL, CARAVELA ESCARLATE, PHOG y RESIDUOS MENTALES, por poner unos cuantos ejemplos de música progresiva cuidadosamente melódica y muy dada a jugar con armazones de melodías y orquestaciones. El material aquí contenido fue grabado en vivo en el Estudio Kimono de Buenos Aires, en diciembre de 2022. Los ulteriores procesos de mezcla y masterización estuvieron a cargo de Gerardo Boyadjian y Toto Strapporava, respectivamente. El arte gráfica es de la autoría de Adrián Cavallero. Tras una primera edición independiente, el sello connacional Viajero Inmóvil se dedicó a ampliar la llegada al público del presente disco con una reedición concretada antes de que terminara ese mismo año 2023. Llega un poco tarde esta reseña de “Quásar”, es cierto, y es justo por eso que de inmediato vamos a revisar su repertorio. 

 

Los 11 primeros minutos del repertorio están ocupados por la pieza ‘Ser Eterno’, la misma que contiene las secciones sucesivamente tituladas ‘Edén’, ‘Creación’ y ‘Edénegën’. Todo comienza con una serena atmósfera forestal envuelta en un cariz etéreo, siendo así que la suave neblina inicial empieza a dejar paso a cierto fulgor cuando entra a tallar un grácil solo de sintetizador. Instantes después de la barrera del tercer minuto, el grupo se embarca en una focalización lírica que se basa en una cruza entre los YES de 1971 y los CAMEL de 1975. El amable groove armado por la dupla rítmica permite que todo fluya con cristalina elegancia, lo cual facilita a los teclados asumir un aura crecientemente suntuosa para acompañar a las flotantes líneas de la guitarra. Más adelante, un paraje intermedio vira hacia una dimensión más calmada donde lo flotante prevalece más aún, siendo así que los músicos ejercen un dinamismo más ligero para sus interacciones, las cuales están enrumbadas hacia el regreso del fulgor anterior. La coda pastoral cierra el círculo  multitemático solventemente. Acto seguido, llega el turno de ‘Síntesis (Del Sí)’, una composición movida inicialmente por alternados compases de blues-rock y prog bucólico donde la calidez melódica puede explayarse con un muy inspirado refinamiento melódico. En algún momento emerge un breve puente bastante animado, el cual sirve para añadir diversidad al asunto. Con la dupla de ‘Ínferis’ y ‘El Rumor Del Bosque’, la gente de QUÁSAR sigue explayándose en su paleta sonora. El primero de estos temas mencionados se mete de lleno en climas reflexivos al más puro estilo Genesiano con la adición de algunos elementos reminiscentes de la faceta más serena de CRUCIS. La guitarra asume su rol protagónico sin aspavientos, respetando minuciosamente la atmósfera común del bloque sonoro. En cuanto a ‘El Rumor Del Bosque’, su sección prologar comienza con unas ceremoniosas escalas de piano conectadas con el final del tema precedente. Tras el prólogo se desarrolla una ilación de secciones marcadas por una calidez lírica que se mueve grácilmente sobre los variados grooves. El epílogo de piano cierra el círculo con una eficiente puntuación reflexiva. 
 
‘Código Quásar (Incluyendo Despegue Y Aparsaje)’ es otra pieza de generosa extensión con sus casi 10 ½ minutos de espacio. En muchos aspectos, este tema cumple con la misión de perpetuar el momentum expresivo de ‘El Rumor Del Bosque’ para darle unos renovadores giros expresivos. El vitalismo sofisticado de las instancias iniciales abre la puerta a una atmósfera crepuscular, la cual posteriormente será reemplazada por un ejercicio de refinada musculatura. La alternancia entre pasajes etéreos y extrovertidos sigue afianzándose a paso firme, estando aquéllos a cargo de preservar la magia ínsita a la faceta más ensoñadora del ideario musical de QUÁSAR. Los tres siguientes temas siguen la secuencia de ‘Pars I: Kermesse’, ‘Pars II: Danza’ y ‘Pars III: El Profeta’. El primero de ellos sigue ahondando en la veta Cameliana al estilo de la fase 75-76 con varios vértices Yessianos en los solos de sintetizador... especialmente el último. La Parte II está ambientada en un clima jovial cuya prestancia pastoral se centra en los fraseos de la guitarra clásica; los demás instrumentos completan la orquestación de tenor renacentista, logrando así concretar una solvente contraparte a los absorbentes destellos sónicos de la pieza anterior. La Parte III capitaliza y eleva los recursos caleidoscópicos de ‘Kermesse’, gestando una ascensión masivamente señorial en su clímax conclusivo. La pieza encargada de cerrar el álbum se llama justamente ‘Quásar’ y contiene las secciones ‘Entrada’, ‘Memorias’ y ‘Final’. Su misión consiste básicamente en seguir la pauta de exquisita fastuosidad de la pieza anterior mientras pone más incidencia en los factores más ceremoniosos. De esta manera, el vitalismo en curso queda dispuesto de una manera más sutil sin dejar de mostrar sus agitaciones majestuosas de claro tenor sinfónico. Todo esto fue lo que se nos brindó en “Quásar” desde los cuarteles de esta novel banda argentina. Hay que anotar los nombres de QUÁSAR y su disco homónimo en nuestras listas de valiosas novedades progresivas dentro de la actual escena rockera de Sudamérica. Muy recomendable, la verdad que sí... Y ojo, el grupo sigue activo en su misión de producir su próximo trabajo, ojalá que no tarde mucho en ser un ítem concreto dentro del mercado fonográfico. Por lo pronto, queda constado que “Quásar” es una belleza de disco.

