SEAORM: tercera hoja de ruta para una nave hispano-rusa de música prog-psicodélica

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy traemos a colación la muy grata circunstancia de que ya está trazada la hoja de ruta del tercer trayecto de SEAORM, esa talentosa asociación hispano-rusa de música prog-psicodélica en clave ecléctica. Su nuevo disco, titulado “Nekyia”, fue publicado en la segunda mitad del pasado mes de abril por vía del sello OctoberXart Records, contando con el apoyo de producción ejecutiva de Francisco Macías. El ensamble conformado por Víctor Rodríguez [teclados], Ark Fedotov [bajo, sintetizadores y sampler], Ivan Fedotov [batería] y Ángel Ontalva [guitarra] se luce enormemente en éste, su tercer disco, el segundo gestado con la presente alineación de cuarteto. En líneas generales, adelantamos que “Nekyia” realiza una especie de síntesis entre el colorido intensivo de su antecesor “Forgotten Shrines” (2021) y la garra exquisita del disco de debut “Olkohn” (2020), mientras va añadiendo renovadores recursos sonoros a un esquema de trabajo, a estas alturas, bien definido. Lo que suena en el disco que ahora reseñamos fue compuesto colectivamente. Los procesos de mezcla y masterización estuvieron a cargo de Ontalva, como también lo estuvo el arte gráfica… como siempre y con la genialidad de siempre. La palabra que da título a este disco se refiere a lo que también se suele llamar necuia, un rito de evocación a los espíritus de los muertos para que nos muestren el futuro o nos faciliten algún contacto momentáneo con seres queridos; dentro del ideario poético de SEAORM, los músicos bajaron al inframundo para emerger épicamente por vía de un millón de encantos alquímicos. 

 

El repertorio de “Nekyia” se abre con ‘The Martyrdom Of Metals’ y lo hace a lo grande. Comenzando con una aureola de expectativa que mucho tiene de urgencia, pronto facilita la instauración del nervio comunal del ensamble sobre una base rítmica bien delineada en su aseverativa parsimonia. Conviven aquí la extravagante exuberancia de los HENRY COW de 1974, el vitalismo exquisito de los AGITATION FREE del primer álbum y el oscurantismo aristocrático de los KING CRIMSON de la fase 1973-74, lo cual se traduce en una exitosa concreción de la majestuosidad prog-psicodélica diseñada para la ocasión. Es de notar que las florituras de la batería que van emergiendo desde el segundo tercio amplían el potencial de vigor expresivo  de la composición, dejando la dirección de este vigor renovado al criterio de las interacciones entre la guitarra y los teclados. Qué gran inicio de álbum, por Dios. Acto seguido, llega el turno de ‘Mercurial Fountain’, una maratón de casi 20 minutos de duración cuyos aleatorios pasajes iniciales se emparentan fluidamente con los viejos paradigmas de ASH RA TEMPEL y TANGERINE DREAM, al menos, en lo que respecta a la gestación de climas flotantes donde lo onírico y lo arcano se fusionan en una sola fuerza expresiva. Una vez que el ensamble íntegro se pone a establecer sus fuerzas internamente unidas en un jam primordial, los músicos articulan con preciso garbo una mezcla de psicodelia y jazz-rock que, tras pasar por un groove ceremonioso semejante al que signó a la pieza inicial, pronto asume una vitalidad más explícita. Mientras se va explayando el jam, las ligeras variantes que van surgiendo a lo largo del camino enriquecen los matices lisérgicos y las fluctuaciones del swing. De hecho, a poco de pasada la frontera del undécimo minuto, el ensamble vira hacia los sinuosos senderos del free jazz, pasando después de eso a una estrategia de tentativas reconstrucciones líricas. A partir de aquí, se siembra el terreno para la emergencia de un clímax expresivo abundantemente fulguroso donde el jazz-prog y el avant-prog se conectan grácilmente. Las instancias finales que están trazadas por intensos golpes de la batería son ingeniosamente determinantes. Si alguien se quiso imaginar alguna vez cómo sonaría una asociación de músicos de EMBRYO y AGITATION FREE que decide entrar clandestinamente en el ideario cósmico de SUN RA mientras recibe alguna asistencia adicional de parte de los integrantes del FRED FRITH TRIO, pues lo que suena en este tema es la respuesta concreta a esa pregunta (sin importar cuán estrambótica suene).   

‘Proserpina’ – que también goza de una generosa duración de poco menos de 12 ¼ minutos – tiene la complicada misión de suceder a la magnificencia de ‘Mercurial Fountain’, pero la cumple con cabal eficacia. El enfoque de expresividad espiritual de esta pieza nos lleva hacia una zona crepuscular y meditabunda, siendo así que la guitarra inicia el camino de exploraciones sónicas donde los integrantes buscan, en momentos sucesivos, lugares de encuentro y espacios para la incitación convergente. Una vea asegurado el swing con el que la batería ha de sugerir la ingeniería común para los otros instrumentos, la banda logra instaurar una refulgencia especial para que los aspectos crepusculares puedan apropiarse de una agilidad razonablemente contenida. Esto es lo más lírico que existe en el disco que estamos reseñando y, dicho sea de paso, nos recuerda un poco a los aspectos más majestuosos de ese primer disco de la asociación de Ontalva con VESPERO (“Carta Marina”, del año 2016). Una mención especial va para la rutilante vivacidad del bajo, la cual es muy funcional a los varios trazos de sofisticación que usa la batería durante el desarrollo del esquema de trabajo colectivo. La sección epilogar cierra el círculo otrora abierto por el prólogo. ‘Salamandra’ cierra el disco con una prestancia hechicera que persiste en el encanto misterioso del tema precedente, pero con una inicial proyección hacia una mayor dosis de frescura merced al uso de un swing fusionesco. A contrapelo de esta tentación de crear un peregrinaje hacia la calidez, los guitarreos gestan líneas centradas en una tensión robusta, un factor que al poco rato obligará a la batería a elaborar recursos de hercúlea exuberancia durante un buen tramo de la pieza. Los últimos minutos están marcados por una parsimonia creciente cuya adustez se deja arropar por retazos de color, una evocación de luces y neblinas que brota y se difuminan efímeramente a través del arte del sonido. Un cierre misterioso para el tema y el álbum. 

 

En fin, 50 minutos o casi de grandeza musical para la creación progreaiva ecléctica de nuestros tiempos son los que se nos han brindado en “Nekyia” desde los cuarteles del ensamble SEAORM. Muchas gracias a Ángel, Ivan, Ark y Víctor por unir fuerzas para gestar este aventurero y embrujador trabajo fonográfico, uno de los más notables que han emergido desde la escena del rock vanguardista europeo en el presente año 2024. Otra serie de excelentes golpes de timón para la navegación en esta tercera hoja de ruta de SEAORM. ¡¡Recomendable al 400%!! (Un ciento por cada músico involucrado.) 

 

 

Muestra de “Nekyia”.-

The Martyrdom Of Metals: https://octoberxart.bandcamp.com/track/the-martyrdom-of-metals

El juramento de los japoneses MONO para seguir honrando al arte en el año 2024

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Tenemos la muy grata noticia de que el cuarteto japonés MONO tiene un nuevo disco en el mercado desde el pasado 14 de junio. “Oath” es el título de este acontecimiento fonográfico que, por vía del sello Temporary Residence Limited (en colaboración con Pelagic Records), ha sido publicado en CD y en doble vinilo con varios colores (negro, dorado, azul/blanco, con imagen de un cielo con nubes). “Oath” es el decimosegundo trabajo de larga duración de este ensamble que ya goza de un cuarto de siglo de existencia. El colectivo conformado por los guitarristas Takaakira “Taka” Goto y Yoda, la bajista-teclista Tamaki y el baterista Dahm hacen gala nuevamente de su inmensa habilidad para crear rock experimental conectado con el prog, el post-rock y la psicodelia de base ambient con creativa majestuosidad. Es verdad que para concretar esto en algunos pasajes del álbum que hoy comentamos, fue concluyente la participación de un ensamble de cuerdas (las violinistas Susan Voelz, Andra Kulans, Jennifer Dunne y Vannia Phillips, y los cellistas Timothy Archbold, Melissa Bach, Nora Barton y Molly Rife) y la de otro ensamble de bronces (Chad McCullough a la trompeta, Ryan Shultz a la trompeta bajo, Catie Hickey al trombón y al trombón bajo, y Matthew Oliphant al corno francés).* Las labores de producción de estuvieron repartidas entre “Taka”, Steve Albini (con quien la gente de MONO ya tiene varios años trabajando) y Jeremy DeVine. Albini también se hizo cargo de la ingeniería de sonido y la mezcla, mientras que el ulterior proceso de masterización estuvo en manos de Bob Weston. 

