ARS DE ER: la lucha de contrarios en clave de chamber-rock

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Llega un poco tarde esta reseña, pero lo bueno es que llega, porque la obra del proyecto bielorruso de chamber-rock ARS DE ER siempre vale la pena de ser revisada, y más aún, cuando se va renovando con el paso del tiempo. Hoy nos referimos específicamente al disco de agosto del pasado año titulado “Contraires”, lo más reciente que se ha creado en el taller musical de ARS DE ER, proyecto individual del compositor y multiinstrumentista Arseny Ershov. Este trabajo data de la primera mitad de agosto del pasado año 2023, habiendo tenido como antecedentes a “Ataca Suubito” y al EP “L’adieu Au Monde”, del año 2022. Lo que se muestra en “Contraires” es una serie de piezas compuestas por Ershov donde él funge como único operador de los instrumentos y programaciones que hacen sus respectivos actos de presencia. Por supuesto, también es el responsable de la producción y la mezcla de todo el material aquí contenido. 

 
Los primeros tres minutos del repertorio están ocupados por ‘Rêveur’, una pieza evocadora y crepuscular que nos transporta, al unísono, a los mundos de GOBLIN e ISILDURS BANE mientras usa un esquema rítmico bastante vitalista para articular su patentemente grisáceo motif central. Acto seguido, se da la conexión con la ambiciosa composición ‘Nostalgie’, la cual se extiende por un generoso espacio de 17 ½ minutos. El ímpetu fulguroso de su sección inicial ostenta un fulgor extrovertido que no había sido muy común en el esquema de trabajo de ARS DE ER, pero aquí  tenemos lo que está  patente: un ejercicio de ágiles  musicalidades prog-sinfónicas armadas con mesuradas dosis de densidad tenebrosa. Más bien, es en unas secciones posteriores donde el potencial tenebroso empieza a revelarse más directamente, aunque se trata, en lo esencial, de un viraje del permanente lirismo hacia un terreno crepuscular. De hecho, la puerta sigue abierta para que emerjan nuevas directrices melódicas de linaje romántico en ciertos pasajes estratégicos. Todo ello se traduce en una lógica de alternancias sólidamente articuladas entre expansiones de espiritualidad ceremoniosa con otras de aguerrida tensión emparentadas con el paradigma de PRESENT. Los últimos minutos de la sección intermedia movilizan una suntuosidad preciosista que no es ajena a las confluencias con los patrones de RICK WAKEMAN y el PÄR LINDH PROJECT. Tras ello, emerge otro interludio ceremonioso que permite una nueva exploración en climas serenos y misteriosos, el cual sirve para realzar el empuje conclusivo del factor fulguroso para el majestuoso epílogo. Monumental cénit del disco y reveladora muestra de aires novedosos en el cosmos musical de ARS DE ER. ‘Éveil’ es otra pieza de holgada duración, poco más de 10 ¼ minutos. Ya desde su sección prologar, marcada por un swing ceremonioso sobre el que se destacan unos fraseos oscurantistas y filudos de guitarra, se nota que la dimensión más robusta del ideario típico del chamber-rock continental se va a imponer aquí. Si bien es verdad que hay algunos parajes signados por una agilidad melódica en algunas instancias del laberinto multitemático, es la robustez muscular quien domina la logística instrumental y es la densidad señorial quien organiza el delineamiento del laberinto musical en curso. Hay momentos en los que se nos muestra una peculiar cruza entre los PRESENT de los 80, los KING CRIMSON de 1974 y ENSEMBLE NIMBUS.  
 
‘Réalité Ou Cauchemar’ es una tercera pieza de ambiciosa duración: poco más de 13 minutos y está decidida a ostentar su particular grandilocuencia con la misma fuerza de carácter exhibida por los dos temas precedentes. Específicamente, percibimos aquí los ecos de los antecedentes más lóbregos y tensamente sombríos de ARS DE ER (etapa 2017-2020) con ese vigor agitado y lacerante de “Other Side” (2021). De este modo, la concreción de la asociación entre un armazón multitemático inquietante y un esquema de trabajo en los arreglos donde confluyen lo pomposo y lo aguerrido permite la revelación sistemática de diversos recursos de estilizado oscurantismo. El clímax expresivo que se cocina desde poco antes de la frontera del sexto minuto permite un breve momentum de luminosidad antes del inminente regreso a un oscurantismo perturbado y absorbente. Las ocasionales excursiones en el área del avant-metal posibilitan un foco macizo para el continuo predominio de la industria tenebrosa. Poco después de pasada la frontera del noveno minuto, el asunto se torna realmente psicótico, al modo de una maquinaria revuelta en torno a su propia mecánica terroríficamente dadaísta. Para la sección final se da un retrotracción hacia una solemnidad crepuscular que se corta abruptamente para abrir campo a la pieza siguiente, titulada ‘Dernier Train’. Recibiendo buena parte de las huellas oscurantistamente vanguardistas de la pieza precedente, aquí se da una dosificación de sus vibraciones punzantes. Para concretar esto, los arreglos estructuran con impoluta claridad los contrastes entre los diversos parajes temáticos que se van hilando a lo largo del camino. Los sonidos orquestales que amulan bronces ocupan un rol tan importante como los de las capas de teclados y los fraseos de guitarra. ‘Un Endroit Pour Se Calmer’ trae consigo el cierre del repertorio, exhibiendo seductores aires exóticos de inspiración oriental al modo de unos JADE WARRIOR filtrados a través de la faceta más etérea de MASAL. La naturaleza reflexiva de este final del álbum nos hace pensar que se trata de una mirada hacia la variedad de paisajes que se plasmó a lo largo de la secuencia de los cinco temas precedentes, una vez que la catarsis se terminó. Posiblemente, una mirada hacia la mirada misma una vez que ésta puede ser un objeto más definido para la reflexión final. 

Toda esta fue la experiencia de “Contraires”, un manifiesto de la continua creatividad de ARS DE ER que, en este momento particular de su reciente producción fonográfica, decidió inspirarse en las muchas luchas de contrarios que se dan en la vida humana. Un disco totalmente recomendable en cualquier colección progresiva con especial afinidad por las áreas más aventureras del género.

 
 
Muestras de “Contraires”.-
Nostalgie: https://ars-de-er.bandcamp.com/track/nostalgie
Réalité Ou Cauchemar: https://ars-de-er.bandcamp.com/track/r-alit-ou-cauchemar

Novedosa normalidad del excelente trío TRIFECTA

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión tenemos el enorme agrado de presentar “The New Normal”, el nuevo trabajo fonográfico del excelente súper-trío británico-estadounidense TRIFECTA, conformado por Nick Beggs [bajos con y sin trastes, Chapman Stick, guitarra, teclados, didyeridú, programaciones y canto], Adam Holzman [pianos acústico y eléctrico Korg SV-1, órgano Hammond XM2, sintetizadores Minimoog Voyager, Moog DFAM, Korg Karma, Memotron y Modal Electronics Argon, moduladores y efectos] y Craig Blundell [batería, recursos electrónicos y programaciones]. El disco fue publicado el pasado 12 de abril por rl sello Kscope, tanto en CD como en doble vinilo (formatos negro y blanco). Este colectivo nos brinda una nueva expresión de su ecléctica normalidad: jazz-fusion, prog, psicodelia y jazz-rock amalgamas en una serie de composiciones no muy extensas donde reinan la convergencia y el sentido de aventura. Los ilustres Alex Lifeson y Theo Travis aparecen en un tema cada uno, a la guitarra y el saxofón, respectivamente. La autoría de todos los temas y la responsabilidad por la producción del disco corren por cuenta del trío, mientras que Holzman se hizo cargo de la mezcla de los 19 temas aquí contenidos. Las sesiones de grabación se dieron en varios lugares de Inglaterra y Nueva York. La masterización fue realizada por Andy VanDette. Bueno, repasemos el copioso repertorio de “The New Normal”.

