MAR DE ROBLES

HOLA A TODOS LOS AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Me permito hablar en esta ocasión sobre el quinteto chileno MAR DE ROBLES, uno de los nombres más notables de la actualidad en la esfera progresiva de sensibilidad étnica.

MAR DE ROBLES es una de las bandas más notables surgidas dentro de la escena progresiva chilena actual. Su estilo se funda en una rica y pulcra amalgama entre la agresividad rockera crimsonianamente demencial y las finas y sensuales texturas del jazz fusión y el folklore acústico (herencia de ERGO SUM y CONGRESO en su faceta más muscular), a veces mostrando sus mutuos contrastes, pero mayormente combinándolos de una manera energética y solvente. La destreza y la naturalidad con que pasan de los registros potentes a otros más cadenciosos son sencillamente increíbles, amén de sumamente efectivos a la hora de realzar la fuerza expresiva de los temas. Es una marca registrada le hacer buen uso de su compleja red rítmica a través del aprovechamiento de los derroches de calor y solvencia técnica a cargo del barrista, el percusionista y el bajista. Por su parte, los músicos respectivamente a cargo de las guitarras y los vientos manejan con excelsa frescura las melodías y armonías que conforman los núcleos de las composiciones.

Para el disco debut “MdR” (2003), MAR DE ROBLES cuenta con la formación de Christian Larrondo (bajo y coros), Ignacio Larrondo (percusión), Rodrigo Moris (guitarras y coros), Víctor Muñoz (batería) y Julio Tobar (saxo, flauta y voz). El pasaje introductorio del disco exhibe samplers de diversas secuencias informativas sobre los acontecimientos bélicos que tuvieron lugar en el Asia Central en años recientes. Esto da pie a la explosión inicial de ‘Involución’, que a golpe de potencia engancha al oyente de inmediato, pero es recién a partir de ‘Nómades’ donde el estilo variopinto de MAR DE ROBLES se muestra más claramente. El nivel de “MdR” es bastante sólido y parejo, pero puestos a elegir favoritos personales, me quedo con ‘Nómades’, ‘Tantic’, ‘Milodón’ (pura intensidad al 100 %) y ‘Aire Chileno’ (la cantata humanista con que concluye este número es emotivamente contagiante), pues en mi opinión, éstos ejemplifican con insuperable brillantez las multicolores virtudes musicales de MAR DE ROBLES.

El grupo se tomó su tiempo para ir gestando nuevo material, el mismo que finalmente se concretó en “Indígena” (2007). Yo me mantengo convencido hasta ahora de que se trata del mejor trabajo progresivo latinoamericano de ese año: el sonido de MAR DE ROBLES se muestra más filudo y con un nivel de afiatamiento más compacto que nunca. La presencia del Stick a cargo del bajista Christian Larrondo en un par de temas es de gran ayuda para la inclusión de vigorosos matices nuevos, los mismos que ayudan a completar más raudamente las ideas principales de guitarra. Este disco tiene una modificación respecto a la formación que grabó “MdR” – el nuevo baterista es Jesús Parada. La verdad que el predominante color oscuro de la portada hace juego con el despliegue de neurótica polenta que atraviesa a la notable mayoría de ideas musicales del repertorio; por su parte, los motivos floridos ancestrales que parecen flotar sobre lo negro se hacen eco de las florituras magistralmente ejecutadas por el ensamble a través de las llamativas cadencias fusionescas, riffs bien armados, esquemas rítmicos complejos, explosivos cambios de ritmos y ambientes. Vamos, que “Indígena” es una joya progresiva de alto nivel que da indicios de amplia vitalidad y férreas esperanzas de gran futuro para el género. ‘Chúcaro’ abre el disco de manera contundente, estableciendo una pauta central de corte psicodélico hard con tintes crimsonianos, algo así como una cruza entre ERGO SUM y GORDIAN KNOT. El filo agresivo de la pieza se enriquece con matices sucesivos de fusión y funk-rock que emergen con las variantes que surgen en el desarrollo: ocho minutos y pico bien aprovechados en un despliegue de potencia musical inteligentemente suministrada. El tercer tema, titulado ‘Perimontu’, sigue un sendero menos explícito, lo cual motiva el manejo de contrastes más marcados entre ambientes en un sistema de tensión interna bastante interesante desde el punto de vista progresivo: el contrapeso de las líneas de flauta y los acordes de guitarra generan una magia sofisticada muy peculiar, realzada por los ornamentos de bajo y las percusiones añadidas. Si ‘Chúcaro’ fue la entrada perfecta, esta pieza se convierte en un afianzamiento del camino que aún queda por recorrer al repertorio restante. ‘Rancagua Nocturno’ tiene una vibración extremadamente ágil, no exenta de fuerza y espíritu vanguardista, tal como lo demuestran las secciones más nítidamente pesadas (y a la vez, tribales) que cortan con el colorido candoroso de los primeros minutos. El nervio y la solvencia utilizados para el manejo de elementos fusionescos casi se pueden palpar a través del aire – el elemento onírico que atraviesa a la última sección hasta su hipnótico fade-out es digno de una mención especial.


