Sigo tan sediento de absoluto como cuando tenia veinte años, pero la delicada crispacion, la delicia acida y mordiente del acto creador o de la simple contemplacion de la belleza, no me parecen ya un premio, un acceso a una realidad absoluta y satisfactoria.
Hace un par de años, el debut de Magic Pie causo gran impresion en el medio progresivo underground, pues con su mezcla de sensibilidad retro y sus dosis de sonidos modernos fueron capaces de cautivar a los afortunados que oyeron “Motions of Desire”. Su segundo album tendria que ser entonces la prueba para decidir si encumbrarlos o dejarlos en el cajon trasero, y francamente en este magnifico album creo que la han pasado con creces, pues no solo confirman su talento, si no que nos entregan uno de los mejores trabajos del 2007.
EL album unifica una multiplicidad de diferentes tendencias, entre estas atmosferas de los 70s, ritmos modernos, hard-rock, AOR, metal melodico, cadencias ibericas y pop armonico y hasta el neoprogresivo en una sintesis magica, un torbellino sonoro con la multicoloracion de un arcoiris. Esta experimentacion instrumental de gran calidad es combinada con vocalizaciones de una intensidad emocional embrujante y una guitarra con una genialidad y grandilocuencia hechizante.
“Circus of Life” es un album conceptual que evoluciona naturalmente hacia la madurez, un espectaculo majestuoso basado en el acoplamiento de diferentes emociones, fusionando cadencias bohemias con melancolias impacientes y sombrias tristezas, la agresividad en tension correlativa con la quietud interior.
En otra epoca, el album hubiera consistido en una sola pista, dividida en dos lados del vinil. Un beneficio de nuestro paroxismo tecnologico es que todos los 45 minutos de la primera rola, que le da titulo al album, puede oirse de una sola pasada. Dividida en cinco partes, es una obra verdaderamente magistral, un trabajo de alto voltaje flirteando con lo genial, lo sublime y lo magico.
La pieza en la que quiero hacer hincapie, “Trick of the Mind” es una pieza progresiva en cuatro actos, una epica composicion de 21 minutos, que podria haber sido un clasico progresivo del siglo pasado en el sentido convencional del termino, donde cada cantante muestra lo suyo y se incluyen sendos pasajes instrumentales de excelencia que se relacionan entre si en movimientos intrincados y complejos que permiten el deleite apreciativo de teclados, bajo y bataca para dar un efecto de tal calidad que la rola parece mas corta de lo que realmente es.
Otro aspecto que me fascina de Magic Pie es la calidad de los solos de guitarra de Kim Stenberg y este no desilusiona en “Circus of Life”. Kim es un “nuevo” guitarrista hiper-talentoso, con una sonoridad y tecnicas propias, puede ponerse muy agresivo en su expresion pero nunca pesado, siempre llevando las riendas de la melodia. Los teclados sinfonicos de Gilbert Marshall son un sueño hecho realidad para los obsesivos del teclado multifunciones. El baterista de clase mundial Jan T. Johannessen logra traernos memorias de una decada perdida y finalmente un gran bajista en la persona de Lars P. Holstad. La cerecita del pastel es que Magic Pie tiene 3 vocalistas lideres: Allan Olsen, Eirik Hanssen y Gilbert Marshall, todos con magnificas y potentes voces.
Magic pie es una gran orquestra que hace rock progresivo de una manera compleja y refrescante.
La clave para entender el embrujante hechizo de Magic Pie es su manera de combinar viejos sonidos con nuevos. Añadanles excelentes vocalizaciones, sensibilidad en la composicion, virtuosidad instrumental, y calidad en las letras (de Tommy Stenberg).
Podria apostar que este album le va a gustar a practicamente todos los progheads del mundo, una compra obligatoria para este 2007 que ya empieza a llenarse de sorpresas.
Durante el NearFest 2007, Pure Reason Revolution demostro que tiene mucho mas talento que muchas de las bandas modernas de hoy. El hecho de que canten melodica y armoniozamente es un paso musical que va mas alla de lo que se oyen en estos dias.
Creo que PRR dio un Show sobresaliente e increiblemente entretenido, a pesar de los "detallitos" de la nueva conformacion (el quinto integrante, quien tocaba los teclados, el violin y la tercera guitarra dejo el grupo, asi que los 4 restantes tuvieron que recrear su parte del material durante el concierto). A pesar de haber perdido el contrato con Sony por bajas ventas (quien nunca les hizo promocion), sigo pensando que esta banda tiene mucho potencial.
Mientras trabajan en su nuevo album del 2008, nos han dejado una cancioncita gratuita, para descarga desde su website, que prueba que Pure Reason Revolution seguira insistiendo con sus vocalizaciones a la Beach Boys y su sonido netamente progresivo.
La cancion se llama "Victorious Cupid" y la pueden ver y oir en este tubito:
Siento que el prog sigue renovándose, en algunos casos en la periferia y en otros casos reciclando influencias y generando nuevos sonidos, nuevas sensasiones y nueva música. El crisol ahora incluye el Modern Rock, el Post Rock, El Neo Prog, el Clasic Prog, el Jazz, el Metal, el Gothic Rock e incluso la música árabe, turca, eslava y muchas otras vertientes, incluyendo el folk andino sudamericano, como es el caso de Flor de Loto.
Quiero compartir con ustedes mi entusiasmo con esta formidable banda rusa, The Gourishankar. Este trabajo, "2nd Hands", es justamente el sueño húmedo de todo aficionado al prog: un adecuado sentido melódico, virtuosismo instrumental, un sonido que combina lo clásico con lo moderno, el prog con el neoprog, pero no descarta influencias de casi ningún estilo, incluyendo el techno, el metal, e incluso he sentido algunos compases donde los ritmos me parecieron quasitropicales. Aunque el disco es redondo por donde se lo vea, hay tres temas que quiero destacar :
moon7 (11:10)
Enpieza con una voz siniestra hablando en lo que parece ruso y luego con una intro casi metálica, antes de lanzar unas bellas lineas melódicas en un límpido sintetizador. Los temas y los ritmos cambian constantemente. Un espectacular inicio para este disco.
syx (11:08)
El sexto tema se llama simplemente syx, y empieza con un delicado tema en violines en pizzicato y una orquesta de cuerdas antes de empezar lo que será el tema principal el cual es tocado por las cuerdas, el sintetizador y la guitarra. Ls cambios son constantes, y me parece escuchar reminiscencias de medio mundo prog, incluyendo a Marillion. Muy, pero muy sinfónico. Tiene incluso una sección donde me parece que coquetean con el mambo o con ritmos cubanos. Un tremendo tema.
marvelous choice (18:16)
Este es el último tema del disco, y es un verdadero tour de force, que recorre todas las sendas del prog. Empieza con un sonido muy a lo techno, para luego pasar a una sección que para mi suena mucho a IQ, usando sintetizadores digitales. Continuan con un hermoso tema con pianos antes de empezar a cantar ( cantan en inglés ).
Hacia la mitad de la canción empieza el climax: partes rápidas de tremenda virtuosidad, especialemnte en los sintetizadores. Aqui los sintetizadores y los ritmos cambiantes son espectaculares, y muy bombásticos. La influencia de Emerson y Tarkus estallan alrededor del minuto 10 - 10 y medio con Hammonds y sintetizadores analógicos. Los últimos minutos son tambien muy buenos y culminan con una parte suave llena de voces étnicas y sonoridades que crean un ambiente muy abierto, y exótico. Mi tema favorito en este disco.
The Gourishankar "2nd Hands" ( 2007 ): 5 puntos sobre 5. Para mi, lo mejorcito del 2007 hasta el momento.
Ahh, me olvidé de mencionar que el arte del cd tambien es muy bueno.
La banda genovesa La Maschera di Cera nos ofrecio un excelente show en el NearFest 2007, muy bien ejecutado, recreando de manera muy parsimoniosa la gloriosa tradicion de las grandes bandas de prog italianas de los 70s, particularmente el sonido de grupos como Museo Rosenbach, Biglietto Per L’inferno y el Balletto Di Bronzo. El vocalista Alessandro Corvaglia, literalmente de blanco del pie a la cabeza (i.e. su cara pintada toda de blanco), dio realce al espectaculo con su gran presencia, cantando apasionadamente de tal dramatica manera que todo el auditorio podia entender intuitivamente el italiano (sin saberlo ni quererlo). Un Fabio Zuffanti luciendo mucho mas serio (de edad) y con pelo corto en el bajo y la guitarra, sin cantar gran cosa, pero magistral como cuando lidereaba en Finisterre, Aries y Hostsonaten, y bien acompañado por el ex baterista de Finisterre Marco Cavani (en la foto de al lado con Alessandro). En los multi-teclados de rigor el magnifico Agostino Macor, tambien ex-Finisterre, ofreciendo composiciones muy elaboradas, con muy buenos arreglos melodicos e inventivas entradas de tanto en tanto, como para darle fuerza a la flauta de un timido pero virtuosamente impecable Andrea Monetti.
