TRIGÉMINO y su revancha contra las trampas del destino

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos una ocasión muy especial, que es la de TRIGÉMINO, grupo argentino que en su momento (entre fines de los 70s e inicios de los 80s) llevó en sus manos la antorcha del ideal del rock progresivo en la escena de su país pero con la mala fortuna de no haber podido registrar nada en el mercado fonográfico durante su periodo de vigencia. Pues bueno, el cuarteto original, conformado por Carlos Garófalo [bajo, guitarras, sitar, percusión y voz principal], Jorge Minissale [guitarras, percusión y coros], Marco Tulio Pusineri [batería, percusión y coros] y Juan “Pollo” Raffo [teclados, percusión y coros], se congregó en algún día del año 2005 en unos estudios de grabación para recrear y registrar varios temas viejos de su repertorio, usando incluso los mismos instrumentos de esa época. En fin, el sello Viajero Inmóvil publicó el resultado de aquellas sesiones de grabación en el último tercio de diciembre del pasado año 2018, bajo el título de “Trampas Para Engañar”. Aunque a lo largo de su historia el grupo tuvo algunos cambios de integrantes (por ejemplo, el exbajista de REDD Esteban Cerioni tocó aquí tras la partida de Raffo, lo cual llevó a Garófalo a hacerse cargo de los teclados), el tetraedro de Garófalo, Minissale, Pusineri y Raffo (hoy por hoy, una figura destacada del jazz-fusión contemporáneo de su país) es el que clásicamente define a TRIGÉMINO. En su tiempo, a pesar de tener cierta recepción en la prensa musical y una hinchada fiel en parte del público rockero aún receptivo al ideal progresivo, nunca logró concretar un contrato de grabación. Bueno, tal como señalamos antes, esto cambió; pasemos ahora a los detalles de esta cuenta saldada con el tramposo y antojadizo destino por estos cuatro grossos.

Estableciendo un muy inspirado ejercicio sinfónico con algunos matices pastorales que emergen por allí en ciertas ocasiones puntuales, ‘Sacrilegio En El Parque Juglar’ abre el álbum envuelto por  una cálida confluencia de señorial altivez, caleidoscópico y reflexivas vibraciones. Las cadencias ceremoniosas de la sección prologar son sucedidas por una irresistible magia melódica que bebe de las aguas de YES y GENESIS (mayormente, de los primeros) mientras transita fluidamente a través de las diversas secciones. Entre ellas se incluye un solemne pasaje dominado por el piano, el cual prepara el terreno para la emergencia decisiva del clímax final. La suite de casi 32 minutos de duración con la que se titula este disco es un momento particularmente magnífico dentro del repertorio. Hay seis secciones contenidas aquí, cada una de ellas con su propio título: ‘Preludio En Blanco Y Negro’; ‘A Quién Le Sobra Un Despertador’; ‘Donde Todo Es Realidad’; ‘Donde Las Ceremonias Son Juegos’; ‘Donde Los Juegos Son Ceremonias’; ‘Final – Trampas Para Engañar’. La primera sección es un solo de piano que tiene raíces claramente fusionescas (incluyendo algunos coqueteos con el jazz tradicional), hasta que un breve fraseo manierista abre el camino para que el ensamble entre en pleno para que instaure un muy enérgico ejercicio de fluctuaciones entre los paradigmas de YES, EMERSON, LAKE & PALMER y GREENSLADE... y de paso, también los connacionales de M.I.A. La vitalidad inherente al motif se arma bajo la guía principal de la guitarra mientras el sintetizador añade pertinentes retazos a los recovecos melódicos en curso; también hay unas breves irrupciones de estrambóticos arreglos vocales, lo cual tiene sentido porque varios pasajes instrumentales ostentan joviales aires circenses. Un tercer momento se traza bajo pautas introspectivas en medio del reinado de las guitarras acústicas y el sitar: el sintetizador entra a tallar para añadir capas cósmicas creadas con suma estilización. En algún momento, la gente de TRIGÉMINO ha gestado un punto intermedio entre el modelo del folk-rock de su propio país y LE ORME, y tras un largo espacio destinado a la elaboración de climas lánguidos, este pasaje adquirirá un groove más movido en nombre de una conmovedora luminosidad bucólica. A poco de pasada la barrera del minuto 15 irrumpe una sección rockera sobre un tempo marcial que apela a un candor melódico muy afín a los legados de ESPÍRITU y M.I.A. Un poco más adelante, la cosa se pondrá un poco más osada con el empleo de tensos juegos disonantes y arreglos vocales farsescos en alternancia con otros pasajes jazz-fusionescos (esto últimos, inicialmente bajo la guía del piano eléctrico). Cuando el ensamble completo vuelve a encender una hoguera común extrovertida, la confluencia de lo jazzero y lo sinfónico se sitúa en una expresividad alborozada y fúlgida. La sección final comienza con unos juegos concretos percusivos que pronto aterrizan en un clima tribal de inspiración afro-brasileña: así las cosas, la preservación de la precedente hibridización de jazz-rock y sinfonismo adquiere una renovada musculatura. El epílogo cantado redondea los pasajes más reflexivos de la suite, esta vez arropándolos bajo un clima sónico majestuoso. 

   