 

Durando poco más de 2 ½ minutos, ‘Beck And Call’ abre el álbum con autoridad, logrando gestar y sustentar un vigor llamativo sin imponer una garra desaforada. Es básicamente un ejercicio de retrotraimiento al patrón de RETURN TO FOREVER bajo la guía de los cautivadores solos de sintetizador. En menos de un minuto, ‘Dot Are You Wooing?’ exhibe un ejercicio de fluctuaciones delicadas a lo free jazz, lo cual anuncia la emergencia de ‘Stroboscopic Fennel’, una pieza cuyo enfoque sónico está centrado en un manejo cibernético del lenguaje del jazz-rock. El pseudo-rap de Beggs se siente un tanto Zappiano mientras la labor grupal se dedica a reforzar la consistencia del groove creado para la ocasión, lo cual posibilita la capitalización del vigor orgánico de una instrumentación predonimantemente electrónica. ‘Just Feel It Karen’ es el simpático título del cuarto tema del disco, el cual despliega una vivaz muestra de modernismo propio del nu-jazz en una grácil confluencia entre las bases relajadas del piano y el órgano, por un lado, y los ornamentos sintetizados que emergen en pasajes estratégicos, por el otro. Mientras tanto, Blundell exorciza su Colaiuta interior con excelsa prestancia. ‘Sibling Rivalry’ comienza con una rabieta teatral de Beggs que emula la rivalidad entre dos hermanos sobre quién toca mejor el didyeridú. Tras una nota bastante extensa de tan peculiar instrumento aborigen australiano, se abre paso un jam nu-jazzero a medio tiempo donde las cadencias surrealistamente ceremoniosas permiten al mencionado instrumento elaborar texturas junto a las creadas por los sintetizadores y las percusiones electrónicas. El tema termina con la alusión a la destreza al tocar el Chapman Stick que perpetúa la rivalidad. ‘Ornamental Lettuce’ es otro ejercicio de fineza jazz-progresiva sobre un tempo inusual que permite a la banda explorar, en simultáneo, los paradigmas de ELP y de RETURN TO FOREVER. ‘Daddy Long Legs’ es la pieza más larga del repertorio con su espacio de poco menos de  4 ¼ minutos; se apoya sobre un groove cadencioso que algo tiene de sensual bajo su grisácea atmósfera al modo de un híbrido entre WEATHER REPORT y NIACIN. El saxo de Travis añade un espectro interesante a la paleta sonora diseñada para la ocasión. 

 

‘What Are You Doing?’ es otra miniatura en clave de free jazz con otro diálogo actuado de Beggs, el cual concluye con una mención a... KAJAGOOGOO. Sí, ese mismo grupo donde el buen Nick tuvo su momento de estrellato en la new wave de la primera mitad de los 80. Se abre así la puerta a ‘Stupid Pop Song’, una pieza de talante popero, que no estúpida: su llamativo dinamismo ostenta unos aires burlones que, una vez más, se nos antojan un tanto Zappianos. El elemento de fusión latina está asegurado por la fluida agilidad de la dupla rítmica, mientras los suaves falsetes de Beggs y los solos de sintetizador aportan una amena y humorística frivolidad al asunto. ‘Crime Spree’ (¡Qué contraste con el título de la pieza anterior!) es un regreso claro y directo al jazz-rock serio con una base centrada en un swing tremendamente sofisticado mientras los teclados y el bajo se hermanan en una estrategia de llenado de espacios tan contundente como elegante. Una pieza así no hubiera desentonado en cualquiera de los mejores discos de WEATHER REPORT de la segunda mitad de los 70. ‘Bach Stabber’ y ‘Kleptocrat’ duran poco más de 2 minutos y poco más de 2 ½ minutos, respectivamente. El primero de estos temas mencionados apunta a acentos Canterburyanos al estilo de los SOFT MACHINE de nuestros días cuando se explaya en una secuencia armónica con una aristocrática serenidad que muestra, con calculada reserva, su brillo inherente. Bajo la dirección de las escalas del magistral Holzman, el trío íntegro encuentra pronto su eje para hacer tornar el motif central. En cuanto al segundo, se trata de un regreso sistemático al esquema temático y el swing de ‘Crime Spree’, pero con una espiritualidad un poco más calmada, que no menos suntuosa. Gran secuencia de estos tres temas. ‘Once Around The Sun With You’ manifiesta un recurso de lirismo al modo de una balada progresiva en 3/4 que se deja ornamentar por sobrias florituras del piano. ¿Cómo sonaría una semi-balada de STEVEN WILSON de ser transportada en una máquina del tiempo a los estudios de ensayo y grabación del primer disco de GENESIS como trío? Escuchar atentamente esta evocadora canción (donde Lifeson toca las guitarras) nos brinda la respuesta a esta pregunta contrafáctica. ‘Chinese Fire Drill’ es, en lo esencial, una celebración de la extroversión y la luminosidad en clave jazz-progresiva, expandiéndose en su propio fulgor hasta que llega el momento del epílogo, donde todo se vuelve instantáneamente melancólico. Un epílogo muy bello, dicho sea de paso. 

 
‘Ouch! My OCD’ es una tercera miniatura humorística con enunciaciones teatrales de Beggs donde el grupo realiza un ejercicio de abstracciones modernistas (incluyendo efectos de llamadas de celular y anuncios de mensajes virtuales). El sonido de un teléfono de vieja usanza da inicio a ‘Wake Up Call’, una pieza de talante jazz-funky cuyo sencillo cuerpo central adquiere recursos de sofisticación gracias a la instauración de un swing complejo y los virtuosos solos de diversos teclados. Mención especial para el último solo de sintetizador, una maravilla en sí misma. El antipenúltimo tema del repertorio ostenta el cuasi-Zappiano título de ‘Wacky Tobaccy’ y su línea de trabajo parece inspirada en sus discos de 1972-73, pero con ese toque extra a lo WEATHER REPORT que ya hemos advertido en varias piezas precedentes. Otra estupenda secuencia de dos temas excelentes. La dupla de ‘Canary In A Five And Dime’ y ‘On The Spectrum’ se encarga de cerrar el disco, y lo hace sintetizando grooves y ambientes que se hicieron presentes en varios de los temas precedentes. ‘Canary In A Five And Dime’ regresa al área del nu-jazz con un talante progresivo que tira hacia lo contemplativo. El cautivador centro melódico se beneficia del sereno canto de Beggs en esta canción que, hasta cierto punto, se emparenta con la línea de trabajo de su proyecto THE MUTE GODS. En fin, ‘On The Spectrum’ se explaya a través de un clima de contemplativa placidez bajo la guía de unas hermosas frases de piano; el compás de 5/4 es manejado por Blundell con suficiente boato mientras el bajo asegura la ingeniería rítmica y un flotante sintetizador gesta mágicos ornamentos etéreos. Éstos llegan a impulsar un mesurado aumento de la densidad expresiva en algún momento del último tercio, lo cual capitaliza los colores de este bello paisaje sonoro. Un muy efectivo cierre para un repertorio tan abundante. A fin de cuentas, siendo ésta la experiencia de la novedosa normalidad del excelente trío TRIFECTA que se nos brinda para esta primera mitad del año 2023, sólo nos queda concluir que “The New Normal” es un disco entretenido y pletórico de creatividad musical. Recomendable al 300% (un % por cada integrante).

