La esencia de ALTAIR

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos toca el momento de celebrar la obra del grupo español ALTAIR, banda española que celebra el 25to aniversario de su fundación con un recopilatorio titulado “La Esencia Del Tiempo”. Muchos años y muy pocos discos editados, pero bueno, ahora es la ocasión de disfrutar de parte del material contenido en los discos de estudio “Altair” (temas 1-4), y “Fantasías Y Danzas” (5-7) (con el dúo original del baterista Alfredo Arcusa y la teclista Isabel Muniente) y el disco en directo “3” (8-9), donde Emilio Ruiz reemplazaba a Muniente y Albert Guitart asumía el rol de bajista. ALTAIR sonaba inicialmente como un “power-trío sinfónico sin bajista”, asimilando influencias de ELP, RICK WAKEMAN y UK por su lado más bombástico, aunque también daba mucho espacio a sonoridades más reposadas que apelaban tanto a CAMEL como a la tradición española (GOTIC, CRACK), así como a proyecciones psicodélicas, con lo cual el grupo generaba sus propios recursos eclécticos. En el tiempo de la segunda formación, el grupo empezó a poner más énfasis en cadencias de corte jazz-fusionesco aunque, claro está, sin abandonar la esencia progresiva de trasfondo. “La Esencia Del Tiempo” conforma también un hito dentro del aspecto de la difusión musical progresiva mexicana, pues el sello Azafrán Media es un derivado de lo que antes era la firma musical Luna Negra: en conjunción con Musea Records, Azafrán Media pone a nuestro alcance el material descatalogado de ALTAIR.

‘Estrella En El Camino’ comienza con un preludio marcado por una etérea coral sintetizada, hasta que una introspectiva secuencia de piano abre el camino para un ceremonioso cuerpo central que evoca aires a lo WAKEMAN junto a coloridos sinfónicos bastante gráciles. A segundos de llegar a la barrera del cuarto minuto, el asunto se aviva con una base rítmica que coquetea con el jazz-rock y el acento psicodélico de los teclados, por lo que el interludio hace que el sinfonismo antes reinante se inhibe un poco para que imperen ambientaciones al estilo de MORAZ-BRUFORD. La pieza culmina con un elegante reprise del motivo sinfónico precedente. A pesar de no ser una pieza tremendamente vivaz, ‘Estrella En El Camino’ pone en claro al oyente que el grupo está dispuesto a trabajar concienzudamente la fastuosidad propia del género progresivo, y justamente este llamado se cumple fehacientemente en el siguiente tema, ‘Eddy’s Prelude’, el cual enfatiza atmósferas ceremoniosas de clara raigambre sinfónica pero también un tanto cercanas a la aureola reflexiva de la línea new-age. Muniente exhibe su extrema pulcritud al piano, con algunas claras alusiones a la herencia emersoniana en el camino. ‘Nuevo Horizonte’ y ‘Summer’s Triangle’ desarrollan mayores niveles de intensidad, mostrando así dosis más ambiciosas de expresividad: el primero porta una magnificencia grandilocuente que mucho debe a la estilización barroca de inspiración wakemaniana como al ingenio orquestal emersoniano, mientras que el segundo transmite atmósferas más explícitamente eclécticas, combinando la pomposidad del sinfonismo más aguerrido con aires de cercanía space-rock y cadencias sobriamente fusionescas, con lo que tenemos un combo de JOBSON, EMERSON y HAMMER encarnado en la figura de Muniente, la cual es sostenida eficazmente por un siempre ocupado Arcusa. Este power-dúo se las trae.

‘Visiones’ vuelve a la faceta más calmada del grupo con un prólogo que tiene algo del VANGELIS de fines de los 70s e inicios de los 80s, para luego desarrollar un motivo central en 7/8 que tiene mucha de la calidez propia de la tradición sinfónica española y de CAMEL (tal como mencionamos anteriormente). Más adelante emerge una sección de tendencia espacial que no rompe con el lirismo dominante, sino que le da un nuevo empuje: en todo caso, se trata un interludio a la coda que culmina con un muy temprano fade-out. ‘Tiempos Difíciles’ comienza con un juego de saltarines aires folclóricos reciclados con una dominante presencia de cadencias digitales en el teclado, para luego pasar a una sección lenta que tiene mucho de épico y algo de melancólico a la vez: este recursos se repite una vez más para completar cabalmente el espacio de poco menos de 9 minutos destinado para esta composición en particular. ‘Oración Del Ermitaño’ consta de atmósferas lánguidas y flotantes, haciendo que la banda suene casualmente emparentada con EDHELS.

‘El Bosque Encantado’ abre la sección en vivo de este recopilatorio: con un nuevo teclista y la inclusión de un bajista, ahora ALTAIR opera como un power-trío y establece un híbrido entre sinfonismo de vieja escuela emersoniana y jazz-fusión contemporáneo, con relativa preponderancia de este último factor. Imaginemos un híbrido entre el CHICK COREA ACOUSTIC TRIO y TRIUMVIRAT para describir la base estilística de la pieza. El disco concluye con ‘Plácido Paseo’ (composición original de Muniente), articulado en torno a un jam electrizante en que la presencia jobsoniana es la más notable: se incluye un fabuloso solo de batería.

En fin, “La Esencia Del Tiempo” es una oportunidad estupenda para apreciar el legado de una banda cuya obra fonográfica es tremendamente difícil de ubicar por los coleccionistas progresivos: este repaso da una buena idea del sitial pionero que ALTAIR ocupa en una escena española que ha venido generando grandes bandas sinfónicas como OMNI, KOTEBEL, AMAROK, ALQUILBENCIL, SENOGUL y muchos más a lo largo de las últimas dos décadas.


Podemos escuchar algo de la tremenda magia musical de ALTAIR aquí.-
Tiempos difíciles: http://www.myspace.com/alfredoarcusa/music/songs/tiempos-dificiles-mp3-76907741
Plácido paseo: http://www.myspace.com/alfredoarcusa/music/songs/placido-paseo-mp3-76907904

La imparable mecánica psicodélica de SERPENTINA SATÉLITE

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

He aquí un mensaje un poco tardío: la banda peruana SERPENTINA SATÉLITE lanzó al mercado en el último tercio del año 2010 su tercera producción, titulada “Mecánica Celeste”, la cual sucede al ampliamente elogiado “Nothing To Say”. Lamento en lo personal haberlo conocido tan tarde, pero bueno, ahora que lo he hecho, puedo afirmar que este grupo sigue siendo una voz líder dentro de la vanguardia psicodélica que se viene desarrollando en el nuevo milenio tanto a nivel latinoamericano como mundial. “Mecánica Celeste” es un disco que refleja desarrollos sónicos más densos y oscuros en comparación con su predecesor, dándole así un cariz más robusto a su estrategia estilística ampliamente basada en las tradiciones del krautrock (ASH RA TEMPEL, GURU GURU, AMON DÜÜL II), space-rock (HAWKWIND) y el stoner. Dependiendo de cómo el oyente reciba esta renovación de la fórmula, se sentirá más o menos satisfecho a la hora de compararlo con “Nothing To Say” desde un criterio meramente personal, pero queda claro que SERPENTINA SATÉLITE persiste como un referente dentro de la vanguardia rockera de nuestros días. El grupo sigue conformado por los guitarristas Dolmo y Renato Gómez, el bajista Félix Dextre y el baterista Aldo Castillejos, más la presencia ocasional de Flavio Castillejos en recitaciones e invocaciones poéticas varias.