Acompaño mi breve reseña con unas cuantas fotos de los integrantes de la banda (Fabio Zuffanti, en el triptico mas abajo).
Setlist:
Doppia Immagine (LuxAde) Nuova Luce (con intro di ago) (LuxAde) Orpheus (LuxAde) Un Senso All'impossible (LuxAde) La Consunzione (Il Grande Labirinto) Schema (LuxAde) Enciclica 1168 (LuxAde)
Soy un fan convencido de los dos ultimos albumes de esta excepcional banda francesa, Nova Express y Zepto, asi que esperaba un buen show. La banda mostro su garra e intensidad, interpretando rolas de sus tres discos. El bajo de Gregory Tejedor, las dos guitarras (Vicent Bouzefa, tambien en el clarinete, y Sebastien Carmona), la bataca de Michael Anselmi, y el magnifico tecladista Olivier Tejedor le dieron el toque pesado al festival (junto con Indukti), sonandome bastante mas oscuro y pesimista que sus grabaciones de estudio. Vicent Bouzefa, quien doblo como segundo guitarrista, saco a brillar su saxofon alto a mitad del setlist, dandole una coloracion disonante y abstracta, a las de por si rudas y densas composiciones de furia urgente pero controlada.
Nebelnest hizo un prog krautrock-heldon-crimsoniano de disonancias, con toques de jazz e instrumentaciones Indico- indonesas. Su musica es un viaje imaginativo y complejo por texturas abstractas y sublimes, sujetas por un estupenda seccion ritmica y ocasionales improvisaciones psicodelicas.
El teclado Olivier Tejedor introdujo el primer paisaje sonoro con Redrum, muy al estilo del psico-space rock del “Delay” de Algarnas Tradgard, que un par de minutos despues abrio las puertas a una larga serie de progresiones dosificadas y concretas, musicalmente muy distintas entre si, como si cada una fuera una historia que contar hasta su macabro climax para luego pasar a la siguiente escena, hiladas por una seccion ritmica de bajomundo y un melotron en acido lisergico.
Continuaron con varias rolas de su primer disco, entre ellas “Etude de Shimshot” y la potente “Crab Nebula”. En ese momento, Vicent Bouzefa tomo su clarinete para acompañar las siguientes tres rolas, la dinamica resbaladilla jazzeada ”Old Ones” de Zepto, y un par de rolas que yo no habia escuchado, “Interlude” y “Last One”, talvez prometidas para su siguiente album. Lamentablemente ya en este punto, la mezcla de sonido se nublo de manera evidente, lo cual no ayudo a resarcir estas dos ultimas contribuciones.
La parte del publico visiblemente perturbada no sabia si era mejor salir del auditorio, entendible ante su evidente dificultad de entrarle a una propuesta tan aspera sin estar familiarizado con el material. Afortunadamente la mayoria conocedora del buen RIO se mantuvo bien apretada a sus asientos, aguantando la fenetrica trayectoria de un roller coaster con gran variedad de conflictuantes inversiones.
Despues de la segunda mitad del setlist llego el momento de la segunda rola mas accesible (la primera es Majnuns…) de Zepto, “Pillars of Birth”, estructurada sobre cascadas de un melotron que juega con una guitarra magnifica, un periplo frenetico por la matrix cibernetica del “Neuromancer” de William Gibson.
Para finalizar, Nebelnest cerro el circulo con la bellisima rola Nova Express, un catartico viaje astral de primer orden al planeta Solaris de Tarkovsky.
Por mi parte, quede ampliamente satisfecho de escuchar en vivo a una de las bandas jovenes mas sobresalientes de los ultimos tiempos, que esta añadiendo innovaciones al ya maduro libro del rock progresivo, combinando con sorprendente facilidad en igualdad de partes los miedos y violentaciones terrenas con las angustias emergientes de la vertiginosa navegacion espacio tecnologica de nuestros dias.
NearFest 2007 fue francamente un espectaculo descomunal. Vimos y oimos de todo, desde la juventud mas "progre" (PRR, Izz, Magenta, Indukti, Nebelnest) hasta los veteranos mas decantados (Magma, Secret Oyster, Hawkwind, Allan Holdworth), eclecticos (Bob Drake) y ambientalistas (Bob Rich).
Por supuesto, como ya es costumbre la fanaticada fue fenomenal y calurosa con los artistas, y el mercadito de CDs y DVD mas lleno y activo que nunca.
William Gray es un proyecto recientemente creado (2006) por el guitarrista y compositor argentino Sebastian Medina, quien logro integrar una mini-orquesta conformada por instrumentistas clasicos, rockeros de pura sepa, virtuosos del tango y coristas de reparto para ejecutar su opera prima. “Living Fossils” es un album progresivo conceptual, historieta comic y audiovisual en un solo paquete, su componente musical finamente cohesionado y estructurado a la manera de una opera rock al "nuevo estilo" Ayreoniano, conectando una multiplicidad de elementos roqueros (i.e. prog metalico y sinfonico) y clasicos (i.e. flauta, cello, piano) con melodias irlandesas, ritmos folkloricos argentinos y tango tradicional (bandoneon). El folleto que acompaña al CD contiene fragmentos graficos de la historieta o tebeo, ilustraciones teoricamente planeadas para proyectarse en serie durante las presentaciones en vivo de la banda.
Esta historia o pesadilla progresiva, tinieblas, brumas y sombras de la oscuridad es contada musicalmente como una serie de altibajos emocionales del estado de animo del protagonista, en un momento yendo de una delicada guitarra acustica Hackettiana a un repunte energetico de pesadez metalica y percusion de alta ritmicidad para despues resbalar a inspirados valles instrumentales de estilizadas notas pinkfloydianas u ocasionales tonos goticos. En estos ultimos planos de bajorelieve, los instrumentos son ejecutados suave y cuidadosamente, creando una atmosfera de tensitura relativa indicante de la confusion y pesar que sufre el personaje, obligatoriamente perdiendonos en la belleza melancolica de las composiciones. La guitarra acustica es el principal instrumento en la mayoria de las rolas, los teclados usados para rellenar los paisajes sonoros, el bajo simple pero preciso, la bataca en su punto. Talvez la excepcion a esta regla sean el piano y el cello, que son usados con gran efecto en un par de pistas. La brevisima rola “Introspection” es un solo de piano muy cargado emocionalmente que inicia con texturas melancolicas y al cabo se transforma en un Hammond de potentes arpegios cuya energia desencadenante secuestra por momentos la amargura para dar pauta al hiperkinetico huracan de "Urban Battle". En otra rola, “Broken Minstrel”, el cello hace mancuerna con la guitarra acustica, el delicado piano y la voz epica del bardo poeta para llenarnos de tristeza infinita en una melodia de absoluta belleza.
La voz relativamente dulce de Sebastian esta bien alineada con el tono melancolico de la historia (Medina pronuncia el ingles con fluidez) sin embargo su expresividad queda corta en momentos de algidez (escuchen "Eye in the Hole" por ejemplo).
“Living Fossils” cuenta la historia de Virgilio, cuyo pequeño hijo y esposa mueren al ser atropellados en un desafortunado accidente. La ciudad de Buenos Aires hace las veces de escenario y contexto, con personajes de la cotidianedad porteña acompañando a Virgilio durante su deambulante via crucis. A medida que se desenvuelve la historia, descubrimos que Virgilio se va convirtiendo en un ser recoroso deseante de venganza, sumergido en pleno desaliento a raiz del descalabro emocional. La musica se compenetra y alinea perfectamente con los estados de animo de Virgilio, dandole una fuerza dramatica incomparable (en particular cuando los coros y los organos pintan el requiem de la procesion funeraria).
La parte medular del trabajo es la trilogia intercalada de “Urban Battle”, una serie de potentes rolas, las primeras dos me parecen estar a ritmo de chacarera en brillante pauta progresiva ligeramente metalizada, la tercera con mas presencia de los teclados. “Urban Battle” es simplemente una rola de alcances fantasticos. El album cierra con color local con la interpretacion de "Urban Battle" en version clasica de tango.