 
 
Muestras de “Quásar”.-
Ser Eterno: https://musicaquasar.bandcamp.com/track/ser-eterno-i-ede-n-ii-creacio-n-iii-ede-nege-n
El Rumor Del Bosque: https://musicaquasar.bandcamp.com/track/el-rumor-del-bosque 

Código Quásar: https://musicaquasar.bandcamp.com/track/co-digo-qua-sar-incluyendo-despegue-y-aparsaje

El testamento vanguardista de los suecos FIRE! para el año 2024

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En este momento se da la ocasión de presentar “Testament”, el disco que gestó el trío sueco FIRE! para el año 2024. Para ser más precisos, este disco se publicó el 23 de febrero de ese año recién fenecido con la meta de plantear un esquema sonoro menos revestido de artilugios electrónicos que otros anteriores con los que FIRE! creó su propia voz dentro de la escena avant-jazz-progresiva de su país. El sello Rune Grammofon se hizo cargo de lanzar al mercado a “Testament” tanto en CD como en vinilo (en formatos negro y claro). El colectivo conformado por Mats Gustafsson [saxo barítono], Johan Berthling [batería] compuso todo el material aquí contenido; las sesiones de grabación se remontan a los días 14 y 15 de diciembre del 2002 en el estudio Electrical Audio, en Chicago. En ese mismo estudio y al día siguiente se realizaron las labores de mezcla, las cuales estuvieron a cargo de Steve Albini. Ulteriormente, la masterización fue realizada por Andreas “Lupo” Lubich en Berlín, en octubre del 2023. Kim Hiorthøy es el autor del arte gráfica. “Testament” es el octavo disco de estudio de este trío, contando aquellos en los que contó con invitados especiales (“Unreleased?” con JIM O’ROURKE del 2011, e “In The Mouth – A Hand” con OREN AMBARCHI, del 2012, por ejemplo). Muchas décadas de actividad y renombre tiene Mats Gustafsson en las áreas del punk-jazz y el avant-prog y muchas cosas interesantes se han gestado a lo largo de la trayectoria de FIRE! desde el año 2009, así como en el proyecto paralelo FIRE! ORCHESTRA. Como dijimos más arriba, para este disco, el trío decidió adoptar un enfoque más aguerrido y directo para los arreglos del nuevo material, lo cual les acerca a la labor de los primeros álbumes. Veamos cómo resultó este plan para cada pieza particular. 

Durando poco menos de 7 minutos, ‘Work Song For A Scattered Past’ abre el repertorio con una controlada fuerza de carácter que se va armando de a pocos desde las iniciales escalas del bajo. La disciplina casi marcial de la batería y la elegantemente amenazadora serie de aguerridas notas emanadas del saxo abren campos para que el bajo amplíe sus florituras. Es alrededor de la barrera del tercer minuto y medio que la maciza musculatura del trío opera de manera homogénea, logrando que el clima general se haga más tenso mientras, en paralelo, crecen también los recursos de extroversión jazz-rockera. Imaginemos que la logística del grupo de apoyo de MILES DAVIS de fines de los 60 se hubiese usado para una composición del primer álbum de PRESENT y nos hacemos una buena idea del asunto central de este tema de apertura. Tras este impactante punto de arranque ostensiblemente diseñado para llamar la atención al frente, llega el turno de ‘The Dark Inside Of Cabbage’, una pieza sustentada sobre un groove más sereno donde se dejan entrever matices de punk-jazz atravesados por una parsimonia emparentada con el post-rock dentro de un enclave psicodélicamente minimalista. Con estas coordenadas, el trío gesta una atmósfera densa que se centra en lo misterioso, lo cual permite a los adustos fraseos del saxofón impulsarse por senderos muy intrigantes; además, sus entrecortadas expresiones del final apuntan a una inquietud escondida. ‘Four Ways Of Dealing With One Way’ se instala cómodamente en el terreno del free jazz mientras mantiene ese vigor razonablemente oscurantista que se ha estado manteniendo desde el principio del álbum. Esta vez es la batería quien ocupa el rol protagónico con sus profusos redobles, los cuales marcan la pauta expresiva del trío hasta el descendimiento final. Esta excursión aleatoria no se arroja a un simple caos improvisado por una inteligencia holgazana, no, más bien, se apoya en esa gallarda vivacidad de la batería para que el trío, como un todo, pueda encontrar alguna referencia al orden dentro de la confluencia de libertades sónicas.

La segunda mitad del repertorio se inicia con su segundo tema más extenso, ‘Running Bison. Breathing Entity. Sleeping Reality’, el cual dura 9 minutos. Su vena expresiva va por el lado del tema de apertura, aunque con una acentuación de ceremoniosidad en el groove creado para la ocasión. En una primera instancia, el saxo, bien posicionado en el núcleo central del entramado triádico, el saxo evoca chispazos crepusculares con sus sobrias líneas; en una segunda instancia, las cosas se intensifican por mediación de una dupla rítmica que acoge un dinamismo filudo desde el cual se replantea el swing básico de la pieza para hacer a ésta más rutilante en medio de la persistente neblina. Tal vez tengamos aquí el cénit del álbum. El tema más largo del disco ocupa un espacio de más de 10 ½ minutos y se titula ‘One Testament. One Aim. One More To Go. Again.’; también es el encargado de cerrarlo. Su inicial enclave parsimonioso se centra en un aura deconstructiva donde el trío vuelve de lleno al amparo de lo noctámbulo y lo oscurantista. A poco de pasada la barrera del tercer minuto y medio, los efluvios expresivos impulsan recursos de tensión muy propios de ese camino avant-jazzero que la gente de FIRE! ha convertido en marca de la casa. El saxofón y la batería parecen asociarse en una mezcla de diálogo y batalla mientras el bajo dibuja contornos y matices con precisión quirúrgica. Poco antes de llegar a la frontera del séptimo minuto, el fragor central se difumina en nombre de un regreso a una flemática parsimonia donde lo grisáceo reina con su sigilosa quintaesencia. Hay retazos de un tentativo retorno al fragor pasado, pero son tan sólo acentuaciones de efímera luz dentro de un paraje frondoso. Los golpes finales son tajantes en su conclusiva sequedad, pulsiones de una furia muy contenida. Todo esto fue “Testament”, un genuino testamento de grandeza avant-jazz-progresiva que nos legó el veterano ensamble sueco FIRE! para el año 2024 que ya se nos fue hace pocos días. Ojalá hubiéramos podido terminar y publicar esta reseña mucho antes, pero más allá de su demora, ella testimonia nuestro enorme deleite al apreciar la música aquí plasmada: ¡¡totalmente recomendable!! 

