CRISÁLIDA y sus sonidos solares

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

CRISÁLIDA es una banda chilena dedicada a cultivar un ágil y ecléctico híbrido de rock sinfónico y prog-metal sensible a la incorporación de cadencias fusionescas y folclóricas dentro de su entramado sonoro esencial. La banda se formó en 1997 pero recién en 2006 pudo editar su homónimo primer disco, el cual daba prioridad al elemento prog-metalero. CRISÁLIDA se puso a explorar sus deseadas potencialidades con mayor rigor a partir de su segundo disco “Raco”, publicado en 2008, el cual fue muy bien recibido por el público progresivo. Fue en este momento de su carrera que el quinteto se fogueó actuando como telonera de personalidades internacionales como THE GATHERING, DEEP PURPLE, ASIA, etc., además de su celebrada participación en el Lima Prog Fest II en la capital peruana de Lima en octubre de 2012. Este año 2012 es también el del lanzamiento de su tercer trabajo fonográfico “Solar”, el cual pasamos a comentar en esta reseña. El quinteto actualmente conformado por Cinthia Santibáñez [voz], Javier Sepúlveda [guitarras], Rodrigo Castro [bajo], Rodrigo Sánchez [batería] y Mauricio Olivares [teclados] contó con la presencia invitada de Felipe Troncoso para tocar teclados en un tema y bajo en dos.

 

Durando 6 ¾ minutos, ‘Araucana’ abre el disco con una impetuosa lucidez basada en el fluido manejo de cadencias fusionescas en su estructura rítmica básica mientras la furia rockera proporciona genuina vitalidad al desarrollo melódico. ‘Atacama’ sigue a continuación con la misión de proyectar atmósferas intimistas a la vez que se preserva el punche rockero en algunos pasajes estratégicos: la solemnidad progresiva está a flor de piel, patente sin atenuantes, con alusiones al modelo clásico de YES y la faceta vulnerable de DREAM THEATER. ‘Bajo Tierra’ y ‘Mantra’ se encargan sucesivamente de perpetuar la dinámica general del repertorio: la primera de estas canciones se centra en ahondar en vibraciones sonoras sólidamente expresionistas, mientras que la segunda crea una síntesis entre ‘Araucana’ y ‘Atacama’: este mismo tipo de síntesis lo volveremos a encontrar un poco más adelante en ‘Kitral’, con la salvedad de que el despliegue de polenta es un poco más notorio. ‘Mitos’, por su parte, exhibe las aristas más líricas de la banda en el contexto de una emotividad intensa cuyo empuje esencial es manejado con suma elegancia: incluso se puede decir que CRISÁLIDA está, en cierta medida, aproximándose un poco al estándar del MATRAZ de “Gritaré”. ‘Aurora Polar’ emerge como una bella power-ballad que encapsula la fuerza de RUSH y la espiritualidad etérea de PINK FLOYD: su gancho es tan notable que cuando termina se siente demasiado pronto para su conclusión, pero es justamente tras su final que llega la hora de ‘Solar (Pacahkuti)’, canción que recoge un férreo delineamiento de los momentos más progresivamente mágicos del repertorio precedente para llevarlos hacia su máxima expresión de vigor y dramatismo. De hecho, se trata del clímax crucial del disco en sí, una amalgama perfecta de prog-metal y tradición sinfónica. Los últimos 4 ½ minutos del álbum están ocupados por ‘Raíz’, un hermoso epílogo armado por Olivares al piano y a las capas orquestales, un recurso de solemnidad reflexiva que redondea la culminación de la espiritualidad desarrollada en la secuencia de las dos canciones precedentes.    

Hace poco, la gente de CRISÁLIDA ofreció un concierto muy especial por su 15to. aniversario el pasado 28 de diciembre en la Sala VSD Vespucio, contando para la ocasión con invitados especiales como el bajista Braulio Aspé (de OCTOPUS) y Cristian Carrillo (ex- guitarrista de la banda). ¡Y cómo olvidar su presencia en uno de los lugares culminantes del cartel del Lima Prog Fest II, que tuvo lugar en Perú en octubre pasado! Por lo escuchado en “Solar” respecto a la inversión de musicalidad, vitalidad y creatividad, podemos asegurarnos de que CRISÁLIDA todavía tiene muchos años más en el horizonte para seguir aportando cosas interesantes al sueño de la música progresiva en Chile.

Muestras de “Solar”.-

Araucana:  http://www.youtube.com/watch?v=hbyPUHyTNdU
Atacama: http://www.youtube.com/watch?v=DwE9nCr-di0
Solar [en vivo en Rockaxis TV]: http://www.youtube.com/watch?v=pPh6aFMAiqI  

KHARMINA BURANNA renueva su ser progresivo

 

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy enfocamos nuestra atención en la escena progresiva peruana para concentrarnos en el reciente segundo disco del grupo KHARMINA BURANNA: “Seres Humanos”. Este disco, producido hace pocas semanas por el sello mexicano Azafrán Media y el francés Musea Records antes de que el año 2012 emita sus último aliento, nos muestra a una enérgica y eficiente máquina sonora orquestada en torno al bloque instrumental de Mauricio Hooker [bajo y guitarra acústica], Juan Carlos Rodríguez Casanova [guitarras eléctricas y clásica], Daniel López  Gutiérrez [órgano Hammond, piano, Mini-Moog, sintetizadores digitales y metalófono] y Víctor Otárola [batería y percusión]. También hay ocasionales participaciones de parte de Diego Sue [bajos con y sin trastes y guitarra acústica] y Luciana Derteano [voz], aunque cabe añadir que el hecho de que estos dos últimos estén registrados como miembros de la banda nos hace concluir que KHARMINA BURANNA se proyecta a operar como sexteto en próximos trabajos fonográficos. El sonido reformado de la banda no se asienta sobre los mismos cimientos que el exhibido en su disco debut de cuatro años atrás “El Arte De Seguir Vivos”, donde aparecían el frontman Ángelo Palma (primera voz, armónica y guitarra acústica) y el guitarrista Eduardo Valcárcel; ahora, este grupo pone un convincente acento en el aspecto sinfónico dentro de su bien amalgamada actitud ecléctica dentro del lenguaje progresivo. Más que una metamorfosis que lleva a una dimensión diferente a las transitadas en el mencionado disco debut, lo que suena en “Seres Humanos” resulta una reformulación inspirada en la mirada focalizada a ciertos aspectos específicos del arco iris musical que late en el interior de la esencia más pura de la banda. Dicho en una sola palabra: crecimiento.   

