Tercera etapa del reino musical de GASPARD

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Hoy echamos un vistazo un poco tardío al tercer trabajo fonográfico del grupo franco-canadiense GASPARD: el disco en cuestión se llama “Le Roi Farfisa” y fue publicado el 4 de octubre del pasado año 2024. El colectivo conformado por Charles Le Pailleur [bajo y contrabajo], Olivier Turbide [batería, percusión y sintetizadores], William Parent-Senez [guitarras] y Romain Paquette [guitarras] ha decidido darle un giro más aguerrido y oscurantista a su propuesta híbrida de brutal prog, avant-prog y metal experimental con ocasionales tintes psicodélicos de base stoner. Tras sorprendernos gratamente con sus dos obras anteriores “La Forêt De Gaspard” y “Vertiges” (de 2019 y 2021, respectivamente), ahora con “Le Roi Farfisa”, la gente de GASPARD nos brinda un disco conceptual sobre la dimensión ficticia del título, un ámbito maldito habitado por gárgolas, vampiros y quimeras. El Rey Farfisa es el monarca, un ser impredecible y caprichoso que invita a sus súbditos a organizar fiestas, tiene encuentros con dignatarios infernales y devora desmedidamente banquetes inmundos. Al fin y al cabo, se trata de una alegoría simbolista-surrealista de la senil y decadente aristocracia con su banal vanidad que marca sus patéticos ideales existenciales. La cautivadora portada de Eric Braun evoca muy eficazmente esta imaginería. El material contenido en este nuevo disco fue registrado en el Studio Madame Wood en enero de 2024, siendo posteriormente masterizado por Harris Newman en el el estudio Grey Market Mastering. Repasemos ahora el material mismo.

Abre el disco ‘Chiroptera’, cuyo inicial empuje cuasi-tribal es manejado con refinadas vibraciones grisáceas de corte psicodélico. La presencia de elementos punk-jazz en el swing armado por la dupla rítmica permite a los guitarreos soltarse confiadamente en sus vuelos punzantes mientras el ensamble integral disfruta de su propia garra solemne. La subsiguiente díada de ‘Le Bal Des Réflexions’ y ‘L’infinie Collection De Masques Du Monstre Complexe’ permite al cuarteto explorar sus caminos de expresión con creciente intensidad. El primero de estos temas mencionados se arroja a un arquitectura rockera machacona que coquetea ligeramente con el stoner mientras recibe algunas herencias simultáneas de HAWKWIND y GURU GURU. Más exactamente, el vigor arrollador de los primeros y la musculatura señorial de los segundos. Mientras va avanzando, la majestuosidad sónica de la pieza va acrecentando su delirio estructural en rumbo hacia el drástico golpe final (y las ovaciones humorísticas). En cuanto al otro tema mencionado, que es el más extenso del disco con sus cerca de 7 minutos de duración, se trata de otro ejercicio de sofisticada grandilocuencia que se encuadra dentro de un refulgente poderío. Lo que suena aquí sigue resguardando recursos de space-rock progresivo, siendo así que el desarrollo musical se enriquece con factores del prog-metal y del jazz-rock. La función principal de ‘Symptômes De Terreur’ es la de situar algunas instancias de relativa sutileza en medio de un nuevo despliegue de aristocráticas ebulliciones rockeras a las que ya nos estamos acostumbrando. Las secciones más calmadas muestran unas texturas renovadoras en los entramados de los guitarreos; las más agitadas se emparentan con el legado de DON CABALLERO. ‘Entre Les Murs’ se articula prioritariamente sobre un esquema rítmico razonablemente lento, lo cual sirve al grupo para explorar y delinear cromatismos misteriosos y más densos que los desplegados en cualquiera de los temas precedentes. Un pasaje tensamente oscurantista plantea un clima inquietante desde donde se organiza el extenso epílogo. 
 
‘Le Chant Des Guillotines’ emerge desde los postreros desasosiegos cósmicos del tema anterior para enfilarse por una rotunda confluencia de brutal prog,  avant-metal y space-rock. Con apabullantes grooves y llamaradas sónicas bien enraizadas en una ingeniería intrépida, la fuerza colectiva, tan ácida como es, se erige como un fulgor extraterrenal que proclama su propia neurosis. Cuando llega el turno de ‘Dix Heures Trente-Quatre’ recibe gustosamente los ecos de los temas #3 y #4 mientras refuerza el uso de ciertos recursos math-rockeros en algunas instancias de la ilación multi-temática. La labor de la batería resulta especialmente significativa a la hora de sustentar el enclave orgánico en la confluencia de los otros instrumentos, así como en la necesidad de mantener consistentemente las expansiones luminosas en curso. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘Corridor (Déjà-vu)’. Esta pieza se inicia con un talante solemne para poco después virar hacia una señorial mezcla de lo visceral y lo misterioso. Es como una caminata que sigue diversas cadencias mientras surca sendas dentro de un enclave cuánticamente post-metalero. Es encomiable la lucidez con la que el garbo colectivo maneja los incansables vericuetos que se van trazando dentro de un mapa complejo. Como apreciación final, “Le Roi Farfisa”, se trata de un estupendo manifiesto de lo que la banda GASPARD ha forjado dentro de ésta, su tercera etapa de reino musical. La manera tan potente y elegante que este cuarteto de Montreal es capaz de elaborar como eje central de su sonido particular hace de este disco un ítem bastante destacado dentro del rock experimental de 2025 a nivel mundial. Totalmente recomendable. 
 
 
Muestras de “Le Roi Farfisa”.-
Le Bal Des Réflexions: https://gaspardrockfantastique.bandcamp.com/track/le-bal-des-r-flexions
L’infinie Collection De Masques Du Monstre Complexe: https://gaspardrockfantastique.bandcamp.com/track/linfinie-collection-de-masques-du-monstre-complexe
Dix Heures Trente-Quatre: https://gaspardrockfantastique.bandcamp.com/track/dix-heures-trente-quatre

STEPHAN THELEN: música para la colisión y la comunión

 

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Hoy presentamos un disco muy especial, el nuevo álbum solista del maestro suizo STEPHAN THELEN que se titula “Worlds In Collision” y fue publicado a fines del pasado mes de mayo, tanto en CD como en doble vinilo (colores turquesa marmoleado y naranja transparente). El sello a cargo de la publicación es RareNoise Records. Aunque es un disco firmado como solista, la presencia de un ensamble de ilustres colaboradores resulta muy relevante para la concreción de la estrategia sónica. En efecto, THELEN aparece tocando la guitarra, el bajo, el piano eléctrico, el órgano, la marimba, el santur, la percusión, diversos efectos y programaciones. Pero también están sus amigos y colegas David Torn (guitarra eléctrica y live looping), Jon Durant (guitarras eléctrica y acústica, guitarra sin trastes, cloud guitar y VCS3 guitar), Fabio Anile (voces manipuladas, sintetizador Roland D 50, samples, pianos echoplex y glitch pianos, efectos electrónicos y percusión) y Yogev Gabay (batería). Además, hay participaciones ocasionales de los bajistas Ian Allison y Tim Harries, y de Manuel Pasquinelli a la percusión. Un ensamble genuinamente cosmopolita. La gestación de “Worlds In Collision” se inició en julio de 2023 y las sesiones de grabación se iniciaron unos meses después. Las partes de batería aportadas por Yogev Gabay y las de guitarra de David Torn fueron registradas en el Powerplay Studio A. THELEN es el autor de todo el material con excepción de un tema, que fue coescrito con el músico alemán J. Peter Schwalm. El buen STEPHAN se hizo cargo de las labores de edición y mezcla de los temas aquí contenidos, mientras que Alexandr Vatagin realizó la masterización. Infatigable como es, en estos dos últimos años, THELEN completó el segundo álbum del FRACTAL SEXTET además de realizar la trilogía de “Rothko Spaces”, un concepto musical centrado en la obra pictórica del torturado maestro letón-estadounidense MARK ROTHKO que se concretó con las participaciones de Markus Reuter y los anteriormente mencionados Durant y Torn. Repasemos ahora los detalles de “Worlds In Collision”.
 