La suite homónima que acabamos de dejar atrás está diseñada para constituir un punto decisivamente álgido dentro del repertorio general de este disco, mas eso no significa que lo que sigue pase a un segundo plano: por el contrario, ‘Flan’ es una excelsa canción que se caracteriza por desplegar las dosis más contundentes de energía expresiva a los ambiciosos desarrollos melódicos diseñados para la ocasión. Aquí opera la lógica de la ortodoxia prog-sinfónica bajo los signos Yessiano y Genesiano tanto en el tipo de atmósferas que evocan los motivos melódicos que se van sucediendo como en la magnificencia intrínseca a los arreglos instrumentales: fluidos diálogos entre guitarra y sintetizador que se trasladan con igual claridad en los juegos al unísono y en los contrapuntos, protocolarios armazones melódicos del bajo, potentes explayamientos de la batería que ayudan a las rutilantes orquestaciones de los teclados para proyectar una sólida majestuosidad al íntegro espectro sonoro. En este tercer número del repertorio, la gente de TRIGÉMINO luce con ostentoso orgulloso su capacidad de operar como una unidad compacta dentro de una meticulosa estrategia de explayamientos extrovertidos. Los últimos 17 ¾ minutos (o casi) del disco están ocupados por ‘Desayunando Con Pepe Rayo’. Tras unos efectos de sonido de gente agrupada en un tumulto emerge el motivo inicial, el cual refleja un aura parsimoniosa bajo la guía dual del piano y la primera guitarra. El largo prólogo se extiende por más de tres minutos antes de que el matrimonio de sintetizado y guitarra, ornamentado por el clavinet, anuncie el inminente arribo de una sección un tanto densa donde la fiereza de los riffs de guitarra y el empleo de un arrastrado groove de la batería se conjugan en un retrato de claroscura expectativa. Dicha expectativa no dura mucho pues pronto surge un nuevo motivo, esta vez impregnado de vibraciones cálidas, las cuales llegarán en algún momento a ahondarse por vía del armado de un pasaje acústico de talante trovador. Otro nuevo pasaje nos devuelve al típico esplendor sinfónico adornado con ciertos recursos agresivos; en este momento hallamos un hermoso solo de órgano que sentimos demasiado breve, así como otro solo de sintetizador que se da mañana para encontrar espacios en medio de los solos de guitarra. A poco de pasada la barrera del décimo tercer minuto, el grupo se embarca en un interludio muy dinámico donde el factor jazz-rockero vuelve a adquirir notoria relevancia. En fin, el último pasaje refleja un aura parsimoniosa y señorial típicamente sinfónica, a medio camino entre lo dramático y lo hidalgo: la nota final del bloque instrumental, en unísono con la del canto, queda abierta al horizonte mientras nuestras mentes empiezan a hacerse a la idea de que este bellísimo disco llegó a su conclusión.

Es toda una labor de amor sincero y profundo al arte es crear esta música y aferrarse a ella como un sueño que se resiste a morir; también es toda una labor de gratitud la que realiza el oyente cuando se toma su tiempo para apreciar esta bella música desde su más genuino embrujo. La propuesta musical de TRIGÉMINO era antes un tesoro perdido dentro de la historia del rock progresivo argentino de primera generación, pero ahora, con la publicación de este CD “Trampas Para Engañar”, queda asentada como un referente esencial para el rock argentino. Aunque la edición de este material es, técnicamente hablando, extemporánea, los esquemas musicales plasmadas en ella muestran orgullosamente su intemporal encanto dispuesto a embrujar perennemente a los ávidos amantes de la idea del rock hecho arte. ¡Gracias por cientos de miles a los magistrales Carlos, Jorge, Marco Tulio y Juan por reavivar esto dentro de un ítem concreto!  

Muestras de “Trampas Para Engañar”.-

Trampas Para Engañar: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/trampas-para-enga-ar

Flan: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/flan

IL BACIO DELLA MEDUSA y su nueva simiente progresiva

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En esta ocasión presentamos a “Seme”, el disco más reciente del grupo italiano IL BACIO DELLA MEDUSA, el mismo que tiene una triple edición en formatos de CD, vinilo y casete. La publicación de este nuevo disco, el cuarto en lo que va de carrera musical para este grupo en cuestión, tuvo lugar a mediados de junio del pasado año 2018 por vía del sello AMS y llega a nosotros nada menos que seis años después de “Deus Lo Vult”. La alineación de IL BACIO DELLA MEDUSA consta de Simone Cecchini [voz, coros y guitarra acústica], Diego Petrini [batería, percusiones, sintetizador, mellotrón , piano y coros], Simone Brozzetti [guitarra eléctrica], Eva Morelli [flauta traversa y saxofones alto y soprano], Federico Caprai [bajo y coros] y Simone “Il Poca” Matteucci [guitarras eléctricas y acústica, y coros]. O sea, desde el año 2012 hasta ahora, el personal que conforma IL BACIO DELLA MEDUSA ha pasado de quinteto a sexteto con la adición de Matteucci. Más allá de este cambio de detalles dentro de la alineación del grupo, notamos en este disco nuevo que la esencia colectiva del mismo se ha tornado más ecléctica que antes (enfatizando sonoridades electrónicas y jazz-rockeras en ciertos pasajes que veremos más adelante) mientras preserva un núcleo musical reforzado bajo las pautas del sinfonismo pesado retro-progresivo. Los roles de la guitarra eléctrica y de los vientos siguen siendo los ítems más fundamentales para delinear y hacer florecer las estrategias expresivas del esquema de trabajo colectivo, pero a esto cabe añadir que el rol de los teclados asume un empoderamiento más consistente que en trabajos precedentes. Veamos ahora los detalles de “Seme” para aterrizar este comando hermenéutico que acabamos de anticipar.

Durando casi 8 ¾ minutos, la pieza homónima abre el disco y su preludio de flotantes y áridas capas cósmicas nos llama la atención antes de que irrumpa el vendaval de poderosos riffs y grooves, todos ellos debidamente complementados por cortinas de mellotrón y furiosas líneas de saxofón. Una vez instalado el camino para el canto, nos topamos con un vibrante remezón al estilo de una remodelación prog-metalera de los idearios musicales de BIGLIETTO PER L’INFERNO y JUMBO: hay un breve interludio donde la garra se hace aún más frenética. La sección final deriva hacia un paso ceremonioso donde la pesadez reinante se ve prácticamente obligada a asumir un aura ceremoniosa bajo un ropaje relativamente lúgubre. La segunda canción del disco se titula ‘La Sonda’ y comienza como una balada sinfónica de prioritario tenor acústico. Mientras el cuerpo central preserva su desarrollo temático, el asunto se va tornando más denso y fastuoso mientras entra a tallar un extenso solo de sintetizador, el cual regula el mecanismo mediante el cual el esquema instrumental global va adquiriendo un brío incrementado. La verdad que se trata de un solo bastante efectivo, bien situado a medio camino entre los paradigmas de Rick Wakeman y Flavio Premoli. Para la instancia final, la canción regresa a la placidez con la cual se había iniciado. Durando unos segundos más que ‘Seme’, la tercera canción se titula ‘3/5 e 1/4... Fuori Dalla Finestra Il Tempo È Dispari’ y su vitalidad grácil se muestra frontalmente desde el primer instante, ostentando su sofisticado manejo del complejo compás de 5/4. La firmeza con la que la dupla rítmica sostiene al entramado sonoro y las comedidas florituras del saxofón ayudan bastante a mantener el patente gancho melódico de la pieza, siendo así que luego entran a tallar, sucesivamente, un hermoso solo de teclado y otro aún más hermoso de guitarra acústica: en este momento, la base armónica en curso ha adquirido algunos matices aflamencados. Alrededor del cuarto minuto y medio, todo se detiene para que el piano se queda un breve instante a solas para animar  la articulación de un motivo lento y solemne que ya nos remite a una especie de cruza entre PFM y ALPHATAURUS. Un solo de guitarra eléctrica ayuda mucho a acentuar la esencia épica de este momento. Sin duda, con esta tercera canción ha llegado el álbum a un fabuloso y decisivo cénit.