 
 
Muestras de “The New Normal”.-
Beck And Call: https://kscopemusic.bandcamp.com/track/beck-and-call 

Strobascopic Fennel: https://www.youtube.com/watch?v=DdRq_cpYGjs

Daddy Long Legs: https://kscopemusic.bandcamp.com/track/daddy-long-legs
Chinese Fire Drill: https://www.youtube.com/watch?v=pz3yPKyKHuI

Wacky Tobacky: https://www.youtube.com/watch?v=QNRAh_ecnA4

On The Spectrum: https://www.youtube.com/watch?v=cLcS4wlUn7Y 

Los legendarios URIAH HEEP y el colorido de su orden vigente

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy hacemos una pequeña caminata dentro del mundo de los legendarios URIAH HEEP, quienes publicaron el 27 de enero del pasado año 2023, por vía del sello Silver Lining Music, su disco “Chaos & Colour”. Se trata del vigesimoséptimo trabajo de estudio de su trayectoria. La publicación se hizo tanto en CD como en vinilo (negro y lima transparente). La vigente alineación de Bernie Shaw [voz principal], Mick Box [guitarras y coros], Phil Lanzon [teclados y coros], Dave Rimmer [bajo y coros] y Russel Gilbrook [batería y percusión] hizo un buen trabajo aquí a la hora de reactivar los recursos de garra rockera, meticulosidad melódica y grandilocuencia de prestancia heavy-progresiva que ha marcado a su esencia histórica desde aquellos ya lejanos fines de los 60. Muchas es la agua que corrió bajo el puente y muchos han sido los que han integrado la membrecía de URIAH HEEP desde aquel año 1970 en que se gestó el álbum debut “Very ‘Eavy, Very ‘Umble...”, y la trilogía de “Look At Yourself”, “Demons And Wizards” y “The Magician’s Birthday” forjada entre los años 1971 y 1972 queda establecida como la hora cúspide de la banda. Tras las sucesivas muertes de Lee Kerslake, John Lawton, Trevor Bolder y Ken Hensley en diversos años del nuevo milenio, el único sobreviviente de todas las fases gloriosas por las que pasó el colectivo de URIAH HEEP a lo largo de los 70 es el guitarrista Box, siendo así que Shaw y Lanzon ya son veteranos personajes de la banda por derecho propio desde fines de la también lejana década de los 80. Lo que se nos brinda en “Chaos & Colour” es una firme continuación del enfoque concretado en los dos discos precedentes “Outsider” (2014) y “Living The Dream” (2018), teniendo como punto de referencia a “Sea Of Light” (1995), un auténtico disco de resurreción. Para ser más concretos, tenemos aquí rock potente y meticulosamente melódico que obedece, en proporciones iguales, a sus coqueteos progresivos de la fase 1970-73 y a las inquietudes frontalmente heavy que se instauraron en su canon de los 80. También, cómo no, están los roles del canto principal y los arreglos corales que tienen tanta relevancia como los aportes instrumentales a la hora de apuntalar el espíritu expresivo de cada canción. El material aquí contenido fue grabado en los Chapel Studios de Lincolnshire, Reino Unido, para luego ser mezclado en The Recording Studio West de Sherman Oaks, California (EE.UU.) La masterización estuvo en manos de Paul Logus mientras que la producción fue realizada por Jay Ruston. Repasemos ahora el repertorio mismo del disco.

 

Los primeros 3 ½ minutos del album están ocupados por ‘Save Me Tonight’, un tema con bastante poderío y con un gancho convincentemente aguerrido. Ostentando orgullosamente sus devaneos neoclásicos, la canción permite a la banda dejarse llevar por su preciosista músculo. La dupla de ‘Silver Sunlight’ y ‘Hail The Sunrise’ sigue a continuación para seguir elaborando sonoridades típicas de la tradición de URIAH HEEP. El primero de estos temas mencionados sigue de cerca las pautas de estilizado nervio rockero de la canción de apertura, aunque esta vez se advierte una mayor dosis de refinamiento en la ingeniería rítmica. Se da una prestancia extra cuando entra a tallar el explosivo solo de guitarra. El segundo de ellos cuenta con un mayor protagonismo de los teclados, un factor que insufla recursos cuasi-barrocos a este nuevo ejercicio de hard rock melódico. El desarrollo temático se asienta ceremoniosamente sobre un medio tiempo que es manejado con una pomposa garra muy útil para abrir campo al gancho esencial de la pieza. ‘Age Of Changes’ retoma la grandeza guerrera de la primera canción y le brinda una renovadora sofisticación: el pequeño prólogo de teclado es intrigante, abriendo paso a un cuerpo central donde los diálogos entre la guitarra y el órgano son eficazmente suntuosos. Mientras tanto, la labor del dúo rítmico gesta un groove bastante contundente y los arreglos vocales obedecen fielmente a la tradición de la banda. ‘Hurricane’ es todavía más marchosa, sucediendo a la ilación de las canciones #2-#4 con un despliegue de metódica explosividad. Hard rock frontal que exhibe sus galones  de oro veterano en clara afinidad con DEEP PURPLE. ‘One Nation, One Sun’ dura poco más de 7 ½ minutos y se hace notar como una balada pacifista cuya ceremoniosa espiritualidad es bien manejada por el recurrente vigor grupal. El dueto inicial de piano y voz porta un tenor contemplativo con una dosis adecuada de dramatismo, algo que ayuda bastante al realce del fulgor heavy-progresivo que habrá de sustentar el inminente esquema melódico del núcleo temático. Las capas y bases armónicas de los teclados impulsan la solemnidad palaciega de esta hermosa y conmovedora canción. 

 
‘Golden Light’ regresa a la elocuente fortaleza del hard rock clásico con matices progresivos que esta banda convirtió en su propia voz en aquella inolvidable fase 1970-73... y que también salió a relucir en los mejores momentos de la fase con John Lawton. Es como una capitalización del esplendor de las canciones #2 y #3, concretando un nuevo cénit para el disco. Explayándose por un espacio de casi 8 minutos, ‘You’ll Never Be Alone’ juega con variantes temáticas y cambios de ritmo en un resoluto retorno a las ambiciones progresivas, a la vez que va perpetuando la incendiaria exquisitez concretada en la canción precedente. El cuerpo central se mueve sobre un medio tiempo articulado con elegantes juegos de síncopas; la sección intermedia impulsa una explosión de distinguida pesadez donde el órgano establece un duelo triunfante sobre los guitarreos, un anticipo del delineamiento del venidero epílogo. Un culmen más de un disco que mantiene un excitante nivel de vigor rockero. ‘Fly Like An Eagle’ regresa al hard rock melódico e introduce un cautivador solo de sintetizador en el intermedio instrumental. Cierra el repertorio oficial de “Chaos & Colour” su tema más largo, el cual se llama ‘Freedom To Be Free’ y tiene una duración de poco menos de 8 ¼ minutos. Su esquema compositivo y sus consiguientes arreglos se estructuran con una robustez consistente y, a la vez, maleable a las variantes de groove que arma la batería a lo largo del camino: la más convincente confluencia entre los tiempos de “Look At Yourself” y “The Magician’s Birthday”. Los parajes instrumentales brillan con un exquisito brío, especialmente, un rotundo intercambio que abre paso al lucimiento del filudo bajo en medio del electrizante entramado en curso. Hay un garbo muy especial en la función que cumplen estos viajes instrumentales dentro de la arquitectura íntegra de la canción, lo cual ayuda bastante a reforzar la expresividad de las secciones cantadas, funcionando todo con una incendiaria integralidad. ‘Closer To Your Dreams’ es un bonus track en la versión deluxe del CD: se trata de una canción muy terrenal con un punche hermanado con el de la primera canción del disco, y, de paso, también con ese inmortal hit de 1972 llamado ‘Easy Livin’’. Otro bonus track es la versión en maqueta de la primera canción, donde canta Jeff Scott Soto: él es el coautor junto al bajista Rimmer, por lo que podemos apreciar el testimonio de este germen, ya signado por una identidad bien definida.