Durando casi 6 ½ minutos, ‘Palermo’ abre el repertorio del álbum con un convincente despliegue de sobrio fulgor sobre una consistente cadencia rítmica en 6/8. Ésta sabe organizar sus agitaciones sólidamente tribales sin afectar a su meticulosa arquitectura; de esta manera, los demás instrumentos arman su maraña colectiva con suma naturalidad. ‘Bullet Train’ sigue a continuación para transportar sus propias vibraciones etéreas en clave ambient sobre un entusiasta swing de tenor space-rockero. Siendo así que el lenguaje fusionesco incorpora algunos colores dentro del elegante paisaje grupal que se va desarrollando, la ingeniería musical cuenta con suficientes recursos para implementar algunas variantes musculares al motif central. El tercer tema del disco es el que justamente le da título. ‘Worlds In Collision’ se orienta por una zona muy cercana al híbrido de psicodelia cibernética y math-rock progresivo al cual es tan adepto SONAR, a la vez que mantiene un dinamismo space-rockero conectado con el rock experimental contemporáneo. En varias instancias, los juegos de síncopas armados por las percusiones humanas y programadas delinean el empuje del ensamble global. Extroversión majestuosa con un enfoque preclaramente modernista, he aquí la clave principal de este tema en particular. Tomando a ‘Bullet Train’ y ‘Worlds In Collision’ como una secuencia específica, podemos decir que establece una renovadora exuberancia tras el aura gentil elaborada en el tema de apertura: por esta razón, los consideramos como dos momentos culminantes del disco que hoy nos ocupa. Las dos siguientes piezas duran 8 ¾ minutos cada una: ‘Atomic’ y ‘Kosmonaut’. El enfoque musical plasmado en ‘Atomic’ se enfila por una remodelación más explícitamente vitalista de la espiritualidad extrovertida que ya notamos en el tema #2. El enclave electrónico es mucho más absorbente, eso sí, lo cual significa que el factor mecanizado y las atmósferas cósmicas son elaboradas con pulcra meticulosidad.

 

  

En lo referente a ‘Kosmonaut’, se trata de una pieza con un esquema rítmico más intenso y un enfoque más filudo en la definición y el delineamiento de su parafernalia electrónica. El aspecto ambient es menos pronunciado que en el tema anterior, por lo que centra la mayor dosis de sus energías expresivas en el reforzamiento de estrategias cibernéticas bajo una atmósfera de plena agilidad space-rockera. El nervio de la batería hace uso de una soltura comedida que resulta suficientemente eficaz para realzar el elemento rockero; mientras tanto, el flujo de samples, solos de sintetizador y  guitarras filtradas transcurre llamativamente sin perder de vista el núcleo del jam en curso. La lóbregamente arcana coda cierra el asunto de una manera sugerente, completando lo que resuena como un nuevo cénit del disco. Cuando llega el turno de ‘Voices From The Ether’, el ensamble regresa a su faceta más propiamente sutil, volviendo a realizar un cálido ejercicio de encantamientos progresivos donde se fusionan el prog ambient y el jazz-rock contemporáneo. El evocador lirismo de la composición básica se nutre eficientemente de los refinados aportes brindados por los instrumentos actuantes. El señorío reinante goza de un crescendo exquisito hasta el ceremonioso golpe final. La pieza apropiadamente titulada ‘Coda’ se encarga de cerrar el repertorio oficial de “Worlds In Collision”: lo hace con una expresión de vibraciones introspectivas en base a un minimalismo electrónico cercano a lo que hacían TANGERINE DREAM y CLUSTER a fines de los 70. Pero aún hay más: el bonus track consistente en la remezcla que hizo Bill Laswell de ‘Atomic’, la cual intensifica el elemento electrónico con punzante acidez. La sistematicidad mecánica de la versión original  se torna un poco más machacona. Todo esto fue lo que se nos brindó en “Worlds In Collision” desde los cuarteles del maestro STEPHAN THELEN en compañía de sus excelsos colegas del momento, una obra muy inspirada que evoca colisiones de comuniones perfectamente organizadas. He aquí una estupenda muestra de música progresiva dinámica y moderna que fortalece por enésima vez el renombre de este maestro suizo dentro de la vanguardia rockera de nuestros tiempos. ¡¡Totalmente recomendable!!
 
 
Muestras de “Worlds In Collision”.-
Bullet Train: https://stephanthelen.bandcamp.com/track/bullet-train
Worlds In Collision: https://stephanthelen.bandcamp.com/track/worlds-in-collision
Kosmonaut: https://stephanthelen.bandcamp.com/track/kosmonaut

GÖSTA BERLINGS SAGA, ahora y siempre

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Buenas noticias desde la escena progresiva sueca: se acaba de publicar “Forever Now”, el nuevo trabajo fonográfico de GÖSTA BERLINGS SAGA. Más exactamente, este disco salió al mercado el 6 de junio pasado por vía del sello Pelagic Records, tanto en CD como en vinilo naranja. Habiendo funcionado como cuarteto desde sus primeros pasos a inicios del milenio, la alineación actual de GÖSTA BERLINGS SAGA consta del quinteto de Rasmus Booberg [guitarras], David Lundberg [teclados], Gabriel Tapper [bajo], Alexander Skepp [batería y percusión] y Jesper Skarin [percusión]. Son cinco los años que han pasado desde la publicación de “Konkret Musik”, su anterior disco de larga duración, pero poco antes del nuevo disco que hoy nos convoca, el grupo publicó el largo tema ‘Fragment I’ (dura 19 minutos y pico) en su blog de Bandcamp. Ciñéndonos al material contenido en “Forever Now”, e lgrupo se encargó colectivamente de organizar el proceso de grabación (en varias sesiones entre agosto de 2020 y noviembre de 2024) y realizar las ulteriores labores de mezcla. El quinteto contó con la ocasional colaboración de Isak Hedtjarn al clarinete y el saxofón. Alar Suurna se hizo cargo de la masterización en el estudio Shortlist Analogue. Antes de centrar nuestra atención en el disco protagonista de hoy, repasamos la larga pieza ‘Fragment I’ mencionada más arriba. No es tanto una suite como un extenso jam a medio tiempo que se ubica dentro de las coordenadas del heavy prog con inquietudes space-rockeras mientras la dupla de batería y percusión se encarga de insuflar ciertos aires avant-jazzeros al asunto. Es como si una idea perdida de los OZRIC TENTACLES de inicios de los 90 hubiese sido redescubierta y modificada por la gente de JAGA JAZZIST para darle un aura más sobria y, a partir de allí, el colectivo de la FIRE! ORCHESTRA le hubiese dado su toque final bajo la inspiración de los SUN RA de fines de los 70. La instancia inaugural de parsimoniosas capas adustas de sintetizador no nos avisa sobre el peculiar despliegue de densa luminosidad que está a punto de abordarnos y captar nuestra atención. De por sí, este ítem brinda algo novedoso al cosmos musical de GÖSTA BERLINGS SAGA, tal vez un indicio de nuevas orientaciones estilísticas para el futuro próximo. ¿Qué será lo que ocurra en adelante? Como sea, ahora es el momento de repasar los detalles de “Forever Now”. 