‘Fobos’ abre el disco con una marcada aureola de densidad que anuncia adecuadamente el tipo de sonoridad que describimos anteriormente: esquema rítmico contenido, elaboración de imponentes climas grisáceos. El afiatamiento de los guitarreos porta vínculos con el estándar del post-rock, pero el encuadre space-rock sigue siendo la clave temática para el bloque sonoro de SERPENTINA SATÉLITE. Para los últimos 3 minutos y pico, el jam nuclear pasa a un momento de dinámico frenesí en base al cual la instrumentación desarrolla su hasta ahora parcialmente contenida energía. Así pues, el clímax conclusivo de ‘Fobos’ deja listo el camino para el despliegue de vigor en ‘Sangre De Grado’, todo un ejemplo de cómo la fuerza visceral de un motivo básico sencillo puede resultar coloridamente enriquecida a punta de aumentar intrigantes capas y riffs de guitarra. El cierre épico de este jam sirve, a su vez, como puente hacia la magia peculiar de la pieza homónima, una genuina muestra de la columna sónica de la banda en su manifestación más intensa. Tan robótico como vibrante, tan misterioso como directo, ‘Mecánica Celeste’ encarna a la perfección el ideal de proyección mental que define las diversas estéticas psicodélicas: bien podría describirse como una cruza entre el HAWKWIND de “Doremi Fasol Latido” y el primer ASH RA TEMPEL, con añadidos matices de noise-rock. ‘Imaginez Quel Bonheur Ce Sera De Voir Nos Chers Disparus Ressucités!’ (‘¡Imagina Qué Alegría Nos Daría Ver Resucitados A Quienes Partieron’ en francés) es un breve ritual centrado en la percusión tribal, el cántico femenino y un recitación, el mismo que nos sirve para reposar un rato antes de que ‘Ai Apaec’ exponga pesadas moles guitarreras sobre un compás lento que arrastra una imponente parsimonia muy conveniente para el caso. Percibo las influencias del GURU GURU de “KanGüru”y del ASH RA TEMPEL más cañero, un dinamismo pesado que es transportado con descarnada fluidez. Aquí se confirma plenamente la validez de la estrategia artística desarrollada desde la pieza inicial. Llegamos al final del disco con ‘Sendero’, tema que ocupa un amplio espacio de 11 minutos y cuarto. Este tema comienza con porciones del cántico de Adviento “Un Pueblo Que Camina”, un cántico al cual el grupo alude con perturbadores aires de ambigüedad al armar un preludio pesado en clave de marcha militar, el cual termina transformándose en un motivo continuo que, a su vez, prepara el impulso del vendaval rockero iniciado a poco de pasada la barrera de los 4’30”: el fuego cósmico se torna incendio violento que tiene mucho de opresivo y también mucho de atrapante. Poco antes del octavo minuto, la pieza vira hacia ambientes flotantes que sostienen el correspondiente fade-out, el cual anuncia el momento final de retorcido misticismo: la coda conformada por cánticos que regresan para entonar “Resucitó”.

Hay un par de bonus tracks que se pueden descargar desde su página web (y escuchar en los enlaces http://soundcloud.com/serpentina-satelite y http://serpentinasatelite.bandcamp.com/album/mecanica-celeste): uno de ellos, ‘Chamán’, tiene un esquema de blues-rock empapado de pesadez lisérgica de fiel corte krautrock; el otro, titulado ‘Redención’, se familiariza más a fondo con la languidez etérea del post-rock pero siempre manteniendo el tenor esencial inspirado en la psicodelia de vieja escuela.

En conclusión, “Mecánica Celeste” es un excelente muestrario de experimentación psicodélica que mantiene a SERPENTINA SATÉLITE como puntera de la vanguardia rockera sudamericana. Tras reiterar lo mucho que lamento haber conocido este disco tan tardíamente, culmino esta reseña con algunos enlaces de muestra sobre este disco.-
Fobos: http://www.myspace.com/serpentinasatelite/music/songs/fobos-73445590
Imaginez + Sendero: http://www.youtube.com/watch?v=ZeP6ryxfv7g

MICK KARN - evocaciones sobre un maestro que partió

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Comenzamos el año lamentando la partida de un grande de la vanguardia pop y rock británica de las últimas décadas: MICK KARN, famoso principalmente por ser bajista y vientista (a cargo del saxo y el clarinete) de JAPAN, aunque también altamente valorado por haber desarrollado una notable carrera solista y en proyectos momentáneos desde mediados de los 80s hasta prácticamente el fin de sus días. Nacido como Andonis Michaelides el 24 de julio de 1958 en Nicosia (Chipre), falleció el 4 de enero último perdiendo la batalla que iba librando contra el cáncer por un buen tiempo. Mucho tiempo pasó entre aquellos entrañables días de su infancia cuando comenzó aprendiendo el violín, y luego el fagot, con el cual llegó a tocar seriamente en la London School Symphony Orchestra: la maldición de que le robaran el fagot fue en realidad la bendición de la oportunidad de aprender a tocar el bajo y formar parte de alguna banda de rock… y el resto es historia. También desarrolló una interesante carrera en las artes plásticas, más específicamente, en la escultura (ver http://www.mickkarn.net/igallery/igallery.asp?d=\sculpture\)

Tal como mencionamos antes, su mayor reputación se basa en JAPAN, cuyos dos discos de estudio finales “Gentlemen Take Polaroids” y “Tin Drum” son considerados como hitos perpetuos de esa época, pero no hay que olvidar discos solistas como “Dreams Of Reasons Produce Monsters” (1989), “The Tooth Mother” (1995) o “Each Eye A Path” (2001), los cuales reflejan su peculiar estilo de tocar el bajo (principalmente sin trastes) y su buen manejo de instrumentos de viento (clarinete, oboe, saxo, vientos exóticos de Asia y África), así como su apertura hacia el jazz-rock, la fusión, la música concreta y el ambient. ¿Y cómo olvidar esa especie de reunión de JAPAN que terminó llamándose RAIN TREE CROW? El ejemplo de su genio que escogimos para este blog es el fantástico disco “Polytown”, producto de la asociación de KARN con DAVID TORN y TERRY BOZZIO.

Temas
1. Honey Sweating
2. Palms for Lester
3. Open Letter to the Heart of Diaphora
4. Bandaged by Dreams
5. Warrior Horsemen of the Spirit Thundering over Hills of Doubt to a Place of Hope
6. Snail Hair Dune
7. This is the Abduction Scene
8. Red Sleep
9. Res Majuko
10. City of the Dead

Integrantes
- David Torn: guitarras, órgano, piano, loops, armónica, koto, efectos vocales
- Mick Karn: bajo sin trastes, clarinete bajo, dida, voz griega
- Terry Bozzio: batería, percusión, piano, imitación vocal de corno francés

“Polytown” es el resultado de la osada colaboración creativa de David Torn, Mick Karn y Terry Bozzio, una colaboración que produjo una manifestación a la vez enigmática y retorcida de jazz fusión, atravesada por relámpagos de rock psicodélico y recreada por diversos colores étnicos y tribales que se esparcen por aquí y por allá. Es curioso como un grupo de músicos, a punta de talento, osada versatilidad y mentalidad vanguardista, puede crear un repertorio tan pletórico de energía sin que éste llegue a ser pesado, ni que tampoco esté lleno de piezas trepidantes y veloces a todo dar. Muy al contrario, las sutilezas son las que imponen una presencia prioritaria en “Polytown”, siendo así que los intereses combinados de estos tres músicos por explorar en los poderes evocativos de sus respectivos instrumentos los llevan por parajes oscuros y perversos, parajes que resultan a fin de cuentas muy atrayentes para el oyente dispuesto a dejarse llevar. Torn es ante todo un amante de las disonancias y las texturas inquietantes; creo percibir en su estilo la huella de Fripp y Frith, además de algunos toques del Holdsworth más agresivo. Karn da rienda suelta al flujo sanguíneo étnico que fluye por sus venas jazzeras, al modo de una simbiosis entre el Levin más sincopado y el Pastorius más sereno. Por último, el hipertalentoso Bozzio encarna la misma libertad de expresión en su máxima pureza a la hora de manejar y dominar los multicolores matices y cadencias de su batería y diversos implementos percusivos; lejos de limitarse a su rol rítmico, su participación resulta crucial como tercer elemento afín a las partes de guitarra y bajo. Son muchísimas las ocasiones en que da la impresión que la sección percusiva lleva la voz cantante.

‘Honey Sweating’ inicia el disco conjurando un ambiente de lánguida magia, como evocando la partida de criaturas crepusculares hacia sus cuarteles de invierno: hay mucho de misterioso y meditabundo en este fantástico tema de entrada. Esta misma languidez ensoñadora habrá de reaparecer más tarde en ‘Bandaged by Dreams’ y ‘Red Sleep’. A continuación emerge ‘Palms for Lester’ para introducir algo de frenesí al asunto, pero sin caer nunca en desbordes ni pirotecnias gratuitas. Con ‘Open Letter…’ resulta que la faceta étnica del trío empieza a mostrarse de manera más directa, trabajando las texturas exóticas arábigas dentro de los parámetros jazzeros vanguardistas bajo los cuales se maneja. La cosa se pone mas tribal en el intenso tour-de-force ‘Warrior Horsemen of the Spirit...’ – el fuego que despiden los diversos tambores de Bozzio es incendiario y envolvente a la vez, planteando a Torn y Karn el reto de dejarse llevar por la sensual intrepidez del compas mientras mantienen el clima celebratorio del tema por vía del manejo de efectos y cortinas texturiales con sus respectivos instrumentos. Engarzado con este número aparece ‘Snail Hair Dune’, el mas extenso del disco (dura nueve minutos), el cual mantiene también un nivel considerable de intensidad a traves de su compleja estructura de corte jazzero, dejando un campo muy amplio para la improvisacion, y una vez más, el manejo de cadencias exóticas de inspiración arábiga.

