IQ y los 25 años de "The Wake"

 

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Ya estamos a mediados del año 2010… y parece mentira que ya estemos en las bodas de plata de uno de los clásicos indiscutibles de la primera hornada neo-progresiva surgida en la escena undergound británica en medio del auge de otras vertientes musicales mejor recibidas por la industria musical como el new wave, el heavy metal, el tecno-pop y el post-punk. Nos estamos refiriendo a “The Wake”, segundo larga duración oficial de IQ, disco publicado el 10 de junio de 1985 (aunque su publicación estaba planeada para una semana antes). Ya en este momento, la banda contaba con un copioso repertorio que iba más allá de este long play y el anterior “Tales From The Lush Attic”, pues también contaban con singles y maxi-singles independientes además de un primer casete de circulación limitada. Aunque su estilo musical no tiene un hermanazgo Genesiano tan pronunciado como el que entonces ostentaba otro quinteto llamado MARILLION (la banda más exitosa comercialmente de esta hornada), no faltan razones para señalar a la dupla de “The Wake” y el “Misplaced Childhood” de Fish & co. como sendos hitos simultáneos para el afianzamiento del progresivo sinfónico post-70s.

   

“The Wake” fue señalado por Goff Mann (prolífico músico y artista visual que fungió como frontman de TWELFTH NIGHT durante sus años más fabulosos de carrera musical) como su disco favorito de IQ, y esta opinión fue compartida por muchos conocedores de la banda dentro de su círculo de culto. Con todo, este triunfo artístico se vio prontamente eclipsado por la dramática salida voluntaria del cantante y letrista Peter Nicholls de las filas de IQ. El hecho es que desde hacía un año que se generaron tensiones en el seno de IQ, y si bien este ambiente recargado pudo haber sido un motivador inicial para la creación de sólidos climas oscuros en la composición y arreglos del repertorio de “The Wake”, las cosas llegaron hasta el máximo sostenible tres meses después de la edición del disco. Antes de este hado (momentáneamente) fatal, el grupo ya contaba a inicios de marzo del año 1984 con tres canciones casi completas y presentadas al público en varios conciertos, mientras que otras dos estaban muy avanzadas en tránsito hacia las versiones que hoy por hoy conocemos de sobra a fines de ese mismo año. Antes de ponerse a grabar el disco en sí, el quinteto entró a los Cava Studios de la localidad escocesa de Glasgow en setiembre de 1984 para grabar las versiones de single y de maxisingle de ‘Barbell Is In’ (una amena canción en clave de tecno-reggae que para nada representa la esencia del grupo… excepto su buen humor), junto a la siniestra ‘Dans Le Par Du Chateau Noir’ (estupendo anticipo del clima general que luego se impondrá en “The Wake”) y la exultante ‘Just Changing Hands’ (tremendista elegía a las mujeres víctimas de la violencia doméstica). También se aprovechó la ocasión para grabar maquetas iniciales de ‘The Magic Roundabout’ y ‘The Thousand Days’. “The Wake” se grabó en los meses de marzo y abril de 1985 en los Falconer Studios de Londres, bajo la labor de coproducción del guitarrista Holmes y el bajista Esau. 

“The Wake” fue señalado por Geoff Mann (prolífico músico y artista visual que fungió como frontman de TWELFTH NIGHT durante sus años más fabulosos de carrera musical) como su disco favorito de IQ, y esta opinión fue compartida por muchos conocedores de la banda dentro de su círculo de culto. Con todo, este triunfo artístico se vio prontamente eclipsado por la dramática salida voluntaria del cantante y letrista Peter Nicholls de las filas de IQ. El hecho es que desde hacía un año que se generaron tensiones en el seno de IQ, y si bien este ambiente recargado pudo haber sido un motivador inicial para la creación de sólidos climas oscuros en la composición y arreglos del repertorio de “The Wake”, las cosas llegaron hasta el máximo sostenible tres meses después de la edición del disco. Antes de este hado (momentáneamente) fatal, el grupo ya contaba a inicios de marzo del año 1984 con tres canciones casi completas y presentadas al público en varios conciertos, mientras que otras dos estaban muy avanzadas en tránsito hacia las versiones que hoy por hoy conocemos de sobra a fines de ese mismo año. Antes de ponerse a grabar el disco en sí, el quinteto entró a los Cava Studios de la localidad escocesa de Glasgow en setiembre de 1984 para grabar las versiones de single y de maxisingle de ‘Barbell Is In’ (una amena canción en clave de tecno-reggae que para nada representa la esencia del grupo… excepto su buen humor), junto a la siniestra ‘Dans Le Par Du Chateau Noir’ (estupendo anticipo del clima general que luego se impondrá en “The Wake”) y la exultante ‘Just Changing Hands’ (tremendista elegía a las mujeres víctimas de la violencia doméstica). También se aprovechó la ocasión para grabar maquetas iniciales de ‘The Magic Roundabout’ y ‘The Thousand Days’. “The Wake” se grabó en los meses de marzo y abril de 1985 en los Falconer Studios de Londres, bajo la labor de coproducción del guitarrista Holmes y el bajista Esau. 

Pasando al disco mismo, se trata de una obra conceptual en torno a las circunstancias emocionales que abruman al alma de un hombre recién fallecido. La secuencia temática se inicia con el momento preciso del fallecimiento del protagonista (‘Outer Limits’), cuya alma pasa revista a su vida terrenal con una mirada llena de remordimientos y añoranzas (‘The Wake’). Una vez que vuelve sus ojos frente a sí, el alma presencia el raro espectáculo luminoso del limbo (‘The Magic Roundabout’), para poco después, sin salir de su aturdimiento ni su sensación de añoranza, deambular por los tortuosos pasadizos del limbo (‘Corners’). Toda esta incertidumbre no es sino un síntoma vívido de que el alma aún no ha aceptado realmente su situación separada de la vida terrenal, e incluso se complace en sentimientos de apego y celos en relación con las personas y cosas que dejó atrás (‘Widow’s Peak’). También hay referencias en la letra al inquietante relato de E. A. POE El entierro prematuro, algo que sirvió a Nicholls para introducir en el estado mental del protagonista el recuerdo de cómo llegó él a tan fatal estado: ¡fue enterrado cuando tuvo una catalepsia pero se le confundió con alguien ya fallecido!  Pero de pronto el alma recibe una luz de inspiración que le pone en claro la necesidad de aceptar su destino y hacer un balance diferente sobre lo vivido (‘The Thousand Days’), sintiéndose finalmente preparada para atravesar las puertas hacia una nueva vida mas allá de la pasada  (‘Headlong’). Resumiendo, es un retrato del proceso de aceptación en un contexto post-mortem. Justamente el penúltimo párrafo de ‘Headlong’ es bastante impetuoso respecto a la aceptación de sí mismo como alguien que ya no pertenece al pasado lleva al gallardo valor de arrojarse a lo que viene en el futuro: “I fought the memory of beautiful things / Imaginings. / The only strength I got from wanting you, / All the love I've been needing, / The hunger is feeding on me. / Spirit, bear me away / To the place of birth.” Esto puede entenderse como una evocación a una reencarnación en una nueva vida terrenal o como la transición definitiva hacia el Paraíso Celestial, o sea, el nacimiento de la vida eterna. Como sea, se trata de un final celebratorio y redentor: en el mismo seno de la banda, Nicholls quiso enfatizar la primera opción interpretativa, mas el guitarrista Holmes siempre dijo en entrevistas que esa referencia era más bien al acto de ir al más allá de manera definitiva y total. Justamente el sano debate sobre cómo interpretar las mágicas líneas que hemos citado fue uno de los pocos momentos realmente cordiales que el grupo recuerda de esa etapa de su actividad. Una música que cada vez  estaba mejor forjada acompañada de crecientes tensiones interpersonales que destruían amistades: así sucedió la historia. Una cosa queda clara, el final de la canción es celebratorio, como dijimos antes: ‘You, you put the fear in / The fear of flying, / The breath of dying. / You want a sign? / You want a sign, / It’s already there.’

Este trabajo destila un aura bastante sombría y misteriosa, congruente con su tema funerario. El tratamiento áspero de muchas partes de guitarra, los fondos y texturas cinematográficas de teclado, los fuertes cimientos creados por la sección rítmica, todos estos elementos están calculados para crear esta densidad emocional, capitalizada además por el peculiar canto de Nicholls, que suena a un PETER GABRIEL pasado por el filtro de RICHARD BUTLER. Además, se nota que la secuencia de las canciones está bien armada, yendo con fluidez desde motivos musicales progresivamente épicos hasta otros más pesados y psicodélicos, pasando por ambientes etéreos, y otros que destilan un oscuro romanticismo. Dentro del repertorio destacan las cuatro mini-suites ‘Outer Limits’, ‘The Magic Roundabout’, ‘Widow’s Peak’ y ‘Headlong’. ‘Outer Limits’ es un punto de inicio brutalmente efectivo, desarrollando un punche atractivo a través de la confluencia de estándares de U.K. y CAMEL bajo la pauta enérgica que es marca propia de IQ. El rol de los teclados es masivamente prioritario a la hora de elaborar orquestaciones y gestar pasajes manieristas en varios momentos donde se impone la necesidad de realizar un interludio... pero, sin duda, el mayor clímax lo realiza en su solo de guitarra que comienza mientras Nicholls canta la última sección vocal. Por su parte, la segunda se concentra en ambientes etéreos y melancólicos para su cuerpo central tras un bombástico prólogo instrumental que  reitera las alusiones a U.K.: es como pasar a un estándar del GENESIS de la etapa 76-78 contaminado con sobrios aires góticos tras una gloriosa tormenta sinfónica que comienza de forma misteriosa y redunda en una evolución extrovertida con mucha poleta. La penúltima de estas mini-suites desarrolla las sonoridades más bombásticas del álbum, mientras que la última completa el concepto con aires optimistas un tanto inspirados en lo céltico; de este modo, ambas piezas se encargan sucesivamente de terminar de hilar el esplendor sonoro con el cual el grupo realiza su enfoque musical. No somos pocos los conocedores que tienen a ‘Widow’s Peak’ como uno de sus temas favoritos de toda la trayectoria de IQ, y posiblemente el fastuoso sentido orquestal que se destila a través de sus diversas secciones tiene una cualidad imponente y envolvente que parece difícil de negar. El furioso vigor de las últimas líneas (‘Lost in love, senses flown. / Diamond hard heart of stone.’) es un mundo de expresividad lírica en sí mismo. 