Junto con ‘Chúcaro’, esta pieza es todo un emblema del actual sonido de MAR DE ROBLES. ‘Ubuntu’ cierra el disco con un apego más definido hacia compases telúricos, abriendo campo para que la sección rítmica adquiera una especial relevancia en varios momentos climáticos cruciales, amenazando con robar la escena a los contundentes efluvios guitarreros o a las mágicas florituras de saxo y flauta. Como pasa con muchas piezas de este repertorio, 'Ubuntu' concluye de porrazo, causando un efectivo dramatismo conclusivo. Espero que los comentarios de estas cuatro piezas específicas sirvan para dar una buena idea sobre el brillo sonoro vertido en la totalidad de “Indígena”.

Ahora el grupo está ad portas de celebrar su 10mo. aniversario. Aquí transcribo el anuncio de su concierto especial de aniversario, el cual tendrá lugar en Santiago.

“El Quinteto Rancagüino MAR DE ROBLES se prepara para celebrar sus 10 años de trayectoria musical, recopilando para sus amigos y seguidores una historia que nació a comienzo del año 1998, cuyos primeros pasos se debieron a una inmensidad de energía sustentada sobre una sólida hermandad, que logró transformar a la música en un estilo de vida y que poco a poco los fue envolviendo en un mar de creatividad. Fue así como a comienzos del año 2000, el ambiente musical de la vanguardia nacional comenzó a escuchar de una particular banda proveniente de la Región de O'Higgins con un estilo que propone un rico y pulcro contraste entre la agresividad rockera crimsonianamente demencial por un lado, y las finas y sensuales texturas del jazz fusión y el folklore acústico, por el otro. Con estos antecedentes se inician los primeros pasos de un largo camino, que les ha permitido estampar su rubrica en importantes escenarios nacionales e internacionales, logrando grandes elogios en renombrados festivales internacionales de Rock Progresivo como el de Baja-Prog en Mexicali, México.

La invitación queda extendida a todos los amantes de la música nacional para acompañar este Sábado 25 de Octubre desde las 21:00 hrs. en la sala SCD de Bellavista, a una banda que promete hacernos disfrutar de un show audio-visual que recorrerá gran parte de su trabajo musical más nuevas composiciones no incluidas en su discografía, invitándonos a llegar con los sentidos sensibles a un estilo de rock rico en variedades rítmicas y armónicas, enmarcados en conceptos líricos y visuales que rescatan nuestras tradiciones y pretenden aportar a la diversidad cultural en el escenario de la música chilena.

Las entradas ya se encuentran disponibles por el sistema FeriaTicket en las tiendas adheridas y en http://www.feriaticket.cl

Mayor Info en: http://www.marderobles.cl/
Facebook: http://www.facebook.com/group.php?gid=12639163173
Myspace: http://www.myspace.com/marderobles

Coordenadas:
Sábado 25 de Octubre
21:00 Horas
Sala SCD Bellavista
Santa Filomena 110, Barrio Bellavista, Santiago - Chile
Valor: 2.500”


Desde este blog felicitamos a quienes tengan oportunidad para disfrutar de este concierto, el cual seguramente será un pretexto para el despliegue de una de las mejores músicas progresivas del presente.

Mahogany Frog - La respuesta Canadiense a The Mars Volta?

El Sabado pasado tuve la oportunidad de presenciar (y conversar brevemente con los musicos, como describo mas abajo) en los estudios Orion de Baltimore un performance en vivo de la eclectica banda Canadiense Mahogany Frog, la nueva (y espontanea) adquisicion del sello MoonJune. Esta vez una buena cantidad de progheads y criticos llenaban el auditorio, lo cual debe haber dejado muy contentos a los cuatro jovenes provenientes de las congeladas pampas de Winnipeg. Debo decir despues del concierto que hay mas razones para estar contentos, siendo que los presentes hemos quedado extasiados con la intensidad del asalto sonoro, la magia y la originalidad de esta banda.

El ahora cuarteto fue fundado en 1998 por los amigos Graham Epp y Jesse Warkentin, y tienen en su haber cinco albumes. Como su titulo sugiere, “Do 5” [2008] es su quinto trabajo. El tercero fue “Mahogany Frog Vs. Mabus” [2004], un ensamble de cinco rolas experimentales de alta calidad compositiva, para el que esto escribe su trabajo mas progresivo a la fecha. Le siguio “Mahogany Frog on Blue”, donde prefirieron trabajar rolas mas cortas, mas rapidas, y mas enfocadas. “Do 5” esta a medio camino de los otros dos. Antes les habia precedido su primer album “Mahogany Frog Plays the Blues” [2002], y su segundo, un album en vivo llamado "The Living Sounds of Mahogany Frog” en el 2003.

Como apuntan en su pagina de MySpace, la musica de Mahogany es una fusion energetica de un buen numero de generos: psicodelia, electronica, rock progresivo, jazz, space rock, lounge de los 60s al estilo del rey del “Space Age Pop” Juan Esquivel, y futurismo experimental. El resultado es una musica instrumental que parece venir de un universo progresivo paralelo, familiar pero ligeramente bizarra, a un tiempo progresivamente extravagante y melodica que explosiva y ambiciosa, que combina magicamente una pared de sonido neo-psicodelico con teclados quineticamente progresivos y excelentes melodias de estirpe clasico, salpicandola de toques de trompeta jazzeantes y mucha electronica.

Tanto Graham como Jesse tocan tanto la guitarra como los teclados (moog, Korg, Farfisa), y saltan de un lado a otro del escenario para cambiar instrumentos, demostrando que llevan años de sinergia y coordinacion. El bajista (y segunda trompeta junto con Graham) es Scott Ellenberger y esta vez reemplazando a JP. Perron, estaba el baterista y graduado en matematicas Andy Rudolph, quien ya habia colaborado con ellos en “On Blue” y quien añade sonidos electronicos muy a la Tangerine Dream desde su suspendida laptop.

