Las secuencias y frecuencias progresivas de LUIS COLUCCI

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hoy prestamos nuestra atención a LUIS COLUCCI, músico argentino al que usualmente vemos como integrante de la banda TANGER (una de las más interesantes del revival prog argentino desde fines de los 90s), y que ahora nos trae su primer trabajo solista titulado “Secuencia”, el mismo que ha sido publicado por el sello argentino Viajero Inmóvil en enero último. A lo largo de este disco, COLUCCI se hace cargo de todo un arsenal de Bajo, guitarras, sintetizadores, loops, samples, secuencias y programación de batería, grabando todo el repertorio de 10 temas en el estudio de su hogar bonaerense entre mayo y octubre de 2013. Las composiciones no son muy extensas: todas duran 4 minutos y pico excepto ‘Secuencia 4’, que dura 3 ¾ minutos. El propósito de la labor compositiva de COLUCCI es dejar que cada pieza haga respirar la idea musical central de turno con la justa medida de expansiones y ornamentos… y si esto suena muy “mecanizado”, pues a perder cuidado, pues hay mucho pathos y mucha vitalidad genuina a lo largo de la serie de 10 temas que completan este álbum. De hecho, la frecuencia de las expresividades intensas a lo largo del disco es muy consistente y coherente a través de la diversidad de ideas musicales en curso: veamos ahora por qué afirmamos esto. 

‘Secuencia 1’ abre el álbum con un delicioso ejercicio Crimsoniano que nos remite directamente a los tiempos de “Discipline” y “Beat”: las armonizaciones de las guitarras y las cadencias de la sección rítmica programada reflejan una vitalista mezcla de tensión y agilidad. ‘Secuencia 2’ introduce elementos de fusión en su desarrollo temático y las cadencias rítmicas utilizadas, a la vez que refleja claramente el impacto de la primera ‘Secuencia’ en cuanto al elemento de tensión. Los juegos de disonancias se elaboran con bastante ingenio, arrojándose en un flujo que no concluye en resoluciones sino que dejan al oyente en vilo. ‘Secuencia 3’ es una pieza lenta que alterna compases de 5/4 y 3/4, cuyos climas envolventes reflejan una actitud serena no exenta de intensidad emocional: el esquema del rock sinfónico es explorado con dosis grandes de elegancia a través de su estructura de canon. ‘Secuencia 4’ cumple con el propósito de volver a lo Crimsoniano, y lo hace con una dosis extra de vigor expresivo en comparación con la primera ‘Secuencia’, mientras que ‘Secuencia 5’ establece un buen equilibrio entre los estándares del rock progresivo y el jazz-fusión de talante tanguero dentro del dinamismo exigido por el motivo central. Definitivamente, esta ‘Secuencia’ hace bien en impulsarse a partir de la energía expresiva de la precedente, y lo mismo vale para ‘Secuencia 6’, una pieza que sabe transmitir auténtica robustez rockera en medio de su sofisticada ingeniería rítmica.

‘Secuencia 7’, una vez más, nos abre las puertas del corazón Crimsoniano de COLUCCI de par en par: esta vez, la ambientación general de la pieza se siente un poco más etérea, aunque esto no quiere decir en lo absoluto que carezca de fuerza expresiva. Lo mismo valdrá después para ‘Secuencia 9’, otra pieza que utiliza esta misma fuente de influencia para darle un giro distinto al ambiente general que antes inundó a las ‘Secuencias’ 1 y 4. Con el arribo de ‘Secuencia 8’, COLUCCI vuelve a dar amplio espacio a la manifestación de sus inquietudes jazzeras, elaborando una pieza con un swing ágil que se alimenta inteligentemente de algunos juegos de síncopas que surgen en el camino. En fin, ‘Secuencia 10’ cierra el álbum con una vibración enérgica similar a la de ‘Secuencia 5’, redondeando así la faena con una intuición plenamente acabada.

¿Qué más podemos concluir en esta reseña sino que LUIS COLUCCI se ha lucido enormemente con “Secuencia”? En consecuencia, solo nos resta decir que es un trabajo muy recomendable para apreciar la buena vanguardia progresiva que se viene haciendo en las latitudes sudamericanas.

Muestras de “Secuencia”.-

Secuencia 1: http://luiscolucci.bandcamp.com/track/secuencia-1-2

Secuencia 2: http://luiscolucci.bandcamp.com/track/secuencia-2-2

Una nueva óptica sobre el prog moderno italiano nos brinda CAMERA CHIARA

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de presentar al cuarteto instrumental italiano CAMERA CHIARA, procedente de la localidad de Salerno y cultor de un estilo progresivo filudo y elegante a la vez. Este joven grupo está integrado por el teclista Francesco Lembo, el baterista Antonio Pappacoda, el bajista Danilo Lupi y el guitarrista Vincenzo Manzi. Lleva poco tiempo de formado, pero ya tiene en su curriculum vitae un disco debut homónimo, el cual ha sido publicado en edición física en enero de 2014 después de llevar unos meses expuesto en su blog de Bandcamp (dirección: http://camerachiara.bandcamp.com/). Si bien la propuesta musical que nos ofrece CAMERA CHIARA está mayormente signada por una línea sinfónica aggiornada, también incluye elementos eclécticos y atmosféricos que hacen que el grupo sea más que una agrupación de “discípulos aplicados”. El cuarteto cita a varias bandas como influencias en su página de Facebook: GENESIS, GOBLIN, KING CRIMSON, BIGLIETTO PER L’INFERNO, PINK FLOYD, LE ORME, RUSH, SOFT MACHINE,… Vayamos al repertorio del disco en sí para detectar sus rasgos puntuales.

‘Tufa Domes, Pyramid Lake’ abre el álbum al modo de un preludio estilizadamente cósmico, afín a los estándares de PINK FLOYD (etapa del “Wish You Were Here”) y ELOY, engarzándose pronto con el segundo tema, titulado ‘Chiaroscuri’. Dicho segundo tema está a cargo de asentar la visión musical esencial del grupo ante el oyente atento: se da aquí una ágil mezcla de sinfonismo de talante oscurantista y psicodelia etérea, en no poca medida emparentada con la línea de trabajo de otros grupos italianos como LABIRINTO DI SPECCHI e IL GIARDINO ONIRICO. Una sección intermedia se introduce en senderos de flotante languidez de la mano de un solitario piano eléctrico, para luego armar un crescendo desde donde el grupo se impulsa hacia la explosiva intensidad de la segunda mitad del tema, un momentum marcado por un notable punche y una vitalidad rotunda. El grupo se atrve a causar una buena primera impresión apostando por lo épico sin más. La siguiente pieza, titulada ‘Maschere Cadute’, muestra una faceta más amable de la banda a través del breve motivo ágil que se utiliza para la ocasión (dura poco menos de un minuto y tres cuartos), lo cual implica que su función principal es la de preparar el terreno para el siguiente tema: ‘Nel Tuo Mondo’. Esta pieza en particular se concentra en una intensidad emocional que se siente particularmente vibrante, pero sin desbordarse: su sencillo cuerpo central es explotado de manera muy meticulosa, al modo de una cruza entre PINK FLOYD y CAMEL, con una guitarra que evita la saturación mientras se apodera imponentemente del rol protagónico dentro del bloque sonoro general.