 
Muestras de “Testament”.-
Work Song For A Scattered Past: https://firesweden.bandcamp.com/track/work-song-for-a-scattered-past
Running Bison. Breathing Entity. Sleeping Reality.: https://firesweden.bandcamp.com/track/running-bison-breathing-entity-sleeping-reality

ENTITY: la esperanza de continua reactivación del ideal progresivo italiano

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
En esta ocasión tenemos el gusto de presentar “Il Naufragio Della Speranza”, el último disco del grupo italiano ENTITY; a contrapelo de su título, este disco encarna un nuevo impulso de esperanzas y perspectivas optimistas frente a la perseverancia del ideal del rock progresivo italiano a estas alturas del nuevo milenio. El quinteto conformado por Sergio Calafiura [voz], Marcello Mulas [guitarras], Mauro Mulas [teclados y percusión], Gianluigi Longu [bajo] y Marco Panzino [batería y percusión]. Este álbum titulado como un célebre cuadro del maestro alemán CASPAR DAVID FRIEDRICH gira conceptualmente en torno a una mirada crítica a nuestros tiempos junto a la exigencia de un replanteamiento creativo de la condición humana con miras a conquistar la autenticidad vital. M.P. & Records fue el sello encargado de publicar “Il Naufragio Della Speranza” en el último tercio del mes de junio del recién fenecido año 2024. Han pasado 11 años, nada menos, desde que “Il Falso Centro” saliera al mercado, pero nunca es tarde para volver a lucirse con un nuevo trabajo fonográfico, algo que pasamos a detallar a continuación.

 
Los primeros nuevo minutos y pico del álbum están ocupados por ‘Derealizzazione’, siendo de por sí la pieza más extensa del mismo junto a la siguiente, titulada ‘Inettitudine’ y que también dura 9 minutos y pico. Tras un breve pasaje de ruidos de gente en la calle, ‘Derealizzazione’ inicia su cuerpo central con unos punzantes riffs de guitarra que se encargan de sostener la creciente maraña interconectada de instrumentos. Una vez instalado el núcleo temático, nos topamos con un ejercicio de solemnidad musical que nos remite a una cruza entre los patrones de GENESIS y EMERSON, LAKE & PALMER con un encuadre general al estilo de LE ORME. Hay un bello pasaje de piano que se explaya en ciertos ribetes jazzeros cuya función principal es la de reforzar el lirismo global de la pieza antes de que emerja otra manifestación de sólido colorido. La parte cantada se inicia en el último tercio, expresando solventemente una emotividad poética. Por su parte, ‘Inettitudine’ irradia unas poderosas vibraciones solemnes desde el punto de partida bajo la guía del señorial desarrollo temático creado por el piano. A poco de pasada la frontera del segundo minuto, el ensamble íntegro entra a tallar con la elaboración de un motif jazzero que pronto abre paso a unas erupciones rockeras que se enraízan en los legados históricos de bandas como MUSEO ROSENBACH y OSSANA. La majestuosidad en curso es potente y filuda, a veces coqueteando con lo lúgubre mientras mantiene un perfil aguerrido. En una última instancia, el grupo apela a una variante parsimoniosa de la fuerza expresiva en curso, lo cual ayuda a realzar lo claroscuro mientras remodela el nervio rockero con una incrementada dosis de sofisticación. Cambiando totalmente de registro, ‘Cristallo’ empieza como una embrujadora balada pastoral dirigida mayormente por las melodías y bases armónicas emanadas de la guitarra acústica. Su conmovedor esquema melódico adquiere una magia adicional en su último tercio, cuando adopta un aura Genesiana, un detalle que se resalta especialmente en las texturas ínsitas en los solos de la guitarra eléctrica. 

‘Osservatorio’ es una canción particularmente diseñada para que el esquema de trabajo grupal explore su dimensión más fastuosa y extrovertida con meticuloso detenimiento: ambiciosa variedad de motivos y ambientes, compases inusuales, suntuosidad romántica con algunos aditivos manieristas, todo ello sostenido por un dúo rítmico que maneja toda la complejidad estructural con impoluta fluidez. Las confluencias estilísticas con IL CASTELLO DI ATLANTE y SYNDONE son fáciles de advertir. En esta secuencia de las canciones #2 a la #4 se arma el culmen definitorio del álbum... pero todavía queda más por disfrutar. La miniatura de menos de minuto y medio ‘Fuori Dalla Realtà’ consiste en un hermoso solo de piano que, a fin de cuentas, abre la puerta a la dupla de ‘Risveglio – Tango’ y ‘Risveglio – Fuga’. El primero de estos temas juega con el compás de tango en base a las elegantes síncopas marcadas por el piano, siendo así que en la sección epilogar el rol protagónico es de la guitarra. Ella realiza el que tal vez sea su solo más cautivador de todo el álbum, lo cual prepara el terreno para el arribo del segundo de los temas mencionados, el cual retoma la senda de ambientes ceremoniosos que ya hemos notado en varias piezas precedentes. ‘Un Volto Senza Nome’ es otra miniatura donde el dueto de voz y piano refleja una afectación contemplativa con ciertos ribetes impresionistas. ‘Enigma’ establece un nuevo ejercicio de vitalista soltura donde convergen el fulgor incandescente de los teclados con la robustez de la triangulación de guitarra, bajo y guitarra. El medio tiempo tiene alguna prevalencia en la primera sección mientras que la segunda apela a una intrepidez directa para impulsar la pasión del canto. Hay aires de familia con bandas como UNREAL CITY e INGRANAGGI DELLA VALLE: realmente valía la pena expandir los arreglos de esta segunda sección, pero el grupo decidió darle este espacio y nada más. El cierre del repertorio lo trae ‘E Sarà Domani’, una aristocrática pieza de piano que se deja arropar por majestuosas capas orquestales de sintetizador. 