 

Toda esta fue la experiencia de “Chaos & Colour”, disco que nos muestra a unos URIAH HEEP muy entusiastas y lejos de estar agotados en creatividad musical. Se recomienda en cualquier buena fonoteca de rock de todos los tiempos, más allá de la nostalgia, como una entidad valiosa por sus propios méritos.

 
Muestras de “Chaos & Colour”.-
Silver Sunlight: https://www.youtube.com/watch?v=J7Ok9jHEBoo
Hail The Sunrise: https://www.youtube.com/watch?v=IGZeM9yLgt0  

One Nation, One Sun: https://www.youtube.com/watch?v=Wn_0hWc5hOQ

Golden Light: https://www.youtube.com/watch?v=kdDZXLGrzb0   

You’ll Never Be Alone: https://www.youtube.com/watch?v=yzmfK29ct90  

 

AGUSA: unión de rock progresivo y film noir

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy pasamos revista a la más reciente publicación fonográfica del excelente grupo sueco AGUSA, la misma que une el mundo musical del rock progresivo y el mundo cinematográfico del film noir. El nuevo disco de este quinteto conformado por Mikael Ödesjö [guitarras], Nicolas Difonis [batería, percusión y voz], Jenny Puertas [flautas y voz], Simon Ström [bajo] y Román Andrén [teclados] se titula “Noir” y fue publicado el pasado 10 de mayo, tanto en CD como en vinilo, por el sello Kommun 2. Roman Andrén fungió como productor, mientras que Sebastián Acosta Moreno estuvo a cargo de la masterización. La música aquí contenida es la banda sonora de la película de estilo film noir Malmö Noir, dirigida por AUGUSTIN SJÖBERG.* La historia de cómo llegó esta asociación fílmico-musical a concretarse es muy curiosa. Resulta que el guitarrista de la banda trabaja como cartero y un día, durante la pandemia, se topó con un colega de trabajo que estaba en el proceso de realizar la susodicha película. En base a la propuesta de que la gente de AGUSA hiciera la banda sonora, el grupo se sintió inspirado y llegó a componer la pieza ‘Uppenbarelser’, que formó parte del álbum “En annan värld” (2021), cuando el baterista-percusionista Tim Wallander todavía era parte del grupo. El proyecto se quedó estancado por un rato tras la partida de Wallander, pero en el año 2023, contando con Nicolas Difonis, volvió la inspiración creativa junto a la energía inherente a la misma. De alguna manera, AGUSA, como grupo, había passado por tiempos oscuros mientras el mundo se abatía a su alrededor con epidemias y guerras, pero esto tuvo, como lado positivo, la creación de atmósferas idóneas para “Noir”, las cuales son esporádicamente realzadas con la inclusión de algunos parlamentos. Veamos ahora los detalles del repertorio.

Durando poco más de 2 ½ minutos, ‘Tunnelseende’ abre el repertorio con un grandilocuente despliegue de vibraciones psicodelias que coquetean abiertamente con el stoner. Su señorial vitalismo hace gala de una flamante densidad que se va intensificando con el correr de los segundos. De esta manera, ‘Skottet I Parken’ se abre paso para prolongar esta línea de trabajo con añadidos toques de acid folk. Tras una primera sección guiada por la flauta en consonancia con las bases percusivas, el ensamble retoma ese nervio que conformó el núcleo central de la pieza de apertura. Cuando llega el turno de ‘Ljusglimtar’, el quinteto da un convincente giro hacia la placidez de lo sinfónico con una grácil confluencia entre los GENESIS de 1970, el BO HANSSON de 1972 y los RAGNARÖK de 1976. Los dos últimos temas de esta tríada inicial conforman un primer cénit de la banda sonora. Con la dupla de ‘Den Försvunne Brevbäraren’ y ‘Skånsk Rapsodi Nr:1’, el colectivo de AGUSA sigue abriéndose paso en esta aventura musical. El primero de estos temas apela a la psicodelia contemplativa cuya fuerza contenida se adapta muy bien a las delicadas cadencias de corte fusionesco que se arman desde la batería. Los elegantes fraseos de la guitarra llevan sobre sus espaldas el impacto del encanto inherente al motif central, el cual, en sus instancias finales, es transportado al área del jazz. En cuanto a ‘Skånsk Rapsodi Nr:1’, se trata de una miniatura de 107 segundos que completa el lirismo introspectivo que signó a la pieza precedente: hay una inspiración directa en la Rapsodia Húngara del maestro FRANZ LISZT. ‘Vind För Våg’ decide virar hacia un nuevo registro: el del así llamado krautrock. La banda utiliza recursos de ASH RA TEMPEL y TANGERINE DREAM para crear un paisaje sonoro frontalmente lisérgico cuya patente musculatura se centra más en lo punzante que en lo aguerrido. La precisa amalgama de bajo y batería permite que la ingeniería pulsátil armada para la ocasión se revele con una contundente soltura. ‘Svart På Vitt’ dice mucho en su espacio de poco más de 2 minutos y cuarto. Se trata de un ejercicio de rock progresivo con elementos folklóricos que se complace en dejarse llevar por su frenético compás, proveyendo una sensación de falsa alegría para un núcleo temático que es, en realidad, urgente y tenebroso.

‘Stad I Mörker’ se sitúa en la arena opuesta de la psique humana al evocar, en sus momentos iniciales. una aureola de relajada introspección. Ya con la instauración de una emporada interacción grupal, los sucesivos solos de órgano y flauta, en conjunto con la suntuosa labor de la batería, se genera un clímax expresivo en una exquisita clave jazz-progresiva, eso sí, preservando la espiritualidad melancólica efectiva desde el primer instante. Otro cénit del álbum. ‘Emporia’ abre señorialmente la segunda mitad del repertorio por vía de una sesuda exploración de los índices líricos de la pieza precedente, esta vez en clave de un ceremonioso prog-folk con un fuerte componente lisérgico. He aquí una fusión entre lo ensoñador y lo inquietante, una cruza entre JADE WARRIOR y GOBLIN que, gracias a sus coqueteos con los TANGERINE DREAM de 1977-79, funciona muy bien a la hora de alimentar su aura fantástica con un vitalismo grisáceo. ‘Pusselbitar’ se enfila a paso firme a través de un ambiente ensoñador con amplios indicios tenebrosos. La calidez propia de la flauta no oculta el air de latente amenaza que se manifiesta en el sutil desarrollo temático. ‘Kalkbrottets Hemlighet’ ahonda aún más en las vibraciones grisáceas, creando una auténtica tensión en base a las deconstrucciones de la guitarra, aunque en la última sección entran a tallar unos matices bucólicos. Éstos justamente preparan el camino para el arribo de ‘Bön För Öresund’, una propulsión suntuosa de las atmósferas ahora predominantes con penetrantes aires exóticos. Las dos miniaturas que siguen a continuación, durando 56 y 73 segundos, respectivamente, son ‘Upp I Rök’ y ‘Skånsk Rapsodi Nr:2’. Aquélla establece un epílogo para ‘Bön För Öresund’, mientras que aquélla abre un hermoso y envolvente prólogo para la última pieza del álbum. Ésta es ‘Stad I Mörker (Repris)’ y su misión consiste en permitir a la idea básica del ‘Stad I Mörker’ original adquirir una dosis extra de majestuosidad al tornarse más parsimoniosa. Es en este contexto que la potencial musculatura del núcleo temático, además de tornarse más densa, asume una aureola místicamente lóbrega. Las líneas de bajo empujan eficazmente a la soltura de la guitarra durante el cuerpo central de esta magnificencia sonora. Gran final para el disco, sin duda. 