En esta ocasion, para empezar nos ofrecieron “Boatalone (we’re not sailing in this”), una estupenda rola de “Vs Mabus” de mas de 13 minutos de duracion que mezcla en partes iguales psicodelia, bossa nova y polirritmos progresivos, y enseguida varias rolas de “On Blue”, incluyendo “Sanchez says, And Soon the Aces will Ensue”, “Ux41”, “Zulumatic” y “Canadian Youths”, asi como buena parte de su reciente album “DO5”. Adicionalmente, segun me confeso Jesse en un intermedio, un par de nuevas rolas. De primera impresion es notable que el grupo pase de un estilo musica a otro sin mayor parpadeo, con muy buena quimica entre todos los integrantes, quienes rien entre si de vez en vez, cada uno demostrando un sofisticado conocimiento de sus intrumentos.

Siguieron con la larga rola "T-Tigers & Toasters" es un interjuego de suaves texturas clasicamente progresivas a cargo del sintetizador y del piano de Graham Epp, que en el climax explotan gracias a un intenso feedback de la guitarra de Jesse, conjugandose con rafagas de la urgente bateria de Andy Rudolph (en la foto de abajo, con Jesse), para luego gradualmente regresar a territorios llenos de la sensibilidad jazzistica de Scott y los patrones progresivos de Epp.

Creo que muchos en la audiencia pudimos apreciar el especial enfasis melodico que pone Mahogany Frog en sus arreglos. Aun cuando la musica puede sonar por instantes ruidosa o caotica al estilo de por ejemplo el grupo japones Green Milk From the Planet Orange, la musica de Mahogany Frog no se pierde en un callejon sin salida, sino que siempre recupera su base melodica.  Al terminar “Zulumatic”, una rola psicodelica, los musicos nos ofrecieron embelesados una sui-generis interpretacion del tema de Dave Brubeck “Blue Rondo alla Turca”, que llevaron al borde del paroxismo y que Graham remato con los alucinantes ritmos del Farfisa, un ya olvidado organo otrora usado por los Doors y los Beach Boys entre otros.

Las trompetas de Epp y Ellenberger son la clave melodica en la pieza "Last Stand At Fisher Farm", que Warkentin complementa apasionadamente con lineas progresivas del Farfisa para hacia un climax de brillante intensidad. La bataca urgente de Rudolph y un bajo distorsionante de Ellenberger dan entrada a los teclados progresivos de "You're Meshugah!", que en un principio parecieron sonar tetricamente oscuros, como salidos de una pelicula musicalizada por Goblin, pero al final sonaron tan divertidos como una feria de Domingo.

Asi se fueron sucediendo varias piezas, unas mas psicodelicas, unas mas jazzeantes y otras mas progresivas que las otras, siempre comandadas por melodias salidas de los teclados progresivos, la amplificada guitarra y los ritmos en colusion permanente, creando una pared de sonido semejante al estilo Marsvoltiano.

Al finalizar el concierto, los musicos entraron en la contertulia a charlar y disfrutar de los bocadillos. Graham me comento cuando un dia, muy nerviosos, le habian hablado por telefono a Leonardo Pavkovic, dueño de MoonJune Records, para preguntarle si ya habia podido escuchar sus grabaciones de muestra, y este les contesto que en efecto, y que queria de inmediato convertirse en su sello distribuidor. Asi nomas. Graham cuenta que hasta la fecha, aun no han tenido ocasion de conocer a Leonardo, quien siempre anda viajando y repartiendo tours por todo el planeta. Andy por su parte, me relato que aunque disfruta del gran ambiente cultural que se vive en Winnipeg, anhela un dia dejar la gelida tierra de Manitoba para irse de paseo por Sudamerica (su novia es Paraguaya). Jesse por su parte no paraba de mostrar los dos vinilos coloreados a la concurrencia, notando que el LP de "On Blue" esta teñido de azul, mientras que el de "DO5" esta psicodelicamente coloreado en tonos verde-apastelados.

Mahogany Frog esta haciendo, como sus congeneres de El Paso, Texas, musica tremendamente ambiciosa, intensa e innovadora, musica que nos lleva un viaje de transformacion y ruptura con habitos musicales establecidos, capturando el verdadero espiritu libertario y radicalmente explosivo de la musica progresiva. Simplemente fascinante.

En el primer video la banda interpreta la rola titulada "Lady Xoc and Shield Jaguar" del nuevo album DO5.



El segundo video Mahogany Frog interpreta dos piezas: "You Are Mashugga" y "We Are Not Your Sugar", tambien del album DO5.

El 4th de DFA (Duty Free Area)

Con su album “4th”, sin lugar a dudas hasta ahora mi disco preferido del año, DFA me demuestra que es una de las mejores bandas de fusion progresiva del planeta. A diferencia de sus anteriores trabajos, cuya fusion lindaba con una psicodelia space rock estilo Gong, esta vez el cuarteto italiano regresa con una fusion con influencias del Canterbury de Hatfield and The North, enarbolando un apabullante dominio compositivo, denotada calidez y una libertad de estilos en los arreglos que les permite saltar las barreras usualmente restrictivas de este tipo de musica. Aunque DFA llego a la escena progresiva con la fuerza de un ciclon memorable en los 90s, sus fans tuvimos que conformarnos con un reducido numero de albums, 2 de estudio y uno en vivo (“Work in Progress/Lavori In Corso” - MoonJune, 2001, grabacion en vivo en el NEARFest 2000). DFA es una banda clave en el repertorio de la casa MoonJune (junto con Mahogany Frog y The Wrong Object), conducida como ya mencionamos aqui por el dinamico Leonardo Pavkovic, enfocado en recuperar el espacio ocupado anteriormente por lumbreras como Soft Machine, Steve Hillage, Caravan, y Gong.