La trilogía inicial de ‘Us, Then’, la pieza homónima y ‘Then, Us’ sirve para instalar eficazmente una atmósfera significativa para la mayor del repertorio que sigue. Todo comienza con una manifestación de llovizna posmoderna que va expandiéndose con cristalina delicadeza bajo un manto de flotante misticismo. Al unísono de la irrupción de los arreglos de cuerdas y bronces, ‘Oath’ entra a tallar con la inserción de climas cinematográficos que transportan el misticismo inicial hacia una aureola de serena contemplación. La precisión del swing de la batería lleva al esquema sonora a un área más terrenal, la cual se va solidificando gradualmente con el transcurso de los segundos. Es así que poco antes de llegar a la frontera del tercer minuto, los guitarreos dirigen un nuevo ímpetu para el bloque grupal. El tercer tema es un reprise ligeramente más suntuoso del primero, una elegante cosecha de la siembra enmarcada en la pieza titular. Al toparnos con ‘Run On’, se nos revela la pieza más extensa del álbum con sus 9 ¼ minutos de duración. Su estrategia sonora comienza con un lirismo sereno y cauteloso basado en el hermanamiento de las armonías marcadas por las dos guitarras, un prólogo que espera el ingreso de la batería para empezar a crear un esplendor creciente desde el cual se articula una mágica mezcla de misterio y densidad. El núcleo central exhibe un talante luminoso, pero siempre están esos matices nebulosos que se resisten a abandonar el paisaje sónico general: de este modo, se provoca una efusividad gloriosa y contundente donde la musculatura de los MONO de 2021 y su prestancia de la fase 2006-12 se fusionan compacta y convincentemente. ‘Reflection’ aprovecha los ecos del cénit expresivo del tema precedente para dar un viraje un poco más melancólico a esa prestancia mientras elabora nuevos recursos de suntuosidad progresiva. El moto perpetuo del piano se deja ornamentar por algunos grooves cuasi-jazzeros de la batería mientras la oscilante intensidad de la muralla de guitarreos brinda una flotante sofisticación al entramado sonoro (tangencialmente Crimsoniano con su toque adicional de MOGWAI). ‘Hear The Wind Sing’ emerge como una brisa de aire otoñal en el quieto amanecer del alma. La postura impresionista del centro compositivo va floreciendo a ritmo sostenido sobre un groove calculadamente ceremonioso. El crescendo que signa a la segunda mitad de la pieza es típica de esa majestuosidad etérea que es marca de la casa.

Cuando llega el turno de ‘Hourglass’, la banda decide ahondarse más aún en la senda introspectiva con un realce de sus procesos impresionistas. El inicio impulsado por un teclado solitario es muy propio del estándar minimalista de BRIAN ENO, mas el ingreso de las elegantes y parcas líneas de la guitarra en compañía del ensamble de cuerdas convierte la senda musical en una señorial reflexión crepuscular. Los tres temas que se suceden a partir de ahora duran entre 7 ¼ minutos y casi 8 minutos, portando los respectivos títulos de‘ Moonlight Drawing’, ‘Holy Winter’ y ‘We All Shine’. El primero de estos temas mencionados perpetúa las vibraciones cinematográficas que signaron a la ingeniería de la pieza precedente y las eleva hacia un nuevo ejercicio de magnificencia envolvente y sublime, siendo así que la patente densidad es utilizada para recrear el aspecto más hercúleo del paradigma histórico de MONO. Esto se nota particularmente en las acentuaciones tribales de la batería, las mismas que después se tornan más aguerridas, pero es cierto que este vitalismo funciona sistemáticamente en todos los recursos instrumentales presentes. Las capas de cuerdas finales arman el epílogo perfecto. En lo referente a ‘Holy Winter’, se centra en una nueva excursión en la faceta más evocadora del ideario musical del cuarteto, siendo así que hay efluvios románticos que emanan tanto del núcleo melódico como de los tratamientos de guitarras, piano y percusión con el que se dirige la logística. Una vez ingresado al armazón grupal, la batería instaura un compás lento cuyos ornamentos razonables invitan a la exhalación posterior de un nervio incrementado y, otra vez, unos cautivadores arreglos orquestales. Así las cosas, ‘We All Shine’ tiene la misión de restaurar en parte la vivacidad de los pasajes más extrovertidos que se hicieron presentes en algunos temas previos del repertorio, una vez pasada la sección prologar que continuaba el impacto del sosiego contemplativo sobre el que se apoyó el tema precedente. ‘Time Goes By’ es la segunda pieza más extensa del álbum con sus 9 minutos y pico de duración y también es la que lo cierra. Tras un preludio de cariz cibernéticamente minimalista, su cuerpo central establece una síntesis de los aspectos más etéreos del repertorio anterior sobre un compás de 6/8, siendo así que poco antes de atravesar la frontera del cuarto minuto, el dinamismo se enriquece mientras los guitarreos aumentan su poderío y el ensamble de cuerdas va añadiendo imponentes texturas. Para el epílogo, se reitera la atmósfera inicial con una dosis aumentada de ceremoniosa placidez. La calculada languidez del parsimonioso fade-out es bastante efectiva. 

Con su ambiciosa duración de más  de 71 minutos, “Oath” imponse su autoridad estética como un álbum donde se nos muestra inequívocamente la ostentación que el colectivo de MONO hace de su empuje creativo masivo y renovador para este momento de su larga carrera. Hasta ahora, el grupo ha mantenido una buena reputación como una entidad grupal experta en crear climas atmosféricos de diverso talante dentro del mundo del rock experimental y “Oath” no es la excepción, precisamente. Los despliegues de ingenio, fuerza de carácter y elegancia que se aplican al repertorio de este discoc verifican que el personal de MONO sigue honrando al rock como arte en este año 2024. ¡¡Totalmente recomendable!!

Muestras de “Oath”.-

Run On: https://monoofjapan.bandcamp.com/track/run-on

Reflection: https://monoofjapan.bandcamp.com/track/reflection

Moonlight Drawing: https://monoofjapan.bandcamp.com/track/moonlight-drawing

Time Goes By: https://monoofjapan.bandcamp.com/track/time-goes-by

* Adicionalmente, Susan Voelz escribió los arreglos de cuerdas mientras que Chad McCullough hizo lo propio con los arreglos de bronces. 

Nuevos movimientos en el mundo musical de INNER PROSPEKT

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Nuevos movimientos están acaeciendo en la actualidad del rock artístico italiano. Resulta que el pasado 4 de abril se publicó el nuevo disco de INNER PROSPEKT, el proyecto de música progresiva ecléctica del teclista italiano Alessandro Di Benedetti. “Unusual Movements” es el título de este nuevo álbum y, como es habitual, De Benedetti se encarga de crear todas las composiciones, además de tocar los teclados y la batería, cantar y realizar los samplers. Completan la escuadra instrumental los guitarristas Rafael Pacha, Federico Tetti y Carmine Capasso, el bajista Daniele Vitalone, el saxofonista Giuseppe Militello y Marco Bernard tocando el Shuker Bass. Somnus Media es el sello encargado de publicar este hermoso disco que refuerza la presencia del ideal progresivo en la escena europea del año 2024. El material contenidos en “Unusual Movements” fue grabado, mezclado y masterizado en varias sesiones a lo largo de los años 2022 y 2023; Di Benedetti realizó la producción, además de ser autor de la imagen de la portada y del diseño gráfico. Repasemos ahora el repertorio en sí mismo.           

