TRÍO VILARDEBÓ: la trinidad de la vanguardia jazz-progresiva uruguaya

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En esta ocasión quisiera hablarles de un power-trío instrumental uruguayo llamado TRÍO VILARDEBÓ, fundado en 2003 y conformado por el guitarrista Daniel Tolosa, el baterista Daniel Pereira y el bajista Sandro Trombotti. Dentro de un esquema integralmente progresivo marcado por sueños de libertad y oscuridad, TRÍO VILARDEBÓ crea una amalgama de jazz-rock, experimentación free-form, psicodelia de base heavy, fusión, neurosis crimsoniana y agilidad de raigambre math-rock. El factor de la improvisación es muy relevante en la gestación, maduración y continua reconstrucción de la voz musical de TRÍO VILARDEBÓ, pero el trío no se queda absorto en sus propias abstracciones sin más, sino que las desarrolla concretándolas en diálogos en los que los tres músicos se complementan y desafían simultáneamente a fin de que el sonido elabore y remodele su propio sentido, un sentido misterioso que solo puede provenir de la mágica fruición producida por el encuentro de tres mentes aventureras. Muchas veces resulta que el bajo ostenta su propia distorsión a fin de llenar espacios entre riffs y fraseos de guitarra; muchas otras veces la batería se despega un poco de su rol básicamente rítmico y se apunta a completar texturas y matices iniciados por los otros dos instrumentos; casi siempre ocupa la guitarra un lugar central, sin por ello renunciar al contacto directo con los incendiarios ornamentos del bajo o con las efectivas variantes de cadencia emitidas desde los tambores y platillos de Pereira. Este power-trío prácticamente funciona como una trinidad cósmico-psicodélica entregada por igual a su propia unidad tensa y a los peligros del sonido hecho aventura radical.

El primer disco del grupo, “Ojos Territoriales”, se editó en el año 2008. ‘La Caja De Pandora’ abre el disco en directa relación con su título mismo, como abriendo un cofre desde el cual emerge una atmósfera sobriamente ominosa dispuesta a generar peligro y drama en un futuro cercano. ‘Alimentando Al Muerto’ despliega un frenesí más marcado tras un pasaje introductorio alevosamente nebuloso; el jam central porta un ágil swing cuasi-zeppeliniano con añadidos matices crimsonianos. Este momento de impacto es eficazmente capitalizado en ‘Territorio’, pieza portadora de un cálido swing jazzero que ofrece una curiosa contraparte a los vibrantes fraseos de guitarra. ‘La Casa’ se proyecta hacia un terreno distinto, centrado en grisáceos ambientes de misterio y neurosis: hay un delirio crimsoniano-sabbathiano que brilla en las intervenciones de la guitarra, mientras que la pesada languidez del compás básico es reactivado por la dupla rítmica con buen nervio y sólida fluidez. Un poco más adelante, ‘Desierto’ establece una recepción del legado de ‘La Casa’, aunque con un vigor más emparentado con ‘Alimentando Al Muerto’ y ‘Territorio’. En medio de ambos temas, ‘Hombre Caminando Bajo La Lluvia’, tema en 7/8, explora otros senderos de la ebullición psicodélica que ya se había hecho dominantemente presente en el tema precedente y lo alimenta con adornos fusionescos que, de alguna rara manera, se hacen notar en medio de la tormenta rockera en curso. ‘Barcos’ es una pieza tremendamente vibrante, con un primer motivo que refleja un ágil manejo de intensos climas a lo math-rock, seguido de un pasaje misterioso que funge como puente hacia una nueva retoma del primer motivo. Bajo el bello título de ‘Tus Ojos Abrazan’ late un cautivador blues-rock en el cual el lirismo inherente a la línea compositiva se beneficia de la refinada crudeza propia de la banda; hay un breve interludio que parece adentrarse en una lánguida atmósfera oscura, pero en realidad se trata de un momento de reposo previo a la retoma del motivo central. El momento resulta idóneo ahora volver a encender el fuego rockero en una hoguera de pura electricidad, y es allí donde ‘El Pozo’ entra a tallar, tema muy en línea con ‘Barcos’: hay suficientes variantes en el desarrollo de esta pieza como para motivar un interesante viaje mental en el oyente mientras la polenta rockera sigue su inapelable marcha. Los últimos 7 minutos del disco están ocupados por ‘Espejo’, un tema menos apabullante que el anterior pero que refleja a la perfección el lado crimsoniano de la banda en lo que se refiere al armado de texturas neuróticas y atmósferas elegantemente inquietantes.

El segundo disco, titulado “Fuego Subterráneo”, fue concebido a partir de una sesión de improvisaciones que se registraron en un estudio de grabación en la primera mitad de 2010, siendo editado el mismo año. De este modo, en comparación con el disco debut, se pone un mayor énfasis en la vertiente free-form que forma parte del eclecticismo inherente a la banda, la cual se siente muy cómoda lidiando con la incertidumbre, un terreno muy familiar para el trío. ‘La Llegada’ da inicio a esta aventura bajo la forma de una turbulenta tormenta lisérgica que va armando de manera gradual su camino hacia la llama ideal: el bajo es típicamente wettoniano, mientras que los guitarreos se orientan hacia un encuentro entre David Torn y Fred Frith. El último minuto y medio está diseñado para volver al reposo inicial, preparando así el camino para la ambientación cósmica que ‘La Habitación De Los Deseos’ proporciona al esquema global de esta osada aventura sónica. La cadencia contenida del compás permite al baterista lucir algunos redobles interesantes en ocasiones, lo cual sirve para darle notables matices de muscularidad a una improvisación menos densa que la anterior. Con sus poco más de 14 minutos de duración, ‘Un Universo Fragmentado’ refleja sin tapujos la influencia de los jams ariscos y robustos del KING CRIMSON de las etapas “Starless & Bible Black” y “Red”, especialmente en lo que se refiere a la densidad misteriosa de ‘Starless & Bible Black’ y la peculiar magia negra de ‘Journey To The Center Of The Cosmos’, aunque también es justo advertir la influencia de las facetas free-jazzeras del krautrock guitarrero (AGITATION FREE, GURU GURU). Este retrato musical del universo fragmentado ha sido todo un viaje hacia rincones oscuros y turbulentos de la mente. Más bien, ‘La Puerta’ es una pieza diseñada para reutilizar toda la psicodelia reinante y darle un ropaje más relajado a la instrumentación. Esto, a su vez funciona eficazmente como un puente para el dinamismo extrovertido de ‘El Guardián De Los Sueños’, un dinamismo que, claro está, no es ajeno a sonidos turbulentos y bizarros durante su desarrollo: una vez más, los redobles de batería son cruciales a la hora de resaltar el aspecto central del tema.

Los últimos 26 minutos de esta aventura están ocupados por las dos partes de ‘El Fin De Los Días’. En su primera mitad, la primera parte reactiva y capitaliza la dimensión relajada de estas improvisaciones en cuanto al ritmo, pero el timbre tiene bastante de siniestro, algo no muy alejado del gusto por lo oscuro que es tan típico de la tradición del RIO francófono (especialmente PRESENT); para la segunda mitad, el grupo realiza un vuelo en clave de free-jazz sin dejar de lado la reinante aureola siniestra. La culminación de la aventura “Fuego Subterráneo” llega a través de los casi 18 minutos de la segunda parte de ‘El Fin De Los Días’. Aquí la banda establece un fluido punto de encuentro entre las marañas del free-jazz y el espíritu lisérgico de la psicodelia progresiva. La idea de mantener las cosas en un nivel razonablemente contenido es la predominante, pero no faltan momentos de mayor expresividad en los que la guitarra se anima a crear texturas un poco más aguerridas y el bajo hace sobresalir su timbre distorsionado, más al modo de una segunda guitarra que de un bajo rockero “convencional”.

Un agradecimiento especial a mi amigo progresivo Joaquín por haberme introducido al arte de este grupo, al cual ya tengo como uno de mis favoritos de la vanguardia progresiva sudamericana de los últimos años. De hecho, el grupo ya cuenta con una reputación propia de banda de culto en su área local, una reputación inmensamente merecida según mi parecer.

Muestras de TRÍO VILARDEBÓ.-
Alimentando Al Muerto: http://www.myspace.com/triovilardebo/music/songs/alimentando-al-muerto-6888876
Hombre Caminando Bajo La Lluvia: http://www.myspace.com/triovilardebo/music/songs/hombre-caminando-bajo-la-lluvi-6921378
El Pozo: http://www.myspace.com/triovilardebo/music/songs/el-pozo-46187831
Espejo: http://www.myspace.com/triovilardebo/music/songs/espejo-31480006

LED BIB nos trae su propia visión musical para el jazz-prog del futuro

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Hoy me toca hablarles del quinteto británico de jazz-prog LED BIB, el cual acaba de lanzar al mercado su cuarto trabajo de estudio “Bring Your Own”. Formado en 2003, LED BIB ha ido ganándose una buena reputación ante los ojos y oídos del público y la crítica musical, incluyendo la obtención del Peter Whittingham Jazz Award por su primer disco “Arboretum” en 2005. La propuesta musical de este grupo se sostiene entre la vibrante versatilidad de la dupla rítmica y las enérgicas sonoridades de los dos saxos, tendiendo ingeniosos puentes entre la línea jazz-punk contemporánea, la tradición del jazz vanguardista de los 60s, la faceta más ruda del Canterbury, e incluso la inserción de matices a lo zeuhl: una mezcla interesante que sirve como esquema de trabajo para ingeniosas ideas y electrizantes expansiones instrumentales. Es lo que varios críticos especialistas han descrito como el "futuro del jazz", así, sin medias tintas. Ahora con “Bring Your Own”, editado por Cuneiform Records, el grupo demuestra que aún es totalmente merecedor de elogios, y por qué no, también de más premios.