“Fosiles Vivientes” me ha atrapado con esta sencilla historia de alta carga dramatica y composicion propositiva de altos vuelos. No solo eso, para mi es claro que los musicos y compositores trabajaron intensamente para lograr una obra de alta calidad y potencia emocional, una obra artistica que nos obliga ya a pensar en la proxima entrega del cronopio Medina.
La prolifica banda Milanesa Premiata Forneria Marconi nos ofrecio en Diciembre pasado su ultima produccion llamada “Stati Di Immaginazione” ("Estados de la Imaginacion"). Los fans acostumbrados a la efusividad vocal, al enfasis en el liricismo y el melodrama de esta banda italiana se sentiran talvez un poquitin traicionados, pues este trabajo es 100% instrumental. Pero que trabajo Señores! Sin lugar a dudas uno de los mejores regalos que nos ha brindado PFM en sus 35 años de carrera.
Primeramente, del PFM de antaño solo queda un trio dinamico, con Franco Mussida diseñando melodias en las guitarras electrica y acustica, Franz Di Cioccio dosificando energias en la bataca, y espaciando de vez en vez unos toques de Bossanova, y el bajo de Patrick Djivas moviendonos con su peculiar (y mas notoria?) presencia contagiosa.
En los teclados Gianluca Tagliavini, el cuarto y nuevo integrante en reemplazo de Flavio Premoli, contribuyendo notablemente en "La Terra Dell’Acqua" y "Il Mondo In Testa", con el mismo nivel de calidad y claridad que en las obras clasicas de la banda, tanto que practicamente no se nota que Premoli haya dejado el grupo. Mas aun, el Hammond y el Moog se oyen hiper-espontaneos (i.e. sin secuenciador y regrabaciones), casi como si la grabacion se hubiera hecho en vivo. Ademas los acompaña al violin el invitado Lucio Fabbri, añadiendo preciosismos pastorales de clasicidad inobjetable en varias rolas.
El album esta compuesto de ocho rolas que nos invitan a visitar una historia hecha en imagenes, como si las notas mismas fueran necesarias para llevarnos en un viaje que se desenvuelve naturalmente en una sucesion cronologica de acontecimientos, registrando la tension del Ying Yang, la lucha entre el bien y el mal, la calma y la tormenta, las conquistas de la mente y la racionalidad humana frente a la energia y leyes de la naturaleza, las fantasias del hombre en perpetuo funcionar despues de si mismo (figuracion talvez de que hacer ante el Calentamiento Global?).
En la primera rola “La Terra dell’Acqua”, los arpegios de guitarra de Mussida abren las puertas de la distancia imaginaria, unos resbalones dociles como para entrar timidamente en los mundos de la mente, con atmosferas ritmicas que recuerdan tierras lejanas, seguidos de una progresion de teclados espaciales que van calentando los bajos, que eleva gradual pero efimeramente el ritmo para diluirse en un violin en intensidad creciente que enaltece la pieza. Ya dentro de la espiral imaginaria, el bajo y la bataca laten aceleradamente junto con una guitarra distorsionante de sonoridad esplendida en franca interaccion cautivante con el piano, ambos propulsados por el trabajo del tambor en direccion hacia un caos rimbombante.
El caos desemboca en un remanso de luz, pintado por el pianoforte de Tagliavini, inicialmente al estilo del Keith Jarret de la era del “Concierto de Koln” con notas de una inmensa belleza, y prosiguiendo con una melodia clasica en crescendo que decanta en un caleidoscopio progresante de sonidos lidereados por la guitarra, y como protagonistas del fondo, la bateria y el piano en jazzeante.
Se trata de la interaccion de los elementos, la tierra y el agua conectados con el aire ante la lucidez del sol, el orden del caos perfectamente autopoietico. Aqui me sorprende sobremanera el talento de la PFM para hacer fluir las armonias con una desenvoltura absolutamente descarada, sera que a estas alturas los musicos se saben por fin libres en el centro del mas iracundo huracan.
En esta lucha eterna de y con la naturaleza, el hombre se contempla a si mismo triunfador, pero esta destinado a doblarse y arrodillarse ante ella. Veamoslo como una forma de juicio universal privado de la autoridad absolutista de las referencias metafisicas, pues el hombre al compenetrarse en el misterio de la naturaleza, al ganar y reapropriar nuevas fronteras va tambien construyendole una trampa a la humanidad.
Una naturaleza que sabe esperar, fuertemente amparada en el unico limite que el hombre no sabe (ni puede) traspasar: el tiempo. En su devenir historico a traves de los siglos, el hombre solo puede enfrentar este desafio perpetuo a traves de sus descendientes.
Por lo tanto como "La Terra dell’Acqua", tambien las otras siete rolas del presente trabajan sobre la misma idea, pintando las grandes metas de la humanidad, sus grandes intuiciones, sus sueños, sus conquistas y derrotas, pero tambien recomendando las formas del respeto hacia la misma naturaleza. Las tecnicas, estudios esteticos, adaptaciones culturales y sociales y demas aprendizajes evolutivos son la esencia sobrevivencial misma de la humanidad, abrazando en conjunto su entendimiento de como empatizar armoniosamente con la complejidad erotico-tanatizante de la naturaleza.
“Il Mondo in Testa” inicia primero con piano clasico y luego con violin, seguido de guitarra ritmica acompañada de bajo, teclado y baterias jazzeantes, subsecuentemente con guitarra melodica a la que se le añade en puntos vibrafono y piano, evolucionando con melodias muy variadas, que tanto intercalan el violin al mejor estilo de Jean-Luc Ponty, como teclados progresantes y vibrafono en partes, cerrando con un par de acordes de piano.
“La conquista” Mussida inicia con un riff fantastico, inmediatamente seguido por el bajo jazzeante, la bataca y el vibrafono en emocionante interaccion. A la intensa primera parte le sigue una seccion tranquila y eterea, tan eterea que si uno cierra los ojos tiene uno la sensacion de remontar las horas flotando en una nubes Cumulus Nimbus, porcion que culmina con la guitarra revisitando las mejores epocas la tradicion rockera. La rola termina con un cambio de tiempos, una seccion ritmica el moog subiendo en la escala de notas como un tren que se encamina hacia la meta, un tanto reminiscente de la sonoridad del musical de Dracula.
Quizas la sorpresa mas deliciosa del album sea “Il Sogno Di Leonardo”, una version New Age a la Windham Hill en guitarra acustica, que si fuera pelicula seria una fabula barroca de limpida inocencia y romantica pureza. El sueño de Leonardo es un vuelo entre las nubes diseñado para descansar las extremidades en la comodidad de un sillon reclinable: el uso amplio del Moog para crear capas atmosfericas, el violin en crescendo, el piano y el fagot creando superficies tenues con toques de guitarra acustica derritiendolo todo, en una composicion espectacular de clasica belleza.
El sueño continua con “Cyber Alpha”, un viaje cosmico espacial donde los cuatro musicos muy estoicamente, no se rinden a la arrogancia de la electronica pura, sino mas bien al trio minimalista de la guitarra-bajo-bateria. Tecnicamente los riffs de Mussida bordean en las fronteras de la perfeccion y el uso espectacular del pedal del wah-wah: hay que escuchar para creer... la progresion en crescendo continuo de una guitarra en estado puro, complementada por un fondo de bateria y bajo progresante de Cioccio-Djivas que se derriten en un unico ritmo.
“Agua Azul” inicia con una pieza experimental, con escalas y teclados en la busqueda del espacio perdido, que es seguido por un seccion melodica similar a “La Conquista”. Como un riachuelo de agua que cae en cascada del acantilado al rio, el intrigante Violin conversa con la bataca de Franz Di Cioccio, y de ahi para unirse a un Moog de progresante intensidad, acicalando el ritmo hasta cerrar en un remanso oceanico de sinuosa calma.
“Nederland 1903” es como un cuadro de Van Gogh, musica diseñada en base a colores muy suaves y tenues, una pintura de la heterogeneidad de los estados de la imaginacion buscando impactar los sentidos con impresiones que se diluyen en divergentes interpretaciones propioceptivas. Talvez sea un homenaje a la voluntad Holandesa de reclamarle su tierras al mar. Recordemos el dicho "Dios creo al mundo, pero los Holandeses crearon a los Paises Bajos".
