DREAM THEATER y BIGELF - monumental conmoción rockera en Lima

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

La noche de DREAM THEATER y BIGELF en la Explanada del Estadio Monumental de Lima fue brutal, intensa, apasionada e impactante. Se trataba de la primera vez que DREAM THEATER y sus ilustres teloneros de turno venían a escenarios limeños: la atracción principal era, por supuesto, el quinteto formado en los pasillos de la Berklee College of Music y que hoy por hoy, desde hace poco menos de 20 años, reina como monarca supremo del género prog-metal. El 22 de marzo era el día signado por el destino para que James laBrie, John Petrucci, John Myung, Jordan Rudess y Mike Portnoy tuvieran una cita con la comunidad rockera peruana… bajo cielos peruanos.

Comencemos con los teloneros. Teniendo en cuenta que DREAM THEATER iba a comenzar su actuación a eso de las 9.30 PM si no más tarde, era razonable que BIGELF iniciara su actuación a poco de pasadas las 8.00 PM. Este grupo formado en Los Angeles encarna un enérgico eslabón perdido entre URIAH HEEP y BLACK SABBATH a través de filtros de DEEP PURPLE, además de los estándares de la psicodelia heavy clásica de fines de los 60s. El uso extensivo de wah-wah y flanger en la guitarra y la presencia exclusiva del Hammond y el mellotron en el arsenal del cantante-teclista son pautas infaltables en el vigoroso sonido retro que esta banda enarbola como innegociable propuesta musical. En un espacio de casi 50 minutos, se generó una química inapelable entre el grupo y el público que recién se conocían en el transcurso del momento. Si en el tema con el cual abrieron su intervención lograron llamar la atención de manera plena, el grupo se ganó decisivamente al público con los temas que siguieron, ‘Money Machine’ y ‘Neurosychopathic Eye’. ‘Blackball’ y ‘Painkillers’ también llenaron de polenta el ambiente, siendo así que el nombre del grupo era coreado en varios momentos por el respetable. Un momento particularmente emocionante fue cuando el frontman Damon Fox dedicó el tema ‘Disappear’ a la memoria de Andy Butler-Jones, quien fuera anterior guitarrista de la banda. En fin, cuando el grupo dejó la escena deshaciéndose en emocionados agradecimientos para con la gente, estaba claro que BIGELF dejaba un gran recuerdo en las retinas y mentes de los asistentes más puntuales.

... ¿Y QUÉ CON DREAM THEAER? ¡¡¡GENIALES!!! Su derroche de virtuosismo se complementaba perfectamente con su nervio para extenderse a veces en jams, y sobre todo, el ingenio musical y el feeling de los cuales siempre han hecho gala pero que no se suele mencionar tan recurrentemente como su destreza técnica. Su actuación, que comenzó poco antes de las 9.45 PM, resultó intensa incluso desde antes de tocar la primera nota. La pista de un pasaje orquestal que emergió mientras se apagaban las luces y bajaba lentamente el telón y la subsiguiente secuencia de tormenta y rayos anticipaban furiosamente el arribo de la monumental pieza ‘A nightmare to remember’, que abre el más reciente disco de la banda “Black Clouds & Silver Linings”. El grupo instaló su incombustible vitalidad en total armonía con el entusiasmo explícito de un público que ya estaba entregado desde horas, días y semanas antes de la realización fáctica de este evento, entregado a la arrolladora magia de los solos de Petrucci y Rudess, el carisma escénico de un dinámico LaBrie, el vigor avasallador de un Portnoy que se luce en su nutridísima batería de tres bombos mientras gesticula y ocasionalmente gruñe, la potente y rica base que aporta un impecable Myung. Todos estos elementos individuales saben brillar por sí solos mientras que el bloque entero derrocha su grandeza sin dejar una sola gota de creatividad en el tintero. De todo esto podía percatarse el neófito que había asistido a ver a la banda “a ver qué pasa”… pero lo que pasa no es un misterio para quienes han seguido a esta banda por años. Valiéndose de la comunicación virtual a través de las pantallas, Portnoy saludó al público antes de iniciar su sección de “growling” – desde ese momento, el genial baterista asumió su rol de co-animador con la complicidad del público.

‘A rite of passage’ prolongó esa infaltable combinación de fastuosidad, electricidad y buenas vibraciones que el grupo brinda en proporciones épicas en cada una de sus piezas fuertes. Justo en este momento, Rudess ya ha exhibido su Continuum y su Ipod Touch. No será la última vez, por cierto. Una versión extendida de ‘Hollow years’ brinda el primer momento de melancolía y romanticismo de la noche – el solo introductorio de Petrucci, que incluía un pasaje del tema central de la película "La Lista de Schindler", generaba un poder emotivo contagioso, siendo así que el público se hizo debido eco de esa sensación. Recién al finalizar este tema, cuando ya llevábamos un poco más de ½ hora de concierto, LaBrie se dio abasto para saludar a los asistentes. Era hora de continuar con la faceta más explícitamente filuda de la banda, y ‘Constant motion’ era la canción adecuada para mostrar este frenético temperamento: una vez más, Petrucci se adueñó de la ciudad con sus férreos riffs y exaltados solos, excesivos y a la vez tremendamente musicales. El delirio de este momentum viró hacia niveles cósmicos con el solo múltiple de Rudess, y con múltiple me refiero a sus acciones exploratorias con su keytar, Continuum y Ipod Touch, antes de pasar a concentrarse en su teclado. Un momento entrañable y humorístico llegó justamente cuando en la pantalla se reflejaba una caricatura de Rudess en una guisa de Merlín psicodélico – este genio forjado en las aulas de Julliard exhibe su chiva blanca del mismo modo que Rick Wakeman exhibía su lacia melena blonda y capas de mago. ¿Qué mejor manera de cerrar el solo que con el inicio de un instrumental tan fabuloso como ‘Erotomania’? Pues bien, eso fue lo que sucedió, y ciertamente la reacción inmediata del público confirma por enésima que la etapa 1989-94 sigue siendo de especial devoción para los seguidores de la banda. Rudess se ciñó al libreto respetando las ideas básicas que Kevin Moore aportó a la versión oficial de estudio. Quien no lo hizo fue Portnoy, pues él interrumpió un pasaje para jugar con el público, aprovechando la magia de la imagen engrandecida en la pantalla – se nota que este grupo gusta, ante todo, de divertirse, de no tomarse a sí mismo demasiado en serio a pesar de que su repertorio está anclado en la necesidad de insuflar inteligencia al rock de nuestros días. Aunque no fue tocado en su totalidad, ‘Voices’ supuso una bien lograda continuidad de la vibración establecida en ‘Erotomania’: justamente se recordará su sección introductoria como uno de esos momentos en los que el bajo de Myung logró sobresalir con luz propia a través de una mezcla de sonido que habitualmente daba prioridad a los instrumentos de sus tres compañeros de viaje.