Todo esto fue “Noir”, una nueva joya en la corona de AGUSA, banda monarca dentro del reino de la música progresiva sueca de nuestros tiempos. Sin duda, este disco supone otro momento alto de calidad creativa y fuerza expresiva para un grupo que tiene por costumbre hacer disco muy bordados. ¡¡Totalmente recomendable!!

Muestras de “Noir”.-
Skottet I Parken: https://agusaband.bandcamp.com/track/skottet-i-parken
Den Försvunne Brevbäraren: https://agusaband.bandcamp.com/track/den-f-rsvunne-brevb-raren
Emporia: https://agusaband.bandcamp.com/track/emporia
Bön För Öresund: https://agusaband.bandcamp.com/track/b-n-f-r-resund
Stad I Mörker (Repris): https://agusaband.bandcamp.com/track/stad-i-m-rker-repris

* Hay información más detallada sobre esta película en el enlace https://www.imdb.com/title/tt22888822/

El tarot progresivo de MAGICK BROTHER & MYSTIC SISTER

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión hablaremos del más reciente trabajo de larga duración de la banda española MAGICK BROTHER & MYSTIC SISTER, el cual se titula “Tarot, Part 1” y fue publicado el pasado 29 de marzo. Ya por el título se ve que es un disco conceptual sobre las cartas del Tarot y que vendrán más discos con esta base conceptual en el futuro próximo; como sea, mientras tanto, este disco se defiende solo y amenaza con erigirse como una de las obras más notables dentro de la producción progresiva española del año 2024. Su edición se hizo en CD y en vinilo (opciones de color negro, rojo y blanco con manchas rojas). El núcleo triangular de Eva Muntada [piano, sintetizadores, órgano, mellotrón y voz], Xavi Sandoval [bajo, guitarras, mandolina, sitar y voz] y Alejandro Carmona [batería] recibe las colaboraciones Tony Jagwar al sitar, Didac Ruiz a las percusiones, Maya Fernández a la flauta y Glenn Brigman al canto, además de Maddy Gray y Dominic O’Dair en algunas recitaciones. Las sesiones de grabación de este disco tuvieron lugar durante el periodo de distanciamiento social sistemático. Veamos ahora los detalles de su repertorio. 

Todo se inicia con ‘The Fool’, que es el tema más extenso del álbum con sus casi 5 ¾ minutos de duración. Tras unas iniciales capas cósmicas, surge un jam jazz-rockero con claros tintes espaciales, el mismo que nos remite al STEVE HILLAGE de 1976-77 con unos toques extra del paradigma del jazz-fusion estadounidense de los 70. Los flotantes retazos de la guitarra y el firmemente exuberante posicionamiento de la dupla rítmica concatenan al unísono los hilos del telar sónico en curso. Estupendo inicio de álbum tras el cual sigue ‘The Wizard’, una pieza que sigue una senda más exuberante y serena que la anterior, lo cual obliga al ensamble a explorar su faceta más ensoñadora. Ahora lo que suena parece una cruza entre los PINK FLOYD de 1971 y los legendarios YATHA SIDDHRA, siendo así que la batería y los ornamentos percusivos se encargan de dibujar un perfil sutil para el desarrollo temático. Teniendo en cuenta su atractivo, tal vez habría valido la pena extender un poco más este segundo tema del álbum, pero es que llega el turno de la dupla de ‘The Hight Priestess’ y ‘The Empress’ para que impulse la expansión de la paleta sonora del grupo. El primero de estos temas mencionados le da un envolvente y etéreo giro folk-rockero a la explanada espacial donde el ensamble parece querer quedarse por más tiempo. En cuanto a ‘The Empress’, se trata de una combinación de la languidez señorial del tema #2 y la magia evocadora del tema #3, siendo así que las texturas aportadas por la flauta (de mellotrón) ayudan a resaltar las delicadas líneas de la guitarra. Las sigilosas florituras del piano logran añadir matices majestuosos al sonido colectivo. ‘The Emperor’ se mete de lleno dentro del área jazz-progresivo de es que usualmente se denomina Canterbury: pensemos en un hermanamiento entre los SOFT MACHINE del segundo álbum, los CARAVAN del tercero y los GONG de 1973-74 para hacernos una clara idea de lo que tiene lugar en este tema. También se puede advertir alguna conexión con los italianos HOMUNCULUS RES. ‘The Hierophant’ comienza con unos poderosos fraseos de sitar; no es el primer tema donde aparece este instrumento, pero sí hace notar su presencia tanto en el breve pasaje prologar como en el transcurso del ágil jam que emerge para asentar el cuerpo central de la pieza.
 

  

‘The Lover’ es una composición mística y crepuscular que se emparenta parcialmente con GOBLIN aunque todavía preserva su conexión con la tradición space-rockera, acomodándose en un lugar intermedio entre la faceta acústica de HAWKWIND y el garbo más plácido de un HILLAGE o unos AMON DÜÜL II. Cuando llega el turno de ‘The Chariot’, el grupo vuelve a explorar el encanto del swing jazz-rockero en clave Canterburyana con un razonable sentido de la agilidad. El gancho y la agilidad se muestran por sí solas mientras la banda enfatiza continuamente los bien perfilados índices del jam en curso. ‘The Justice’ sigue por una senda muy similar aunque con un ímpetu menos intenso, aprovechando esta circunstancia para explorar grooves más sueltos sobre el asidero de un compás inusual. La misma vitalidad de la pieza precedente pero con un enfoque más aristocrático. La dupla de ‘The Hermit’ y ‘The Wheel Of Fortune’ ocupa los últimos 7 ½ minutos del repertorio. El primero de estos temas mencionados se inmersa en un coqueteo con el minimalismo en clave psicodélica que se siente muy cercana a la faceta introspectiva de los ASH RA TEMPEL del primer álbum y las vibraciones cósmicas de los TANGERINE DREAM del segundo. En cuanto a ‘The Wheel Of Fortune’, se trata de una exploración en el acid-folk con proyecciones space-rockeras sobre un compás de vals circense. Permanecen varias huellas de la introversión sistemática de ‘The Hermit’, pero aquí opera un preciosismo progresivo que, al entrar a tallar la batería, añade vestigios jazzeros al asunto. El lirismo inherente a la canción conquista un crescendo hechicero por vía de un encantamiento evanescente; el hecho de que el fade-out esté guiado por una solitaria batería tras la disolución de las últimas capas de sintetizador aluden a una persistencia del hechizo. Todo esto fue “Tarot, Part 1”, un disco cautivador y mágico de unos MAGICK BROTHER & MYSTIC SISTER que se hallan en estado de gracia renovadora para su visión retro-progresiva. Hay que esperar más entregas de esta misión conceptual que el grupo decidió acometer, pero, por lo pronto, nos consta que el disco de ahora es muy recomendable para cualquier buena fonoteca de rock artístico. 
 