Cuando llega el turno de ‘Svaglia!!!’, el grupo se dispone a explorar su faceta más pastoral con el manejo de la estructura de una balada rockera donde se combinan las influencias de STEELEYE SPAN, los GENESIS de la etapa 70-72 y el lado intimista de unos DOOBIE BROTHERS. El carácter sereno del cuerpo central es sazonado con algunos interludios saltarines en clave de country-rock. La decisión de dar amplio margen mayoritario a los recursos de expresividad serena permite que el saxo de Morelli y la guitarra de Brozzetti se luzcan a placer en sucesivos solos durante el extenso pasaje final. ‘Animatronica Platonica’, por su parte, es una canción que nos toma totalmente de sorpresa con su talante posmodernista. El uso de armonías y enclaves rítmicos sintetizados para el cuerpo central de la pieza aproxima a ésta más al estándar de unos NECROMONKEY (e incluso unos ORCHESTRAL MANOEUVRES IN THE DARK) que a lo que usualmente se espera de un grupo dedicado a remodelar parte del legado histórico de la música progresiva italiana. Los guitarreos, patentes como son en el armazón general de la pieza, pasan a un plano más sutil pues su rol primordial es el de aportar texturas, y por allí se suelta en alguna ocasión un flotante solo de flauta. Esta canción ha servido principalmente para aportar un inesperado viraje de variedad al repertorio. ‘Sudamerica’ es la canción más larga del repertorio con sus 8’50” de duración. Ostentando un talante ceremonioso en clave folk-rock sobre un persistente compás de 6/8, las líneas vocales de Cecchini quedan bien realzadas por las florituras del saxo. Tras un pequeño intermedio donde se realza el rol de las guitarras acústicas duales, el saxofón vuelve a ocupar un rol protagónico mientras el invariable motif central asume una dosis relativamente incrementada de vigor expresionista. Ya cuando el grupo decida establecer un rollo instrumental, bajo la guía de los teclados, se incorporan aires jazzeros al asunto. El instrumental ‘Uthopia... Il Non Luogo’ se encarga de establecer un paisaje sonoro en clave jazz-progresiva sobre un entramado rítmico bastante complejo. El encuadre entre la batería y los sintetizadores genera los brotes y flujos a ser aportados por los demás instrumentos. 

  

Ya nos vamos acercando al final del álbum cuando llega el turno de ‘Il Sentiero Di Luce’, otra canción particularmente destacada de este repertorio en tanto que se impone como una bellísima balada progresiva. Bien situada dentro de las tradiciones de JUMBO, LE ORME y ALPHATAURUS, esta canción impone cabalmente el carácter conmovedor y señorial de su núcleo melódico, e incluso elabora un episodio de genuina fiereza rockera en algún momento de su desarrollo temático. El broche llega de la mano de ‘Animaemotica’, la otra pieza instrumental del disco: su esquema de trabajo es guiado por el teclado y una base rítmica computarizada, esta vez con un modelo nu-jazz. La flauta aporta su cándido colorido con un hermoso solo mientras la batería refuerza el groove iniciado por la computadora; más adelante, la primera guitarra entra a tallar para explotar la fastuosidad de la pieza, hasta entonces solo latente, para hacerla explícita con una musculatura convincente. Los últimos segundos sirven para que la flauta recupere el primer plano y los últimos golpes del bombo anuncien el final de todo. Todo eso fue lo que se nos ha brindado en “Seme”, un disco polícromamente ingenioso y sistemáticamente diverso de parte del ensamble de IL BACIO DELLA MEDUSA que sirve para que el susodicho grupo se mantenga firme en puestos altos dentro de la jerarquía musical de la escena progresiva italiana. De lo más potente y ágil que se ha hecho en el ámbito progresivo europeo en el pasado año 2018.

Muestras de “Seme”.-

Seme: https://amsrecords.bandcamp.com/track/seme

3/5 e 1/4... Fuori Dalla Finestra Il Tempo È Dispari: https://amsrecords.bandcamp.com/track/3-5-e-1-4-fuori-dalla-finestra-il-tempo-dispari

Il Sentiero Di Luce: https://amsrecords.bandcamp.com/track/il-sentiero-di-luce

Una vida progresivamente mejor para LA COSCIENZA DI ZENO

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Hoy se da la ocasión de presentar el más reciente trabajo fonográfico de la banda italiana LA COSCIENZA DI ZENO, su cuarto registro de estudio, el cual se titula “Una Vita Migliore”. Este ítem fue publicado en el 10 de noviembre del pasado año 2018 por el sello AMS Records, tanto en CD como en disco de vinilo. Para  estos tiempos de ahora, el personal de este grupo genovés que ya puede presumir de ser una voz veterana del prog italiano actual está conformado por Alessio Calandriello [voz], Gabriele Guidi Colombi [bajo], Andrea Orlando [batería y percusión], Stefano Agnini [teclados], Gianluca Origone [guitarras] y Luca Scherani [teclados]. En varios momentos del disco, el sexteto cuenta con el apoyo de un ensamble orquestal compuesto por el trompetista Marco Callegari, las violinistas Sylvia Trabucco y Alice Nappi, las flautistas Joanne Roan y Daniela Piras, los saxofonistas Edmondo Romano y Davide Corso, la cellista Melissa Del Lucchese y el oboísta Gateano Galli. También aparecen en ciertos momentos la cantante Martina Saladino y el percusionista-corista Fausto Sidri. Tras el gran impacto que causó “La Notte Anche Giorno” (2015) llegó este nuevo disco “Una Vita Migliore”, el mismo que imprimía una lozanía solvente y rotunda en la esencia sinfónica de LA COSCIENZA DI ZENO, enriqueciendo con una nueva plenitud su ya muy bien delineada línea de trabajo.