‘The Bridge’ abre el álbum con un despliegue de vitalidades sónicas donde se cruzan bases cibernéticas y lirismo prog-sinfónico de línea Cameliana, siendo así que cuando el piano se apodera del centro temático, se abre camino a una exhibición de cálida sofisticación melódica. Una mención especial debe ir para la compleja labor del bajo. Se dice mucho en poco más de estos 3 minutos ocupados por este tema de entrada. ‘Mantra’ sigue a continuación para explayarse por un espacio de poco más de 15 minutos; de hecho, se trata de la pieza más extensa del álbum; su letra está inspirada en las alteraciones emocionales e incertidumbres generadas por las medidas de distanciamiento social sistemático para defendernos de esa fatal peste de Covid. Efectos de activación de un mecanismo de relojería introducen la base de un groove inicial que se sitúa dentro de un grácil medio tiempo, el mismo que va llenándose de a pocos con instrumentos que se aúnan a una amalgama meticulosamente definida. La concreción decisiva de la ingeniería colectiva revela una estructura jazz-progresiva donde se conjugan sinfonismo y jazz-fusion con cierto talante ocasional de nu-jazz. Lo que suena aquí es como un híbrido de los GENESIS de 1978, el STEVEN WILSON de 2015, GAZPACHO y NOT A GOOD SIGN. En los diferentes momentos de protagonismo para el saxofón y la guitarra, el ambiente se torna particularmente dramático en medio de una composición que da prioridad a lo introspectivo. La secuencia rítmica de los últimos instantes tiene una elocuencia especial. ‘Winter Day’ es una balada a lo PETER GABRIEL que sigue de cerca la pauta estilística de la maratón precedente, siendo así que su principal misión es acrecentar las vibraciones melancólicas que ya se sienten dominantes. Durando cerca de 12 de minutos, ‘Neverland’ brinda una nueva exhibición de fastuosidad progresiva, y ya desde esas escalas iniciales de teclados y guitarra acústica, uno puede darse cuenta de que la cosa apunta hacia un fulgor renovador y más señorial. En efecto, el cariz envolvente del pasaje prologar muy pronto se transforma en algo aristocráticamente fulguroso cuando entra en acción el ensamble entero. Aunque el tenor reflexivo se perpetúa en el delineamiento de los esquemas melódicos y los grooves, es la emergencia de un jovial interludio extenso (un poco a lo PFM-con-YES-con-JETHRO TULL) lo que eleva a esta composición como el cénit decisivo del disco. Hay un encanto especial en la manera en que la guitarra asume la guía en las instancias finales de dicho interludio antes de que la pieza regresa a su esquema central.

Cuando llega el turno de ‘Just Five Minutes’, el ensamble vira a paso firme sobre la senda del jazz-rock melódico en clave contemplativa. La manera en la que la guitarra va perfilando el desarrollo temático mientras la batería va sosteniendo un swing sereno nos remite a esos clásicos de PAT MARTINO de la segunda mitad de los 70. En algún momento emerge una orquestación elegante y vaporosa que añade más solemnidad al asunto, pero se trata sólo de una variante ocasional desde la que se puede brindar un hálito de efímera frescura al desarrollo temático. Un evocador y hermoso instrumental que signa un momentum peculiar dentro del modus operandi del disco. ‘Around The Corner’ es un tercer tema de generosa duración, esta vez, de alrededor de 11 ¼ minutos. La letra de esta suite refleja todos los matices de la psiquis humana: desilusión, fobias, placer, tristeza, alegría, incertidumbre, júbilo, etc. Todo empieza con un meditabundo preludio de piano bastante enfocado en el estándar impresionista, el cual prepara el terreno para el medio tiempo sobre el cual habrá de instalarse la primera sección cantada, muy emparentada con la serenidad contemplativa que signó a la primera suite del álbum. Más adelante, otras secciones se mueven a través de diversos parajes introspectivos donde el sinfonismo y el jazz-fusion se hermanan bajo atmósferas otoñales. Poco antes de llegar a la frontera del séptimo minuto, el asunto se torna más vivaz y fastuoso, tocando lo celebratorio sin abandonar del todo lo contemplativo. Es en esta manifestación de plenitud expresiva que se establece nexos con los aspectos más fulgurosos de ‘Neverland’, y el ensamble hace muy bien en tomarse su tiempo para explorar este dominio sonoro. Para la sección epilogar se regresa al primer centro cantado, el cual se deja ornamentar por un envolvente solo de guitarra antes de que unas ondulaciones de piano arropadas por etéreas capas de sintetizador forjen la coda. Otro momento culminante del disco. ‘The Question’ trae consigo el cierre del álbum con un parsimonioso despliegue de vibraciones reflexivas que se sitúan a medio camino entre el aspecto romántico de GENESIS y el minimalismo de BRIAN ENO, añadiéndose ciertas acentuaciones de los TALK TALK del último disco. 

Ésta fue la experiencia de “Unusual Movements”, un disco que revela una nueva remodelación de la visión particularmente ecléctica que INNER PROSPEKT encarna dentro del actual escenario progresivo italiano. Muy recomendable para cualquier colección de discos progresivos que se mantenga actualizada con lo que se está haciendo todavía en nombre del ideal del rock artístico.

Muestras de “Unusual Movements”.-

Neverland: https://innerprospekt.bandcamp.com/track/neverland
Just Five Minutes: https://innerprospekt.bandcamp.com/track/just-five-minutes

Around The Corner: https://innerprospekt.bandcamp.com/track/around-the-corner

SUMDEUS: siendo tres a inicios del 2023

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy retrocedemos a los primeros días de enero de 2023 para apreciar el disco “Three Days Refracting”, el cual fue gestado por el trío conformado por Rome Yamilov [guitarra], Kazuto Sato [contrabajo] y Patrick Talesfore, Jr. [batería]. Ellos son integrantes del ensamble SUMDEUS y este trío en particular opera como una entidad autónoma bajo la estructura de ese grupo mencionado: es por eso que el disco que ahora comentamos es firmado por SUMDEUS. Aprovechamos el impacto tan positivo que nos causó su álbum “Somedays” de marzo de este año para echar un vistazo a este trabajo anterior, el cual se concibió bajo condiciones muy diferentes.* De hecho, la propuesta musical de este trío se centra en exploraciones de formas libres y atmósferas electrizantes inspiradas en los patrones más vanguardistas de los lenguajes del jazz y el rock. Robert Kirby aportó algunas labores de procesamiento sonoro al resultado final. El material contenido en “Three Days Refracting” fue grabado domésticamente para ser posteriormente mezclado por el antes mencionado Robert Kirby en el estudio The Noise Shop de Oakland, California. El arte gráfica es de la autoría de Nick Ross. Veamos ahora los detalles estrictamente musicales de este disco.

 
Todo comienza con ‘Warm World’, pieza que dura 5 ½ minutos y que se sitúa en una reorientación psicodélica de estándares del jazz-rock sobre un groove sólido; la fortaleza precisa de las líneas de contrabajo completan cabalmente el encuadre desde donde la guitarra se explaya llenando espacios con afilada inquietud. Dicha inquietud gana en nervio durante el último tercio del tema. Es como si una asociación de RED KITE y GUTBUCKET se hubiese puesto a exorcizar la faceta más intensa del legendario TERJE RYPDAL mientras añade a ésta acentuaciones Hendrixianas. La calma final abre la puerta a la miniatura de 1 minuto y pico ‘Heat Haze’, la cual focaliza el factor bluesero creado para la ocasión en un jam sencillo y portador de una elegante musculatura. Tras esta pequeña recreación, se da la emergencia de la homónima suite tripartita, la misma que se explaya por un espacio de 24 ¼ minutos. ‘Three Days Refracting Pt. 1’ comienza con una actitud sigilosa que se vale de sus propias vibraciones aleatorias a lo free jazz como un mecanismo para tentar alguna confluencia entre los instrumentos actuantes. Hay instantes donde nos parece que estamos ante un momento deconstructivo de los primeros álbumes de GURU GURU, especialmente cuando el asunto se torna crecientemente ígneo. La Segunda Parte comienza con una atmósfera etérea e informe que reemplaza a la borrasca precedente con un paisaje cósmico cargado de indescifrables pulsaciones. El contrabajo tiene un rol más explícitamente destacado dentro de esta nueva serie de exploraciones sónicas, las cuales alternan momentos de calculada incertidumbre con otros de talante explosivo. ‘Three Days Refracting Pt. 3’ es la sección más larga de la suite con su espacio de 10 minutos. También es la única que cuenta con un foco bien definido para el jam central, el cual surge tras un par de minutos de preámbulos tentativos. Tal vez tengamos aquí los fraseos de guitarra más excelsos que Yamilov haya plasmado en todo el álbum: su vitalismo y su aventurero planeamiento de texturas incendiarias se ubican en el perfecto centro neurálgico de la trama colectiva. El relajado epílogo, seguido por risas de camaradería de los tres músicos, completa la faena con un oportuno despliegue de carisma.
 