Tras la sensación de inconsolable neurosis que destila una canción tan intensamente amargada como ‘Voices’, llegaron los primeros acordes de piano en un compás lento de ¾ para el arribo de ‘The spirit carries on’, power-ballad de inspiración góspel que viraba la atmósfera emocional hacia unas sensaciones más relajantes, movidas por una serena celebración de la inmortalidad y transmigración del alma. No me cabe duda de que esta pieza dio pie para el mejor momento de LaBrie como comunicador e intérprete, fungiendo como arcángel de palpitaciones conmovedoras en los corazones y mentes de los asistentes. También sirvió para que Petrucci volviera a adueñarse a su antojo del rol protagónico sobre el escenario. En esta secuencia de contrastes, las ideas cósmicas de ‘The spirit carries on’ fueron ipso facto sucedidas por la electrizante manifestación de autoafirmación de ‘As I am’, un tema aguerrido y voraz – la entrada signada por el efecto en reversa del eco de una nota de piano y las armonías de bajo de Myung abrieron la puerta a un nuevo vendaval de furia inteligente. Como DREAM THEATER sabe que su segundo disco “Images And Words” es una piedra angular de su historia viviente, no debía faltar una muestra del mismo en esta presentación primeriza: es así que el medley de ‘Pull me under’ (hasta el segundo estribillo) y ‘Metropolis, Part 1’ salió a colación para encuadrar a lo grande la primera despedida de la banda. Como ya sucedió en muchísimos conciertos anteriores, Petrucci y Rudess se enfrascaron alegremente en un duelo guitarra vs. keytar inmediatamente después del pasaje solista de Myung (dicho sea de paso, fue el momento en que más se dispararon las ovaciones para con este supremo maestro de obras del sonido DT). Por supuesto, ‘Peruvian skies’ fue reclamado por el público en varios momentos del concierto, y dado que el grupo abandonaba el escenario, los reclamos se intensificaron… y vaya si el golpe de efecto dio resultados, pues al volver al escenario y ponerse a tocar esta canción, el público asumió el rol de apoyo vocal con un compromiso total. Al finalizar la canción, la explosión de júbilo fue explosiva hasta niveles tremendos y terribles, pero aún quedaban unos 20 minutos más para que la jornada llegara a su fin, y sería el tema épico ‘The Count of Tuscany’ el que estuviera a cargo de ocupar todo ese espacio. Tratándose de una pieza fastuosa al más puro y entrañable estilo DT, su carácter místico apoyado en su esquema extremadamente articulado lo convertía en un ideal broche de oro progresivo. Siempre recurriendo a exhibiciones de destreza y colorido excesivo, el asunto es que ‘The Count of Tuscany’ desarrolla una musicalidad única, distribuida a través de sus variados motivos en una arquitectura bien nivelada e implementada a punta de fineza performativa. Rizando el rizo de las influencias de RUSH, YES, METALLICA, IRON MAIDEN, KANSAS y PINK FLOYD sin perder la frescura ni el ingenio, la pieza se sostiene cabalmente sobre los riffs y bases de turno sobre los recovecos rítmicos. Una vez que llegamos al interludio etéreo donde las notas de la guitarra flotan cuales destellos de nebulosa, nos preparamos para recibir el epílogo que nos canta una despedida cortés y emocionada – “Cuéntales de mí, soy el Conde de Toscana”… pues bien, eso estoy haciendo ahora, contar la historia de DREAM THEATER (y BIGELF) en su primera aventura peruana.

Resumiendo, el setlist fue.-

A nightmare to remember
A rite of passage
Solo de Petrucci / Hollow years
Constant motion
Solo múltiple de Rudess / Erotomania / Voices
The spirit carries on
As I am
Pull me under / Metropolis, Part 1 (inc. duelo Petrucci-Rudess)

Encore:
Peruvian skies
The Count of Tuscany


En total, fueron poco menos de 2 horas y 10 minutos de colorido musical en manos de una de las bandas más importantes de la actual avanzada progresiva y, definitivamente, la puntera de la escena prog metal mundial.

Aquí podemos ver al grupo ofreciendo su tema ‘Peruvian skies’, naturalmente obligado para la ocasión - http://www.youtube.com/watch?v=bllywfnXZLA


Por haber instalado todo un hito en la historia de los conciertos de rock en escenarios limeños… ¡¡GRACIAS POR EL SHOW, BIGELF Y DREAM THEATER!!

THE WATCH y la regeneración del planeta neo-progresivo

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

El disco que comento en esta ocasión es el más reciente lanzamiento del ensamble italiano THE WATCH, el cual sigue caminando por su sendero musical signado por explayamientos retro a lo GENESIS de la mano del frontman Simone Rossetti – “Planet Earth?” es el nombre de este disco nuevo. El grupo se muestra irremediablemente interesado en ahondar en la línea retro de su esquema sonoro, y ello se nota masivamente en el arsenal de teclados antiguos (Hammond, mellotron, sintetizadores) que utiliza Valerio De Vittorio… especialmente en el timbre tan Banksiano que trabaja en el Hammond. Por lo demás, cabe notarse que el punto de referencia más recurrente para este álbum está en el esquema genesiano de la etapa 76-77, lo cual, a su vez, significa que el grupo da preferencia a sonoridades etéreas similarmente a lo hecho en “Primitive” y no tanto a las más aguerridas que se habían exhibido en los dos primeros álbumes (e incluso en el disco de THE NIGHT WATCH, banda nodriza de THE WATCH).

‘Welcome to Your Life’ abre el disco en un clima de pleno entusiasmo donde las referencias genesianas a ‘Eleventh Earl of Mar’ y ‘One For the Vine’ se reciclan ágilmente a través de los desarrollos melódicos en curso. Se puede muy bien describir a esta canción como una reelaboración de atmósferas propias del “Wind And Wuthering” en clave de un híbrido entre el GENESIS más entusiasta del “Nursery Cryme” y el MARILLION pre-“Misplaced Childhood”. En cambio, un tema como ‘Something Wrong’ exhibe un dominio de los ambientes más lánguidos, con alusiones indirectas pero claramente pautadas a ‘Entangled’ y ‘Can-Utility’. La arquitectura elaborada por las guitarras duales marca la capa básica sobre la cual se desarrolla la pieza, y más adelante, los sonidos cósmicos vertidos por el mellotron y los sintetizadores habrán de incorporar algo de inquietante misterio al asunto. ‘Earth’ es un tema más emparentado con los despliegues combinados de colorido y energía que ya la banda ha mostrado desde el primer disco – tema realmente típico de THE WATCH, aunque siempre hay que tener en cuenta el esquema sonoro abiertamente retro que la banda emplea para este álbum, lo cual permite al tecladista ocupar un rol líder en el esquema general. Y ahora que mencionamos específicamente al teclista, éste se afianza en su rol importante dentro del grupo en la pieza ‘All the Lights in Town’, la más larga del disco – sus dinámicos arpegios de piano marcan eficazmente el prólogo de otro tema atractivo y enérgico dentro de su ya conocida estrategia genesiana. Hay ciertos aspectos teatrales casi al estilo de cabaret que nos traen a la mente algunos de los aspectos más juguetones de la obra conceptual “The Lamb Lies Down on Broadway”, así como un pasaje dirigido por rasgueos de múltiples guitarras que sacan a colación una rememoración de la faceta más renacentista del viejo GENESIS.

‘The World Inside’ es un tema a medio tiempo que comienza con una medida actitud contemplativa, pero que poco a poco avanza hacia climas sonoros un poco más densos sin que se dé un dramático giro en sus motivos de base. Por su parte, ‘New Normal’ sí desarrolla de manera más persistente el relajamiento contemplativo ya introducido en la pieza precedente – como tesoro para los “fetichistas genesianos” de siempre, la presencia de John Hackett como flautista invitado completa el aura de tributo genesiano que THE WATCH abiertamente convierte en su leit-motiv progresivo. En fin, el disco se cierra con ‘Tourist Trap’, pieza que se encarga de reinstalar el entusiasmo flotante y colorido que tan buenos réditos ha dado en los temas 1 y 4, logrando que el bloque de “Planet Earth?” resulte un disco tan agradable. También es poco novedoso, pues THE WATCH se conforma con seguir ahondando en su propuesta neo-prog dogmáticamente planificada bajo un sello retro a despecho de las líneas desarrolladas por PENDRAGON o ARENA. Mi balance general sobre este disco es positivo – este grupo todavía me resulta atractivo.