‘Danzano Le Memorie’ es un bello interludio de piano que evoca una atmósfera grisácea, otoñalmente melancólica. ‘In Un Gioco Di Specchi’ despega su vuelo sónico a partir de la última frase de ‘Danzano Le Memorie’, y lo hace elaborando un viaje ecléctico robusto y contundente donde encontramos pasajes poderosamente sombríos así como otros marcados por una agilidad sofisticada, no exenta de ribetes jazz-rockeros en su estructura rítmica, además de añadir algo del vigor denso que usualmente encontramos en el estándar del post-metal. ‘Come Il Bianco Col Nero’ reitera en buena medida la atmósfera lograda en el tema inmediatamente anterior, aunque con una robustez más patente en las sonoridades de los riffs y fraseos de la guitarra. Algunos matices del estándar de RUSH pueden advertirse en el camino, pero básicamente se sienten bastante “domesticados” con el fin de no romper con la esencia sinfónica de la estructura compositiva. El disco se cierra con ‘Il Nuevo E Il Vecchio Giorno’, pieza que está a cargo de sintetizar la vitalidad colorida de los dos temas anteriores y la contundencia épica de ‘Chiaroscuri’. Como siempre, la guitarra se luce con una dinámica excelencia cada vez que irrumpe con sus solos de turno, mientras que las capas y orquestaciones de los teclados asumen el rol más importante a la hora de equilibrar el conjunto de los aportes de los instrumentistas.

Pues bueno, a fin de cuentas, podemos anotar a CAMERA CHIARA y su homónimo disco debut como nombres importantes dentro de la nueva hornada progresiva italiana, lo cual significa que en este año 2014 podemos seguir esperando que las propuestas de rock artístico de este país se sigan manifestando con vigor y entusiasmo.

Muestras de “Camera Chiara”.-

Chiaroscuri: http://camerachiara.bandcamp.com/track/chiaroscuri

In Un Gioco Di Specchi:  http://camerachiara.bandcamp.com/track/in-un-gioco-di-specchi   

El genio de GATTO MARTE sigue brillando en nombre del chamber-rock contemporáneo

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

El ensamble de origen italiano GATTO MARTE ha publicado hace poco su nuevo trabajo fonográfico “Madame Penguin”. Decimos que se trata de un ensamble de origen italiano y no italiano a secas porque actualmente su membrecía es multinacional, más exactamente, ítalo-británico: Maximilian Brooks [piano], Ben Newton [teclados y acordeón], Mark Knight [batería] y John Shepherd [guitarras] se suman al violinista Nino Cotone y al contrabajista  Pietro Lusvardi. Los dos italianos son los únicos supervivientes de todas las alteraciones de formación que ha sufrido GATTO MARTE, mientras que Brooks, Newton y Shepherd repiten el plato tras el hermoso disco de 2012 “Marte Sulla Luna”.

‘The Bells After Life’s Chase To Nowhere’ abre el disco con un engañoso preludio ceremonioso que muy pronto abre camino a un cuerpo central ágil donde la gracilidad compartida del piano y la batería dirige el espíritu amable de la instrumentación general: se trata de una composición de esencia grisácea pero con una motivación luminosa. Es como si a la gente de ARANIS le hubiera poseído el alma de PHILIP GLASS y el cerebro de PENGUIN CAFÉ ORCHESTRA. Luego sigue la dupla de ‘Sinfonia No. 3 (La Giudecca)’ y ‘Sinfonia No. 4 (La Turca)’: la primera de estas piezas se arropa de una alegría juguetona y vibrante, casi como si estuviera diseñada para poner fondo a una intensa celebración palaciega en alguna corte de Europa del Este; la segunda, por su parte, se empapa de una espiritualidad un poco más intimista, lo cual no impide que también muestre la misma actitud celebratoria que ‘La Giudecca’. En bloque, esta dupla de temas retrata la habilidad de la banda para recrear elementos folclóricos con un inapelable aire de distinción. ‘Azathoth’ mezcla un aura oscurantista y una actitud farsesca, como si se tratara de un híbrido de ISILDUR’S BANE y SAMLA MAMMAS MANNA.

Durando alrededor de 20 ½ minutos y dividiéndose en seis secciones, la suite homónima cierra el álbum con un esplendor sonoro magnífico. La primera parte se complace en abordar un desarrollo melódico cautivadoramente romántico dentro de un swing de predominante raigambre jazzera, conectándose después con el esplendor extrovertido que marcará la segunda parte. En estos primeros 4 minutos y 50 segundos el oyente queda atrapado por lo que está ofreciendo el ensamble, pero todavía quedan cuatro secciones más. La tercera parte capitaliza el talante extrovertido de la segunda parte y le da unos matices más propiamente rockeros, aunque de una forma muy comedida – esto es, si los comparamos con grupos como FAR CORNER, que enfatizan el rock en la etiqueta del RIO, pues más se parece a la delicadeza desafiante de unos PENGUIN CAFÉ ORCHESTRA. La cuarta parte empieza con una serenidad relajada, haciendo un abierto contraste con lo que se escuchó en las dos secciones precedentes; para el interludio, el grupo le pone más polenta al asunto para volver a la senda de pulcro optimismo, terminando finalmente con un pasaje de piano que retoma efímeramente la serenidad inicial. La quinta y sexta secciones son las más largas del bloque, durando poco más de 4 ½ minutos y poco menos de 5 ½ minutos respectivamente. La quinta sección establece un colorido ágil sobre un esquema rítmico de fuertes connotaciones fusionescas, mientras que la sexta elabora la dinámica más fastuosa de toda la suite, y de paso, le da un exultante broche de oro al disco.         

¡Qué bello disco es “Madame Penguin”!... ¡Y qué pena que dura penas 37 minutos en total! Los despliegues de vitalidad y colorido que GATTO MARTE ofrece a través de los exquisitos viajes musicales comprendidos en este disco confirman de forma abundante e inapelable que es una de las figuras señeras del chamber-rock de nuestros días.



Muestra de “Madame Penguin”.-
Madame Penguin Suite [en vivo en el Gouveia Art Rock2014]: http://www.youtube.com/watch?v=V9dgbCl_84Y 

A todo lado con BANDA ELÁSTICA

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

BANDA ELÁSTICA es uno de lo ensambles mexicanos más respetados dentro de la vanguardia rockera de su país: de hecho, se puede describir su estilo aventurero como una mezcla de rock-in-opposition, jazz de vanguardia y fusión modernista de elementos folklóricos. Si bien no tiene una discografía muy nutrida, BANDA ELÁSTICA sí puede presumir de tener una veteranía bien curtida, y por ello, a fines de 2013, celebró su trigésimo aniversario con la publicación de “Aquí, Allá Y Acullá”, una selección de temas capturados en varios conciertos que se realizaron entre 1994 y 2008. Azafrán Media y Musea Records se encargaron de co-producir este ítem que es, para decirlo de forma muy simple, fabuloso. En el librillo que acompaña esta edición se hace una muy merecida celebración de la intuición artística tremendamente aventurera de este ensamble formado a inicios de los 80s. El guitarrista Guillermo González recuerda que el nombre del grupo surgió a modo de chiste, pero pronto cobró un sentido auténtico en tanto que congregaba a músicos de diversas formaciones en las áreas del rock, el jazz y la academia: “entonces, la elasticidad empezó a tomar sentido en la medida en que cada quien, en sus composiciones y ejecuciones, jalaba el proyecto hacia su lado”. La primera formación de BANDA ELÁSTICA constaba de González a la guitarra, José Navarro a las percusiones, Rodolfo Navarro a la batería, José Luis Navarro a los saxos y clarinetes, Lucio Sánchez al bajo y Rosino Serrano a los teclados – así las cosas, el grupo debutó con un EP homónimo en 1985, y en el transcurso de los cuatro años siguientes, grabaría dos LPs. Por supuesto, el grupo no fue ajeno al proceso de cambios de formación, pero lo más relevante fue que se dedicó a cultivar y reforzar su lado vanguardista en un potente híbrido de rock-in-opposition y jazz experimental, lo cual pasó a convertirse en su esencia artística definitiva. En este sentido, sus discos “Maquizcoatl”, “Catálogo De Tiradedos” y “Ai Te Encargo” – de 1996, 1997 y 2003, respectivamente – resultaron los más significativos para los fans y conocedores del grupo. Pero bueno, concentrémonos ahora en el repertorio de “Aquí, Allá Y Acullá”, ¿vale?    