  

 

 

Dentro del consistentemente notable repertorio de “Seres Humanos”, se resaltan de forma especial dos temas instrumentales: ‘Pasta Mental’ y ‘Odisea’. El primero articula un colorido dinámico y magnético, relativamente basado en las influencias de PFM, GENESIS y GENTLE GIANT, dejando que cada motivo específico siembre sus semillas para que florezcan fluidamente sus frutos musicales dentro del esquema caleidoscópico donde se hilan las bien amalgamadas interacciones de los instrumentistas. Si ‘Pasta Mental’ es un ejercicio de jardinería sónica, ‘Odisea’ es una vitalista ostentación de inteligencia arquitectónica, abierto y cerrado por un motivo central marcado por un lirismo donde confluyen la vitalidad de YES y la cálida sobriedad de CAMEL. En medio, emerge un interludio Crimsoniano (con base de sintetizador) en el que se erige un ejercicio de tensión repetitiva alimentado por una densidad etérea, mayormente  sostenida por la base de teclado: las adiciones de guitarra y los ornamentos aportados por la dupla rítmica completan el cuadro con pulcra magnificencia, especialmente en lo referente a las magníficas florituras que arma la batería en las instancias finales del intermedio. Ya con el simple fáctum de escuchar estos dos temas, nos percatamos de que KHARMINA BURANNA ha conquistado una forma indiscutible de madurez artística, pero esto no es todo lo que hay de nobleza creativa en el álbum, por supuesto que no.

Se destacan también los dos temas cantados – bastante largos ambos – ‘Lengua De Trapo’ y la canción homónima. Comenzamos con esta última, que dura 10 minutos y pico. Tras un prólogo signado por un predominio de instrumentación acústica bajo la guía de una dupla de guitarras. Cuando entra en acción la serie de fraseos solistas de la guitarra eléctrica, la pieza empieza a adquirir gradualmente unas dosis acrecentadas de luminosidad y extroversión, cabiendo destacar el swing aportado por el bajo sin trastes y la expresividad mágica del último arreglo vocal. El clímax conclusivo, que patentemente suena a un híbrido de KING CRIMSON y GENTLE GIANT, brinda un vibrante epílogo lleno de neurótica agilidad. Por su parte, ‘Lengua De Trapo’, que dura casi 17 minutos, ofrece una estructuración más variopinta que pretende sacar el juego a su campo de expansión. En nuestra opinión, la labor de cohesión de los diversos motivos sucesivos no está tan bien dinamizada como en el caso de ‘Seres Humanos’, pero igualmente resulta un ítem valioso como composición progresiva, no cabe duda de ello. Empieza con un solo de bajo que opera como sutil ritual preparatorio para el esquema melódico de los motivos a ser desarrollados y expandidos en el cuerpo central: una vez más, las influencias del modelo italiano de vieja escuela (PFM, LE ORME) y del YES clásico salen a relucir plenamente en el flujo de ideas, llegando a su cumbre en la contundentemente extrovertida sección final. De paso, va una mención especial para Daniel López por darle una robustez magnéticamente sólida a sus solos de sintetizador, creando así fuentes de efectiva interlocución para los eternamente impresionantes guitarreos de Casanova. Cabe destacar la manera en que Luciana Derteano sabe apropiarse de la espiritualidad esencial de cada pieza cantada en sus intervenciones: con la peculiar agilidad de su canto y su precisa sensibilidad para amoldarse a las exigencias melódicas de ‘Seres Humanos’ y ‘Lengua De Trapo’, se garantiza una oportuna transmisión de sus respectivos mensajes. Datos anecdóticos: resulta que las letras de estas canciones pertenecen respectivamente a Ángelo Pérez Palma Tomandl y Federico Mesinas Montero, los antecesores de Derteano, y además, ‘Odisea’ tiene la co-autoría del anterior guitarrista Eduardo Valcárcel Cabero.   

 

 

Los otros dos instrumentales del disco son ’10 Y 27 PM’ y ‘La Sublime Muerte’, teniendo como denominador  común la exploración de los colores más líricos que forman parte de la paleta sonora de KHARMINA BURANNA. ‘10 Y 27 PM’ fue compuesto por el teclista Daniel López en amoroso homenaje al nacimiento de su hijo Adrián: el rol del piano es el de centro neurálgico de los desarrollos temáticos, además de diseñar el exquisito pasaje introductorio. La pieza se desenvuelve en torno a un núcleo fijamente sinfónico, especialmente en lo que se refiere a la articulación de dinamismos épicos propios del paradigma de Tony Banks durante la etapa 73-77 de GENESIS, tal vez con algunos matices adicionales inspirados en SERU GIRÁN. Por su parte, ‘La Sublime Muerte’ está armado en clave de vals sinfónico con suaves matices de blues-rock: el preludio de guitarra clásica, que se basa en una pieza barroca, anticipa la  ceremoniosa delicadeza que atraviesa la estructura integral de la pieza. La delicadeza del entramado instrumental es realizada con una cristalina fluidez que habla muy bien del tipo de madurez performativa que ha conquistado el grupo a lo largo de los años y que ye hamoes mencionado antes.    