Toda esta fue la experiencia de “Il Naufragio Della Speranza” que se gestó en los cuarteles de ENTITY, una banda que ha tardado varios años en completar éste, su segundo álbum, pero que, al hacerlo, ha reafirmado su importancia dentro de la nueva generación del rock progresivo sinfónico italiano. Muy recomendable, la verdad que sí.

 
 
Muestras de “Il Naufragio Della Speranza”.-
Innettitudine: https://www.youtube.com/watch?v=biA1q2oI4no
Cristallo: https://www.youtube.com/watch?v=UKzz3iGuIUc

Osservatorio: https://www.youtube.com/watch?v=_lXcoJWcSTs

Quinto viaje de la banda italiana IL BACIO DELLA MEDUSA por las tierras indígenas del rock progresivo actual

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy prestamos toda nuestra atención al quinto disco del grupo italiano IL BACIO DELLA MEDUDA, el último hasta la fecha, el cual lleva el título de “Imilla”. Fue publicado el 25 de agosto del año 2023 por el sello AMS Records, tanto en CD como en vinilo rojo, así que esta reseña llega un poco tarde, pero bueno... ya llega y todo lo que se dice en ella es honesto. Este colectivo de Perugia que está conformado por Simone Cecchini [voz, coros, guitarra acústica y kazoo], Diego Petrini [batería, percusiones, piano, órgano, sintetizador, mellotrón y efectos de máquina de escribir], Eva Morelli [flauta y saxofones alto y soprano], Federico Caprai [bajo] y Andrea Morelli [guitarras eléctrica y pedal steel] gestó aquí una obra conceptual que gira en torno a la figura de la guerrillera germano-boliviana Monika Ertl, quien acogió el sobrenombre de Imilla al servir al Ejército de Liberación Nacional, que fue fundado por el Che Guevara para combatir al régimen gubernamental boliviano. Nacida en el seno de una familia burguesa donde el patriarca era el cinematógrafo y propagandista nazi Hans Ertl, su juventud estaba orientada hacia la misma senda profesional de su padre mientras trabajaba como su asistente de cámara, pero su conversión a una causa radicalmente opuesta a la idiosincrasia política que tenía su padre la llevó por el camino de la rebeldía radical. Ella se hizo conocida por asesinar al coronel Roberto Quintanilla Pereira, uno de los militares que cortó las manos del cadáver del Che. Imilla murió el 12 de mayo de 1973 en un ataque del ejército boliviano y su cuerpo nunca fue entregado a sus deudos. Hablando del grupo en sí, éste regresa prioritariamente al sonido hard-progresivo que signó la senda estilística de sus tres primeros álbumes; como es usual, el frontman Cecchini es el autor del material recogido en “Imilla”. El disco fue mezclado y masterizado en los Dyne Engine Studios, en la pequeña localidad de Castelfidardo, cerca de Ancona. Bueno, repasemos ahora los detalles de su contenido.

Ocupando un espacio de poco más de 8 minutos, la dupla inicial de ‘Un Visto Per La Bolivia’ y ‘Amburgo 1 Aprile 71’ refleja una oportuna perspectiva inicial de buena parte del esquema de trabajo que se ha de explayar en el álbum íntegro. El primero de estos temas mencionados funge como un prólogo cuyas iniciales cadencias de máquina de escribir marcan el compás vigoroso y saltarín con el que se delinea el groove general, liderado en simultáneo por la batería y el kazoo. Un poco más adelante, las cosas asumen un aura más ceremoniosa al estilo de BIGLIETO PER L’INFERNO y ALPHATAURUS, aterrizando todo en un ambiente dramático que evoca aires portuarios. El segundo tema pone en funcionamiento el arsenal pesado y melódico que el grupo tiene como marca de la casa: los riffs guitarreos, los colores de la flauta y los ornamentos de sintetizador se conjugan grácilmente a lo largo del pasaje prologar antes de que la sección cantada dirija la remodelación de los cuerpos centrales de la pieza de apertura. ‘La Dolorida’ es el tercer tema del repertorio y, de paso, el más extenso del mismo con sus casi 6 ¼ minutos de duración. Recogiendo eficazmente las pautas expresionistas del pathos de la canción precedente, aquí el grupo elabora un armazón ingeniosamente variable de motivos donde los grooves y ambientes macizos se van alternando con otros más reposados. En estos últimos se da rienda suelta a una claridad melódica de tenor sinfónico químicamente puro con algunos sutiles tintes folk-rockeros. Una mención especial tiene que ir para el magnífico solo de guitarra que traza la senda del epílogo. ‘Zio Klaus’ está centrado en el desarrollo de un talante solemne cuyo majestuoso vigor se manifiesta lúcidamente sobre su alternancia entre swings parsimoniosos y otros más ágiles. Lo que suena es como un híbrido entre BLACK SABBATH y YES a través del filtro de MUSEO ROSENBACH. La suntuosidad y la musculatura se funden en una sola energía declarativa. Hemos disfrutado de dos cénit muy especiales en sucesión. ‘Dentro Monika Qualcosa Non Va’ hace que las cosas se calmen un poco, tanteando a paso firme el terreno del folk-rock progresivo con un muy inspirado ejercicio de inspiración melódica. El hermoso solo de guitarra eléctrica sirve para agitar el ambiente por un rato. 