La pieza curiosamente titulada ‘Two Rays Remaining’ cierra el repertorio y lo hace como un dúo de batería y contrabajo que se entrega a una ágil indulgencia centrada en el regreso a la estrategia de exploración de formas libres. La impredecible soltura de la batería se basta a sí misma para brindar un impulso particular a las continuas deconstrucciones que van teniendo lugar. “Three Days Refracting” es el testimonio verídico del tipo de energía versátil y ecléctica que se respira en los cuarteles musicales de SUMDEUS, un ensamble cuya obra hemos estado descubriendo hace poco y cuya investigación recomendamos honestamente como vía de apreciación de la música vanguardista de nuestros tiempos en los ámbitos simultáneos del jazz-rock y el rock progresivo.  
 
 
Muestras de “Three Days Refracting”.-
Warm World: https://sumdeus.bandcamp.com/track/warm-world
Three Days Refracting Pt. 2: https://sumdeus.bandcamp.com/track/three-rays-refracting-pt-3
Three Days Refracting Pt. 3: https://sumdeus.bandcamp.com/track/three-rays-refracting-pt-3

* Para interés de las personas que leen esto, nuestra reseña de “Somedays” se encuentra en el siguiente enlace: https://autopoietican.blogspot.com/2024/05/sumdeus-una-interesante-vision-de-la.html

La casual fraternidad musical de MARK COOK y STEVEN LEAK

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Todavía no termina el mes de junio y tenemos el gusto de presentar una obra fonográfica muy especial, un EP concebido por la asociación estadounidense-canadiense de MARK COOK y STEVEN LEAK. Son los mismos de THE FOREVER MOMENT, pero ahora decidieron firmar con sus propios nombres individuales. Este EP en cuestión se titula “Happenstance” y fue publicado el 8 del presente mes en formato digital exclusivamente: ojo, que el EP dura poco más de 34 minutos, algo cercano a lo que duran muchos clásicos del rock progresivo de los 70. Esta iniciativa compartida e independiente se originó cuando LEAK, un músico canadiense experto en ambientes electrónicos y soundscapes de tendencia ambient, recibió unas grabaciones de bases armónicas y solo de Warr Guitars con y sin trastes de parte de COOK en el pasado año 2023, siéndole otorgada carta blanca para procesar las maquetas y añadir cualesquiera recursos electrónicos, manipulaciones cibernéticas, ornamentos sintetizados y reestructuraciones que considere adecuadas. COOK también aportó percusiones a las sesiones de grabación mientras las cuatro piezas contenidas en “Happenstance” iban cobrando forma. Una tercera presencia importante en la concreción de esta obra fonográfica es el músico, ingeniero de sonido y productor austriaco Erik Emil Eskildsen, quien realizó ajustes sónicos finales y estuvo a cargo de la masterización. El estilo de  MARK COOK & STEVEN LEAK se centra en una variante densamente lisérgica del ambient progresivo, gestionando una robustez especial para los tapices cósmicos que conforman el núcleo central de cada uno de los temas del disco. Conocemos a COOK por sus asociaciones presentes y pretéritas a HERD OF INSTINCT, SPOKE OF SHADOWS, GAYLE ELLETT & THE ELECTROMAGS, PHASE OF TWILIGHT, sesiones con DJAM KARET, etc. En lo que respecta a STEVEN LEAK, cuya área de trabajo se centra, como dijimos antes, en la electrónica y el ambient, y cuenta con una larga discografía en solitario y diversas asociaciones. Bueno, veamos ya es hora de revisar el repertorio de “Happenstance”.

‘Angels At The Well Of Souls’ inicia las cosas exhibiendo una aureola flotante que, desde sus primeras instancias, hace notar su densidad estructural al modo de una confluencia entre la faceta çósmica de un híbrido de HERD OF INSTINCT y DJAM KARET, la dimensión más cálida de los soundscapes de ROBERT FRIPP y las neblinas ensoñadoras de los TANGERINE DREAM de la fase 1973-75. Asomándose con una bien calculada sutileza, algunos fraseos sobrios de la Warr Guitar aportan unos soterrados recursos de lirismo en medio de la expansión cósmica que va llenando espacios solventemente con el transcurrir de los minutos. El segundo tema del repertorio es el que justamente da título al disco y también es el más largo del mismo con sus 10 minutos y pico de duración. ‘Happenstance’ asume una expresividad más solemne y misteriosa que la de la pieza precedente, centrándose en lo crepuscular mientras hace algunas alusiones a algo sombrío (que no tenebroso). Aunque no ostenta una extroversión tan imponente como aquélla, este segundo tema sí se enfila consistentemente por una senda de perpetuación del surrealismo reinante. Las connotaciones futuristas de esta amalgama de capas y efectos se torna particularmente grisácea en algunos parajes estratégicos. ‘One Shade The More, One Ray The Less’ tiene una fuerte base rítmica (mayormente programada, aunque también tiene unas percusiones reales) sobre la cual se puede movilizar las bases de los sintetizadores a fin de que éstos recubran a las elegantes líneas bajas de la Warr Guitar y, a la vez, ofrezcan un creativo contrapeso al groove fusionesco en curso. El talante ritualístico de la arquitectura sónica preserva con convicción su gancho inherente que, en muchos parajes, apunta hacia lo cinematográfico. He aquí lo más explícitamente vitalista del disco, he aquí también el cénit decisivo del repertorio. ‘Love’s Dark Consolations’ cierra el disco dando un notorio viraje hacia lo introspectivo bajo la guía de la espiritualidad misteriosa emanada de las notas más graves de la Warr Guitar. La eficacia de este momentum es realzada inicialmente por los recubrimientos sintetizados y, más tarde, por unos sobrios fraseos superpuestos de la Warr Guitar que parecen evocar al estándar de BURNT BELIEF a través del filtro de TERJE RYPDAL. 

 
Todo esto fue lo que se nos brindó con “Happestance”, una obra breve pero rebosante de creatividad que demuestra que esta casual fraternidad musical de MARK COOK y STEVEN LEAK fue algo diferente de lo casual, en realidad, siendo más bien el resultado esperable de los diversos trayectos de estos aventureros. Tenían que cruzarse sus caminos alguna vez y, a partir de allí, gestarse un excelente disco. Muy recomendable.
 