"Clivages" y la plenitud perpetua de UNIVERS ZERO

Todavía no concluye el primer cuarto del año 2010 y ya tenemos a “Clivages”, el trabajo más reciente de UNIVERS ZERO, como un miembro necesario e irremediable del Top 5 progresivo del año. UNIVERS ZERO, a despecho del ritmo pausado de su producción fonográfica desde su reformación que tuvo lugar a fines de los 90s, se mantiene persistentemente como un monarca indiscutible de la vertiente progresiva RIO. En verdad… ¡qué gran disco que es “Clivages”! – todo un regreso a sus raíces más tenebrosas tal como quedaron desarrolladas y plasmadas en sus primeros cuatro discos (desde “1313” hasta “Uzed”). Los sortilegios atmosféricos que tuvieron una fuerte presencia en discos inmediatamente anteriores a “Clivages” ya no tienen una presencia tan relevante, siendo así que este ensamble belga se enfila más concienzudamente hacia la construcción de ambientes poderosos en un calibre oscuro muy fiel al típico estilo histórico de la banda. Con la constante guía del baterista/percusionista Daniel Denis y la estrecha cooperación del oboísta/fagotista Michel Berckmans como leal lugarteniente, el grupo ha creado todo un clásico instantáneo del RIO. El guitarrista Andy Kirk no se dio abasto para continuar su membresía en UZ (ahora un sexteto), pero antes de dejar sus filas, coopera tocando en dos temas e incluso componiendo uno de éstos.

Vayamos ahora al repertorio mismo. Los primeros cuatro minutos y pico del disco están ocupados por el grácil tema ‘Les Kobolds’, el cual destila aires vanguardistas bien equipados bajo una arquitectura sonora muy sensible a las tonalidades exóticas de raigambre indoeuropea – la clave de la pieza se centra en los ágiles colores dibujados por las maderas y el violín. A continuación sigue uno de los dos temas épicos del disco, ‘Warrior’, compuesto por el guitarrista Andy Kirk, quien fuera miembro de la banda y ahora solo es un invitado (de lujo) ocasional. Sobre un trasfondo casi “mecanizado”, el preludio genera un aire de expectativa que poco a poco prepara la emergencia de oscura languidez que se instala desde antes del minuto 2. El violín empieza ocupando un lugar central en la instrumentación, lo cual ayuda bastante a sustentar el clima tétrico tan oportuno para el momento. No se puede negar el uso de reminiscencias tanáticas a la etapa del “Heresie” y el “Ceux Du Dehors”. Bajo una apariencia de solemne monotonía se realiza un inteligente juego de variantes sobre ciertas cadencias básicas que se va robusteciendo hasta que poco después de la barrera del sexto minuto, se genera un clímax encendido que aterriza en otra demoledora sección misteriosa en la que el fagot y el clarinete bajo comparten el rol central; a partir de ahí, se arma otro clímax, menos explícito pero igualmente denso. ‘Vacillements’ entra en acción para incorporar algo de fresco lirismo al asunto después del despliegue de tensa oscuridad que tuvo lugar con la pieza precedente. Por su parte, ‘Earth Scream’ se basa en el sampleo de masivos sonidos industriales, un experimento de musique concrete en su estado más primigenio a cargo del maestro Daniel Denis; en este aparente desbalance entre la evocación naturista del título y el talante industrial del esquema sonoro, me parece que el título satiriza la capacidad del hombre de enajenar el ser natural del mundo y convertirlo en una extensión de las máquinas (en fin, especulaciones mías). ‘Soubresauts’ nos despierta a majestuosos sobresaltos que emergen desde enérgicas cadencias académicas perfectamente sobrellevadas a través de variados juegos de matices que me hacen recordar un poco a “Uzed”. Las maniobras de síncopas que se elaboran a partir de los 4 3/4 minutos son sencillamente impresionantes.

No me canso de repetir que estamos ante una labor de recuperación de la esencia primigenia de UZ, y temas como ‘Apesanteur’ y ‘Three Days’ se encargan de realzar esta idea infinitamente – los ágiles juegos de las maderas en el primer tema hallan un efectivo cimiento en la impecable dupla rítmica de Denis y Evers, mientras que la arquitectura tímbrica de las cuerdas y maderas en el segundo se explayan en una belleza misteriosa, muy a lo Rachmaninov con Stravinsky y Grieg. A continuación sigue ‘Straight Edge’, el otro tema épico del disco. El doliente solo de violín con que comienza el tema se ve pronto acompañado de amenazantes escalas de piano, y así empieza a armarse el cuerpo central. A poco de pasada la barrera de los 3 minutos, el grupo ya se halla en un trance espectacular, el cual se extiende hasta el minuto 7, que es cuando el ensamble pasa a recorrer unos senderos más sutiles, reposados aunque inquietantemente intrigantes. Cuatro minutos después, lo intrigante abre su ventana para que la oscuridad exterior se apodere de todo, permitiendo que el cuerpo central se retome en un magnífico reprise intensificado. El golpe final de ‘Straight Edge’ es brutal, y puesto que no se trata de la última pieza del disco, es de agradecer que ‘Retour De Foire’ nos brinde una brisa un poco más refrescante a través de sus climas más reposados. De todas maneras, el gusto por lo grisáceo y lo tenso no desaparece realmente, y ciertamente, prestando atención al armado del compás lento de este tema uno puede imaginar una triste procesión en el purgatorio. Todo tiene su fin, y el fin de “Clivages” llega con ‘Les Cercles d’Horus’, tema que nos muestra a un invitado especial en la batería - Nicolas Denis, hijo de Denis. El tono lánguidamente marcial de esta pieza patentemente minimalista le permite operar como un pertinente complemento al tema inmediatamente precedente, siendo así que el tono elegíaco se siente, a la vez, reforzado y más etéreo.

“Clivages” es una gozada de principio a fin que no defraudará para nada a los seguidores acérrimos de las vertientes más decididamente vanguardistas del género progresivo, y en especial, de UNIVERS ZERO.

ÁBRETE GANDUL - el 10mo aniversario de sus aventuras progresivas

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

En éste, mi primer mensaje del año 2010, quisiera hacerme eco del 10mo aniversario de ÁBRETE GANDUL, grupo chileno que ha venido haciendo aportes muy interesantes dentro de la vanguardia rockera de su país. Hasta el momento tienen registrados dos trabajos en el mercado musical: “¿Bichos = Dichos?” y “Cuentos Para Dormir”, los cuales datan del 2000 y del 2005, respectivamente.

Para el primer disco, “¿Bichos = Dichos?”, el grupo consistía en la formación de Antonio Arceu (batería), Rodrigo García (bajo), Rodrigo Maccioni (guitarra electroacústica, flauta) y Doctor Octava (guitarra, guitarra sintetizada, bajo, voz), siendo así que este último componía la mayor parte de las piezas. Bajo el liderazgo de Doctor Octava – cuyo nombre real es Mauricio Dell – ÁBRETE GANDUL exhibía una sonoridad ecléctica donde se conjugaban elementos de PRIMUS, ZAPPA y KING CRIMSON dentro de una armazón polimórfica de psicodelia, jazz-rock y pop Indie. El factor satírico era muy pronunciado por aquel entonces, y eso podía notarse de entrada desde el tema homónimo que abría el disco. ‘Quiero apagarte’ y ‘Gracias niños’ eran otros temas emblemáticos de la extravagancia humorística que suponía un elemento crucial de ÁBRETE GANDUL. ‘Estamos de suerte’, por su parte, dibuja osados vuelos instrumentales gobernados al unísono por el free-form y la psicodelia robusta dentro de un esquema de trabajo inconfundiblemente progresivo. Otro tema a destacar es ‘Hay que volver a los chinos’, tema ágil e inquietante que en “Cuentos Para Dormir” reencontrará una versión un poco más potente.