‘This is the Abduction Scene’ ofrece una clara influencia crimsoniana de la época del “Starless and Bible Black”, mostrando así el lado más rockero del trío; este predominio crimsoniano no se queda allí, pues pronto resurge en ‘Res Majuko’. A pesar de no tratarse de números precisamente muy extensos, de todos modos quedan como piezas bien armadas y llenas de mucha polenta. ‘City of the Dead’ cierra el disco creando un retrato sonoro de los rincones más tétricos del limbo: cortinas opresivas de percusiones sirven de trasfondo para extraños retazos de guitarra y vientos étnicos. Esta despedida perturbadora logra crear una inquietud climática muy a tono con el espíritu aventurero destilado por todos los poros de “Polytown”.

Enlace original de la reseña: http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/Discos/davidtornmickkarnterrybozzio_polytown.html

Enlaces de Youtube para degustar parte del contenido de “Polytown”.-
Honey Sweating: http://www.youtube.com/watch?v=tTqS8IfdnlY
Palms for Lester: http://www.youtube.com/watch?v=zrpBQ_5UATg
Open Letter to the Heart of Diasphora: http://www.youtube.com/watch?v=P0wPG1YyPSc


¡¡Gracias por la música, Mick!!

IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE - celebración de la tradición progresiva italiana

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión traemos a colación al grupo italiano IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE. Esta banda, fundada por la teclista Elisa Montaldo, cultiva convincentemente un estilo sinfónico retro afín al de sus compatriotas de LA MASCHERA DI CERA, UBI MAIOR (de su primer disco “Sotos”) y NOTABENE: esto implica necesariamente la devota manera en que recibe influencias de BIGLIETTO PER L’INFERNO, ALPHATAURUS y MUSEO ROSENBACH (y también un poco de BANCO DEL MUTUO SOCCORSO). El nombre mismo del grupo proviene de la última sección de la suite ‘Zarathustra’, aporte máximo de MUSEO ROSENBACH a la leyenda del rock progresivo italiano 70ero. Pero hay algo más: el vocalista de la banda es el mismo que fungió de vocalista en el disco “Zarathustra” de MUSEO ROSENBACH – Stefano “Lupo” Galifi. La formación se completa con Fabio Gremo (bajo), Giulio Canepa (guitarras) y Paolo Tixi (batería).

‘Verso l’Alba’, el prólogo instrumental de poco menos de 3 minutos de duración, establece un ambiente moderadamente tenebroso, en clave casi gótica, antes de que ‘Insolita Parte Di Me’ empiece con una aureola aguerrida y filuda, signada por la bizarra estilización exhibida por las mejores muestras de progresivo heavy de la tradición italiana; ya para las partes cantadas, el espíritu se vuelve reflexivo y más calmo, con un Lupo que se siente en sus anchas a la hora de transmitir el mensaje de la letra. Poco después de la barrera de los 3’30”, emerge un interludio instrumental intenso, con una refinada arquitectura que ha de marcar el juego de orquestaciones sobre el cual se basa la última sección cantada. ‘Bocadasse’ porta un esquema más ligero aunque para nada simplista: se trata de una pieza lírica y amable donde lo sinfónico se desarrolla con patente sencillez mientras que la dupla rítmica trabaja con cadencias jazz-pop. No faltan, de todas maneras, recursos barrocos y manieristas en algunos momentos específicos de la instrumentación. ‘Le Due Metà Della Notte’ recalca esta sencillez y la lleva hacia una dimensión más sobria, incluso romántica, al menos durante los primeros 3 minutos; a partir de allí, el grupo desarrolla matices más enérgicos, en base a un órgano vitalista que entra como contraparte de las recurrentes capas etéreas de mellotrón, con lo cual se logra elaborar un nivel de sofisticación propio del estándar sinfónico. Tras este clímax tan llamativo, ‘La Stanza Nascosta’ presenta un ejercicio introspectivo basado casi exclusivamente en el dueto de voz y piano: el minuto final ofrece una inesperada coda espacial basada en flotantes capas lisérgicas de sintetizador sobre las que Lupo hace una recitación.

El poderoso instrumental ‘Danza Esoterica Di Natura’ establece un contraste frente al epílogo cósmico de ‘La Stanza Nascosta’ para instaurar un estupendo viaje progresivo que alterna macizos desarrollos grisáceos en 5/4, vuelos manieristas de piano y envolventes interludios etéreos a lo GENESIS, para finalmente aterrizar en un clímax suavemente tétrico a lo GOBLIN. El ruido de la celesta nunca falla – siempre exorciza imágenes de calma tensa antes de la fatal emergencia de una fuente de terror. ‘Faldistorum’ guarda desde el inicio un nivel de energía expresiva igual al del tema precedente, aunque esta vez se pone más énfasis en la magnificencia que en el claroscuro: la intervención de Lupo se limita a un soliloquio teatralizado en algún lugar del medio: hayamos el mismo espíritu musical en el tema siguiente, titulado ‘L’attesa’. Durando poco más de 9 ½ minutos, ‘Il Centro Sottile’ cierra el concepto central del disco, elaborando un aire de lírica majestuosidad, repleto de estilizaciones sinfónicas sobre la base de ambientes comedidos y desarrollos rítmicos nada intrépidos, un opus innegablemente afín a la línea de trabajo de LA MASCHERA DI CERA. Y ahora que hablamos de la banda de Zuffanti, macor y co. IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE también recurre al truco del bonus track para la última canción: dicho bonus se titula ‘Antidoto Mentale’, una balada sinfónica en 3/4 que hace buen uso del estilo sinfónico retro exhibido por la banda.

Y bien, nuestro balance de este disco homónimo de IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE es positivo en cuanto al derroche de ingenio melódico y el nivel de éxito en esta empresa de recuperar el sonido de los buenos viejos tiempos a la vez que se aporta un nuevo vigor al estándar del sinfonismo italiano tradicional.


Muestras de IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE.-
Le Due Metà Di Una Notte: http://www.youtube.com/watch?v=Fdz-SLyqt0w
La Stanza Nascosta: http://www.youtube.com/watch?v=8HCxiE3LpYU
Boccadasse: http://www.youtube.com/watch?v=SZaYmN6oC5Y

La inspiración continua de KAYO DOT: "Stained Glass"

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos volvemos a referir a KAYO DOT en el contexto de las obras progresivas realizadas en el año 2010. Unos meses después de brindarnos el impactante proyecto en clave chamber-rock “Coyote”, el ensamble de Toby Driver, Mia Matsumiya & co. vuelve a la carga con el EP “Stained Glass”, el cual consiste en la única pieza homónima de casi 20 minutos de duración. Driver regresa a sus múltiples funciones multi-instrumentistas (guitarra, bajo, teclados, glockenspiel) mientras que Matsumiya se concentra en el violín, su instrumento primario. Cabe señalar que el vibráfono aporta una presencia muy significativa dentro del bloque instrumental global de este EP. Por lo demás, la formación es prácticamente la misma que la que se lució tan enormemente en “Coyote”: acompañan a Driver y Matsumiya el baterista/percusionista David Bodie, el saxofonista/clarinetista Daniel Means y el teclista Terran Olson, añadiendo Trey Spruance y Russell Greenberg sus respectivos aportes a la guitarra solista y al vibráfono desde sus roles de invitados.

‘Stained Glass’ abre con una lánguida secuencia de batería, bajo y vibráfono, mientras no tardan el saxo, el violín y el melancólico canto de Driver en entrar a tallar para aportar un dinamismo especial al asunto. En efecto, todo comienza en una atmósfera de post-rock mezclado con jazz suave, al estilo del “Blue Lambency Downward”, pero no tarda en emerger una sección más sombría que empieza con una secuencia dadaísta de opresivas capas de sintetizador y culmina con una misteriosa sección orquestada. De este modo, se introduce la siguiente sección cantada, la cual lleva lo sombrío hacia un espíritu ensimismado que suena a una mezcla de UNIVERS ZERO y ROBERT WYATT, lo cual a su vez es sucedido por una arquitectura minimalista de claro corte surrealista, con matices añadidos a lo TORTOISE. Teniendo en cuenta que aquí llegamos al motivo que se ha de desarrollar hasta el final, podemos en este punto describir integralmente a esta pieza como el eslabón perdido entre “Blue Lambency Downward” y “Coyote”: su profundidad emocional y predominio de retazos envolventes que son opresivos sin resultar enteramente agobiantes son pautas bien definidas en esta dirección. A partir del minuto 17’30”, se arma el sutil clímax con el que se cerrará el ambiente reflexivo que se ha venido desarrollando sólidamente con la impoluta suavidad de un cristal de artesanía fina y la oscura emotividad de un alma concentrada en su propio solipsismo. En fin, KAYO DOT logra culminar el año 2010 con la magistral ensoñación de siempre.

FELIZ NAVIDAD Y UN PRÓSPERO AÑO 2011

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Con la presente quiero enviar dos serenatas navideñas progresivas como manifestación de mis más sinceros deseos por que pasen unas estupendas Fiestas Navideñas, así como por que el Año Nuevo 2011 les resulte próspero y venturoso a más no poder.