Los primeros 6 temas se extraen de una actuación en el Knitting Factory de Nueva York en 1994. La formación de BANDA ELÁSTICA consistía entonces del bajista Sósimo Hernández, el teclista Rosino Serrano, el baterista Rodolfo Nava, el guitarrista Guillermo González, el percusionista José Navarro y el vientista Guillermo Portillo, y para esta ocasión se les sumó el saxofonista invitado Miguel Ángel Samperio. ‘Suite Regresiva’ abre la sesión con un despliegue de coloridos deliciosamente extravagantes donde la fusión, la osadía delirante a lo ZAPPA y los aires circenses se mezclan con bizarra fluidez. Luego siguen ‘Ronulfo’ e ‘Insomnio’, siendo la primera una pieza rigurosamente construida sobre una compleja estructura rítmica cuya agilidad intrínseca se acrecienta con el lucimiento de la marimba; por su parte, la segunda se apoya en expresiones de forma libre que van armando la confluencia de todos los instrumentos sobre el camino, culminando con una coda milimétricamente orquestada. Por ahora tenemos una estupenda primera impresión del nivel de osadía creativa que ostenta el grupo… ¡y aún queda mucho más! ‘Tonada’ es una excelsa demostración de cómo se puede mezclar el paradigma de HENRY COW con el de SOFT MACHINE y darle un toque extra de vitalidad con el empleo de algunos juegos pulsátiles de carácter Zeuhl – definitivamente, se trata de un cénit del presente catálogo. ‘A Perpetuidad’ porta una calidez melódica muy a tono con los legados de HAPPY THE MAN y GILGAMESH, un ejercicio de entrañables  evocaciones en base a una sencilla secuencia de percusiones tonales sobre la cual los demás instrumentos dibujan delicados retazos sonoros. El último tema de esta serie se titula ‘Haciendo El Quehacer Y Otros Tiradedos’, y consiste en un juego de improvisaciones bastante deconstructivo, caótico y ajeno a estridencias, un ejercicio de dadaísmo etéreo que culmina con un fabuloso solo de batería.  

Los temas ‘Reencuentro’ y ‘Fierabrás’ se tomaron de un concierto que tuvo lugar en Noruega en 2006. Ya para entonces, el grupo operaba como septeto con la inclusión de un segundo percusionista llamado Ismael Palomares y un segundo baterista llamado Luis Miguel Costero mientras que ya no había teclista. ‘Reencuentro F’ desarrolla una dinámica de free jazz: al principio se alternan los roles protagónicos de la flauta y el bajo, pero más adelante es la sección percusiva quien toma el mando del ambiente sonoro que se está armando. ‘Fierabrás’, por su parte, exhibe una estructura bien perfilada bajo los cánones del ZAPPA orquestal y cierto tufillo Crimsoniano que emanan algunas partes del guitarreo. Pasamos a continuación al año 1999, en el Museo de la Ciudad de Querétaro, con la improvisación ‘Tiradero Con Dave Barrett’. De eso se trata, de una aventura musical con el saxofonista Dave Barrett (veterano del jazz), con una BANDA ELÁSTICA que por entonces estaba conformada por el quinteto de Hernández, Costero, González, Navarro y Portillo.

 

Los dos últimos temas proceden de sendas improvisaciones en las ediciones 2006 y 2008 del FestivAlterNativo, en la localidad mexicana de Querétaro, siendo así que en la última de estas dos hace acto de presencia el ilustre invitado Chris Cutler (figura heroica de HENRY COW, CASSIBER y ART BEARS entre otras entidades musicales de vanguardia). La improvisación de 2006 se titula ‘Tiradero Con El Violo’, en alusión a la presencia del invitado especial Alejandro Sánchez al violín (veterano del RIO mexicano como integrante de NAZCA y DECIBEL, por solo nombrar una pequeña parte de su currículum). La cadencia básica de este jam tiene un aire funky-jazz al estilo de la vieja escuela fusionesca de los 70s, pero los alucinados fraseos de Sánchez y los recursos deconstructivos que emergen en cierto momento terminan por destruir esta “ilusión” en aras de incentivar atmósferas abstractas. La improvisación de 2008 tiene el poco sorprendente título de ‘Tiradero Con Chris Cutler’. Comenzando con un preludio donde un relativamente extenso dueto aleatorio de marimbas parece exorcizar un clamor ritual, llega el dueto de batería para empezar a armar el contexto donde el ensamble en pleno deberá operar. Los aires de ritual adquieren ahora una sonoridad más intensa dentro de un clima sónico arrollador; se produce un efecto muy especial cuando se contrastan las etéreamente neuróticas líneas de la guitarra con el arrollador empuje de la muy nutrida sección rítmica. Cutler debe haberse sentido como en aquellos tiempos de “In Praise Of Learning”, cuando HENRY COW le dio una dimensión más filuda a sus sistemáticas obsesiones avant-garde, con el añadido de factores fusionescos que le dan un vigor renovado al discurso del rock-in-opposition.

“Aquí, Allá Y Acullá” nos complace enormemente como lo que es, una magnífica selección de alucinantes muestras de creatividad de parte de BANDA ELÁSTICA, la cual se regala a sí misma, así como nos regala a los oyentes, un retrato certero de su genio artístico colectivo y de su manera tan osada de reflejar inquietudes en forma de sonido musical.

Muestra de “Aquí, Allá Y Acullá”.-

Ranulfo: http://www.youtube.com/watch?v=tHNcVgmog7A

INSONAR: vanguardia sonora para aves e infantes

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión nos concentramos en el doble álbum del dúo italiano de vanguardia radical INSONAR, conformado por Claudio Milano [canto] y Marco Tuppo [efectos de PC]. “L’Enfant Et Le Ménure”. Editado en un paquete compartido con el trabajo final de NICHELODEON “Bath Salts” poco antes de que el año 2013 llegara a su ecuador, este disco nos mostró una faceta específica que forma parte de las versátiles y siempre osadas inquietudes musicales del siempre magistral Milano. Siendo un trabajo triple, cada volumen de estudio y el volumen en vivo tiene su título autónomo: el del primero es “L’Enfant” y el del segundo es “Ashima”, mientras que el volumen en directo se titula “Neve Sporca”. Más de 60 músicos han colaborado en este proyecto registrado a lo largo de un intenso y exhaustivo cronograma que incluía sesiones en varios estudios de países europeos, asiáticos, americanos, oceánicos y africanos entre diciembre de 2009 y enero de 2013. Algunos de ellos han sido compañeros del propio Milano en NICHELODEON, y también vemos a otros invitados ilustres de renombre mundial como Trey Gunn, Pat Mastelotto, Nik Turner, Dieter Moebius, Elliot Sharp… ¡vaya, vaya, qué tremendo parnaso viviente del art-rock de ayer y hoy! Y eso que hasta ahora no hemos mencionado a los compatriotas Paolo Tofani (de esa poderosa entidad legendaria que es AREA) y Francesco Zago (líder de YUGEN, banda señera del rock-in-opposition de nueva generación).