En el momento en que “Cuentos Para Dormir” era concebido, grabado y finalmente editado, el grupo ya estaba conformado por un quinteto netamente instrumental. Siendo ahora Rodrigo Maccioni el compositor principal y con Antonio Arceu aún a cargo de la batería, ÁBRETE GANDUL se completaba con los nuevos integrantes Rodrigo Pinto (guitarras eléctrica, acústica y midi), Jaime Acuña (teclados) y Pedro Santander (bajo). El sonido grupal está mucho más focalizado, centrado en una arquitectura progresiva crimsoniana que lo emparenta con otras bandas compatriotas como EXSIMIO, FLOTANTE, ESTIGMA, ERGO SUM, TRYO, etc. Las composiciones que integran este disco suelen oscilan entre lo etéreo y colorido, por un lado, y lo neurótico y tenso, por el otro. El elemento jazz-rock también permanece como una referencia estilística sólida, y es justamente por ahí que de vez en cuando emergen los pasajes más líricos – mayoritariamente de la mano de la flauta de Maccioni. El tema de entrada ‘No se metan con el Capitán Problema’ es prácticamente un manifiesto de admiración por el KING CRIMSON de Fripp y Belew, mientras que ‘Al fin y al cabo’ alterna la agilidad jazzera con la densa pesadez propia de un híbrido entre el KING CRIMSON etapa “Red” y el primer PRESENT. ¡Qué manera de ocupar los primeros 10 minutos de un disco progresivo! ‘Primanocte’ y ‘La ira de la novia de Byron’ son otras piezas que destacan notablemente en cuanto a la manifestación de las ambiciosas pautas estilísticas afianzadas en el espíritu de la banda. Pero si hay un tema que señala el pináculo del disco es justamente el tema de cierre, ‘Disminuyéndote’, pieza inmensamente climática que consta de una primera sección grácil y coqueta, y una segunda sección perdida en una densidad que se explaya de una manera que resulta a la vez inquietante y cautivadora. Admito que se trata de mi tema favorito de todos los que ha grabado hasta ahora ÁBRETE GANDUL - no son pocas las veces en que, al escuchar “Cuentos Para Dormir”, he repetido la escucha de este tema en particular.

Los años han ido pasando y Rodrigo Pinto decidió dejar la banda, pero ÁBRETE GANDUL sigue adelante como cuarteto, creando material para un próximo nuevo trabajo. Mientras tanto, el grupo ofrecerá una Tocata Histórica por su mencionado 10mo aniversario el día viernes 22 de enero de 2010, a las 21:00, en la Sala SCD Bellavista (Santa Filomena 110, Barrio Bellavista – Santiago de Chile). Los invitados especiales en esta ocasión musical serán, como no podría ser de otra manera, los ex-integrantes Doctor Octava y Rodrigo Pinto. Más información en www.myspace.com/abretegandul , y de paso, se escucha parte de su excelente material.

¡¡Que todo resulte fenomenal!! – ÁBRETE GANDUL se lo merece.

Revisando una joya Crimsoniana reeditada - RED (1974)

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Con la presente quiero enviar mi última reseña del año 2009 con un comentario sobre el que para mí (y, en realidad, para muchos melómanos) ha sido la más destacada re-edición progresiva de este año que ya se nos va – me estoy refiriendo a la más reciente edición del séptimo disco de estudio de KING CRIMSON, “Red”, dentro de la serie dedicada al 40mo. Aniversario del disco debut del mencionado Rey Carmesí (el fundamental “In The Court Of The Crimson King”). Se trata de mi opus crimsoniano favorito de todos los tiempos, y ciertamente esta re-edición en formato doble de CD + DVD es un ítem prácticamente obligatorio para todo aquél que se precie de ser coleccionista progresivo. Así de simple.

Hace ya un tiempo que publiqué en el e-zine mexicano Manticornio [http://www.manticornio.com/rock-progresivo/K/KING-CRIMSON/red.html] y en la página española La Caja De Música [http://dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/Discos/kingcrimson_red.html] una reseña de “Red”, al cual sigo valorando como una obra crucial para la expansión y maduración del rock progresivo a medida que la década de los 70s llegaban a su Punto de Ecuador. Aquí transcribo parte de la reseña en cuestión.-

“El tema homónimo que abre el disco es toda una lección de cómo encajar progresiones disonantes de acordes en un contexto de hard rock; los diálogos y contrapuntos que establecen Fripp, Wetton y Bruford a través de los motivos centrales y el siniestro interludio están inteligentemente armados, mostrando un despliegue combinado de nervio e inteligencia. Este enfoque será recurrente en una multitud de pasajes del repertorio remanente: el tema ‘Red’ queda como emblemático de la faceta más aguerrida del disco, y justamente tenemos en la férrea ingeniería sonora emanada de la guitarra de base el truco para que el despliegue de tal faceta sea sumamente exitosa. ‘Fallen Angel’ alterna esta aspereza espartana con otros momentos más marcadamente melódicos, basados en los acordes de guitarra acústica que arman las bases de las mudanzas; las secciones cantadas se abren a lo lírico con una calidez conmovedora, pero con el suficiente toque de gris otoñal como para enrumbarse fluidamente hacia las tormentosas amalgamas instrumentales sobre las que se arman los estribillos. En efecto, es de destacar el eficaz contraste entre las texturas controladas de mellotron, oboe y retazos de guitarra para las mudanzas con los efluvios más libres y tensos de corneta que entran a contrapelo de los explosivos riffs controlados de Fripp durante los estribillos y hasta el fade-out. Con ‘One More Red Nightmare’ la banda construye una combinación atractiva de rock’n’roll y jazz con ocasionales toques de R’n’B, ayudando a levantar el espíritu tras un tema tan desgarrador como el precedente. La presencia del saxo sirve para acentuar el calor durante los pasajes instrumentales – además, una mención especial debe ir para la labor percusiva de Bruford, sin duda, uno de los momentos más inspirados de toda su extensa y diversa trayectoria.

Dando inicio a la segunda mitad del álbum, ‘Providence’ es básicamente un jam que sirve como testamento formal de David Cross antes de que KC se convierta en un power-trío para sus últimos meses de existencia en los 70s. Tomado de un concierto, el jam comienza con un violín flotante, que poco después deja campo para que la guitarra de Fripp asuma el protagonismo, hasta que finalmente, el violín y la guitarra confluyen en una extroversión psicodélica inteligentemente articulada. La sección rítmica se porta fenomenalmente, añadiendo aportes adecuados para los climas que se van evocando sucesivamente a través de las intervenciones de los dos solistas. Lo mejor de lo mejor queda reservado para la última pieza: ‘Starless’ es en sí misma una gema progresiva absoluta. El tema comienza como todo lento típicamente crimsoniano, con un mellotron que dirige el sendero melódico desplegando capas etéreas y un tempo lento manejado con distinción y precisión. La guitarra establece ocasionales contrapuntos frente la mellotron, mientras que el saxo soprano complementa majestuosamente las impactantes líneas vocales de Wetton. Ninguna otra melodía podía encajar mejor dentro del ambiente espiritual exhibido en la letra, la misma que retrata el contraste entre los fulgores últimos del atardecer y la oscuridad inescrutable del yo interior. Tras concluir esta sección, viene a continuación el solo minimalista de guitarra más famoso de la historia del progresivo: el cuadro unicolor que pinta Fripp es enriquecido por las elegantemente perversas líneas de bajo marcadas por Wetton y los creativos matices percusivos a cargo del siempre brillante Bruford. La parte final de este alucinado interludio se engarza muy bien con el clímax parcial que se crea con el jam ultra-pesado, en el cual el saxo alto y la guitarra alternan sus solos. Finalmente, el motivo inicial es retomado en el espléndido clímax final, siendo así que el cello, el contrabajo y el oboe completan el conmovedor cuadro orquestal soberbiamente centrado en el mellotron. Solo una canción tan cautivante y perturbadora como ‘Starless’ podía cerrar con broche de oro un disco tan estupendo como éste.”