 
Muestras de “Tarot, Part 1”.-
The Fool: https://magicbrothermysticsister.bandcamp.com/track/the-fool
The Empress: https://magicbrothermysticsister.bandcamp.com/track/the-empress
The Hierophant: https://magicbrothermysticsister.bandcamp.com/track/the-hierophant-2 

The Justice: https://magicbrothermysticsister.bandcamp.com/track/the-justice

The Wheel Of Fortune: https://magicbrothermysticsister.bandcamp.com/track/the-wheel-of-fortune

Luces, sombras y algo más desde el taller musical del maestro JASON BLAKE

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

En esta ocasión, repasamos lo que ha venido haciendo el músico estadounidense JASON BLAKE, magistral ejecutante de la Warr Guitar y curtido compositor de música progresiva y avant-metalera, en estos años 2023 y 2024. Su visión ecléctica de la música contemporánea no sólo informa con una creatividad particular a los discos de música progresiva que hace, sino también a los trabajos prog-metaleros del grupo AZIOLA CRY que él lidera. También hay en su agenda espacio para hacer discos solistas con la única presencia de su Warr Guitar, y justamente ése es el caso de “Radiant Dusk”, disco que data del 20 de octubre del pasado año 2023 (sólo 7 meses después de “Subsequent Ruins”). El disco que hoy comentamos en primer lugar está insertado en la línea de trabajo del ambient con añadidos elementos del discurso fusionesco en su dimensión más flotante, algo así como lo que encontramos en los pasajes más introspectivos de los discos de Guillermo Cides, Tony Levin o Trey Gunn. El material contenido en “Radiant Dusk” fue mezclado y masterizado por Amery Schmeiser en el estudio Gravel Road Recording. 

Los seis primeros minutos y pico del disco están ocupados por la dupla de ‘An Aversion To Fervor’ y ‘Without A Murmur’. El tema de apertura se centra en escalas graves que apuntan hacia la gestación y perpetuación de atmósferas solemnes, todo ello gracias a las tonalidades graves elegidas para la ocasión. Dicha solemnidad es manejada con un vigoro empuje que manifiesta una imponente majestuosidad. En lo que respecta a ‘Without A Murmur’, se trata de algo totalmente distinto, un ejercicio de calmada introspección que se explaya en un lirismo gentil y cándido. Aunque todavía hay vitalidad aquí, ésta es la de una actitud de reflexión contemplativa que se deja arropar por la agradable atmósfera que fluye en el exterior. El tercer tema del repertorio es ‘Misplaced Moments’ y es también el más largo del mismo con sus poco más de 5 minutos de duración. Su misión principal es la de situarse en un lugar intermedio entre la suntuosidad arquitectónica del primer tema y el lirismo del segundo, pero mientras hace eso, también instaura un contorno sonoro señorial que refleja una soltura comedida desde la que se impulsa una espiritualidad netamente progresiva. La precisión con la que se van elaborando los virajes del esquema temático revela una ingeniosa estrategia de acordonamiento del motif creado para la ocasión. ‘Radiant Dusk’ sigue una senda semejante a la del tema precedente, pero con una suntuosidad un poco menor, lo cual se aprovecha para gestar algunas cadencias jazzeadas a la arquitectura musical del momento. ‘A Perverse Rumination’ sí se mete de lleno en una conexión con la estrategia creativa expresada en la pieza de apertura, esta vez, con una espiritualidad más luminosa. ‘What May Ensue’ regresa de lleno al lirismo directo, plasmando aires nostálgicos a través de una ingeniería sonora moderadamente suntuosa. Con un arreglo grupal distinto, la refinada belleza del esquema melódico de esta pieza la hubiese llevado a ser una notable composición de FOCUS o HAPPY THE MAN... pero es BLAKE con su Warr Guitar. Por su parte, ‘Trivial Colloquy’ refleja aires de alegría bajo el mismo patrón de lirismo directo. Usando un groove bluesero como base para las escalas de fondo, los elegantes y sobrios fraseos que emergen a lo largo del camino enriquecen eficazmente. ‘Seemingly Quixotic’ permite a BLAKE experimentar con cadencias y colores aflamencados que van flotando durante su sección prologar a través de una aureola jazz-fusionesca. Una vez asentado el cuerpo central, el núcleo temático se apoya sobre un croquis más definido mientras apela a un enfoque más sobrio para el ahondamiento en los aires exóticos del momento. El pasaje final es categórico y mágico en el modo en que los fraseos conclusivos hacen sentir su urgencia. 

Cuando llega el turno de ‘An Errant Pawn’, se regresa de lleno al área introvertida de la visión musical de BLAKE, incluso apelando a un tenor noctámbulo que nos lleva a los terrenos más crepusculares del álbum. A mitad de camino, las cosas se agitan un poco como si señalaran el ímpetu de un pensamiento nuevo, una nueva inquietud que abandona el quietismo para proyectarse hacia alguna presteza futura. ‘At Last Resolve’ trae consigo el cierre del álbum y lo hace con aires clasicistas que ya hemos apreciado en los parajes más serenos de varias piezas precedentes. Hay un equilibrio entre el distanciamiento contemplativo y la calidez emocional en la espiritualidad emanada de su esquema temático. En conclusión, es un gran disco que refleja una visión serena dentro de la vanguardia estadounidense del momento. Pero esto no es todo. En los dos meses sucesivos a la publicación del susodicho disco, BLAKE publicó dos EP respectivamente titulados “Slightly Different Paths” y “Slightly Quixotic”, los cuales contienen composiciones que datan de las sesiones preparatorias de “Radiant Dusk”. El primero de ellos contiene grabaciones hechas por BLAKE y el baterista Amery Schmeisser, mientras que el segundo es perpetrado por el trío de BLAKE, Schmeisser y Cristina Rivas, estando estos últimos a cargo de las percusiones.  Por supuesto, el primero de estos EP mencionados tiene un mayor ímpetu rockero, el mismo que se sitúa en un territorio intermedio entre el paradigma de los STICK MEN y el estándar del post-rock: la pieza homónima y la nueva versión de ‘An Aversion To Fervor’ gestan caminos de abierta vivacidad con un porte distinguido, mientras que la nuva versión de ‘An Errant Pawn’ se enfila hacia una actitud versátilmente progresiva. También hay en “Slightly Different Paths” una nueva versión de ‘Radiant Dusk’ (y dos temas más del disco arriba reseñado); con la presencia de la batería, se da en ‘Radiant Dusk’ una musculatura más rotunda, situada en un pulcro balance entre el prog de línea Crimsoniana y el jazz-rock. En lo referente a “Slightly Quixotic”, se trata de una exploración en el área jazz-fusionesca con aires aflamencados, siempre en su persistente matraz progresivo. La pieza homónima reaparece en el inicio de este repertorio de cuatro piezas con una luminosidad incrementada gracias a las puntuaciones percusivas que entran a tallar con su peculiar agilidad. Otra pieza que destacamos es ‘Plastic Towns’, la última, pues su encanto melódico se explaya fluidamente sobre los intensos juegos sincopados marcados por la base de la Warr Guitar al unísono con las percusiones. Dicho sea de paso, existe una edición física que congrega a “Radiant Dusk” y “Slightly Different Paths” en un doble CD.