De todas maneras, ‘Headlong’ también se destaca por la intensidad emocional única, y además, su estructura multi-temática se alimenta con retomas de breves secciones de canciones precedentes, con lo cual se refuerza la cohesión conceptual del álbum como un todo. Pongamos por ejemplo el breve solo de guitarra que antecede al canto de Nicholls ‘From the moment we were torn’, que reitera la introducción de sintetizador de la primera canción, y también a las aumentadas pulsaciones de la dupla rítmica durante el fade-out, que también remiten al inicio de la canción de apertura. Un círculo musical que se cierra con infinita prestancia. El sencillo solo de sintetizador del intermedio que termina disolviéndose ante la irrupción de la guitarra anuncia lo que pronto será el fina de la incertidumbre para abrir camino a una nueva celebración de la vida. Los temas mas breves también tienen sus atractivos: ‘The Wake’, con sus riffs llenos de gancho, nos ofrece uno de los momentos mas cercanos al heavy metal de la banda en toda su trayectoria; De hecho, el nervioso y airado canto de Nicholls se condice perfectamente con la ingeniosa rabia del solo de guitarra en el intermedio y el explosivo groove de la batería. ‘Corners’ combina texturas exóticas y secuencias programadas, al modo del PETER GABRIEL de la época 81-84, amén de atractivos toques de sitar eléctrico: psicodelia suave que coquetea con el techno-pop en un bien definido clima introspectivo. ‘The Thousand Days’, por su parte, ofrece un homenaje frontal a THE CURE pero con un carácter lo suficientemente macizo como para no caer en la trivialidad. Además, ese engañosamente parsimonioso interludio apoyado en capas de mellotrón le da una variante inesperada al desarrollo temático. Estos dos últimos temas sirven de oportunos alivios momentáneos para el oyente, en medio de la oscura borrasca emocional que envuelve al disco; adicionalmente cabe señalar que la coda de capas de sintetizador de ‘The Thousand Days’ repite las que se utilizaron en el intermedio de ‘Widow’s Peak’. La edición en CD incluye como bonus tracks un par de demos de temas ya mencionados y a ‘Dans le Parc du Chateau Noir’, pieza que queda muy bien debido a su espíritu abiertamente tétrico a pesar de no ser parte original del concepto. La letra es mínima por lo que el aprecio de esta canción debe centrarse en las atmósferas, ciclos melódicos y capas orquestales de teclado que se van sucediendo a través de diversos motifs. De todas maneras, el sello del grupo GEP está preparando una re-edición de 25to. aniversario muy a lo grande... ya veremos de qué se trata.

En resumen, “The Wake” es una joya definitiva de la nueva ola del rock progresivo británico. La vigencia y creatividad que aún mantiene IQ en lo que va del nuevo milenio es tal vez la mejor prueba de que este disco que acabamos de comentar significó un tremendo impulso para el reforzamiento del rock artístico tras la década de los 70s con miras hacia un horizonte infinito.


Muestras de “The Wake”.-

Widow’s Peak: https://www.youtube.com/watch?v=C5DoG2MZYoQ

The Thousand Days: https://www.youtube.com/watch?v=e1yq1e3dYJs

Headlong [en vivo en 2002]:  https://www.youtube.com/watch?v=a7fnPvbZVw8

The Wake + The Magic Roundabout [en vivo en 1985]: https://www.youtube.com/watch?v=C8aKokqQDJA

Dans Le Parc Du Chateau Noir: https://www.youtube.com/watch?v=6jf_tqof9ps

"Trans-indulgent", distinguida obra de un panel de expertos progresivos

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Comenzamos nuestras reflexiones progresivas de junio con un distinguido panel de expertos que justamente responde al nombre colectivo de DISTINGUISHED PANEL OF EXPERTS. El susodicho es un ensamble instrumental de jazz-rock progresivo que nació como iniciativa del bajista Mike Sary, líder permanente de FRENCH TV, quien no tuvo mejor idea en el año 2007 que congregar a Shawn Persinger (guitarrista del recordado grupo de jazz-rock BOUD DEUN), al teclista Guy LeBlanc (el hombre de NATHAN MAHL y ocasional lugarteniente de Andy Latimer en CAMEL) y a un ex-baterista de FRENCH TV llamado Chris Vincent. Todo este pedigrí que reúne a creadores de propuestas sólidas dentro del jazz-rock, el sinfonismo y el RIO se concentra en una muestra sólida y contundente de la primera de estas fuentes sónicas mencionadas. Pero lejos de ser un refrito del enfoque ácido de BOUD DEUN o del NATHAN MAHL originario, la variante jazz-progresiva que ofrece este panel de expertos tiene su propia afirmación fresca y particular, a tono con la escena contemporánea y mostrando en ciertos momentos la herencia de la añeja tradición 70era. Merced a la iniciativa conjunta de Musea Records y Luna Negra, este súper-grupo pudo lanzar al mercado el ítem “Trans-indulgent” a fines de 2009; recién ahora nos damos abasto para hacer la reseña del mismo.

‘And Then... The Sigh’ abre el disco con ímpetu avasallador y espíritu entusiasta, un ejercicio de jazz-rock extrovertido en el que Persinger y LeBlanc despliegan mutuos desafíos muy a tono con la agilidad propia del tema. ‘(Palindrome)’ baja los humos para elaborar un jam más lánguido, el cual incluye ciertos elementos cósmicos en su estructura sónica; ‘Mundele’ se engarza con el tema precedente para darle un cierre armado en base a inquietantes juegos disonantes sobre un esquema rítmico a lo free-jazz. ‘Pretentious Literary Reference’ nos trae un ambiente más cálido, portando algo de la extroversión del tema de entrada aunque con una dosis menor de intensidad. Con sus casi 10 1/2 minutos de duración, ‘East Lansing To East Berlin’ resulta la pieza más extensa del disco. La mayor parte de su primer cuerpo central (que ocupa un espacio de 7 minutos, más o menos) se focaliza en un jam lento que elabora cadencias sobrias, las mismas que incorporan ciertas texturas psicodélicas a lo largo del camino así como algunos pasajes poderosamente rockeros que crean un clímax envolvente. ¿Sería incoherente recordar a ALLAN HOLDSWORTH en momentos como éste? Más tarde, un segundo cuerpo irrumpe para generar un clima contundentemente incendiario durante los últimos 3 minutos y pico. La breve pieza ‘Larry's Westport Fantasy Inn’ ofrece un puente cálido y etéreo entre las piezas precedente y subsiguiente: básicamente, se trata de una serie de ágiles acordes a la guitarra y el bajo. ‘Hong-Kong Blindfold’ comienza explayándose en amables cadencias que desarrollan climas optimistas; luego llega un extenso interludio armado por los teclados de LeBlanc, el cual brinda una sorpresa progresiva muy sugerente en clave chamber-rock. El reprise del cierre redondea esta idea bipolar exitosamente. Posiblemente tengamos en esta dupla de y al ápice del álbum, pero con los 21 minutos que quedan podemos estar seguros de que todavía hay más belleza sonora que disfrutar.

‘Song For Wesley Willis To Sing (Worker Bees)’ es principalmente un jam enérgico a medio tiempo, muy en onda con la tradición de WEATHER REPORT y RETURN TO FOREVER, o sea, un animado repaso de la gloriosa era del jazz-fusión 70ero. La sección final (la porción de ‘Worker Bees’) es un blues de salón sazonado con un monólogo sobriamente burlesco. ‘Dog Years’ se engarza como una coda experimental dominada por la batería y aditivos percusivos de Vincent más adornos de bajo a cargo de Sary. Esta orientación vanguardista se perpetúa en ‘Concert In Central Park’, pieza inundada por flotantes climas deconstructivos en clave free-form durante sus primeros 5 minutos y medio. Al llegar a este punto, la banda elabora una intentona de cálida sección rockera que emerge como una ligera intrusión en medio del esquema abstracto general. Una pieza rara pero convincente dentro de la propuesta jazz-prog ecléctica que conforma el norte de este combo. A contrapelo de su título y como cerrando el círculo musical del disco, ‘Underachiever’ completa los últimos 3 1/2 minutos del mismo con un clima de puro jazz-rock expresado con abundante magnetismo de vigorosa extroversión: Persinger nos demuestra por enésima vez lo buen guitarrista que es. De este modo concluye “Trans-indulgent”, un disco ideal para los melómanos amantes del jazz-rock y del progresivo con raigambre jazzera. DISTINGUISHED PANEL OF EXPERTS es una criatura que sabe alimentarse de la pericia y talento de sus componentes individuales bien entrelazados en su comunión.