“Seres Humanos” es un disco enérgico, vibrante, mágico, rebosante de musicalidad, rico en matices, una obra sobresaliente dentro de la experimentación rockera en la escena peruana – KHARMINA BURANNA se afianza así como una voz relevante dentro de la vertiente progresiva que se ha venido desarrollando en la vanguardia rockera peruana. Y eso que hace pocas semanas se confirmó el reciente apartamiento de Daniel López Gutiérrez y Víctor Otárola, miembros cruciales del empuje creativo de la banda en los últimos años, pero… con la calidad de este nuevo material, podemos darnos el pequeño lujo de soñar esperanzas por nuevas aventuras musicales grandiosas desde los cuarteles de un KHARMINA BURANNA que ahora deberá renovarse a puro pulmón en busca de nuevas musas musicales.

  

 

 

Muestras de “Seres Humanos”.-

Pasta Mental: https://www.youtube.com/watch?v=1o2CDbzELj0 

Seres Humanos: https://www.youtube.com/watch?v=oCbNlcoXb50
Odisea: https://www.youtube.com/watch?v=U1f-nOXXUZE

Segundo amerizaje de PILOTOCOPILOTO

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión volteamos nuestros ojos y oídos al dúo avant-rockero peruano PILOTOCOPILOTO y su nueva producción fonográfica: “Amerizaje”. Este disco publicado en el último mes de 2012 por el sello Automatic Entertainment, es el esperado sucesor de su homónimo disco debut de 2010, y resulta un tremendo aliciente para seguir la pista de la movida underground que se viene desarrollando continuamente en los inquietos márgenes del rock limeño. Este dúo del guitarrista Juan Pablo Aragón y el baterista Carlos Freyre logra expandir un poco más sus horizontes sonoros en el repertorio de “Amerizaje”: a continuación, los detalles.

Tras el serenamente lúdico preludio de menos de tres cuartos de minutos que es ‘Pie De Página’, el dúo entra en acción con ‘La Vendomática’, trabajando matices moderadamente agresivos sobre un esquema rítmico que alterna fluidamente momentos de swing extrovertidamente frontal con otros de refinada ingeniería sincopada. Da la impresión de que sus espacio de 3 minutos es muy corto para el gancho que el grupo crea para esta pieza, pero así están armadas las cosas en su versión final, y de todas maneras, nos espera acto seguido a la secuencia de ‘Takora Dream’ y ‘Asterisco, Punto y Coma’, temas que duran  más para explotar las potencialidades inherentes a sus ideas constitutivas. El primero de estos temas suena a una cruza entre NEU! y EXPLOSIONS IN THE SKY, lo cual genera una dinámica muy interesante en el flujo entre los momentos más contenidos y los más “motorizados”; por su parte, el segundo establece abiertos coqueteos con el ambient electrónico aunque sin perder el nervio rockero bajo esta guisa más sutil (tal vez un poco Frippiana). ‘Aeromoza En Mototaxi’ nos devuelve al factor NEU! sin tapujos ni vergüenzas. ‘Interloopio’ establece una breve excursión electrónica como tránsito hacia ese excelente ejercicio de math-rock Crimsoniano que es ‘Humanoide’: posiblemente se trate del cénit estratégico del álbum, pero esto nos debe llevar a desmerecer a la pieza siguiente, ‘Mi Nintendo Es De Korea’, cuyo frenesí impulsa al dúo a capitalizar su punche esencial en dosis enormes. ‘Sustagen Por La Mañana’ retoma algo del espíritu de ‘La Vendomática’, aunque aún se hace eco parcialmente del vigor convincentemente desarrollado en la secuencia de los dos temas precedentes. ‘Cura De Sueño’ cierra el álbum con un crepuscular despliegue de soundscapes de guitarra: una vía al descanso después de un sano viaje por variados parajes sonoros donde se celebraba la esencia entusiasta del rock.                

Aunque solo dura media hora, “Amerizaje” de muestra cabalmente por qué PILOTOCOPILOTO sigue siendo una de las entidades más relevadoras de la actual vanguardia rockera peruana. Esta dupla de Aragón y Freyre ha expandido la paleta sonora de su creatividad, y seguro que seguirá haciéndolo en próximos trabajos.    

Muestras de  “Amerizaje”.-

Takora Dream: http://www.youtube.com/watch?v=SRW_uehBPjE
Sustagen Por La Mañana: http://www.youtube.com/watch?v=UH_Y3j4ei1I

Feliz Navidad y un Próspero Año Nuevo 2013

Amigos de Autopoietican: ¡Feliz Navidad y un Próspero Año Nuevo 2013!

Aquí les envío este villancico de uno de mis grupos rockeros favoritos de todos los tiempos: http://www.youtube.com/watch?v=lfjNf4rVmjk

Hope everybody's ringing on their own bell, this fine morning, yeah
Hope everyone's connected to that long distance phone
Old man, he's a mountain, old man, he's an island
Old man, he's a-waking says, "I'm going to call, call all my children home"

Hope everybody's dancing to their own drum this fine morning, yeah
The beat of distant Africa or a Polish factory town
Old man, he's calling for his supper, he's calling for his whiskey
Calling for his sons and daughters, calling, calling all his children round

Sharp ears are tuned in to the drones and chanters warming, yeah
Mist blowing round some headland, somewhere in your memory
Everyone is from somewhere, even if you've never been there
So take a minute to remember the part of you
That might be the old man calling me

How many wars you're fighting out there, this winters morning? Yeah
Maybe it's always time for another Christmas song
Old man he's asleep now but he's got appointments to keep now
Dreaming of his sons and his daughters, yeah
Proving, proving that the blood is strong

 

 

Sigamos progresando en los diversos caminos de la música nueva y diferente que vale la pena apreciar y disfrutar.  