El primer volumen de este disco se inicia con ‘The Simpsons Sing Gounod’, una delirante reformulación del ‘Ave Maria’ de Charles Gounod con los múltiples cantos de Milano emulando a los emblemáticos integrantes de la familia Simpson con un dueto de marimbas en el fondo instrumental. ‘L’Estasi Di Santo Nessuno’ es una composición de tenor renacentista que Milano y sus colaboradores de turno convierten en una excéntrica aventura chamber-rockera donde lo dadaísta se reviste de patente exquisitez, logrando así realzar el trágico humor negro sobre la temática del abuso infantil. ‘La Stanza A Sonagli’ porta una adusta robustez a través de su esquema sonoro etéreo, al modo de una cruza entre ART BEARS y HARMONIA. Por su parte, ‘Thief Of Toys’ establece una ambientación dramática y extrañamente perturbadora muy en línea con lo que usualmente hacía NICHELODEON: un piano en el rol protagónico, un saxo viajando a través de formas libres, una vitalidad aventurera en las líneas vocales y los ornamentos cibernéticos. ‘L’Inventasogni’ empieza como un tenso arrebato de canto y sintetizadores de fondo para luego virar hacia un desafiante ejercicio de free-jazz en torno a la tríada de piano, saxo y batería. ‘Menura Latham’ sigue esta senda y la explora con una vitalidad reforzada por la presencia más rotunda de la batería y el rol más determinante que tiene los ornamentos cibernéticos – INSONAR abraza el futurismo y vuela hacia la luna llena con este impulso alucinado. Lo que sigue después es una dupla de versiones de material ajeno: una es la primera parte de un tema de PIERROT LUNAIRE, ‘Gallia’ – la segunda parte forma parte del otro volumen – mientras que la otra es el clásico de VELVET UNDERGROUND ‘Venus In Furs’. En el primer caso tenemos un ejercicio de abstracción cósmica, mientras que en el segundo se nos muestra una aventura psicodélica estilizadamente parsimoniosa. ‘Dieci Bambini Cacao’ es la pieza más extensa de este volumen, con sus poco menos de 13 minutos de duración. El aire ceremonioso que se impone a través de toda la pieza es la clave de la cohesión que ésta tiene a través de las variantes de atmósfera que tienen lugar: algunos pasajes suena señorialmente relajados, otros portan una espiritualidad ensoñadora con un moderado cariz perturbador. “L’Enfant” se cierra con ‘Hamelinvoice’. Canción en la que Milano y sus secuaces exploran su recurrente lado oscuro, manejando atmósferas tétricas con una delicadeza que puede engañosamente confundirse con algún tipo de paz.

El segundo volumen comienza con ‘Liberami – Tabernacolo Erotico’, un tema de alta carga ritual que se sitúa a medio camino entre la exaltación mística y la celebración orgiástica. La versión del tema de Tim Buckley ‘Song To The Siren’ ostenta una espiritualidad flotante y densa, mientras que la musicalización del poema de Federico García Lorca ‘Canción Del Jinete’ se explaya en aventureros desarrollos disonantes debidamente reciclados a través de recursos cibernéticos. ‘La Torre Più Alta’ es un vitalista ejercicio de fusión arabesca en el que el ensamble hace gala de las dimensiones más musculares del estereotipo de AREA, además de añadir algunos matices abstractos de corte space-rockero al asunto. Los aportes de Nik Turner, Dieter Moebius y Walter Calloni (uno de los bateristas más respetados de las vanguardias rockera y jazzera de Italia) son cruciales a la hora de convertir a esta pieza en un clímax decisivo de este volumen… y por qué no, del disco en general. ‘Plaisir d’Amour’ es otra versión de un tema de PIERROT LUNAIRE: la verdad que el segundo disco de esta banda italiana de los 70s, “Gudrun”, es una joya muy peculiar dentro de los márgenes más osados del ideal de la música progresiva, y la asociación de Milano y Tuppo sabe rescatar el espíritu de esta obra mientras le da nuevos aires. Otra versión interesante es la de ‘Warszawa’, un clásico indiscutible del genial DAVID BOWIE durante su etapa de asociación con BRIAN ENO. En manos de INSONAR, este triunfo de la atmósfera adopta una sonoridad más adusta en el manejo de los climas sintetizados y una vitalidad renovada merced al empleo de violines y vientos en el ensamble general: las cadencias étnicas y los recursos computarizados arman un engranaje muy interesante para este hito sónico que data de 1977. Ocupando los últimos 5 ¼ minutos de “Ashima”, ‘Medina’ es un denso viaje instrumental que nos transporta por parajes oníricamente envolventes, muy en línea con el krautrock electrónico clásico derivado de los legados de TANGERINE DREAM (etapa 74-76) y CLUSTER.  

“Neve Sporca” es una selección de 9 temas tocados en vivo en estudios de Europa y los EE.UU. ‘Liberami – Tabernacolo Erotico’ abre la selección con un enfoque más abiertamente rudo de este exorcismo perturbador, mientras que ‘Hamelinvoice’ seengarza a un despliegue abstracto titulado ‘Interior Landscape’ para así generar una aventura sónica rotunda que dura 10 ¾ minutos. ‘3&2&1’ es una hermosa arquitectura cibernética que Marco Tuppo elabora como un ensueño cósmico, mientras que la dupla de ‘Junio’ y ‘L’inventasogni’ hace que esta última se arrope de texturas aún más siniestras que las que aparecen en la versión de estudio que cierra el primer volumen. También cabe destacar la tercera parte de la versión del tema de PIERROT LUNAIRE ‘Gallia’: los ornamentos de guitarra procesada que aporta Richard A. Ingram (Paolo Tofani había hecho lo propio en la segunda parte) armonizan muy bien con los surrealistas climas que crea Tuppo en su PC.  

Lo que nos ha brindado INSONAR con “L’Enfant Et Le Ménure” es un ambicioso testamento de lo que la escena vanguardista italiana puede ofrecer a las provincias más radicales de la experimentación progresiva. Muy recomendable para quienes aprecian el arte de la música como aventura y desafío.

Muestras de “L’Enfant Et Le Ménure”.-

L’Estasi Di Santo Nessuno: https://soundcloud.com/insonar/lestasi-di-santo-nessuno-feat

Medina: https://soundcloud.com/insonar/medina-feat-thomas-grillo

La Stanza A Sonagli: https://soundcloud.com/insonar/la-stanza-a-sonagli-feat-the

La Torre Più Alta: https://www.youtube.com/watch?v=hIwS1Gzxt8k

La inacabable fosforescencia de UNIVERS ZERO

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy estamos de plácemes porque nos toca prestar nuestros oídos y espíritus al nuevo trabajo fonográfico de UNIVERS ZERO, leyenda viviente y persistente del rock-in-opposition belga que se originó en aquellos lejanos años 70s. El nuevo disco se titula “Phosphorescent Dreams”, el mismo que absorbe la energía y pericia de décadas de osada creatividad musical para darle una nueva luminiscencia al paradigma progresivo del que este ensamble liderado por el baterista-percusionista Daniel Denis ha sido pionero. El disco en cuestión fue grabado durante la primera quincena de julio de 2013, para luego ser mezclado y masterizado entre octubre y noviembre: éste es el año de su realidad fáctica por vía del sello Disk Union. Denis, fundador de la banda, actualmente se hace acompañar de Kurt Budé [clarinete, clarinete bajo, saxofones alto y tenor, percusión], Dimitri Evers [bajo eléctrico, contrabajo], Nicolas Dechêne [guitarras eléctrica y acústica] y Antoine Guenet [teclados]: solo los dos primeros sobreviven de la alineación que grabó “Clivages” hace cuatro años. Adicionalmente, el ensamble cuenta con ocasionales colaboraciones de parte de Nicolas Denis (también a la batería y percusiones), el trompetista Hugues Tahon y el trombonista Adrien Lambinet. En líneas generales, se puede decir que “Phosphorescent Dreams” recoge el colorido intenso de “Clivages” a la par que repasa ciertas estructuras sónicas antes trabajadas en “Uzed” – así las cosas, este disco está ubicado en la faceta menos tenebrosa de UNIVERS ZERO. Vayamos ahora a los detalles del mismo.