 

‘Ho Visto Di Occhi Di Inti Virare A Nero’ es una canción muy vivaz que resuena como una exploración por el área musical de LED ZEPPELIN por parte de la gente de JUMBO. Los cromatismos del saxo ayudan bastante a realzar varios riffs y líneas de guitarra. La sección final se enmarca en un área fusionesca, dejando que la triangulación entre la dupla rítmica y la guitarra juegue con un groove de línea Latin-jazz mientras la flauta dibuja unas cautivadoras florituras. Cuando llega el turno de ‘Senior Service’, el quinteto comienza con un viraje hacia el terreno de lo introspectivo mientras elabora una relajada balada prog-sinfónica. En una segunda instancia, emerge una agilidad magnética donde el nuevo groove permite al grupo explorar un fulgor musical donde se cruzan los patrones de JETHRO TULL (69-71) y VAN DER GRAAF GENERATOR (70-71). Los aires de vulnerabilidad iniciales regresan para el epílogo. ‘Lo Specchio Di Hans Ertl’ persiste en el esquema de la balada progresiva mientras aumenta la dosis de vigor rockero en los guitarreos así como también aumenta la teatralidad en el canto de Cecchini. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘Colt Cobra 38 Special’, un vuelo musical que empieza con el ruido de un pistoletazo y un coche alejándose, lo cual escenifica la acción sangrienta de la protagonista, para que el ensamble empiece a desplegar una ilación de motivos que ya hemos escuchado en canciones precedentes. Esta serie de recapitulaciones está muy bien armada. logrando gestar un dramatismo bastante solvente donde los vientos asumen la mayor parte del protagonismo melódico. En el breve final cantado, el grupo elabora una atmósfera calmada y serena, al modo de una elegía. Todo esto fue lo que se plasmó en “Imilla”, un disco que refleja la permanencia de la creatividad y la energía expresiva en el taller de rock progresivo de la banda italiana IL BACIO DELLA MEDUSA. En líneas generales, tal como lo indicamos en el primer párrafo de la presente reseña, se trata de un retorno a las bases originarias de la banda tras el interesante experimento que se realizó en “Seme” (2018). “Imilla” es una obra muy fiel a la visión progresiva que IL BACIO DELLA MEDUSA asume como su misión estética dentro del rock artístico de nuestros días: bastante recomendable, la verdad que sí. 

 
 
Muestras de “Imilla”.-
La Dolorida: https://ilbaciodellamedusa.bandcamp.com/track/la-dolorida
Zio Klaus: https://ilbaciodellamedusa.bandcamp.com/track/zio-klaus 

Ho Visto Di Occhi Di Inti Virare A Nero: https://ilbaciodellamedusa.bandcamp.com/track/ho-visto-di-occhi-di-inti-virare-a-nero

El aporte de la FLAT EARTH SOCIETY para el año 2024

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy estamos prestando nuestra atención al nuevo trabajo fonográfico del ensamble belga FLAT EARTH SOCIETY: el disco en cuestión se llama “The ONE” y fue publicado el pasado 28 de mayo por el sello Zonk! Records, tanto en CD como en vinilo. El colectivo está conformado por Gert-Jan Dreessen [batería], Peter Vandenberghe [piano y teclados], Kristof Roseeuw [contrabajo], Maarten Flamand [guitarra], Wim Segers [vibráfono], Bart Maris [trompeta], Pauline Leblond [trompeta], Peter Delannoye [trombón], Marc Meeuwissen [trombón], Berlinde Deman [tuba], Peter Vermeersch [clarinete bajo y efectos electrónicos], Martí Melià [clarinete bajo], Bruno Vansina [saxo barítono y flauta], Benjamin Boutreur [saxo alto] y Michel Mast [saxo tenor]. El material contenido en “The ONE” fue grabado en el Johnny Green Giant Studio de Gante entre los días 13 y 17 de noviembre de 2023, siendo así que las ulteriores tareas de mezcla y masterización se llevaron a cabo en el estudio High Velocity Sound de Nevada City, California, bajo el mando de Oz Fritz. La portada es de la autoría del trombonista Marc Meeuwissen. Vandenberghe y Vermeersch se reparten la responsabilidad en las composiciones. Bueno, ya va siendo hora de repasar los detalles del repertorio contenido en “The ONE”, donde los títulos de los temas tienen la peculiaridad de tener en mayúscula sostenida las letras ONE.

‘bONEs’ es el tema que da inicio al álbum y es el más extenso del mismo, tratándose de una suite de 24 ½ minutos que contiene cuatro partes con sus propios títulos autónomos: ‘wONEdering’, ‘second to ONE’, ‘mr. ONE the Third’ y ‘no ONE in the final’. Todo empieza con un sigiloso groove de batería al cual acompañan algunos retazos ornamentales de tuba y clarinete bajo antes de que el ensamble íntegro entre en acción con un swing comedidamente extrovertido que nos remite al ensamble de SUN RA en la etapa 76-78 con algunos trazos del MILES DAVIS de fines de los 60. El trombón y la trompeta se alternan en el posicionamiento del lugar protagónico dentro del suntuoso entramado de metales mientras la batería va aumentando paulatinamente su propia exuberancia. Alrededor de la frontera del sexto minuto, mientras el saxo tenor asume el protagonismo, todo se remodela drásticamente en un magma aleatorio donde el susodicho instrumento gesta unos osados diálogos con el piano en clave de free jazz. Mientras la batería y el contrabajo vuelven a la escena, se prepara el terreno para otro viaje colectivo, siendo éste más sosegado bajo una aureola de cool jazz sobre un tempo de blues. Tras un puente deconstructivo donde surgen algunas vibraciones siniestras, la percusión tonal se hace notar más y empieza a dirigir la organización de un tercer momento bastante vivaz, el mismo que se sitúa en una vereda Zappiana. Siendo así que la pieza ha pasado su ecuador, podemos decir que esta sección es crucial para su expresividad sustancial; ayuda mucho que sus arreglos tengan una sofisticación muy particular. Las dos siguiente secciones siguen adelante con la fastuosidad así como con el despliegue de refinado vigor. La penúltima sección se apoya en la persistente ubicación destacada del vibráfono para hacer que el núcleo melódico vaya fluyendo naturalmente mientras emergen los virtuosos ornamentos de los diversos vientos. En cuanto a la segunda, el ímpetu expresionista se beneficia de la robustez de los guitarreos, los cuales permiten a los vientos y a la batería orientarse a paso firme a través de una senda de controlada explosividad. ¡Qué tremenda apertura del álbum! 