Con composiciones de la mas alta complejidad y contagiante intensidad, cambios de ritmo y de tiempo y texturas musicales tonales y atonales dinamicamente intercaladas, un patron de transiciones sorprendentes que sin embargo se mantienen hilvanadas tematicamente en perfecta coherencia estilistica y melodica, asi como un impresionante repertorio de ideas progresivas, demuestran que los musicos de DFA son artistas serios y profundamente involucrados con el genero.

La rola que abre el album “Baltasaurus” empieza en tono minimalista y lentamente va creando el suspenso de una pelicula de David Lynch y luego gradualmente aumentando la tension hasta armar un frenetico conglomerado intrumental con el Hammond, la flauta y el sintetizador de grandes alcances (casi 15 minutos) e inusitada intensidad, que recuerdan a Tomohiro Ueno de la banda japonesa Pochakaite Malko. El equilibrio entre los instrumentos es simplemente impresionante.



La tercera rola “Vietato Generalizzare” demuestra la calidad composicional de la banda, combinando arreglos en contrapunto de magistral complejidad que recuerdan a un energico ELP con momentos psico-espaciales suaves que les conocemos de su disco en vivo “Lavori In Corso”.

La pieza “Mosoq Runa” es una epica verdaderamente monumental, y que a pesar de su nombre no tiene similitud con la musica andina, inicia con una suave melodia al piano Steinway de Bonomi que podria pasar por un solo de Keith Jarrett, para luego transformarse de un delicioso jazz canterburiano que a partir del quinto minuto derrapa cual locomotora jazz-fusionante de impresionante cadencia y fuerza en la pieza mas progresiva y espiritualmente enaltecedora de todo el album. DFA menciona en su album que esta apoyando a “Mosoq Runa” (en quechua “Nueva Gente”), una casa hospicio en Urubamba, (a 50 km de Cuzco, Peru) a educar a los niños de la comunidad, a quienes dedica este album.

Debemos resaltar las contribuciones de Zoltan Szabo al chelo, asi como Maria Vicentini en la viola y el violin de en los casi diecinueve minutos de “Mosoq Runa" y los seis de “La ballata the S'isposa 'e Mannorri”, quienes proponen una atmosfera clasica con una calidez raramente encontrada en un segmento de jazz-rock.

Mencion especial merece mi favorita “The Mirror”, una composicion de gran envergadura, que recorre una variedad de planicies jazzisticas que desencadenan en un intensisimo climax lidereado primero por la guitarra holdsworthiana de Silvio Minella y luego por el jazzeante bajo de Luca Baldassari mientras son acompaniados por los coros de Andhira y las percusiones de marimba y bongoes del lider de la banda Alberto De Grandis, en una fusionante composicion donde la guitarra y el fabuloso Hammond interpretado por Alberto Bonomi conducen el hilo melodico del torrente ritmico durante al menos 10 memorables minutos.


“La ballata de S’isposa ‘e Mannorri” es una cancion escrita para tres voces y coros femeninos y piano, un lamento proveniente de la isla de Cerdeña que recuerda una batalla real que culmino con la total desaparicion de ese pueblo. Consta de una serie de arreglos al teclado orquestrados con un giro clasico y que son acompaniados por las voces polifonicas de Andhira, un trio de vocalistas de excelente coloratura que cierran de manera deliciosa este trabajo.

En sintesis, para oir “4th” hay que prepararse para un roller coaster de virtuosidad progresiva en imparable vertiente de imaginativa concatenacion del idioma fusionante ya clasico de Hatfield and the North y National Health, la complejidad de King Crimson, y la vitalidad italiana de por ejemplo un Deus ex Machina o un Accordo Dei Contrari, simplemente magistral.

(todas las fotos cortesia del sitio de DFA)

DEFÓRMICA, progresivo argentino de gran factura

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Uno de mis descubrimientos argentinos más excitantes de los últimos años ha sido DEFÓRMICA, un quinteto instrumental cuya propuesta musical consiste en un rock experimental denso, ejecutado con mucho nervio, expandido en viajes sonoros que se benefician de arreglos consistentes. Ya he hablado de ellos en otro blogspot, pero viene bien reiterar mis impresiones aquí también. Su disco “H” - editado en 2006 por Viajero Inmóvil - es un catálogo de excelentes piezas cuya perturbadora magia surge de la ágil confluencia de las siguientes influencias principales: crimonismo de las dos etapas con Adrian Belew, post-rock (en su faceta más aguerrida como por ejemplo KAYO DOT), math-rock (a lo DON CABALLERO), el ANEKDOTEN de “From Within”. La presencia de varias cadencias emparentadas con el jazz-rock e la sección rítmica ayuda crucialmente a capitalizar la polenta inherente a las ideas musicales. La dupla guitarrera establece constantes juegos de coordinación para complementarse - en vez de desafiarse - en sus riffs y armonías, pero claro está, también hay lugar para solos bien armados en los cuales el lucimiento individual cuenta con un espacio razonablemente medido. En fin, la labor del teclista (quien, entre otras cosas, rescata con ahínco los sonidos del piano eléctrico y del órgano Hammond) ayuda a llenar espacios, introducir motivos, complementar la densidad general creada por sus compañeros, aumentar el aura de inquietud surrealista con sus capas y adornos. DEFÓRMICA es un ensamble en el sentido más literal de la palabra: es el bloque el que más se luce en lo que se refiere a la eficacia para crear y desarrollar ideas musicales a la vez complejas y controladas.