‘Moth Dilemma’ abre el disco con un buen ejercicio de punche y dinamismo, mezclando espíritu lúdico al estilo del viejo Canterbury e inquietudes psicodélicas con total fluidez. ‘Is That A Woodblock?’, por su parte, desarrolla una sonoridad maciza que funciona igual de bien en los pasajes intrépidos y en los aleatorios: el asunto musical se familiariza con el primer MATCHING MOLE y con la tradición del free-jazz, mientras que algunas vibraciones emergidas del bajo y el piano eléctrico durante el clímax del interludio suenan y resuenan a zeuhl. Aquí tenemos una cima creativa del disco. El talante vanguardista que se asomó tan conveniente en ‘Is That A Woodblock?’ aflora con más plenitud en ‘Little X’, pieza basada en la convergencia de swing fusionesco (WEATHER REPORT, el HERBIE HANCOCK de “Head Hunters”) y ambientes opresivos propios de la vertiente jazzera del zeuhl (POTEMKINE, ZAO) y el jazz-punk. Ya para este momento, el oyente debe tener bien en claro de qué va este grupo, por lo que no es de extrañar que ‘Hollow Ponds’ desarrolle una espiritualidad reflexiva bajo la dirección del dueto de batería y contrabajo, ni que acto seguido, ‘Power Walking’ arroje una luz más explosiva a través de una retoma del lado más extrovertido de la banda: LED BIB maneja a la perfección el discurso del jazz y lo concibe con una mentalidad experimental que le permite crear una propuesta vanguardista tan ecléctica como consistente. ‘Service Stop Saviour’ tiene una estructura básica de jazz de salón en clave blues, pero la armazón generada por el piano eléctrico distorsionado, el nervio de los saxos en sus solos y las ocasionales variantes propuestas por la dupla rítmica le hacen ir más allá de la base y remontarse hacia una genuina aventura musical que evoca inquietudes y desgarros. ‘Engine Room’ recibe en parte el impacto emocional del tema precedente, reiterando la robustez habitual de la banda a la vez que ahonda el gusto por la sofisticación progresiva y los vuelos psicodélicos – otro pico creativo del disco.

‘Shapes & Sizes’ es un tema bastante vitamínico en el cuerpo central de su primer tercio, muy visceral y urgente, para luego virar hacia experimentaciones RIO y free-form durante su segundo tercio; el último tercio completa un aire de big band alimentado del delirio psicodélico inmediatamente anterior. ‘Walnuts’ no es un tema mucho más reposado, precisamente, aunque sí es verdad que tiene un tono menos amenazante: la ágil densidad emanada de la instrumentación tiene un espíritu un poco más carnavalesco, casi como si se tratara de una partitura perdida de VON ZAMLA retocada por un combo liderado por JOHN ZORN que incluye a un bajista de la escuela magmiana. Ese pasaje donde se contratan los adornos de sintetizador que emulan gritos de un bebé-robot y un alegre solo de saxo conforma un momento especial dentro del complejo esquema compositivo de esta pieza – una cima más del repertorio. El álbum concluye con ‘Winter’, basado en un ejercicio de cool jazz que se arropa con tensos arreglos de metales y musculares recovecos de bajo a fin de afincar un nervio tenso y entusiastamente experimental al asunto: la pieza es prácticamente un clímax perpetuo, por lo que funciona a las mil maravillas como cierre del álbum.

En paralelo con las propuestas de otras bandas alrededor del mundo como ALGERNON, ELEPHANT9, JAGA-JAZZIST, GUTBUCKET, ZS y otras muchas en aras de la modernización de la vanguardia jazzera de nuestros días, LED BIB encarna una de las propuestas más excitantes de esta orientación. Este reciente disco “Bring Your Own”, el mismo que amenaza con merecer un sitial en cualquier Top Ten de 2011, es un estupendo pretexto para despertar nuestra curiosidad en torno a dicha banda, una curiosidad que no matará sino que estimulará la creatividad mental y espiritual del oyente receptivo a la idea de la música como aventura.

Un tubito de LED BIB.-
Is That A Woodblock?: http://www.youtube.com/watch?v=D0T3OYjnjUI

GUTBUCKET - una presencia fresca en la vanguardia estadounidense

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Afincado en Brooklyn y con varios años de trayectoria a cuestas, el ensamble estadounidense GUTBUCKET es una de las personalidades más destacadas dentro de la actual vanguardia jazzera estadounidense. Su manera de reciclar y remodelar las influencias del jazz vanguardista del underground neoyorkino, el legado zorniano del jazz-punk, el progresivo de vanguardia, la escuela del RIO y el math-rock bajo un ropaje sonoro tan robusto como exquisito lo convierte en un referente para los amantes de la vanguardia jazzera y la avanzada progresiva de los últimos años. El grupo consiste en Ty Citerman (guitarras y efectos electrónicos), Adam D. Gold (batería y percusión), Eric Rockwin (bajo, cello y sintetizador) y Ken Thomson (saxofones y clarinete contrabajo). ‘Flock’, su quinto trabajo de estudio, acaba de ser lanzado al mercado por Cuneiform Records a inicios de 2011.

Con un título tan graciosamente obsceno como ‘Fuck You And Your Hipster Tie Gutbucket’ cabe esperar que el tema de apertura sea divertido, neurótico, pleno de muscularidad y armado con una actitud sofisticada que vaya paradójicamente de la mano con un sentido del desenfado. Pues bueno, las expectativas se cumplen a la perfección, logrando así cuajar una vía de entrada llamativa y contundente para el álbum. La arquitectura rítmica de la pieza se sitúa en una encrucijada entre el jazz-punk y el math-rock, siendo su transmisión lo suficientemente cuidada como para que no resulte redundante ni opresiva dentro del bloque instrumental integral, el cual es mayormente dirigido por el saxo de Ken Thomson. ‘Zero Is Short For Idiot’ es otro título extravagante y, sorpresa, sorpresa… la música también lo es. Portando un esquema rítmico menos intenso que el tema de apertura, también tiene sus dosis importantes de complejidad y variabilidad: hay ciertas alusiones a ZAPPA y PRIMUS en aquellos pasajes en los cuales el grupo incorpora adornos e interludios más agresivos. Por su parte, ‘4 9 8’ establece una efectiva traducción jazz-rockera de exóticos aires gitanos: imaginemos un ALAMAILMAN VASARAT con una sección de metales menos nutrida y una guitarra extraída del DON CABALLERO de “World Class Listening Problem”, y podremos hacernos una idea de la onda por la que va este tema. ‘D0g Help Us’ es en muchos aspectos un manifiesto de la refinada complejidad inherente al filo más osado de la banda: el esquema compositivo de esta pieza se basa en un radical juego de síncopas y contrapuntos, los cuales exigen pulso de hierro y memoria milimétrica. El carácter inherentemente lúdico a este tipo de empresas sónicas halla un adecuado contraste en la densidad psicodélica impresa en ‘Murakami’, pieza cuya esencia misteriosa y opresiva se sostiene mayormente en la cadencia ceremoniosamente lenta aplicada por la dupla rítmica y el apabullante destaque de tonos oscuros en los saxos sobregrabados.

‘Tryst ‘N Shout’ vuelve a plasmar la lógica del contraste al apelar a ambientes más ágiles y coloridos, siendo esta vez provistos desde la recreación de atmósferas vivaces a través de recursos jazz-rockeros y RIO, haciéndolo alegre a pesar de la patente presencia de sonoridades robustas e inquietas. No hallaremos aquí la retorcida complejidad de ‘D0g Help Us’, sino algo más emparentado con el tema de apertura. Donde sí hay una tendencia hacia la faceta más compleja del grupo es en ‘Said The Trapeze To Gravity (Why Are You So Old?)’ (por Dios, ¡qué título tan genial!), pieza que encapsula maravillosamente la amalgama progresiva de jazz-punk, RIO, psicodelia y jazz vanguardista a lo JOHN ZORN que GUTBUCKET tiene como cénit de su expresividad musical. El pasaje calmadamente misterioso con que culmina ‘Said The Trapeze To Gravity (Why Are You So Old?)’ se engarza con el ensimismamiento otoñal de ‘Give Up’, una pieza a medio camino entre el cool-jazz y el RIO donde la languidez emocional se siente sobrecogedora hasta el momento de la coda, donde las cosas no cambian mucho en espíritu pero sí adquieren un poco de colorido. Los últimos tres temas del disco están conectados en torno a un concepto satírico anticlerical (o al menos, eso parece traslucirse por los títulos tanto del concepto como de cada pieza particular): ‘Dyslexic Messiah’ refleja esa ágil combinación de math-rock y jazz-punk que el grupo domina con gracia y perfección; ‘Sacrificial Vegan’ establece un bien armado contraste entre una primera mitad introspectiva y otra extrovertida, con espacios abiertos para algunas variantes inesperadas a lo largo del camino, y sobre todo, la guitarra de Ty Citerman generando recursos de tensión y garra; ‘Turning Manischewitz Into Wine’ es una que empieza con un tenor bastante alegre, pero cuando entra a tallar un coqueto solo de saxo con matices diversos que van desde el klezmer hasta el delirio crimsoniano, la pieza vira hacia un clima opresivo que ahonda precisamente en lo crimsoniano, marcando así una final intensamente oscuro para el disco.