El disco se abre con ‘Shaking Hats’, tema que ocupa un total de 9 ¾ minutos. Desde el punto de partida muestra una vivacidad juguetona a través de sus ágiles cadencias rítmicas. El posicionamiento de las capas y texturas de la guitarra de Dechêne nos remite un poco a los tiempos del disco debut “1313” en lo que a estructura se refiere, pero su expresividad tiene más que ver con los patrones de colorido orquestal anteriormente desarrollados en el brillante disco antecesor “Clivages”. Los últimos pasajes están signados por un piano solitario que parece cerrar bajo siete llaves la expresividad sónica precedente en un sótano definitivo. Luego sigue ‘Vocation’, que se centra en una serie de escalas de piano que van serpenteando, a veces en el rol protagónico, otras pasando a un segundo plano, lo cual le permite mantener una línea de cohesión para las sucesivas intervenciones solistas de la guitarra y el clarinete. Con los adornos percusivos, la pieza adquiere un interesante color adicional. ‘Très Affables’ tiene un aire jazzero en medio de su sonoridad típica de rock-in-opposition: la estructura rítmica utilizada aquí (con Nicolas Denis como invitado especial) no es tan solo el fundamento para la instrumentación global, sino que también es la fuerza impulsora del desarrollo melódico en curso. En líneas generales, se trata de una pieza bastante cálida que en varios pasajes muestra similitudes con el paradigma de HAPPY THE MAN, por extraño que parezca. ‘Rêve Mécanique’, el cual dura más de 12 minutos. Definitivamente, su espíritu general es más colorido y amable que el de la pieza de apertura, con motivos diversos que se hilan de manera muy natural, además de que cada una de ellas consta de una ingeniería refinada particular.

‘Les Voleurs d’Ombre’ ostenta una dimensionalidad épica a través de sus casi 10 minutos de duración. Dicha cualidad épica sirve para que a banda explore las dimensiones más tenebristas de su actual posicionamiento sonoro: la pieza comienza como un vals razonablemente tétrico, balanceado sólidamente sobre un esquema rítmico imponentemente cadencioso. El desarrollo temático que sigue permite a la banda seguir explorando otras estructuras rítmicas mientras que la ambientación oscura se mantiene con esplendorosa consistencia. ‘L’Espoir Perdue’, por su parte, nos hace regresar a los fantasmas de “1313” con su parsimonia arquitectónica que se explaya entre lo oscuro y lo etéreo: la tríada de clarinete, trompeta y trombón dibuja hermosos retazos ceremoniosos que casi siempre se hacen acompañar por un tamborileo marcial. La pieza ‘Phosphorescent Dream’ (así, en singular) es la otra pieza que dura más de 12 minutos, estando a cargo de cerrar el disco de una forma rotundamente señorial. Comienza con una fanfarria relativamente extensa, portadora de un aire de lúgubre misterio con una actitud abiertamente ceremoniosa. Una vez que el dúo rítmico entra en acción, poco antes de rozar la barrera del segundo minuto, la ambientación general de la pieza se desarrolla en ligeras variaciones de la base armónica central, procurando gestar varios recursos de sobria densidad que poco a poco desarrollan una ilación que culminará en un fabuloso crescendo. Si bien hay algo de luminoso en el manejo de los arreglos de vientos, el tono principal de esta pieza de cierre es predominantemente elegíaco.    

 

Todo esto fue “Phosphorescent Dreams”, un testimonio de vitalidad de parte de UNIVERS ZERO, una fuerza musical veterana que sabe reinventarse mientras se toma su tiempo para gestar una obra progresiva de gran calibre después de otra. ¡El rock-in-opposition nació para no morir nunca!

Muestras de “Phosphorescent Dreams”.-

Shaking Hats: https://www.youtube.com/watch?v=TFthIDOIvwk

Les Voleurs d’Ombre: https://www.youtube.com/watch?v=2Nu2Bsxc9Mk

La amable evolución estilística de CYNIC

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hoy es el momento de fijarnos en CYNIC y su más reciente oferta fonográfica “Kindly Bent To Free Us”. De la mano de la ya legendaria alineación de Paul Masvidal [guitarra y canto], Sean Malone [bajo sin trastes y Chapman Sitkc] y Sean Reinert [batería, percusiones y sintetizador], el grupo explora a profundidad los matices más contenidos y los ambientes más etéreos de su esencia estilística que en trabajos precedentes solo habían ocupado ciertos espacios. Ahora… ¡se trata de la norma general! Y vaya si esto no ha confundido a algunos de los fieles fans, quienes en las redes han mostrado cierto estupor ante lo que parece ser una suavización del paradigma de CYNIC, pero los más receptivos han advertido que lo que se da en “Kindly Bent To Free Us” es el deseo de refrescar y remodelar ciertos elementos de la rica visión musical de Masvidal & co. con el solo fin de mantenerse alerta en el bastión de su mentalidad en pro de generar una frescura vanguardista al lenguaje metalero de nuestros tiempos. Incluso las intervenciones vocales de Masvidal se focalizan exclusivamente en transmitir una espiritualidad contemplativa, sin filtraciones generadas desde la consola de grabación ni momentos de fiereza estruendosa, un factor a tener en cuenta a la hora de entender el debate entre quienes recibieron este disco con escepticismo y los que lo hicieron con deleite. Nosotros somos de la segunda tendencia, por lo que adelantamos que nuestra percepción de este disco es muy positiva – este disco nos muestra el resultado de la remodelación sónica que CYNIC ha venido gestando en el núcleo de sus entrañas musicales desde los tiempos del disco precedente “Carbon-Based Anatomy”. Ahora que es el tiempo de “Kindly Bent To Free Us”, vayamos a los detalles del mismo.

‘True Hallucination Speak’ abre el álbum a partir de un preludio majestuoso que ostenta un aire de expectativa, prontamente dispuesto a dejar que el cuerpo central se desarrolle sobre una fluida armazón rítmica muy amiga de síncopas, además de estar bien ajustada a los ligeros cambios de ambiente que van teniendo lugar. El genuino filo rockero del trío se hace evidente sin hacer ningún tipo de aspaviento. Hay un falso final a poco de pasada la barrera del cuarto minuto donde el encuadre sonoro busca un momento de sutil relax antes de terminar de redondear el cuerpo central. Tras estos estupendos seis minutos iniciales llega ‘The Lion’s Roar’ para elaborar una dosis un poco mayor de explicitación muscular en el sonido grupal, aunque sin crear contrastes chocantes con los exhibido en el tema de inicio. La pieza homónima sigue a continuación para retomar buena parte de la aureola sofisticada de ‘True Hallucination Speak’ y llevarla hacia un esquema de trabajo aún más complejo en el sentido auténticamente progresivo del término. La dimensionalidad etérea de los pasajes más serenos se conjuga a las mil maravillas con esos otros pasajes donde los riffs y armonías de guitarra se sueltan en su garra metalera. Una versión breve de esta estrategia se reitera en los dos siguientes temas, titulados ‘Infinite Shapes’ y ‘Moon Heart Sun Head’ respectivamente. Estas dos piezas gozan de un gancho peculiar a través de sus complejos recovecos compositivos, especialmente el segundo. Ello permite a la banda emparentarse con la gloria clásica de unos FATES WARNING… a la par que lo pone en una onda paralela a lo que actualmente hacen bandas como EXIVIOUS y SCALE THE SUMMIT. Es más jazz-prog-metal que prog-metal en sí… o así lo parece. Durando poco menos de 4 minutos, ‘Gitanjali’ refleja una razonable dosis de tensión interna que se maneja muy inteligentemente dentro de un esquema rítmico no precisamente muy frenético, además de los estratégicos pasajes breves marcados por la sutileza que sirven como atisbos de relax emocional en medio de la oscuridad. ‘Holy Fallout’, por su parte, se retuerce dinámicamente en torno a la espiritualidad contemplativa que ha venido inundando la mayor parte del disco, incluso llevándola a su máxima expresión de tal modo que coqueta con estándares del post-metal. El repertorio se termina con ‘Endlessly Bontiful’, pieza que abiertamente se hace eco del nervio introspectivo de la precedente para meterse en áreas space-rockeras con el fin de proyectar la musicalidad en curso hacia nuevas profundidades contemplativas.