ASTRA nos trae sus nuevos acordes prog-psicodélicos

 

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy se da la ocasión de hablar sobre ASTRA, grupo de rock progresivo psicodélico formado a mediados del primer decenio del milenio en la localidad californiana de San Diego: en el transcurso de pocos años, ASTRA, que está conformado por Richard Vaughan [guitarra eléctrica, mellotron, Moog, voz], Conor Riley [mellotron, Moog, órgano, piano, voz], Brian Ellis [guitarras acústica y eléctrica], David Hurley [batería, percusión, flauta] y Stuart Sclater [bajo], ha logrado llamar la atención de un buen contingente de amantes y nostálgicos del género progresivo. El grupo surgió de las cenizas de otro llamado SILVER SUNSHINE, y se cambió al nombre actual después de algunas modificaciones en la alineación original de este ensamble. En 2009, ASTRA editó su primer disco “The Weirding”, el cual recibió diversos elogios en fuentes internautas merced al dinamismo tan fresco que el grupo le daba a los esquemas progresivos y psicodélicos de vieja escuela; ahora, con su nuevo disco “The Black Chord”, los elogios vuelven a repetirse y por nuestra parte, nos haremos eco de este tipo de entusiasmo en cuanto nos pongamos a reseñar este disco en cuestión con el detalle debido. Para empezar, diremos que este quinteto se alinea en la misma orientación estilística retro-prog-psicodélica de PHI, DIAGONAL, HYPNOS 69, y hasta cierto punto, EARTHLING SOCIETY y LABIRINTO DI SPECCHI: principalmente, cabe señalar que ASTRA exhibe una actitud refinada y estilizada en su forma de arreglar las composiciones de turno de una forma muy semejante a las de los dos primeros grupos mencionados en la lista anterior. En fin, concentrémonos en el repertorio de “The Black Chord” de una buena vez.       

‘Cocoon’ abre el álbum ocupando un espacio de 8 minutos y pico. La pieza empieza con un grisáceo tenor parsimonioso dominado por la guitarra y ornamentado por los teclados (especialmente, el mellotron y el sintetizador). A poco de pasada la barrera del tercer minuto, la vibración general se va tornando más intensa hasta aterrizar en un frenesí ardiente que el grupo convierte en paisaje para explayar eficazmente su colorido instrumental… como si estuviera celebrando la salida del Dios Sol. Luego sigue el tema homónimo, que con sus casi 15 minutos de duración se erige en el ítem más largo del repertorio. La base musical de la composición en curso nos muestra el lado lírico de la banda, manejado con ingenio y confianza, ahondando seria y consistentemente en estándares sinfónicos de vieja escuela desde su núcleo central psicodélico. Las ilaciones entre motivos están armadas con excelsa pulcritud, y por lo general, el aura retro-progresiva que asume el bien afiatado ensamble está amalgamada a la perfección. Hay un jam arábigo cerca del final que merece una mención especial por su efectivo gancho (al modo de un extraño híbrido entre KHAN y MY BROTHER THE WIND). ‘Quake Meat’ sucede a la excursión anterior con una vitalista expresión de extroversión, y de paso, sacando provecho a la capitalización de la aureola sofisticada desarrollada en la pieza anterior, especialmente en lo referente al uso de recursos arábigos en los fraseos de guitarra y la soltura en el empleo de pautas rítmicas inusuales.

 

 

‘Drift’ nos ofrece un registro muy distinto, etéreo y sereno, sin dejar de sentirse muy terrenal en cuanto a fuerza expresiva: al comienzo la guitarra acústica es protagonista, pero las capas de mellotron y las sobrias florituras del piano se ponen a liderar la elaboración de la magia inherente al núcleo compositivo, dejando finalmente las instancias últimas de lucimiento a la guitarra y al sintetizador. ‘Bull Torpis’ es un excitante instrumental que nos devuelve al colorido estilizadamente explosivo de ‘Quake Meat’, y de paso, nos regala el mejor solo de guitarra del disco. No puede haber mejor preámbulo para ‘Barefoot In The Head’, la canción que ocupa los últimos 9 minutos y pico del disco. La estructura recurrente de esta canción se vincula con la de la pieza de entrada ‘Cocoon’, pero enriquecida con los juegos de retazos y pomposidades típicamente progresivos que ya habían formado parte de la paleta sonora del repertorio precedente. Afinidades con el PINK FLOYD 71-73, el ELOY 73-76 y el AMON DÜÜL II de “Wolf City” son fáciles de advertir. Poco antes de la barrera del sexto minuto y medio, el grupo elabora una coda alimentada por controladas atmósferas siniestras, creando así un clímax Crimsoniano relativamente domesticado (al estilo del revival escandinavo), llevando finalmente a un corte abrupto que corona adecuadamente la creciente intensidad oscurantista.  
  
Es un placer notar que la vertiente psicodélica del progresivo contemporáneo puede acceder a recursos de riqueza melódica y punche sofisticado como sucede en el ideario sónico de ASTRA. “The Black Chord” es una buena oportunidad para descubrir a la banda de parte de quienes aún no lo han hecho y una confirmación de los buenos augurios que sintieron quienes la conocían desde su anterior trabajo “The Weirding”. La estrategia de usar esquemas más focalizados para este nuevo disco ha funcionado a las mil maravillas para ASTRA, grupo que confirma la validez de nuestras expectativas por próximos discos (y próximos acordes) en el futuro cercano.  