El album cierra con “Visioni di Archimede” para mi la mejor lograda de las rolas, con un sonido dinamico y variado, coloreado por la guitarra electrica ardiendo de ritmo, que juega en progresiones de fractalidad infinitesimal con un violin, un Hammond de gran alcance y un Moog a todas luces orgasmicamente espectacular. Este es PFM en su mejor y mas autentico momento. La guitarra contestataria parece decirnos de manera afirmativa que las visiones de Arquimedes son optimistas, no tanto en la confianza ciega en la ciencia como baluarte del progreso perpetuo de la humanidad, sino mas bien mediante la esperanza de la voluntad e imaginacion humanas, que no puede rendirse a las injurias del tiempo. Mussida y asociados parecen decirnos que la imaginacion es la fuente clave para abrir caminos y soluciones a los cambiantes imponderables del mundo humano, a traves de la potenciacion al maximo del mundo sensciente.
En conclusion, “Stati Di Immaginazione” es un album enorme de una PFM en la cumbre del paroxismo creativo, que con ocho rolas saturadas de vitalidad propositiva sin etiquetas y profundas raices progresivas que nos llevan de travesia por los inabarcables espacios de la imaginacion.
“Children of Men” (“Hijos/Niños del Hombre”), la pelicula distopico-futurista del director mexicano Alfonso Cuaron recien estrenada en los EEUU y Latinoamerica (tres meses despues que en Inglaterra por cierto) me ha dejado reflexionando ya por varios dias, por lo que la he puesto en mi pedestal de ciencia ficcion, junto a “Blade Runner” y “2001: Odisea del Espacio”.
Hay mucho que decir y discutir sobre el filme, por lo que aqui solo trazo unos pocos puntos, sin serme preciso discutir si la pelicula es altamente inverosimil o no, finalmente solo es la particular interpretacion de un director de cine de la novela cristiana de P.D. James enmarcada por una tesis de filosofia posmoderna (Slavoj Zizek, el filosofo Marxista Lacaniano, ha sido su asesor).
Para empezar, dire que me resulta fascinante esa falsa nostalgia politica tan del ’68, no solo por Jasper, el personaje Lennonesco magistralmente interpretado por Michael Caine, o por repetir “Ruby Tuesday” (interpretada por Franco Battiato) o por poner la fabulosa “Hush” de Deep Purple, sino mas bien por el simbolismo contenido en esa secuencia despues de que se oye la majestuosa "Court of the Crimson King", donde desde el ventanal de un penthouse decorado con el David de Miguel Angel y el Guernica de Picasso se ve la gran Estacion Electrica de Battersea con el “cerdito” rosa flotando entre dos chimeneas humeantes, un snapshot de la porcion izquierda de la portada del “Animals” de Pink Floyd. Este album de 1977 esta basado en el libro “Animal Farm” de George Orwell, que inspiro a Waters a usar animales para clasificar las clases sociales.
Tanto literalmente como metaforicamente, el filme esta salpicado en diversas partes por estas referencias simbolicas Orwellianas. Theo, el protagonista principal, mantiene relacion con “Pigs” (su aristocratico primo), “Dogs” (la policia y varias fuerzas en oposicion), y “Sheep” (el pueblo y la clase media levantada). No sorprende pues que haya un policia fascista que se llama Syd, amigo de Jasper (Syd Barret fue fragil y reclusivo).
La accion esta situada en el Londres del 2027, cuando la humanidad ya ha perdido la capacidad de procrear. Con una trama interesante, plantea que en un momento dado, todas las esperanzas de la humanidad residen en una mujer de la clase marginada llamada Kee, la cual esta embarazada. Se nos indica que “only Britain soldiers on” (el unico lugar del mundo donde impera cierto orden) pero que la isla es una zona de guerra permanente (EEUU se ha implosionado, y el “Sitio de Seattle, USA” ya ha entrado en el 1,000avo dia). Tanto el aire como el agua estan ya muy contaminados. Diversos cultos y sectas han aparecido, tales como los Renunciantes (que se auto-flagelan), y los Arrepentidos (grupos que se arrepienten en publico). El gobierno (para gran beneficio de las omnipresentes farmaceuticas) promueve un “kit suicida” llamado latinizantemente Quietus, para consumo de los viejos y el populacho ya desperanzado. Una muestra del uso intensivo de propaganda y mercadotecnia efectivista de parte del sistema totalitario tal como se aprecia en el filme puede ser vista en este link, cortesia del estudio de diseño londinense Foreign Office.
El escenario resultante del impacto global de la infertilidad humana es planteado bajo una doble tesis. La primera es que con el estancamiento de la natalidad humana, el sistema capitalista cae estrepitosamente (no es posible crear mas demanda en terminos absolutos, y por lo tanto todo crecimiento economico es solo relativo), y que con excepcion de la isla britanica, el resto del mundo esta practicamente destruido o sobrevive en total anarquia.
Sobra decir que la pelicula no explica porque unicamente Inglaterra ha sido capaz de mantener el “orden”, por lo que uno puede empezar a hacer ciertas suposiciones, por ejemplo suponer que Inglaterra se salva en el corto plazo por ser una isla relativamente pequeña, un sistema cerrado capaz de mantener empleada a los ciudadanos britanicos, y con los recursos (por ejemplo, controlando los fondos financieros acumulados por la City a cambio de mantener segura y contenta a la plutocracia) para imponer un orden economico ciertamente minimalista pero comparativamente viable en el corto plazo.
Esto deriva en un segundo planteamiento, que sostiene que las condiciones minimas (Novus Ordem Seclorum?) solo puede garantizarlas un estado represivo y discriminatorio, capaz de regular el flujo de inmigrantes y refugiados que escapan del continente europeo hacia la isla. Los inmigrantes ilegales con pie en la isla son considerados enemigos de primer orden y son inmediatamente dispuestos en campos de concentracion. El maltrato a los inmigrantes indocumentados se muestra como el contexto de fondo de manera permanente a lo largo de la pelicula. Los “fugees” (o “fugitivos”) como se les llama en la pelicula son arreados, golpeados, enjaulados en practicamente cada rincon de la ciudad frente a la mirada indiferente de los ciudadanos britanicos.
En el libro original de P.D. James, la figura del Dictador de Inglaterra (the Warden of England, que no es mencionado en el filme) justificaba su autoridad con referencia a un futuro, un futuro cercano e irreversible que ya esta llegando, prometiendo seguridad y el status quo, y demostrandole al pueblo sus esfuerzos para garantizarlos. De hecho, es por la imposibilidad de un futuro a largo plazo que el gobierno puede justificar sus politicas racistas y brutales, ya que como no hay futuro nadie podra juzgarlo ni hacerlo rendir cuentas, y por ende, el pueblo ingles acepta sin chistar sus politicas. El gobierno cree estarle haciendo un beneficio a la poblacion al generar empleos burocraticos, apoyar a las pocas corporaciones en operacion, y preservar el orden y los ultimos vestigios de la civilizacion.
“Los Hijos/Niños del Hombre” es indudablemente un fuerte filme politico con claras alusiones al contexto de la actual “guerra contra el terror”, donde la dinamica social es planteada como un juego dialectico que solo crea division y mas caos. Un grupo de ciudadanos denominado los Fishes mantiene una lucha de resistencia contra las autoridades, buscando derrotar al ejercito y terminar la opresion contra los inmigrantes. Sin embargo, vemos a estos insurgentes de “izquierda” (por llamarlos de alguna manera) asesinando brutalmente gente del pueblo y matandose entre si en persecucion de dudosos intereses e ideales conflictuados. Desde un principio, los “Fishes” han escondido y protegido a la mujer embarazada con la intencion de llevarla sana y salva hasta el “Human Project”, un grupo cientifico altruista que pretende encontrar una cura al problema de la infertilidad humana. Sin embargo, el grupo se torna indeciso sobre las ventajas de entregar a Kee, y se discute el no hacerlo, lo cual genera profundas diferencias entre los Fishes, ocasionando que parte del grupo mate a su propia lider e intente secuestrar a Kee para su propio beneficio.
En este sentido, el filme trata de no caer en lo dogmatico, y a diferencia del libro de P.D. James, los elementos proclivemente religiosos han sido eliminados (aunque el filme siga siendo una version ampliada de la natividad cristiana). Aun asi, dada la carencia de explicacion explicita en el filme, me parece que no puede hacerse una interpretacion objetiva de esta pelicula, sino que entonces cada quien vera lo implicado por las imagenes -desde y a traves de- un filtro diferente, y como resultado, cualquier juicio sobre el filme debe situarse en un terreno neutral.