‘Full Release’ es la pieza encargada de poner el rumbo inicial a las cosas al modo de una fanfarria cósmica que se sitúa muy cerca de una cruza entre el paradigma de los TANGERINE DREAM de la etapa 1973-75 y el patrón de los KING CRIMSON de 1974. Teniendo como tiene un carácter de anuncio, su fastuosa aureola de expectativa conforma un motif poderoso por sí mismo. ‘Through The Arches’ se abre paso de inmediato para exhibir una excelente muestra de robustez prog-psicodélica donde opera una muy eficaz complementación entre el space-rock y el jazz-rock. Las vibraciones patentemente entusiastas del exultante groove (en clave de motorik muchas veces) hacen que la ilación de los diversos jams en curso pueda lucir su fulgor inherente mientras la fuerza de carácter colectiva instaura un vitalismo llamativo y aristocrático. La miniatura ‘Arrangements’ exhibe un evocador espíritu cinematográfico donde predomina lo melancólico. De este modo, emerge el cuarto tema, que es justamente el que le da título y también es el más largo del mismo con sus cerca de 8 ¼ minutos de duración. ‘Forever Now’ comienza con un talante grisáceo que roza con lo lúgubre, algo que nos remite en parte al legado de los dos primeros álbumes de la banda. Mientras se va instalando el armazón de batería y percusión, la banda articula el desarrollo de la pieza dentro de un bien delineado diagrama de sonoridades solemnes que parecen guiarse hacia un área de dulce nostalgia; más adelante, el asunto vira a una especie de misteriosa ansiedad con ribetes oscurantistas. La persistencia de una secuencia sintetizada baja y los ornamentos del mellotrón sirven de cobertura para la muscular intervención de un bajo sumamente distorsionado a mitad de camino, una intervención que guía el surgimiento de esa sección misteriosa a la que aludimos antes. El crescendo de majestuosidad refuerza continuamente los cimientos y la orientación del motif final dentro de un enclave sonoro donde se asocian luminiscencia y zozobra emocional. Un gran tema que se erige como un cénit decisivo del álbum y, de paso, pone en claro cómo funciona la esencia fundamental del bloque grupal en este momento actual de su trayectoria. ‘The Sprig And The Birch’ y ‘Fragment II’ son otros dos temas cortos que expanden la estrategia musical de la banda. El primero de ellos se centra en una figura de piano bastante introspectiva que se explaya sobre un trasfondo etéreo marcado por una onírica nocturnidad.

El caso de ‘Fragment II’ es totalmente diferente: se trata de un viaje al jolgorio étnico remodelado a través del filtro del space-rock con elementos cibernéticos que parecen asentar conexiones estilísticas con la línea de trabajo de JAGA JAZZIST. El terreno está preparado para el inmediato arribo de ‘Ascension’, una pieza compuesta para perpetuar y capitalizar los aires de festiva agitación que signaron a la pieza precedente, pero esta vez, dejando atrás lo étnico y concentrándose en la logística típica del discurso prog-psicodélico. De esta manera, los recursos saltarines diseñados para la ocasión pueden dinamizarse dentro de una musicalidad ígnea que está marcada por una convincente contundencia. Imaginemos que los HAWKWIND de 1975 dejaron atrás una idea anotada en un papel encontrado por los OZRIC TENTACLES de 1989 para que, al final, los GÖSTA BERLINGS SAGA de “Glue Works” y “Sersephone” le dieran su toque definitivo. ‘Dog Years’ comienza con unos calmados fraseos de guitarra que no tardan mucho en abrir paso a agitaciones fraguadas con una señorial inquietud que algo tienen de misteriosas. Un poco más adelante, las cosas se enfilan por un vitalismo contundente cuyos traqueteos sistemáticos se insertan dentro de una inteligente arquitectura donde confluyen lo tenso del heavy prog y lo vaporoso del jazz-prog. Tampoco faltan algunos ribetes grisáceos que coquetean levemente con lo lóbrego. ‘Make Of Your Heart A Stone’ es una pieza meditabunda que se apoya inicialmente en el mando de una guitarra acústica que despliega un aura reflexiva mientras se deja acompañar por los discretos acordes de un piano eléctrico. A mitad de camino, éste se queda solo, asumiendo la misión de elevar la nocturnidad hacia una dimensión celestial mientras se asocia con capas envolventes de sintetizador. Todo culmina con ‘Ceremonial’, otro tema que nos remite a esa época de los álbumes tercero al cuarto de GBS. Es como si las vibraciones melancólicas de la penúltima pieza hubiese asumido una robustez renovadora gracias a la activación de un groove jazz-rockero en medio de una suntuosidad mesurada. La fastuosidad evocadora inherente al sencillo motif central está adecuadamente ornamentado por los músicos mientras lo refuerzan consistentemente, siendo así que en sus instancias finales se remodela con un esquema rítmico intenso y machacón; mientras tanto, los teclados van gestando variantes al motif central, lo cual realza eficientemente la aureola aristocrática del esquema musical en curso. Muy sugerente fin de álbum que tiende puentes entre revisionismo y modernismo.   

 

Todo esto fue lo que se nos brindó en “Forever Now”, la nueva obra fonográfica de los veteranos GÖSTA BERLINGS SAGA, quienes logran confirmar por enésima vez su posicionamiento privilegiado dentro de la élite progresiva sueca del siglo XXI. Desde sus primeros pasos y a través de todos los cambios acaecidos hasta el presente año 2025, GÖSTA BERLINGS SAGA ha prevalecido como una de las expresiones más augustas de la creatividad progresiva dentro de la avanzada rockera sueca del nuevo milenio: siempre lo fue y, según lo que se advierte en el disco de ahora, siempre lo será. De lo mejor del año. 

Muestras de “Forever Now”.- 

Through The Arches: https://www.youtube.com/watch?v=1PT_MGo4TW0

Forever Now: https://gostaberlingssaga.bandcamp.com/track/forever-now  

Dog Years: https://gostaberlingssaga.bandcamp.com/track/dog-years

La persistente trascendencia de los argentinos AKENATHON

 

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Hay novedades bastante interesantes en la escena progresiva argentina del momento: el grupo AKENATHON ha sacado al mercado su nuevo disco “Crónicas Intrascendentes”. Se trata de un trabajo que ha tenido un tiempo largo de gestación: con una primera mitad terminada en el año 2024, ahora, en el ecuador del 2025, está completo. Por vía del sello connacional Viajero Inmóvil, este trabajo está disponible en edición digital; sucede por cinco años a “Como Hormigas”, el último realizado con la alineación histórica de trío. Convertido ahora en cuarteto, AKENATHON tiene la siguiente formación: Guillermo Rocca [batería y voz], Fernando Chávez González [bajo y sintetizador], Marcela Crusat [teclados y voz] y Aníbal Acuaro [guitarras y voz]. El material contenido en “Crónicas Intrascendentes” fue grabado en los Estudios Picciola de La Plata, entre diciembre del año 2023 y diciembre del siguiente año, estando los ulteriores procesos de mezcla y masterización en manos de Matías Paya González en los Estudios Argot. El cuarteto en bloque se acredita la autoría de los siete temas del repertorio. La intención central del disco consiste en narrar historias de íntima significación humana, una focalización en las vidas concretas de las personas, a contrapelo del frenesí impersonal de “un mundo atiborrado de información, superpoblado de noticias urgentes, masificado y absurdamente globalizado, un mundo lleno de mensajes que nublan los sentidos y anestesian los sentimientos”, en propias palabras del grupo. Laura Boassi se encargó del arte gráfica. Bueno, repasemos ahora los detalles estrictamente musicales de este nuevo disco de AKENATHON.