 
Muestras de “Happenstance”.-
Happestanstance: https://stevenleak1.bandcamp.com/track/happenstance
One Shade The More, One Ray The Less: https://stevenleak1.bandcamp.com/track/one-shade-the-more-one-ray-the-less   

LUNOPHONE, una exquisita hermandad progresiva ítalo-irlandesa

 

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy presentamos un disco muy especial: su título es “Surroundings” y su ensamble gestor es el dúo multinacional LUNOPHONE. Uno de los integrantes del dúo es el italiano Dario D’Alessando, figura líder del ensamble HOMUNCULUS RES, el otro es el irlandés James Strain, la mitad de los actualmente renacidos RASCAL REPORTERS. D’Alessandro, además de cantar y hacer todas las letras, toca las guitarras eléctrica y clásica, el piano, los sintetizadores, el glockespiel y la pandereta. Strain se hace cargo del bajo, la batería, las guitarras eléctrica y sin trastes, el oud eléctrico, el sitar, el piano acústico y el eléctrico Fender Rhodes, el órgano, los sintetizadores, las orquestaciones MIDI, la gangsa gamelán, el Nuvo DooD y algunas percusiones surtidas. El disco en cuestión fue publicado el pasado 19 de junio (hace muy poco) por el sello AltrOck Productions. D’Alessandro es el autor de la portada y del diseño gráfico. Las composiciones son divididas entre los dos músicos y las grabaciones se repartieron entre sus respectivas residencias en Italia e Irlanda; dichas grabaciones y los arreglos ulteriores que llevaban a nuevas pistas se iban concretando en los estudios domésticos de ambos entre octubre de 2023 y abril de 2024. Los procesos de mezcla y masterización quedaron en manos de Strain. En líneas generales, la propuesta musical de este dúo está bien asentada en un enfoque melódico de lasí llamado neo-Canterbury con varios espacios para el desarrollo de aspectos prog-sinfónicos, jazzeros y de art-pop. También hay algunos aspectos experimentales que se insertan efímeramente por aquí y por allí para enriquecer la grácil vivacidad que resulta predominante a lo largo y ancho del repertorio contenido en “Surroundings”. Los temas no suelen ser muy largos, siendo así que el 75% de ellos se sitúa en duraciones entre poco menos de 2 minutos y poco menos de 4 minutos: repasemos ahora sus detalles. 

 
Durando poco menos de 2 minutos, ‘Lunaria’ aparece para dar el puntapié inicial a las cosas, explayándose en un refinado vuelo instrumental cuyo cálido desarrollo temático está ornamentado con algunos matices cósmicos. A partir de allí, la dupla de ‘Cíoch Charraige’ y ‘Un Giorno O Due’ se hace cargo de expandir tempranamente el colorido peculiar de la propuesta musical de este dúo. El primero de estos temas mencionados establece una muy pulida cruza entre los CARAVAN del primer álbum y el KEVIN AYERS del segundo, generándose un aura sofisticada merced a la autoridad que tienen los guitarreos a la hora de guiar el esquema melódico. También causa impacto el groove jazzero de la batería a través del inusual tempo. En cuanto a ‘Un Giorno O Due’, éste asume un talante un poco más nostálgico, el mismo que se deja arropar por las mesuradamente densas orquestaciones de los teclados. Da pena que una pieza con tal encanto sea tan breve, pero es que llega el turno de ‘Dalbhdha’ y su delicada exhibición de joviales extravagancias a lo PICCHIO DAL POZZO a las que se añade algún barniz de los primeros SOFT MACHINE. ‘Ametista’ aumenta un poco la jovialidad con su cuerpo central al estilo del pop psicodélico de fines de los 60, adornado con un interesante quiebre progresivo en el intermedio. Cuando llega el turno de ‘Aduantas’, el dúo se detiene a explorar sesudamente el área jazz-progresiva para brindarle la mayor suntuosidad en lo que va del disco. En medio de la convincente fuerza de carácter aquí plasmada, el vigor es aterciopelado y la vitalidad es sofisticadamente luminosa. ‘Miglior Vita’ hace sentir su orientación hacia un terreno un poco más solemne desde su prólogo de piano; con todo, la exquisitez de los arreglos de los centros melódicos y del swing siguen la pauta trazada por varias piezas precedentes. Hay una excelencia rotunda en el modo en que el clímax conclusivo es seguido por una hermosa coda de guitarra clásica, una magia aristocrática que hace de esta canción uno de los cénit decisivos del repertorio junto a ‘Dalbhdha’ y ‘Amatista’... por ahora, porque todavía hay más por disfrutar, 

 
‘Uchtóg Mhoillithe’ retoma algunos aspectos reflexivos que tuvieron una importante presencia en algunos temas precedentes.* La exuberancia de los fraseos solistas y armonías de la guitarra dan una prestancia especial al ensamble en bloque. La inserción de un envolvente interludio permite el refuerzo de la labor de los teclados a través de la extroversión aumentada que signa al último tercio de la pieza, erigiéndose ésta como otro momento culminante del disco. También tienen un encanto especial esos tarareos reminiscentes de los SOFT MACHINE de 1968 y el AYERS de 1969-73. ‘Zuppa La Sera’ hace gala de su proyección de preciosismos progresivos, manejándola dentro de una ingeniería meticulosamente subsistente a la rica ilación de motivos. Dice mucho en sus poco menos de 4 minutos al capitalizar los ecos de suntuosidad de las dos canciones precedentes. El décimo tema del disco porta el muy digno título de ‘René Magritte’ y su misión principal consiste en establecer una grácil confluencia entre el señorío versátil y fulguroso de la pieza precedente y los procesos jazz-rockeros que ya conocemos muy bien a estas alturas del partido. El empleo d algunos recursos rítmicos cibernéticos nos recuerda a la línea de trabajo de REGAL WORM. El penúltimo tema del repertorio es el más largo del mismo con su espacio de 5 ½ minutos; su título es ‘Scarpe Rotte’ y su estrategia sónica es patentemente extrovertida en su primer cuerpo central. Manejando ritmos inusuales que se ensamblan con impoluta fluidez, el desarrollo temático se mueve ágilmente bajo el impulso de su propia luminosidad. En una segunda instancia, el dúo vira hacia lo ceremonioso con un enfoque grácil de las capas impresionistas de teclados que van guiando al bloque instrumental. ‘Anonimo’ trae consigo el cierre del álbum al modo de una semi-balada progresiva marcada por un tenor contemplativo, siendo así que su minúscula coda nos toma por sorpresa con sus agitaciones jazz-progresivas. Todo esto es lo que nos brindó el colectivo de LUNOPHONE con “Surroundings”, un disco bello y radiante cuyos fulgores sónicos lo hacen merecedor de una amplia recomendación al 200% (un 100% por cada integrante) dentro de cualquier fonoteca progresiva mínimamente buena.

 
 
Muestras de “Surroundings”.-
Dalbhdha: https://lunophone.bandcamp.com/track/dalbhdha
Aduantas: https://lunophone.bandcamp.com/track/aduantas
Miglior Vita: https://lunophone.bandcamp.com/track/miglior-vita
Ucht​ó​g Mhoillithe: https://lunophone.bandcamp.com/track/ucht-g-mhoillithe
Scarpe Rotte: https://lunophone.bandcamp.com/track/scarpe-rotte

* He aquí las traducciones para los títulos de estas piezas nombradas en gaélico irlandés: Cíoch charraige significa anémona marina, Dalbhdha significa brujería, Aduantas designa una sensación extraña de temor en un área poco conocida y Uchtóg mhoillithe significa banda de frenado.

ANTHONY PHILLIPS: memorias de una danza del año 1990

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy echamos la mirada atrás al legado del maestro ANTHONY PHILLIPS, más precisamente, al año 1990, cuando publicó ese hermoso disco titulado “Slow Dance”. Éste contiene la suite mencionada en dos partes, siendo la música contenida en ellas una cruza entre prog sinfónico y new age con un claro enfoque de suntuosidad y preciosismo a través de sus numerosas ilaciones melódicas. A lo largo del material compuesto íntegramente por el propio PHILLIPS, éste toca los sintetizadores, Roland Jupiter-8, E-mu Emax y Casio CZ-5000, las guitarras acústicas de 6 cuerdas Ovation y 12 cuerdas Alvarez, la eléctrica Fender Stratocaster y la clásica Yari, el bajo sin trastes Gretsch, y los secuenciadores de ritmos Roland TR-808, TOM y Yamaha QX5. Adicionalmente, también aparecen Martin Robertson (clarinete), Ian Hardwick (oboe), Michael Cox (flauta y pícolo), Tjborn Holtmark (trompeta), Julie Allis (arpa), Ian Thomas (batería) y Frank Ricotti (percusión), además del Speachi Quartet bajo la conducción de Ralph Bernascone, y algunos arreglos de cuerdas bajo la conducción de John Owen-Edwards. Las sesiones de grabación de esta magna obra tuvieron lugar en Vic’s Place, los Clapham Studios y los CBS Studios (los arreglos de cuerda dirigidos por Owen-Edwards), todos ellos situados en Londres, entre junio de 1988 y marzo de 1989. PHILLIPS y Simon Heyworth se repartieron las labores de ingeniería de sonido, con aportes de John Gibbons. Publicado por el sello Virgin el 24 de setiembre de 1990, tanto en CD como en vinilo y en casete, tiene la distinción de ser la última obra fonográfica de este maestro que fue publicada en estos tres formatos. Tras una reedición de dos CD y un DVD por el sello Esoteric Recordings del año 2017, “Slow Dance” ha vuelto a ser reeditado por el mismo sello en este año 2024 como un doble CD con el álbum original y otro volumen de maquetas (‘Vignettes’), y para esta ocasión, Heyworth volvió al ruedo para dirigir el proceso de remasterización en el estudio Super Audio Mastering, en Chagford, Devon. 