Por lo mismo, el foco se pone en unos pocos protagonistas neutrales (representando a la humanidad, a ti, a nosotros) luchando por la supervivencia en un mundo plenamente descarriado (i.e. las ideologias tradicionales ya no ofrecen seguridad en un mundo asi), haciendo hincapie en que la VERDAD (i.e. esperanza, salvacion), no esta en la izquierda o la derecha sino que esta amenazada por estas ciegas fuerzas del poder en enfrentamiento (la verdad -segun el filme- yace en un punto medio, representada por una inocente bebita bautizada con el nombre de Dylan!)
El personaje de Clive Owens, Theo, una especie de Jose del siglo XXI, puede conceptualizarse como el eje moral de la pelicula. El representa a los dos lados de la misma moneda, habiendo sido activista previamente, y ahora burocrata del Ministerio de Energia. Al parecer, Theo no tiene agenda preconcebida alguna, solo decide hacer lo moralmente correcto (con un empujoncito de su ex-esposa), que es proteger a la madre (i.e. el equivalente de Maria) y salvar a la bebita para llevarla a manos de investigadores que pueden resolver el problema de la infertilidad humana.
No se me escapa la sutil critica a las generaciones sesenteras, las mismas que participaron en el movimiento hippie pro-comunitario y ecologista, o que al menos disfrutaron del auge del rock progresivo (la generacion es llamada los “baby boomers” aqui en los EEUU), y que aqui se convierten ipso facto en principal responsable de la hecatombe ecologica (y genetica) retratada. Por implicacion, la pelicula talvez nos recrimina por ser una generacion que mantuvo una variedad de perspectivas sociales contradictorias e inconsistentes: relativismo moral a raudales(no es curioso pues que la mariguana siga prohibida mientras la droga suicida Quietus se venda sin prescripcion), pacifismo en rebanadas, superficialidad verde-ecologista, y que sigue queriendo ser pretendidamente radical pero que mas bien se queda en el paroxismo eclectico, en otras palabras indecisa, comprable, aburguesada y decididamente utopica.
Ahi esta el primo de Theo, un adinerado alto oficial del gobierno y coleccionista de arte. Este personaje usa su fortuna para crear una burbuja esteril que lo aisle del caos, un paraiso artificial que le “evite” pensar en la realidad del mundo. De la misma manera, a pesar de su amabilidad, inventiva y humor, rasgos todos ellos positivos, el personaje de Michael Caine –Jasper- tambien es un espejo del coleccionista, un excentrico aislado que usa su jardin de ganja para olvidar su destino en total seclusion del caos, que concientemente ignora la realidad. Ambos estan solos, Jasper junto a su comatosa esposa y el otro con un hijo en estado cuasi-vegetativo. Aunque finalmente Cuaron se compadece de si mismo (tiene 45 años) y de manera redentoria propone que representantes de todas las clases (el primo aristocrata, el policia fascista, la gitana romana, Jasper) sean finalmente quienes colaboran entre si para llevar a Kee a las manos del altruistico Human Project.
En resumen, Cuaron nos brinda en este excelente filme la ilusion de que incluso el mundo desarrollado puede converger en un futuro decadente y talvez irreversible, y simultaneamente nos recuerda a todos cual debe ser la prioridad de la humanidad.
A continuacion la lista de mis albumes favoritos de rock progresivo del año 2006, en ningun orden premeditado. Entre lo mas relevante estan The Mars Volta, White Willow, Pure Reason Revolution, Agalloch, Green Carnation, Nebelnest, Thinking Plague y La Maschera di Cera.
Fue un año interesante, con la emergencia de nuevos grupos jovenes inspirandose en el rock progresivo como Pure Reason Revolution , con una fuerte presencia mediatica del prog metalico con grupos como Van Den Plas y Agalloch, asi como la maduracion de grupos RIO de altisima complejidad como Thinking Plague.
Prog Metalico: Green Carnation – Acoustic Verses Agalloch – Ashes Against The Grain Van Den Plas -- Christ.0 Zero Hour - Specs Of Images Burnt Beyond Derek Sherinian - Blood Of the Snake
Prog Comercial: David Gilmour -- On An Island Tool -- 10,000 Days The Mars Volta - Amputechture Pure Reason Revolution - The Dark Third Muse - Black Holes And Revelations
Prog Sinfonico: Flor De Loto - Flor De Loto Areknames - Love Hate Round Trip White Willow - Signal To Noise La Maschera di Cera - Lux Ade Hackett, Steve - Wild Orchids
Finalistas: The Flower Kings – Paradox Hotel, The Tangent: A Place In The Queue, Magenta - Home/NY Suite, Sylvan – Posthumous Silence, Frost - Milliontown
Avant/RIO: Thinking Plague – A History Of Madness Hamster Theater – The Public Execution Of Mr. Personality/Quasi Day Room Kayo Dot – Dowsing Anemone With Copper Tongue Nebelnest - ZePTO Univers Zero - Live
“Ink Compatible”, lanzado hace un par de años, fue el segundo album de la banda de rock progresivo metalico estadounidense Spastic Ink. Se trata de un increible viaje al extremo de la virtuosidad instrumental. Ron Jarzombek (ex-Watchtower) es simplemente, y sin lugar a dudas, el guitarrista tecnico mas –inserta aqui los correspondientes superlativos- virtuoso en el planeta. Como en su primer album, “Ink Complete”, la banda esta formada por Ron Jarzombek en la guitarra, Bobby Jarzombek en la bataca, y Pete Perez en el bajo.
Su primer album, “Ink Complete” fue un ejemplo inusual de rock progresivo instrumental ya que contiene una interpretacion de la partitura musical de la pelicula Bambie, de Disney. Pero la banda no solo interpreta la musica sino que tambien traduce el dialogo de los personajes al lenguaje musical.
Aqui incluyo el video que diseñaron para demostrar que la musica esta perfectamente sincronizada con la pelicula. Disfrutenlo, es simplemente fantastico.
Brian Eno demuestra porque es uno de los artistas vivos mas visionarios e imaginativos del mundo, no solo musicalmente sino tambien visualmente. Parece que Brian Eno acaba de inventar una formula para ir desplegando lentamente 77 millones de permutaciones de “Pinturas Luminosas” por medio de un software, que ademas combina al azar rolas ambientales de manera que tampoco se repitan.
Lo mejor claro esta, es que (en un futuro) uno podra colocar un LCD plano en una pared de la casa y nunca aburrirse de tener que ver la misma pintura todos los dias (no se si sea posible acostumbrarse a oir la musica ambiental de Eno de forma permanente, pero afortunadamente eso en cambio se puede arreglar muy facilmente desconectando los speakers).
Las noches en las que se me atraviesa el estres y el insomnio suelo distraerme y relajarme completamente gracias a la fidelidad de mis audifonos Sennheiser y la musica ambiental de Steve Roach.
Hace unos dias obtuve su nuevo DVD, “Kairos: The Meeting of Time and Destiny” (el trailer puede ser visto aqui), un caleidoscopio visuosonoro de luz, paisajes, animaciones y patrones digitales hechos por computadora, donde la musica sigue a la imagen, y la imagen sigue la complejidad de la naturaleza. La musica no se acerca a la shamanidad tribalistica del "Earth Island", ni a la primitiva sonoridad prehispanica de mi preferida "Forgotten Gods" (Roach, Saiz y Reyes, tambien llamados Suspended Memories), o al fabuloso "Dreamtime Return" con Roach en el Didjeridu, pero la intensidad visual es magnifica y compensa la destemplada tesitura musical de este album.
Contemplar este DVD me recordo el lema de mi blog, la realidad autopoietica:
“Why do emergent selves, virtual identities, pop up all over the place creating worlds, whether at the mind/body level, the cellular level, or the transorganism level?
El fenomeno Autopoietico es algo tan productivo que no cesa de crear realidades totalmente nuevas: vida, mentes, sociedades.
Ozric Tentacles representa talvez la historia de exito mas interesante de entre las bandas de rock progresivo mas activas en los 80s y 90s. La banda emergio del circuito de festivales psicodelicos Britanico de a mediados de los 80s, y se le recuerda sobretodo por sus tocadas en el festival de Stonehenge (festival por cierto famosamente clausurado por la policia para prevenir que el Solsticio de Verano se convirtiera en dia feriado), compartiendo escenario con Hawkwind, The Orb, The Levellers y Zion Train, entre otros.
Ozric Tentacles se inspiro en la fusion psicodelica de Gong de los años 70, introduciendo al rock progresivo elementos como experimentacion electronica, minimalismo, y varios estilos etnicos, siguiendo los pasos de la revolucion post-progresiva iniciada con el album Discipline de King Crimson. El periodico Sun Times de Chicago los llama de manera reduccionista el eslabon perdido entre Grateful Dead y Moby.