 

Hay un par de peculiaridades que vale la pena señalar sobre “Kindly Bent To Free Us”: una es que la edición especial deluxe contiene un bonus track titulado ‘Earth Is My Witness”, la otra es que el disco fue publicado en el simbólico Día de San Valentín. Bueno, aparte de estos datos anecdóticos, la verdad central de la presente reseña es que CYNIC sigue bien situado en un rol privilegiado dentro de la vanguardia rockera estadounidense e internacional.

Muestras de “Kindly Bent To Free Us”.-

True Hallucination Speak: http://www.youtube.com/watch?v=KmRacKGa2Jo

Moon Heart Sun Head: http://www.youtube.com/watch?v=PqJ9ajb7qkM#t=1

Homenaje a Francesco Di Giacomo y BANCO DEL MUTUO SOCCORSO

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Francesco Di Giacomo, inmenso trovador de la música progresiva italiana e inapelable frontman de BANCO DEL MUTUO SOCCORSO, falleció en un accidente de tráfico el pasado mes de febrero. Nuestro homenaje póstumo a esta figura tendrá lugar al modo de un repaso de los tres primeros discos de la susodicha banda BANCO DEL MUTUO SOCCORSO, la cual puede presumir de haber iniciado su currículum fonográfico con tres obras maestras sucesivas… así, sin anestesia ni paliativos, tres obras maestras sucesivas: “Banco Del Mutuo Soccorso”, “Darwin!” e “Io Sono nato Libero”. Nada mal para un grupo formado en 1969 por los hermanos Gianni y Vittorio Nocenzi, ambos teclistas, dentro de una línea de rock melódico con ciertos elementos beat. Comenzando como quinteto completado por un guitarrista (Gianfranco Coletta, luego Claudio Falco), un baterista (Franco Pontecorvi, luego Mario Acchilli) y un bajista (Fabrizio Falco), finalmente el grupo llegó a su formato definitivo con las ulteriores membrecías del guitarrista Marcello Todaro, el bajista Renato D’Angelo (también aportando al contrabajo y la guitarra acústica), el baterista-percusionista Pierluigi Calderoni y el vocalista Francesco Di Giacomo. Gianni y Vittorio terminaron repartiendo responsabilidades con el primero tocando pianos, clarinete y pícolo, y el segundo encargándose del órgano, los sintetizadores, el clavicordio, el clarín y el vibráfono. Adicionalmente, Vittorio resultó ser el compositor más prolífico de la banda. La esencia estilística del sexteto en esta gloriosa juventud consistía en una amalgama perfecta de exquisita elegancia y aventurera extravagancia: se podía advertir, de forma relativa, las conexiones con referentes foráneos como EMERSON, LAKE & PALMER, GENTLE GIANT y GENESIS, pero sin duda que este grupo enarbolaba orgullosamente la bandera de la sensibilidad mediterránea y las diversas tradiciones académicas de su madre patria, además de un prototipo muy personal en lo que se refiere a su posicionamiento específico dentro de la escena progresiva del momento.

A inicios de 1972 salió a la venta el homónimo disco debut de BANCO DEL MUTUO SOCCORSO, cuya cubierta tenía forma de hucha, la misma que aparecía dibujada. La actitud tan original de presentar el formato físico de este disco se corresponde idóneamente con las continuas explosiones de creatividad que se vierten a lo largo de su repertorio, desplegando mil formas de luminosidad musical desde la primera nota de la primera canción hasta el último hálito de la última pieza. ‘In Volo’ es un preludio palaciego un tanto picaresco donde Vittorio y Francesco intercambian saludos, abriendo así la puerta a la vitalidad rotunda de ‘R.I.P.’, una canción de temática pacifista arropada bajo un punche rockero vibrante que se despliega fluidamente a través de su cuerpo central. La última sección de ‘R.I.P.’ consta de un lamento reflexivo redondeado con una efímera coda rockera que nos golpea de una forma concisa y poderosa. ‘Passaggio’ es un bello solo de clavicordio al estilo barroco, el mismo que está ornamentado con ruido de pasos y tarareos. Tras este interludio, emergen las dos canciones monumentales del álbum: ‘Metamorfosi’ e ‘Il Giardino Del Mago’. Ambos tema exhiben ambiciosos juegos de énfasis y expansión de ciertos motivos definidos, además de fastuosas ingenierías donde los instrumentistas arman impecables ilaciones de atmósferas diversas. Coincidiendo ambas piezas en dar espacios preferentes a la expresividad dramática, ‘Metamorfosi’ se orienta más hacia un colorido envolvente mientras que ‘Il Giardino Del Mago’ se inclina más hacia lo misterioso y lo oscuro. ‘Traccia’ cierra el disco con un tenor festivalero, manifestado con una melodía patentemente celebratoria sostenida sobre las cadencias de batería y piano mientras el grupo entero corea la melodía central.

Sin terminar todavía el año 1972, BMS volvió a la carga con su disco conceptual “Darwin!”, el cual se centraba en la teoría darwinista de la evolución del hombre. Si los niveles de intensidad creativa seguían intactos respecto al disco debut, el esquema sónico mostró una mayor amplitud con la introducción del sintetizador Moog y una mayor presencia de maderas y percusiones tonales en las armazones de varios de los temas que conformaban el disco. Allí seguían la grandiosidad del canto de Di Giacomo, las amalgamas de los teclados de los hermanos Nocenzi como base de la instrumentación general, las sofisticadas armazones rítmicas y el impoluto manejo de diferentes atmósferas y climas emocionales. El tema de apertura, ‘L’Evoluzione’, es para dejarnos con la boca abierta desde las capas iniciales de órgano hasta el último instante del fade-out del sintetizador. En medio, tenemos una ilación de hermosos motivos que van de lo ceremonioso a lo aguerrido y de lo sutil a lo pomposo, una ilación desarrollada con el más excelso sentido de arquitectura progresiva que se puede esperar de una obra maestra. Y eso que recién estamos hablando de la primera canción del álbum, pues cuando pasamos al jam jazz-psicodélico basado en las interacdiones de los teclados en ‘La Conquista Della Posizione Eretta’, y de allí al ejercicio de jazz relejante de salón que es ‘Danza dei Grandi Rettili’, seguimos complaciéndonos con esa particular forma de belleza extravagante que anteriormente mencionamos como marca de fábrica de BMS. ‘Cento Mani E Cento Occhi’ nos devuelve a la vitalidad magnífica e inteligentemente tortuosa que previamente había marcado a ‘L’Evoluzione’, pero esta vez con un espacio de expansión más conciso. A medio camino entre la prestancia majestuosa de ‘L’Evoluzione’ y la forma moderadamente libre de ‘La Conquista Della Posizione Eretta’ se sitúa ‘Miserere Alla Storia', tema que incluye un imperdible soliloquio un tanto burlón a cargo de Di Giacomo. Entre estos dos temas ostentosamente expresionistas se sitúa la entrañable balada ‘750,000 Anni Fa ... L'Amore?’, centrada en el piano y cuya temática poética refleja la ruptura entre el ser humano y el eslabón perdido dentro de un contexto amoroso trágico – parece mentira cómo un argumento aparentemente tan absurdo puede, en manos de estos genios del prog italiano, convertirse en una reflexión sobre la inaccesibilidad de las cosas que se perdieron para siempre. Esta canción, con justa razón, se ha convertido en una de las más emblemáticas de la trayectoria del grupo. “Darwin!” se cierra con ‘Ed Ora Io Domando Tempo Al Tempo Ed Egli Mi Risponde ... Non Ne Ho!’, una serenata folclórica en ¾ que mezcla colores circenses y cadencias de vodevil, mostrando así actitudes simultáneas de resignación e ironía ante el prospecto del fin definitivo de una época.