 
Durando casi 8 minutos, ‘Queja De Un Bufón’ es la pieza encargada de abrir el disco y lo hace con una aureola muy distinguida. Con unas solemnes escalas de teclado se inicia el camino de una canción poderosamente emotiva donde se afilian drama y sarcasmo. Teniendo predominancia un esquema rítmico a medio tiempo, hay espacios ocasionales para algunas variantes más intensas; también cabe destacar un fabuloso solo de guitarra que hace gala de una electrizada fogosidad, además del excelso solo de sintetizador que le sigue. Acto seguido emerge ‘Irresistible Tic’, nueva versión del segundo tema del disco anterior: es una pieza enérgica que pone sus cartas de sofisticación jazz- progresiva sobre la mesa desde el punto de arranque. En su masivo despliegue de refinado vitalismo, las elegantes vibraciones melódicas de la guitarra y la furiosa algarabía de la batería se dejan complementar por las virguerías del bajo. Un breve interludio más calmado incorpora un oportuno recurso de variedad al asunto. ¡Ya nos ofrecen AKENATHON un cénit de ésta, su nueva obra! ‘Emma Va Al Kiosco’ comienza con un nervio rabioso que se deja moldear por una estilizada mezcla de jazz-prog y blues-rock.* Mientras va avanzando el cuerpo central, aparecen ornamentos ácidos propios del discurso del rock psicodélico, lo cual ayuda mucho a incrementar la garra expresiva. El macizo epílogo instrumental, apoyado sobre unas punzantes escalas de bajo, se encamina por un señorial delirio donde se fusionan lo Spinettiano y lo Crimsoniano: algo realmente grandioso que se sostiene sobre una ingeniería rítmica razonablemente compleja. Tiene algo de siniestro, añádase de paso, y además, encarna otro culmen del disco que hoy nos ocupa. ‘El Increíble Mundo De Los Hermanos Morosky’ regresa de lleno al área del jazz-prog, esta vez con un enfoque más cadencioso.** Hay una oportunidad de disfrutar de un evocador solo de piano en medio del bien definido lirismo de la pieza, el cual se enraíza decisivamente en el armado del entramado grupal. Hasta el momento, hemos apreciado más de 24 minutos y medio de excelente rock progresivo ecléctico y aún queda más por degustar placenteramente.

Cuando llega el turno de ‘Vincent Y Los Cuervos’, regresamos al nervio señorial de la canción inaugural con una mayor dosis de nervio tanto en la expresividad nuclear del ensamble como en la vivacidad de la ingeniería rítmica. Se siente algo de neurosis en el esquema musical de esta canción, pero más neurosis aún se desarrolla en el tema siguiente, el cual se titula ‘La Muerte Del Zapatero (Nostalgia De Una Mediasuela)’. Su prestancia grandilocuente basada en la confluencia de psicodelia tenebrosa y prog sinfónico rutilante despliega un vitalismo eficaz y versátil. El bajo cuenta con varios momentos de protagonismo en medio de las contundentes agitaciones sónicas que marcan la integral labor del ensamble. ‘Huellas’ ocupa un espacio de poco más de 8 ¼ minutos: es el tema más largo del disco y justamente es también el que lo cierra. Tras un prólogo marcado por una confluencia de percusiones exóticas y capas minimalistas de sintetizador, se instala un aristocrático enclave jazz-rockero donde los vuelos de la guitarra y los comedidos arreglos armónicos del bajo impulsan los índices temáticos del solemne jam en curso. En el último tercio, los recursos de majestuosidad se incrementan para remodelar la fastuosidad esencial de la pieza, lo cual perfila definitivamente un cierre grandilocuente para un álbum ciertamente grande. Impactante, incandescente, y sobre todo, trascendente es lo que nos han brindado AKENATHON con este nuevo disco. Lo que se muestra en el catálogo contenido en “Crónicas Intrascendentes” es una certificación inapelable de que el ahora cuarteto se mantiene en la cresta de la ola de la música progresiva argentina del nuevo milenio. Atención a la próxima edición en vinilo. ¡¡¡¡Obra totalmente recomendable!!!! (Un signo de admiración por cada integrante.)

 

Muestras de “Crónicas Intrascendentes”.-

Irresistible Tic: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/irresistible-tic-2

Emma Va Al Kiosco: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/emma-va-al-kiosco

Huellas: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/huellas

* Esta pieza tiene una letra que evoca metafóricamente los miedos inculcados por la larga dictadura militar y sus terrorismo de estado sobre la conciencia de la sociedad civil argentina “y esa nena de 12 años que se atreve a dar el paso a pesar de lo que le dicen”, según testimonia el propio Aníbal Acuaro.

** Este canción está inspirada principalmente en la película El imaginario mundo del Dr. Parnassus de TERRY GILLIAM, pero también se conecta con el álbum del grupo 2112 “El Maravilloso Circo De Los Hermanos Lombardi”. También añadimos que la canción que inició el álbum, ‘Queja De Un Bufón’, está temáticamente vinculado a ‘El Rey’, uno de los temas del homónimo álbum debut de JINETES NEGROS.

La mística como impulso musical para el trío multinacional CHAKRA VIMANA

 

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Hoy presentamos al trío multinacional CHAKRA VIMANA, el cual está conformado por Shane Beck [voz], Mark Cook [Warr Guitars con y sin trastes, guitarra, bajo sin trastes, teclados, sitar eléctrico, percusión y efectos electrónicos] y Santtu Laakso [sintetizadores, bajo y voz]: dos estadounidenses y un finlandés. “Feed My Soul” es el nombre del primer disco creado por este colectivo, el cual fue lanzado al mercado el pasado 23 de mayo por el sello Tonzonen Records, estando Cargo Records a cargo de su distribución. El material contenido en “Feed My Soul” fue registrado en varias sesiones individuales realizadas en California, Texas y Finlandia a lo largo del año 2024. El sintetista canadiense Steven Leak colaboró con algunos soundscapes. La labor de masterización estuvo en manos de Jonathan Segel. Conocemos a Cook por HERD OF INSTINCT, GAYLE ELLETT & THE ELECTROMAGS, THE FOREVER MOMENT, LIQUID SOUND COMPANY, SPOKE OF SHADOWS, etc. Beck es un literato con inquietudes musicales que tiene membrecías en ASTRAL MAGIC, TALKING CLOUDS y otros proyectos. En el primero de ellos también está Laakso, quien también tiene un currículum amplio en las áreas del thrash metal (EXITUS) y el space-rock (DARK SUN). La propuesta musical de CHAKRA VIMANA se orienta principalmente por las vertientes de la psicodelia progresiva y el ambient con varios elementos de fusión contemporánea y jazz-rock: “Feed My Soul” es una obra focalizada en apreciaciones místicas sobre el mundo interior del ser humano y el vínculo de éste con el mundo exterior. Pasemos ahora a los detalles estrictamente musicales del disco que hoy nos ocupa. 