La primera serenata es la compuesta por Greg Lake y Peter Sinfield en 1975, ‘I Believe In Father Christmas’, y que terminó convirtiéndose en uno de los villancicos oficiales de la Radio BBC. La segunda serenata es ‘Another Christmas Song’ de JETHRO TULL: compuesta por Ian Anderson e incluida en el álbum “Rock Island” de 1989, esta canción contrarresta de alguna manera el tono crítico y cínico de ‘A Christmas Song’, de 20 años atrás.

En ambos casos, la letra viene por partida doble: la letra original y mi traducción al español.


I BELIEVE IN FATHER CHRISTMAS

They said there'll be snow at Christmas
They said there'll be peace on Earth
But instead it just kept on raining
A veil of tears for the Virgin Birth
I remember one Christmas morning
A winter's light and a distant choir
And the peal of a bell and that Christmas Tree smell
And their eyes full of tinsel and fire

They sold me a dream of Christmas
They sold me a Silent Night
And they told me a fairy story
'Till I believed in the Israelite
And I believed in Father Christmas
And I looked at the sky with excited eyes
'Till I woke with a yawn in the first light of dawn
And I saw him and through his disguise

I wish you a hopeful Christmas
I wish you a brave New Year
All anguish, pain and sadness
Leave your heart and let your road be clear
They said there'll be snow at Christmas
They said there'll be peace on Earth
Hallelujah! Noel! Be it Heaven or Hell
The Christmas you get you deserve


YO CREO EN PAPÁ NOEL

Dijeron que habrá nieve en Navidad
Dijeron que habrá paz sobre la Tierra
Pero en cambio solo sigui๓ lloviendo
Un velo de lágrimas por el Nacimiento Inmaculado
Yo recuerdo una ma๑ana de Navidad
Una luz de invierno y un coro distante
Y el repique de una campana y el olor de aquel árbol de Navidad
Y sus ojos llenos de espumillones y fuego

Me vendieron un sueño de Navidad
Me vendieron una Noche Silenciosa
Y me contaron una historia de hadas
Hasta que creí en el Israelita
Y yo creí en Papá Noel
Y miré al cielo con ojos emocionados
Hasta que desperté bostezando ante la primera luz del amanecer
Y lo miré y vi a través de su disfraz

Te deseo una Navidad llena de esperanza
Te deseo un valeroso Año Nuevo
Que toda la angustia, el dolor y la tristeza
Abandonen tu corazón y tu camino se aclare
Dijeron que habrá nieve en Navidad
Dijeron que habrá paz sobre la Tierra
!Aleluya! !Noel! Ya sea un Paraíso o un Infierno
La Navidad que se recibe es la que se merece


Enlace de Youtube: http://www.youtube.com/watch?v=RXCEdrnaFlY


ANOTHER CHRISTMAS SONG

Hope everybody's ringing on their own bell, this fine morning.
Hope everyone's connected to that long distance phone.
Old man, he's a mountain.
Old man, he's an island.
Old man, he's a-walking says
"I'm going to call, call all my children home."

Hope everybody's dancing to their own drum this fine morning
the beat of distant Africa or a Polish factory town.
Old man, he's calling for his supper.
Calling for his whisky.
Calling for his sons and daughters, yeah ---
calling all his children round.

Sharp ears are tuned in to the drones and chanters warming.
Mist blowing round some headland, somewhere in your memory.
Everyone is from somewhere ---
even if you've never been there.
So take a minute to remember the part of you
that might be the old man calling me.

How many wars you're fighting out there, this winter's morning?
Maybe it's always time for another Christmas song.
Old man he's asleep now.
Got appointments to keep now.
Dreaming of his sons and daughters, and proving ---
proving that the blood is strong.


OTRA CANCIÓN DE NAVIDAD

Espero que todo el mundo esté mirando en su interior en esta linda mañana.
Espero que todos estén conectados a esa llamada a larga distancia.
El hombre viejo es una montaña.
El hombre viejo es una isla.
El hombre viejo se está despertando y dice: “Voy a llamar, llamar a las casas
de mis hijos.”

Espero que todos estén siguiendo su propio ritmo en esta linda mañana,
el compás de la lejana África o de una ciudad industrial polaca.
El viejo está pidiendo su cena,
está pidiendo su whisky,
pidiendo que sus hijos e hijas, sí,
pidiendo que se congreguen a su alrededor.

Loa oídos están atentos a las bolsas y tubos de las gaitas calentándose.
La niebla circundando algún valle que está en una parte de tu memoria.
Todos somos de algún lugar,
incluso si nunca hemos estado allí.
Así que tómate un minuto para recordar la parte de ti
que podría ser el hombre viejo que me está llamando.

¿Cuántas guerras estáis luchando allí afuera en esta linda mañana?
Tal vez sea tiempo para otra canción de Navidad.
El hombre viejo ya está dormido,
ahora tiene citas concertadas.
soñando con sus hijos e hijas y demostrando,
demostrando que la sangre es fuerte.


Enlace de Youtube: http://www.youtube.com/watch?v=qwoNBaOh1_g


Bendiciones de mi parte para todos los amigos y para todo el mundo en esta ocasión tan especial.

El camino progresivo de RODRIGO SAN MARTÍN

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos toca prestar nuestra atención a Rodrigo San Martín, quien es un multi-instrumentista argentino que se dedica a esto de hacer rock artístico en el nuevo milenio con ímpetu y convicción, contando principalmente con su talento y su ingenio compositivo para aportar sus granos de arena al estado de cosas actual el género progresivo. “There’s No Way Out” es el título de su segunda obra fonográfica: ya tiene una currículum desarrollado con tan solo 22 años de edad.

‘4378th Day’ comienza con una amplia secuencia de relajadas capas de sintetizador y sobrios fraseos de guitarra acústica, muy al estilo del himno floydiano ‘Shine On You Crazy Diamond’ pero con una aureola a lo Steve Howe en los punteos de guitarra acústica. Una vez que se asienta el primer motivo cantado con la presencia de Jelena Perisic, el asunto adquiere un cariz más cálido, lo cual se me hace un poco parecido a la faceta pastoral de AYREON. El desarrollo rítmico de la pieza se mantiene en un nivel no muy complejo que digamos, pero no hay lugar para la monotonía: en la barrera de los 8 minutos, la pieza aumenta significativamente sus dosis de vigor sónico y extroversión, presentando sucesivos solos de órgano, guitarra eléctrica y sintetizador, amén de un bello pasaje orquestado que explora explícitamente el aura solemne que estaba latentemente presente todo el tiempo. Los últimos 4 minutos de la pieza sirven para redondear el aire de magnificencia que se había concretizado desde el minuto 8, cerrando con un retorno al lirismo etéreo que había predominado anteriormente. ‘4378th Day’ conforma un buen inicio del álbum, pero, en mi humilde opinión, carece del tipo de impacto melódico que sí hallo mejor concretizado en los otros dos temas. ‘No’ comienza con un motivo vigoroso y con gancho, enmarcado bajo las pautas del rock duro melódico, trabajado con compases de 7/8, 6/8 y 4/4 para brindarle aires de sofisticación: el canto de Craig Kerley se presta idóneamente a este tipo de robustez rockera, a veces rayana con el estándar del prog-metal. Un interludio acústico emerge poco antes de la barrera del minuto 3, una vez más con la presencia de Jelena Perisic; la pieza concluye con un retorno al despliegue de estilización rockera precedente y una brevísima coda acústica. Se me ocurre describir esta canción como una cruza entre el Area post-“The Visitor”, MAGELLAN y SPOCK’S BEARD. El tema de cierre, ‘War, Act 2’, es el más extenso del disco y aquel en el que la visión musical de San Martín refleja mejor sus ambiciones estilísticas. Comienza con un despliegue guitarrístico prog-metalero de tendencias thrash sagazmente interrumpido con cósmicas escalas crimsónicas - ¿CANVAS SOLARIS ha intervenido como banda de apoyo de San Martín?, no, pero parece (y lo digo en buena onda). No tarda en llegar la primera sección cantada, de regreso al lánguido esquema floydiano, así como otro más vivaz y pastoral, siempre con el canto de Perisic. En los intermedios, hallamos pasajes instrumentales que oscilan entre el sinfonismo moderno y la gallardía crimsoniana (incluso con notables influencias del legendario tema ‘Red’), creando así una suerte de complejo clímax rockero. Las breves interrupciones de guitarra clásica aportan un aire de extravagancia estilizada al asunto. Los últimos 4 minutos están signados por serenos climas floydianos donde la instrumentación desarrolla un boato sonoro medido, el cual parece diseñado para reflejar una reflexión final.