“Flock” es, ante todo, un derroche de imaginación musical gestado para motivar desafíos estéticos a los melómanos de espíritu arriesgado, tanto en las áreas del jazz como en las del género progresivo – GUTBUCKET porta una tremenda potencialidad creativa así como infinitas dosis de pericia y nervio para convertir lo creado en una estupenda realidad sónica.

Muestras de "Flock".-
Said The Trapeze To Gravity (Why Are You So Old?): http://www.youtube.com/watch?v=IEZmaFpsHTc
Zero Is Short For Idiot: http://www.youtube.com/watch?v=dfDxCzMQqTo

THE MUFFINS y su palíndromo progresivo

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El ensamble estadounidense THE MUFFINS, veterano exponentes del jazz-prog con fuertes influencias Canterbury y menos fuertes pero igualmente notables matices de la escuela R.I.O. británica, vuelve a deleitar a los amantes de su música con “Palindrome”, su más reciente trabajo de estudio publicado a fines de 2010 por Musea Records. Es un factor muy gratificante que esta banda se esté dando abasto para desarrollar una carrera fonográfica más o menos consistente desde su reunión a fines de los 90s, habida cuenta que durante su primer periodo (desde mediados de los 70s hasta el año 1980) solo pudieron grabar dos ítems. Y por lo oído en “Palindrome”, disco compuesto y producido en un lapso de más de dos años, la banda no pierde un ápice de ingenio ni un miligramo de vitalidad, siendo capaz de gestar música realmente interesante y auto-renovadora para los coleccionistas progresivos amantes de la apreciación estética como una forma de aventura. Los miembros de THE MUFFINS siguen siendo Billy Swann (bajo), Paul Sears (batería y percusión), Dave Newhouse y Tom Scott (ambos compartiendo roles de vientistas y teclistas, además de añadir algo de percusión tonal a su arsenal compartido). Por si los vientos aportados por estos dos fueran pocos - saxofones, clarinetes, flautas, oboe y fagot -, resulta que en algunos pasajes del disco colaboran el trombonista Doug Elliott y el tubista Keith Cottrill. Otros colaboradores ocasionales son el guitarrista Brian Sullivan y la bella vocalista Elaine di Falco (de THINKING PLAGUE).

El tema de apertura ‘The Angel’s Share’ abre con una atmósfera psicodélica que pronto brinda espacio para sonoridades cálidas basadas en los vuelos sucesivos de la flauta y el saxo soprano así como en la firme cadencia jazzera armada por la columna triádica de piano, bajo y batería (a medio camino entre el SOFT MACHINE post-Dean y HAPPY THE MAN). Tras estos 3 minutos y pico de calidez, ‘Not Yet Awake’ nos transporta hacia una ambientación misteriosa, desarrollada al modo de una elegante languidez donde la instrumentación guarda paralelos parentescos con las tradiciones de NUCLEUS y WEATHER REPORT, así como con el aura cósmica modernista que muy bien puede relacionarse con JAGA JAZZIST y otras bandas por el estilo que buscan renovar la experimentación jazzera para el nuevo milenio. A pesar de que la tonalidad prioritaria del núcleo compositivo de ‘Not Yet Awake’ es un tanto grisácea, hay pasajes en los cuales los destellos provistos por la dupla de vientos resultan efectivos a la hora de crear variantes de colorido al asunto. La coda marcada por capas de teclado y un suave canto femenino (¡Elaine di Falco!) tienen una interesante aureola de invocación mística. El clima de languidez antes descrito se retiene y reelabora para la pieza siguiente, ‘Fishing In America’, la cual muestra una aproximación chamber-rockera a las atmósferas hasta ahora exclusivamente recurrentes en lo que va del repertorio; tal vez lo mas certero es describirla como un epílogo de ‘Not Yet Awake’. En sintonía con las alusiones humorísticas de su título, ‘Dynamite Is Not The Solution’ trae a colación vibraciones un tanto más extrovertidas, generando ambientes exóticos rayanos con la World Music que ciertamente ayudan a cimentar su elegante swing básico. El nivel de belleza de las florituras del saxo soprano es infinito. ‘When Fela Comes To Town’ y ‘King Fish’ son piezas encargadas de manifestar la diversidad ecléctica dentro de la cual el cuarteto abriga y nutre su visión musical. El primero devuelve el elemento jazz-rock a la musicalidad del ensamble, portando una agilidad llamativa y contagiosa que suena casi como parte de la banda sonora de “James Bond”, con matices cósmicos sobriamente introducidos en la instrumentación. Por su parte, el segundo establece un ingenioso cruce de agilidad de corte Canterbury y sinfonismo “retorcido” con cadencias jazzeadas (algo así como HOWEVER o el HANDS que hallamos en “Strangelet”).

El tema más largo del disco es ‘Bat And Birds’, el cual empieza con un espíritu crepuscular y meditabundo, oportunamente liderado por concisos acordes de piano. Volvemos a las referencias a NUCLEUS, y por qué no, el SOFT MACHINE de “Six” también. Poco antes de la barrera de los 3 minutos, unos fastuosos acordes de órgano y una serie de improvisados redobles de batería abren la puerta para una secuencia de motivos gráciles. Ahora que el grupo vuelve a explorar su faceta extrovertida y se dispone a trabajar en ello de manera bastante meticulosa, cabe destacar particularmente un hermoso solo de órgano fuzz y la sublime exquisitez de los arreglos de vientos. La coda psicodélica, aunque breve, aporta una inesperada sensación de inquietud tras la colorida soltura de la cual había hecho gala el grupo por varios minutos. Los últimos 7 ¼ minutos del álbum son ocupados por ‘Yukapoe's Lament’: debido a sus recursos melódicos basados en una arquitectura melódica de serenidad contemplativa, esta pieza puede interpretarse como que cierra un círculo en tanto que retoma la abrigadora calidez de ‘The Angel’s Share’, aunque con una dosis de luminosidad un poco mayor, como recibiendo algo del impulso extrovertido de ‘Bats And Birds’. En buena medida, esta composición no hubiera estado fuera de lugar en un disco de HAPPY THE MAN o HOWEVER, aunque también cabe señalar que algunos arreglos de vientos tienen un inconfundible aire zappiano (etapa “Hot Rats”).

Aunque “Palindrome” no iguala la magia imponente y peculiarmente compleja impresa en discos previos como “Chronometers” y “Double Negative”, lejos está de ser una obra mal cuajada: por el contrario, y reiterando una idea que ya se señaló en el primer párrafo de esta reseña, supone un testimonio claro de la vigencia firme y sólida de THE MUFFINS como una voz relevante y reveladora dentro de la vanguardia progresiva que se continúa creando en los Estados Unidos. Al derecho y al revés, este palíndromo progresivo dignifica a la música progresiva como concepto y como estilo.

GARY MOORE - un homenaje póstumo

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Hoy nos toca la triste misión de evocar a GARY MOORE, maestro indiscutible de la guitarra que dejó este mundo mientras dormía plácidamente en un hotel de la localidad andaluza de Estepona, en la madrugada del domingo 6 de febrero.

Nacido como Robert William Gary Moore el 4 de abril de 1952, la carrera musical de MOORE ha sido amplia y diversa, incluyendo su paso por THIN LIZZY (especialmente en el electrizante álbum “Black Rose: A Rock Legend”) y SKID ROW (la banda irlandesa de los 60s-70s, no la estadounidense de los 80s). Además de ello, grabó varios discos solistas, logrando especial éxito comercial en los 80’s con discos como “Corridors Of Power”, “Victims Of The Future” y “Wild Frontier”, solo por nombrar algunos. En 1990, con “Still Got The Blues”, pudo mantener su vigencia en las primeras ligas del mainstream rockero para la siguiente década, concretizando así una de las expresiones más sólidas y genuinas de su perpetuo amor por el blues y el blues-rock. También participó en BBM, un power-trío que acogía a Jack Bruce, Ginger Baker y al mismo Moore en una suerte de súpergrupo que quería recoger la dinámica de CREAM y sazonarla con usos de rock pesado y blues-rock propios del estilo esencial de Moore.

Su vitalidad y solvencia técnica no fueron ajenos al desarrollo del género progresivo en la escena británica de los 70s, como demuestra su membresía en COLOSSEUM II, así como su participación como músico al servicio de Greg Lake en los primeros años tras la disolución definitiva de EMERSON, LAKE & PALMER. COLOSSEUM II fue un hito importante dentro de la preservación de las dimensiones más jazzeras del rock progresivo en una época en la que el género progresivo empezaba a padecer su declive cultural dentro del underground rockero británico.