El repertorio de “Feed My Soul” se inicia con ‘I Anoint Thee’, un tema bien enmarcado dentro del estándar del ambient progresivo con un fuerte entramado electrónico y una cualidad flotante muy propia de la fusión contemporánea. El uso destacado del sitar eléctrico y el tenor tribal de las percusiones programadas aseguran la presencia  de vibraciones telúricas en medio del evidente despliegue modernista. El tema que sigue a continuación se titula ‘Oblivious’ y dura cerca de 11 minutos: a la sazón, el más extenso del disco que hoy nos ocupa. Aquí tenemos una pieza bastante animada que se centra en el paradigma del space-rock progresivo con un toque  extra de estilización. El enfoque patentemente sofisticado de los guitarreos y la ágil labor del bajo se combinan muy bien con los ornamentos cósmicos de los sintetizadores y los diversos samples que van surgiendo a lo largo del camino. Algo muy a lo HAWKWIND con los OZRIC TENTACLES tempranos. Poco antes de llegar a la frontera del quinto minuto, el esquema musical vira hacia algo más solemne, lo cual significa que el bloque sonoro se torna más sofisticado, y además de eso, también más muscular. La nueva sección emergente se solidifica con un vigor más denso y un acento más pesado. La sección epilogar regresa al terreno del ambient para abrir campo a la recitación. ‘Time To Sigh’ realiza una grácil combinación de prog y jazz-rock dentro de un cálido enclave espacial. Hay un cercano parentesco con el espíritu del tema inaugural, pero su esquema de trabajo es más fulguroso, abierto a colores genuinamente extrovertidos. ‘Striving To Connect’ es el segundo tema más largo del repertorio con su espacio de 9 ¾ minutos. Siguiendo la senda de la pieza anterior, su talante es un poco más otoñal, portando una soltura razonablemente vivaz mientras la base armónica exhibe índices evocadores. La articulación del entramado instrumental es compacta y fluida, haciendo gala de una fuerza de carácter contenida a fin de resaltar el motif mismo. Hay un encanto especial en la etérea altivez de los pasajes más directamente cósmicos. 

 

Cuando llega el turno de ‘Do You Listen To The Wind?’, el ensamble se dispone a crear un espacio intermedio entre los aspectos más extrovertidos y los más evocadores de lo que ha venido haciendo hasta ahora. De paso, explora nuevos recursos de sofisticación progresiva mientras gestiona la ilación multi-temática. El fastuoso epílogo brinda un destello expresionista muy revelador que, de alguna manera, muestra al ensamble estableciendo simultáneas cercanías estilísticas con HERD OF INSTINCT y con bandas como VESPERO y MAAT LANDER. En general, se evidencia en esta pieza un despliegue muy peculiar de riqueza musical. La sexta pieza del álbum es la que justamente le da título. ‘Feed My Soul’ se enfoca en un swing de talante fusionesco para elaborar atmósferas envolventes; una vez más, se abre campo a la expansión de masivas sonoridades electrónicas dentro de un gentil encuadre space-rockero.  Una mención especial va para el hermoso solo de guitarra que emerge a mitad del camino. Todavía queda el bonus track ‘Waving At The Stars’, un sobrio viaje marcado por un embrujo ensoñador sobre los cimientos de un exótico ritmo programado. Los aires jazzeros del bajo y los vuelos Frippianos de la guitarra se hermanan muy fluidamente. Toda esta fue la experiencia de “Feed My Soul”, el disco de debut del trío multinacional CHAKRA VIMANA. Tratándose de una muestra tan inspirada de orfebrería sónica con un talante progresivo contemporáneo, esperamos que no se trate de su única obra. Muy recomendable. 

 

 

Muestras de “Feed My Soul”.-

Oblivious: https://herdofinstinct.bandcamp.com/track/oblivious

Striving To Connect: https://herdofinstinct.bandcamp.com/track/striving-to-connect

Do You Listen To The Wind?: https://chakravimana.bandcamp.com/track/do-you-listen-to-the-wind-2

Plenitud del ensamble italiano DAAL para el año 2025

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Hoy se da la ocasión de presentar “Decoding The Emptiness”, el nuevo trabajo fonográfico del otrora dúo italiano DAAL y ahora cuarteto compuesto de Alfio Costa [pianos clásico y eléctrico Fender Rhodes, órgano Hammond, sintetizadores Moog, Roli Seaboard, mellotrón y otros sintetizadores], Davide Guidoni [batería, percusiones, samples y efectos de sonido], Ettori Salati [guitarras] y Bobo Aiolfi [bajos]. Como siempre, Guidoni y Costa son los autores del material contenido en este nuevo álbum. También fueron ellos quienes fungieron de productores del disco que hoy nos ocupa, habiendo sido el material contenido en él grabado en el Morgana Studio de Calcio (Bérgamo) entre enero y octubre del año 2024. Las partes de batería fueron grabados en el estudio romano Elefante Bianco en marzo de ese mismo año. El ulterior proceso de masterización estuvo a cargo de Costa en el estudio más arriba mencionado de Calcio. Guidoni, por su parte, se hizo cargo del arte gráfico y el diseño artístico. El concepto recurrente de “Decoding The Emptiness” es el análisis de todos los matices inherentes a la noción de vacío en varios niveles: introspectivo, exterior y psicológico. El cuarteto contó con las colaboraciones ocasionales de Joe Sal (canto en el primer tema) y Alphabeard (voz en el tercero). 

Ocupando un espacio de casi 9 minutos, la pieza homónima abre el álbum con convincente expresividad. ‘Decoding The Emptiness’ comienza con un talante ceremonioso que se expande bajo una atmósfera densamente lánguida. A partir de allí, se siembra el terreno para los cimientos de un cuerpo central lento cuya fuerza expresiva refleja un señorío mesuradamente dramático. Es como si la gente de GOBLIN hubiese remodelado una pieza perdida de los PINK FLOYD de 1975. La sección epilogar exhibe unos mágicos destellos etéreos sobre un mecanismo de caja musical. ‘Attic Clouds’ sigue a continuación para virar hacia una zona sónica un poco más majestuosa. En ella prevalece una tensión relativamente contenida donde el grupo realiza una sólida excursión prog-psicodélica mientras reitera parcialmente la languidez sistemática que antes había definido al groove introspectivo de la canción de apertura. Siendo así que el swing de la batería exuda una mayor dosis de sofisticación desde las que coquetea con el jazz-rock, no es de extrañar que en algún pasaje tras las frontera del cuarto minuto y medio se suelte con razonable viveza. Un estupendo cénit del repertorio. ‘Twilight’ es básicamente una balada sinfónica con base de piano y orquestaciones de teclados, algo muy evocador con un talante romántico. A mitad de camino, se edifica un interludio solemne que marca un recurso fulguroso para la canción antes de regresar a la estructura inaugural. Cuando llega el turno de ‘Horror Vacui’, pieza que comienza con un viaje impresionista en 6/8 donde la banda realiza una inspección de climas cinematográficos, virando poco después hacia un ambiente más denso signado por una vivacidad suntuosa. Éste se asienta en un esquema de alternancias con instancias misteriosas de musique concrète. El epílogo es sereno y ensoñador, eficaz resucitador del remanso inicial. ‘Simulacea’ recibe simultáneamente los ecos del señorío de la pieza #2 y las agitaciones arcanas del tema precedente, lo cual permite al ensamble jugar con lo lóbrego bajo un manto sumamente estilizado. Una vez más, el ensamble hace gala de su peculiar sentido de la estilización progresiva mientras maneja sabiamente los mesurados niveles de expresionismo por los que quiere orientar el foco compositivo. Otro cénit del disco. 