Se puede observar un fuerte paralelo entre la orientacion de Ozric Tentacles y cualquiera de las bandas psicodelicas de finales de los 60s en un numero de niveles. En ambos casos, las bandas sirvieron entre un nexo de la cultura psicodelica dedicada a la expansion de la conciencia; ellas dependian economicamente de un pequeño numero de clubs que les daban cobijo y de la presentacion de “jams” informalmente organizados; y sobre todo, ambas creaban musica en directo para la subcultura de la que eran parte, y en ningun caso para las masas manipuladas por la industria discografica.
La dependencia de la banda a la industria era tan minima que de hecho sus primeros seis albumes fueron cassettes grabados y vendidos por ellos mismos en sus conciertos: “Erpsongs” (1985), “Tantric Obstacles”, “Live Ethereal Cereal”, y “There is Nothing” (todos en 1986), “Sliding Gliding World” (1988), y “The Bits Between The Bits” (1989). Por cierto, lo mejor de este material esta disponible en el doble CD “Afterwish” editado pro Dovetail Records en 1991.
Su primer album formal fue “Pungent Effulgent”, publicado por Dovetail Records, seguido por “Erpland”, “Strangeitude” y “Live Underslunky”. En 1993 Ozric Tentacles logro con “Jurassic Shift” su primer album con una distribuidora de renombre (IRS), que fue seguido por “Arborescence” (1994) y “Become The Other” (1996).
Ozric Tentacles ha estado conformada en varios momentos por dos guitarristas (simultaneos), dos tecladistas, dos percusionistas, y un bajista. Sin embargo, el corazon de la banda lo formaron los hermanos Wynne, Ed (guitarra) y Roly (bajo), y el tecladista Joie Hinton, a quien conocieron en el festival de Stonehenge en 1983. Los tres compartian un especial interes en la musica etnica de otros paises del mundo, especialmente la Asiatica. Hinton visito la India en 1983, y Ed Wynne recorrio Tailandia durante los tres mas calurosos meses del año 1987.
La musica etnica (i.e. no-europea) ha sido un factor vital y constante en la musica de Ozric Tentacles. La influencia oriental se nota en el uso de instrumentos de cuerda asiaticos y en la permanente percusion quasitribal, asi como cuando usan el sintetizador para sugerir el sonido metaloide de los tambores Javaneses. Sin embargo, a pesar del sabor fuertemente etnico de la musica de Ozric Tentacles, la banda esta solidamente fundamentada en el estilo psicodelico/acido del jazz-rock de finales de los 60s y principios de los 70s a la usanza de Gong, y en ocasiones Soft Machine.
Si la musica de Djam Karet representa una extension del minimalismo atmosferico de Fripp y Eno, entonces la musica de Ozric Tentacles sugiere la extension de un minimalismo lineal ritmicamente energizado de la escuela de Reich/Riley/Glass, si bien mediado por el rock psicodelico de Canterbury.
Lo que uno oye generalmente son patrones musicales en hipertempo (i.e. tiempos hiperacelerados), que tipicamente se repiten del principio al fin de la rola, ocasionalmente interrumpidos por preludios y postludios arritmicos del sintetizador. A esto se le añade una capa de patrones muy sincopados de bajo muy amplificado, una bataca en acelere y muchas percusiones, y por supuesto, la guitarra de Ed Wynne, que guarda estrecha semejanza a la de Steve Hillage, guitarrista de Gong a mediados de los 70s. La variedad la crean al introducir y luego quitar diversos instrumentos, por ejemplo un segundo teclado o guitarra, o añadiendo una percusion adicional, flautas, sonidos de animales y otros efectos sonoros, asi como solos instrumentales en diversas partes de las piezas.
Incluso en sus ultimos dos albumes, “Spirals in Hyperspace” y “The Floor’s Too Far Away” hacen uso extensivo de sonidos tecno-electronicos modernos para inducir a sus audiencias al psicotrance. Y hay una especie de conexion inconsciente entre la banda, su audiencia y la gente neo-bohemia que suele frecuentar los cafes de cuaquier ciudad. La musica de Ozric Tentacles atrae a un publico disperso, intelectual y curioso, aquel que esta en busqueda del abandono y la trascendencia espiritual que solo puede darles una tocada de los Ozric sentados en un comodisimo sofa. Y desde ahi, la hipnotica banda nos llevara de la mano por una larga caminata espacial.
Ozric Tentacles representa de manera especial a ese pequeño grupo de bandas de rock post-progresivo que han logrado fusionar exitosamente fuentes minimalistas, etnicas y electronicas dentro de un contexto de “acid” rock progresivo, apuntando hacia lo que talvez sera el rock progresivo del siglo XXI.
El cierre este fin de Octubre del legendario club CBGB que dio los primeros aires de vida al punk en emergencia y dio oportunidad a un sin numero de bandas seminales de los 80s y los 90s me motiva a reflexionar sobre la llegada al fondo (o a la cumbre, como se quiera ver) del ciclo rockero. El famoso recinto llevaba el inocente nombre de CBGB & OMFUG, o “Country, BlueGrass, Blues and Other Music For Uplifting Gormandizers”. Aqui fueron bautizados los Ramones, Talking Heads, Television, los B-52s, Velvet Underground y Blondie (Deborah Harry, quien por cierto ha sido invitada junto a Patti Smith a dar la extremauncion), quienes dejaron huella memoriosa de la musica underground que fue creada aqui y que dieron reconocimiento a este escenario. Segun cuentan quienes lo vivieron a principios de los 80s, el ambiente rockero que se respiraba en el CBGB era innegablemente de la peor calaña (mala iluminacion, muebles dilapidados, muchedumbre claustrofobica y usualmente violenta, un apretado escenario, dos baños, el de hombres con un mingitorio de miedo y no me meo), pero tambien dicen que se experimentaba un sonido increiblemente excepcional (tanto en el escenario como para captarlo en grabaciones), y por supuesto la adrenalinica ansiedad anticipatoria de que en cualquier momento se estaria viviendo la propia historia musical del siglo. Las tribus que lo frecuentaban incluian tanto a los Mohawks, cabezas rapadas, rastafaris, y demas fauna pelo-identificable, como a vecinos y turistas que no necesariamente compartian los mismos ideales politicos, ya sean anarquistas, neoracistas, o simplemente los la clase obrera, pero todos juntos unidos y brincando a cabezaso batiente cuando la potencia cruda de los Black Flag, 247 Spies, Bad Religion, Rest In Pieces, Fugazi, The Dictators, The Stooges, MC5, o los Dead Boys retumbaba en las paredes cubiertas de graffiti del minusculo club newyorkino. La casi siempre argumentada dicotomia excluyente entre el punk y lo progresivo nunca fue tan simple como algunos criticos o fans quisieron verlo. El punk prefiere las rolas estructuralmente simples, los musicos sin escuela, y las letras politizadas. El prog tiende hacia las composiciones extendidas de complejidad, los musicos altamente entrenados y de plano virtuosones, y los enfoques liricos preminentemente metaforicos. En el mejor de los casos, ambos lados fueron serios tanto en su filiacion a temas filosoficos y sociales como en su fe en el poder emancipatorio de la musica.
Se asume comunmente que el movimiento punk era musicalmente manco, primitivo y carente de innovacion, dada la vasta evidencia de que muchos punks tocaban sus intrumentos pobremente. Rascandole un poco, los punk rockers de ranking eran mejores musicos de lo que pensamos, y los diversos estilos de la practica “punkera” no son tan facilmente adquiribles como seguramente lo asumiria el tipico musico progresista que domina su instrumento (pude constatarlo al presenciar la variedad de bandas que aparecen en el fabuloso documental de Susan Dinner “Punk’s not Dead”, recientemente presentado en el festival de SilverDocs, Maryland). Ademas de que el argumento peyorativo tambien se debilita, cambiando el contexto por un momento, si consideramos que nadie discutiria la musica de Bob Dylan en terminos de sus habilidades como guitarrista o como “instrumentista” de la armonica. En el contexto de la Guerra Fria, el punk (i.e. lo mejor del punk, que quede claro) compartia con el rock progresivo la idea de que habia cosas importantes que se podian decir a traves de la musica, pero fue mas directo y contundente que este, al menos en terminos publicitarios. Claramente, el rock progresivo a final de los setentas carecio de la urgencia y desesperacion necesarias para decir abiertamente lo que tenia que decir.