Durando casi 6 ¾ minutos, el instrumental ‘Lobe Istu Calabu’ da inicio al disco comenzando con un hermoso prólogo de guitarra clásica y piano más ornamentos orquestales que pronto abren paso al cuerpo central con bellos y envolventes motivos que se van sucediendo en un despliegue de magia prog-sinfónica absoluta. Tenemos, entre otras cosas, un pasaje impresionista guiado por el piano donde la flauta asume un rol protagónico, así como otro pasaje contundente que nos remite a un híbrido entre los paradigmas de EMERSON, LAKE & PALMER y de BANCO DEL MUTUO SOCCORSO. Las últimas tramas melódicas están más orientadas hacia lo Genesiano con un enfoque típico del modelo retro-progresivo italiano: la actitud tajante expuesta en las últimas instancias es muy efectiva. Luego sigue ‘Il Posto Delle Fragole’, una canción casi dos minutos más larga cuya función consiste en remodelar los acentos épicos y las motivaciones caleidoscópicas que ya se habían impuesto con grácil autoridad en la pieza de apertura para darle un aire más ceremonioso. Eso sí, el vigor expresivo sigue vigente y patente. El canto de Calandriello y los solos de guitarra y de sintetizador que surgen a lo largo del camino inoculan un elegante dramatismo al asunto, el cual va de lo exultante a lo sobrio con total naturalidad. ¡Qué grandiosos nos suenan estos dos primeros ítems del repertorio! Los siguientes 11 ¼ minutos del disco están ocupados por la dupla de ‘Danza Ferma’ y ‘Mordo La Lingua’. ‘Danza Ferma’ aprovecha muy bien los aires palaciegos de inspiración renacentista que marcan a su motif central para elaborar en base a ellos una balada sinfónica bastante cálida para su primera parte; en la segunda  parte, las cosas se agilizan notoriamente en una explosión de desenfadada y exquisita jovialidad. Los violines ocupan un rol protagonista en el bloque instrumental. Por su lado, ‘Mordo La Lingua’ comienza como una balada al modo de un híbrido entre IL CASTELLO DI ATLANTE y LE ORME, incluyéndose un interludio intenso donde se impone un vigor colorido al estilo Yessiano. El rol primordial de los sintetizadores a la hora de realzar el desarrollo melódico aporta un poderoso aire sublime al espíritu general de la canción.      

‘L’Aspettativa Del Bimbo Scuro’, al igual que las dos canciones que le precedieron, alterna estándares manieristas propios de la tradición prog-sinfónica italiana con aires palaciegos y pastorales en el diseño de su multivalente núcleo melódico. En esta  canción, el grupo aprovecha su espacio de casi 9 minutos para volver a explayarse con convincente grandilocuencia en su visión musical. Si bien esta canción comienza con un talante serio y una espiritualidad ceremoniosa, a mitad de camino surge un interludio grácil y majestuoso cuya brevedad no le impide dejar una huella de fulgor para lo que ha de seguir, pues hasta el final lo serio habrá de ser definitivamente reemplazado por lo extrovertido. La conjunción entre las polifonías gestionadas por los dos teclistas y las florituras gestadas por los vientos es simplemente maravillosa. Todo un cénit del álbum, no nos cabe duda... y de inmediato tenemos ante nosotros a la canción homónima del disco, que es también la más extensa del mismo con su espacio de 12 ½ minutos, y cómo no, está diseñada para instalar el último punto culminante del repertorio. La pieza es vigorosa desde sus instantes iniciales y siempre se muestra capaz de recorrer, atravesar e inspeccionar varios recovecos melódicos a través de sus múltiples ilaciones temáticas; en medio de todo ello, el empleo de inusuales patrones rítmicos está a la orden del día, lo cual amplifica eficazmente la esencia majestuosa de esta pieza con precisas ambiciones épicas. Poco antes de atravesar la frontera del séptimo minuto, el piano elabora un hermoso interludio que tal vez se siente demasiado breve en medio de la multicolor ingeniería melódica en curso, pero sirve muy bien como un relajante momento de respiro antes de que el grupo vuelva en bloque para ofrecernos algunos de los pasajes más electrizantes del disco. Definitivamente, aquí muestra el grupo sus aires de familia compartidos con otros grupos compatriotas como NOT A GOOD SIGN, SYNDONE y LE PORTE NON APERTE. La grandeza palaciega del pasaje final resulta bastante coherente respecto al generoso despliegue de empuje prog-sinfónico que se ha venido desarrollando a través del epítome musical de ‘Una Vita Migliore’. 

El epílogo del repertorio llega con su pieza más breve, un instrumental titulado ‘Vico Del Giglio’ que dura poco menos de 3 minutos. La sección inicial de piano y ensamble de vientos establece los fundamentos para el fastuoso armazón melódico donde lo sinfónico y lo palaciego se conjugan de una manera pomposa. Los aires vivarachos del solo de sintetizador aportan un interesante contraste a la esencia solemne del cuerpo melódico. Todo esto es lo que se nos ha brindado en “Una Vita Migliore”, un disco que resulta muy significativo para el cosmos estético de LA COSCIENZA DI ZENO en tanto que plantea una ampliación muy bien perfilada del esquema de trabajo que la banda ha desarrollado desde su origen. Parece mentira cuán rápido ha pasado el transcurso de 8 años desde el homónimo disco de debut que puso a este grupo en el mapa progresivo mundial... y bueno, “Una Vita Migliore” surgió para ponernos al tanto de cómo la gente de LA CONSCIENZA DI ZENO apuesta por algo mejor con cada nuevo paso.