‘Mademoiselle X’ da un nuevo giro de tuerca a la faceta más explícitamente lírica del grupo. Los fraseos y texturas de guitarra (muy a lo Hackett, dicho sea de paso) ocupan un lugar muy prominente dentro de la instauración del motif central. El empleo de ocasionales efectos cósmicos acentúan el aura de distante ensimismamiento a la que alude el esquema melódico. Los dos últimos temas del repertorio son los más extensos del mismo: ‘D.O.O.M. (Mortuarii Octavarii Obscuri Declamatio)’, que dura 13 minutos y pico, y ‘Return From The Spiral Mind’, que dura cerca de 9 ½ minutos. El primero de ellos comienza con unos ornamentos space-rockeros que pronto abren la puerta a un dinamismo voraz y entusiasta: es lo más explosivo que hemos escuchado hasta ahora. La cosa no dura mucho, porque no tarda mucho en emerger un motif totalmente diferente donde el piano instaura un cuerpo melódico sedoso e introspectivo que sirve de impulso para un breve ejercicio de lánguida densidad. Como la huella del vigor rockero ya estuvo impresa por la primera sección, una tercera sección emerge como una implosión de energías ígneas delineadas por una majestuosidad envolvente y contundente. No es muy frenética, pero sí es suficientemente maciza como para llenar espacios de forma consistente, incluyendo algunas variantes más sutiles dentro de un ingenioso puzle multivalente. La sección final está más inclinada hacia lo celebratorio, casi coqueteando con lo circense, aunque las agitaciones prog-psicodélicas siguen siendo predominantes dentro de la ingeniería sónica. Momento culminante del disco. En cuanto a ‘Return From The Spiral Mind’, cabe aclarar de inicio que se trata de un bonus track. Dando preferencia a un enfoque psicodélico con ribetes electrónicos de tendencia space-rockera, la pieza asume una intensidad expresiva que algo tiene de flotante a través de su patente señorío rockero. Las variaciones temáticas que van emergiendo se hilan fluidamente hasta llegar a uno de esos pasajes solemnes que tan bien se le da al ensamble armar. De esta manera, la pieza completa su estructuración por vía de una evocación arcana y gentil. 

Todo esto fue lo que se nos brindó en “Decoding The Emptiness” desde los cuarteles de DAAL, un grupo italiano que tiene firmemente enraizados los fundamentos de su voz propia dentro del gran escenario progresivo de su país. Este disco muestra claramente que el esquema de trabajo de la banda no ha perdido nada de frescura a lo largo de los años. Totalmente recomendable. 

 
 
Muestras de “Decoding The Emptiness”.-
Attic Clouds: https://daal.bandcamp.com/track/attic-clouds
Simulacea: https://maracashrecords.bandcamp.com/track/simulacea
D.O.O.M. (Mortuarii Octavarii Obscuri Declamatio): https://maracashrecords.bandcamp.com/track/d-o-o-m

Segunda aventura del maestro noruego LARS FREDRIK FRØISLIE

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy presentamos el nuevo trabajo fonográfico del maestro noruego LARS FREDRIK FRØISLIE, a quien conocemos desde hace varios años por el grupo WOBBLER. “Gamle Mester” es el nombre del nuevo trabajo, el cual fue publicado el 9 de mayo pasado – hace muy poco –, casi 2 años después del celebrado debut “Fire Fortellinger”. Al igual que en ese primer álbum, el buen LARS FREDRIK se hace cargo de los teclados y la batería: para entrar en más detalles, toca el órgano Hammond C3, el Mellotrón M400, el Chamberlin M-1, el piano Yamaha CP70B, los sintetizadores Minimoog Model D, ARP Pro-Soloist, ARP-Axxe y ARP Solina String Ensemble, el clavinet Hohner D6, la espineta, los pianos eléctricos Fender Rhodes MkII y Wurlitzer 200, el tremoloa, la batería Ludwig con platillos Paiste y la flauta dulce. Además, también hace labores vocales. Sus colaboradores son Nikolai Hængsle (bajos Rickenbacker 4003, Fender Precision, Fender Jazz y Fender Telecaster) y Ketil Einarsen (flautas traversa y dulce). El primero es conocido principalmente por ELEPHANT9 y NEEDLEPOINT; el segundo tiene un pedigrí que lo asocia con JAGA JAZZIST y WHITE WILLOW, además de ser el líder del proyecto WESERBERGLAND. FRØISLIE estuvo a cargo de la ingeniería de sonido y la mezcla del material registrado en “Gamle Mester”, mientras que Jacob Holm-Lupo realizó la ulterior labor de masterización. Karima Records es el sello que publicó este disco, tanto en CD como en vinilo verde. Bueno, ya es hora de revisar la música contenida en esta obra.

Ocupando los cinco primeros minutos del repertorio, ‘Demring’ es un instrumental ágil y llamativo que, valgan verdades, suena muy a lo ÄNGLAGÅRD. Los iniciales efluvios circulares de los teclados en el breve prólogo impulsan un ejercicio híbrido de agilidad y densidad para el sólido armazón instrumental. La majestuosidad reinante se sitúa en una extraña pero efectiva cruza entre los paradigmas de Wakeman y Banks con sus oportunos toques escandinavos que, bueno, parecen ser infaltables e inapelables. El segundo tema dura 10 minutos y pico, respondiendo al título de ‘Jakten På Det Kalydonske Villsvin’. Su esquema de trabajo se centra en una artesanía majestuosamente ambiciosa donde se alternan pasajes palaciegamente fulgorosos con otros más calmados de tenor reflexivo, insertándose también otros sosegados cuya orientación es más bien pastoral. Los momentos más propiamente extrovertidos hacen un buen uso de las musculaturas respectivas del mellotrón y del órgano, mientras que los introvertidos están orientados hacia la elaboración de marañas armónicas con una preferente presencia de los sintetizadores y de otros teclados manejados con una sutileza etérea. El empleo de un reprise del motivo inicial para el epílogo permite a la pieza culminar con una aureola primaveral. Aunque el canto del protagonista no es precisamente poderoso, su timbre es suficientemente delicado como para completar cabalmente las vibraciones poéticas de la composición. La tercera pieza del álbum es justamente la homónima, ocupando un espacio de 7 ¼ minutos. El esquema nuclear de ‘Gamle Mester’ es razonablemente sofisticado, exhibiendo una vivacidad solvente mientras se mueve sobre una arquitectura rítmica armada con una cierta dosis de sofisticación. Poco antes de llegar a la frontera del segundo minuto, un pasaje suave dirigido por una serie de entusiastas armonías de órgano hace que la pieza vire hacia una atmósfera un poco más solemne. Una tercera sección aumenta la dosis de dinamismo expresivo para entregarse a una confluencia de estándares románticos y barrocos antes de regresar al motif inicial para completar el círculo.

‘Medusas Flåte’ tiene bastante parentesco estilístico con la pieza homónima, aunque queda claro que su dosis de gracilidad es mayor. También hay algunos parajes que ostentan cierta densidad en medio de la altamente predominante extroversión; son muy patentes los aires de familia con WOBBLER y GARGAMEL. A mitad de camino, un interludio expectante abre camino a un nuevo despliegue de soltura, esta vez con una incrementada diafanidad que permite a FRØISLIE y sus compañeros de viaje explayarse en un vigor particularmente electrizante, lo cual oportunamente prepara el terreno para la ágil coda. El penúltimo tema del álbum se titula ‘De Tre Gratier’, siendo el más extenso del mismo con sus 12 ½ minutos de duración. El prólogo elaborado por el dueto de piano eléctrico y clavinet abre pronto la puerta a un motif bastante marchoso, el cual se sitúa en una encrucijada entre los paradigmas de BO HANSSON y GENESIS. Mientras se acrecienta la vivacidad, el color sonoro se torna más ágil hasta que, de pronto, un interludio renacentista basado en la espineta impone un súbito remanso. Los sucesivos ornamentos de órgano, sintetizador y mellotrón impulsan la exquisita solemnidad del momento. Una nueva instancia extrovertida emerge a poco de pasada la frontera del octavo minuto. La intensificación a lo PÄR LINDH PROJECT refuerza el nuevo despliegue de destellos sinfónicos, los cuales están a cargo de trazar la conclusión de este otro cénit del álbum. Todo termina con ‘Skumring’, una pieza serena que nos recuerda un poco a la de apertura, pero con un talante más ceremonioso, podría hasta decirse misterioso. Las escalas de piano ostentan una sobria suntuosidad que cumple cabalmente con la misión de definir al bloque sonoro entero de teclados y percusiones. El señorío conclusivo de la penúltima pieza halla aquí su contraparte crepuscular. En suma, “Gamle Mester” es un disco repleto de fineza a través de toda la orfebrería sonora vertida en él. LARS FREDRIK FRØISLIE ha vuelto a lucir solventemente sus galones progresivos en ésta, su segunda aventura musical solista, una aventura genuinamente magistral. Lo recomendamos para cualquier buena fonoteca actualizada del género del rock progresivo y afines.