Con el paso del tiempo, nuestra apreciación de “Red” en los términos expuestos no solo se mantiene sino que se incrementa en proporciones geométricas – es así, con toda la energía del corazón y toda la focalización de la mente, que las joyas musicales deben apreciarse, entenderse, amarse. El CD contenido en esta re-edición de 40. Aniversario contiene, además del repertorio oficial de cinco temas, las tomas primigenias de estudio de ‘Red’ y ‘Fallen Angel’ y la versión completa de ‘Providence’, recuperando así su clímax real, el cual se extendía por un par de minutos más: esta coda recuperada para el gran público porta un groove funk-psicodélico con ciertos aires stoner: ¡un final alevosamente Crimsoniano! El librito contiene algunas fotos del último concierto que dio KC durante la etapa con Wetton, que también fue la última actividad de Cross en la banda. También hay anécdotas reveladoras y/o graciosas en torno a la grabación de este disco, el cual habría de marcar el final de una época crucial para el rock experimental. Una que revela claramente el contraste entre el creciente entusiasmo de Wetton y la crisis existencial de Fripp es que el primero fue el principal impulsor del armado del repertorio de este álbum, empezando con el instrumental homónimo y terminando con la poderosa ‘Starless’ al modo de un setlist para un concierto... todo ello mientras Fripp aguardaba el momento para decir que había tomado la decisión de disolver a KING CRIMSON tras la grabación del nuevo álbum. De nada sirvió que Wetton iniciara una especie de lobby para que Ian McDonald volviera al grupo y encaminara al grupo desde su posición de grupo de culto a estrella de rock. Wetton fue un eficaz director de orquesta, mas la sentencia ya estaba firmada. Pero bueno, ‘Starless’ era una canción que había fungido de inapelable encore durante varios de los conciertos de la última gira del todavía cuarteto por lo que su lugar en el disco se imponía de una manera u otra. El aguerrido instrumental homónimo ya había sido ensayado en su primer formato embrionario en pruebas de sonido, pero cuando Fripp le dio forma acabada para presentarlo al grupo, Bruford expresó una inicial falta de interés [“no me conecto con esta pieza, per osi vosotros dos decís que es buna, entonces la hacemos”], a lo cual reaccionó el autor con una actitud de “está bien, no tenemos que grabarlo”: Wetton fue quien insistió en utilizarlo para dar el inicio impactante al disco. Respecto al vibrante y estridente sonido de los platillos en el arsenal percusivo utilizado para ‘One More Red Nightmare’, pues resulta que el buen Bill cogió dichos platillos adicionales de un cubo de basura, con los cuales quería emular el sonido del maestro Billy Cobham.

 

Por su parte, el DVD contiene documentos visuales de las ejecuciones de ‘Larks’ Tongues In Aspic Part II’, ‘Trio’/‘The Night Watch’, ‘Lament’ y ‘Starless’ por parte del cuarteto Fripp-Wetton-Bruford-Cross en un programa televisivo francés. Es curioso y revelador oír a Wetton cantar una letra repetitiva y aún no definitivamente perfilada en ‘Starless’, y más revelador aún observar el lenguaje corporal de Bruford a la hora de aportar ornamentos percusivos al poderoso interludio en 13/8. Tiene también archivos de audio del disco “Red” completo, más los 3 bonus track que ya aparecen en el CD, más un jam en vivo titulado ‘A Voyage To The Centre Of The Cosmos’, que es de la misma onda cerebralmente lisérgica que ‘Starless And Bible Black’, aunque con un filo más aguerrido, lo cual a su vez redunda en un acabado más majestuoso. Esta pieza debió haberse beneficiado de una versión de estudio adecuada, realmente, a pesar de la afirmación que hace Wetton de que el grupo incluía temas en vivo dentro del repertorio de sus discos porque el material compuesto no era suficiente para llenar un long play entero, la verdad que ‘A Voyage To The Centre Of The Cosmos’ resulta una pieza monstruosamente perfecta como para ocupar casi todo un lado entero. La remasterización estuvo a cargo de Steven Wilson (sí, el mismo de PORCUPINE TREE y otros proyectos llamativos dentro de la vanguardia rockera actual), con varias opciones de audio tanto para el CD como para el DVD: los formatos Lossless, Digital Surround y PCM Stereo 2.0 están a disposición del oyente para ir recordando los sonidos que ya conoce o redescubrirlos con nuevos realces. Wilson admite que su labor de ingeniería de sonido fue más sencilla que con otros discos de KING CRIMSON porque la mezcla original ya tenía, de por sí, bastante equilibrio y carácter a través de las aguerridas interacciones de los instrumentistas. En todo caso, se valió de un encuadre donde el bajo y la batería tiene cada uno su canal y las guitarras de Fripp se lucen en medio de ambos, todo ello con el propósito de resaltar el esquema de power-trío con el que funcionaba KING CRIMSON en esa fase postrera de su etapa 70era. En conclusión, tenemos aquí una reedición... ¡¡Imperdible!!

Y de paso, vayan mis deseos por que todos ustedes, amigos de AUTOPOIETICAN, tengan un Próspero y Dichoso Año Nuevo 2010.

REDD reeditado - el 30mo. aniversario de "Tristes Noticias Del Imperio"

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Repasemos en esta ocasión una parte importante de la movida progresiva argentina setentera que tuvo lugar fuera de la urbe bonaerense: más específicamente ,volquemos nuestra mirada retrospectiva hacia Tucumán. "Tristes Noticias Del Imperio" fue el disco debut de REDD: ambos, disco y grupo, son los referentes indiscutibles de la vanguardia rockera en la mencionada localidad argentina de Tucumán. La iniciativa de parte del sello Viajero Inmóvil de reeditar este disco para celebrar el 30mo. aniversario de su primera aparición en el mercado es muy de agradecer, teniendo en cuenta el modo tan meticuloso y prolijo con el que se ha plasmado el formato digi-pack de múltiples dobleces: montones de información (especialmente en una hojita adicional), fotos, letras de las canciones (más un poema extra), testimonios de músicos, colaboradores y apreciadores de la banda. Como no es de extrañar, hay un amplio espacio para homenajear al baterista original Luis Escalante, quien falleció en febrero de 2005: su carácter creativo y su talentosa solvencia musical lo hicieron una persona muy querida por sus allegados, además de que fungía como el eje central de REDD durante los primeros años de la banda.

El repertorio de esta reedición es como sigue:
1. Reyes En Guerra

2. Kámala II

3. Kámala

4. Nocturno De Enero

5. Matinée

6. Tristes Noticias Del Imperio

7. Parche Armónico [bonus track]
8. Después De Un Mes [bonus track]
9. Tristes Noticias Del Imperio [bonus track]
10. Matinée [bonus track]
11. Parto [bonus track]

El trío original de REDD consistía en:
- Luis Albornoz / guitarras eléctricas y acústicas, coros

- Esteban Cerioni / bajo, sintetizador, coros

- Juan Escalante / batería, percusión, piano, sintetizador, voz
Esta misma formación se conserva en los tres primeros bonus tracks: de los dos primeros, uno tomado de una sala de ensayos y otra de un recital en la patria chica de la banda durante los últimos 70s. Los tres últimos bonus tracks fueron tomados de un evento denominado Reunión II, el cual tuvo lugar en agosto de 2003 y que congregaba reformaciones de viejos grupos de la oleada rockera tucumana (con un foco especial en REDD, por supuesto). En esta ocasión, el trío original se vio aumentado por Carlos Capdevila (batería en 10 y 11), Óscar Imhoff (voz en 10 y 11), Luis Corvalán (guitarra eléctrica en 10 y 11), José Aráoz (teclados en 11) y Clay Huston (guitarra eléctrica en 11). Para la tocada de ‘Matinée’, Escalante se pasó al piano y compartió roles vocales con Imhoff.