Muestras de “Una Vita Migliore”.-
Lobe Istu Calabu: https://amsrecords.bandcamp.com/track/lobe-istu-calabu

L’Aspettativa Del Bimbo Scuro: https://amsrecords.bandcamp.com/track/laspettativa-del-bimbo-scuro

Una Vita Migliore: https://amsrecords.bandcamp.com/track/una-vita-migliore

LEPROUS y su quinta explosión musical

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Con algo de demora pero con el mismo entusiasmo de siempre nos sumamos a esta cita con el grupo noruego LEPROUS y su quinto disco de estudio “Malina”, el cual data de fines de agosto del año 2017. InsideOut Music fue el sello encargado de publicar este disco tanto en formato de CD como de doble vinilo (este último formato incluye un bonus track). La alineación que grabó este disco consiste en Einar Solberg [voz y teclados], Tor Oddmund Suhrke [guitarra], Robin Ognedal [guitarra], Simen Daniel Børven [bajo] y Baard Kolstad [batería]. Además, colaboró en varias piezas del álbum el músico Raphael Weinroth-Browne, no solo tocando el cello sino también haciendo arreglos de cuerdas. Hoy por hoy, LEPROUS es un nombre muy relevante dentro de la escena prog-metalera contemporánea del mundo entero, además de la propia escena escandinava. El grupo en cuestión emergió a inicios del nuevo milenio en la localidad de Nottoden bajo la guía compartida del vocalista-teclista Einar Solberg y el guitarrista Tor Oddmund Suhrke, planteándose la meta de desarrollar una sólida hibridización de prog-metal, post-metal y rock industrial, un ideal que ha venido desarollándose y sofisticándose con cada nuevo lanzamiento fonográfico. Fue recién en el año 2009, con el álbum “Tall Poppy Syndrome”, que el grupo logró grabar su primera marca dentro de la historia actual del rock progresivo. Sus discos cuarto y quinto – “Coal” (2013) y “The Congregation” (2015), respectivamente – lograron convertirlos en una entidad importante dentro de los circuitos progresivos, siendo así que “Malina” significó un nuevo hito para la banda al establecer nuevos sonidos modernistas dentro de su ya bien cimentada esencia musical. Se trataba del primer disco de LEPROUS sin el guitarrista Øystein Landsverk en sus filas, una ausencia importante teniendo en cuenta que estuvo 13 años en el grupo. Veamos ahora los detalles de su repertorio.

‘Bonneville’ abre el álbum con un cálido y contenido aire de lánguida tristeza, y solo cuando se pasa por la frontera de los 2 ¾ minutos es cuando la potencial electricidad rockera se concreta en unos efluvios emocionales bastante conmovedores. El momentum explosivo no es muy largo en una primera instancia, pero ha de marcar y llenar toda la furiosa emotividad a explayarse en lo que queda de esta canción que casi llega al total de 5 ½ minutos de duración. Algunas líneas son evocativamente trágicas: “The awareness is fading. / Cold and blank, / Everything is vague. / The awareness is fading. / Hollow and drained, / Everything is vague.” Durando 6 ¾ minutos, ‘Stuck’ sigue a continuación para desplegar la primera irrupción de artillería explícitamente pesada del álbum. Aquí se hacen sentir las huellas de los PORCUPINE TREE post-2002 así como ciertos aires de familia con THE PINEAPPLE THIEVE a la hora de enmarcar y reforzar la explicitación del nervio rockero diseñado para la ocasión. El esquema rítmico es relativamente sencillo pero el swing ostenta una razonable dosis de sofisticación a la hora de encauzar la garra esencial de la canción. Los pasajes finales añaden interesantes matices electrónicos y orquestales que operan como columnas en medio de los cuales se remodela el omnipresente torrente rockero. Con la dupla de ‘From The Flame’ y ‘Captive’, el grupo decide extender sus tácticas sonoras con la finalidad de concretar una estrategia cada vez más ambiciosa dentro del esquema de trabajo del álbum, comenzando con el groove. Así, ‘From The Flame’ establece un ágil viaje metalero con llamativos ornamentos electrónicos que ayudan a los guitarreos a completar un encuadre instrumental majestuoso sin llegar a excesos pretenciosos. De hecho, se trata de una canción muy marchosa con su dosificado barniz de prog-metal. Por su parte, ‘Captive’ instaura una ingeniería sofisticada no muy alejada del paradigma de THE DILLINGER ESCAPE PLAN, instaurando también una hermandad con lo que los HAKEN han estado haciendo en sus tres últimos trabajos. Aquí sí hay una intencionalidad pretenciosa, aunque sin perder el buen gusto en cuanto a la preservación del esquema melódico creado para la ocasión. ‘Illuminate’ redondea eficaz e ingeniosamente la faena enarbolada por las dos canciones precedentes por vía de una hibridización de las atmósferas centrales de ambas. Incluso se resalta la mayor presencia de los ornamentos sintetizados en la mezcla global. 

‘Leashes’ se caracteriza por un viraje hacia el esquema de balada en una línea muy afín a la faceta más introspectiva de unos ANATHEMA, e incluso creando un punto intermedio entre los paradigmas de SOUNDGARDEN (1994-6) y ANEKDOTEN (1999-2003). Hay algo de fastuosidad en los arreglos vocales e instrumentales pero nunca llegan a un fragor pomposo; eso sí, la garra rockera de los últimos minutos es irresistible. Cuando llega el turno de ‘Mirage’, el grupo vuelve a la senda de ‘From The Flame’ mientras retoma algunos aspectos de la presencia de ornamentos electrónicos de ‘Illuminate’. La octava canción del álbum es justamente la homónima: ‘Malina’ se nos revela como una remodelación superior y más dramática del talante lánguido e introspectivo con rabia contenida de la primera canción del álbum. La triangulación de bases sintetizadas, arreglos orquestales y canto arma el esquema melódico con suficiente convicción como para dejar que el lirismo reinante muestre su fuerza expresiva. La labor de la batería es muy heterodoxa cuando llega su momento para reforzar ciertas cadencias en la sección intermedia: su labor es más orquestal que propiamente rítmica. El bajo asume un rol discreto como acompañante de la base sintetizada mientras los guitarreos pasan la mayor parte del tiempo gestando retazos armónicos para acompañar a los arreglos de cuerdas. En general, esta canción nos remite a una fusión de los cosmos musicales de PAIN OF SALVATION y los antes mencionados THE DILLINGER ESCAPE PLAN. Además, la urgencia de su poesía es conmovedora: “Still breathing heavy, / Standing up, sore and aching. / Grabbing the basket / On the brink of collapse, / But still enduring.” ‘Coma’ es un prodigio de mezcla de prog-metal y rock industrial a través de una nueva utilización de esquemas rítmicos rotundamente heterodoxos. Musicalmente, esto es lo totalmente opuesto a lo comatoso: es más bien espasmódico con una abundancia de magnificencia prog-metalera. ‘The Weight Of Disaster’ pone más fluidez al asunto mientras congrega y armoniza recursos de pesada furia rockera y abrumadora vulnerabilidad emocional; de hecho, la alternancia entre pasajes contundentes y sutiles está armada con una impolutamente equilibrada estabilidad. La letra de claro tenor apocalíptico nos regala estas dos primeras estrofas realmente bellas: “Sacred, created / By all the hated, / Blinded by the moving tide, / Steady as the masses hide. / Filtered, shaded, / Long since faded. / Spirits drowning one by one, / Sinking until they are gone.”