‘Final’, el tema de apertura titulado así de irónicamente, es una breve secuencia de arpegios duales de guitarras sostenida de manera tan mecánica y vibrante por la dupla rítmica y ornamentada con teclados sutilmente potentes era un apropiado aviso del vendaval de misterio y energía que se me venía encima. Luego sigue ‘Nuevo V’, un pico del disco cuya vena aguerrida viene marcada por las guitarras en su sólido manejo de texturas: el baterista demuestra un gran pulso a la hora de manejar los cambios dramáticos de ambiente. Otro pico artístico es el siguiente tema, ‘Mecafónica’, el cual se revela más tormentoso y complejo que el anterior, con pasajes diversos que transitan esquizofrénicamente entre lo neurótico, lo cortante y lo pulsacional. ‘Arañitas’ y ‘Acalambrase’ ofrecen una menor dosis de oscuridad pero siguen sosteniendo el nivel homogéneo de dinamismo en el repertorio del disco – estas dos piezas que acabo de nombrar conjugan muy bien el delirio arquetípico de KING CRIMSON y las atmósferas misteriosas del post-rock (como siempre, en su faceta más potente), mostrando a DEFÓRMICA en una actitud más compacta y menos deconstructiva. ‘Marionetas’ ostenta una ambientación juguetona que no contradice la naturaleza neurótica del motivo inicial; por el contrario, esta agilidad juguetona permita a los guitarreos explayarse coquetamente sobre los pasajes agresivos (muy a lo math-rock) y los más reposados, con los cuales concluye el tema. ‘Marionetas’ contiene lo que tal vez sea la performance más impresionante de la dupla rítmica. El espíritu de ‘Hidralia’ me recuerda al de ‘Nuevo V’, particularmente por su majestuoso manejo de la polenta psicodélica que emerge constantemente.

Hay interludios entre tema y tema (aunque más parecen ideas adicionales que cierran el tema precedente). Por ejemplo, hay un interludio que consiste en una serie de efectos surrealistas de golpes aleatorios de cuerdas de guitarra slide, mientras que otros interludios se basan en una bucólica sonata de guitarra clásica o un solo de batería muy a lo Canterbury. ‘Sofisma’, el tema de cierre, es un caso peculiar, pues consiste en un motivo lánguido principal que solo dura 2 ½ minutos, el cual es seguido por un lapso silencioso y por un jam surreal y sutilmente opresivo a lo SIGUR ROS – se supone que este jam es el epílogo, si es que debemos seguir aplicando la lógica de los interludios que tuvo lugar con todos los temas precedentes.

La h es una letra estandarizadamente muda, pero esto no vale para esta “H”, la cual tiene una expresividad muy explícita en tanto manifiesto de una manera de hacer música progresiva experimental en nuestros días. DEFÓRMICA es un nombre a ser anotado en un lugar preferente de las agendas de los melómanos progresivos que gustan de un buen despliegue de garra en el género. La banda sigue activa, y de hecho ya está con mucho material preparado para su próxima producción fonográfica, pero mientras tanto, todavía podemos disfrutar de "H" una y otra vez.

Aquí me despido hasta otro momento – seguimos en contacto.

Los Dioses del YouTube: Cesar Huesca y Gustavo Guerra

En YouTube he visto muchos amateurs, muchos aprendices de musica queriendo tocar la guitarra como lo hacen sus idolos, pero casi siempre solo se quedan en lo que realmente son: aficionados. Por otro lado, hace unos pocos dias vimos como Michael Phelps y Usain Bolt destrozaron records historicos que parecian imposibles de romper, y lo lograron con una facilidad casi sobrenatural. Acaso las nuevas generaciones son "geneticamente" mejores que sus antecesoras?

Hace unos dias navegando por YouTube detecte a un par de chicos latinos demostrando sus habilidades con la guitarra, ambos en aparente competencia el uno con el otro. Lo primero que me impresiono de este par de jovenes fue que no solo tocaban la guitarra espectacularmente sino que impactantemente lo hacian a la altura de los mejores guitarristas: Satriani, Via, Petrucci, Malmsteen, Gilbert, etc. Ademas de brillar tecnicamente, tocan la guitarra con mucho sentimiento, y si uno escucha atentamente, logran capturar casi perfectamente el tono del artista original, para lo cual se necesita tener un tremendo oido musical.

El primero de ellos es Gustavo Guerra, un brasileño que nos recuerda con su sonrisa carioca que acaba de ganar el primer lugar en el "Guitar Idol 2008" recientemente celebrado en Inglaterra.


Tocando un Medley de Symphony X

El otro es Cesar Huesca, un mexicano celebrado por el propio Steve Vai (Guitarrista de Frank Zappa 1980-82) en su website por tocar a Vai "flawlessly", es decir de manera impecable, y ganador del tercer lugar en el "Guitar Idol 2008". De Cesar, es obligatorio saborear su tremendisima interpretacion de "For The Love Of God", que lleva ya mas de medio millon de hits en YouTube (la mitad que el propio Steve, pero al ritmo que va pronto lo sobrepasara), y que simplemente esta a la misma altura de la interpretacion que hace el propio Vai.