Publicado en 1973, “Io Sono Nato Libero” fue el LP diseñado para cumplir con la difícil misión de suceder a “Darwin!”… y vaya si cumplió cabalmente con tan titánicamente exigente misión. De hecho, para nosotros se trata del mejor disco de toda la historia de BMS. También es justo señalar que BMS se encontraba en un momento especial de su carrera, pues fue justamente durante la grabación de este disco que el guitarrista original Marcello Todaro desempeñó sus últimas funciones como integrante del grupo, entrando Rodolfo Maltese en su reemplazo no solo para tocar guitarras, sino también para aportar labores a la trompeta y al corno en sucesivos trabajos. Atestiguamos, pues, el surgimiento del sexteto clásico de BMS. Y además… también nos topamos con una portada de antología: la parte superior de la cubierta tiene forma redonda como si se tratara de una cúpula enrejada. ¡Genial!

Yendo al repertorio de “Io Sono Nato Libero” en sí, el balance general es que este disco cosecha la siembra musical de los dos antecesores, enriqueciendo aún más la vitalidad sonora inherente a la banda con una aumentada presencia de los sintetizadores y una apertura a más campos de acción para la instalación de recursos experimentales cuando el grupo los considere necesarios. Esto último se capitaliza de forma espectacular en la pieza de entrada ‘Canto Nomade Per Un Prigioniero Politico’, la cual dura 15 ¾ minutos y encapsula en muchos aspectos la máxima expresión de la magia grandiosa que caracteriza a BMS como figura señera de la primera generación progresiva italiana. Las coloridas orquestaciones a través de las cuales dialogan y se retan los instrumentos (guitarra, bajo, piano, órgano, sintetizadores, vibráfono), las delicadas variantes temáticas que nos recuerdan tanto a los paradigmas de ELP como de GENTLE GIANT, pasajes de predominio percusivo que ostentan aires de fusión tribal, extraños duetos de guitarras acústicas (a veces pastorales, a veces blueseras), efectos cósmicos de sintetizador, todo ello conectándose en un flujo sonoro que finalmente deriva en una coda sinfónica espectacular bien encuadrada ente las bases de piano y las fanfarrias duales de sintetizador y guitarra. Toda esta vitalidad tan incendiaria y juguetona surrealista de ‘Canto Nomade Per Un Prigioniero Politico’ necesita de una contraparte, y ésta viene de la mano de la cálida balada folclórica ‘Non Mi Rompete’, otra canción innegablemente clásica dentro del repertorio global de BMS. Aunque esta canción está inmersa en una ambientación serenamente reflexiva, tanto el canto de Di Giacomo como la estructura de la instrumentación revelan un aire de optimismo cándido, la cual se realza en los últimos parajes merced a un hermoso solo de sintetizador que parece emular el canto de aves en un bosque. La segunda mitad del disco está principalmente ocupada por dos composiciones de largo aliento, ‘La Città Sottile’ y ‘Dopo… Niente È Più Lo Stesso’. La primera de éstas ostenta un aura romántica con ocasionales vistazos a dimensiones oscuras del corazón: nada siniestro cuando no predomina la expresividad romántica, solamente misterioso con una delicada actitud sombría. Por su parte, la segunda de estas canciones se arma en torno a un vitalismo más sofisticado, extravagante sin dejar de mostrar una sempiterna exquisitez. Esta canción puede muy bien definirse como el enlace entre la sección cantada de ‘Canto Nomade Per Un Prigioniero Politico’ y los elementos más fastuosos del disco precedente “Darwin!”. Casi como volviendo por un rato al espíritu central de ‘La Città Sottile’, el breve instrumental ‘Traccia II’ aporta un broche de oro ceremonioso al disco.

Éste ha sido nuestro repaso general a la magistral trilogía inicial de BANCO DEL MUTUO SOCCORSO. Es una terrible pena que nuestro motivo para hacer aquí este repaso haya sido la partida definitiva de Francesco Di Giacomo, pero… los testimonios de su genio creativo y de quienes fueron sus compañeros de aventuras progresivas en BMS quedan sempiternamente registrados en la leyenda perpetua del rock progresivo italiano. 

Muestras de BANCO DEL MUTUO SOCCORSO.-

In Volo + R.I.P.: https://www.youtube.com/watch?v=w-LKWdSZNtA

L’Evoluzione: https://www.youtube.com/watch?v=AE6Pnhp9pn8

750,000 Anni Fa ... L'Amore?: https://www.youtube.com/watch?v=_nS4Kxjx1CA

Canto Nomade Per Un Prigioniero Politico: https://www.youtube.com/watch?v=rtxQ7CFpZuk

La Città Sottile: https://www.youtube.com/watch?v=8JCFpZ5yFto

El ritual de regeneración continúa para DJAM KARET

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

A menos de 12 meses de la publicación de su disco anterior “The Trip”, la veterana banda estadounidense DJAM KARET vuelve al ruedo con un nuevo disco bajo el brazo titulado “Regenerator 3017”, el cual les sirve para simbolizar orgullosamente su trigésimo año de existencia. En efecto, el grupo se formó en algún lugar del estado de California en 1984 y para celebrar el evento DJAM KARET hizo algo muy especial para éste, su décimo séptimo álbum: volvió a convocar al bajista original Henry Osborne (quien también aporta labores de teclista) para que se reuniera con los veteranos de siempre, o sea, Mike Henderson [guitarra y percusión], Gayle Ellett [guitarra, teclados y bouzouki] y Chuck Oken, Jr. [batería, percusión y sintetizadores], además del guitarrista Mike Murray. El actual bajista de la banda, Aaron Kenyon, dio un momentáneo paso al costado para la ocasión, un gesto que le valió el primer lugar en los créditos de agradecimientos. El material de “Regenerator 3017” fue registrado en varias sesiones que tuvieron lugar entre junio de 2012 y diciembre de 2013.

‘Prince Of The Inland Empire’ abre el disco con un groove intenso y grácil, de corte jazzero, muy al estilo de la vieja escuela del Canterbury, al modo de una remodelación razon razonablemente más agresiva de los paradigmas de HATFIELD & THE NORTH y GILGAMESH. En algunos interludios del desarrollo temático de la pieza, la banda vira hacia la senda del sinfonismo clásico de unos CAMEL: ciertamente, se puede notar aires de la época del “Mirage”, lo cual ayuda a crear recursos de ingeniosa diversidad. Luego sigue ‘Living In The Future Past’, pieza que sigue de lleno en esta vertiente jazz-progresiva pero remodelada bajo una armazón psicodélica que, a fin de no violentar la dinámica exquisitamente armada por la dupla rítmica, se aplica con cierta sutileza bastante oportuna. En sus primeros tres minutos y pico, ‘Desert Varnish’ parte del impacto de la pieza inmediatamente precedente y realza el factor etéreo a fin de gestionar un aspecto ensoñador del esquema space-rockero con buen pulso. Luego, la pieza vira hacia un jam psicodélico que nos remonta hacia esos ya lejanos tiempos del “Reflections From The Firepool” y “Ascension”. Es una pena que temas tan bien armados y tan atractivos como ‘Living In The Future Past’ y ‘Desert Varnish’ no gocen de mayores espacios de desarrollo temático, pero a estas alturas del disco, ‘Wind Pillow’ llama a la puerta para entrar a primer plano con su aureola de serenidad contemplativa. El acento principalmente cósmico que tienen los teclados operantes sostienen una buena complementación para la dinámica serena establecida por la dupla rítmica y los bien dibujados solos de guitarra que emergen en el camino (a veces a lo Phil Miller, a veces a lo David Gilmour).