Este disco resultó ser uno de los más exitosos dentro de la carrera de ANTHONY PHILLIPS, pero el tiempo de su ideación y subsiguiente gestación estaba lleno de incertidumbre y descentramiento debido a que este maestro, a pesar de llamar la atención en el marcado de la new age con el Volumen VII de “Private Parts & Pieces” y la pronta culminación de “Tarka” en asociación con HARRY WILLIAMSON, el sello Passport Records dejó de actuar como difusor del material de PHILLIPS en mayo de 1988. Eso no sólo significaba que él se quedaba sin un contrato de grabación y estaba privado de cualquier adelanto económico para empezar a financiar futuras grabaciones, sino que se veía incapaz de pagar su reciente deuda con el management de Hit & Run en la compra de nuevos sintetizadores. PHILLIPS ya había estado escribiendo la mayor proporción de los centros temáticos para lo que habría de ser “Slow Dance” y ahora estaba en una situación en la que consideróa la idea de dejar de pensar en cualquier disco futuro y buscar trabajo componiendo música para documentales y demás, pero... al final decidió concentrarse en el plan inicial mientras esperaba que la logística laboral mejorara, y así fue que la composición del nuevo material se desarrolló hasta su forma final, pensada como una suite en dos partes de forma semejante a la de “1984” (1981). Una ventaja para la relativamente pronta compleción de la Parte 1 fue la disponibilidad de músicos de sesión que aparecieron en discos anteriores de PHILLIPS y, ante todo, la presencia de Simon Heyworth al frente de la ingeniería de sonido. Ya para fines del verano de 1989, el título provisional del proyecto había cambiado de “Album ‘88” a “Project 2”, y fue en esta instancia que cierta gente de Virgin Publishing conoció esta maqueta y mostró interés en contratar a PHILLIPS como compositor para el departamento de Filmes y TV. Las negociaciones de rigor llegaron a buen puerto y el buen ANT pudo obtener un adelanto financiero que, entre otras cosas, le permitió saldar su deuda con Hit & Run. Esta bendición no vino sola, pues también llegó el turno de Virgin Records para brindarle un contrato de grabación, y además de eso, un contrato de reedición de toda su discografía precedente. Lo primero que se concretó de este nuevo contrato fue el primer volumen de “Missing Links”, titulado “Finger Painting”, en diciembre de 1989.* Con estos múltiples beneficios derivados de este nuevo giro positivo de la rueda de la fortuna y los vientos del azar del negocio musical, PHILLIPS contaba con recursos para terminar el disco y sacarlo al mercado, pero... ¿con cuál título? Se barajaron nombres tales como “Time & Tide” y “Field Day” (a la postre, títulos de discos posteriores del buen ANT), pero “Slow Dance” fue el que quedó por sugerencia de un ejecutivo de Virgin Records llamado Declan Colgan, quien señaló que la música sonaba a algo para ballet.

Repasemos de una vez los detalles de este disco. La Parte 1 comienza con una breve introducción marcada por nebulosas cortinas de teclado acompañadas de efectos de viento, hasta que surge el arpa, seguida de la flauta y oboe, para instalar una cautivadoramente hermosa melodía y sus correspondientes variaciones, en consonancia con los sintetizadores y el ensamble de cuerdas. Todo lo que ocurre hasta ahora es como el paisaje sonoro de un oasis donde se cruzan sensaciones de elevación contemplativa y plácidas visiones de esplendores delicados; estos últimos se matizan momentáneamente con capas graves que parecen aludir a algo misterioso. Las siguientes dos secciones son notoriamente más sutiles, trabajando con orquestaciones y contrapuntos delicados: a veces se insertan algunas líneas del esquema melódico inicial. Lo que suena aquí nos remite, a veces, a los elementos sinfónicos del Vol. VII de la serie “Private Parts & Pieces”. En la frontera del minuto 12 emerge sorpresivamente una sección más rápida, la cual ostenta un tenor exótico, donde las marimbas marcan la base y la guitarra eléctrica emite unas texturas bastante efectivas. Su irrupción es poderosa, aunque no totalmente abrupta, pues acoge el mismo lirismo meticulosamente perfilado de antes. Es notable el acento mesurado que aportan las líneas de guitarra dentro de esta inesperada celebración; esto se nos antoja muy similar a los aspectos más ambiciosamente telúricos del OLDFIELD de “Crises”, “The Killing Fields” y “Islands”, valgan verdades. Con el breve regreso del motivo inicial se crea un puente a una sección celestial, la cual está centrada en una coral sintetizada desde la que se focalizan los demás instrumentos actuantes. Los últimos ocho minutos exhiben secuencias amables que se suceden con total fluidez, siempre marcadas por el suave protagonismo de los teclados, y contando con ocasionales toques de guitarra eléctrica y acústica que aportan matices eficaces al cristalinamente fastuoso paisaje sónico. Así las cosas, el terreno está preparado para la emergencia de un hermoso epílogo cuya claridad melódica está signada por una cristalina placidez que también es parte de los paradigmas de CAMEL, GENESIS y THE ENID. La obediente estructura rítmica de la batería y los sobrios fraseos de la guitarra eléctrica rodean cabalmente a la orquestación central, la cual se vale de sí misma para elaborar la coda. 

Manteniéndose fiel al sistemáticamente flotante lirismo sinfónico que signa al disco como un todo, la Parte 2 porta un carácter un poco más juguetón que la Parte 1, siendo así que inicia su aserción específica con un pasaje prologar elaborado al modo de una danza china dirigida por armonías de una cajita musical sintética. Con un golpe de gong pasamos a otra sección más patentemente intimista, la cual está marcada por cortinas de teclado y evocadoras líneas de clarinete. El mismo intimismo se disfraza de amable simplicidad con una posterior ilación de motivos fluidamente conectados bajo un signo similar; en uno de ellos reemerge el motivo introductorio, esta vez operando como un ornamento dentro de la base armónica general mientras un loop sintetizado opera como impulsor de una renovada aura extrovertida. En la frontera del minuto 12 surge un golpe de ruptura que da inicio a un interludio envolvente y textural, un cautivador ejercicio de minimalismo cinematográfico que, a su vez, funge como puente hacia un pasaje más extrovertido que refleja una bien perfilada organicidad sobre un compás realmente veloz. Es en este momento que emergen orquestaciones rebosantes y entusiastas, las mismas que, a veces, gestan unos giros un tanto exóticos donde se vuelven a asentar algunos motivos inmediatamente precedentes. Mientras estamos en un territorio afín a los TANGERINE DREAM de 1982-85, este recurso de constantes retornos a viejos motivos funciona para crear una unidad dentro de la obra. De hecho, otro golpe de ruptura posterior supone la vuelta de unas capas absorbentemente solemnes; una vez más, el cuerpo melódico se sustenta en un regreso de algunos motivos utilizados anteriormente, y a estas alturas del partido, PHILLIPS pone sobre la mesa la estrategia para empezar a cerrar el círculo trazado por este opus. En este momento, la ilación del motivo inicial de esta Parte 2 y el introductorio de la Parte 1 se elabora con una poco escondida suntuosidad que está trazada por vibraciones ceremoniosas, siendo así que ambos núcleos melódicos van confluyendo en un armazón contrapuntístico etéreo y sumamente refinado. Una idónea expresión de intensidad romántica para una composición que merecía un cierre a lo grande.