Por otro lado, el alarido punk carecio de cualquier concepcion multidimensional, y muy especialmente, de introspeccion redentoria. La negatividad radical del punk dio paso al cinismo, tan unidimensional como efimero, que su propuesta no dio pie a ningun cambio del sistema social. De la misma manera, la expansiva positividad radical del prog solo ofrecio un mesianismo utopico inutil, demasiadas flores y poco entendimiento de como funciona y se estructura la tensionante dinamica del poder.
En resumen, ya con la distancia de los años, se transparenta el que en realidad no habia una dicotomia ni una oposicion entre estas dos variantes musicales, sino una dialectica evolucionante muy productiva, un dialogo de extremos reflejando el espiritu de los tiempos.
Recordemos ahora mismo que el rock progresivo se recupera y energiza en creciente, y el punk se comoditiza y cae asfixiado por los afanosos avances del Hip Hop y del Regaetton como formula de entretenimiento de la clase trabajadora, que este preciso momento historico que vivimos es solo una instancia del incesante ciclo creativo e incierto del rock, arte al fin y al cabo que participa de las distintas percepciones de lo que significa vivir en este mundo.
Nadie puede predecir cuales seran los lenguajes y discursos del pasado que continuaran acompañandonos, pero es dificil para mi imaginar que el punk y el prog seguiran siendo los extremos en (aparente) discordia, y mas bien habra mas puntos de convergencia. Muchas variantes musicales estan siendo experimentadas ahora mismo, por ejemplo la interesante combinacion del hardcore, el jazz y el prog (i.e. The Mars Volta), y habra que ver que traeran los jovenes mas romanticos de la generacion YouTube que aprecian el Math Rock (eg. Don Caballero), el Garage Rock (eg. The White Stripes), el punk-prog (The Cardiacs), el Emo Rock (eg. Coheed and Cambria), o cualquiera otros subterfugios post-rockeros de miedos y pasiones, especialmente ahora que la globali-complejizante realidad de inicios del siglo 21 multiplica por cero las aspiraciones de la clase media (al menos en la parte “occidental” del mundo).
Hace algunos meses hice un posteo aqui sobre Riverside, el grupo polaco de prog metalico que mas estuvo sonando el año pasado. Ahora toca el turno de presentar a Indukti, otra banda polaca de altura, de quien se habla bastante por estos dias, sobre todo porque fue invitada a participar en los proximos festivales NearFest 2007 y Baja Prog 2007. Con tantas expectativas compre su album debut hara unos cuatro meses, y debo confesar que no me ha decepcionado, si no que al contrario, se ha convertido en uno de mis grupos preferidos y mas escuchados, por encima de Tool, TMV y Dream Theater.
La razon es que la musica de Indukti es verdaderamente hipnotizante, transportandonos a una dimension imaginaria de tension y suspenso insospechados. Si alguna vez has visto Solaris, la deslumbrante pelicula de ciencia ficcion de Tarkovsky basada en la novela de Stanislaw Lem, pensarias que esta musica describe exactamente lo que se sentiria al entrar al misterioso ambiente de ese planeta que mantiene una inteligencia mistica con propositos ocultos e ininteligibles.
El talento de este grupo instrumental es impresionante, pero preparate un momento a solas, pues mientras dura es un viaje estrujante, no apto para cobardes. Las rolas son largas, bien estructuradas y habilmente arregladas, talvez vez con toques del “Vermod” de Anekdoten intermezclados con los brillantes riffs al mejor estilo de Tool y el King Crimson de "Red" y "Thrak". Los instrumentos son tocados a la perfeccion, dominando sobretodo las guitarras y el fabuloso violin psicodelico. Un arpa mistica proporciona el color emocional y el tono esperanzador en la desquiciada busqueda de la salida para escapar de este laberinto.
Indukti esta formado por cinco musicos de conservatorio de amplia experiencia en el circuito progresista polaco, comandados por Wawrzyniec Dramowicz. En sus tres años de existencia, se ha dado a conocer en conciertos en festivales de su natal Polonia, en Alemania y en Inglaterra.
Su primer album, S.U.S.A.R. demuestra que son una banda hiper-moderna con un estilo original y potencia que recuerdan al mejor Tool, Meshuggah y en partes a King Crimson.
La mayoria de las siete rolas de S.U.S.A.R. son instrumentales. El violin se escucha junto sino es que encima de las guitarras y la tremenda bataca. La dinamica normalmente es iniciada por el arpa o el violin, continuando por el trabajo en duo de guitarras, el bajo riffeante y una dinamica bataca que construyen una barrera sonora que culmina estrujantemente en un largo climax sonoro que termina postrandonos ya vencidos y atosigados. En “Freder”, la primera rola instrumental que inicia y termina con el arpa el ciclo climatico antes descrito, con acompañamiento en la mitad del arreglo de las maravillosas vocalizaciones del invitado Mariusz Duda, el conocido vocalista de Riverside. La rola demuestra la calidad tecnica y virtuosismo de los musicos asi como la excelencia en la composicion. La segunda pieza, “Cold Inside…I” introduce la extraordinaria voz del cantante de Riverside, que siempre ofrece un tono tranquilizante al compas de guitarras, arpa y violin, a medida que se eleva el vaiven de la miriada de olas sonora que experimentaremos a lo largo del disco.
“No. 11812” es un instrumental en creciente, nos encontranos navegando en un rio fluyente hacia un destino misterioso, el violin alertando sobre peligros escondidos en una zona de rapidas y violentas aguas rompientes sobre grandes rocas, una tras otra por casi siete minutos, urgiendonos desesperandamente a una salida.
Esta viene en la siguiente rola, “Shade”, basicamente un falso remanso de calma construido con la bella voz de Duda, quien nos consuela diciendonos “you can, there’s nothing I can do, but if I know enough to turn your fate, I will try”.
Esta parte, como alguien ha ya comentado, suena tan emocional como el “Judgement” de Anathema, pero a diferencia de ese album, cuyas rolas son mas estables y condescendientes, la tension precipitante en S.U.S.A.R. nunca cede, seguimos en la montaña rusa (o mejor, polaca!) agarrados prensilmente de nuestros asientos porque el viaje sigue y sigue. La sombra del espíritu y el temblor del paisaje son mas exasperantes que el que debe haber vivido Ulises en su Odisea.
“'Uluru” es una pieza instrumental muy metalica, con ligeros tonos goticos y sonidos que semejan a un Didjeridu australiano, una combinacion pesada de guitarras martilleantes y tambores tribales imparables muy al estilo Javanesco del compadre Danny Carey (Tool), acompañados por grandes dosis del brillante violin paganinesco de Ewa Jablonska.
La sexta rola, “no. 11811” es otro instrumental Crimsoniano con un brillante y paroxistico trabajo de violin, donde la banda inicia con la que talvez sea la melodia mas encantadora y down tempo de todo el album, talvez una metafora de que ya se vislumbra el final del camino, aunque es solo un espejismo, pues aun no exentamos del estrujante vaiven del terreno.
S.U.S.A.R. termina con “And Weak…II”, la rola mas larga de casi 10 minutos de duracion, que es continuacion de la segunda rola “Cold Inside…I”. Abre con arpa y siguiendo la misma pauta en creciente, da entrada al excelente trabajo del bajo, la pared de sonido estrujante que finalmente se desvanece hacia el minuto 7, ya en aguas tranquilas (casi una poza, nos dicen las magica notas del arpa de Anna Faber), en un largo descanso muy mercedor.
En pocas palabras, S.U.S.A.R. es una obra maestra dificil de igualar. Esperamos con ansia el segundo album, que debera brillar como una bengala de escala universal para superar este album. Es un fabuloso debut para una banda que recomendamos ampliamente a todos los seguidores del prog metalico (en especial los de Tool), a los amantes del rock eclectico complejizante tipo Anekdoten/K. Crimson y del rock psicodelico/espacial creador de paisajes imaginarios de alta tension.
Decia Krishnamurti que la madurez solo se manifiesta cuando se logra un amplio y profundo conocimiento de uno mismo, deviniendo en seriedad.
“On The Island”, el tercer album en solitario de David Gilmour, me parece esa fruta que maduro todo el verano, sufriendo lluvia, sol, tormentas, dias nublados y frios, y que despues de sondear estas adversidades ya esta lista para caer el proximo otoño.
El año pasado tuve ya ese presentimiento mientras escuchaba sus etereos solos de guitarra en “Return To Tunguska” en el album de Alan Parsons “A Valid Path”, un disco de musica electronica lleno de tambores polirritmicos (y en donde por cierto figura el Colectivo Nortec con la maravillosa rola “Tijuaniac”).