Desde el páramo musical de DEFÓRMICA nos llega su segundo agasajo progresivo.

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El grupo argentino DEFÓRMICA se ha tomado unos cuentos años en dar a luz este segundo trabajo fonográfico titulado “Páramo” después del impacto tan positivo que nos dejó su disco debut “H” allá pro 2006. La huella de este disco de la consonante muda sigue perenne como un referente de parte de lo mejor que se ha venido haciendo en la actual escena rockera experimental argentina en lo que va de milenio, y ahora con “Páramo”, editado en este mismo mes de mayo por Viajero Inmóvil, el quinteto confirma con creces su posición como uno de los ensambles más creativos y sugerentes del progresivo argentino de nuestros días. Una novedad fácil de notar en lo que nos ofrece DEFÓRMICA ahora es el realce del elemento post-rock dentro de las composiciones y arreglos de todos o casi todos los temas, aunque de manera más concreta, cabe también resaltar que el grupo mantiene un núcleo esencial consistente en su sonido, producto de la confluencia entre la psicodelia pesada, el crimsonismo y el jazz-rock de manifestaciones robustas.

Los primeros segundos de ‘Novelesco’ son conformados por un diálogo sincopado de guitarras muy a lo post-rock “crimsonizado”: cuando el ensamble entero entra en acción, el esquema sonoro se enriquece hasta generar una vibración jazzeada que inunda los motivos en curso, bien embebidos en una psicodelia refinada que en unos momentos nos puede hacer evocar a ISIS o a EXPLOSIONS IN THE SKY, y en otros momentos tornar nuestros oídos hacia atmósferas espaciales desarrolladas sobre cadencias jazz-rockeras. Para cuando el tema finaliza, nos deja con la miel en los labios, pero afortunadamente estamos recién en los primeros cinco minutos del álbum. Sigue a continuación ‘Escapar En Círculos’, pieza desplegada sobre un frenesí rockero tan contundente como bien llevado: psicodelia crimsoniana y math-rock se combinan en una fuerza compacta e irrebatible. ¿Por qué no pudo durar un poco más aunque sea este tema?, me pregunto mientras paso los siguientes dos temas ‘Algo Se Lo Lleva Todo’ y ‘Liberticida’, ambos superando la barrera de los 6 minutos. El primero de estos temas mencionados elabora una dinámica un tanto parecida a la del primer tema aunque con una administración un poco más contenida del fragor rockero: definitivamente, los diversos motivos y variadas pautas rítmicas que entran a tallar mientras la pieza evoluciona tienen una inapelable efectividad a la hora de transmitir una sofisticación progresiva bien entendida. La etérea sección intermedia despliega un agradable colorido de talante envolvente mientras que la sección final lleva lo etéreo hacia una dimensión mágica merced a la suave adición de texturas de metales. Por su parte, ‘Liberticida’ vuelve a explorar este estándar de post-rock, crimsonismo y jazz-rock a través de una ingeniosa y ambiciosa ilación de motivos.

‘Tropel’ y ‘Delves’ son temas de más breve aliento, creando mutuamente una dupla conveniente dentro del repertorio. El primero despliega una sonoridad post-rock metalizada (post-metal que le llaman) cuya contundente polenta podría muy bien ser envidada por la gente de RED SPAROWES; el segundo también toma un poco de esto con un tamiz progresivo más pronunciado, pero también incorpora pasajes lánguidos un poco a lo GYBE! con la finalidad de crear un interludio sorpresivo en medio de la controlada variedad temática. ‘Citrioino’ es un híbrido de post-rock ágil y krautrock mecanizado (a lo NEU!), portando un esquema compositivo que refleja una dosis más notable de calidez de las que usualmente podemos apreciar en estas dos líneas musicales. Los últimos segundos de la pieza están ocupados por una capa sonora minimalista que anuncia el pronto arribo de ‘Oh Rey!’, pieza que completa a lo grande el repertorio de “Páramo”. ‘Oh Rey!’ asume un compendio de psicodelia heavy post-rock y jazz de vanguardia: lo que logra el ensamble con la ayuda adicional de los invitados a la trompeta y al trombón durante la sección jazzera es una ingeniosa utilización de la tensión en clave free-form sobre una robusta secuencia rítmica. Una vez más debo decir esto... ¡cuánto me frustra que esta sección no sea más larga! La dosis de energía encarnada en esta pieza establece un explosivo clímax previo a la candidez relajada de los últimos momentos. Interpreto este recurso como una alusión a algo misterioso que subyace a las sonoridades tan abundantemente explícitas que habían tenido lugar durante la mayor parte de la pieza. De este modo culmina “Páramo”, una obra que me parece magnífica y que recomiendo a todos los coleccionistas progresivos que amen las sólidas experimentaciones rockeras encuadradas en sonoridades musculares y sanamente eclécticas.

DEFÓRMICA es un referente innegablemente importante para la producción rockera argentina de vanguardia en el año 2010. Concluyo esta reseña con sendos vídeos que muestran a la banda tocando en vivo el primer y el último tema del disco, respectivamente: http://www.youtube.com/watch?v=57Vax-0OeH0 / http://www.youtube.com/watch?v=1jw9YqqD9xQ

El fuego inacabable de LA MASCHERA DI CERA - "Petali Di Fuoco"

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Desde el área italiana nos llega el nuevo trabajo de LA MASCHERA DI CERA, “Petali Di Fuoco”. El título de este trabajo musical muy bien hecho, signado por la riqueza melódica y vibrante energía que siempre han caracterizado a sus discos hasta el día de hoy puede muy bien signar la capacidad que tiene este grupo para seguir manteniendo viva la llama progresiva dentro del jardín musical internacional desde una estrategia retro-sinfónica, la misma que, de alguna manera mágica, se mantiene fresca y vigorosa. Para este nuevo disco, el grupo pasa a convertirse en sexteto merced a la inclusión de un músico permanente en el rol de guitarrista – Matteo Nahum. Ya desde el tiempo de su fabuloso segundo disco “Il Grande Labirinto” la guitarra tenía una presencia dentro de ciertos desarrollos instrumentales, pero esta situación ahora se sostiene en el hecho de que no tiene un rol extra sino que es estable. En todo caso, el teclista Agostino Macor sigue gozando de un incuestionable rol protagónico cuando el ensamble instrumental despliega la mayoría de sus viajes sónicos.

‘Fino All'Aurora’ abre el disco estableciendo de lleno una resurrección de los esquemas progresivos de BIGLIETTO y ALPHATAURUS, un área de trabajo conocida por los coleccionistas progresivos y que LMDC maneja a su antojo. La riqueza melódica de la pieza es prístina y efectiva, con un manejo de no demasiado enredado de las variantes de ritmos y motivos…. Y por supuesto, ese sintetizador analógico que entra a tallar en varios momentos provoca un goce irresistible. ‘D-sigma’ es un tema más breve, menos fastuoso, casi como un single “sin querer queriendo”, pero igualmente centrado en atmósferas sinfónicas que, hoy por hoy, nos suenan emparentadas con lo que hacen otras bandas italianas como UBI MAIOR y NOTABENE: aquí empieza a notarse más claramente el rol gravitante que tiene la guitarra permanente dentro del esquema sonoro aumentado que nos ofrece ahora LMDC. Tengamos en consideración que en “Luxade” ya había demostrado el grupo un gusto por endurecer ocasionalmente su sonido con notables dosis de músculo y fibra. Maurizio DiTollo deja su arsenal de batería y percusiones para desarrollar una hermosa pieza contemplativa a la guitarra clásica (algo que ya hizo en ROHMER), resultando así ‘4.18’. Básicamente, esta pieza sirve como preludio a ‘Discesa’, un tema en el que LMDC explora su vena jazzera dentro de un esquema sinfónico, algo que nos puede muy bien recordar al FINISTERRE de “In Ogni Luoco”, así como a CHIAVE DI VOLTA, y por qué no, finalmente a MUSEO ROSENBACH (el lado 2 de “Zarathustra”). ‘Tra Due Petali Di Fuoco’ tiene una primera mitad sumamente intimista, con el romántico canto de Corvaglia volcado desde el mismo inicio sobre escalas de guitarra acústica y clavicordio; una vez que se unen el piano y la flauta, la atmósfera evocativa adquiere matices etéreos de modo que logran crear trazos de emoción contenida que envuelven el ambiente. La segunda mitad empieza trasladando lo romántico hacia un terreno un poco más fastuoso cuando el encuadre marcado por las texturas hackettianas de la guitarra y la batería se llena con capas de mellotron. Es una pena que este pasaje no dure mucho, pero la coda jazzero-pastoral también es bienvenida. Esta canción bien puede ser la composición más bella de LMDC (hasta ahora). Cuando la espartana línea de bajo que inicia la siguiente canción despliega una solemnidad tan grisácea, tenemos motivos fundados para sospechar que ‘L’Inganno’ nos tiene preparada una cosa muy distinta. Sin tratarse de una pieza excesivamente agresiva, sí porta una densidad fácil de notar, aunque no exenta de aura melancólica.