Muestras de “Gamle Mester”.-

Gamle Mester: https://larsfredrikfroislie.bandcamp.com/track/gamle-mester

De Tre Gratier: https://larsfredrikfroislie.bandcamp.com/track/de-tre-gratier

ZIO CROCIFISSO: una campaña por la gloria de la música avant-progresiva italiana

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de presentar al supergrupo italiano de música avant-progresiva ZIO CROCIFISSO, el cual está integrado por Paolo Botta [teclados], Dario Magri [batería], Fabio Malizia [bajo] y Matteo Serenelli [guitarras]. Como vemos, hay aquí gente de SKE, YUGEN, YOKOANO, THE APPETIZERS y ORBE, y su norte estético es el de gestar un enfoque progresivo osadamente posmoderno que bebe de las aguas de KING CRIMSON, el chamber-rock, el Zeuhl clásico y contemporáneo, y el avant-prog-metal. De hecho, este supergrupo ya tenía un trabajo publicado el pasado año 2024 bajo el título de “Campana Di Legno”, y ahora, con la adición de material nuevo para un EP titulado “Trappola Per Topi”, el sello AMS Records ha decidido hacer esta publicación conjunta “Campana Di Legno + Trappola Per Topi” el 10 de mayo último. A lo largo del material aquí presentado, el colectivo de ZIO CROCIFISSO recibió los aportes ocasionales de Jacopo Costa (vibráfono), Elia Leon Mariani (violín), el integrante del grupo noruego SHAMBLEMATHS Simen Ådnøy Ellingsen (saxofones), Thea Ellingsen Grant (voz), Andrea “Mitzi” (voz), Margherita Botta (voz) y La Miniera (coro). Como dijimos antes, aquí hay material de dos obras fonográficas, y en el caso específico de “Campana Di Legno”, el material había sido grabado a inicios del año 2024 en torno al trío de Botta, Magri y Serenelli mientras Malizia fungía como bajista invitado. 

La miniatura ‘L’acconto’ abre el repertorio con un soliloquio arropado por una expectante atmósfera cinematográfica; de esta manera, llega el turno de ‘Arenicola’, tema de más de 5 ½ minutos de duración que se centra en una inspirada confluencia de nervio, sofisticación y fluidez expresiva. En efecto, el encuadre instrumental deja instantáneamente constancia de su vitalidad surrealista y oscurantista que permite al ensamble establecer nexos estilísticos con bandas tan diversas como NI, AMYGDALA, GUAPO y UNIT WAIL. El dinamismo es estructuralmente ágil mientras las agitaciones arquitectónicas de la dupla rítmica se encarga de reforzar la musculatura reinante, además de estructurar el adecuado esparcimiento de los interludios sutiles. Otra miniatura titulada ‘Speziale’ exhibe una misteriosa secuencia de retazos de percusión tonal en preparación para la apertura de puertas al arribo de ‘Metaxu’. Esta pieza ostenta un señorío renovador que recibe los ecos del tema #2 para elevarlos a una instancia más solemne. La ingeniería rítmica es ostensiblemente más sofisticada, lo cual permite al grupo lidiar con sus propios fantasmas del Crimsonismo de última generación; también hay un manejo más refinado de los recursos tenebristas insertados en el esquema compositivo. ‘Il Tramonto Dell’Occidente Si Avvicina’ es una breve excursión electrónica con ribetes etéreos, algo que parece extraído de los desvanes de objetos perdidos de la etapa 1976-78 de TANGERINE DREAM. Con su espacio de 13 ¼ minutos. ‘Lievito Madre (Pts. I–IV)’ se erige como el ítem más extenso del repertorio y aprovecha muy bien su largo espacio para explayarse en su paleta sonora. Todo comienza con un clima de serenidad que se sitúa en una cruza entre lo ensoñador y lo arcano, algo no precisamente ajeno al cosmos de SKE. A poco de pasada la frontera del segundo minuto y medio emerge una sección prog-metalera cuyos recovecos revelan una disposición abierta hacia la diversidad de grooves sucesivos y machacones dinamismos de los riffs. Cuando todo se detiene para que emerja una sección etérea, las nieblas de lo misterioso regresan mientras se va preparando tras bambalinas una segunda sección avant-metalera más belicosa. La visceralidad del momento es compacta y aguerrida, y no sólo eso, también esta sección se encarga de asentar los vaivenes entre lo poderoso y lo ensoñador. El epílogo se encamina justamente por este lado, aunque con unos recursos de tensión suavizada que, evidentemente, son síntomas de los pasajes más agresivos que se dieron anteriormente. Un cénit decisivo del álbum.

‘Buone Parole’ es una miniatura calculadamente desestructurada que se sitúa cómodamente en el área del free jazz radical a lo ZORN, siendo así que suena como una declaración de principios del caso antes de que entren a tallar nuevos matices experimentales bien delineados en el siguiente tema, titulado ‘E Mele Fradicie’. Con un esquema rítmico alevosamente parsimonioso, el ensamble instrumental elabora un encuadre metalero tenebroso que abre espacios a fantasmales arreglos corales. El centro de ‘Margherita Legge Umberto G.’ está en unas recitaciones de niña sobre un cándido trasfondo de piano en tono impresionista, algo que es interrumpido en varias ocasiones por estilizados jams de prog-metal instalados sobre un swing razonablemente complejo. ‘La Rivolta Dei Servi’ es otro ejercicio de abstracciones electrónicas, esta vez con un acento más lírico, siempre con unos ribetes cinematográficos que evocan una espiritualidad contemplativa. Cuando llega el turno de ‘La Malabestia Di Calafato’, la banda retoma los índices de suntuosidad aguerrida y despliegue de vigor señorial que ya se habían hecho presentes en los temas #2 y #4. Los elegantemente constreñidos solos de sintetizador se confrontan armónicamente con la artillería pesada provista por los otros instrumentos. ‘Vince’ es una miniatura signada por un minimalismo sistemático que está evidentemente delineado por vibraciones cósmicas. ‘Il Cuore Si Stanca Anche Lui’ y ‘La Malora’ conforman la dupla encargada de cerrar el álbum. Con ‘Il Cuore Si Stanca Anche Lui’, tenemos una pieza marcada por una espiritualidad meditabunda, la misma que suena a algo propio de TOM WAITS a través del filtro de DUSTMAN DILEMMA. Por su parte, ‘La Malora’ comienza con el único momento de ingrávida introspección de todo el álbum, un despliegue de tenue interioridad que, de a pocos, genera desde dentro de sí una explosión de grisáceos traqueteos. El clímax es interesante porque, a la par que gira hacia una fuerza nueva, mantiene el lirismo nuclear que fue recurrente desde el punto de arranque, lo cual repercute en la maximización de la majestuosidad implícita a la estructura compositiva. Estupendo cierre del álbum. 