En su anterior album solista “About Face”, aparecido hace ya 22 años, Gilmour develaba ya una profunda confusion personal, siendo este una mezcolanza de estilos y sabores que, que incluia un par de rolas destiladas directamente de “The Wall”, una balada predecible (“Out of The Blue”), una mas bien acustica (“Cruise”), una mas que haria bailar a Travolta (“Blue Light”), y otra (“Let’s Get Metaphysical”) donde el solo de Gilmour es acompañado por una enorme orquestra sinfonica.
La propuesta de “On The Island” es naturalmente otra, mostrandonos a un hombre que esta contento con su vida. Escrita junto con su esposa Polly, la lirica es una meditacion muy personal concentrada en los aspectos realmente importantes de la vida – el amor, la familia, la satisfaccion – nada que tenga que ver con el exito en terminos financieros. De hecho en “This Heaven”, Gilmour nota que "life is much more than money buys, when I see the faith in my children's eyes...".
El trabajo de guitarra en “On The Island” es evocativamente transportante, con varias capas que se van revelando en unas pocas escuchas, acompañada de efectos, sonidos y vocalizaciones muy delicadas.
El album se va construyendo gradualmente empezando con “Castellorizon”, una brevisima metafora del arribo a la isla, sonidos de olas, gaviotas chillando sobre nuestras cabezas, el solo de Gilmour poniendo enseguida el tono que seguira el resto del album.
El segundo track, “On an Island” se siente y se disfruta como la relajante brisa fresca en una mañana de otoño, fluyendo como la marea casi sin darnos cuenta, el Hammond de Richard Wright y las suaves voces de fondo de David Crosby y Graham Nash acompañan la excelente guitarra. “The Blue” es una rola tan romantica como soporifera, que deja abierto el puente para “Take A Breath”, la mas fuerte y energetica del album.
“Red Sky At Night” es una corta pero muy dulce rola instrumental donde Gilmour muestra sus magnificos dotes como saxofonista, realmente recomendable.
“This Heaven” es una bluseante rola donde Gilmour se regodea con las bendiciones que le ha dado la vida, cantando a viva voz su alegria, una segunda guitarra haciendo la melodia y el Hammond al contrapunto.
La rola instrumental que sigue “Then I Close My Eyes”, es estructuralmente simple pero con una calidad de matices que nos transportan a reconditas profundidades emocionales. Acompaña Robert Wyatt en la trompeta.
El antepenultimo track, “Smile” una baladita suavecita con guitarra acustica es seguido por “A Pocketful of Songs” una melodica rola donde la mano del compositor Zbigniew Preisner en las etereas orquestaciones llevan la voz de Gilmour a flotar efectivamente por los aires.
El album termina con una cancion a su esposa Polly, probablemente la rola mas romantica que haya escrito jamas en su carrera.
Esta es una obra madura y bella, brotante de sentimiento y sin una pizca de angustia. Un trabajo de calidad no apto para exclusivistas del rock progresivo metalico que definitivamente sella el lugar historico de Gilmour como el integrante de Pink Floyd con la mejor estetica.
El rock progresivo metalico surgio a finales de los 80s (Queensryche, Fates Warning) y crecio en la primera mitad de los 90s, con bandas como Anathema, Threshold y Dream Theater. Sin embargo, apenas es en esta decada cuando este genero se ha convertido en el favorito de la nueva generacion progresiva.
Si ya has oido a alguna de estas bandas, entonces ya debes estar familiarizado con el rock progresivo metalico (o metal-progresivo). El rock progresivo metalico combina elementos del “heavy metal” como un sonido centrado en guitarra distorsionada muy amplificada y bateria, ritmos complejos y solos exhuberantes con elementos “progresivos” como teclados “sinfonicos”, compases irregulares y composiciones tematicas extendidas. Cada uno de los grupos arriba mencionados usa estos elementos a su manera, pero si en algo se parecen es en que los musicos suelen ser muy virtuosones, las composiciones son muy melodicas acompañadas frecuentemente con sintetizador en contrapunto, y la constante presencia de largos pasajes instrumentales que casi siempre incluyen solos de guitarra que hubieran asombrado a Don Andres Segovia. Aun asi, debido a que el rock progresivo metalico siempre esta “buscando” un nuevo sonido y simultaneamente lo esta incorporando al tocarlo, suele ser un tanto dificil compararlo o describirlo.
Rush es sin lugar a dudas el progenitor del rock progresivo metalico, por haber combinado elementos progresivos de Yes y ELP directamente con elementos del hard rock. No sorprende entonces que practicamente todas estas bandas citen a Rush como su influencia mas importante. Rush empezo a tocar a mitad de los 70s un rock “progresante” (“Caress of Steel”) y unos años mas tarde cambiaron a un estilo netamente progresivo (“Hemispheres”), para despues en los 80s decantar hacia un sonido “progresivo pesado” en los albumes “Permanent Waves” y “Signals”, que fue el sonido basico que tomaron los grupos que les siguieron. Otras bandas notables que seguramente influyeron en el genero fueron Uriah Heep, Rainbow, Deep Purple y Judas Priest.
El rock progresivo metalico aparecio primero en Seattle, cuando presionados por la emergencia del Grunge, Queensryche incorpora elementos progresivos para dar a luz “Operation:Mindcrime” en 1988, un album conceptual muy bien escrito. El mismo año, Fates Warning logro un nivel de abstraccion aun mas alto con “No Exit” y el año siguiente con “Perfect Symmetry”, donde el vocalista Ray Alder ilustra a viva voz los infiernos psicopaticos. Varias bandas americanas como Magellan y Shadow Gallery surgieron en 1991 impulsadas por la distribuidora Magna Carta, que despues se covertiria en un fuerte pilar para esta corriente.
Casi diez años despues de Rush en el 92’, Dream Theater, la banda americana de musicos prodigiosos saco el album “Images and Words”, que se convirtio en la punta de lanza del “nuevo” rock progresivo metalico, que arranco la “tercera ola” progresiva de los noventas. Dream Theater cimento su nombre en los anales de la musica progresiva con “Scenes From a Memory”, la primera obra maestra conceptual del genero, que le ha permitido vender millones de discos ya en este milenio.
Con la inercia del exito de Dream Theater, varias bandas americanas empezaron a experimentar con variantes mas tecnicas del rock metalico como las creadas por los insanos orates de Watchtower. Otros grupos como los suecos Pain of Salvation y Opeth, los ingleses Anathema y Threshold, los americanos Symphony X y Spastic Ink, y el holandes Ayreon son algunos de los brillantes exponentes del genero que no han parado de expandir las fronteras musicales desde los 90s.
Sin embargo, debido a asuntos legaloide-economicos con las distribuidoras, la “resurgencia” del rock progresivo via la variante metalica en los 90s se dio con mayor fuerza en Europa y Japon, donde existen una impresionante variedad de bandas, y es apenas en esta decada que nuevas bandas empiezan a ser consideradas y demandadas en los Estados Unidos.
Un ejemplo de lo anterior es el gran exito comercial que ha tenido Tool, talvez la banda de rock progresivo metalico mas importante en los EEUU en lo que va de esta decada, que ha vendido millones de ejemplares a pesar de una produccion raquitica (3 albumes en 10 años). “Lateralus” es una de las ultimas obras maestras innovadoras del genero, tan cerca de la perfeccion como pueda uno imaginarse, con influencias del Grunge y usando compases irregulares y asimetricos kingcrimsonianos, ritmos tribales y mantricos, guitarra, bajo y bataca sublimemente articulados en una sucesion de acordes armonicos y sus correspondientes compases contrapuntisticos siguiendo una paroxistica secuencia de Fibonacci.
Hoy por hoy, los musicos amateurs tienen mas esperanza de encontrar el exito y reconocimiento comercial - sin comprometer su integridad artistica - en el rock progresivo metalico que en ningun otro estilo progresivo. El reciente incremento en ventas (i.e. la distribuidora alemana InsideOut por fin abrio una oficina en EEUU -New Jersey) y la emergencia de las bandas polacas Riverside e Indukti, demuestran que el genero esta experimentando un “segundo aire”, principalmente debido a que el mercado mainstream ya “entiende” esta musica. Tambien preguntele a Steve Wilson el porque de la gradual “metalizacion” de su banda Porcupine Tree!
Sin embargo, aunque el rock progresivo metalico sea el medio principal a traves del cual se esta dando a conocer la musica progresiva en estos dias, el oleaje de otras variantes de rock progresivo sigue en pleno flujo transformante y en su momento pueden aparecer abruptamente en escena e impulsar nuevos rumbos insospechados.