Con los primeros seis ítems, el repertorio de estudio queda reordenado en su formato original: aparte de lo interesante que resultó la primera edición digital de “Tristes Noticias Del Imperio” de 1996 a cargo del sello brasileño Progressive Rock Worldwide, fue un aspecto un poco cuestionable que se tomara tantas libertades con la secuencia de temas. Así pues, con esta reedición, el disco comienza con ‘Reyes En Guerra’, tema poderoso sin recurrir a factores estridentes – su magia lírica se alimenta de sutiles sonoridades bien orquestadas aportadas por los guitarreos y las capas de teclado, mientras que la dupla rítmica crea un dinamismo contenido bastante efectivo. Un clásico inapelable de Redd. Acto seguido, la dupla de ‘Kámala II’ y ‘Kámala’ ahonda en dicho lirismo desde el rol protagónico de las guitarras acústicas: la primera se explaya en un esquema bucólico que, merced a los ornamentos de teclado inteligentemente insertados, adoptan una sutil aureola cósmica al modo de un condimento extra; la segunda adopta ciertos aires jazz-rock a fin de reacoplar el aura pastoral inherente a la composición básica. ‘Nocturno De Enero’ desarrolla de forma más fehaciente el estándar propio de las ambiciones progresivas dentro del rock, con su buena utilización de motivos variantes y cambios de ritmo, pero hasta ahora siento que la composición debió explotarse un poco más con una mayor expansión del interludio jazz-rockero – en bloque, esta hermosa pieza me recuerda a una confluencia entre INVISIBLE y LE ORME. La segunda mitad del disco es donde REDD explora su potencial más épico. ‘Matinée’ es una pieza en clave rítmica de blues cuya recurrente cadencia jazzera y su desarrollo propio del rock sinfónico le permiten concretizar musicalmente la intensidad arrolladora de su melancólica letra – otro clásico incuestionable de la banda. Los últimos 9 minutos y pico del repertorio de estudio están ocupados por la canción homónima, la misma que resulta la pieza más muscular del mismo. Con su mezcla de floydismo y crimsonismo, desenvuelta sobre un esquema melódico que preserva sólidamente el interés del oyente, ‘Tristes Noticias Del Imperio’ funciona casi como el CV perfecto de la banda: sin pretender desestimar de ninguna manera la labor de Albornoz, hay que decir que la dupla rítmica se luce de forma especial aquí, creando dinámica y síncopas inteligentes a través de los diversos cambios de compases que van tomando lugar.


Los instrumentales ‘Parche Armónico’ y ‘Un Mes Después’ son estupendos. El primero se focaliza en riffs y síncopas aguerridos de parte de un trío que hace sentir su robustez de una manera inusitada: ¿por qué no fue incluido en el disco de estudio? El segundo es un ejercicio de variantes progresivas en las que el grupo luce una vez más su eficiencia preformativa y buen gusto en sus explanaciones instrumentales. Los tres siguientes bonus tracks tienen una sonoridad más clara (claro está, debido a la tecnología más contemporánea que registró las ejecuciones) – ‘Tristes Noticias Del Imperio’ porta dosis aumentadas de vigor y frenesí, ‘Matinée’ es llevado, por obra y gracia de la dupla vocal de Escalante y Óscar Imhoff (quien otrora fue miembro de REDD para su segundo disco de estudio), hacia dimensiones épicas, y el cierre con ‘Parto’ es toda una genuina celebración del rock. No me queda nada más que decir sobre esta gema progresiva reinstaurada: es un tributo justo y apropiado a la primera etapa de REDD, banda que por fortuna sigue vigente en estos días de la mano de Luis Albornoz y Esteban Cerioni.

Muestras de “Tristes Noticias Del Imperio”.-
Matinée: http://www.youtube.com/watch?v=VPx1jyzfsIs
Tristes Noticias Del Imperio: http://www.youtube.com/watch?v=MFCKF0zJouA

ALTRUISMOS - la joven imagen del rock progresivo argentino

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hoy es hora de hablar sobre ALTRUISMOS, banda argentina muy nueva y también muy joven: en este tiempo en que su disco debut “Imagen” acaba de ser lanzado al mercado por vía de viajero Inmóvil, tres de sus cuatro componentes no han llegado todavía a la veintena y el cuarto recién tiene 23 años. Tal como se puede sospechar, el sonido de la banda está lleno de vigor e ímpetu, un sonido alimentado por las ganas de plantearse un reto ecléctico y exigente donde se mezclan la magia sofisticada del estándar progresivo, el colorido robusto del prog-metal y la exquisitez del jazz-rock (con una inspiración repartida entre la tradición 70era de MAHAVISHNU ORCHESTRA y RETURN TO FOREVER y las ofertas más recientes de TRIBAL TECH, PLANET-X y LIQUID TENSION EXPERIMENT). Frente a nuestros oídos, ALTRUISMOS desarrolla el camino hacia su madurez, siendo así que ya encontramos indicios puntuales de ella en varios pasajes de este disco debut.

El disco comienza con una introducción cósmica, la cual se engarza muy bien con las ambientaciones etéreas que conforman el cuerpo central de ‘Factor Crisálida’: este primer tema “real” empieza concentrándose en climas evocativos sobre un desarrollo rítmico lento, conformando así una confluencia entre PINK FLOYD y PAT METHENY, con su leve toque crimsoniano. El rol líder del guitarrista Pereda dentro del esquema sonoro general está claramente definido. En los últimos pasajes, la pieza se intensifica para así desarrollar un filo rockero más agudo, aunque siempre permanece el espíritu evocativo de base. ‘Altruista’ es el primer tema del álbum donde la banda se explaya en su faceta extrovertida, que es a todas luces la más recurrente. Se trata de un tema claramente encapsulado entre las coordenadas del jazz-rock metalizado, al modo de un híbrido de LTE y GORDIAN KNOT empapado de aromas a lo RTF: de hecho, las tonadas de piano que Nocelli elabora en varios pasajes portan la influencia de Chick Corea, y además, también toca un solo de órgano bastante impresionante, dicho sea de paso. En este momento, el disco ya ha elevado la temperatura del ambiente, y es así que ‘Erradia Crónica’ entra a tallar con su alegre dinamismo.
El tema comienza con un swing fabuloso, enmarcado en una sonoridad moderna y ahondando en las profundas inquietudes jazzeras del grupo. No tarda mucho el ensamble en desplegar su sentido aventurero pues la pieza fluye por cadencias que coquetean abiertamente con el free-jazz, llegando finalmente el grupo a intoxicarse con aguerridos climas psicodélicos antes de llegar al sexto minuto. A partir de aquí, se arma gradualmente un motivo arquitectónico marcado por la dupla de guitarra y bajo, el mismo que abre camino para el tema homónimo. ‘Imagen’ es una pieza extensa y ambiciosa, lo cual deja campo abierto para que el grupo organice su visión ecléctica de jazz-rock, progresivo sinfónico, neurosis crimsoniana de la etapa 90s-00s y tendencias metaleras dentro de una amalgama compositiva fastuosa y vitalista… y por qué no, también ostentosa. En muchos aspectos, esta pieza condensa la línea de trabajo de Altruismos desde su particularidad. ‘Comela’ nos devuelve a las experimentaciones jazz-rockeras de ‘Altruistas’ y ‘Erradia Crónica’, aunque con un filo rockero más minucioso y una armazón sonora en líneas generales más muscular. El tema más largo del disco (y el único cantado) es ‘Pánico En Deja Vú’, el cual ocupa un espacio un poco mayor de 14 minutos. Tras una breve introducción psicodélicamente aleatoria, la pieza se enmarca en un ambiente contemplativo majestuoso, claramente definido en lo sinfónico con ciertos matices prog-metal llamados a generar una añadida fastuosidad. A partir del noveno minuto, la vertiente prog-metal pasa a ser el ingrediente principal a partir de la creación de un jam potente que transmite ambientes inapelablemente robustos. Después de su arrebatadora conclusión, los climas psicodélicos de apertura regresan para armar una coda intrigante.

En mi humilde opinión, algunos detalles de la producción de sonido de “Imagen” pudieron haberse elaborado mejor a fin de que los sonidos del bajo no quedaran un poco “perdidos” entre la compleja labor del baterista y las esforzadas labores del guitarrista y el teclista, pero nada de esto altera mi percepción positiva sobre los méritos musicales del disco en cuestión. Hay que prestar atención a esta ópera prima de ALTRUISMOS y a todo lo que el susodicho grupo pueda irnos ofreciendo en futuros trabajos discográficos: por lo pronto, el grupo ha comenzado con buen pie.