Nuestro homenaje progresivo póstumo a esta figura de la guitarra vendrá en forma de transcripción de una reseña del tercer y último disco de COLOSSEUM II “Wardance”, editado en 1978 (enlace original en http://dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/Discos/colosseumii_wardance.html).-

“ Temas
1. Wardance
2. Major Keys
3. Put It This Way
4. Castles
5. Fighting Talk
6. The Inquisition
7. Star Maiden / Mysterioso / Quasar
8. Last Exit

“Wardance” fue el tercer y último trabajo discográfico del poderoso ensamble jazz-progresivo COLOSSEUM II. La línea de trabajo ofrecida por el grupo apuntaba directamente a la elaboración y desarrollo de un sonido sustentado en un swing llamativo y explorado a partir de una dinámica rockera filuda y refinada a la vez. Jon Hiseman y John Mole conforman una dupla rítmica muy versátil que se siente cómoda tanto en los pasajes rotundamente explosivos como en aquellos donde hay que apelar a cadencias más moderadas (no demasiado, tampoco), y es en gran medida que su labor recicla la furiosa creatividad exhibida a través de las intervenciones de las guitarras y los teclados. Gary Moore es un firme contemporáneo de Holdsworth, esto es, un tipo capaz de alternar fraseos pirotécnicos muy a lo McLaughlin y riffs bien armados con igual convicción. Por su parte, Don Airey hace su propia reconstrucción de las influencias que recibe de Jan Hammer y Chick Corea incorporando colores progresivos varios que beben de la pomposidad de un Keith Emerson, y eso lo pone a la par que Eddie Jobson. A pesar de estos casuales paralelos que estoy aparentemente planteando con el primer UK, en realidad este disco tiene una vertiente claramente definida hacia un jazz-rock ornamentado con colores sinfónicos, algo así como un edificio sónico híbrido de RETURN TO FOREVER y MAHAVISHNU ORCHESTRA construido con materiales de rock duro y progresivo en su faceta más bombástica. Antes de que Airey se volcara hacia el rock duro melódico de RAINBOW y Moore buscara hacerse de un nombre propio en el hard rock y el blues-rock estándar, dieron algo valioso a la tradición progresiva setentera. Y por su parte, Hiseman despliega una inagotable energía en sus funciones rítmicas así como en sus infaltables ornamentos de turno.

Los máximos exponentes directos de la oferta esencial del grupo están encarnados en los temas 1, 6 y 7, y en menor medida, en el tema 3. La pieza homónima que abre el disco comienza con una serie de orquestaciones y efectos de teclado que transitan entre lo épico y lo cósmico, siendo así que al entrar los golpes de tímpanos lo épico queda realzado en predominancia. Cuando la pieza aterriza sobre su motivo principal, nos encontramos con un llamativo jam en 10/8 que hace ciertos coqueteos con el funk-rock, pero la esencia permanece bien definida en el jazz-prog. ‘The Inquisition’ nos lleva hacia una explicitación clara de la deuda que tiene COLOSSEUM II con RETURN TO FOREVER (etapa con Al di Meola), siendo un tema potente y bien armado, nunca desbordado por los lucimientos individuales de los instrumentistas. Una mención especial debe ir hacia el doble solo de guitarras eléctrica y acústica que mete Moore en algún lugar del medio – su colorido aflamencado es fácil de notar y degustar. En fin, un gran tema es ‘The Inquisition’. ‘Star Maiden / Mysterioso / Quasar’ es el tema más ambicioso en lo compositivo. El título tripartito se corresponde con una serie de tres secciones mutuamente diferenciadas, ligadas entre sí por golpes de campanas tubulares y platillos. El tema comienza con un motivo lento que sirve para que Mole luzca su estilo pulido en el bajo sin trastes; la segunda sección alterna compases de 21/8 y 5/4, y suena a un MAHAVISHNU sin McLaughlin pero con Holdsworth; en fin, la tercera parte es la más intrépida, bombástica, con un corto desarrollo que le permite operar como un efectivo epílogo. ‘Put It This Way’ pudo ser más largo, pues mientras llega su fade-out el oyente se queda sin saber a dónde podía apuntar una explotación más detallada de sus potencialidades: es un jam donde se mezclan los espíritus de los dos temas precedentes, aunque con un aura menos compleja, y por tanto, no aburre… por eso mismo pudo dar más de sí. En fin, se trata de otra pieza destacada del disco.

‘Major Keys’ es un sólido ejercicio de funky edificado con bastante polenta: la escucha es bastante amena, y las piruetas construidas por la guitarra y el sintetizador alternadamente no llegan a saturar, sino que completan la fluida agilidad de la pieza. ‘Fighting Talk’ es un blues-rock rápido sin llegar a ser estrepitoso: su cadencia, emparentada con la de los temas más alegres de DIXIE DREGS y del Billy Cobham solista, le permite convertirse en otra pieza esencialmente amena dentro del repertorio. ‘Castles’ es la pieza menos especial del disco, tratándose como se trata de una agradable balada de corte R’n’B en la que Moore hace gala de su feeling (y también limitado registro) al canto: no es tanto su guitarra sino los ornamentos de piano eléctrico los que elaboran los sonidos más interesantes de esta balada. El disco cierra con ‘Last Exit’, un bonito lento en el que Moore casi hace hablar a su guitarra con su sentida ejecución de la línea melódica reservada para su instrumento. Los colchones simples de órgano y los loops cósmicos de sintetizador ayudan a darle un aire sofisticado a la ambientación evocativa de la pieza. Con este ejercicio de virtuosismo con controlada pirotecnia (y que, dicho sea de paso, no me hubiera molestado que durara un poco más) terminan tanto este disco como la carrera discográfica de CCOLOSSEUM II. Parece mentira cómo un disco creado y registrado en los umbrales del fin de los 70s pueda sonar tan actual hoy en día. El trabajo de COLOSSEUM II es, en muchos sentidos, un anuncio temprano de lo que tiene lugar, desde hace más de una década, en el actual mundillo del jazz-rock y el jazz-prog metal. ”

¡¡Gracias por la música, Maestro Gary!!

Muestras de COLOSSEUM II.-
Inquisition: http://www.youtube.com/watch?v=WtjDigJ_QQI
Fighting talk: http://www.youtube.com/watch?v=cmSI5xIhHAc
Castles: http://www.youtube.com/watch?v=cKH5m3au3WU

PLANETA IMAGINARIO o la gran realidad de la vertiente jazz-progresiva de nuestros días

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

El ensamble catalán PLANETA IMAGINARIO sigue dando pasos de gigante de forma coherente y sostenida en su misión de llevar la vertiente jazzeada del género progresivo a lo largo del nuevo milenio. Ahora que el segundo decenio del nuevo milenio acaba de empezar, PLANETA IMAGINARIO da nueva cuenta de su ingenio musical con “Optical Delusions”, por vía del sello Cuneiform Records. Teniendo en cuenta que el grupo ya no cuenta con un guitarrista en sus filas como sí lo hacía en sus dos discos anteriores, el sonido grupal asume la nueva situación con un manejo más intensivo de su ensamble de vientos (el cual, a su vez, adquiere mayor vigor con la presencia de invitados), a la vez que los teclados de Marc Capel asumen un lugar más destacado dentro del bloque sonoro a la hora de armar las bases de cada pieza. La presencia de The Hien-Trinh al trombón y Natsuko Sigao a la trompeta genera una interesante dimensión internacional a los metales. De hecho, se aprecia bastante el gusto de Capel por los sonidos vintage, especialmente en el vibrato canterburyano que le da al órgano (a la usanza de SOFT MACHINE, GILGAMESH, HATFIELD & THE NORTH, ISOTOPE). Si en discos anteriores, PI generaba una amalgama inspirada en el Canterbury, la fusión 70era (WEATHER REPORT, PERIGEO), el ZAPPA de la “big band” y el space-rock, ahora este último elemento ha decrecido considerablemente, lo cual se condice perfectamente con el revigorizado protagonismo de los metales que mencionamos anteriormente. Por lo pronto, adelantamos que PI se borda enormemente con el repertorio de este disco, el cual es el más extenso de su discografía hasta ahora.