“There’s No Way Out” es un disco más que ideal para los nostálgicos coleccionistas progresivos de siempre, un testimonio sólido de la creatividad de un alumno aplicado. Existen motivos más que razonables para esperar que Rodrigo San Martín siga creando sólida y consistentemente un interesante camino evolutivo.

Para irnos familiarizando con el mundo musical de Rodrigo San Martín desde el confort de nuestras PCs, podemos visitar su blog de Myspace y disfrutar de ‘War, Act 2’: http://www.myspace.com/rsanmartin/music/songs/war-act-2-featuring-jelena-perisic-mp3-76953691

PROYECTO WEF - espontaneidad y creatividad al servicio del jazz libre

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Hoy traemos a colación al PROYECTO WEF, un proyecto (valga la redundancia) de free-jazz surgido en marzo de 2008 como resultado de la unión de tres agrupaciones mexicanas: WAMAZO, ECOTOPÍA y FUXÉ. El núcleo dual de Proyecto WEF está conformado por la dupla percusiva de los veteranos Alfonso López y Víctor Castillo, mientras que los más jóvenes Chris Van Beuren y Omar Vázquez completan el cuadro básico desde sus respectivos roles de guitarrista y bajista. Esta aventura sónica tan osada como fresca se completa con tres colaboradores que añaden percusiones, teclado y vientos: uno de ellos, el percusionista Óscar Salazar, se incorporó a fines de 2009 como componente permanente de PROYECTO WEF. El testimonio fonográfico que conforma el disco debut de este proyecto, “Creación Espontánea”, proviene de una actuación en vivo que tuvo lugar en agosto de 2009 en el centro Académico Cultural de la Universidad Nacional Autónoma de México, siendo editado finalmente por el sello Luna Negra a inicios de 2010.

La Primera Creación Instantánea tiene al cuarteto nuclear elaborando una preparación sónica tan vital como misteriosa, invocando a las Musas de la Creatividad a través de las extremadamente refinadas cadencias rítmicas de López y Castillo, el firme pulso del bajista Vázquez y el pulido aporte de la guitarra de Van Beuren: free jazz en su más dinámica expresión, empapada de exquisitos sabores fusionescos. La Segunda Creación Instantánea perfila una dosis aumentada de expresividad extrovertida de la mano de Bringas y sus destellantes solos de saxo, mientras que la Tercera se concentra, en varios momentos, en atmósferas matizadas merced a la presencia del siempre sigiloso pianista Hernández. Sea como sea, la dupla percusiva y los guitarreos de Van Beuren mantienen la temperatura sónica en un nivel notable. A través de estas dos piezas ya se puede sentir seguro el oyente de que se ha adentrado en el mundo musical de PROYECTO WEF desde su rol de espectador: el gusto intenso por deshacer y rehacer estructuras rítmicas y el no menos intenso gusto por generar ambientes evocativos y cadencias llamativas conforman las dos coordenadas recurrentes del ensamble a la hora de enarbolar, desarrollar y culminar sus enérgicas excursiones. ‘Creación Espontánea IV’ es un vuelo único y peculiar que viene en dos partes: he aquí la oportunidad de que el ensamble muestre la osadía inherente a su particular enfoque de la fusión con mayor fruición que antes. La Parte A comienza con un prólogo aleatorio que luego abre paso a una secuencia rítmica bien marcada, mientras que el saxo de Bringas se explaya en sonoridades suavemente tensas; poco antes de llegar al quinto minuto, se genera un despliegue de caos controlado que anuncia otro bloque rítmico en el que la banda explora climas psicodélicos muy cercanos al primer WEATHER REPORT. La Parte B multiplica exponencialmente la dosis de sonoridades bizarras con una primera mitad marcada por un desarrollo de aventuras sónicas que incluye efectos y juguetes de goma, amén de un artilugio inventado por el mismo Bringas que se llama tanque de gas modificado (más allá de su rol de invitado, Germán Bringas se erige en figura central en muchísimas ocasiones): una granja dadaísta sumergida en un paisaje abstractamente irreal. La segunda mitad se focaliza en un frenético ejercicio de jazz-rock en el que el grupo refleja sus mayores niveles de extroversión sin romper con la aureola abstracta que ha ido armando durante los últimos 10 minutos.

La Quinta Creación Espontánea empieza encuadrándose dentro de un sendero de fusión latina más reconocible, teniendo al pianista Hernández como principal foco de este viaje: posteriormente, el swing se detiene para abrir campo a sendos solos sucesivos de bajo y saxo, y acto seguido, otro vuelo abstracto de parte del ensamble entero, afín a la psicodelia free-form de la Parte A de ‘Creación Espontánea IV’. ‘Creación Espontánea VI’ explora también esta senda de aventura libre que moldea su visión, aunque esta vez se nota que hay una actitud más colorida al respecto, así como un bloque sonoro más lleno en comparación con todas las Creaciones Espontáneas anteriores: se puede decir que en este punto el grupo ha generado un clímax efectivo. La séptima y última Creación espontánea perpetúa este clímax redondeando el colorido con sobre la base de un swing pletórico de marcadas cadencias latino-tropicales. Desarrollos posteriores incluyen un solo percusivo, un intenso pasaje de raigambre africana, y para rematar, un breve motivo blueseado que se siente casi onírico. Un cierre mágico para un viaje musical especial gestado por una comunión de mentes lúcidas – PROYECTO WEF realmente ha lucido una estupenda realidad a partir de la miríada de posibilidades emergentes del imprevisible mundo de la libertad jazzera.

Muestras de PROYECTO WEF.-
Creación Espontánea II: http://www.myspace.com/proyectowef/music/songs/creaci-n-esp-ii-con-germ-n-bringas-63344183
Creación Espontánea III: http://www.myspace.com/proyectowef/music/songs/creaci-n-esp-iii-con-gabriel-hern-ndez-63345878

RATIONAL DIET - una fenomenal entidad de gran envergadura progresiva

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RATIONAL DIET es el nombre de la sensación bielorrusa que ya tiene varios años revitalizando consistentemente la escena RIO del nuevo milenio: “On Phenomena And Existences” es el título de su disco para el año 2010, el mismo que ha venido cosechando elogios como ya parece ser una sana costumbre para este ahora septeto y que ahora reseñamos para nuestro blog. La presencia de un guitarrista permite a la banda explorar más agudamente las aristas agresivas que de por sí ya se hicieron presentes en discos anteriores. A estas alturas del partido, el grupo de Olga Podgaiskaja & co. encarna una voz destacada dentro de la tradición aún vigente del género progresivo vanguardista. Las pautas estilísticas de este ensamble son las típicas del chamber-rock: realce particular de los instrumentos típicos de cámara, uso recurrente de disonancias y cacofonías, preferencia por esquemas musicales orquestales, presencia dominante de atmósferas opresivas y/o misteriosas, renuncia a cualquier influencia que provenga de un tiempo anterior al siglo XX.

Con una arquitectónica letanía de violín y cello comienza el primer tema, ‘Sleep is teasing a man’, uniéndose gradualmente el ensamble entero en un ejercicio de sonoridades ceremoniosas que oscilan entre lo contenido y lo abiertamente sombrío. El último minuto despliega un maravilloso clímax a lo PRESENT. ‘Human life in the wind’ es más cercano a los refinados vuelos académicos de UNIVERS ZERO, con un soberbio manejo de cacofonías y texturas. ‘Somebody in the spacious tail-coat’ porta una atmósfera más grácil sin por ello dejar de mostrar el tipo de tensión propio del chamber-rock: en todo caso, el contrabajista invitado permite a la banda elaborar aires jazzeros dentro de su esquema sonoro con mayor fruición. Llegamos así a la breve ocasión de calma otoñal desarrollada en ‘Unexpected feiertag in Chemnitz’, un oportuno preludio a la mezcla de densidad y melancolía mostrada en ‘A man went to sleep’, un atmósfera parcialmente recogida en ‘Chamber illuminated by the dark lamp’. Con ‘Bet on a marked card ’, las cosas se intensifican notablemente mientras RATIONAL DIET explota fehacientemente los aspectos más juguetones del chamber-rock. ‘In the late summer’ y ‘Living the main life’ se empapan de aureolas ceremoniosas en medio del impetuosos colorido recogido del tema no. 7. Ciertos halos de tenebrismo en ‘Living the main life’ suponen una suerte de anticipo de la oscura densidad que marca la arquitectura de ‘Private secrets of machine’. ‘Weimar period’ es un estupendo dueto de violín y cello que parece anunciar un inminente suceso ominoso, y esta sospecha se confirma desde los primeros arrebatos de ‘The end of the Almshouse’, pieza que retrata a la perfección imágenes turbias y climas amenazantes en el lenguaje musical. Y después de la amenaza, viene el pavor: ‘Passacaglia in beautiful and furious world’ refleja cabalmente la mezcla de confusión, desaliento y furia visceral que inundan al corazón humano en situaciones donde se siente atrapado, abrumado, sin salida. Esta pieza encarna un clímax perfecto para el disco, y si un clímax como éste no cierra el disco, más vale que el epílogo desarrolle algún tipo de magia especial que contrarreste la tormenta musical precedente; ésta es la misión que cumple ‘In five steps’, un tema ceremonioso que permite a RATIONAL DIET explorar sus afinidades con el HENRY COW de “Western Culture”, así como con la obra primigenia de ART ZOYD.