‘The Lost ONE’, la segunda pieza, fue compuesta en memoria del clarinetista-baterista-percusionista Tom Wouters, quien murió en el año 2021 y fue alguna vez integrante de la banda (ya había otro ítem en su honor en el álbum anterior “R.I.P”). Las líneas inaugurales del clarinete bajo ponen en claro el aura elegíaca que tendrá la pieza, pero no busquemos parsimonia aquí. El ensamblaje de batería y percusión arma un swing de tenor latino en un tempo moderadamente lento que permite al ensamble de vientos organizar un colorido evocador que respeta milimétricamente las cadencias y hálitos de espiritualidad reflexiva ínsitas a la composición. Una vez que se hacen notar las florituras del piano y del vibráfono, la gentileza del momento logra hacerse más patente. ‘Zippo Raid’ es una manifestación de puro esplendor emocional, una celebración de la vida como un continuo oleaje de luz que se traduce a un ágil ejercicio de jazz-rock donde la soltura de unos WEATHER REPORT se deja transportar al universo estandarizado de las big bands. La sólida pulcritud con la que se llenan los espacios diseñados por el esquema temático se siente naturalmente emplazada dentro del festivo dinamismo elaborado por el dúo rítmico. ‘The Previous ONE’ es la segunda pieza más extensa del repertorio con su espacio de 15 ¼ minutos. Su primera sección recibe los ecos de vivaracho dinamismo de la pieza precedente, teniendo la guitarra un rol un poco más prominente dentro del copioso entramado instrumental. Una segunda sección sirve para que el ensamble vire drásticamente hacia un ambiente sosegado y experimente con engarzamientos de armonías inusuales mientras recoge el legado del jazz experimental de fines de los 60. La batería y la guitarra se disputan fraternalmente el protagonismo mientras el bloque global arma un crescendo expresionista que llega a niveles volcánicamente tensos a poco de pasada la frontera del séptimo minuto. Tras esta erupción llega una prolongada instancia deconstructiva donde la tensión, en vez de desaparecer, se transforma en una srie de efluvios solipsistas e impenetrables. Recién a poco de pasada la frontera del decimotercer minuto, el grupo vuelve a armar un esquema temático reconocible: las cadencias iniciales preparan el terreno para un nuevo festín de jovialidad y agilidad, un epílogo celebratorio realmente irresistible. Las últimas notas de piano emiten una agradecida despedida. Un cénit del álbum a la par de la maratón que le dio inicio.

 

 

‘The ONE’ impone una nueva modalidad de vibraciones extrovertidas con la cruza de esquemas sónicos de vertiente nu-jazz dentro de un ágil entramado jazz-progresivo que se emparenta con lo que hacen bandas como JAGA JAZZIST y FORGAS BAND PHENOMENA. Los aires vanguardistas que se emplean aquí portan un magnetismo muy especial debido a lo llamativos que son el núcleo temático y el centro rítmico. El tema que cierra el álbum es el idóneamente titulado ‘The Last ONE (The Lost Post)’, que consiste en un collage surrealista donde toda una serie de recursos futuristas perpetrados por los sintetizadores (junto a unas perturbadoras vocalizaciones cuasi-robóticas) transitan por los subterfugios de diversos motivos de vientos. La ilación, con todo lo aventurera es, se siente bastante orgánica: un atajo tecnológico que nos toma de sorpresa pero que, al fin y al cabo, completa el versátil paisaje musical de la banda. Todo esto fue “The ONE”, una magna obra, una más que sale de la fábrica de hacer excelente música de los belgas FLAT EARTH SOCIETY. El ideal del jazz vanguardista está en muy buenas manos dentro del mundo contemporáneo mientras existen grupos como FLAT EARTH SOCIETY. Esperemos que no pase mucho tiempo hasta que emerja su próxima obra fonográfica; por lo pronto, he aquí un disco fundamental para el jazz contemporáneo que se ha producido en este año 2024 que ya se nos va.

Muestras de “The ONE”.-

bONEs: https://flatearthsocietyofficial.bandcamp.com/track/bones

Zippo Raid: https://flatearthsocietyofficial.bandcamp.com/track/zippo-raid

The Previous ONE: https://flatearthsocietyofficial.bandcamp.com/track/the-previous-one