Muestras de “The Black Chord”.-

Cocoon: http://www.youtube.com/watch?v=IyU9GgmSCTo
Quake Meat: http://www.youtube.com/watch?v=kWiBTnGoGM8

DIAGONAL renueva su mecanismo retro-progresivo

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Hoy se da la ocasión de hablar sobre el grupo británico DIAGONAL y su reciente segundo álbum “The Second Mechanism”. Este ensamble formado en Brighton, actualmente conformado por David Wileman [guitarras eléctricas y acústicas, percusión, sintetizador, voz], Nichöläs Whittäkër [saxofón alto, clarinete, flauta, flauta dulce, sintetizador, percusión], Nicholas Richards [bajo, sintetizadores, percusión], Ross Hossack [sintetizadores, efectos, filtros, percusión] y Luke Foster [batería, sintetizadores]. DIAGONAL ya había llamado la atención en varias redes virtuales progresivo-céntricas con su homónimo disco debut de 2008. Por aquel entonces, el grupo era un septeto que incluía al bajista/guitarrista Daniel Pomlett y al teclista Alex Crispin: ahora, con una formación un poco más reducida y con un Nicholas Richards que deja su puesto de segundo guitarrista para llenar el vacío que dejó Pomlett, el bloque sonoro de DIAGONAL se propone explorar matices renovadores para su propuesta retro-progresiva donde las herencias del space-rock y la psicodelia gozan de especial predominancia, aunque sin relegar los elementos típicos del sinfonismo y el jazz-fusión. Lo que ha dado como resultado en “The Second Mechanism”, publicado a inicios de noviembre pasado, testimonia el éxito de esta misión: entremos en los detalles del porqué de esto.  

6 minutos y pico dura el tema de apertura ‘Voyage/Paralysis’, un sólido ejercicio de psicodelia clásica inspirada parcialmente en HAWKWIND y portando confluencias con lo hecho actualmente por bandas como QUANTUM FANTAY en el space-rock y GARGAMEL en el retro-prog. El rol introductorio de esta pieza se cumple muy bien por vía de una lúcida explotación del recurrente motivo central. Sigue a continuación ‘These Yellow Sands’, una pieza que empieza con un aura serena y  constreñida bajo la pauta de un motivo melódico de corte oriental, derivando posteriormente hacia una ingeniería más explícitamente ágil. Las reminiscencias del NEKTAR clásico, así como de EAST OF EDEN y una versión menos “descontrolada” del primerísimo VAN DER GRAAF GENERATOR, son fáciles de advertir, así como también lo es el ingenio invertido por el grupo para trabajar de forma tan compactamente afiatada. ‘Mitochondria’ despliega una suerte de extensión de la dominante aureola psicodélico-exótica de la pieza anterior, aunque esta vez se nota que hay una exploración más minuciosa de los factores de sutileza y dinamismo etéreo que se puede lograr a través de una instrumentación siempre robusta. El cuarto tema, ‘Hulks’, es el único cantado del disco, y se caracteriza no solo por ser el ítem más largo de “The Second Mechanism” sino también por llevar la disposición retro hacia profundidades más acuciosas: podemos notar en su espíritu general el peso que tienen las herencias de KHAN, KING CRIMSON (etapa del “Lizard”), GONG (etapa pre-“Angel’s Egg”) y AGITATION FREE, tanto en la organización de las ideas compositivas en curso como en su ejecución. ‘Capsizing’ ocupa los últimos 9 minutos y pico del álbum, y lo hace para cerrarlo a lo grande, generando una muy inspirada combinación de la electrizante vibración de ‘Voyage/Paralysis’ y el candor melódico de los temas segundo y tercero: lo que se genera, entonces, es una síntesis conclusiva, una muy poderosa expresión de lo que se puede recapitular del repertorio en sí de una manera cautivantemente efectiva.   

 

Tenemos, pues, en “The Second Mechanism” un excelente mecanismo sónico de lo que aún tiene por dar la vertiente retro del rock progresivo de nuestros tiempos: DIAGONAL ha concretizado un trabajo realmente bordado, lleno de desbordante musicalidad, abundante en convicción y energía expresiva, un homenaje creativo y reconstructivo de muchas de las pautas pioneras de fines de los 60s e inicios de los 70s. ¡No habrá de decepcionar al fan progresivo promedio! 

 

Muestras de “The Second Mechanism”.-

Mitochondria: http://diagonal.bandcamp.com/track/mitochondria
Capsizing: http://diagonal.bandcamp.com/track/capsizing

El tercer triunfo musical de LAS COSAS

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el momento de hablar del grupo argentino LAS COSAS, el cual resurge a las actividades fonográficas reconstruido como quinteto tras laborar en sus primeros años de carrera como trío. En efecto, al trío original de Blas Finger (batería y guitarra), Pablo Yedro (bajo, guitarra slide y sintetizador) y Pablo Gallardo (guitarra y teclados) se le suman Ariel Issaharoff (guitarra) y Walter Zenker (sintetizadores y órgano Hammond), logrando gestar un nuevo disco que está bastante bien – “Hay Hogares Que Han Triunfado”. Esta remodelación de LAS COSAS se traduce en una amalgama de sonoridades más llenas y con enfoques más abiertos que en los discos precedentes (“Las Cosas” y “Solarística”), y eso supone, a su vez, una inteligente cosecha de las ideas y proyecciones sembradas en aquéllos. Hay invitados ocasionales a la voz, la corneta o la percusión, lo cual ayuda a expandir aún más el bloque sonoro. Lanzado al mercado el pasado mes de agosto, “Hay Hogares Que Han Triunfado” es todo un triunfo dentro de la vanguardia rockera argentina de nuestros días, y a partir del párrafo siguiente entraremos en sus pormenores.