Como balance final de esta reseña, me parece pertinente resaltar lo grandioso que es que el legado del chamber-rock y el RIO no repose exclusivamente sobre los hombros de los legendarios PRESENT y UNIVERS ZERO, quienes siguen sacando al mercado discos fabulosos, sino que también hay bandas de los últimos dos decenios que aportan prestancia renovada y vitalidad permanente: YUGEN, FAR CORNER, el KAYO DOT actual, RUNAWAY TOTEM y MIRIODOR son algunas de las bandas a las que me refiero, y por supuesto, también RATIONAL DIET.

Algunas muestras de “On Phenomena And Existences”.-
A Man Went To Sleep: http://www.myspace.com/rationaldiet/music/songs/a-man-went-to-sleep-c-podgaiskaja-2010-words-by-hlebnikov-mp3-72643960
The End Of The Almshouse: http://www.myspace.com/rationaldiet/music/songs/the-end-of-the-almshouse-c-kristia-2008-mp3-72643974

El multicolor jardín progresivo de K2

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Hoy traemos a colación al disco “Black Garden”, segunda entrega del proyecto progresivo K2, liderado por el bajista-teclista Ken Jacquess. Se trata de un disco conceptual en torno a la aventura de descubrir las islas del Pacífico Sur por parte de los antiguos polinesios, 2,000 años antes de que Cristóbal Colón atravesara el Océano Atlántico. Para esta nueva empresa musical de K2, Jacquess se hace acompañar del vocalista Josh Gleason, el guitarrista Karl Johnson, el teclista Ryo Okumoto (sí, el mismo de SPOCK’S BEARD) y el baterista Doug Sanborn El disco ha sido editado por el sello estadounidense Magna Carta, el cual siempre se ha especializado en bandas de líneas sinfónica y prog-metal.

El tema homónimo da inicio al disco con atmósferas abiertamente exóticas, calibrando idóneamente el carácter casi mágico de la aventura polinesia en cuestión: los aires zeppelinianos y el compás arrastradamente cadencioso de la instrumentación básica se combinan muy bien con la robustez áspera que marca el canto de Josh Gleason. El segundo tema ‘Passage To The Deep’ es el primero de ambiciosa duración, ocupando un espacio de más de 11 ½ minutos. Aquí hallamos un ágil despliegue de tópicos progresivos antiguos y modernos: algunos pasajes nos recuerdan a GENESIS, otros a SPOCK’S BEARD, otros más a KARMACANIC, y otros restantes a los clásicos épicos de RICK WAKEMAN. La guitarra de Johnson y el Moog de Okumoto elaboran impresionantes solos en varios momentos; en general, los teclados arman ambientes ostentosos a través de estilizadas capas y orquestaciones. ‘Widows Watch’ es una balada progresiva con base de piano: el esquema melódico es patentemente sencillo, lo cual permite al ensamble focalizarse en plantear una atmósfera relajada y meditabunda, aunque también entra a tallar un estupendo solo de Moog que aporta una envolvente aureola cósmica al asunto. ‘Encounter Or Absence’ perpetúa en su sección introductoria el aire ceremonioso de la canción precedente, abriendo así el camino hacia un cuerpo central macizo y moderadamente potente: se reiteran las afinidades con KARMACANIC y SPOCK’S BEARD, así como el lucimiento del virtuoso Okumoto (esta vez al órgano Hammond, en un solo que debió ser un poco más extenso), y cómo no, también el de Johnson. ‘Storm At Sunset’, durando poco más de 11 minutos, es el segundo tema de ambiciosa extensión. Se advierten ciertas coincidencias inocultables con THE WATCH en tanto que los arrebatos genesianos son numerosos aquí, revelando cercanías con el neo-prog de los 90s en adelante. Se incluye un solo de Hammond que sí se aplica en su duración justa, así como un estupendo solo final de guitarra que suena a un híbrido de Steve Howe y Gary Moore. ‘Summer’s Fall’ es un intimista dueto de voz y mellotrón de cuerdas que opera como preludio a ‘Path Of The Warrior’, tema que conforma la última pieza ambiciosa del disco y ocupa los últimos 10 ¾ minutos del mismo. Tal como cabe esperar, aquí se reflejan las expresiones más explícitas de climas ceremoniosos y exquisiteces melódicas, notándose un colorido grácil de ciertas consonancias neo-progresivas en medio de los esquemas estilísticos reiterados en dosis semejantes a las de ‘Storm At Sunset’.

En fin, K2 ha cumplido una vez más con recrear el estándar sinfónico a punta de ingenio y solvencia en generosas dosis: “Black Garden” es un jardín musical multicolor, un premio seguro para los oídos de los incondicionales amantes del prog sinfónico de las últimas décadas.

Terminamos esta reseña con las siguientes muestras de K2.-
Passage To The Deep: http://www.youtube.com/watch?v=3tBc2eeKuOk
Storm At Sunset: http://www.youtube.com/watch?v=jIyrrdbgBgM

ERIS PLUVIA y su nueva luz musical

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Ahora es el momento de remontarnos a tierras italianas para degustar el álbum 2010 de ERIS PLUVIA, el mismo que se titula “Third Eye Light”. La historia de este segundo álbum se enmarca dentro de un largo hiato de 19 años respecto a “Rings Of Earthly Light”, a partir del cual se produjo un cisma que motivó el surgimiento del dúo THE ANCIENT VEIL, lo cual aparentemente significó que los miembros restantes de ERIS PLUVIA debieron invertir una enorme cantidad de tiempo y energía para concebir y grabar este segundo disco tan placentero. Sinfonismo romántico y evocativo, sensible a la inclusión de importantes sonoridades acústicas, esta es la fórmula de ERIS PLUVIA. La presencia de la flautista invitada Roberta Piras ayuda mucho a realzar las vibraciones espirituales que impregnan las ideas melódicas de varios temas; de hecho, si el grupo la hubiera tenido como miembro oficial que apareciera en todos los temas del álbum, me parece que el esquema sonoro de la banda se hubiera beneficiado bastante.

El tema homónimo inicia el disco con unos 6 ½ minutos plagados de magia lírica que se inspira en los legados de CELESTE y la faceta pastoral de unos PFM, así como en el PINK FLOYD de la etapa “Wish You Were Here” y el CAMEL 90ero. Este recurso de impetuoso sinfonismo desplegado sobre compases reposados y atravesado por atmósferas meticulosamente refinadas se reitera eficientemente en ‘Rain Street 19’, mientras que ‘The Darkness Gleams’ incorpora algunas secciones más agresivas, así como capas cósmicas de teclado que se resaltan bastante, logrando así tender puentes con las propuestas neo de QUIDAM y SATELLITE. ‘Someone Care For Us’ nos ofrece un momento de calma reflexiva a partir de una balada basada en el piano, la misma que suena a un híbrido entre ARIES y CELESTE, mientras que ‘Fixed Course’ cambia de registro en clave neo (a medio camino entre PENDRAGON y SATELLITE) y ‘Peggy’ nos devuelve al aura contemplativa y reflexiva de los dos primeros temas; en este último tema cabe destacar la prístina dulzura a cargo de la vocalista invitada Diana Dallera. El instrumental ‘Shades’ encarna las mayores dosis de magnificencia progresiva de todo el álbum: los desarrollos melódicos se expresan en impecables ilaciones entre motivos y arreglos perfectamente fluidos que permiten al grupo funcionar de manera muy orquestada. ‘Fellow Of Trip’ irradia una amabilidad irresistiblemente cándida, a medio camino entre la mesurada vitalidad de ‘The Darkness Gleams’ y la refinada sencillez de ‘Rain Street 19’. Los últimos 4 ½ minutos del disco están ocupados por la bella serenata sinfónico-pastoral ‘Sing The Sound Of My Fears’, la misma que plasma un envolvente y sereno colorido romántico a fin de completar coherentemente la visión musical de ERIS PLUVIA con un énfasis en su faceta más introspectiva. “Third Eye Light” es un disco hermoso, realizado con buen oficio y una generosa lucidez melódica, idóneo para los coleccionistas progresivos que fervientemente aman la dimensión más ensoñadora del género.