Lo melancólico se manifiesta expresamente en ‘Agli Uomini Che Sanno Già Volare’, otra pieza vívidamente diseñada desde el lado introspectivo de la banda. Me parece oportuno que una pieza tan explícitamente conmovedora anteceda a ‘Il Declino’, tema que comienza con la polenta rockera bastante recargada, casi como el mejor OSSANA. Pero hay sorpresas progresivas a lo largo del camino, por supuesto, con un ceremonioso motivo lento que emerge poco después de pasar la frontera de los 3 minutos. El asunto permanece estable en esta área a fin de crear un nexo con la pieza siamesa ‘Phoenix’, la cual se impulsa desde la reinante atmósfera ceremoniosa y elabora una arquitectura tan densa como dinámica – las capas de mellotron y controlados solos al sintetizador y al órgano se encargan de dirigir el colorido resultante en camino hacia el fade-out, mientras que la guitarra solista asume un rol complementario. El disco termina con la última muestra de romanticismo progresivo al estilo italiano que es ‘La Notte Trasparente’: durante los primeros casi 2 minutos, la canción mantiene una ambientación muy intimista, mas poco a poco va elaborando una gradual fastuosidad que realza efectivamente el atractivo general propio de la idea melódica básica. La guitarra eléctrica se luce como nunca antes en el disco, colaborando ampliamente con la arquitectura contundente enarbolada por la instrumentación. Se trata de una excelente manera de concluir un disco que está destinado a llamar la atención de una buena parte de coleccionistas progresivos a lo largo de este año 2010 – LA MASCHERA DI CERA se confirma como campeona de la preservación del sinfonismo italiano primordial.

Desde México llega la danza progresiva de GOVEA

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Hace poco he descubierto a GOVEA y su disco debut "Danza Urbana": lanzado al mercado progresivo de su natal México en 2009, recién en este mes de mayo me he podido agenciar un ejemplar de este disco, y bueno, aunque impuntual, mi experiencia ha sido bastante grata. Teniendo en cuenta que GOVEA es un power-trío centrado en el teclado, la tentación de esperar una remodelación de las herencias de ELP, THE NICE y/o TRIUMVIRAT es muy grande – sobre todo cuando uno se entera que el grupo ha versionado algún que otro tema del combo de Jürgen Fritz en concierto – pero al escuchar con detenimiento la oferta plasmada en “Danza Urbana”, nos podemos percatar directamente de que el teclista y compositor Salvador Govea desarrolla tendencias más inclinadas hacia estilizadas elaboraciones melódicas (a lo Wakeman) en alternancia con juegos de contrapuntos y amables texturas disonantes (a lo Minnear). No busquemos aquí un equivalente latinoamericano de ARS NOVA o GERARD, por ejemplo. Por otro lado, como Salvador también tiene un lado jazzero pronunciado, Chick Corea y el Emerson pianista de tendencia jazzera son las influencias más notables en esta faceta específica del sonido GOVEA. Añadamos también su sesudo análisis de ritmos propios del folclore mexicano, y contaremos también con el elemento fusión dentro de su estilo personal, el cual ha de marcar al resto del equipo. Pero no pasemos por alto al resto del equipo. A la batería está Víctor Baldovinos, veterano y diestro artesano de exigentes ritmos y cadencias cuyos aportes más reconocidos a la escena art-rock de su país se basan en su membresía en ICONOCLASTA (grupo donde el mismo salvador estuvo por unos 4 o 5 años). Él y Salvador articulan a las mil maravillas los dos polos de un esquema ágil y versátil donde se arman y despliegan las melodías y atmósferas del repertorio de “Danza Urbana”, siendo así que entre ellos se sitúa el bajista Luis Arturo Guerrero (colega de Salvador en el Conservatorio de Música) como el experto a cargo de completar la columna vertebral del sonido grupal. La labor de grabación y producción de “Danza Urbana” fue larga y ardua, marcada además por ciertas inconstancias en la formación: eso explica que los temas primero y último cuenten con bajistas distintos (David Sánchez y Jorge Velasco, respectivamente). En fin, el hecho de que este disco sea ya un ítem físicamente tangible revela que el proceso creativo no fue en vano y llegó a buen puerto.

Los primeros 6’20” del disco están ocupados por la pieza precisamente homónima. Los platillos abren la secuencia de 5/4 que habrá de ocupar bastante espacio durante el primer desarrollo de la pieza, mientras que el bajo y el teclado hacen una entrada gradual de tonos emparentados con los estándares de GENTLE GIANT y KING CRIMSON. Poco a poco, el swing se hace más directo hasta que llega un interludio misteriosamente sobrio, concentrado en una languidez casi cósmica – pasado el interludio, las cosas vuelven a la extroversión inicial, incluso realzando la dosis de fastuosidad. Estos primeros 6 minutos del disco dejan una huella gratamente impresionante como pare que el oyente mantenga el estímulo por dejarse llevar aún más por la curiosidad y seguir navegando por el segundo tema, ‘Continuum’, pieza donde predomina el compás de 7/8. El trío se manda ahora hacia sonoridades sinfónicas sabiamente alimentadas de amable colorido y atractivas sofisticaciones armónicas. En este momento del disco, el trío ya agarró vuelo, y para demostrarlo está el tercer tema, ‘Claroscuro’, el cual se impulsa desde las atmósferas ya introducidas en el tema precedente y las lleva hacia una expansión melódica más nutrida y ambiciosa. También está estructurado sobre un compás de 7/8, manejado con esa agilidad que la banda sabe exhibir diestramente. Para los últimos 50 segundos, la pieza vira hacia un frenético 3/4 a fin de elaborar una estupenda coda psicodélica. Se trata de uno de mis favoritos personales del disco, y eso que no me estoy refiriendo a un disco lleno de altibajos ni mucho menos: las dosis de ingenio en los arreglos y robustez en las interacciones entre los tres músicos se mantienen firmes a lo largo de todo el repertorio. 

‘Convergentes’ comienza estableciendo un sendero dentro del terreno de la fusión del jazz con ritmos folclóricos mexicanos: el teclado dominante es el piano, lo cual aprovecha Salvador para elaborar atmósferas jazz-rockeras bajo un revestimiento sumamente elegante. La presencia de un guitarrista invitado que toca un incendiario solo en el medio permite a la pieza explicitar una energía que casi todo el tiempo permanece elegantemente matizada. En la última sección del tema, la pieza se enmarca directamente en lo sinfónico bajo la guía de un etéreo solo de sintetizador. ‘Falsa Dicotomía’ va más lejos para establecer un compromiso más consistente con el estándar del jazz-fusión: Baldovinos se erige en protagonista principal en algunos pasajes en los que el grupo explora vías más libres aparte del motivo central. Por su parte, ‘Intersecciones’ es un solo de piano en el cual Salvador Govea explora una alternancia de dibujos pulcramente académicos y suaves cadencias jazzeras: en esta composición s mezclan lo intimista y lo colorido. En fin, el disco concluye con una adaptación de una pieza académica compuesta por Miguel Bernal Jiménez, gran renovador de la música sacra durante la primera mitad del siglo XX. Para la gestación y desarrollo de este arreglo, el grupo decide recuperar el tenor sinfónico a todo dar, e incluso se nota un compromiso más directo con el estándar de ELP (y tal vez también algún parentesco con TRIUMVIRAT). Enérgico sin ser chocante, robusto sin exageraciones, este ‘Concertino’ cierra el disco con un oportuno tenor épico.

El balance general que propongo para “Danza Urbana” es muy positivo, con lo cual recomiendo su adquisición para todos los interesados en explorar lo que se ha hecho y se sigue haciendo dentro de la vanguardia artística rockera en latitudes hispanoamericanas. GOVEA es una realidad surgida desde tierras mexicanas para seguir alimentando la vitalidad de la herencia del rock progresivo en el transcurso del nuevo milenio mientras va abandonando su primer decenio. Para ilustrar esta frase final, les dejo estos dos botones de muestra: 
Continuum - http://www.youtube.com/watch?v=Ar6XCaE-4LY
Falsa Dicotomía - http://www.youtube.com/watch?v=KuXsgCg1d2s

Los caminos actuales del jazz progresivo: desde Noruega, ELEPHANT9

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

ELEPHANT9 es el nombre del ensamble noruego formado por Ståle Storløkken a los teclados, Nikolai Hængsle Eilertsen al bajo y Torstein Lofthus a la batería: siendo ellos miembros de bandas tan diversas como SUPERSILENT (free-jazz ecléctico), SHINING (R.I.O. de tendencias metaleras) y THE NATIONAL BANK (rock indie), el resultado de su asociación es este power-trío de jazz progresivo que ya ha cosechado elogios a lo largo de sus cortos tres años de existencia en curso. El núcleo sónico de ELEPHANT9 se enmarca convinventemente bajo las pautas del jazz-rock contemporáneo a lo NIACIN, además de influencias inspiradas en la vieja escuela de jazz-fusión 70era (la faceta más agresiva). El resultado es bastante robusto, para lo cual ayuda el empleo bastante habitual de texturas experimentales y atmósferas psicodélicas. El trío está a sus anchas explorando ambientes y atmósferas variadas, pero suele tomarse su tiempo para terminar de explotar cada idea; las creaciones musicales se desarrollan en jams, no hay una labor meticulosamente melódica en las piezas que conforman sus hasta discos “DodoVoodoo” (2008) y “Walk The Nile” (2010). Es este último que pasamos a reseñar inmediatamente.