El repertorio oficial de “Malina” se cierra con ‘The Last Milestone’, una pieza que exuda belleza envolvente y ansiedad flotante bajo abundantes mantos de excelsa nobleza. Se trata de un ejercicio de inmersión en el post-rock orquestal, así de drástico, así de decidido. Los arreglos de cuerdas arrollan con todos los espacios reservados para el esquema melódico diseñado para esta lúgubre y desesperada serenata a la pureza y los tormentos del yo interior (“It’s approaching, / Far beyond. / The last milestone / Reaching the last floor.”). Con esto llegamos a la conclusión de un CD intenso, magnífico, ostentoso, pletórico de vigoroso dramatismo. Hoy por hoy, la gente de LEPROUS se mantiene activa dando giras en varias zonas del mundo (incluyendo escenarios latinoamericanos en el primer tercio del presente año 2019): ojalá nos brinde pronto un nuevo disco porque se nota que persiste en su comunión de mentes una incesante inquietud creativa respecto a la energía musical inherente a su propuesta estética.  

Muestras de “Malina”.-

Stuck:  https://www.youtube.com/watch?v=_7aRAcWhAPk

From The Flame [vídeo-clip]: https://www.youtube.com/watch?v=FZSlX1zXnfM

Malina: https://www.youtube.com/watch?v=_vnyizIEEcY

VASIL HADŽIMANOV BAND: renovando una grandilocuente línea de trabajo

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos el enorme placer de presentar el nuevo disco de la VASIL HADŽIMANOV BAND, el cual funciona como un quinteto conformado por el susodicho líder a los teclados; Branko Trijic, a la guitarra; Mirsolav Tovirac, al bajo; Pedja Milutinovic, a la batería, y; Bojan Ivkovic, a la percusión y el canto. El disco nuevo en cuestión responde al título de “Lines In Sand” y ha sido publicado recientemente por el heroico y refinado sello MoonJune Records, más exactamente, a mediados del pasado mes de enero. La logística sonora del álbum se completa con las ocasionales intervenciones invitadas del saxofonista Ratsko Obradovic (en un par de temas), y los cantantes Marta Hadžimanov y Dean Bowman (en los temas #4 y #8, respectivamente). Una característica distintiva de este disco que ahora tenemos en nuestras manos es la presencia crucial de esquemas sonoros electrónicos en varios temas del repertorio, lo cual repercute en una agilización en clave modernista del excelso y variopinto estándar jazz-progresivo que  Hadžimanov y sus compañeros de este viaje practican. Este teclista serbio se mantiene ocupado con esta banda y un trío, además de la composición de bandas sonoras para películas y documentales. Lo que escuchamos aquí fue grabado en el Binta Sound Studio y en la Residencia del Embajador Alemán en Belgrade, en noviembre del año 2017. Casi todo el material fue compuesto por el buen Vasil, pero también hay aquí una composición del bajista Tovirac y otra del guitarrista Trijic. Bueno, veamos ahora los detalles contenidos en el catálogo de “Lines In Sand”.

Durando poco menos de 5 ¾ minutos, la pieza homónima da inicio a las cosas con unos aires modernistas al modo del nu-jazz sobre una base de fuerte raigambre étnica (tanto en el esquema rítmico como en las intervenciones vocales). El desarrollo temático es bastante sutil mientras la fuerza expresiva de los músicos aunados en un muy bien afiatado bloque se dispersa elegantemente a través de un paisaje musical etéreo. A continuación sigue una de las piezas más extensas del álbum, ‘Mr. MoonJune’, la cual, por su mismo título, revela su dedicatoria al ilustre productor y promotor musical Leonardo Pavkovic. Se trata de un sólido y marchoso ejercicio jazz-progresivo con un bien manejado nervio rockero y un swing funky sobre un compás de 7/8. La manera en que entran a tallar las cálidas armonías del sintetizador sobre el ágil groove inicial ya es un indicio de la suprema exquisitez que se avecina: en efecto, los sucesivos solos de piano, sintetizador y saxofón amplifican el encanto del jam central, mientras el bajo asume una labor crucial llenando espacios en simultáneo con la compleción del esquema rítmico. Sin duda alguna, se trata de un cénit definitorio del álbum. Con la dupla de ‘San Snova’ y ‘Lost’, el ensamble exhibe más recursos de variedad sonora con sendos homenajes a la tradición del jazz-fusion de los 70s. El primero de estos temas se centra en una remodelación de los paradigmas de WEATHER REPORT y RETURN TO FOREVER: el lugar predominante del piano se conjuga muy bien con el rol discreto de los fraseos de la guitarra a la hora de instalar y reforzar el motif. Por su parte, el segundo de ellos comienza con un cándido y moderadamente nostálgico ejercicio de Latin jazz, derivándose en una segunda instancia hacia un talante un poco más extrovertido, aunque no para romper con lo anterior sino para darle un poco más de vigor al reinante lirismo envolvente. Es un tema bellísimo, desde luego, nos embruja hasta que nos choque su casi cortante final. Luego sigue otra interesante dupla, la de ‘Kaži’ y ‘Kaži Gradiška’, siendo el primer ítem en realidad el prólogo del segundo. Todo comienza con un swing de claro corte étnico trazado por el sintetizador, algo muy psicodélico, y desde allí se proyecta una cadencia llamativa que se concretará fehacientemente cuando entre en acción el ensamble entero. El dinamismo del desarrollo temático y del groove son bastante efectivos, ostentando un fulgor muy llamativo aunque sin aspavientos: todo está convenientemente comedido.