 

El disco empieza con ‘Parlantes’, pieza que desarrolla un delicioso híbrido de jazz-rock y psicodelia primitiva sobre un compás de fuerte raigambre funky; esta exhibición de ágil extroversión resulta un muy apto principio para la experiencia de “Hay Hogares Que Han Triunfado”, y acto seguido halla en ‘Track II’ un contrapunto cósmico donde los legados de NEU! y SONIC YOUTH se engarzan en un hermanamiento ceremonioso bajo una estructura space-rockera, una estructura inteligentemente potencializada por las capas de teclado que ornamentan el jam básico mientras la pieza se enrumba hacia su final. La ostentación de vitalismo no se detiene aquí, por supuesto que no: ‘Sebul Kito’ establece una mezcla, tan bizarra como efectiva, de rock sureño, fusión latina y psicodelia progresiva. El resultado de esta planificación ecléctica se concretiza en un aura extraña donde los matices ensoñadores de la base melódica de los guitarreos y teclados se sustentan fluidamente sobre un esquema rítmico sensual, especialmente en el primer cuerpo central; el segundo cuerpo central deriva en una intensidad rítmica más intensa, la cual opera como reactivadora de lo sensual en un realce de lo tribal en clave afro-tropical. ‘Imagen Pública’ se focaliza en una versión elegante de ácido híbrido krautrock y post-rock (al modo de una cruza entre NEU! y TORTOISE), mientras que ‘Autodefé’ se enfila por estándares post-punk: el canto ácido y fingidamente neutro de un invitado al canto refuerza la ansiedad inherente al motivo instrumental.  

 

Con la secuencia de ‘Camarones’ y la pieza homónima, la banda continúa explorando su renacida vitalidad sonora con solvencia y punche: de hecho, el primero de estos temas ofrece un delicioso ejercicio de dinamismo motorick (ciertamente, muy a lo NEU! de los dos primeros álbumes), añadiéndose una atmósfera circundante que nos remite a los albores del estándar del tecno-pop. La pieza homónima sigue a continuación para establecer nexos muy directos con las indagaciones electrónicas dentro de un espíritu lúdico plenamente rockero que habían conformado el núcleo creativo del segundo disco “Solarística”. ‘P. Capanna’ es un retazo de enroscadas texturas cibernéticas que opera eficazmente como preludio a ‘7.30’, pieza que revela al quinteto celebrando su regocijo sónico en una amalgama KRAFTWERK-con-HARMONIA manejada con un oportuno toque grisáceo, un poco de grisácea nebulosidad que atraviesa la alegre nebulosidad del esquema rítmico en curso sin hacerse apabullante. El álbum se clausura con los cuatro minutos que dura ‘Nada De Nada’, una canción que combina la adusta prestancia de la vieja psicodelia de garaje con el lánguido dramatismo que se puede esperar de un híbrido de post-rock y “emo” (o casi “emo”): el resultado final es elegante pero se cuida mucho de llegar a lo fastuoso, y de hecho, es fiel al formato de canción.

Todo esto fue “Hay Hogares Que Han Triunfado”, un muestrario de ágiles esquemas sonoros dentro de la amplitud de horizontes que se abren al ideal de la experimentación en el lenguaje del rock: el ensamble de LAS COSAS se luce de forma notable aquí, y por ello mismo se hace inmensamente merecedor de que le prestemos debida atención.

 

 

Muestras de “Hay Hogares Que Han Triunfado”.-
Parlantes:  http://priusdiscos.bandcamp.com/track/parlantes-2
Sebul Kito: http://priusdiscos.bandcamp.com/track/sebul-kitu
7.30: http://priusdiscos.bandcamp.com/track/730

OFIR o el renacimiento de lo sefardí con una mirada contemporáneamente progresiva

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es momento de hablar de OFIR, un proyecto de fusión progresiva sefardí emergido de los cuarteles de OCTOBER EQUUS. La misión musical que asume OFIR es la de remodelar con nuevos y eclécticos ojos el legado del cancionero tradicional sefardí, incorporando timbres, colores y esquemas rítmicos del jazz-rock, el progresivo, folklores europeos y africanos en clave fusionesca y psicodelia de vieja escuela. Junto a la vitalista y virtuosa amalgama instrumental armada por Ángel Ontalva [guitarra], Fran Mangas [saxos],  Víctor Rodríguez [teclados], Amanda Pazos Cosse [bajo] y Toni Mangas [batería, percusión], la vocalista Josefina Gómez (alias “La Jose”) impone su presencia como sacerdotisa que transmite y exorciza visiones e imágenes expresadas en las letras de las canciones. Esta cantante, gitana y paya al 50%, experta en el flamenco, tiene una técnica vocal sólida y un registro bastante solvente que nos hace recordar (casualmente y hasta cierto punto) a Marta Segura, quien fuera vocalista de los últimos años de AMAROK. Por su parte, tengamos en cuenta que el factor jazzero-fusionesco nunca fue ajeno a la visión avant-progresiva de OCTOBER EQUUS, por lo que el bloque instrumental que conforma la esencia de OFITR no supone tanto un apartamiento como una exploración renovadora de lo que significa el arte de la música para Ontalva y co.

 

“The First Studio Recordings + Live At Espacio Ronda” es el primer registro oficial de OFIR, lanzado a fines de junio pasado, el cual contiene cinco piezas grabadas en estudio y un concierto en Espacio Ronda. La secuencia de temas de estudio comienza con ‘Morena Me Llaman’, el cual señala claramente el camino musical de la banda: ágiles arreglos instrumentales de base jazzera, vigor rockero sabiamente dosificado, increíble solvencia vocal de Josefina, respeto a la raíz original de la composición a través de su reactivación en manos del ensamble. Lo mismo obedientemente se aplica a ‘Una Matica De Ruda’, con la salvedad de que tiene un swing más ligero. ‘El Rey De Francia’ es un pretexto para que la banda explore su capacidad para manejar texturas y climas etéreos. Esto último se enfatiza en ‘Durme Durme’ en base a las evocaciones cándidamente sentimentales de su motivo central. ‘Hija Mía’ tiene algo de Crimsoniano en la vivaz arquitectura sónica elaborada por el grupo para encuadrar el espíritu general de la pieza en cuestión. Hay un atractivo especial en la exaltación esencial de esta pieza que hace desear al oyente que durara un poco más: en todo caso, la posterior versión en vivo muestra un mayor despliegue de energía sónica y un frenesí mejor redondeado en el esquema rítmico – dos puntos a favor.