El eterno anillo progresivo de GERARD

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Traemos a colación en este día al ensamble japonés GERARD, una banda veterana cuya trayectoria cuenta ya con casi 30 años de antigüedad y que hasta el día de hoy cuenta como una de las referencias más vitales del progresivo sinfónico después de la era dorada de los 70s, siempre de la mano del teclista Toshio Egawa. Aunque en sus primeros años de existencia GERARD operaba como un cuarteto de guitarra-bajo-teclados-batería, su esquema instrumental mayormente ha sido la de power-trío con base de teclados: no hay mayores novedades al respecto en su álbum 2010 titulado “Ring Of Eternity”. Con respecto al disco anterior “Power Of Infinity”, de hace 6 años, la formación sigue contando con el mencionado líder musical Egawa y el bajista Atsushi Hasegawa, completando ahora al grupo el baterista Kenichi Fujimoto y el vocalista Yasuo Sasai – tenemos ahora a un power-trío con un vocalista extra.

El tema homónimo abre el disco con un preludio marcado por efectos de brisas tormentosas, capas de teclado y adornos percusivos, para luego plasmar un cuerpo central en 6/8 portador de un dinamismo arrollador que, como suele suceder en el cosmos musical, se siente electrizantemente emersoniano (entre “Brain Salad Surgery” y “Emerson, Lake & Powell”). Sigue a continuación ‘Night Before The Revolution’, una pieza de gancho más sencillo, como un híbrido de ASIA y SAGA que combina la placidez del AOR y el RICK WAKEMAN más accesible de obras como “1984”: por supuesto, lo bombástico sigue siendo el ingrediente esencial, con esas abundantes intervenciones de los teclados y esa magnífica exhibición de potencia a cargo del baterista Fujimoto. Esta misma línea de trabajo se reitera en ‘Justice And Faith’, aunque cabe añadir que la labor del bajista es más exigida aquí en ciertos pasajes. ¿No sería este el sonido que debió desarrollar ASIA a fin de concretizar elementos consistentemente interesantes acordes con los legados progresivos arrastrados por sus miembros originales? En fin, dejó allí la pregunta. ‘Dawn After The War’ ocupa los siguientes 10 ¾ minutos del disco. Tras un motivo inicial marcado por una excitante polenta, las principales partes cantadas se explayan sobre un compás reposado donde las sobrias orquestaciones y solos de teclado generan una ambientación solemne y reflexiva. La inclusión de algunos interludios acelerados se presta convenientemente para desarrollar recursos de variación a través de la explotación de algunas recurrentes ideas melódicas en curso; la coda mantiene una aureola de distinción progresiva a través de su motto perpetuo, muy a tono con las orquestas impresionistas del siglo XIX. Un tema como éste me hace pensar en coincidencias estilísticas con otros artistas tan dispares como el chileno JAIME ROSAS y el ensamble estadounidense CAIRO, así como al RICK WAKEMAN DE “Out There”. ‘Long, Long Way To Your Soul’ mantiene buena parte de la solemnidad que marcó al opus precedente, aunque su estructura compositiva traza ciertos puentes con la dimensión accesible de los temas segundo y tercero. Con sus 12 minutos de duración, ‘Land Of The Dead’ es el otro opus del disco: su estrategia es muy semejante a la de ‘Dawn After The War’, secciones cantadas lentas circundadas por vitamínicos pasajes instrumentales, un ambiente solemne expuesto con típico boato sinfónico, un cuidado matemático por la claridad melódica a través del despliegue de potencia sónica. En líneas generales, se trata de la pieza con los más logrados pasajes instrumentales, o al menos, a mí me parece que aquí se hallan las mejores manifestaciones de refinamiento en los arreglos y la interacción entre los músicos. El disco se culmina con ‘Love Save The World’, una balada que comienza con un preludio espacial basado en capas de teclado y un breve solo de bajo, antes de pasar a un cuerpo central de talante llamativo, a medio camino entre el TOTO más estilizado y el ASIA de la época con John Payne.

En total, tenemos aquí poco menos de 50 minutos de sinfonismo moderno en su más pura expresión, forjado con los índices de poderío y fastuosidad que GERARD ha convertido en marca propia. “Ring Of Eternity” no rompe esquemas, mucho menos indica nuevos caminos de creatividad progresiva, pero eminentemente da cuenta de un vigor que se resiste solventemente a decaer – el vigor de GERARD.

Una muestra de este disco de GERARD con el tema ‘Night Before The Revolution’: http://www.youtube.com/watch?v=BGErOG4bPUU

Shakken + La Caja De Schrödinger + Circo Al Edén - nuevas voces rockeras peruanas

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En esta ocasión nos toca traer a colación tres producciones fonográficas a cargo del sello peruano SONIDOS LATENTES, especializado en difundir material de las canteras underground del rock peruano. Se trata de 3 EPs de sendas bandas peruanas: SHAKKEN “Quién Desafía Al Sol”; LA CAJA DE SCHRÖDINGER “Mente Maestra”; y CIRCO AL EDÉN “Sólo Los Valientes”.

El cuarteto instrumental SHAKKEN se luce sin miramientos ni contemplaciones con su vitalista propuesta prog-metalera basada en electrizantes guitarreos duales y vigorosos desarrollos arquitectónicos a cargo de la dupla rítmica. “Quien Desafía Al Sol” comienza con ‘Los Niños Nunca Aprenden’, marcada por una metralla intrépida y frenética con un apuro expresivo que para nada contradice la pulcritud expuesta en la afiatada amalgama de las guitarras duales y la dupla rítmica: SLAYER, el IRON MAIDEN pre-“Piece Of Mind” y BETWEEN THE BURIED AND ME. ‘Ávalon’ prosigue por este mismo entusiasmo a paso firme con el extra de concretar un aumento en la sofisticación musical: lo que se concreta específicamente es un ejercicio incendiario de prog metal técnico (afín a lo hecho por los chilenos de OCTOPUS). ‘Cuatro Estaciones’ introduce una conveniente variante al establecer un variado juego de matices que alternan matices razonablemente reposados, riffs contundentes y pasajes arquitectónicos en la sección final. Me parece que esta pieza daba para más que los 3 ¾ minutos que el grupo tuvo a bien concederle, pero bueno, así son las cosas. Por su parte, la pieza homónima cuenta con la duración adecuada para la dinámica que va desarrollando con pulida fluidez. ‘La Raza’ comienza con un fragor tan contundente (o más) como el que hallamos en el primer tema, para luego derivar en un interludio semi-tribal que prepara el terreno para una poderosa coda que recapitula el motivo inicial. Los últimos 4 minutos del EP están ocupados por ‘Zero’, tema que coherentemente redondea el espíritu electrizante que ha imperado a lo largo del repertorio. SHAKKEN es una brillante promesa del prog-metal peruano que deberá ir reforzando y afilando su visión musical en busca de nuevos retos y complejidades donde se habrá de cumplir todo su potencial. Por lo pronto, han demostrado fehacientemente que sus premios en festivales rockeros locales y elogios de parte de la hinchada nacional están tremendamente bien fundados.

LA CAJA DE SCHRÖDINGER es otro ejemplo de la vitalidad que atraviesa actualmente a la pequeña pero incansable vertiente prog-metalera que se viene desarrollando en Lima. En esta ocasión encontramos una dupla de guitarra-teclado en lugar de dos guitarras para la base de la armazón melódica de las composiciones. El instrumental ‘Obertura’ abre el disco con un boato típicamente prog-metalero basado en la ilación de motivos ocasionalmente alimentada de vibraciones góticas: suena influenciado por el DREAM THEATER de la etapa “Awake”, hasta cierto punto, y de manera indirecta, por la movida prog-metalera europea de los últimos 90s. ‘El Valle De Lo Desconocido’ es otra pieza instrumental, la cual se explaya sobre un medio tiempo que sostiene el aura solemne inherente a la idea musical en sí: aquí hay más sinfonismo que metalización, y en ambos casos, los teclados resaltan tanto los matices orquestales que asumen la mayor dosis de responsabilidad en la transmisión de estilización sonora. El tercer instrumental, ‘El Grito’, se sostiene primordialmente en atmósferas grisáceas y relativamente calmadas, casi émulas de las herencias del floydismo y del GENESIS clásico: para su segunda mitad, la pieza se enmarca en un interesante despliegue de prog-metal tranquilo. Por el lado de los dos temas cantados, ‘Mente Maestra’ y ‘Mercurial’, éstos se inclinan fehacientemente hacia sonoridades metaleras melódicas: el tema homónimo porta un aura evocativa en medio del calculado despliegue de poder rockero, mientras que el segundo cierra el EP con un fulgor electrizante muy conveniente a la hora de culminar una buena impresión final. De este modo, tiene sentido tener altas esperanzas en relación con futuras entregas fonográficas de LA CAJA DE SCHRÖDINGER.