El tema de apertura ‘Fugl Fønix’ instala una secuencia musical ágil sostenida sobre un vibrante compás de 6/8: el trío expone de frente su vitalidad ante los ojos del oyente con un muy inspirado Lofthus que luce su entusiasta destreza con desparpajo y sin tapujos. ‘Aviation comienza con un tenor muy distinto, más introvertido, casi cósmico, basado en cortinas minimalistas de órgano que ocupan el centro del primer minuto y medio. El bajo emite trazos de lo que será la línea básica mientras que la batería empieza a emerger de forma calculada, y uno sabe que no tardará el ensamble en procurar un nuevo viaje jazz-rockero intenso y extrovertido. Una vez más, la mezcla da un espacio importante a la batería de Lofthus pero son las sonoridades emitidas por el teclista Storløkken las que naturalmente conforman el centro neurálgico del desarrollo instrumental. Las huellas de NIACIN están patentes en el swing tan abiertamente dinámico que los ELEPHANT9 saben crear con aparente facilidad... pero con un robusto compromiso con los ideales de la experimentación psicodélica. El tercer tema es justamente el homónimo – una sorpresa musical de 10 minutos de duración cuya estructura sónica está encapsulada en una lánguida atmósfera cósmica. Aquí la cosa a apreciar no está en la composición ni en el gancho sino en la consistente complacencia en climas misteriosos y expectantes que aluden a paisajes intergalácticos y nebulosas surrealistas. ¿Cómo describir este tema? Un traslado de los espíritus del TANGERINE DREAM de “Phaedra” y CLUSTER a la faceta más abiertamente deconstructivista del WEATHER REPORT pre- Pastorius, con añadidas sazones de post-rock “reciclado”. Ha sonado muy extravagante, y quién sabe si ha tenido algo de sentido, pero es lo mejor que se nos ocurre por ahora.

El cuarto tema ‘Hardcore Orientale’ nos devuelve a una vibración más abierta, semejante a la del primer tema: aunque comienza con una dosis un poco menor de calidez, las cosas van pasando a incrementados niveles de intensidad que hacen que el último minuto sea realmente pletórico. ‘Habanera Rocket’ nos trae otro momento de largo desarrollo musical (casi un cuarto de hora) y filuda experimentación espacial. Durante los primeros minutos, el trío elabora un clima hipnótico y cadencioso que no se halla muy lejano de AGITATION FREE o EXMAGMA: la dupla de Eilertsen y Lofthus opera como una maquinaria impecable. La mecánica monotonía – solo rota por las sobrias improvisaciones armónicas a cargo del órgano – establece un aura expectante que finalmente vira hacia un groove exquisito e irresistible: el bajo de Eilertsen dibuja un loop que no podría ser mejorado por sintetizador alguno. Poco antes de llegar al minuto 10, el esquema rítmico muta hacia cadencias fusionescas mientras que los aportes del teclado y del bajo transitan por suaves climas cósmicos: ELEPHANT9 también se da maña para experimentar con atmósferas de corte free-jazz, según parece. La coda llega con una breve retoma del segundo motivo con añadidos matices psicodélicos. El disco termina con una pieza como ‘John Tinnick’ que se explaya sólidamente sobre un compás frenético impetuosamente armado con precisión arquitectónica: los riffs y efectos varios que se emiten desde el Hammond son intensos y llamativos.

Como balance general, “Walk The Nile” me resulta un disco bastante llamativo, un muy buen síntoma de que todavía existe un enorme potencial para la polenta y la renovación en el escenario mundial del jazz-rock y el progresivo de base jazzera. Desde las frías tierras escandinavas emerge ELEPHANT9 como un pozo de sonoridades abrasivas. ¡¡Recomendado para la lista de más destacados del año 2010!!

Homenaje póstumo a ENRIQUE JARDINES, la mente del Cero Absoluto

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hoy traigo a colación la triste noticia de un reciente deceso musical – el bajista estadounidense de ascendencia cubana Enrique Jardines falleció el pasado 22 de abril, a la edad de 59 años, víctima de un inesperado infarto relacionado con su diabetes.

Él fue fundador del trío de jazz-prog vanguardista ABSOLUTE ZERO, el mismo que llevaba muchos años realizando una musicalidad excitante y siempre sorprendente, producto del híbrido entre free-jazz, rock in opposition y fusión, más exactamente, desde mediados de los 80s. Habiendo comenzado como un power-trío de guitarra, bajo y batería, fue con la formación de Aislin Quinn (voz y teclados), Pip Pyle (sí, el mismo de Hatfield & The North, National Health, Gong, Soft Heap, etc., a la batería y percusión) y Jardines (bajo) que ABSOLUTE ZERO grabó su único registro fonográfico “Crashing Icons” en 2003. La propuesta sonora plasmada en este disco es aventurera, agresiva y refinada a la vez, intensa y cerebral al unísono, ardiente de deseos por revolucionar el arte de sonido al mismo tiempo que festeja las diversas influencias recibidas de diversas vanguardias jazzeras y rockeras (especialmente el R.I.O. de Henry Cow y Art Bears).

A modo de póstumo homenaje, transcribo aquí una reseña que escribí a inicios de 2006 sobre este disco que me gusta mucho y que aún me parece una de las más tremendas joyas progresivas editadas en lo que va de milenio.-

“Temas -
1. Bared Cross (13:47)
2. Further On (20:43)
3. Stutter Rock/You Said (11:49)
4. Suenos Sobre Un Espejo (16:46)

Integrantes: Aislin Quinn (teclados, voz y percusión) / Enrique Jardines (bajo y percusión) / Pip Pyle (batería y percusión)
Colaboradores: Keith Hedger (trompeta y percusión en 4) / Jim Stewart (percusión en 2 y 4)

La visión musical del grupo parece ser una manifestación directa y literal del titulo en cuanto al orden, esquema melódico y convenciones estructurales: todos ellos quedan reducidos a la mínima expresión de cero absoluto. Jugando con la radical sorpresa propia del free jazz, las interacciones instrumentales y dadaístas vocalizaciones derivan en constantes cambios de ritmo y ambiente, sentido de caos sonoro, travesuras surrealistas,... todo ello ejecutado con majestuosa inventiva por las sólidas y agresivas labores de Jardines y Pyle, mientras que Quinn añade matices, adornos y algún que otro solo de teclado y canta con un espíritu libre semejante al de Deborah Perry de Thinking Plague (y por extensión, al de Dagmar Krause). La influencia mas evidente en el sonido de AZ es el Henry Cow más radical, el del ‘In Praise of Learning”.

En cierto sentido, los teclados de Quinn proveen algo de lirismo a un sonido global que suele estar dominado por los notoriamente agresivos aportes del bajo de Jardines – hay que ver que cosas tan increíbles hace este señor con su instrumento, llevándolo a los confines propios de la guitarra primera sin empacho alguno. El hecho de que c/u de los temas sea particularmente extenso (entre los casi 12 minutos y mas de 20 minutos de duración) permite la creación de espacios mas que suficientes como para que los músicos se explayen en sus ideas, variantes y, sobre todo, las sorpresas que se van acumulando inmisericordemente.

El Latin jazz y la música étnica exótica son elementos integrados dentro de la impresionante paleta sonora de Absolute Zero, tal como se deriva de ciertos pasajes de los temas: las cadencias particulares de ambos recursos estilísticos ayudan al material a mantener una patente frescura en medio de la continua experimentación visceral. Esto se nota de manera especial en ‘Further On’, que es, a la sazón, el tema más largo. La presencia destacada de percusiones tonales de corte africano opera como un catalizador de colores en medio de la niebla radicalmente neurótica creada por el trío nuclear. Pero no vale quejarse a estas alturas del partido: ya desde el tema de apertura ‘Bared Cross’ el oyente sabe que el arte del ruido esta siendo usado a fin de poner a prueba los limites de su “sensatez” estética e invitarlo a disfrutar de lo perturbador. En un disco tan parejo como este, me resulta un tanto difícil elegir a esta pieza como la mas notable, pero tengo bien en claro este veredicto personal. ‘Stutter Rock/You Said’ se centra más en lo jazzero, combinando las evocaciones a la escuela de free jazz tal como se desarrollo en los 60’s y la frescura del funky: eso la hace la pieza menos inescrutable de este repertorio. Aquí hallamos los solos de teclado mas impresionante, así como un guiño (otro más) al Latin jazz: el anuncio que hace Jardines de Jim Stewart como “salsero fabuloso” y “maestro del ritmo tropical” antes de su solo de congas es sencillamente estupendo en su desenfado. Es en esta porción donde el bloque sonoro entra en una exploración casi infernal (dije que ‘Stutter Rock/You Said’ era menos inescrutable, no que estuviera exenta de locuras). Si en el tema precedente las cosas bajan un poco su nivel de neurosis, en el estupendo tema de cierre parece haber una mayor apertura al lirismo en medio del perpetuo dadaísmo – ‘Suenos Sobre Un Espejo’ contiene un clima onírico, manifestado con sutileza mas sin ocultamientos. La aparición de pasajes oscuros y el empleo de vocalizaciones pomposamente ceremoniosas, en vez de dirigirse hacia lo tétrico o algo parecido, realzan efectivamente el absurdo de lo irreal: esto, en el mundo musical de AZ, significa traernos un poco de desestructuración e invitarnos a compartir la carga. La coda es lo suficientemente explosiva como para recordarnos que dicha carga implica, ante todo, un desafío.