Concluimos esta reseña con unos tubitos que dejan constancia de la energía inherente a este joven ensamble argentino:
Altruista - http://www.youtube.com/watch?v=OZjwM9Uuods
Imagen - http://www.youtube.com/watch?v=mP6aUMcqILY

La onomatopeya musical de CUAC! - grata sorpresa progresiva para fines de 2009

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hace pocas semanas, el grupo español CUAC! lanzó al mercado su homónimo disco debut, después de varios años en la brega por difundir su visión ecléctica de la música moderna: una confluencia de jazz fusión, funky, rock progresivo, pop de línea Indie y psicodelia se desarrolla de manera convincente en el repertorio de “Cuac!”. El mismo grupo denomina a su estilo con el neologismo de “onomatopop”: básicamente, se trata de una celebración humorística de su propia iconoclasia sonora. Anecdóticamente, la formación de CUAC! involucra a miembros del grupo SENOGUL tanto en el personal como en la lista de músicos invitados: de hecho, el lanzamiento de “Cuac!” se enmarca dentro de un proyecto discográfico llamado Disconsonancia, el cual busca crear y dar espacios a bandas relacionadas con los mencionados SENOGUL.

El disco abre con ‘No te conocía ese jersey’, tema que comienza con serenas capas de sintetizador sobre las que Pire expone un canto dulce con un toque leve de neurosis, para que luego el cuerpo central se desarrolle sobre un groove fusionesco refinado. El solo de guitarra medio a lo Fripp aporta un factor extraño al asunto sin romper con el esquema general de la pieza, el cual también incluye algunas escalas crimsonianas 80eras y un breve (demasiado breve) solo de sintetizador a lo Bardens. Tras esta gran entrada viene ‘Anika Pistophen’, tema enmarcado en cadencias bossanova, siendo así que perpetúa la refinada aureola evocativa iniciada por el tema de entrada: la presencia invitada del saxo completa eficazmente el carácter de la pieza. ‘Nun’ se enmarca en un ambiente más grisáceo, misterioso con un cierto talante ensoñador, casi en la onda de PORTISHEAD con su matiz crimsoniano extra: la coda de esta pieza se desarrolla en un excelente clímax progresivo. Con ‘Voleybol para adultos’, el grupo se retrotrae hacia esquemas jazzeros más serenos, para que acto seguido, el instrumental ‘Heliocentrismo’ nos brinde una atmósfera sinfónica ingeniosamente envolvente. ‘ExBeachIt’ es un cálido ejercicio de jazz-pop cuyo colorido sobriamente ágil no tiene mucho que ver con las intrigantes sutilezas de ‘Vomitina’, pieza que me suena a un conglomerado de PORTISHEAD y TORTOISE con BJORK a la cabeza: la descripción formal que acabo de hacer no resulta descabellada, merced a la manera tan contenida en que el grupo sabe armar sus amalgamas sonoras. ‘Fuagrás’ se encuadra dentro del jazz-pop con tonalidades muy amables (más un impresionante solo de saxo invitado), mientras que ‘¡Que alguien haga algo!’ se desenvuelve en climas psicodélicos flotantes, llenos de vitalidad sin hacerse realmente agresivo. ‘Marlene’ es un tema a ritmo de cabaret germánico, gracioso, muy a contrapunto con el tema que viene a continuación, ‘Abismo’, que tiene una belleza melódica manejada con agilidad. Su engañoso aire relajante en realidad refleja una misteriosa inquietud, y además, en sus momentos más intensos expone una plenitud neurótica inapelable, amén del que me parece el mejor solo de guitarra en todo el disco. ‘Tumbaos’ regresa a las aguas cálidas del jazz-fusión con aires latinos, antes de que ‘Corredor en el filo’ cierre el disco con esa ágil mezcla de jazz-rock y rock sinfónico que ya se hizo presente en otras piezas dominantes del álbum.

En verdad, esta oferta brindada por CUAC! me ha supuesto una gratísima sorpresa melómana para fines de este año 2009, independientemente de que le queramos llamar rock progresivo, rock ecléctico u onomatopop.

MIRIODOR avanza en su reinado progresivo con una joya progresiva del 2009

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

El grupo canadiense MIRIODOR, como para no perder la costumbre, ha vuelto a lucirse con una nueva joya fonográfica titulada “Avanti!”, la misma que supone para mí una integrante necesaria del Top 5 progresivo para el presente año 2009. Publicado por el sello Cuneiform, “Avanti!” nos muestra a esta banda convincentemente afianzada en su faceta más poderosa, siendo así que su propuesta de R.I.O. modernizado se beneficia de un uso más recurrente de sonoridades y arreglos musculares. Contando actualmente con el formato condensado de cuarteto, Bernard Falaise se encarga de las guitarras, bajo sin trastes, mandolina, banjo, teclados y efectos de tornamesa; Pascal Globensky, de los teclados, piano y sintetizadores; Rémi Leclerc, de la batería, percusiones y sampleos; y Nicolas Masino, del bajo, piano y teclados. Los invitados ocasionales a los vientos (incluída la ex- miembro Marie Chantal Leclair en el saxo soprano) hacen notar sus aportes con prestancia y habilidad debidas.

‘Envoutement’ abre el disco con una cadencia lenta y densa, explícitamente marcada por aires psicodélicos donde el bajo distorsionado asume un protagonismo inapelable dentro del esquema instrumental global. Cuando llega la segunda sección, el tema torna hacia climas más gráciles, basadas en juegos amables de disonancias en una suerte de confluencia entre UNIVERS ZERO, MANEIGE y GENTLE GIANT. La precisión arquitectónica en las interrelaciones de los músicos es admirable, lo cual no obstaculiza la expresión de calidez. ‘Bolide Debile’ se estructura sobre una sólida cadencia jazzera, con lo cual se gesta un esquema constantemente extrovertido sobre el cual los diversos motivos transitan con impecable fluidez. El solo de guitarra final es todo un tributo a Fred Frith. ‘La Roche’ guarda una aureola más contenida, incluso nostálgica: a pesar del tono decididamente experimental de su desarrollo temático (con algunos retazos inesperados a lo ZAPPA), el compás calmado permite que prevalezca y se afiance la sensación de dulce melancolía, incluso en aquellos pasajes donde lo tétrico parece apoderarse de la atmósfera general. ‘Écart-type’ se destaca, para empezar, como la pieza más extrovertida de todo el álbum: el clima juguetón que la atraviesa de forma sistemática parece diseñado para desarrollar un espíritu celebratorio. Una vez más, cabe destacar el fuerte peso que las herencias de MANEIGE y GENTLE GIANT tienen en le esencia particular de MIRIODOR, así como algunos factores procedentes del Canterbury de HATFIELD & THE NORTH y NATIONAL HEALTH. ‘À Déterminer’, con sus casi 10 ½ minutos de duración, resulta el tema más extenso del disco. Mayormente desarrollado sobre estructuras rítmicas contenidas, el tema despliega una majestuosidad a veces penetrada por una sensación de denso misterio, otras veces ordenada bajo la lógica de la tensión y la neurosis, siempre muscular, nunca chocante, sabiamente articulada a través de sus comedidos vaivenes internos hasta llegar a una conclusión alegremente traviesa. Los últimos 16 minutos del disco están ocupados por dos temas que conjuntamente completan un clímax perfecto para el mismo. El primero es el tema homónimo, el cual establece un esquema de jazz-progresivo que tiene tanto que ver con el estándar de MANEIGE y SLOCHE como con el nervio psicodélico del KING CRIMSON 73-74 y la ágil sofisticación de GENTLE GIANT, además de su momentánea sorpresa zappiana. El último es ‘Réveille-matin’, pieza contenida bajo una armazón evocativa en donde el núcleo melódico incorpora texturas exóticas. En buena medida, este tema captura una perfecta síntesis de los sonidos y ambientes que han ido predominando a lo largo del repertorio íntegro del álbum, y teniendo en cuenta que hay un espíritu primordialmente ceremonioso en esta pieza en particular, está correctamente ubicado al cierre.