Pero si de las versiones en vivo se trata, cabe destacar de forma especial la de ‘El Rey De Francia’, que es donde el grupo abre las puertas de su refinamiento de par en par, sin paliativos ni cortedades, para nuestro deleite auditivo. ‘Escalerica De Oro’ resalta también como otro de los momentos más sublimes de la secuencia en vivo; hay un cierto aire a lo Canterbury en el arreglo básico de la pieza. En el caso de ‘Alta Es La Luna’, tenemos a un grupo que explora ciertos factores cósmicos dentro de su bien definida línea de trabajo, mientras que ‘La Serena’ se focaliza en lo introspectivo. ‘A La Luna’ cierra el concierto con una aureola épica: la banda da vueltas al motivo central con un solvente esquema jazz-progresivo. Si el Ofir bíblico es una región forjadora de riquezas para llenar los tesoros del Rey Salomón, este OFIR musical representa una magnífica joya sonora a la que vale la pena seguir la pista en futuros lanzamientos fonográficos. ¡Recomendado! 

 

 

 

Muestras de “The First Studio Recordings + Live At Espacio Ronda”.-

El Rey De Francia: http://ofir.bandcamp.com/track/02-el-rey-de-francia
Escalerica De Oro [en vivo]: http://ofir.bandcamp.com/track/07-escalerica-de-oro-live
Hija Mía [en vivo]: http://ofir.bandcamp.com/track/15-hija-m-a-live-2

MONO: nueva odisea de una leyenda viviente

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión traemos a colación a “For My Parents”, el más reciente lanzamiento fonográfico de MONO. Este grupo japonés conformado por Yoda [guitarra], Takaagira “Taka” Goto [guitarra], Tamaki [bajo, piano y glockenspiel] y Yasunori Takada [batería y percusión] lleva desde 1999 forjando una carrera musical bastante apreciada en el circuito post-rockero internacional: es, de hecho, todo un símbolo de esta vertiente rockera experimental en su país, además de contar con una solvente proyección internacional. En el contexto de la edición de su sexto disco de estudio “Hymn To The Immortal Wind” (un pináculo incuestionable dentro de su trayectoria), el grupo ofreció un impresionante concierto de 10mo. aniversario en la ciudad de Nueva York con el apoyo de la Holy Ground Orchestra: la magnificencia registrada en audio y vídeo da cuenta del posicionamiento que MONO tiene en la vanguardia rockera de nuestros días. “For My Parents”, el séptimo álbum del grupo, sigue en buena parte la senda emotivamente épica que se ha venido reforzando en la secuencia de “You Are There” y “Hymn To The Immortal Wind”, y desde ya, adelantamos que es una perfecta “excusa” para mantener a MONO en el pedestal donde permanece por razones de justicia artística. Más exactamente, la publicación de“For My Parents” tuvo lugar en la segunda mitad del agosto pasado por vía del sello Temporary Residence Limited, tanto en CD como en doble vinilo. El rol del apoyo orquestal (la Holy Ground  Orchestra) es crucial a la hora de realzar ciertas atmósferas en varios pasajes particularmente llamativos del repertorio del disco, cuyos detalles pasamos a describir ahora. 

Durando casi 12 minutos, ‘Legend’ abre al álbum comenzando con un contundente arrebato de esplendor sinfónico dentro de la clave post-rockera bien articulada que MONO maneja siempre a la perfección. Ya en el proceso de elaboración e instalación del cuerpo central, se genera un colorido exultante, incluso extrovertido, en el que los aportes orquestales resultan indefectiblemente vitales a la hora de sustentar el aura general de la pieza. Luego sigue ‘Nostalgia’, pieza que se focaliza crucialmente en un sereno motivo cuya sencillez magnifica su inherente belleza: los arreglos a los que lo somete el grupo van de lo fastuoso a lo etéreo, pasando por lo envolvente, siempre realzando el ambiente de conmovedora candidez para asegurarse de que su consistente imposición no deje libre de su impacto ninguna molécula del aire que el oyente respira. La cuesión minimalista basada en capas de cello y gotas de glockenspiel brinda una oportuna derivación hacia ‘Dream Odyssey’, pieza que explora ambientes de tristeza en los que el dramatismo propio de la situación es tratado con impoluta delicadeza. La errática gloria de lo etéreo encuentra aquí una encarnación concreta perfecta pues la banda hace que cada nota y cada base armónica vagabundee con señorío. Por su parte, el piano de Tamaki ayuda crucialmente a la hora de reforzar la esencial aureola evocativa de la composición, la cual termina coqueteando con el space-rock en sus momentos más pletóricos. ‘Unseen Harbor’ perpetúa en muchos aspectos la atmósfera general de ‘Dream Odyssey’ en cuanto a la vibración emocional que se proyecta desde su desarrollo melódico, pero principalmente se resalta el modo en que su arreglo global se engarza con la magnificencia desplegada en ‘Nostalgia’, especialmente en lo referente a la predominante calidez que sustenta al esquema sonoro en curso. Un elemento resaltante de ‘Unseen Harbor’ es la ambientación eslava que se utiliza para focalizar su motif central, algo así como una porción de la BSO de “Dr. Zhivago” reconstruida por MOGWAI. Estas piezas #3 y #4 del álbum nos parecen las más notables del repertorio. En fin, los últimos 9 ½ minutos del disco están ocupados por ‘A Quiet Place (Together We Go)’. Sus primeros 4 ½ están inundados de un aura de flotante misterio, en base al elegante manejo de retazos guitarreros con una actitud impresionista; en su segunda sección, la pieza vira hacia una espiritualidad más amable, tirando hacia lo romántico, la misma que se establece con una imponente vibración épica al modo de un pomposo clímax cinematográfico. Se nota que el paradigma de GODSPEED YOU BLACK EMPEROR! sigue siendo un referente importante en la visión musical de MONO, aunque a estas alturas del partido también hay que afirmar que este conjunto japonés tiene una voz propia bastante firme.