Con la ilación de ‘Acciò Col-lectiva’, ‘El jardì de las vaques alegres’ y ‘Xarramandusca’ disfrutamos de más de media hora de intensidad musical que pone los puntos sobre las íes en la renovada situación estilística de la banda. ‘Acciò Col-lectiva’ da inicio a la cosa con un aire amable y alegre, con una extroversión contenida bien reflejada en el modo en que se desarrolla la armazón sónica. Hay un solo de piano eléctrico que inicia un oportuno momento de melancolía. Más adelante, el asunto se pone un poco más denso e intenso, pero no se trata de un giro abrupto sino de una transición fluida, realizada con impecable fluidez. Este pasaje no es muy largo, pues el tema regresa a la calidez inicial para sus últimas instancias. Tras un hermoso preludio a cargo del ensamble de metales, ‘El jardì de las vaques alegres’ se explaya en un cuerpo central vibrante que encarna muy bien el dinamismo esencial de la banda. Las variantes de ambiente y compás, los ornamentos cósmicos de sintetizador, el órgano de amplias cadencias retro, el swing contundente de la dupla rítmica y los solos individuales de vientos operan a las mil maravillas dentro del encuadre general de la composición. ‘Xarramandusca’ despega desde donde terminó la pieza precedente con sus medidos flirteos psicodélicos y empuja hacia desarrollos progresivos aún más sofisticados, poniendo esta vez el acento preferente en el jazz-fusión estadounidense a fin de sopesar el inevitable lirismo grácil canterburyano al cual PI nunca renuncia del todo. El pasaje de metales orquestados es simplemente sublime. ‘Bona sort, amic meu’ es un breve nocturno de piano inmerso en efectos de granja, los mismos que ofrecen un contraste abierto frente a la lánguida expresividad de las teclas. ‘Preludis Clinics del Home-gos’ es el concepto que unifica la secuencia de los 3 siguientes temas: ‘Angioma’ y ‘Hemangioma’ siguen reflejando el espíritu de aventura melódica que ya había dado tan buenos réditos en ‘El jardì de las vaques alegres’, mientras que ‘Bisturí’ elabora un puente de relax en medio de las dos arquitecturas caleidoscópicas, muy receptivas de la traviesa agilidad que Zappa insuflaba a sus composiciones para big band.

‘Introducció de Llepavoreres’ es una sonata de piano que grita por igual las influencias de Alan Gowen y Jan Hammer, donde se instala el inicio de ‘Llepavoreres’, continuadamente guiado por el piano. Poco a poco, la reinante aureola ceremoniosa va cediendo espacio al desarrollo de un cuerpo central signado por una base melódica cautivante y un swing efectivo. Si ‘Xarramandusca’ y la tríada de ‘Preludis Clinics del Home-gos’ habían conformados picos de fastuosidad, ‘Llepavoreres’ y su introducción nos han llevado hacia máximas expresiones de la faceta más entrañable de PI.

Los 13 minutos del concepto ‘Elements imperfectes sobre quartz vermell’ se distribuyen a través de la secuencia de ‘Element de la puresa imperfecte’, ‘Element del art pur i imperfect’ y ‘Element de la persuasió imperfecte’. ‘Element de la puresa imperfecte’ tiene todas las trazas de un híbrido entre ISOTOPE y el ZAPPA del big band, amable y cálido con cierta densidad implícita pero asolapada. ‘Element del art pur i imperfect’ empieza con un discurso radiofónico sobre el sentido del arte experimental que abre campo a una aventura psicodélica marcada por la síncopa de un pitido telefónico: el ambiente general es grisáceo, casi rayano con el zeuhl de raigambre jazzera (ESKATON o ZAO), y con un sintetizador que sabe hacer sobresalir sus atmósferas cósmicas con el propósito de impulsar el derroche de fuerza emitido por la dupla rítmica. El concepto se completa con el fantástico colorido de ‘Element de la persuasió imperfecte’, un ejemplo de la faceta más bombástica de la banda. El disco se cierra con ‘El mar, i llavors sortí el sol… i el reflexe’, tema que comienza con hermosas escalas de piano y un interesante ambiente melancólico no desprovisto de cierta intensidad expresiva; luego, pasamos a una sección dominada por un swing propio de los estándares de la fusión de vieja escuela (a medio camino entre WEATHER REPORT e ICEBERG), lo cual a su vez sirve para que el grupo vaya asentando su lado más extrovertido. Hay un solo de flauta sencillamente fenomenal en algún momento del último tercio del tema, el cual concluye con una sensación climática no muy exagerada pero con paso firme. De este modo se completa le experiencia de “Optical Delusions”, una experiencia que nada tiene de ilusoria y sí mucho de brillante realidad, por lo que PLANETA IMAGINARIO se hace merecedor de un lugar preferencial en la mirada y oídos de los amantes del género jazz-progresivo.

Concluimos esta reseña con las siguientes muestras de PLANETA IMAGINARIO.-
Acciò Col-lectiva: http://www.youtube.com/watch?v=OoBOs7jxtkE

El mar, i llavors sortí el sol… i el reflexe: http://www.youtube.com/watch?v=TeFXkAr2jVM

Evocando a HOWEVER

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Este fin de semana se me ha antojado evocar a un grupo estadounidense llamado HOWEVER, una banda que se movió en el circuito marginal de su país desde la segunda mitad de los 70s. Surgida por iniciativa de Peter Mark Princiotto (bajos con y sin trastes, piano, órgano, sintetizadores y percusión), su hermano Joe (batería y percusión), Bill Kotapish (guitarras) y Bobby Read (saxos, clarinetes, flauta, sintetizadores y percusión) la banda HOWEVER cultivó un estilo progresivo sanamente ecléctico donde convivían las influencias de la grácil musicalidad del Canterbury (HATFIELD & THE NORTH, GILGAMESH), el sentido de exquisita aventura (GENTLE GIANT, HENRY COW, ZAPPA) y el colorido melódico de varios compatriotas del momento (HAPPY THE MAN, HANDS). El sello Kinesis publicó en su momento la discografía de HOWEVER, que se recude a dos discos de estudio; en 2010, bajo la iniciativa de Peter Mark Princiotto, la obra de HOWEVER se ha beneficiado de reediciones remasterizadas.

Recién en 1981 (¡hace 30 años!) pudo HOWEVER debutar en el mercado fonográfico con “Sudden Dusk”, un disco que hoy por hoy es apreciado por los coleccionistas como una obra maestra escondida del género progresivo. El repertorio de “Sudden Duask” es un conglomerado de composiciones que destilan sumo ingenio, alternado con sensibilidad melodica, gusto por lo sorpresivo y lo experimental, ejecutado con maestria y pulcra destreza. Y con todo, su repertorio no es inaccesible ni abstruso, sino que de alguna extraña manera se deja escuchar de manera relajada sencilla, a pesar de su evidente complejidad y el amplio nivel de imaginacion que se invierte en las composiciones y arreglos. Tal vez sean estos dos factores, el recurrente buen humor y una infaltable elegancia interpretativa, los que permitan que este material sea, a fin de cuentas, accesible a su manera. El disco comienza con ‘It’s Good Fun’, que como el titulo anuncia, apuesta por lo divertido en un contexto de suma complejidad concentrada en poco menos de tres minutos y medio. Tras el breve interludio instrumental ‘Hardt’, donde predomina la guitarra acústica, nos topamos con otro tema no muy largo y bastante divertido, ‘In the Aisles’, antes de entrar en los primeros parajes de solemne serenidad con ‘Louise Sitting in a Chair’, una hermosa y arrebatadora pieza, repleta de ambientes meditativos, con un piano clásico que dispone los acordes básicos para el lucimiento del saxo soprano, sutilmente arropado por algunos toques de bajo eléctrico y cello: un nocturno realmente bello. Esta misma ambientación resurge en otro tema particularmente hermoso, ‘In the Midst of Making’, aunque en este caso la base está formada por un dueto de guitarras acústicas.

Los momentos de explosión más fulgurante se introducen en ‘Beese’, donde HOWEVER expande su lado más agresivo y disonante hasta los siete minutos de duración: aquí más que en cualquier otro lugar del disco brilla el virtuosismo de los integrantes. En otro giro estilístico, el tema homónimo exhibe una base oscura de cortinas de sintetizadores sobre las cuales se explaya un soundscape de guitarra bastante frippiano: ‘Sudden Dusk’ resulta bastante denso e inquietante, a la vez que mantiene una actitud contemplativa. En fin, ‘Lamplight’ y ‘Trees for the Forest’ nos muestran el lado más claramente jazzero de HOWEVER, apelando a amalgamas instrumentales deliciosamente pulcras, mientras que lo farsesco emerge contundentemente en ‘Grandfather Was the Driver’, donde lo country y lo indio se funden en un clima de flagrante parodia zappiana pertrechada de recursos campiranos. El bonus track ‘No Cows’ (solo en la edición de Kinesis) nos retrotrae al grado de complejidad y expansión que antes vimos en ‘Beese’: aunque no alcanza la brillantez de éste, es ciertamente una fortuna que la tecnología del CD haya podido rescatarlo de los residuos sobrantes del LP original, para así constatar una vez más el ingenio de la banda a la hora de conjugar sus respectivos tributos al Canterbury y al R.I.O. británico.

“Calling”, el disco segundo y final de HOWEVER, salió al mercado en 1985. Siendo de naturaleza menos efusivamente ecléctica que el estupendo disco debut, lejos está “Calling” de ser una obra de decadencia: detallaremos su méritos a lo largo de la presente reseña, pero cabe señalar que a muchos puede dar la impresión de que varias de las piezas contenidas en la primera mitad de este repertorio podrían haberse beneficiado de arreglos más expansivos, pues muchas de las ideas más atractivas musicales se culminan antes de que el oyente pueda gozar de un disfrute más largo de las mismas. En fin, el designio artístico está legítimamente en manos de los autores e intérpretes en cuestión. La edición que comentamos en esta ocasión es la de 2010, 15 años después de la primera edición digital. El cuarto tema, ‘Reaching In A Dream’, es la novedad puntual de esta edición (no apareció en la versión original del disco ni tampoco en el CD de 1995).