“Crashing Icons” es esencialmente un disco martilleante y abrumador, el mismo que explota la herencia del RIO con energía, inventiva, e incluso descaro irreverente. Se trata de una labor de absoluta compenetración entre músicos que ponen sus ideales anárquicos al servicio de un bloque común mientras van interactuando sobre la marcha. Creo que esta es lo más adecuado que tengo a mi alcance para describir la alucinada oferta de Absolute Zero. Disco sumamente recomendable, pero también alevosamente “esotérico”: es un disco que busca su propio auditorio con mirada hermética y criterios incendiarios. ”

Gracias por la música, Maestro Jardines, redescubre nuevos esquema rítmico con Pip ahora que te has reunido con él en el más allá.

Flores para ALGERNON y su disco "Ghost Surveillance"

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hace poco he descubierto a un ensamble de rock experimental ecléctico proveniente de Chicago llamado ALGERNON… ¡¡y vaya si me ha impresionado!! En este año 2010 ALGERNON nos brinda esta tremenda joya musical titulada “Ghost Surveillance”, su tercer trabajo fonográfico. Este grupo comenzó a inicios del milenio como un dúo de jazz vanguardista de guitarra (a cargo de Dave Miller) y batería (a cargo de Darren Garvey). Hoy por hoy, tras algunas modificaciones en su formación a través de los años, el grupo opera como un quinteto que contiene a dos guitarristas – Toby Summerfield y el propio Miller –, el bajista Tom Perona, la percusionista Katie Wiegman y el baterista Corey Healey.

El núcleo sonoro de la banda se congrega claramente en la mezcla y alternancia de jazz-rock, post-rock y psicodelia enraizada en ambiciones progresivas, aunque también se puede advertir indicios de krautrock, no-wave y rock pesado. En todo caso, cabe señalar que la propuesta ecléctica de ALGERNON no se pierde en una suntuosidad explícita sino que pone especiales énfasis en ambientes y desarrollos en un entramado instrumental bien equilibrado. Los momentos de gran despliegue enérgico son mayoritarios, pero el grupo se cuida siempre de llegar a lo aparatoso y lo vulgar en sus momentos más electrizantes. En líneas generales, la oferta musical de ALGERNON puede interpretarse como un replanteamiento del post-rock a través del uso de complejos juegos musicales inspirados en el jazz-rock y la psicodelia progresiva o como una remodelación vigorizante del jazz-rock a través de recursos de la vanguardia contemporánea, de una manera u otra, el grupo pasa como un baluarte de ingenioso eclecticismo e incombustible energía.

Vayamos ahora al disco que nos ocupa. ‘The Briefing’ construye de manera sostenida la instalación de su motivo central, el mismo que despliega su agilidad desnuda después de una introducción marcada por la contención. El swing de la pieza es bastante pegadizo, incluso en aquellos momentos en que la pieza desarrolla una aureola psicodélica ácida. ‘Broken Lady’ despliega unos aires fusionescos que aparentemente nos remiten un tanto a las influencias de UPPER EXTREMITIES y GORDIAN KNOT – la arquitectura distribuida entre las diversificadas labores de las dos guitarras, la ingeniosa dupla rítmica y los ornamentos de vibráfono es fabulosa en su vibrante precisión. La sección lenta que ocupa la segunda mitad nos lleva a un sendero de misterioso reposo espiritual. ‘Honey Trap’ nos transporta a una psicodelia cósmica donde el híbrido de post-rock y free-jazz establece un esquema fundamental de niebla grisácea, mientras que ‘Timekiller’ ofrece un colorido más soleado a partir de su carácter predominantemente extrovertido… aunque no faltan algunos ornamentos delirantes que añaden instantes de traviesa perturbación. ‘Operative vs. Opposition’ ofrece una curiosa mezcla de crimsonismo y atmósferas a lo HENRY COW (de la etapa “Unrest”) sobre una cadencia rítmica que alterna la coqueta agilidad del Latin jazz a lo bossanova, variables robustas de fuerte carácter progresivo y la languidez melancólica. El ensamble se maneja bien dentro de un espectro temporal de 8 minutos y pico, manteniendo las cosas en un nivel de interés y sorpresa. La densidad desplegada en los últimos pasajes porta algo de tenebroso, lo cual facilita mucho que el clímax se asiente de manera contundente. ‘Everybody Stay Calm’ comienza con un enfoque centrado en ambientaciones calmas y sutiles, valiéndose de la sencillez contemplativa para transmitir una sencillez etérea. El diálogo entre el vibráfono y el teremín que se inicia poco antes de terminar el segundo minuto es casi como una nube que flota en un cielo nublado y silencioso, pero este recurso no es sino un preámbulo a la sección extrovertida de la pieza. Durando poco más de un minuto, ‘Intelligence Meltdown’ nos brinda un breve retazo de psicodelia retro sobre un compás rítmico que pueda parecer de garaje 60ero pero que en realidad da pie a un retocamiento extravagante de la típica extroversión rockera. Acto seguido, ‘Debrief and Defect’ despliega su ambiciosa expansión de 11 minutos comenzando con un prólogo potente y aguerrido cuyo ceremonioso compás lento pasa a ser recogido por el primer motivo central en un clima de misteriosa languidez. El rol protagónico del vibráfono permite a la pieza adquirir un patente carácter ensoñador, aunque también hay indicios de algo inquietante que late en el trasfondo, especialmente si atendemos a las cadencias marcadas por las estoicas notas de piano y bajo al unísono. Poco antes de llegar al quinto minuto, la pieza vira hacia una atmósfera minimalista muy decididamente enfilada hacia los patrones del post-rock en su faceta más contemplativa. El crescendo marcado por las capas de sintetizador genera un clima idóneo para extraer esa inquietud de trasfondo que mencioné anteriormente, pero no se hace a punta de agresividad sino de exploraciones cósmicas pertinentemente enriquecidas por los demás instrumentos (especialmente el bajo). Algo muy a lo GYBE!, en verdad. El crescendo culmina en el décimo minuto, que es cuando el grupo retoma el prólogo para la coda, la cual revela una esencia muscular más pronunciada. Este vigoroso final sirve para abrir la puerta a ‘Objective Compromised’, pieza que suena a una confluencia de CRIMSON contemporáneo, DON CABALLERO y ATTENTION DEFICIT dentro de un esquema focalizado en realzar los contrastes entre los diversos motivos. El aire exultante con el que termina esta pieza refleja muy bien el dinamismo tan característico de este quinteto. Finalmente, ‘The L Pill’ nos ofrece un paisaje sonoro etéreo y surrealista encapsulado en un ensimismamiento calmo: las suaves amalgamas distorsionadas de teclados y guitarra generan una misteriosa serenidad que nos remite a ciertas herencias del krautrock así como a las propuestas de GYBE! y TORTOISE.

“Ghost Surveillance” es una obra musical bastante relevante a la hora de descubrir y valorar las nuevas propuestas que se van dando en la multivalente escena internacional de rock experimental: para mí, un gran descubrimiento sin paliativos. Es bueno saber que las inquietudes progresivas del momento pueden todavía generar propuestas genuinamente frescas e intensas --- ¡flores para ALGERNON!

RED SPAROWES, el sonido excruciante y la respuesta firme del post-rock

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

No hace mucho que me he estado familiarizando con la obra de RED SPAROWES, banda originada hace ya unos 6 años en Los Angeles a partir de una congregación de miembros y ex-miembros de Isis. Tras dos discos de larga duración, un EP y un disco en vivo, el año 2010 nos trae “The Fear Is Excruciating But Therein Lies The Answer”, el nuevo disco de parte de esta banda, cuya formación ha tenido ciertas variantes a la par que mantenía la presencia de Bryant Clifford Meyer (guitarra, teclados) y Greg Burns (bajo, guitarra pedal steel): el quinteto lo completan Andy Arahood (guitarra, sintetizador, bajo), David Clifford (batería, percusión) y Emma Ruth Rundle (guitarra). A diferencia de los senderos más coloridos y “orquestalmente” ambiciosos que vemos en las propuestas de THE PAX CECILIA, DO MAKE SAY THINK o los pioneros GODSPEED YOU BLACK EMPEROR!, la línea de trabajo de RED SPAROWES se emparenta más cercanamente con las de ISIS (claro, naturalmente), TORTOISE y MOGWAI. En líneas generales, RED SPAROWES es una banda fiel a un estándar, pero lejos de ser como un acólito sin personalidad definida, por el contrario, logra reflejar inquietudes propias a través de los ambientes envolventes y misteriosos que inundan el repertorio de su material. El actual quinteto decidió para este nuevo disco despojarse un poco de las arrebatadoras aureolas cósmicas que se desprendían usualmente de sus vuelos musicales para darle un enfoque un poco más filudo y algo más seco, aunque de todas maneras persiste esa peculiar combinación de ambientes envolventes y sonoridades sólidas que es tan propia de RED SPAROWES.