MASAL, por siempre jamás

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

En esta ocasión tenemos la enorme alegría de presentar el más reciente lanzamiento fonográfico del ensamble avant-progresivo francés MASAL, uno de los más notables de este año 2024 que ya se nos va. El título del disco es “Siempre”, así, en español. Bajo el mando perpetuo de Jean-Paul Prat [piano y teclados], el ensamble de MASAL se completa casi siempre con Jean Prat [batería, xilofón y otras percusiones], Vincent Brizoux [saxos alto, soprano y barítono] y Norbert Galo [guitarras eléctrica y acústica, y mandolina], y de forma permanente, con el bajista Philippe Bussonnet. Otros músicos aparecen ocasionalmente como invitados: Emmanuel Prat (teclados), Baptiste Ferrandis (guitarra), Olivier Bodson (trompeta y fliscorno), Antoine Colin (trompeta), Jan Eggermont (saxos tenor, soprano y barítono), Marc Godfroid (trombón), Yann Lecollaire (clarinete), Toine Thys (clarinete bajo), Eva Debruyne (oboe), Stefan Bracaval (flauta) y Paul Hanson (fagot). Como es habitual, toda la música que forma parte de “Siempre” fue compuesta y arreglada por Jean-Paul Prat, siendo las sesiones de grabación organizadas por él mismo junto a Emmanuel Prat y Jeanne Massonnet en el Studio Pieuvre de Bruselas, Bélgica, entre noviembre del 2023 y enero del 2024. En ese mismo estudio realizó Jean Prat la mezcla, mientras que las ulteriores labores de masterización estuvieron a cargo de Rémy Lebbos en el Rare Sound Studio de Ixelles, Bélgica. Bueno, ya es hora de revisar el material aquí contenido.

 

El repertorio de “Siempre” comienza con la muy vivaz pieza ‘TGV Pour Paradis’, una exhibición de jolgorio que sabe revertirse de señorial sofisticación mientras se explaya sobre su llamativo dinamismo. Los arreglos de vientos son cruciales para afianzar el colorido esencial del cuerpo central; por su parte, los solos de guitarra aportan una garra muy tensa. A continuación, llega el turno de ‘Feu’, un tema diseñado para explorar recursos de densidad con serios matices oscurantistas a lo largo y ancho de una ambiciosa arquitectura. Todo comienza en clave abiertamente belicosa con un juego de síncopas donde impera un espíritu marcial. Un poco más adelante, el ensamble vira hacia una atmósfera centrada en una ceremoniosidad crepuscular, siendo así que la instrumentación emana un aura inquietante y majestuosa tras haber iniciado su trayecto con una actitud tanática. Los ligeros cambios de motif preservan esa agitación aristocrática perfilada por los influjos de los MAGMA de 1971 y los ZAO de 1973. Un entramado que, a paso firme, erige un cénit decisivo del álbum. ‘Danse De L’eau’ cambia totalmente de registro para dejarse llevar por un cristalino y grácil lirismo de ribetes renacentistas, llegando a ostentar un brío juguetón y primaveral. Una contraparte bien afianzada frente al delirante autoritarismo de ‘Feu’. El largo tema ‘Isami’ gira en torno a un envolvente motif de piano que algo tiene de impresionista, aunque los ornamentos provistos por los vientos y el sintetizador gestan una mesurada suntuosidad. Mientras avanza el cautivador desarrollo temático, algunos elementos románticos y otros jazzeros entran a tallar por vía del saxo soprano. Una composición muy bella, realmente, una invitación a dejarse llevar por un éxtasis contemplativo que tiene variados niveles de conmoción mística, un abierto contraste frente a la propuesta de ‘Feu’, cuya propuesta era una celebración de la nigromancia conectada a misterios lúgubres. 

 
Con sus cerca de 18 ½ minutos de duración, ‘Des Flots D’'eau Vive’ se erige como la pieza más extensa del álbum... Y también es una ofrenda de belleza musical químicamente pura en clave de chamber-rock. Su sección prologar recibe directamente los ecos de estilizada evocación del tema precedente, siendo así que las refinadas orquestaciones de los vientos generan unas elocuentes vibraciones exuberantes donde la vitalidad del momento se realza con total eficacia. A poco de pasada la frontera del quinto minuto, los nuevos efluvios del piano movilizan unas texturas más fulgurosas y cálidas, algo así como una expresión del agua tras las previas brisas de aire. Adicionalmente, el ingreso de la guitarra resulta muy relevante para la manifestación de este renovado esplendor. Una tercera sección que se inicia alrededor de la frontera de los once minutos y medio capitaliza el fulgor reinante para brindarle una mayor dosis de exquisitez. La sección epilogar es saltarina, elaborando unas leves agitaciones cuyas ondulaciones parecen esbozar una próxima ensoñación (casi a lo OLDFIELD) para el intelecto que se mantuvo atento a toda la precedente serie de texturas. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘La Marseillaise’, un breve dueto de piano y fliscorno que trae el manto nocturno para cubrir eso onírico vuelo introspectivo que se anunciaba en el cierre de la penúltima pieza. La discreta presencia de la percusión tonal completa el paisaje sonoro de esta variación del himno nacional francés con eficaz sobriedad. En fin, todo esto es lo que se nos ofreció con “Siempre”, un disco hermoso y embrujador que sirve para que MASAL refuerce, una vez más, su grandeza estética. Dicha grandeza es para siempre jamás.

 
 
Muestras de “Siempre”.-
Feu: https://masal.bandcamp.com/track/feu
Des Flots Déau Vive: https://masal.bandcamp.com/track/des-flots-deau-vive
 

Tercer carnaval avant-progresivo de INNER EAR BRIGADE

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy presentamos una de las más brillantes sorpresas emergidas dentro de la avanzada progresiva estadounidense durante el último tramo del año 2024: “Perkunas”, la tercera obra fonográfica de INNER EAR BRIGADE, uno de los más ágiles ensambles de música avant-progresiva de los últimos años. Con su vigente conformación integrada por Bill Wolter [guitarra y teclados], Ivor Holloway [saxofones, clarinete y EWI] y Chris Lauf [batería y percusión], nos brinda un catálogo de siete nuevas composiciones pletóricas de ingenioso colorido y osados desarrollos temáticos. Geomancy Records fue el sello encargado de publicar este álbum el pasado 20 de noviembre. El trío estuvo acompañado por una numerosa cantidad de colaboradores alternados: los bajistas Stephen Wright, Jason Hoopes y Curtis McKinney; los teclistas Andrew Vernon, Andrew Jamieson, Eli Wallace y Max Stoffregen; la cantante Madeline Tasquin; el violista Charith Premawardhana; los percusionistas Aharon Wheels Bolsta y Shayna Dunkleman, y; el baterista Jordan Glenn. También aparecen Melody Ferris y Alison Niedbalski a los coros. El disco que hoy nos ocupa fue mezclado por Nahuel Bronzini en el Studio Burgundio de Berkeley, California, siendo posteriormente masterizado por Nate Wood en Kerseboom Mastering, Nueva York. Adelantamos que tenemos aquí un disco genial donde se renueva ferozmente los ideales de la música progresiva en su dimensión más combativamente vanguardista (incluyendo eso mal llamado RIO); a propósito, el nombre del álbum alude a Pekūnas, el dios del trueno, la lluvia, las montañas y el cielo en la mitología báltica, aunque su portada nos remita más bien a un híbrido de rococó y surrealismo. Lo más idóneo ahora es repasar cada pieza contenida en su repertorio.