  

Pero hay más. El pasado 5 de abril se lanzó al mercado un EP a dúo de JASON BLAKE con el cellista RAPHAEL WEINROTH-BROWNE, el cual se titula “Candles Burn”. No siendo un álbum solista, como se ve, es una auténtica continuación del enfoque creativo plasmado en “Radiant Dusk” al cual se añade texturas de la cámara contemporánea. Lo que pasa es que BLAKE, tras publicar los dos EP mencionados más arriba, empezó a componer los primeros temas para un siguiente disco de rock progresivo (con el mismísimo Marco Minnemann en mente para fungir como ilustre compinche a la batería), pero se percató de que sus tres primeras composiciones funcionaban muy bien desde sus diagramas iniciales. Cambiando de óptica, decidió dejar para después ese próximo álbum de rock progresivo y decidió reincidir en el esquema de trabajo tirado hacia el ambient de ese otro álbum de octubre del pasado año 2023. WEINROTH-BROWNE es un músico amigo de BLAKE y aceptó la propuesta de éste para aportar su labor de cellista a tres composiciones que integran este EP. Las partes de cello fueron grabads en Ottawa, en el propio estudio doméstico de WEINROTH-BROWNE. Amery Schmeisser volvió a hacerse cargo de las labores de mezcla, pero la masterización estuvo esta vez en manos de Andy VanDette. El primer tema de “Candles Burn” se titula ‘Dredged Memories’ y es una delicada excursión a través de oscilaciones Crimsonianas donde el cello encuentra espacios para desarrollar ornamentos melódicos cautivadores que nos trasladan a los dos primeros discos de esa trilogía de 1973-74. El epílogo nos sorprende al irrumpir con trazos de etérea densidad que nos remiten, aunque sea levemente, al paradigma de UNIVERS ZERO. El segundo tema, que se llama ‘Riff And Reckoning’, es mucho más reposado, portador de un flotante lirismo que se sitúa en un área meditabunda y melancólica. En fin, ‘Leaving Only Embers’ cierra el EP, mostrándose como una pieza ágil y extrovertida que hace valer su claroscura majestuosidad. Todo esto es lo que ha surgido de la siempre inquieta mente del maestro estadounidense JASON BLAKE en estos dos últimos años: creando un camino desde “Radiant Dusk” hasta “Candles Burn”, ha instaurado unos puntos de referencia muy solventes para la vanguardia estadounidense con algunos intermedios de rock progresivo. Expresiones de luz y juegos de sombras. Por lo demás, sólo nos queda agiardar a la gestación de ese nuevo disco de rock progresivo que continúa en la agenda del futuro próximo de JASON BLAKE, así que mantengámonos atentos a sus futuras producciones mientras disfrutamos de estos cautivadores registros fonográficos de 2023 y 2024.  

Muestras de “Radiant Dusk”.-

An Aversion To Fervor: https://jasonblake.bandcamp.com/track/an-aversion-to-fervor

Misplaced Moments: https://jasonblake.bandcamp.com/track/misplaced-moments

What May Ensue: https://jasonblake.bandcamp.com/track/what-may-ensue

Seemingly Quixotic: https://jasonblake.bandcamp.com/track/seemingly-quixotic

Muestra de “Candles Burn”.-

Dredged Memories: https://jasonblake7d.bandcamp.com/track/dredged-memories

La reactivación de la mente progresiva de los finlandeses VIIMA

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

 
Hoy tenemos una muy interesante novedad proveniente de la escena progresiva escandinava, más exactamente, de Finlandia: se trata del nuevo trabajo fonográfico del grupo VIIMA, fundado a fines del milenio pasado (bajo el nombre de LOST SPECTACLES) y radicado en la localidad de Turku. El disco que ahora reseñamos se titula “V​ä​istyy Mielen Yö” (Se Fue La Noche De La Mente, en español) y fue publicado por vía independiente en el primer día del presente año 2024; se trata del tercer álbum del grupo y se caracteriza por poner más énfasis que los dos precedentes (“Ajatuksia Maailman Laidalta” y “Kahden Kuun Sirpit”, de los años 2006 y 2009, respectivamente) en el factor folk-progresivo con miras a explorar con cierta acuciosidad climas serenos dentro de entramados melódicos bien perfilados. De todas maneras, este colectivo preserva lealmente su enfoque de combinaciones entre colores prog-folk y suntuosidades prog-sinfónicas con ocasionales toques de heavy prog en pasajes climáticos bien calculados. Tras el largo periodo de hibernación que siguió al más arriba mencionado segundo álbum, el personal de VIIMA está actualmente conformado por Risto Pahlama [primera voz, teclados y mellotrón], Hannu Hiltula [flauta, teclados y coros], Aapo Honkanen [bajo], Mikko Uusi-Oukari [guitarras y mellotrón] y Mikko Väärälä [batería, percusión, teclados y coros]. Para este álbum, les apoya ocasionalmente Kimmo Lähteenmäki a los teclados (en el primer tema) y la flauta (en el último): el asunto con este señor es que fue integrante del grupo durante la época de los dos nuevos discos, pero ahora es tan sólo un ocasional colaborador. “V​ä​istyy Mielen Yö” existe en formatos de CD y vinilo: repasemos ahora la secuencia de los temas en él contenidos. 

 

‘Tyttö Trapetsilla’ abre el repertorio de “V​ä​istyy Mielen Yö” con una calidez prístina y ágil que se mueve fluidamente a través de los pasajes más impetuosos y los más contenidos, logrando gestar una cruza entre los patrones respectivos de los JETHRO TULL de 1977-678 y los RAGNARÖK del primer álbum con toques añadidos de los CAMEL de 1975. Esta pieza es una de las muchas que describen con matemática precisión de qué va eso del rock folk-progresivo. Luego sigue la monumental maratón de más de 18 ¾ minutos de duración que porta el título de ‘Äiti Maan Lapset’, una composición ostensiblemente creada para destacarse de manera especial en el repertorio. El vigor rockero se hace presente desde el mismo punto de arranque, el cual pronto abre paso a un clima solemne y sereno arropado por una atmósfera mesuradamente crepuscular que siempre se da maña para abrir ciertos espacios a recursos de grácil expresividad. De esta manera, los diversos motivos temáticos se van sucediendo bajo diversos niveles de fulgor musical, siendo así que los teclados ocupan un razonable protagonismo dentro del entramado sonoro general. Se dejan sentir las influencias de GENESIS, BO HANSSON, YES y los KAIPA originarios a lo largo de esa grandilocuente sucesión de pasajes, además de algunas confluencias con bandas contemporáneas como AGUSA y JORDSJØ. En el último tercio, el ensamble se eleva a un escalón superior de musculatura para permitir la emergencia de un intenso solo de guitarra mientras las orquestaciones y bases armónicas de los teclados se van reforzando. En fin, la sección epilogar se enfoca en los aspectos más introspectivos que han estado operando anteriormente, haciendo que el encanto intimista de la despedida suene como una gentil puesta de sol. ‘Pitkät Jäähyväiset’ tiene la difícil misión de suceder a la maratón, pero ello no va en desmedro de nuestra capacidad de apreciación de su bien logrado armazón melódico, el cual comienza centrándose en una sedosa ceremoniosidad contemplativa y luego vira hacia un jam dinámico cuyo talante aguerrido añade matices psicodélicos al esquema progresivo en curso. Para el epílogo, el grupo retorna a la sección inicial. Vuelven de lleno esas conexiones estilísticas con RAGNARÖK y AGUSA, además de los también legendarios ELK. 