Aqui pueden disfrutar otra rola con Gustavo Guerra, esta vez "Glassgow Kiss" de John Pettrucci (Guitarrista de Dream Theater) .


Por otro lado son, los dos son tremendamente versatiles. No creo que sea tan facil estudiar a Steve Vai y poder tocar como él, porque él usa su muy particular estilo. Pero saltar de Vai a Malmsteen y luego a Eric Johnson, vaya eso si que es una aventura ya que estos tres tocan estilos totalmente diferentes, y se necesita ser mas que un mago para tocarlos impecablemente.

Por ultimo, por si no les impresiono "tecnicamente hablando" la interpretacion de Cesar Huesca, les dejo para que vayan agarrando confianza con esta breve pero intensa interpretacion del solo de Petrucci en "Fatal Tragedy" de Dream Theater.



Gustavo Guerra tiene su canal aqui y Cesar Huesca aqui, ambos con mas de 50 intepretaciones cada uno, ademas de que Cesar vende su propio CD con musica original en http://www.myspace.com/cesarhuesca.

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Never Too Old To Rock 'n' Roll - 40avo Aniversario de Jethro Tull

Practicamente todos los fans del progresivo recordamos lo que dijo Ian Anderson en una famosa rola aparecida en 1976: “You’re never too old to rock ‘n’ roll, if you’re too young to die”. Lo cual desde el punto de vista de los fans pudiéramos parafrasear como “Nunca es tarde para ver en vivo a los grandes del rock progresivo”. Este Agosto 6 por fin pude presenciar un show de Jethro Tull, esta vez en el Filene Center del parque nacional Wolftrap en Vienna, Virginia, que estuvo lleno a reventar (aproximadamente unas 6,000 personas). Coincidió que la ocasión fue muy especial, pues Jethro Tull salió al escenario para celebrar su aniversario (de Rubí, para ser precisos) numero 40, como parte de un tour que los llevara primero por Europa, Turquia, los EEUU, Rusia, y después seguirán en la península Arabiga y el Asia (India, Singapur, Dubai).
En efecto, en Febrero de 2008 se cumplieron 40 años de que el grupo se presento en el Marquee Club en la Wardour Street del Soho, donde fueron apercibidos y luego contratados por los recién estrenados agentes de Procol Harum Terry Ellis y Chris Wright (que por cierto gracias al éxito de Jethro Tull formarían el año siguiente la trascendente Chrysalis Records).

A pesar de los rumores en sentido contrario, desde aquel entonces la banda nunca se desbandó, “ni siquiera por un momento”, a decir de Anderson. De hecho, de las grandes bandas del rock progresivo, Jethro Tull debe ser la mas longeva en actividad sostenida e ininterrumpida, ya que aunque Yes también se formo en el 68’, el grupo del otro Anderson (Jon) ha sufrido varias rupturas y ahora se encuentra en un paréntesis. King Crimson se formo en 1969 pero también ha tenido largos periodos de inactividad. Por otro lado, los Moody Blues (que mas bien son considerados precursores del rock progresivo), empezaron en 1964 pero se separaron por tres años durante los 70s. Hasta Diciembre de 2007, Jethro Tull ha tocado 2,898 conciertos desde 1968, según la cuenta que lleva http://www.ministry-of-information.co.uk/setlist/ (en promedio 74 conciertos por año durante 39 años). A Tull no se le da el crédito suficiente por la gran influencia que ha tenido en la música rock.

Los demás miembros que forman parte de Jethro Tull durante el tour son el guitarrista Martin Barre (39 años en la agrupación), el baterista americano Doane Perry (cumpliendo 24 años con JT), el tecladista/acordeonista John O’Hara y el bajista David Goodier (de reciente ingreso, el séptimo bajista en la historia de su line-up).

La banda toco alrededor de hora y media, iniciando despues de que el grupo folk irlandés The Young Dubliners levantara el animo del publico mayoritariamente cincuentón. Mis expectativas se fundaron en la informacion de su website que indicaba que se visitaria material de sus “tres primeros albumes” de final de los 60’s (ademas de la colita Brick/Aqualung/Locomotive que ha sido material obligado por casi tres décadas).

Ian Anderson, el excéntrico vocalista, flautista y compositor del grupo, acababa de celebrar su cumplemenos numero 61 el Domingo anterior. El show de Jethro Tull fue energico y teatral, sin ser fastidioso. Anderson saltaba en brinquitos controlados de un lado al otro del set, y cuando era pertinente nos ofrecia con delicada gracia su patentada postura de “flamingo con flauta transversa”, para luego darle agresivamente a la armonica o a la guitarra acústica. Talvez el unico sinsabor de su performance fue desde luego su desmejorada voz, que aunque sigue siendo potente ya no demuestra la capacidad de infleccion de antaño, lo cual resta brillantez a su cantar.

Abrieron el show con "My Sunday Feeling" de su primer album, para luego continuar con la “Serenade To A Cuckoo”. Despues de "Nursie" y "A Song for Jeffrey," les acompaño el Cuarteto de Cuerdas Calliandra, cuatro miembros del conservatorio de New England, para tocar "Reasons for Waiting", “Too Old To Rock'N'Roll...”(Anderson, que es un excelente cuenta-historias, se refirió a los 65 años cumplidos de Mick Jagger antes de iniciar esta rola), “Farm On The Freeway” (pilar del album “Crest of a Knave” de 1987 cuando sorprendentemente obtuvieron el Grammy por la mejor performance de Hard Rock/Metal), y “Bourée”.