El volumen 2, titulado ‘Vignettes’, contiene varias maquetas preparatorias de esta magna obra. La primera es ‘Theme From Slow Dance’, el cual contiene la sucesión de tres motivos recurrentes en un marco de poco más de 3 ½ minutos, una síntesis compositiva pensada como posible single. Después sigue una mezcla alternativa de ‘No Way Out’, la cual realza las vibraciones orquestales de la composición central mientras aligera un poco la dimensión progresiva de su lugar original dentro de la suite. Más adelante encontraremos una mezcla original de esta sección con la batería de Ian Thomas, así como una versión abreviada y un poco más lenta de una de las secciones de la Parte 1, pensada como single, pero que permaneció inédita hasta esta reedición. En medio de todo esto encontramos unas joyas bien definidas como ‘A Slower Dance’, ‘Guitar Adagio From Slow Dance’ y la maqueta de ‘Touch Me Deeply’. La primera de estas piezas se enfila hacia un reordenamiento de uno de los motivos recurrentes de la suite en clave de ambientación cinematográfica, apelando a un esquema sonoro que reconocemos como uno muy común en los tiempos de la segunda mitad de los 80 y la primera mitad de los 90: gran bloque de armonías y melodías que se asocian a través de un pulcro enfoque digital. En cuanto al ‘Adagio’, se trata de un realce de la espiritualidad cálidamente primaveral que se impuso en el último tramo de la Parte 1. El preciosismo mágico ínsito en el modo en que la guitarra guía la estructura melódica es un estándar atemporal del maestro PHILLIPS. La tercera pieza mencionada es una composición independiente que, en base a la guía del piano, articula una estructura melódica evocadora y bastante agradable, muy motivada por esquemas románticos dentro del discurso de la new age. ‘Clarinet Sleigh Rides’ es otra composición nueva que se posiciona más cercanamente al paradigma de MANNHEIM STEAMROLLER con algunos matices heredados de las exploraciones en la electrónica lírica de algunas piezas de “Private Parts & Pieces VII: Slow Waves, Soft Stars”. La viñeta que cierra la reedición es ‘Lenta Chorum’, que es el arreglo orquestal para la penúltima sección de la Parte 2. 

En palabras de ANTHONY PHILLIPS, fue todo un riesgo apostar por la grabación de una composición de tal envergadura en un tiempo en que no contaba con un contrato de grabación concreto y mientras seguía pendiente la publicación efectiva de “Tarka”, pero el riesgo de gestar “Slow Dance” se retribuyó con creces al convertirse en uno de sus discos más exitosos. Cedemos la palabra al propio autor: “Ahora se ve como algo sabio y sagaz, pero en ese momento era como ser un funambulista sobre una cuerda de alambre en medio de una tormenta; muy fácilmente pudo haber salido mal este asunto. […] «Slow Dance» es algo que, en retrospectiva, tiene mucho sentido, pero en ese momento fue como un gran salto al vacío. Más allá de sus posibles fallas, este álbum tiene estructura, tiene estructura y tiene mucho significado para mucha gente. Creo que lo que más me gusta del álbum es que, durante su evolución, se podía ver cómo los temas se iban usando y entretejiendo. Cuando llegué al final, tenía la sensación de que era como el fin de un viaje mientras entendía que algo que funcionaba al comienzo también funcionaba en la conclusión.” Palabras muy elocuentes que complementan (o incluso podrían reemplazar) a lo que hemos aspirado a explicar en esta retrospectiva. En resumen, “Slow Dance” es una obra cumbre del maestro ANTHONY PHILLIPS, la cual le permitió cerrar una década a lo grande y alumbrar nuevas energías creativas para las siguientes (incluyendo un nuevo disco a dúo con HARRY WILLIAMSON un par de años después). Aunque se insertó en aquel momento en el mercado de la new age, en realidad, se trata de una joya inmortal de la música progresiva británica desde los 80 en adelante que merece un lugar destacado en cualquier colección mínimamente buena.

Muestras de “Slow Dance”.-
Slow Dance (Part 1): https://www.youtube.com/watch?v=bm2w3QZHeXE
A Slower Dance: https://www.youtube.com/watch?v=AxXP0UIw9HM
Guitar Adagio: https://www.youtube.com/watch?v=SxLRqm738u0  
Clarinet Sleigh Ride: https://www.youtube.com/watch?v=AUBBCAWiWwU

[Esta retrospectiva está parcialmente inspirada en una reseña publicada en la página web de La Caja De Música. Aquí está el enlace de la misma: https://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/Discos/anthonyphillips_slowdance.html]

* La serie de discos “Missing Links” recoge composiciones de música de librería, jingles, fondos para documentales y comerciales televisivos. En el año 2020, el sello Esoteric Recordings publicó una caja con los cuatro volúmenes de dicha serie, 

UPPSALA: un excelso referente de la música avant-progresiva francesa de los 70 y los 80

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy viajamos a la escena vanguardista francesa de los 70 y los 80 para toparnos con UPPSALA, un grupo que llegó a legar para la posteridad un disco homónimo en 1984 antes de desaparecer del mapa. La alineación de UPPSALA a la hora de gestar “Uppsala” estaba conformada por el trío permanente de Philippe Cauvin [guitarras eléctricas de 6 y 12 cuerdas, guitarra clásica y canto], Dany Marcombe [bajo sin trastes] y Didier Lamarque [batería y percusiones], la misma alineación original que inició sus operaciones allá en el año 1976. Contemos con más detalles la prehistoria y la historia de este estupendo ensamble francés. Hubo un tiempo en que el guitarrista Philippe Cauvin, con tan sólo 17 años de edad, pasó la banda PAPOOSE y luego formó parte de ABSINTHE, cuya última alineación incluía al bajista Dany Lacombe en el año 1974. Una vez disuelto este grupo, Lacombe ingresó a XALPH, un grupo que tenía un proyecto paralelo denominado MUSIQUE D’ICI ET MAINTENANT, el cual acogió a Cauvin y al percusionista Didier Lamarque. Cauvin, Lacombe y Lamarque no tardaron mucho en congeniar y armar el trío UPPSALA con la intención de crear música vanguardista donde convergieran el rock y el jazz-fusion. Siendo fans de SAMLA MAMMAS MANNA y, encima, habiendo tenido el placer de conocer a un integrante de la susodicha banda sueca emblemática de la primera generación de avant-prog (a la sazón, Costa Apetrea) y a Jukka Tolonen, del grupo finlandés TASAVALLAN PRESIDENTTI, escoger la ciudad del primer grupo mencionado como su nombre. A lo largo de la segunda mitad de los 70, el trío logró cautivar a un público de culto con varias giras nacionales y ocasionales participaciones en festivales y conciertos sueltos en el extranjero. El año 1979 fue de mala suerte, pues en marzo de ese año, el grupo sufrió un accidente en Bélgica mientras giraba allí. Lamarque sufrió algunos daños serios, pero Lacombe estuvo peor con su impedimento de usar las piernas, por lo que Cauvin, mientras esperaba a que sus compañeros se recuperasen, se puso a grabar su primer álbum solista y algunas piezas para recopilaciones de rock experimental francés. Llegó el año 1981 y con él, un nuevo amanecer para UPPSALA: el trío estaba recuperado y listo para hacer una gira por 15 ciudades. Esta fuerza de voluntad se terminó traduciendo en la grabación de su disco homónimo en el año 1983 en el Studio Carat de Burdeos, bajo los auspicios del sello KI Records. Philippe Ravon y Jean-Marie Avisse fueron los ingenieros de sonido. “Uppsala” se publicó al año siguiente, conteniendo composiciones de los tres músicos: ahora pasamos a revisar sus detalles.