‘Truths Arise’ es el breve preludio de menos de 2 minutos de duración que se encarga de iniciar la controladamente densa reflexiva sobre la cual se va a armar el repertorio integral del disco: se trata de un despliegue de flotante magnificencia que viene convenientemente sucedido por los climas más decididamente sosegados de ‘In Illusions Of Order’, pieza dominada por delicadas articulaciones entrecruzadas por las guitarras congregadas. El parentesco con ensambles tales como MOGWAI y TORTOISE es inocultable. El hipnótico crescendo que llega a su cúspide a la altura del cuarto minuto y medio viene inmediatamente sucedido por un motivo distinto que se hace eco de la languidez inicial hasta cierto punto, pues el esquema rítmico vira hacia unos recursos de tensión un poco más explícitos, abriendo así una puerta para el hermoso clímax final. ¡Ojalá éste hubiera durado un poco más! ‘A Hail Of Bombs’ tiene un aire más extrovertido, lírico incluso: las alusiones explosivas del título recién se airean expresamente a pocos de pasados los 2 minutos, que es cuando las ráfagas guitarreras llenan espacios a punta de enérgicas texturas. En camino hacia el final, las cosas viran hacia un espacio calmo. ‘Giving Birth To Imagined Saviors’ tiene unos pasajes iniciales bastante intrigantes, de tenor minimalista – de este modo, se instala el esquema para una atmósfera épica que permanece sólidamente arropado bajo un esquema contenido por un buen tiempo. Poco antes de llegar a los 4’30”, el grupo cambia lo épico por lo denso hasta el final, haciéndolo con total fluidez y un nervio convincente. ‘A Swarm’ porta un lirismo evocativo que se preserva sólidamente a través de los variantes motivos que se van sucediendo en una creciente intensificación antes de que el reprise regrese a la expectante calma inicial: es casi como una retoma de los espíritus musicales que anteriormente habían imperado en ‘In Illusions Of Order’ y ‘A Hail Of Bombs’ – hasta ahora, estos tres temas que menciono pueden muy bien ser calificados como sendas cúspides del disco. Los despliegues líricos se siguen haciendo presentes en ‘In Every Mind’, tema que brinda un colorido controlado en buena medida marcado por la guitarra pedal steel al inicio, antes de que las capas guitarreras elaboradas por Meyer y Rundle absorban el núcleo central del crescendo. ‘A Mutiny’ introduce algunas sobrias cadencias jazzeras en su ambiente y esquema rítmico, mayormente concentrados en el lado más introvertido del grupo. Alrededor del minuto 3’30” se advierte una posibilidad de intensificación arquitectónica, pero la maniobra se queda en una tentativa sigilosa que prefiere mantener las cosas en su nivel recurrente de sobriedad. El disco concluye con ‘As Each End Looms And Subsides’, tema que elabora un clima denso y claroscuro a punta de garra y pulcritud – siendo otro momento cumbre del disco, el ensamble logra crear niveles de magnificencia a través de los paisajes envolventes que las guitarras dibujan sobre un patrón rítmico consistente. Los efectos de delay que arman el interludio trazan el puente hacia el crescendo final, el cual se catapulta desde la incandescencia anterior llevándola hacia una expresión más robusta, y a la vez, más cósmica. De este modo, el abrupto final puede capitalizar su efectismo.

Una muy buena experiencia supone la escucha de “The Fear Is Excrutiacing But Therein Lies The Answer”, siendo así que RED SPAROWES logra confirmarse como una instancia poderosa dentro del desarrollo actual de la escena musical post-rock. Los amantes y conversos adictos al género ciertamente apreciarán esta obra, y por qué no, cualquier melómano amante del rock artístico que se abra a las ideologías que propongan crear sonidos refrescantes y excruciantes.

DREAM THEATER y BIGELF - monumental conmoción rockera en Lima

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

La noche de DREAM THEATER y BIGELF en la Explanada del Estadio Monumental de Lima fue brutal, intensa, apasionada e impactante. Se trataba de la primera vez que DREAM THEATER y sus ilustres teloneros de turno venían a escenarios limeños: la atracción principal era, por supuesto, el quinteto formado en los pasillos de la Berklee College of Music y que hoy por hoy, desde hace poco menos de 20 años, reina como monarca supremo del género prog-metal. El 22 de marzo era el día signado por el destino para que James laBrie, John Petrucci, John Myung, Jordan Rudess y Mike Portnoy tuvieran una cita con la comunidad rockera peruana… bajo cielos peruanos.

Comencemos con los teloneros. Teniendo en cuenta que DREAM THEATER iba a comenzar su actuación a eso de las 9.30 PM si no más tarde, era razonable que BIGELF iniciara su actuación a poco de pasadas las 8.00 PM. Este grupo formado en Los Angeles encarna un enérgico eslabón perdido entre URIAH HEEP y BLACK SABBATH a través de filtros de DEEP PURPLE, además de los estándares de la psicodelia heavy clásica de fines de los 60s. El uso extensivo de wah-wah y flanger en la guitarra y la presencia exclusiva del Hammond y el mellotron en el arsenal del cantante-teclista son pautas infaltables en el vigoroso sonido retro que esta banda enarbola como innegociable propuesta musical. En un espacio de casi 50 minutos, se generó una química inapelable entre el grupo y el público que recién se conocían en el transcurso del momento. Si en el tema con el cual abrieron su intervención lograron llamar la atención de manera plena, el grupo se ganó decisivamente al público con los temas que siguieron, ‘Money Machine’ y ‘Neurosychopathic Eye’. ‘Blackball’ y ‘Painkillers’ también llenaron de polenta el ambiente, siendo así que el nombre del grupo era coreado en varios momentos por el respetable. Un momento particularmente emocionante fue cuando el frontman Damon Fox dedicó el tema ‘Disappear’ a la memoria de Andy Butler-Jones, quien fuera anterior guitarrista de la banda. En fin, cuando el grupo dejó la escena deshaciéndose en emocionados agradecimientos para con la gente, estaba claro que BIGELF dejaba un gran recuerdo en las retinas y mentes de los asistentes más puntuales.

... ¿Y QUÉ CON DREAM THEAER? ¡¡¡GENIALES!!! Su derroche de virtuosismo se complementaba perfectamente con su nervio para extenderse a veces en jams, y sobre todo, el ingenio musical y el feeling de los cuales siempre han hecho gala pero que no se suele mencionar tan recurrentemente como su destreza técnica. Su actuación, que comenzó poco antes de las 9.45 PM, resultó intensa incluso desde antes de tocar la primera nota. La pista de un pasaje orquestal que emergió mientras se apagaban las luces y bajaba lentamente el telón y la subsiguiente secuencia de tormenta y rayos anticipaban furiosamente el arribo de la monumental pieza ‘A nightmare to remember’, que abre el más reciente disco de la banda “Black Clouds & Silver Linings”. El grupo instaló su incombustible vitalidad en total armonía con el entusiasmo explícito de un público que ya estaba entregado desde horas, días y semanas antes de la realización fáctica de este evento, entregado a la arrolladora magia de los solos de Petrucci y Rudess, el carisma escénico de un dinámico LaBrie, el vigor avasallador de un Portnoy que se luce en su nutridísima batería de tres bombos mientras gesticula y ocasionalmente gruñe, la potente y rica base que aporta un impecable Myung. Todos estos elementos individuales saben brillar por sí solos mientras que el bloque entero derrocha su grandeza sin dejar una sola gota de creatividad en el tintero. De todo esto podía percatarse el neófito que había asistido a ver a la banda “a ver qué pasa”… pero lo que pasa no es un misterio para quienes han seguido a esta banda por años. Valiéndose de la comunicación virtual a través de las pantallas, Portnoy saludó al público antes de iniciar su sección de “growling” – desde ese momento, el genial baterista asumió su rol de co-animador con la complicidad del público.

‘A rite of passage’ prolongó esa infaltable combinación de fastuosidad, electricidad y buenas vibraciones que el grupo brinda en proporciones épicas en cada una de sus piezas fuertes. Justo en este momento, Rudess ya ha exhibido su Continuum y su Ipod Touch. No será la última vez, por cierto. Una versión extendida de ‘Hollow years’ brinda el primer momento de melancolía y romanticismo de la noche – el solo introductorio de Petrucci, que incluía un pasaje del tema central de la película "La Lista de Schindler", generaba un poder emotivo contagioso, siendo así que el público se hizo debido eco de esa sensación. Recién al finalizar este tema, cuando ya llevábamos un poco más de ½ hora de concierto, LaBrie se dio abasto para saludar a los asistentes. Era hora de continuar con la faceta más explícitamente filuda de la banda, y ‘Constant motion’ era la canción adecuada para mostrar este frenético temperamento: una vez más, Petrucci se adueñó de la ciudad con sus férreos riffs y exaltados solos, excesivos y a la vez tremendamente musicales. El delirio de este momentum viró hacia niveles cósmicos con el solo múltiple de Rudess, y con múltiple me refiero a sus acciones exploratorias con su keytar, Continuum y Ipod Touch, antes de pasar a concentrarse en su teclado. Un momento entrañable y humorístico llegó justamente cuando en la pantalla se reflejaba una caricatura de Rudess en una guisa de Merlín psicodélico – este genio forjado en las aulas de Julliard exhibe su chiva blanca del mismo modo que Rick Wakeman exhibía su lacia melena blonda y capas de mago. ¿Qué mejor manera de cerrar el solo que con el inicio de un instrumental tan fabuloso como ‘Erotomania’? Pues bien, eso fue lo que sucedió, y ciertamente la reacción inmediata del público confirma por enésima que la etapa 1989-94 sigue siendo de especial devoción para los seguidores de la banda. Rudess se ciñó al libreto respetando las ideas básicas que Kevin Moore aportó a la versión oficial de estudio. Quien no lo hizo fue Portnoy, pues él interrumpió un pasaje para jugar con el público, aprovechando la magia de la imagen engrandecida en la pantalla – se nota que este grupo gusta, ante todo, de divertirse, de no tomarse a sí mismo demasiado en serio a pesar de que su repertorio está anclado en la necesidad de insuflar inteligencia al rock de nuestros días. Aunque no fue tocado en su totalidad, ‘Voices’ supuso una bien lograda continuidad de la vibración establecida en ‘Erotomania’: justamente se recordará su sección introductoria como uno de esos momentos en los que el bajo de Myung logró sobresalir con luz propia a través de una mezcla de sonido que habitualmente daba prioridad a los instrumentos de sus tres compañeros de viaje.