En partes se podía oir la flauta aunque Anderson estaba haciendo otra cosa. Seria que el tecladista cubria la fluta usando el sintetizador o seria que usaron alguna grabación? En al menos una ocasión David Goodier cubrio las partes de flauta usando un glockenspiel. En “Reasons for Waiting”, varias melodias que en el album original son tocadas en flauta, en su lugar fueron interpretadas por el Cuarteto de Cuerdas Calliandra.

Siguieron con “A New Day Yesterday”, “For A Thousand Mothers”, y la clasica “Dharma For One” con un extendido solo de Doanne Perry. Al terminar Ian Anderson hizo referencia a la molestia que le causaban esas audiencias exaltadas y pasadas de copas (como esa “horrific and annoying audience of Belo Horizonte last year”), o los mosh-pits fuera de lugar.

Para la segunda parte nos refrescaron con “Heavy Horses”, una pieza de finales de los setentas, que fue seguida de una versión abreviada de "Thick as a Brick," esa maravillosa obra maestra que le dio a Jethro Tull su primer hitazo a nivel mundial. Inmediatamente después interpretaron mi pieza favorita "Aqualung," donde brilla con especial acento la guitarra del introvertido Martin Barre.

Para el encore, terminaron con "Locomotive Breath," con una brillante interpretación del tecladista O’Hara que recibio una gran ovacion de parte de la concurrencia.

A pesar de la poco optima calidad del sonido (el Filene Center es un recinto abierto), disfrute enormemente el ver por primera vez a este grupo seminal, pionero y baluarte del progresivo, afanoso destructor de reglas, librepensador y explorador de nuevas armonias y liricas, y por supuesto otro magnifico ejemplo de que en ocasiones se paga con creces el ir en contra de las tendencias del mercado.

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KANSAS retoma su "Two for the Show" - reedición 2008

HOLA A AUTOPOIETICAN Y TODOS LOS AMIGOS PROGRESIVOS, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Tengo en mis manos desde el primer día del presente mes de agosto a toda una joya progresiva en una reedición fabulosa – me refiero al ‘live’ de KANSAS “Two for The Show”, cuya edición original de 1978 era en doble vinilo y que ahora, 30 años más tarde, se halla remasterizado y ampliado a doble CD. En su momento, “Two for the Show” apareció en el momento cumbre de la banda tanto a nivel artístico como comercial, con dos discos de estudio precedentes (“Leftoverture” y “Point of Know Return”) que la habían puesto en las grandes ligas del negocio y con una fanaticada que parecía ampliarse hasta el infinito. El tocar en campos polideportivos, estadios y grandes teatros desde inicios de 1977 les llevó finalmente en 1978 a dar mega-conciertos que duraban 2 ½ horas y más. Este disco recoge temas de varios conciertos de su gira tripartita desarrollada desde 1977 hasta 1978, pero se nota un sentimiento bastante fluido en la escucha.

KANSAS muestra aquí todas las facetas de su oferta musical con total brillo igualmente repartido en todas ellas: la predominante pomposidad sinfónica, los momentos pesados llenos de sofisticación, los elementos blues-country-bluegrass que llaman a la tierra natal, los momentos peculiares donde emergen solos de guitarra acústica, piano o batería,… todo está allí plasmado con vigor. El librito contiene copiosas fotos (incluyendo a un Steve Walsh bailando a lo Jim Morrison para enamorar salvajemente a las chicas del público, y también a un Robby Steinhardt mirando a la nada mientras se interna mentalmente en sus línea de violín... ¡imágenes impredibles!) y comentarios históricos, aparte de la transcripción de la dedicatoria al joven fan que perdió la vista en un serio accidente de tráfico tras un concierto de esta gira. El hecho de que las guitarras o teclados duales (dependiendo del rol de Livgren en el momento dado) se repartan en diferentes canales de audio ayuda a disfrutar de y entender la inteligencia vertida en las interacciones instrumentales de la banda. Claro está, también ayuda a realzar la labor de Steinhardt, protagonista en numerosas ocasiones desde su rol de violinista.

El CD1 contiene las versiones definitivas de ‘Icarus’, ‘Portrait (He Knew)’, ‘Mysteries and Mayhem’ (más frenético de lo usual), ‘Journey from Mariabronn’ y ‘Magnum Opus’; versiones muy fieles a las de estudio de ‘Paradox’ y ‘The Wall’; una versión forzadamente recortada de ‘Song for America’; y por último, la omisión de ‘Closet Chronicles’, una de las piezas más impresionantes del “Point of Know Return” y uno de los picos absolutos del “Two for the Show” en vinilo. Pero esta omisión específica se resuelve gloriosamente en el CD2, el cual contiene en total 11 canciones extra. Pero no es con el recuperado ‘Closet Chronicles’ que comienza el CD2, sino con ‘Hopelessly Human’, el cual abría parte de los conciertos de la primera mitad de esta híper-gira. Esta versión expandida comienza con un breve preludio etéreo, seguido por las primeras 16 barras de ‘Incomudro’, para luego dejar paso a la canción misma. ‘Child of Innocence’ y ‘Belexes’ nos transportan a tiempos anteriores de la gloria comercial de KANSAS: ‘Child’ viene precedido de un estupendo jam en clave R’n’B, mientras que ‘Belexes’ es ejecutado “a mil por hora”, siendo así que la velocidad extra le resta dramatismo pero lo compensa con una mayor explosividad. ‘Cheyenne Anthem’ tiene la peculiaridad de que llena más los espacios de violín y sintetizadores duales en el juguetón interludio, lo cual se traduce en un excitante realce de la dimensión orquestal del mismo. ‘Lonely Street’, ‘Down the Road’ y ‘Bringing It Back’ nos muestran, sin tapujos ni excusas, la faceta más provinciana de KANSAS: ‘Lonely Street’ nos muestra a un Walsh genialmente inmerso en el dolor tanático y destructivo del protagonista (un cowboy de mala muerte que añora vengar con sus propias manos la muerte de su novia prostituta), mientras que ‘Bringing It Home’ mantiene a Steinhardt dibujando mil y una siluetas con su violín, a veces acompañado de la potente guitarra de Williams. Con esta versión me quedo definitivamente convencido de que esta canción pertenece más al grupo que al autor original J. J. Cale (como pasa con Hendrix y el ‘All Along the Watchtower’ compuesto por Dylan).