Durando 4 ½ minutos, ‘Algarade’ abre el disco instaurando un ambiente vivaz y tenso, logrando crear una atmósfera de traviesa neurosis. Con las sofisticadas pulsiones de la batería y las virtuosas líneas del bajo armando una ingeniería saltarina, los laberínticos guitarreos van ubicando sus diversos focos a lo largo del camino: es como si los HENRY COW del primer álbum hibiesen sido domesticados por los MAHAVISHNU ORCHESTRA del segundo. La labor del baterista, más bien, se halla ligada al paradigma de RETURN TO FOREVER. Con todo el refinamiento del que hacen gala los tres músicos en sus vitalistas interacciones, se deja sentir también un filo recio. El segundo tema del disco, que justamente se titula ‘Coste And Jukka’, permite que el jolgorio se perpetúe y remodele con proactivo lirismo hasta llevarlo hacia una senda de inocente dadaísmo. El título no es caprichoso ni engañoso: acusa bastantes influencias del paradigma de SAMLA MAMMAS MANNA con sus añadidos toques del modelo de ZAO (los tres primeros álbumes). Como ya dijimos más arriba, los músicos de UPPSALA eran fervientes admiradores de la avanzada progresiva escandinava y aunque ya se podía notar esa admiración en el primer tema, el segundo es la confesión sin atenuantes. La plasmación de un lirismo más sereno para este tema permite al groove armado por la dupla rítmica jugar con algunos espacios vacíos. ‘Les Nouvelles’ elabora una saltarina síntesis de los climas y grooves recurrentes en los dos temas precedentes mientras permite al bajo abrise espacios de lucimiento dentro del encuadre general. Los falsetes son más definidos y parcos, por lo que su función es más cándida que satírica; esta faceta se hace presente en el cántico final. Cuando llega el turno de ‘Boucle Aux Oiseaux D’En Face’, la pieza más breve del disco con sus 2 ½ minutos de duración, el grupo se dispone a dejarse llevar por un swing más reposado a fin de dejar que la guitarra clásica guíe grácilmente la eficiente concreción del talante gentil de la composición misma. ‘Coup De Folie’ abre el lado B del long play y lo hace asentando una especie de cruza entre los TALKING HEADS del tercer álbum y los KING CRIMSON de 1981, añadiéndose algunas piruetas burlonamente ceremoniosas que resuenan convincentemente a la manera de un Zeuhl Zappianamente dislocado. He aquí lo más cercano que se sitúa la gente de UPPSALA a la faceta aventurera de la new wave de aquel entonces... Y, de paso, crear una momentánea afinidad con sus compatriotas de ETRON FOU LELOUBLAN.  

‘Etude N° 1’ es un hermoso y cautivador ejercicio de jazz-rock a lo WEATHER REPORT con ágiles ornamentaciones progresivas, destacándose principalmente las extravagantes florituras del bajo en los cimientos del terreno donde la guitarra despliega sus estupendos solos.* También hay algo mágico y potente en la exultante labor de la batería, que regresa de lleno al exquisito refinamiento del que hizo gala en los tres primeros temas del repertorio. Por su parte, los cánticos en falsete que emergen en las secciones inicial y final nos remiten de nuevo al paradigma de SAMLA MAMMAS MANNA, añadiendo acentos de perverso surrealismo al inocente dadaísmo de siempre. Durando más de 12 ½ minutos, la pieza que justamente se titula ‘Uppsala’ cierra el disco con excelsa grandilocuencia. Comienza con una calidez semejante a la del tema #4, pero pronto anuncia el componente de garra contenida con el que se irá elevando de a pocos la dosis de fulgor sonoro en el persistente dinamismo jazz-progresivo. Poco antes de la frontera del cuarto minuto, tras una efímera parada estratégica, el ensamble arma un nuevo motif sobre una ingeniería rítmica razonablemente compleja; mostrando unos parcialmente disimulados recursos de aspereza, el jam sigue avanzando a paso firme, sin negar su majestuosidad esencial. Por enésima vez, los falsetes son utilizados en algunos pasajes para insertar travesuras metafísicas dentro de la maraña instrumental. En general, lo que suena en este momento suena lo que parece el eslabón perdido entre ESKATON, SMM y ZAO. Tras un final reposado, la coda se explaya en una explosividad cuasi-caótica. La edición en CD de “Uppsala” que produjo Musea Records en el año 2001 añade tres bonus tracks tomados de un concierto de reunión y despedida que tuvo lugar en Burdeos el 11 de mayo de 1995: ‘Antrada’, ‘Chant De Nuit’ y ‘Entrechocs’. En ellos, el grupo opera como cuarteto con la presencia de Freddy Buzon a los sintetizadores y la trompeta. El primero de estos temas mencionados se explaya ágilmente por las arenas del jazz-rock con una base progresiva a lo Canterbury que se deja contaminar por el estereotipo de ESKATON. ‘Chant De Nuit’, por su parte, gesta un viaje sereno y sutilmente crepuscular en poco más de 3 minutos, logrando combinar eficientemente lirismo y posicionamientos deconstructivos. Finalmente, ‘Entrechocs’ despliega un vitalismo soberbio cuya primera mitad consiste en un electrizante solo de batería para luego ampliarse en un trayecto grupal al estilo de un híbrido entre la MAHAVISHNU ORCHESTRA y la banda de ALLAN HOLDSWORTH. El fade-out indica que esto duró más de los casi 6 minutos que se le otorga en este ítem fonográfico.  

  

Todo esto fue lo que el colectivo de UPPSALA nos brindó en su disco homónimo, el único trabajo fonográfico en formato de LP que llegó a registrar en el mercado a lo largo de su no tan breve existencia. También existe el casete homónimo de 1986 que incluye una nueva versión de un tema del LP y otros nuevos, estando UPPSALA aumentado con la presencia de Serge Korjanevski a los sintetizadores y el saxofón alto. No sólo eso, además hay un CD publicado en el año 2022 que se titula “Live In Bordeaux 1982”, el cual fue coproducido por Aqui Label Musique y Musea Records: este ítem es una muestra de la vitalidad y creatividad que destilaba el trío en esos tiempos previos a su disco de estudio. El sonido no es de lo mejor, a decir verdades, pero hay un tema como ‘Décorum’ que refleja una ingeniosa cruza entre la visceralidad jazz-rockera, la deconstrucción avant--progresiva y el oscurantismo Crimsoniano. También aparece ‘Uppsala’ durando 16 minutos. Tras la disolución de UPPSALA a fines de los 80, Cauvin se concentró en su carrera solista, grabando a veces discos bajo la firma del PHILIPPE CAUVIN GROUPE, mientras que el baterista Lamarque pasó a ser sesionista, apoyar en algunos de los primeros discos de MINIMUM VITAL y formar parte ocasionalmente de POST IMAGE. Marcombe también ha sido sesionista e integrante de POST IMAGE, además de XALPH. El teclista-vientista de la última época Korjanevski tiene una larga trayectoria haciendo música para eventos multimedia, documentales y un puñado de discos de música experimental. Todo esto fue lo que se legó para la posteridad desde la fábrica de hacer buena música progresiva del grupo francés UPPSALA en los 70 y más allá. Nuestras palabras de gratitud para con esta gente por haber sido un excelso referente para la escena avant-progresiva de la Europa de los 80 y habernos brindado un disco que es totalmente recomendable en cualquier colección mínimamente buena de rock artístico. 

Muestras de “Uppsala”.-

Algarade: https://www.youtube.com/watch?v=1LUhE6eqWP0

Les Nouvelles: https://www.youtube.com/watch?v=wNkBJcNE4JA
Etude N° 1: https://www.youtube.com/watch?v=azOsVI-eCD4

Uppsala: https://www.youtube.com/watch?v=p8aOCINFRek
Antrada: https://www.youtube.com/watch?v=LIHjLtbFMeY

* Aprovechamos la ocasión para señalar que este tema, así como ‘Boucle Aux Oiseaux D’En Face’, ya formaban parte del primer álbum solista de Philippe Cauvin “Climage”, publicado en 1982 por el mismo sello KI Records.