“Avanti!” es un despliegue espectacular de imaginación progresiva. Teniendo una trayectoria tan extensa y un esquema sonoro tan férreamente definido, MIRIODOR no es hoy en día tanto una banda dispuesta a generar inauditas sorpresas para quienes ya la siguen desde hace tiempo como una banda capaz de recrear nuevas vitalidades a lo largo del camino – que tiene suficiente maestría como para lograrlo en proporciones geométricas con cada nuevo disco, es una intuición que se confirma a plenitud y con creces tras unas pocas escuchas detenidas de “Avanti!”.


Muestra de “Avanti!”.-
La Roche: http://vimeo.com/25809418

KANSAS, hogar del rock progresivo por 35 años

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Ya voy por mi tercer comentario sobre KANSAS desde que se inició mi asociación con José Zegarra y este blog AUTOPIETICAN. Todavía está presente en mi memoria reciente mi excitación por la re-edición digital del disco en vivo "Two For the Show" a mediados del año pasado, y más presente está la actuación de esta banda en Lima, mostrando buena parte de su repertorio clásico ante un público entregado y cómplice hace dos meses y medio. La razón de la gira mundial que ha estado realizando KANSAS en este año 2009 que ya se nos va fue la celebración de los 35 años de trayectoria discográfica, cuyo primer paso fue el disco homónimo de 1974. Este aniversario había comenzado el 7 de febrero de 2009 con un concierto especial en el Auditorio de la Universidad de Washburn, con el apoyo de la Orquesta Sinfónica de dicho centro de estudios superiores, más invitados especiales… a la sazón, Kerry Livgren y Steve Morse, es decir, el hombre que completó la forma definitiva de la formación clásica y el hombre que ayudó a la banda a reactivar la energía rockera de la banda durante la segunda mitad de los 80s. Este concierto estaba a todas luces diseñado para repasar varios puntos de referencia vitales dentro de una amplia discografía, un homenaje meticuloso a la propia obra, asumida con orgullo. Teniendo en cuenta el contexto orquestal del asunto, quedaba claro que la faceta más ambiciosa artísticamente tendría un realce especial, y justamente es esto lo que nos trae el DVD "There's Know Place Like Home".

Ahora que "There's Know Place Like Home" es un ítem físico, puedo decir que es un DVD excelente, que refleja fielmente la buena onda y el espíritu entrañable que la ocasión ameritaba, lleno de ejecuciones precisas y sensibles de clásicos kansianos de diverso calibre, así como de otros temas no tan "decisivos" pero que igualmente tienen sentido dentro del esquema general del concierto. La secuencia de 'Howlin' At The Moon' y el arreglo moderno de 'Belexes' ya está circulando en las giras de Kansas desde hace tiempo, por lo que su dosis de majestad y polenta no nos toman por sorpresa, pero sí que se hace notar la pertinencia de los arreglos orquestales. Claro está, Ragsdale hace gala de su virtuosismo, candidez y carisma a todo momento, un hombre que ha absorbido el espíritu y la dinámica del KANSAS esencial. Larry Baird, desde su rol de director orquestal, opera como un cómplice perfecto al erigirse como pieza clave para gestar la realidad de la magnificencia de 'Song For America', 'Nobody's Home' y 'The Wall'; de la prestancia de 'Point Of Know Return', 'Cheyenne Anthem' y 'Miracles Out Of Nowhere'; de la introspección épica de 'On The Other Side' y 'Hold On' (con su infaltable interludio extraído del epílogo de 'Peaceful And Warm'); de la nostalgia envolvente de 'Ghosts' y 'Dust In The Wind'. Una cosa curiosa es el uso de arreglos orquestales también para 'Fight Fire With Fire', un tema alevosamente AOR que en este evento adquiere una dinámica extra merced al uso de la orquesta. El asunto adquiere intenciones cinematográficas en los temas 'Song For America' e 'Icarus II': durante el interludio del primero, se muestran imágenes del aspecto industrial de los EE.UU. en perfecto complemento con su excelsa cadencia, mientras que en varios momentos del segundo se pasan imágenes de combates bélicos aéreos, realzando así la vibración heroica de su temática. Por supuesto, este último tema viene seguido de ‘Icarus’, otra pieza fundamental dentro de la gloriosa tradición de KANSAS.

El ingreso del primer invitado de la noche, Steve Morse, supone un vórtice hacia un clima de revitalización en esa noche de febrero: la ejecución de 'Musicatto' es magistral en su potencia y colorido y de inmediato, 'Ghosts' vuelve a exhibir su vibrante belleza, suavemente aumentada con el estribillo de 'Rainmaker'. Ojalá no se hubiese limitado al
Estribillo, sino que también hubiese aportado su explosivo interludio, el cual constituye el mejor momento del disco "In The Spirit Of Things". En fin, así son las cosas. Sin duda, Kerry Livgren es el invitado estrella por antonomasia: siendo el más viejo de los rockeros presentes sobre el escenario, aún sigue siendo capaz de ensalzar los momentos más intensos de 'Hold On' y 'Carry On Wayward Son', tema que construye un explico clímax conclusivo para el evento. Pero aún debo hacer una mención especial del bonus track 'Down The Road'. La razón de ello es que se trata de un jam que el grupo hizo durante las sesiones de ensayo previo… ¡¡con los dos invitados simultáneamente!! Esto es, se tiene a tres guitarristas en pleno retomando esta vieja canción de rodeo en torno a las terribles vicisitudes de un narcotraficante de poca monta que pretende huir de la furia de su poderoso proveedor. Se nota el clima de camaradería, casi se pueda tocar en el aire mientras se ve en la pantalla: Ragsdale se siente particularmente complementado con el estilo de Morse, quien en buena medida se roba el show durante la secuencia de solos improvisados en la sección intermedia. Se trata de un bonus invaluable.

Uno de los detalles que me parecen menos satisfactorios dentro de este estupendo DVD es que no incluya 'The Wall' integrado con el preludio de 'Incomudro', y que además, el órgano de fuelles a cargo de Kerry Livgren no se haga notar debidamente (suena mejor en la música de los créditos, que es precisamente la introducción de 'Incomudro'). Otra cosa es que se puede advertir que la sección de cuerdas resalta enormemente sobre las maderas y metales: es una pena que en los momentos más épicos de 'Cheyenne Anthem', 'Icarus' o 'Miracles Out Of Nowhere' no se luzcan realmente los aportes de los cornos y trombones, ni tampoco que las adiciones de las flautas hagan resaltar un contrapunto realmente eficaz a las capas de violines. Por otra parte, la adición de 'On The Other Side' es un gesto muy oportuno a la hora de resaltar que estamos también en el 30mo. aniversario del disco "Monolith". La ovación final tras 'Carry On Wayward Son' es un justo premio para un grupo que ha mostrado por enésima vez su oficio y sensibilidad en un evento que ha de quedar registrado con letras de oro en la historia del rock. Por lo pronto, este DVD debutó en el no. 5 de ventas de la lista Billboard: como dije antes, el arte de Kansas se las arregla para mantener su vigencia a pesar de que hace ya muchos años pasó su momentum de mayor gloria comercial. Conclusión final: un gran DVD recomendado y obligado para todo aquel que aprecie, de una manera u otra, el legado de KANSAS.

Concluyo esta reseña con los siguientes enlaces de Youtube que muestran grandiosos retazos de este documento audiovisual.-
Musicatto: http://www.youtube.com/watch?v=vQRH97ZolpY
Hold On: http://www.youtube.com/watch?v=YRCh8yh5Oys