‘Lost Dreams’ se mete en terrenos Floydianos, esa modalidad de psicodelia lánguida apoyada en la exploración de una determinada atmósfera con la que DJAM KARET ha sabido construir una sólida referencia musical a través de los años. ‘Empty House’ nos brinda otro momento de serenidad contemplativa, esta vez marcada por una dimensionalidad ensoñadora que invita a entrar en un ambiente de melancolía. La hermosa pieza ‘On The Edge Of The Moon’ cierra el álbum con un exquisito aire sinfónico que nos puede hacer evocar esas épocas clásicas de CAMEL y GENESIS. La presencia del piano (a cargo del bajista Osborne) resulta bastante crucial a la hora de arar las bases armónicas sobre las cuales se desarrollan los motivos y los sucesivos solos de guitarra. El último de esto solos elabora un clímax intenso muy a tono con el suavemente manejado incremento de capas de teclado que tiene lugar.

“Regenerator 3017” es, a fin de cuentas, un disco muy especial para DJAM KARET y también para quienes hemos estado siguiendo su trayectoria desde hace muchos años. Siempre es algo digno de celebrar que una banda con tanta veteranía cuente todavía con oficio y creatividad suficientes como para seguir explorando nuevas formas de desarrollo de su propuesta progresiva esencial. ¡Recomendado!

Muestra de “Regenerator 3017”.-

Desert Varnish: http://djamkaret.bandcamp.com/track/desert-varnish  

On The Edge Of The Moon: http://www.youtube.com/watch?v=2matiiHxvL0

Lost Dreams [video-clip]: https://www.youtube.com/watch?v=-bnHhOgwvk8

SPOKE OF SHADOWS: música progresiva para luces y sombras

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da el momento de presentar a SPOKE OF SHADOWS, dúo conformado por Bill Bachman [batería] y Mark Cook [Warr Guitar, guitarras, bajo sin trastes, teclados y efectos]. Aunque este proyecto es de reciente formación, ninguno de sus dos integrantes es precisamente un novato: Bachman ha grabado para algunas luminarias progresivas actuales como NEAL MORSE, mientras que Cook es miembro del grupo HERD OF INSTINCT. Justamente fue en los últimos días de postproducción del segundo disco de HERD OF INSTINCT “Conjure” (uno de los mejores trabajos progresivos editados a inicios de 2013) que s Mark Cook se le ocurrió terminar algunas ideas musicales que entonces estaban inconclusas para desarrollarlas en un proyecto musical diferente, y fue así que Bill Bachman entró en escena. Tras comunicarse por unos meses de forma exclusivamente virtual, una vez dado el primer encuentro físico de ambos músicos, SPOKE OF SHADOWS fue enfocado como una vía de expresión progresiva ecléctica, afín a la idea de integrar elementos sinfónicos, fusionescos, psicodélicos y jazzeros, usando por igual instrumentos vintage como digitales. De hecho, para Mark Cook, la Warr Guitar es su instrumento prioritario a la hora de concretizar su creatividad compositiva. Los compañeros de Bachman en HERD OF INSTINCT han colaborado en algunos temas, así como el flautista Bob Fisher y el veterano del jazz Jeff Plant al bajo sin trastes. El resultado final de esta aventura es el disco homónimo publicado por Firepool Records (sello de DJAM KARET) que pasamos a reseñar ahora.

‘Dominion’ abre el álbum con casi 5 minutos y medio de deliciosos desarrollos temáticas y explayamientos atmosféricos que deben mucho al paradigma del KING CRIMSON 80ero, estableciendo nexos cercanos con los filtros estilísticos contemporáneos que encarnan GORDIAN KNOT y HERD OF INSTINCT. A pesar del aire de familiaridad que el oyente puede fácilmente reconocer, este tema muestra una frescura idónea para asentar una muy buena impresión. ‘Images’ se enfila hacia la dimensión introspectiva de la visión musical del dúo, elaborando una idea llena de serenidad, un poco al modo de una cruza entre DJAM KARET y el proyecto “A Scarcity Of Miracles”. ‘One Day’ es una serena y no muy larga composición que permite al dúo explorar más a fondo su faceta introvertida, envuelta en un halo contemplativo de matices románticos: su primera mitad sirve para que las capas de teclado instalen y refuercen el ambiente general, mientras que la segunda parte sirve para que se instaure el compás y el piano prácticamente dirija el desarrollo melódico. Tal vez se sienta demasiado corto, pero sin duda se trata de un muy bello tema que crea un puente para el siguiente: ‘Harbinger’. Esta pieza despliega un vigor contagioso, un excelente ejercicio de jazz-rock remodelado para una facilitar una nueva reinstauración del paradigma Crimsoniano en su desarrollo temático. ‘Lost One’ se orienta hacia una línea fusionesca con su cuota oportuna de rock (un poco a lo GORDIAN KNOT). Por su parte, ‘Pain Map’ apunta hacia una ambientación auto-contenida de estilo space-rockero, manteniendo sólidamente el gancho por más de 7 minutos, muchos de los cuales están ocupados por un atractivo groove jazzero. La sección final consiste en una armazón orquestal de sintetizadores cuya aureola flotante se condice perfectamente con el cuerpo central que se había venido desarrollando hasta entonces.

Para cuando llegamos a la dupla de ‘Persona’ y ‘Splendid Sisters’, SPOKE OF SHADOWS sigue firme en la forja de su ecléctica propuesta: el primero de estos temas porta varios aires de familia con ‘Lost One’, mientras que ‘Splendid Sisters’ retoma los matices centrales antes expuestos en ‘Images’ y en ‘One Day’. Como dato curioso, resulta que Gayle Ellett (una de las figura de DJAM KARET)aporta mellotrón y piano eléctrico Fender Rhodes a la segunda de estas piezas. ‘Tilting At Windmills’ hace algunos coqueteos con el estándar sónico del prog-metal, pero siempre en función a la idea de realzar los aspectos más filudos de la psicodelia progresivamente ecléctica que conforma el núcleo de la visión musical del dúo. De hecho, este tema tiene más en común con los esquemas de GORDIAN KNOT, AT WAR WITH SELF y EXIVIOUS que con los usualmente mentados DREAM THEATER o FATES WARNING. ‘Accord’ es un ejercicio de ensoñadores capas sónicas sobre una delicada base rítmica jazzera, seguido por el ejercicio de progresiones Crimsonianas que se titula ‘Dichotomy’. ‘Drama Of Display’ cierra el disco exhibiendo una aureola extrovertida cuya mezcla de jazz-rock y psicodelia ya se siente familiar: un broche coherente para el álbum, sin duda. 

SPOKE OF SHADOWS nos muestra con éste, su disco homónimo, que merece ser apreciado como un excelente proyecto de música progresiva: no dejemos que este legado se hunda en el mar del olvido porque no lo merece en lo absoluto.

Muestras de “Spoke Of Shadows”.-

Dominion: http://www.youtube.com/watch?v=qTBleDIMUpk

One Day: http://www.youtube.com/watch?v=JkZsTqvPZQM 

Tilting At Windmills: http://www.youtube.com/watch?v=YzEqCUOcMWk