Volviendo al área del nu-jazz con buen pulso y total convicción, ‘Maklik’ se caracteriza por saber exhibir factores y elementos de grácil candor en medio de un bloque instrumental donde lo electrónico (teclados de carácter cósmico, ritmo electrónico) se expande con soltura. Insospechados aires de familia hay, respecto a este punto, con los estándares del space-rock contemporáneo propios de bandas como OZRIC TENTACLES y QUANTUM FANTAY. ‘For Clara’ no se aparta mucho de este trecho, más aún, ahonda en él con el enfoque de enfatizar la atmósfera modernista y dejar que el canto asuma las partes principales del esquema temático en algunas secciones mientras los efectos de la guitarra, de la percusión y del sintetizador se explayen en la gestación de efectos cósmicos. Ya para la segunda mitad de la pieza, con el saxofón fungiendo como guía, el ensamble elabora un vitalista ejercicio de musicalidades jazz-progresivas contenidas dentro de un ambiente de reflexiva gracilidad y radiante plasticidad. El espacio de un minuto y tres cuartos que ocupa ‘Waiting For…’ establece otro momento de exploraciones etéreas, esta vez con la guitarra asumiendo el rol protagónico: su gracia llena los espacios centrales que se abren desde los efectos cósmicos del sintetizador situado en el trasfondo. Así las cosas, se abren las puertas para la emergencia de ‘Freedom From The Past’, un tema que se proyecta hacia la fusión étnica con bien definidos ribetes arábigos. El primer momento es uno de mágica gentileza que saca buen provecho del inevitable exotismo que concentra al motif inicial. El segundo momento tiene una prestancia más desenvuelta, modelada según un patrón típico del jazz-rock. El nuevo motif se alimenta con sutiles adiciones de cadencias aflamencadas que estimulan eficazmente las labores de la guitarra y del teclado. Así se forja otro cénit de este repertorio, un punto culminante que impone su personalidad como si nada. ‘Ratnici Podzemlja’ retorna de lleno al clima de voraz algarabía que había signado al segundo tema del álbum. Incluyendo en el esquema sonoro general elementos electrónicos semejantes a los que ya se habían exhibido en algunos temas precedentes, también notamos una nueva vuelta de tuerca a ciertos aspectos esenciales del tema #7. El tema más largo del disco – con sus 7 ¼ minutos de duración – es el mismo que lo cierra y se titula ‘Rege Hadži’. Partiendo de una simpática idea básica inspirada en el modelo del dub-reggae y con una intención clara de retornar a la vía de la fusión jazzera con elementos latinos. El esquema del nu-jazz se utiliza para gestionar el armazón sonoro donde los instrumentos puedan interconectarse con suprema exquisitez, y, de paso, abrir campo a un excelente solo de sintetizador a mitad de camino. Muy agradable punto final para el disco. 

La verdad que la gente de la VASIL HADŽIMANOV BAND se ha lucido por doquier a lo largo y ancho del repertorio de “Lines In Sand”, un disco hermoso y grandilocuente que, desde ya, reclama un sitial bastante alto en el área de la música jazz-progresiva publicada en el presente año 2019. ¡Totalmente recomendable!

Muestras de “Lines In Sand”.-

Mr. MoonJune: https://vasilhadzimanov.bandcamp.com/track/mr-moonjune

Kaži Gradiška: https://vasilhadzimanov.bandcamp.com/track/kazi-gradiska

Freedom From The Past: https://vasilhadzimanov.bandcamp.com/track/freedom-from-the-past

Un nuevo capítulo en la mitología space-rock progresiva de ÉTER-K

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Tenemos hoy la ocasión de presentar el nuevo trabajo fonográfico de ÉTER-K, el cual se titula “De Ficciones y Cronopios”: ÉTER-K es una entidad veterana y muy importante dentro de la avanzada rockera peruana, una entidad que halló su voz musical definitivamente focalizada en su tercer disco (titulado precisamente “III”, datando de inicios del nuevo milenio), el cual la situó en el camino del space-rock progresivo. “De Ficciones y Cronopios”* fue publicado en las instancias más postreras del año 2018 por el sello mexicano Azafrán Media, tanto así que más bien es prácticamente un disco del 2019. El repertorio de este disco consta de tres fases bien diferenciadas entre sí, siendo la primera realizada por la alineación del perpetuo líder Iván Santos [guitarra], Eduardo Velarde [bajo] y Adrián Arguedas [batería y percusión electrónica]. Las grabaciones de estos tres primeros temas del disco tuvieron lugar en el Estudio REC, en el año 2010. Una idea inicial que se tuvo fue la de publicar solo estos tres temas como un EP anticipatorio de próximas publicaciones ya propiamente completas de parte de ÉTER-K, pero la gente del sello Azafrán presionó un poco para que el repertorio se extendiera para que todo se concretase en un disco de larga duración en sí mismo. La segunda fase tiene como baterista a Pedro Castro (integrante original que volvió al grupo): aquí hay tres temas grabados en vivo en La Noche de Barranco (el evento de donde se tomó el cuarto tema del disco tuvo lugar en el 30 de octubre del 2002, y los dos siguientes, en el 14 de diciembre del 2005). En fin, la tercera fase de “De Ficciones y Cronopios” nos trae de vuelta a la alienación de la primera con dos temas grabados en sesiones de ensayo en el Macrow Studio en el año 2014. Su función principal es indicar el camino a seguir en algún próximo trabajo fonográfico, aunque en los créditos del disco, las dos piezas en cuestión son designadas en los créditos del disco como bonus tracks. Bueno, veamos ahora los detalles de este repertorio tripartito del disco.