Todo esto fue lo que se nos ofreció con “Campana Di Legno + Trappola Per Topi” desde los cuarteles de ZIO CROCIFISSO, el testimonio completo de los primeros pasos de este gran ensamble. He aquí una magna obra de música progresiva vanguardista y poderosa cuyos despliegues masivos de energía la convierten en uno de los más notables aportes de Italia para el rock artístico del presente año 2025. ¡¡Totalmente recomendable!!

Muestras de “Campana Di Legno + Trappola Per Topi”.-  

Arenicola: https://ziocrocifisso.bandcamp.com/track/arenicola   

Lievito Madre (Pts. I–IV): https://ziocrocifisso.bandcamp.com/track/lievito-madre-pt-i-v  

La Malabestia Di Calafato: https://ziocrocifisso.bandcamp.com/track/la-malabestia-di-calafato-2

La Malora: https://ziocrocifisso.bandcamp.com/track/la-malora

HEDVIG MOLLESTAD TRIO: nuevos trucos de la chistera avant-jazz-rockera noruega

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

El pasado 9 de mayo alzó un nuevo vuelo el HEDVIG MOLLESTAD TRIO, ensamble noruego de larga trayectoria dentro del ámbito avant-jazz-rockero de Noruega. La guitarrista Hedvig Mollestad se hace acompañar por la bajista Ellen Brekken y el baterista Ivar Loe Bjørnstad, sus eternos socios en esta entidad musical. Nos estamos refiriendo a su octavo álbum “Bees In The Bonnet”, publicado por el sello Rune Grammofon en Cd y en vinilo (negro y transparente). Nacida en febrero de 1982, Hedvig Mollestad Thomassen es una guitarrista y compositora de genuina veteranía dentro de los escenarios del jazz y el rock de vanguardia de Noruega, siendo así que buena parte de su mejor obra está en la discografía del trío del cual hoy hablamos, pero también ha tenido membrecías en EL DOOM & THE BORN ELECTRIC y en la TRONDHEIM JAZZ ORCHESTRA, discos firmados como solista, además de haber formado en tiempos más recientes otro trío llamado WEEJUNS. Este nuevo disco “Bees In The Bonnet” sucede por cuatro años a su muy elogiado “Ding Dong, You’re Dead”, una obra que cimentó la buena reputación ya concretada por discos anteriores como “All Of Them Witches” (2013) y “Smells Funny” (2018). El material contenido en el disco que hoy comentamos fue grabado y mezclado en el Amper Tone Studio, siendo después masterizado en Audio Virus Lab. El encargado de la mezcla fue Bård Ingebrigtsen, mientras que la masterización estuvo en manos de Helge Sten. Bueno, vayamos ahora a los detalles estrictamente musicales de este disco. 

‘See See Bop’ pone el rumbo inicial a las cosas con un punche consistente y bien definido, un riff cañero y llamativo que se asienta cómodamente sobre un groove a medio tiempo: los BLACK SABBATH o los DEEP PURPLE se hubieran sentido orgullosos de haber compuesto esto. Las ligeras variaciones ulteriores en el swing y el electrizante solo que suena como una cruza entre Hendrix y McLaughlin generan suficientes recursos de sofisticación para esta pieza inicial. Luego sigue una estupenda tríada de temas que duran alrededor de 6 minutos: ‘Golden Griffin’, ‘Itta’ y ‘Bob’s Your Giddy Aunt’. El primero de estos temas mencionados se eleva hacia una exaltación majestuosa cuya musculatura esencial está bien encuadrada dentro del enclave tipificado del jazz-prog con inclinaciones pesadas. La dupla rítmica cumple simultáneamente con las funciones de reforzar los cimientos y conectarse con las furiosas bases armónicas de la guitarra... Cuando ésta no se centra en explorar entusiastas áreas de incandescencia, las mismas que sirven para completar las agitaciones aristocráticamente estratosféricas donde el núcleo central del sonido triádico halla su potencial flameante. Todo un cénit del álbum. En lo que respecta al segundo, se trata de un trayecto sónico más orientado hacia una solemnidad ácida que coquetea con el punk-jazz: la aguerrida inteligencia de la pieza precedente se torna aquí más aguda. ‘Bob’s Your Giddy Aunt’ empieza virando hacia lo experimental en clave misteriosa hasta que llega el momento de focalizarse en un ejercicio de brutal prog, el cual sirve para que el trío aborde los retos siempre abiertos del jazz-rock encendido por vibraciones psicodélicas de tipo stoner. ¿Una confluencia de los paradigmas de PAK y GURU GURU? Tal vez. Sea como sea, la verdad es que advertimos aquí solventes muestras de magia jazz-rockera que resultan tremendamente poderosas al valerse de su propia rudeza para estimular unos vuelos sónicos contundentes y macizos. Estos vuelos saben mantener su exquisito esplendor mientras se dejan llevar por su osada ingeniería de ígneos traqueteos. 

‘Lamament’ es el momento sereno del disco, una detenida mirada introspectiva en los lugares más recónditos del alma, fuera de toda luz y, a la vez, ajenos a toda ansiedad. Los aires noctámbulos de esta sutilmente hermosa composición no apelan a algo incierto o inquietante, sino más bien a un deleite centrado en un remanso espiritual. ‘Lamament’ dura poco menos de 5 minutos y tal vez podría haber durado un poco mas, tan efectivo es el encanto de su núcleo temático. De todas maneras, llega ya el turno de ‘Apocalypse Slow’, que con su espacio de 8 ¼ minutos es la pieza más extensa del repertorio. También es la encargada de cerrarlo... ¡Y lo hace a lo grande! Los aleteos machacantes con los que se inicia este último viaje musical arman un crescendo efectivo que suena realmente amenazante. A poco de pasada la frontera del segundo minuto y medio, el groove se enriquece con los efluvios delirantes de la guitarra, los cuales se sitúan a medio camino entre lo Crimsoniano y lo Rypdaliano con un punche extra de rock pesado. Los flameantes traqueteos cambian de swing después de traspasar la frontera del quinto minuto y medio, que es cuando la banda emplea un dinamismo propio del rock metalero clásico mientras la batería sigue sosteniendo unas férreas vibraciones jazz-rockeras. El segundo solo de guitarra es más exultante que el anterior, y aunque no es tan largo, tiene suficiente musculatura para guiar al ensamble íntegro por la senda del fuego telúrico. Así tiene que terminar todo, con un fuego de dimensiones sísmicas. Poco más de 35 minutos es todo el tiempo que ha necesitado este talentoso ensamble para hacer de “Bees In The Bonnet” un ítem totalmente idóneo para cualquier buena fonoteca actualizada en las avanzadas del jazz y del rock de nuestros días debido a su sistemática convergencia de consistencia en la fuerza expresiva y variaciones en los grooves. La verdad que se ha lucido el HEDVIG MOLLESTAD TRIO con este catálogo de nuevos trucos musicales que honra enormemente a la escena noruega de hoy en día: un álbum recomendable al 300% (un ciento por cada integrante). 

Muestras de “Bees In The Bonnet”.- 

Golden Griffin: https://hedvigmollestadtrio.bandcamp.com/track/golden-griffin 

Apocalypse Slow: https://hedvigmollestadtrio.bandcamp.com/track/apocalypse-slow