La propuesta de CIRCO AL EDÉN es la menos compleja del paquete, centrada en un metal melódico y épico que tiene claros resabios a las influencias de NIGHTWISH, EPICA y SAVATAGE, aparte de las más añejas huellas de DEEP PURPLE y JUDAS PRIEST. El tema que abre el disco se llama igual que el grupo, un canto de protesta ante los vicios de las religiones organizadas: su potente sonoridad expone sin mayores tapujos los delineamientos recurrentes de la banda. ‘Frustración’ y ‘Promesa Eterna’ trabajan con compases más sincopados, lo cual permite a la banda elaborar atmósferas más grisáceas dentro de su típico encuadre metalero. ‘Sólo Los Valientes’ y ‘Viajes’ completan las manifestaciones de potencia y estilización ya reflejadas en la canción de apertura. En lo personal, extraño que se exploten más los riffs e ideas melódicas a fin de potencializar más plenamente las ambiciones musicales que son tan patentes en la propuesta artística de CIRCO AL EDÉN.

De esta forma termina nuestro repaso de estas nuevas esperanzas nacidas dentro de las diversas vertientes metalera y prog-metalera que ya vienen dando buenos frutos dentro de la cosecha contemporánea limeña; con justas razones se espera que las posteriores cosechas signifiquen la cimentación de estas y otras voces rockeras dentro de la incansable escena peruana.

Página web de SONIDOS LATENTES: http://www.sonidoslatenteslive.blogspot.com/
‘Quién Desafía Al Sol’ de SHAKKEN: http://www.youtube.com/watch?v=2A4Wvsg2sGQ
‘Mercurial’ de LA CAJA DE SCHRÖDINGER: http://www.youtube.com/watch?v=owru4nmLXhc
‘Circo Al Edén’ de CIRCO AL EDÉN: http://www.youtube.com/watch?v=yHVKZlGQ7XM

Desde España llega el réquiem progresivo de JOSÉ CARBALLIDO

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Hoy les hablaré un poco de JOSÉ CARBALLIDO, un guitarrista y compositor español (aunque nacido en la ciudad alemana de Mannheim en 1979) que está tomando por sorpresa a la comunidad progresiva con su obra debut, un disco doble conceptual en torno a la muerte y sus múltiples facetas y contextos: el disco en cuestión se titula “Requiem”. Tratándose de un disco doble y conceptual, es válido asumir que esta obra está signada por amplias pretensiones artísticas y ambiciones creativas, especialmente cuando el género rockero bajo el que se encuadra es el progresivo de línea sinfónica. Editado por Musea a mediados de este año 2010, “Requiem” promete un festín para los ávidos coleccionistas de música progresiva que seguimos disfrutando de las diversas propuestas de remodelación que el género viene experimentando desde hace ya 20 años. Los músicos colaboradores son los siguientes: Daniel Añón (guitarra eléctrica), Evaristo Frieiro (bajo), Diego Lestón (batería), Alejandro Salgueiro (flauta) y Román Suárez (teclado). Muchos aspectos se relucen con la escucha de “Requiem”: el gusto por marcar cuidados desarrollos arquitectónicos de las ideas melódicas en curso; la grácil presencia de la flauta, que continuamente opera como acompañante de la primera guitarra o del teclado; el canto del mismo CARBALLIDO, cuyo timbre suena un poco cercano al del Sr. Bunbury (el de Héroes del Silencio); la importante presencia de partes corales, siendo así que el coro encarna alternadamente a la Muerte, a Dios y a un co-narrador; las continuas excursiones de la dupla rítmica hacia potentes dinámicas de tendencia prog-metal. En lo personal, me parece que el material se pudo beneficiar de una labor más profunda en las intervenciones del teclado, y tal vez también de algunas percusiones adicionales a la batería: ideas como éstas se me ocurren en base a tantos años escuchando discos progresivos que ponían abierto énfasis a las soberbias orquestaciones de teclados múltiples, pero bueno, el dueño de la idea y del destino de la misma es José y nadie más. En todo caso, la pericia técnica de José es patente a lo largo de todo el disco: como dato complementario, cabe señalar que él es licenciado en guitarra por el Conservatorio Superior de Música de A Coruña. Tratándose también de un experto en el área del rock, se puede decir que “Requiem” le ha servido para poner a prueba su visión de conjugar las áreas de la música académica y del rock artístico – la prueba ha resultado exitosa, y las razones por las cuales hago una aseveración tan positiva se revelarán en los siguientes párrafos.

El concepto se inicia con ‘Obertura’, fastuosa demostración de sinfonismo alimentada con desarrollos musicales meticulosamente pletóricos a lo largo del camino, los mismos que incluyen generosas dosis de sonoridades muy potentes así como un breve pasaje de tenor relativamente jazzero: el pasaje inicial, recargado de atmósferas góticas, establece un conveniente aire de expectativa. La coral final abre la pauta para ‘Todes Lotto’, pieza que porta una inconfundible aura inquieta, un tanto tétrica, marcada por una atmósfera pagana. La dupla de ‘Noche De la Muerte’ y ‘Último Adiós’ inicia la plasmación del esquema sonoro más típico del doble álbum: riffs con gancho, presencia recurrente de la guitarra clásica y los teclados, un tono solemne en las letras y en el canto principal. ‘Te Extrañaré’ parece de primera intención un ejercicio de heavy melódico, pero en el intermedio se desarrolla un pasaje progresivo que, con bastante efectividad, genera un aire de sofisticación para el esquema global de la canción. Tras el swing llamativo de ‘Nana’, ‘Camino Al Entierro’ despliega un clima épico bien sostenido: tal vez sea esta canción la más notoriamente marcada por los ideales académicos de CARBALLIDO dentro de este primer volumen. Haciendo honor a su título, ‘Luto’ desarrolla un ambiente triste y evocativo, a medio camino entre el lirismo relajado de unos Camel y la magia del arquetipo de la power ballad. Para el cierre de este CD1, ‘Foto De Familia’ asume directamente una actitud potente así como un colorido pomposo: no habíamos escuchado algo tan contundente desde la ‘Obertura’.

El CD2 encapsula el cénit del concepto general, principalmente porque plasma ideas y climas más consistentemente épicos que en el primer volumen. ‘¿Por qué Yo?’ Inicia este segundo volumen con un aire de cristalina estilización, casi a medio camino entre la arquitectura sónica de unos ROYAL HUNT y la candidez melódica del YES clásico. ‘Un Único Ser’ ocupa todo un espacio de 10 ½ minutos: esta extensión es correlativa a la dosis amplificada de ambiciones progresivas que Carballido ha invertido para la composición y arreglos de la susodicha pieza. Se notan las influencias de YES, GENESIS y el estándar hispano-italiano del sinfonismo clásico (GOTIC, PFM, BLOQUE), mientras que la presencia prevalente de la coral ayuda a marcar inapelablemente una atmósfera constantemente ceremoniosa. El ímpetu vitamínico de ‘Un Único Ser’ es capitalizado por ‘Ya No Tengo Dios’, tema que incorpora sobrios matices de tendencia prog-metal a los ingredientes musicales ya presentes. Esta tendencia se perpetúa en cierto modo en ‘Oración’, para luego pasar a climas un poco más introspectivos en ‘Al Despertar’, aunque la dosis de energía permanece invariable. Con la inclusión de un breve interludio aflamencado y un pasaje metalero, el asunto adquiere inesperados matices de diversidad. ‘Sólo Un Sueño’ retoma las masivas ambiciones sónicas de ‘Un Único Ser’ y las recicla a través del impacto recibido de ‘Ya No Tengo Dios’: los diálogos entre la guitarra y la flauta, así como el swing sostenido por los riffs y la dupla rítmica, aportan decididamente un aura optimista que nos pone en alerta ante la redención que llegará al final. Aquí tenemos otro punto álgido del disco junto a ‘Un Único Ser’ y ‘Foto De Familia’. ‘Depende De Ti’ transita hacia relajados senderos de calma y sencillez, antes de que emerja un clímax suntuoso para el último minuto. ‘Epílogo’ concluye el concepto del disco con una interesante amalgama de guitarra clásica y múltiples capas de guitarra eléctrica que oscilan entre la cruda agilidad de un BLACKMORE y el ingenio orfebre de un HACKETT: un extraño pero eficaz cierre para un disco que deberá obtener una creciente atención de parte de la comunidad progresiva internacional. JOSÉ CARBALLIDO ha plasmado una voz peculiar e interesante dentro del rico entramado progresivo que sigue sobreviviendo en la escena mundial.

Terminamos la reseña con estos botones de muestra.-
Videoclip de ‘Te Extrañaré’: http://www.youtube.com/watch?v=Wgw1NvgmGRk
Audio de ‘Ya No Tengo Dios’: http://www.myspace.com/requiemcarballido/music/songs/ya-no-tengo-dios-60211020
Audio de ‘Al Despertar’: http://www.myspace.com/requiemcarballido/music/songs/al-despertar-60212950