  

La pieza de entrada ‘Asesino De Brújulas’** dura poco más de 6 minutos e instaura un eficaz referente de señorial poder rockero para el punto de partida del disco; en realidad, se trata de una nueva versión de un tema originalmente incluido en el álbum “III”. Esta pieza con título de inspiración cortazariana hace de su poderoso cuerpo de entrada en 5/4 una excelsa combinación de estándares del primer STEVE HILLAGE y del modelo Crimsoniano de los 80s a través de un dinamismo tan sofisticado como árido. Durante el desarrollo temático se concreta una musculatura efectiva donde los cambios de compás y de groove (4/4 y 6/8) se van hilando con grandilocuente fruición, asumiendo en algunos pasajes un retorno al motif inicial. El disco comenzó con uno de sus momentos pletóricos. Durando un poco menos que el tema de entrada, ‘Vientos Alisios En «Helltown»’ nos remite a un esquema sonoro un poco más ácido dentro de un engranaje cuyas vibraciones de pesadez rockera son manejadas de una forma más rotunda. No se trata aquí de dejar que el nervio muestre su incandescencia sin más ni más, sino que se trata de una labor de ingeniería bien pensada para el nervio y el punche inherentes a la composición: para ello, resulta vital que el afiatamiento interno de la dupla rítmica preserve, en una primera instancia, un swing de raigambre funky-jazzera, para más tarde, explorar una vía más visceral de tal modo que el bajo pueda soltarse y exhibir un fabuloso solo con una vivacidad promovida por su propia distorsión. Así las cosas, se abre así un vasto campo para la expansión final de la guitarra. Los últimos segundos están centrados en una retoma del swing inicial. El disco conquista un punto expresivo especialmente majestuoso con el arribo de ‘Rainbow Feedback’, un tema no muy extenso (dura poco menos de 4 ½ minutos) que se estructura en torno a un jam fiero muy al estilo del HAWKWIND clásico, flanqueado por un preludio y un epílogo de carácter sereno y contemplativo. Durante el desarrollo de su núcleo central, el sintetizador se explaya con bravo señorío en un solo contundente y estilizado: el maestro Tavo Castillo (FRÁGIL, ACTITUD MODULADA) fue el encargado de realizar esta labor.

La segunda fase del disco comienza con ‘El Boulevard De Tobi Y Balín’ (otra pieza de larga data que nos remite a los tiempos del “III”) y su afilado vigor que hereda bastante de los legados respectivos de BLACK SABBATH y LED ZEPPELIN, rock pesado clásico con su efectiva cuota de stoner. Aquí hallamos los que tal vez  sean los mejores solos de guitarra del disco. Anécdota significativa: los dos personajes del título son los nombres de entrañables mascotas amigas que tuvo Iván Santos. Para cuando llega el turno de la quinta pieza del álbum, titulada ‘Caminando Internamente’, el ensamble nos sorprende gratamente con una combinación de grooves jazzeros y blueseros para gestar y amurallar el jam en curso. Una vez que el grupo ha pasado unos cuatro minutos estableciendo un diálogo bien parapetado, las cosas se disponen con una mayor soltura, incluyendo algunos parajes en los que el bajo y la guitarra van soleando por su cuenta contando con la seguridad del sustento rítmico provisto por la batería. Más adelante, el grupo cambia de registro y se proyecta hacia un ejercicio de psicodelia pesada sobre un groove decisivamente machacador; dentro de este nuevo orden de cosas, la guitarra aumenta su fulgor y el bajo aumenta su robustez, lo cual hace que el colectivo de ETER-K regrese de lleno al campo de libres expresiones de la fuerza rockera en el que está tan curtido. Han sido muy bien aprovechados los 10 minutos que el grupo se otorgó para elaborar esta idea que se tradujo en otro cénit pletórico del álbum. ‘Réquiem’ hace justicia a su título con la instauración de una atmósfera misteriosa y el armazón de un groove lúgubre donde el bajo hace sentir su manera tan eficaz  de llenar espacios con garra telúrica mientras la guitarra vuela sólidamente a través de neblinas cósmicas. La garra esencial de ETER-K adquiere un matiz diferente dentro de esta nueva dimensión. Quedan los dos bonus tracks, siendo el primero de ellos ‘Emoción Otoñal’, un tema que recibe en buena medida el impacto oscurantista del ítem precedente mientras explora estándares post-rockeros. la guitarra se regodea en la hechura de convulsiones etéreas y flotantes mientras que la dupla rítmica gestiona una cadencia oportunamente contenida. Por su parte, ‘Crimson Babylon’ apuesta por un jam frontalmente trepidante en plena obediencia al estándar del space-rock, lo cual permite a la guitarra lucir recursos inspirados en los modelos de DAVE GILMOUR y STEVE HILLAGE. No es un tema muy extenso y no goza de un audio perfecto, pero sí se nota que tiene una fuerza de carácter peculiar: además, es toda una novedad oír a Santos experimentar con una guitarra-sintetizador. En algún momento se da la breve intervención vocal de un niño llamado Mateo, a la sazón, hijo de Iván Santos. 

  

Bueno, esto fue todo lo que se nos brindó a lo largo y ancho del repertorio de “De Ficciones y Cronopios”, un nuevo capítulo grandioso y electrizante dentro de la ecléctica y enérgica mitología space-rock progresiva de ÉTER-K. Hoy por hoy, este grupo ha dejado de operar como tal para pasar a ser literalmente el proyecto de Iván Santos: así, él trabaja con dos bajistas y dos bateristas que se turnan de acuerdo a su disponibilidad para los tiempos de preparar, grabar, tocar en vivo o componer nuevo material. Los bateristas son los ya mencionados Pedro Castro y Adrián Arguedas, mientras que los bajistas son Kike Fuentes y Manuel Umbert (además de músico, también productor, conocido como líder de la banda de hard rock DUENDE DEL HUECO). Dado que este disco encarna, a fin de cuentas, el testamento final de la presencia del bajista Eduardo Velarde en la esfera creativa de ÉTER-K, le dedicamos esta reseña con miles de palabras de agradecimiento por todo lo que aportó a la preservación de la escena progresiva peruana: ¡suerte en todos tus proyectos actuales, amigo!


Muestras de “De Ficciones y Cronopios”.-
Asesino De Brújulas: https://www.youtube.com/watch?v=vUkiTrvjwLU&t=2s

Rainbow Feedback: https://www.youtube.com/watch?v=E7ogUg6LF3Q
Réquiem: https://www.youtube.com/watch?v=KXhZhLw5olE&t=246s

* El disco se comercializa con el título inglés “Of Fictions And Cronopios”.

** Al igual que con el nombre del propio disco, los títulos de los temas aparecen en inglés en la publicación del disco; en esta reseña, utilizaremos los títulos en español.