La experiencia de “Perkunas” empieza con ‘Ecobio Curves’, una pieza bastante festiva donde las vibraciones caleidoscópicas emanadas del entramado de vientos, guitarra y teclados realzan eficazmente la magia fulgurosa del complejo desarrollo melódico. La sistemática e incesante gracilidad de la dupla rítmica permite que este despliegue de luminosidad sonora se mueva fluidamente a través de una ingeniería patentemente compleja. El lirismo del canto femenino nos remite a esos primeros años de RETURN TO FOREVER mientras la instrumentación tiende puentes entre el patrón de los THINKING PLAGUE de los 90 y los HENRY COW del último álbum. ‘Sumimasen’ sigue a continuación para remodelar el esplendor esquemático de la pieza de apertura con una estrategia un poco más comedida, siendo así que el factor jazz-fusionesco es explorado de forma fehaciente con miras a realzar la persistente elegancia progresiva del ensamble. El pasaje introductorio de piano eléctrico asienta los fundamentos del ambiente general bajo el que se habrá de preservar el vitalismo reinante con una versatilidad absorbente. De esta manera, en medio del bien manejado contraste entre los pasajes serenos y los extrovertidos, estos últimos se destacan con un nervio pronunciado: el cénit de este aspecto está en la climática sección final. Un momento culminante del disco.  La dupla de ‘Earendel’ y ‘Goblin Gruel Part 1’ sirve para que el ensamble siga explorando renovadoras estrategias sónicas dentro de su esquema de trabajo esencial. El primero de estos temas mencionados es un excelso ejercicio de coloridos jazz-progresivos pertrechado con masivos croquis donde el saxofón puede ubicarse en el centro protagónico mientras la batería instala una arquitectura rítmica realmente sólida; por su parte, los teclados colocan y apuntalan unos ornamentos cristalinamente señoriales. Una vez que la guitarra reemplaza al saxofón en el centro protagónico, el lirismo imperante asume una vivacidad renovada. He aquí otro pasaje mayúsculo del repertorio. Por su parte, ‘Goblin Gruel Part 1’ se adentra en el área del jazz-rock con matices experimentales, muy al modo de una hibridación entre el ZAPPA de 1972 y los WEATHER REPORT de 1975 a través del filtro de FORGAS BAND PHENOMENA. Como se puede adivinar, esta nueva exhibición de algarabía musical se enriquece con ciertos recursos de extravagante distinción.

‘Muse 2 Entropy’ es una exploración de matices relajados y ligeramente misteriosos que se transportan sobre un groove crepuscular de tenor jazzero. El esquema melódico es manejado con una constreñida exuberancia, la misma que permite a la creciente maraña instrumental ascender de manera muy sostenida. Cuando llega el turno de ‘Brood X’, el ensamble tiende puentes estilísticos fraternos con FRENCH TV y HUMBLE GRUMBLE al elaborar un ejercicio de vivacidad y agudeza donde el potencial surrealista del núcleo temático es atenuado por la vitamínica extroversión del armazón instrumental. Dicho sea de paso, posiblemente tenemos aquí el mejor solo de guitarra de todo el disco. La pieza homónima no solamente es la más extensa del álbum con sus casi 9 ½ minutos de duración, sino que también es la encargada de cerrarlo. ‘Perkunas’ comienza con un talante ceremonioso cuya evidente majestuosidad es manejada con una envolvente sobriedad; la maraña instrumental gira en torno al dueto de teclado y canto, siendo ésta dirigida calculadamente hacia una expansión expresionista que abrirá un forado poco antes de llegar a la frontera del segundo minuto y medio, y a una feroz corriente a poco de llegar a la seña del tercer minuto. La juguetona vitalidad en curso tiene algo de tenso, pero, en su mayor parte, es una reciedumbre traviesa y festiva la que marca la pauta de este cuerpo central. Regresan al frente los fantasmas de HENRY COW y THINKING PLAGUE, siempre a través del propio filtro de INNER EAR BRIGADE. En algún momento, surgen unas exquisitas florituras de saxofón, guitarra y piano eléctrico que activan un refuerzo del carnaval bizarro que no parece tener dónde parar. El pasaje epilogar articula un regreso al motif inicial con esa vieja ceremoniosidad sin evitar los ecos del masivo expresionismo que marcó al carácter esencial de esta pieza. Un cierre a lo grande para “Perkunas”, el cénit final para un disco que irradia convulsiones fabulosas por todos sus poros.

En conclusión, debemos agradecer a la gente de INNER EAR BRIGADE por haberse lucido tanto en la gestación y la producción de la música contenida en “Perkunas”, un disco totalmente recomendable en cualquier buena colección de rock progresivo y otras variantes experimentales. 

 
 
Muestras de “Perkunas”.-
Sumimasen: https://innerearbrigade.bandcamp.com/track/sumimasen

Earendel: https://www.youtube.com/watch?v=ZZtMg0TxTZc
Perkunas: https://www.youtube.com/watch?v=5mY6VT98MQs