 

Cuando llega el turno de ‘Perhonen’ (mariposa en español, que es justamente el animal que se destaca en la portada del álbum), la banda explora su faceta más ensimismada al proyectar un extenso enclave cósmico-sinfónico basado en flotantes capas orquestales de teclados. ya cuando el ensamble íntegro entra a tallar, se instala a paso firme un motif en 5/4 que suena a una cruza entre KAIPA y NOVALIS bajo el ropaje de una aureola fulgurosa no exenta de cierto aire de misterio. Los matices de guitarra que surgen poco antes de llegar a la frontera del quinto minuto sirven inicialmente para complementar las capas de mellotrón, pero al poco rato revelan su rol impulsador de un cautivador solo que se sitúa a medio camino entre lo Cameliano y lo Floydiano. Cuando el piano asume acto seguido el rol protagónico, lo hace para guitar el terreno melódico de la sección conclusiva. Si la maratón que describimos más arriba instauraba un cénit decisivo del álbum, ‘Perhonen’ reflejó el ambiente que rodea a dicho cénit con suma elegancia, erigiéndose como otro punto culminante del disco por derecho propio. ‘Vuoren Rauha’ es la pieza que clausura el álbum y lo hace en clave de balada prog-sinfónico-folklórica que produce una mágica cruza entre los mundos de RENAISSANCE y GENESIS. La solemnidad del momento, que prácticamente se impone con la misma naturalidad que lo hace la nebulosidad grisácea de un atardecer de otoño, es manejada con cristalino refinamiento por la banda. Ésta añade una prestancia eficaz al desarrollo temático cuando la armonización de piano y mellotrón crea espacios para la irrupción de un delicado solo de órgano, el cual se explaya cómodamente hasta el fade-out. El soliloquio de la coda aporta un señorío teatral extra al asunto mientras se van atenuando los efectos de viento. Todo esto fue lo que el colectivo finlandés de VIIMA nos brindó con “V​ä​istyy Mielen Yö”, un disco bastante sugerente dentro de la producción progresiva escandinava del vigente año 2024.

 
 
Muestras de “V​ä​istyy Mielen Yö”.-
Aiti Maan Lapset: https://viima.bandcamp.com/track/iti-maan-lapset
Perhonen: https://viima.bandcamp.com/track/perhonen
 

El sortilegio prog-psicodélico de los rusos SHAJJM

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy presentamos el disco que el grupo ruso SHAJJM (Шаййм en la grafía rusa) publicó en el mes de marzo del pasado año 2023, el cual se titula “Р​а​д​о​с​т​н​ы​е Д​​н​и”. Llega un poco tarde esta reseña, es verdad, El grupo está conformado por Nikita Chernat [guitarras, voz y sintetizadores], Ilya Borodin [bateria], Roman Konlev [bajo, contrabajo y coros] y Nikita Bobrov [flauta, sintetizador, efectos y coros]. La línea de trabajo de SHAJJM se sitúa valiente y creativamente en una cruza entre sinfonismo, space-rock, psicodelia pesada de tendencia stoner y prog-folk: esta estrategia permite a la banda jugar con diversos colores y variados niveles de intensidad expresiva en sus composiciones. El título del disco significa días gozosos en español; se trata del segundo de SHAJJM tras “С​о​н Да Hе C​о​н”, que data de abril del año 2020. Nikita Onisenko fue el encargado de la ingeniería de sonido para las sesiones de grabación de este nuevo trabajo, mientras que la labor de mezcla se repartió entre Mikhail Kurochkin y Eugeniy Minevskiy. El primero de ellos hizo la masterización final. En cuanto al arte gráfica, ésta corrió a cargo de Chernat y Sergey Makarov. Bueno, repasemos ahora el repertorio de “Р​а​д​о​с​т​н​ы​е Д​​н​и” para dejarnos llevar por su magia progresiva.

 
El repertorio de “Радостные Д​ни” comienza con ‘Р​а​д​ы’, una pieza cuyo ceremonioso prólogo emana un destello majestuoso, pero es cuando la batería arma un swing en 6/8 que se genera un foco nuclear solvente para la vibrante luminosidad que se tiene planificada para la ocasión. El despliegue de energía rockera es patente a través de los grooves a medio tiempo creados por la dupla rítmica, siendo así que las intervenciones de la flauta sirven como un contrapunto de cristalina delicadeza. Es en la sección epilogar que la ingeniería sonora asciende a un clímax contundentemente explosivo. Lo que suena aquí se sitúa en un terreno intermedio entre los ANEKDOTEN de la fase 1999-2003 y MOTORPSYCHO, añadiéndose algunos matices stoner en el proceso. A continuación, llega el turno de ’40-40’, cuya misión consiste en realizar un abordaje más focalizado de la garra expresada en la pieza precedente, aunque todavía opera una incandescencia poderosa que se apoya por igual en los riffs de la guitarra y los filudos golpes de la batería. Hay un pasaje relajado donde la flauta tiene la oportunidad de lucir su lirismo pastoral, lo cual gesta un oportuno recurso de variedad al desarrollo temático. El tercer tema del disco es el más largo del mismo con sus casi 14 minutos de duración: ‘Р​е​м​е​с​л​о’ es su nombre. Desde el punto de arranque, con el esquema armónico reiterado de la guitarra, las cosas se alistan para que el ensamble íntegro trabaje con compases inusuales para unas ambiciosas expansiones temáticas marcadas por una electrizante mezcla de musculatura y densidad. Los niveles de dramatismo expresivo van variando según se van sucediendo diversos grooves, siendo predominantes los más agresivos. En varios momentos, el sonido grupal se mete de lleno en el área del prog-metal, aunque sin perder nunca la brújula prog-psicodélica que es tan esencial para el grupo; otros momentos están signados por un space-rock en clave machacona. ‘П​о​с​т’ da un viraje significativo hacia climas ensoñadores penetrados por unas texturas etéreas, las mismas que irradian una nebulosidad cósmica que, de a pocos, va ganando en solidez mientras preserva su sustancialidad nebulosa. La banda coquetea abiertamente con el paradigma del post-rock mientras le da un giro distinto a su propia suntuosidad, un giro claroscuro. 
 
‘Д​р​у​г’ es otra pieza maratónica con su espacio de poco más de 10 minutos. El cuerpo central de esta pieza se sostiene consistentemente sobre un esquema rítmico sofisticadamente pletórico que se mueve en una cruza entre el math-rock y el jazz-rock, siendo así que algunos parajes acusan patentemente la recepción de modismos Crimsonianos con un viraje de densidad que se siente muy actual. Ya en la segunda mitad, tras un intermedio de talante sereno, el grupo da rienda suelta a su esencial musculatura y eso supone que hay que dar un giro más macizo al esquema rítmico. Es aquí que se advierten notablemente los aires de familia con el tema #3. Tras el apagamiento de este cénit definitivo del disco que fue toda una señorial tormenta progresiva, llega el turno de ‘Р​а​д​о​C​т​н​ы​е Д​н​и’, el tema que está a cargo de cerrar el álbum. Su núcleo central es el propio de una balada progresiva que se sitúa en el paradigma de PORCUPINE TREE a través del filtro de MOGWAI: el sencillo lirismo de la canción irradia una melancolía misteriosa mientras las atmósferas van más allá de la misión de envolver al esquema melódico haciéndose presentes en las mismas entrañas de éste. Así las cosas, la canción llega a un epílogo bastante exultante que reemplaza lo melancólico por lo jovial, un tránsito manejado con perfecta fluidez y una muy pulifa conexión entre los instrumentos presentes. Todo esto fue “Радостные Д​ни”, un más que interesante trabajo fonográfico que nos llega desde Rusia por obra y gracia del ensamble SHAJJM, al cual hemos descubierto hace poco y que, desde ya, recomendamos como objeto de exploración melómana de parte de cualquier amante del rock progresivo y otras hierbas eclécticas.
 
 
Muestras de “Радостные Д​ни”.-
40-40: https://shajjm.bandcamp.com/track/40-40 

Ремесло: https://shajjm.bandcamp.com/track/--7
Друг: https://shajjm.bandcamp.com/track/--9