‘Orion’ y ‘Sigh’ disponen desde el punto de partida del ambiente evocativo que habrá de ser notablemente abrumador a lo largo del disco: ‘Orion’ tiene la estructura de una power-ballad sinfónica (que tal vez ameritaba un arreglo más extenso a fin de potencializar más completamente su expresividad), mientras que ‘Sigh’ es una breve pieza bucólica marcada por la guitarra acústica. Un poco más adelante, ‘Spheres Of Action’ reflejará un punto intermedio entre las dos canciones antes mencionadas. ‘Into The Dance’ prosigue por esta aureola romántica pero también incluye una intensidad melódica más trabajada: el solo de sintetizador provisto por el legendario Kit Watkins (HAPPY THE MAN, CAMEL) es simplemente mágico. ‘Reaching In A Dream’ y ‘Earthtime’ son sendos etéreos instrumentales marcados por matices jazzeros, muestras decisivas de la huella HTM en el estilo de HOWEVER… ¿y cómo no se ha publicado una bella composición como ‘Reaching In A Dream’ antes? ‘On The Face Of The World’ es un hermoso instrumental ampliamente ocupado por una flotante secuencia de piano, saxo y canto femenina. El concepto dual de ‘What Goes Around ...’ y ‘What Goes Around Comes Around’, así como la ensoñadora balada ‘Stop Sign’, revelan sin tapujos la faceta calmada e introspectiva de la banda: viñetas de espiritualidad contemplativa que realzan la visión idealista inherente a la visión musical de HOWEVER.

Algo cambia, sin embargo, tras el cristalino despliegue de ensimismamiento romántico en ‘Stop Sign’, pues ‘Intermission’, ‘Bell Toll’ y ‘Calling!’ emergen como sucesivos ejercicios ingeniosos de abstracción sónica (consistiendo el tercero de éstos en un vibrante esquema percusivo aumentado con bajo y sintetizador), los que a su vez operan oportunamente como preámbulos para la introspección disonante de ‘Airplay’, un suave híbrido de ART BEARS y ROBERT WYATT, así como para el vigor robusto de ‘Little Ricky’, una de la piezas más musculares jamás concebidas en el terreno de HOWEVER. Kotapish luce su capacidad de crear texturas y fraseos raros por medio de una guitarra tremendamente rockera (¿Holdsworth mezclado con Frith, tal vez?). Desde ‘Intermission’ parece que nos hallamos en una demostración de otros aspectos más aguerridos del mundo musical de However a despecho del constante dominio de climas solemnes, pues el evocativo tema ‘Heroes Return’ incluye un final psicodélico (sutilmente perturbador a través de su refinada hechura), ‘Scylla And Charibdis’ se aleja de la onda HTM para entrar convincentemente en territorio frippiano-beckiano (pura polenta heavy-progresiva) y ‘Wild/Cold’ establece un excitante ejemplo de las afinidades RIO-con-Canterbury que HOWEVER incluye en el lado más aventurero de su agenda artística. Respecto a este último tema, da gusto sentir el modo tan ingenioso en que el ensamble explota la paleta sonora aportada por el violín, las flautas dulces y el fagot junto a las habituales presencias del piano, la guitarra, el bajo sin trastes, el saxo y la batería. ¡El HOWEVER de “Sudden Dusk” se sigue haciendo presente! Con ‘Chips’ volvemos a la línea de trabajo pastoral marcada por matices jazzeros que también juega un rol importante en el arte de HOWEVER, mientras que ‘The World War’ (un experimento de piano y cronómetro telefónico) y ‘463-646-3463’ (minúsculo ejercicio de disonancias) completan su lado travieso. “Calling” es, a fin de cuentas, un muy cabal testamento de los importantes aportes que HOWEVER brindó al legado rockero experimental estadounidense de los 70s y 80s, y como tal, merece ser redescubierto por los coleccionistas progresivos de todo el mundo.

Algunas muestras del estupendo legado de HOWEVER.-
Beese: http://www.youtube.com/watch?v=6iqffJMmVuk
Louise sitting in a chair: http://www.youtube.com/watch?v=un-_8YnWAws
Trees for the forest: http://www.youtube.com/watch?v=JfulSNIc3sE

La esencia de ALTAIR

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos toca el momento de celebrar la obra del grupo español ALTAIR, banda española que celebra el 25to aniversario de su fundación con un recopilatorio titulado “La Esencia Del Tiempo”. Muchos años y muy pocos discos editados, pero bueno, ahora es la ocasión de disfrutar de parte del material contenido en los discos de estudio “Altair” (temas 1-4), y “Fantasías Y Danzas” (5-7) (con el dúo original del baterista Alfredo Arcusa y la teclista Isabel Muniente) y el disco en directo “3” (8-9), donde Emilio Ruiz reemplazaba a Muniente y Albert Guitart asumía el rol de bajista. ALTAIR sonaba inicialmente como un “power-trío sinfónico sin bajista”, asimilando influencias de ELP, RICK WAKEMAN y UK por su lado más bombástico, aunque también daba mucho espacio a sonoridades más reposadas que apelaban tanto a CAMEL como a la tradición española (GOTIC, CRACK), así como a proyecciones psicodélicas, con lo cual el grupo generaba sus propios recursos eclécticos. En el tiempo de la segunda formación, el grupo empezó a poner más énfasis en cadencias de corte jazz-fusionesco aunque, claro está, sin abandonar la esencia progresiva de trasfondo. “La Esencia Del Tiempo” conforma también un hito dentro del aspecto de la difusión musical progresiva mexicana, pues el sello Azafrán Media es un derivado de lo que antes era la firma musical Luna Negra: en conjunción con Musea Records, Azafrán Media pone a nuestro alcance el material descatalogado de ALTAIR.

‘Estrella En El Camino’ comienza con un preludio marcado por una etérea coral sintetizada, hasta que una introspectiva secuencia de piano abre el camino para un ceremonioso cuerpo central que evoca aires a lo WAKEMAN junto a coloridos sinfónicos bastante gráciles. A segundos de llegar a la barrera del cuarto minuto, el asunto se aviva con una base rítmica que coquetea con el jazz-rock y el acento psicodélico de los teclados, por lo que el interludio hace que el sinfonismo antes reinante se inhibe un poco para que imperen ambientaciones al estilo de MORAZ-BRUFORD. La pieza culmina con un elegante reprise del motivo sinfónico precedente. A pesar de no ser una pieza tremendamente vivaz, ‘Estrella En El Camino’ pone en claro al oyente que el grupo está dispuesto a trabajar concienzudamente la fastuosidad propia del género progresivo, y justamente este llamado se cumple fehacientemente en el siguiente tema, ‘Eddy’s Prelude’, el cual enfatiza atmósferas ceremoniosas de clara raigambre sinfónica pero también un tanto cercanas a la aureola reflexiva de la línea new-age. Muniente exhibe su extrema pulcritud al piano, con algunas claras alusiones a la herencia emersoniana en el camino. ‘Nuevo Horizonte’ y ‘Summer’s Triangle’ desarrollan mayores niveles de intensidad, mostrando así dosis más ambiciosas de expresividad: el primero porta una magnificencia grandilocuente que mucho debe a la estilización barroca de inspiración wakemaniana como al ingenio orquestal emersoniano, mientras que el segundo transmite atmósferas más explícitamente eclécticas, combinando la pomposidad del sinfonismo más aguerrido con aires de cercanía space-rock y cadencias sobriamente fusionescas, con lo que tenemos un combo de JOBSON, EMERSON y HAMMER encarnado en la figura de Muniente, la cual es sostenida eficazmente por un siempre ocupado Arcusa. Este power-dúo se las trae.

‘Visiones’ vuelve a la faceta más calmada del grupo con un prólogo que tiene algo del VANGELIS de fines de los 70s e inicios de los 80s, para luego desarrollar un motivo central en 7/8 que tiene mucha de la calidez propia de la tradición sinfónica española y de CAMEL (tal como mencionamos anteriormente). Más adelante emerge una sección de tendencia espacial que no rompe con el lirismo dominante, sino que le da un nuevo empuje: en todo caso, se trata un interludio a la coda que culmina con un muy temprano fade-out. ‘Tiempos Difíciles’ comienza con un juego de saltarines aires folclóricos reciclados con una dominante presencia de cadencias digitales en el teclado, para luego pasar a una sección lenta que tiene mucho de épico y algo de melancólico a la vez: este recursos se repite una vez más para completar cabalmente el espacio de poco menos de 9 minutos destinado para esta composición en particular. ‘Oración Del Ermitaño’ consta de atmósferas lánguidas y flotantes, haciendo que la banda suene casualmente emparentada con EDHELS.

‘El Bosque Encantado’ abre la sección en vivo de este recopilatorio: con un nuevo teclista y la inclusión de un bajista, ahora ALTAIR opera como un power-trío y establece un híbrido entre sinfonismo de vieja escuela emersoniana y jazz-fusión contemporáneo, con relativa preponderancia de este último factor. Imaginemos un híbrido entre el CHICK COREA ACOUSTIC TRIO y TRIUMVIRAT para describir la base estilística de la pieza. El disco concluye con ‘Plácido Paseo’ (composición original de Muniente), articulado en torno a un jam electrizante en que la presencia jobsoniana es la más notable: se incluye un fabuloso solo de batería.