Tras la sensación de inconsolable neurosis que destila una canción tan intensamente amargada como ‘Voices’, llegaron los primeros acordes de piano en un compás lento de ¾ para el arribo de ‘The spirit carries on’, power-ballad de inspiración góspel que viraba la atmósfera emocional hacia unas sensaciones más relajantes, movidas por una serena celebración de la inmortalidad y transmigración del alma. No me cabe duda de que esta pieza dio pie para el mejor momento de LaBrie como comunicador e intérprete, fungiendo como arcángel de palpitaciones conmovedoras en los corazones y mentes de los asistentes. También sirvió para que Petrucci volviera a adueñarse a su antojo del rol protagónico sobre el escenario. En esta secuencia de contrastes, las ideas cósmicas de ‘The spirit carries on’ fueron ipso facto sucedidas por la electrizante manifestación de autoafirmación de ‘As I am’, un tema aguerrido y voraz – la entrada signada por el efecto en reversa del eco de una nota de piano y las armonías de bajo de Myung abrieron la puerta a un nuevo vendaval de furia inteligente. Como DREAM THEATER sabe que su segundo disco “Images And Words” es una piedra angular de su historia viviente, no debía faltar una muestra del mismo en esta presentación primeriza: es así que el medley de ‘Pull me under’ (hasta el segundo estribillo) y ‘Metropolis, Part 1’ salió a colación para encuadrar a lo grande la primera despedida de la banda. Como ya sucedió en muchísimos conciertos anteriores, Petrucci y Rudess se enfrascaron alegremente en un duelo guitarra vs. keytar inmediatamente después del pasaje solista de Myung (dicho sea de paso, fue el momento en que más se dispararon las ovaciones para con este supremo maestro de obras del sonido DT). Por supuesto, ‘Peruvian skies’ fue reclamado por el público en varios momentos del concierto, y dado que el grupo abandonaba el escenario, los reclamos se intensificaron… y vaya si el golpe de efecto dio resultados, pues al volver al escenario y ponerse a tocar esta canción, el público asumió el rol de apoyo vocal con un compromiso total. Al finalizar la canción, la explosión de júbilo fue explosiva hasta niveles tremendos y terribles, pero aún quedaban unos 20 minutos más para que la jornada llegara a su fin, y sería el tema épico ‘The Count of Tuscany’ el que estuviera a cargo de ocupar todo ese espacio. Tratándose de una pieza fastuosa al más puro y entrañable estilo DT, su carácter místico apoyado en su esquema extremadamente articulado lo convertía en un ideal broche de oro progresivo. Siempre recurriendo a exhibiciones de destreza y colorido excesivo, el asunto es que ‘The Count of Tuscany’ desarrolla una musicalidad única, distribuida a través de sus variados motivos en una arquitectura bien nivelada e implementada a punta de fineza performativa. Rizando el rizo de las influencias de RUSH, YES, METALLICA, IRON MAIDEN, KANSAS y PINK FLOYD sin perder la frescura ni el ingenio, la pieza se sostiene cabalmente sobre los riffs y bases de turno sobre los recovecos rítmicos. Una vez que llegamos al interludio etéreo donde las notas de la guitarra flotan cuales destellos de nebulosa, nos preparamos para recibir el epílogo que nos canta una despedida cortés y emocionada – “Cuéntales de mí, soy el Conde de Toscana”… pues bien, eso estoy haciendo ahora, contar la historia de DREAM THEATER (y BIGELF) en su primera aventura peruana.

Resumiendo, el setlist fue.-

A nightmare to remember
A rite of passage
Solo de Petrucci / Hollow years
Constant motion
Solo múltiple de Rudess / Erotomania / Voices
The spirit carries on
As I am
Pull me under / Metropolis, Part 1 (inc. duelo Petrucci-Rudess)

Encore:
Peruvian skies
The Count of Tuscany


En total, fueron poco menos de 2 horas y 10 minutos de colorido musical en manos de una de las bandas más importantes de la actual avanzada progresiva y, definitivamente, la puntera de la escena prog metal mundial.

Aquí podemos ver al grupo ofreciendo su tema ‘Peruvian skies’, naturalmente obligado para la ocasión - http://www.youtube.com/watch?v=bllywfnXZLA


Por haber instalado todo un hito en la historia de los conciertos de rock en escenarios limeños… ¡¡GRACIAS POR EL SHOW, BIGELF Y DREAM THEATER!!

THE WATCH y la regeneración del planeta neo-progresivo

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

El disco que comento en esta ocasión es el más reciente lanzamiento del ensamble italiano THE WATCH, el cual sigue caminando por su sendero musical signado por explayamientos retro a lo GENESIS de la mano del frontman Simone Rossetti – “Planet Earth?” es el nombre de este disco nuevo. El grupo se muestra irremediablemente interesado en ahondar en la línea retro de su esquema sonoro, y ello se nota masivamente en el arsenal de teclados antiguos (Hammond, mellotron, sintetizadores) que utiliza Valerio De Vittorio… especialmente en el timbre tan Banksiano que trabaja en el Hammond. Por lo demás, cabe notarse que el punto de referencia más recurrente para este álbum está en el esquema genesiano de la etapa 76-77, lo cual, a su vez, significa que el grupo da preferencia a sonoridades etéreas similarmente a lo hecho en “Primitive” y no tanto a las más aguerridas que se habían exhibido en los dos primeros álbumes (e incluso en el disco de THE NIGHT WATCH, banda nodriza de THE WATCH).

‘Welcome to Your Life’ abre el disco en un clima de pleno entusiasmo donde las referencias genesianas a ‘Eleventh Earl of Mar’ y ‘One For the Vine’ se reciclan ágilmente a través de los desarrollos melódicos en curso. Se puede muy bien describir a esta canción como una reelaboración de atmósferas propias del “Wind And Wuthering” en clave de un híbrido entre el GENESIS más entusiasta del “Nursery Cryme” y el MARILLION pre-“Misplaced Childhood”. En cambio, un tema como ‘Something Wrong’ exhibe un dominio de los ambientes más lánguidos, con alusiones indirectas pero claramente pautadas a ‘Entangled’ y ‘Can-Utility’. La arquitectura elaborada por las guitarras duales marca la capa básica sobre la cual se desarrolla la pieza, y más adelante, los sonidos cósmicos vertidos por el mellotron y los sintetizadores habrán de incorporar algo de inquietante misterio al asunto. ‘Earth’ es un tema más emparentado con los despliegues combinados de colorido y energía que ya la banda ha mostrado desde el primer disco – tema realmente típico de THE WATCH, aunque siempre hay que tener en cuenta el esquema sonoro abiertamente retro que la banda emplea para este álbum, lo cual permite al tecladista ocupar un rol líder en el esquema general. Y ahora que mencionamos específicamente al teclista, éste se afianza en su rol importante dentro del grupo en la pieza ‘All the Lights in Town’, la más larga del disco – sus dinámicos arpegios de piano marcan eficazmente el prólogo de otro tema atractivo y enérgico dentro de su ya conocida estrategia genesiana. Hay ciertos aspectos teatrales casi al estilo de cabaret que nos traen a la mente algunos de los aspectos más juguetones de la obra conceptual “The Lamb Lies Down on Broadway”, así como un pasaje dirigido por rasgueos de múltiples guitarras que sacan a colación una rememoración de la faceta más renacentista del viejo GENESIS.

‘The World Inside’ es un tema a medio tiempo que comienza con una medida actitud contemplativa, pero que poco a poco avanza hacia climas sonoros un poco más densos sin que se dé un dramático giro en sus motivos de base. Por su parte, ‘New Normal’ sí desarrolla de manera más persistente el relajamiento contemplativo ya introducido en la pieza precedente – como tesoro para los “fetichistas genesianos” de siempre, la presencia de John Hackett como flautista invitado completa el aura de tributo genesiano que THE WATCH abiertamente convierte en su leit-motiv progresivo. En fin, el disco se cierra con ‘Tourist Trap’, pieza que se encarga de reinstalar el entusiasmo flotante y colorido que tan buenos réditos ha dado en los temas 1 y 4, logrando que el bloque de “Planet Earth?” resulte un disco tan agradable. También es poco novedoso, pues THE WATCH se conforma con seguir ahondando en su propuesta neo-prog dogmáticamente planificada bajo un sello retro a despecho de las líneas desarrolladas por PENDRAGON o ARENA. Mi balance general sobre este disco es positivo – este grupo todavía me resulta atractivo.