   

“For My Parents” es un disco que no aporta precisamente algo nuevo al mundo musical de MONO, pero sí genera nuevas muestras de vitalidad y vivacidad a su expresamente demarcado territorio sónico. De hecho, se puede decir que refuerza espacios plenos y ata los cabos no del todo bien amarrados de la tríada precedente. Esta asociación de Yoda, Taka, Tamaki y Yasunori sigue justificando con creces su sitial dentro de la élite post-rockera de su país e internacional.

Muestras de “For My Parents”.-

Dream Odyssey: http://www.youtube.com/watch?v=ibgqFaQoNfU
Unseen Harbor: http://monoofjapan.bandcamp.com/track/unseen-harbor

[Dedico esta reseña a Carla Marín, mujer de luz.]

AUTUMN MOONLIGHT renueva su realidad sonora

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Hoy es la ocasión de hablar del grupo argentino AUTUMN MOONLIGHT, el dúo de Alejandro Tomás Barrionuevo [guitarras, teclados, VSTi] y Mariano Spadafora [bajo, teclados, VSTi]: su segundo disco “Alter Reality” ha salido al mercado hace un par de meses por vía del sello Viajero Inmóvil, un disco que se desde las primeras escuchas se revela inconfundiblemente como un valiosos sucesor de aquel excelente disco debut que fue “The Sky Over Your Shoulders” (del año 2010). AUTUMN MOONLIGHT sigue explorando las posibilidades de mezclar elementos de sinfonismo, ambient y prog-metal dentro de un esquema nuclear post-rockero, generando desarrollos melódicos claramente delineados y muy estilizados: en vez de salirse de la línea del álbum debut, lo que hace AUTUMN MOONLIGHT en esta nueva placa es hacerla evolucionar con un sonido renovado donde se resalta un poco más el vigor expresivo propio del punche rockero. Otro detalle es que ahora las expansiones temáticas tienden a ser más controladas: el tema más largo, ‘Outer Sunset’, dura 7 minutos, mientras que las demás oscilan entre los 3 ¾ y 5 ½ minutos de duración, un aspecto que refuerza en cierto modo esta preocupación nueva por realzar la fuerza expresiva en casi todas las composiciones nuevas.

 

La pieza homónima ocupa los primeros 5 minutos del disco, ejerciendo una dinámica muy interesante con su manejo de alternancias de 7/8 y 4/4 como sostén del desarrollo melódico, el cual se manifiesta en una intensificación sabiamente creciente. El hermoso epílogo de piano abre la puerta para que ‘Where All Begins’ comience con un preámbulo sereno que, a su vez, sirve como anticipo al despliegue de vibraciones extrovertidas cuya estilizada estructura coquetea con las aristas melódicas del prog-metal. Seguidamente, ‘Ghost’ enfatiza este coqueteo en una exultante hibridación de prog-metal y post-metal que apuesta por un contundente remozamiento de la densidad rockera: la adición de cadencias jazzísticas en la percusión programada ayuda mucho a la hora de reforzar el swing diseñado para la ocasión. ‘Odyssey’ baja la densidad y aumenta el lirismo, lo cual se traduce en la creación de una sonoridad más cristalina: de este modo, se luce efectivamente el componente sinfónico predominante. Es una pena que el pasaje de guitarra clásica del final sea tan breve, es un tiempo demasiado corto el que se otorga a esta instancia en medio del ruido del oleaje, pero si olvidamos esta pequeña frustración nos sentiremos preparados para disfrutar debidamente de ‘Outer Sunset’, el tema más largo del álbum (como ya dijimos antes). Este tema conserva una atmósfera relativamente contenida por un buen rato, la misma que se centra en elaborar sencillos climas cósmicos; es a poco de pasada la barrera de los 4 ¾ minutos que el tema vira hacia un esquema explícitamente imponente.  

‘Falling Sky’ retoma frontalmente el aura fastuosa y grandilocuente que antes se había lucido en ‘Odyssey’, y con esto nos devuelve a una ingeniería sinfónica tan envolvente como arrolladora. El impacto musical resultante queda bien complementado por la siguiente dupla de ‘Between Wars’ y ‘Moving On’, temas que realzan la faceta contemplativa del dúo. En contraste, ‘Trine’ exhibe una vitalidad alegre que se engarza fluidamente en el llamativo swing armado para la ocasión. En fin, llegamos a la dupla final de ‘The Eternal Smile’ y ’28.5’: el primero de estos temas tiene un esquema emparentado con el de ‘When All Begins’, mientras que el segundo se enlaza más bien con la espiritualidad introspectiva de ‘Moving On’.

 

En nuestro balance final, “Alter Reality” es un muestrario exquisito de rock artístico en el que AUTUMN MOONLIGHT muestra ampliamente, y en simultáneo, el afianzamiento de su línea de trabajo y el progresivo refinamiento de su sensibilidad melódica. Muy recomendable este disco sin duda, el cual confirma a este dúo como una voz importante dentro de la actual vanguardia progresiva de su país.    
 

Muestras de “Alter Reality”.-

Alter Reality: http://www.youtube.com/watch?v=jqtvwjLtvDo
Ghost: http://www.youtube.com/watch?v=Sn7dTOWbVjA
28.5:  http://www.youtube.com/watch?v=mg8wrSXDI3Q