En fin, “La Esencia Del Tiempo” es una oportunidad estupenda para apreciar el legado de una banda cuya obra fonográfica es tremendamente difícil de ubicar por los coleccionistas progresivos: este repaso da una buena idea del sitial pionero que ALTAIR ocupa en una escena española que ha venido generando grandes bandas sinfónicas como OMNI, KOTEBEL, AMAROK, ALQUILBENCIL, SENOGUL y muchos más a lo largo de las últimas dos décadas.


Podemos escuchar algo de la tremenda magia musical de ALTAIR aquí.-
Tiempos difíciles: http://www.myspace.com/alfredoarcusa/music/songs/tiempos-dificiles-mp3-76907741
Plácido paseo: http://www.myspace.com/alfredoarcusa/music/songs/placido-paseo-mp3-76907904

La imparable mecánica psicodélica de SERPENTINA SATÉLITE

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

He aquí un mensaje un poco tardío: la banda peruana SERPENTINA SATÉLITE lanzó al mercado en el último tercio del año 2010 su tercera producción, titulada “Mecánica Celeste”, la cual sucede al ampliamente elogiado “Nothing To Say”. Lamento en lo personal haberlo conocido tan tarde, pero bueno, ahora que lo he hecho, puedo afirmar que este grupo sigue siendo una voz líder dentro de la vanguardia psicodélica que se viene desarrollando en el nuevo milenio tanto a nivel latinoamericano como mundial. “Mecánica Celeste” es un disco que refleja desarrollos sónicos más densos y oscuros en comparación con su predecesor, dándole así un cariz más robusto a su estrategia estilística ampliamente basada en las tradiciones del krautrock (ASH RA TEMPEL, GURU GURU, AMON DÜÜL II), space-rock (HAWKWIND) y el stoner. Dependiendo de cómo el oyente reciba esta renovación de la fórmula, se sentirá más o menos satisfecho a la hora de compararlo con “Nothing To Say” desde un criterio meramente personal, pero queda claro que SERPENTINA SATÉLITE persiste como un referente dentro de la vanguardia rockera de nuestros días. El grupo sigue conformado por los guitarristas Dolmo y Renato Gómez, el bajista Félix Dextre y el baterista Aldo Castillejos, más la presencia ocasional de Flavio Castillejos en recitaciones e invocaciones poéticas varias.

‘Fobos’ abre el disco con una marcada aureola de densidad que anuncia adecuadamente el tipo de sonoridad que describimos anteriormente: esquema rítmico contenido, elaboración de imponentes climas grisáceos. El afiatamiento de los guitarreos porta vínculos con el estándar del post-rock, pero el encuadre space-rock sigue siendo la clave temática para el bloque sonoro de SERPENTINA SATÉLITE. Para los últimos 3 minutos y pico, el jam nuclear pasa a un momento de dinámico frenesí en base al cual la instrumentación desarrolla su hasta ahora parcialmente contenida energía. Así pues, el clímax conclusivo de ‘Fobos’ deja listo el camino para el despliegue de vigor en ‘Sangre De Grado’, todo un ejemplo de cómo la fuerza visceral de un motivo básico sencillo puede resultar coloridamente enriquecida a punta de aumentar intrigantes capas y riffs de guitarra. El cierre épico de este jam sirve, a su vez, como puente hacia la magia peculiar de la pieza homónima, una genuina muestra de la columna sónica de la banda en su manifestación más intensa. Tan robótico como vibrante, tan misterioso como directo, ‘Mecánica Celeste’ encarna a la perfección el ideal de proyección mental que define las diversas estéticas psicodélicas: bien podría describirse como una cruza entre el HAWKWIND de “Doremi Fasol Latido” y el primer ASH RA TEMPEL, con añadidos matices de noise-rock. ‘Imaginez Quel Bonheur Ce Sera De Voir Nos Chers Disparus Ressucités!’ (‘¡Imagina Qué Alegría Nos Daría Ver Resucitados A Quienes Partieron’ en francés) es un breve ritual centrado en la percusión tribal, el cántico femenino y un recitación, el mismo que nos sirve para reposar un rato antes de que ‘Ai Apaec’ exponga pesadas moles guitarreras sobre un compás lento que arrastra una imponente parsimonia muy conveniente para el caso. Percibo las influencias del GURU GURU de “KanGüru”y del ASH RA TEMPEL más cañero, un dinamismo pesado que es transportado con descarnada fluidez. Aquí se confirma plenamente la validez de la estrategia artística desarrollada desde la pieza inicial. Llegamos al final del disco con ‘Sendero’, tema que ocupa un amplio espacio de 11 minutos y cuarto. Este tema comienza con porciones del cántico de Adviento “Un Pueblo Que Camina”, un cántico al cual el grupo alude con perturbadores aires de ambigüedad al armar un preludio pesado en clave de marcha militar, el cual termina transformándose en un motivo continuo que, a su vez, prepara el impulso del vendaval rockero iniciado a poco de pasada la barrera de los 4’30”: el fuego cósmico se torna incendio violento que tiene mucho de opresivo y también mucho de atrapante. Poco antes del octavo minuto, la pieza vira hacia ambientes flotantes que sostienen el correspondiente fade-out, el cual anuncia el momento final de retorcido misticismo: la coda conformada por cánticos que regresan para entonar “Resucitó”.

Hay un par de bonus tracks que se pueden descargar desde su página web (y escuchar en los enlaces http://soundcloud.com/serpentina-satelite y http://serpentinasatelite.bandcamp.com/album/mecanica-celeste): uno de ellos, ‘Chamán’, tiene un esquema de blues-rock empapado de pesadez lisérgica de fiel corte krautrock; el otro, titulado ‘Redención’, se familiariza más a fondo con la languidez etérea del post-rock pero siempre manteniendo el tenor esencial inspirado en la psicodelia de vieja escuela.

En conclusión, “Mecánica Celeste” es un excelente muestrario de experimentación psicodélica que mantiene a SERPENTINA SATÉLITE como puntera de la vanguardia rockera sudamericana. Tras reiterar lo mucho que lamento haber conocido este disco tan tardíamente, culmino esta reseña con algunos enlaces de muestra sobre este disco.-
Fobos: http://www.myspace.com/serpentinasatelite/music/songs/fobos-73445590
Imaginez + Sendero: http://www.youtube.com/watch?v=ZeP6ryxfv7g

MICK KARN - evocaciones sobre un maestro que partió

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Comenzamos el año lamentando la partida de un grande de la vanguardia pop y rock británica de las últimas décadas: MICK KARN, famoso principalmente por ser bajista y vientista (a cargo del saxo y el clarinete) de JAPAN, aunque también altamente valorado por haber desarrollado una notable carrera solista y en proyectos momentáneos desde mediados de los 80s hasta prácticamente el fin de sus días. Nacido como Andonis Michaelides el 24 de julio de 1958 en Nicosia (Chipre), falleció el 4 de enero último perdiendo la batalla que iba librando contra el cáncer por un buen tiempo. Mucho tiempo pasó entre aquellos entrañables días de su infancia cuando comenzó aprendiendo el violín, y luego el fagot, con el cual llegó a tocar seriamente en la London School Symphony Orchestra: la maldición de que le robaran el fagot fue en realidad la bendición de la oportunidad de aprender a tocar el bajo y formar parte de alguna banda de rock… y el resto es historia. También desarrolló una interesante carrera en las artes plásticas, más específicamente, en la escultura (ver http://www.mickkarn.net/igallery/igallery.asp?d=\sculpture\)

Tal como mencionamos antes, su mayor reputación se basa en JAPAN, cuyos dos discos de estudio finales “Gentlemen Take Polaroids” y “Tin Drum” son considerados como hitos perpetuos de esa época, pero no hay que olvidar discos solistas como “Dreams Of Reasons Produce Monsters” (1989), “The Tooth Mother” (1995) o “Each Eye A Path” (2001), los cuales reflejan su peculiar estilo de tocar el bajo (principalmente sin trastes) y su buen manejo de instrumentos de viento (clarinete, oboe, saxo, vientos exóticos de Asia y África), así como su apertura hacia el jazz-rock, la fusión, la música concreta y el ambient. ¿Y cómo olvidar esa especie de reunión de JAPAN que terminó llamándose RAIN TREE CROW? El ejemplo de su genio que escogimos para este blog es el fantástico disco “Polytown”, producto de la asociación de KARN con DAVID TORN y TERRY BOZZIO.

Temas
1. Honey Sweating
2. Palms for Lester
3. Open Letter to the Heart of Diaphora
4. Bandaged by Dreams
5. Warrior Horsemen of the Spirit Thundering over Hills of Doubt to a Place of Hope
6. Snail Hair Dune
7. This is the Abduction Scene
8. Red Sleep
9. Res Majuko
10. City of the Dead

Integrantes
- David Torn: guitarras, órgano, piano, loops, armónica, koto, efectos vocales
- Mick Karn: bajo sin trastes, clarinete bajo, dida, voz griega
- Terry Bozzio: batería, percusión, piano, imitación vocal de corno francés

“Polytown” es el resultado de la osada colaboración creativa de David Torn, Mick Karn y Terry Bozzio, una colaboración que produjo una manifestación a la vez enigmática y retorcida de jazz fusión, atravesada por relámpagos de rock psicodélico y recreada por diversos colores étnicos y tribales que se esparcen por aquí y por allá. Es curioso como un grupo de músicos, a punta de talento, osada versatilidad y mentalidad vanguardista, puede crear un repertorio tan pletórico de energía sin que éste llegue a ser pesado, ni que tampoco esté lleno de piezas trepidantes y veloces a todo dar. Muy al contrario, las sutilezas son las que imponen una presencia prioritaria en “Polytown”, siendo así que los intereses combinados de estos tres músicos por explorar en los poderes evocativos de sus respectivos instrumentos los llevan por parajes oscuros y perversos, parajes que resultan a fin de cuentas muy atrayentes para el oyente dispuesto a dejarse llevar. Torn es ante todo un amante de las disonancias y las texturas inquietantes; creo percibir en su estilo la huella de Fripp y Frith, además de algunos toques del Holdsworth más agresivo. Karn da rienda suelta al flujo sanguíneo étnico que fluye por sus venas jazzeras, al modo de una simbiosis entre el Levin más sincopado y el Pastorius más sereno. Por último, el hipertalentoso Bozzio encarna la misma libertad de expresión en su máxima pureza a la hora de manejar y dominar los multicolores matices y cadencias de su batería y diversos implementos percusivos; lejos de limitarse a su rol rítmico, su participación resulta crucial como tercer elemento afín a las partes de guitarra y bajo. Son muchísimas las ocasiones en que da la impresión que la sección percusiva lleva la voz cantante.

‘Honey Sweating’ inicia el disco conjurando un ambiente de lánguida magia, como evocando la partida de criaturas crepusculares hacia sus cuarteles de invierno: hay mucho de misterioso y meditabundo en este fantástico tema de entrada. Esta misma languidez ensoñadora habrá de reaparecer más tarde en ‘Bandaged by Dreams’ y ‘Red Sleep’. A continuación emerge ‘Palms for Lester’ para introducir algo de frenesí al asunto, pero sin caer nunca en desbordes ni pirotecnias gratuitas. Con ‘Open Letter…’ resulta que la faceta étnica del trío empieza a mostrarse de manera más directa, trabajando las texturas exóticas arábigas dentro de los parámetros jazzeros vanguardistas bajo los cuales se maneja. La cosa se pone mas tribal en el intenso tour-de-force ‘Warrior Horsemen of the Spirit...’ – el fuego que despiden los diversos tambores de Bozzio es incendiario y envolvente a la vez, planteando a Torn y Karn el reto de dejarse llevar por la sensual intrepidez del compas mientras mantienen el clima celebratorio del tema por vía del manejo de efectos y cortinas texturiales con sus respectivos instrumentos. Engarzado con este número aparece ‘Snail Hair Dune’, el mas extenso del disco (dura nueve minutos), el cual mantiene también un nivel considerable de intensidad a traves de su compleja estructura de corte jazzero, dejando un campo muy amplio para la improvisacion, y una vez más, el manejo de cadencias exóticas de inspiración arábiga.

‘This is the Abduction Scene’ ofrece una clara influencia crimsoniana de la época del “Starless and Bible Black”, mostrando así el lado más rockero del trío; este predominio crimsoniano no se queda allí, pues pronto resurge en ‘Res Majuko’. A pesar de no tratarse de números precisamente muy extensos, de todos modos quedan como piezas bien armadas y llenas de mucha polenta. ‘City of the Dead’ cierra el disco creando un retrato sonoro de los rincones más tétricos del limbo: cortinas opresivas de percusiones sirven de trasfondo para extraños retazos de guitarra y vientos étnicos. Esta despedida perturbadora logra crear una inquietud climática muy a tono con el espíritu aventurero destilado por todos los poros de “Polytown”.

Enlace original de la reseña: http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/Discos/davidtornmickkarnterrybozzio_polytown.html

Enlaces de Youtube para degustar parte del contenido de “Polytown”.-
Honey Sweating: http://www.youtube.com/watch?v=tTqS8IfdnlY
Palms for Lester: http://www.youtube.com/watch?v=zrpBQ_5UATg
Open Letter to the Heart of Diasphora: http://www.youtube.com/watch?v=P0wPG1YyPSc


¡¡Gracias por la música, Mick!!

IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE - celebración de la tradición progresiva italiana

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión traemos a colación al grupo italiano IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE. Esta banda, fundada por la teclista Elisa Montaldo, cultiva convincentemente un estilo sinfónico retro afín al de sus compatriotas de LA MASCHERA DI CERA, UBI MAIOR (de su primer disco “Sotos”) y NOTABENE: esto implica necesariamente la devota manera en que recibe influencias de BIGLIETTO PER L’INFERNO, ALPHATAURUS y MUSEO ROSENBACH (y también un poco de BANCO DEL MUTUO SOCCORSO). El nombre mismo del grupo proviene de la última sección de la suite ‘Zarathustra’, aporte máximo de MUSEO ROSENBACH a la leyenda del rock progresivo italiano 70ero. Pero hay algo más: el vocalista de la banda es el mismo que fungió de vocalista en el disco “Zarathustra” de MUSEO ROSENBACH – Stefano “Lupo” Galifi. La formación se completa con Fabio Gremo (bajo), Giulio Canepa (guitarras) y Paolo Tixi (batería).

‘Verso l’Alba’, el prólogo instrumental de poco menos de 3 minutos de duración, establece un ambiente moderadamente tenebroso, en clave casi gótica, antes de que ‘Insolita Parte Di Me’ empiece con una aureola aguerrida y filuda, signada por la bizarra estilización exhibida por las mejores muestras de progresivo heavy de la tradición italiana; ya para las partes cantadas, el espíritu se vuelve reflexivo y más calmo, con un Lupo que se siente en sus anchas a la hora de transmitir el mensaje de la letra. Poco después de la barrera de los 3’30”, emerge un interludio instrumental intenso, con una refinada arquitectura que ha de marcar el juego de orquestaciones sobre el cual se basa la última sección cantada. ‘Bocadasse’ porta un esquema más ligero aunque para nada simplista: se trata de una pieza lírica y amable donde lo sinfónico se desarrolla con patente sencillez mientras que la dupla rítmica trabaja con cadencias jazz-pop. No faltan, de todas maneras, recursos barrocos y manieristas en algunos momentos específicos de la instrumentación. ‘Le Due Metà Della Notte’ recalca esta sencillez y la lleva hacia una dimensión más sobria, incluso romántica, al menos durante los primeros 3 minutos; a partir de allí, el grupo desarrolla matices más enérgicos, en base a un órgano vitalista que entra como contraparte de las recurrentes capas etéreas de mellotrón, con lo cual se logra elaborar un nivel de sofisticación propio del estándar sinfónico. Tras este clímax tan llamativo, ‘La Stanza Nascosta’ presenta un ejercicio introspectivo basado casi exclusivamente en el dueto de voz y piano: el minuto final ofrece una inesperada coda espacial basada en flotantes capas lisérgicas de sintetizador sobre las que Lupo hace una recitación.

El poderoso instrumental ‘Danza Esoterica Di Natura’ establece un contraste frente al epílogo cósmico de ‘La Stanza Nascosta’ para instaurar un estupendo viaje progresivo que alterna macizos desarrollos grisáceos en 5/4, vuelos manieristas de piano y envolventes interludios etéreos a lo GENESIS, para finalmente aterrizar en un clímax suavemente tétrico a lo GOBLIN. El ruido de la celesta nunca falla – siempre exorciza imágenes de calma tensa antes de la fatal emergencia de una fuente de terror. ‘Faldistorum’ guarda desde el inicio un nivel de energía expresiva igual al del tema precedente, aunque esta vez se pone más énfasis en la magnificencia que en el claroscuro: la intervención de Lupo se limita a un soliloquio teatralizado en algún lugar del medio: hayamos el mismo espíritu musical en el tema siguiente, titulado ‘L’attesa’. Durando poco más de 9 ½ minutos, ‘Il Centro Sottile’ cierra el concepto central del disco, elaborando un aire de lírica majestuosidad, repleto de estilizaciones sinfónicas sobre la base de ambientes comedidos y desarrollos rítmicos nada intrépidos, un opus innegablemente afín a la línea de trabajo de LA MASCHERA DI CERA. Y ahora que hablamos de la banda de Zuffanti, macor y co. IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE también recurre al truco del bonus track para la última canción: dicho bonus se titula ‘Antidoto Mentale’, una balada sinfónica en 3/4 que hace buen uso del estilo sinfónico retro exhibido por la banda.

Y bien, nuestro balance de este disco homónimo de IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE es positivo en cuanto al derroche de ingenio melódico y el nivel de éxito en esta empresa de recuperar el sonido de los buenos viejos tiempos a la vez que se aporta un nuevo vigor al estándar del sinfonismo italiano tradicional.


Muestras de IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE.-
Le Due Metà Di Una Notte: http://www.youtube.com/watch?v=Fdz-SLyqt0w
La Stanza Nascosta: http://www.youtube.com/watch?v=8HCxiE3LpYU
Boccadasse: http://www.youtube.com/watch?v=SZaYmN6oC5Y