‘Miracles Out of Nowhere’ es ciertamente una de las más bellas y envolventes composiciones de Livgren: en esta versión se incluye un solo de órgano a cargo de Walsh, donde se alternan estilizadas estratagemas barrocas y retazos hard-blues rock de tipo Jon Lord. También demos mencionar los nuevos arreglos de múltiples teclados que reactivan el colorido contrapuntístico del interludio a fin de sacar provecho de los condicionamientos propios del vivo. ¡Y qué tremendo baterista es Phil Ehart! - el solo de 5 ½ minutos que elabora aquí muestra al desnudo las influencias recibidas de Barriemore Barlow y Carl Palmer, a la par que su dinamismo particular. Este solo deriva en una versión electrizante de ‘The Spider’, una de las composiciones más laberínticas que se hayan gestado jamás en el mundo de KANSAS. Se nota que la edición en fade-out iba camino hacia la emergencia del riff de bajo de ‘Portrait’: ¿no debió haberse aprovechado esta re-edición para seguir mejor esta secuencia de un tirón? Muy posiblemente sí... pero es lo que hay y lo que hay ya es de por sí grandioso.

En mi humilde opinión, se trata posiblemente de la mejor reedición progresiva para este año 2008: ciertamente, es un testimonio de la esencia musical más puramente versátil de KANSAS en la plenitud de su esplendor creativo.

KHARMINA BURANNA y el arte de mantener vivo el rock progresivo

HOLA A TODOS LOS AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Ahora que hemos entrado de lleno en la segunda mitad del año 2008, es confortante que aún se pueda contar con buena y nueva música progresiva en el Perú, a pesar de lo poco fructífera y menos atendida que es la escena vanguardista en el rock de dicho país. El quinteto KHARMINA BURANNA es la nueva promesa progresiva en el Perú, y ciertamente, por lo escuchado en su estupendo y enérgico disco debut “El Arte de Seguir Vivos”, esta promesa ya está firmemente cumplida. Editado por el sello chileno Mylodon Records (que también tiene en su catálogo a otros grupos peruanos como FLOR DE LOTO y SUPAY), su presentación oficial al mercado tuvo lugar la noche del 1 de agosto del presente, en un emotivo concierto que tuvo lugar en el barrio limeño típicamente bohemio de Barranco. La alineación pentapartita que registró este disco en una labor que se ha extendido por dos años está conformada por Ángelo Pérez-Palma (voz, armónica y guitarra acústica), Daniel López Gutiérrez (teclados y glockenspiel), Víctor Otárola (batería y percusión), Mauricio Hooker (bajo, flautas traversa y dulce, y coros) y Eduardo Valcárcel (guitarras eléctricas y acústica).


El disco contiene una fluida y dinámica combinación de sinfonismo y progresivo hard, sensible al influjo del blues-rock y pertinentemente alimentado con pasajes bucólicos de corte pastoral. Las referencias más recurrentes son YES, GENESIS, JETHRO TULL, PFM, KANSAS y GENTLE GIANT. Los esquemas compositivos más constantes en el repertorio de la banda se amoldan muy bien a la necesidad de expandir las ideas melódicas en jams desarrollados con vigor y buen gusto. El tema de entrada ‘Bosque De Piedras’ representa muy sólidamente el sonido multicolor y vigoroso de KHARMINA BURANNA, el mismo que repite su esplendor en el tema de cierre ‘Labra Un Lugar (Para Sonidos)’. Ambas piezas se despliegan en espacios de 13 minutos, sacando buen provecho de las posibilidades de expresividad expansiva en ilaciones multi-temáticas elaboradas con vigor y fuerza de voluntad: ‘Bosque De Piedras’ exhibe desde el primer instante un lirismo pulcro y exquisito, el mismo que se quiebra en los últimos minutos para dar paso a un ejercicio de tensa robustez, mientras que ‘Labra Un Lugar (Para Sonidos)’ ostenta de manera consistente una tendencia barroca a través de los diversos motivos que se van hilando. Comparando ambos resultados finales, podemos decir que el caso del tema de cierre es el más exitoso de los dos, y de hecho, el esplendoroso solo de Moog que se extiende en la sección final es un gran punto a favor. ‘Del Parque’ pone énfasis en el factor psicodélico en base a las fluidas amalgamas de guitarra, teclado y armónica en los parajes instrumentales más exultantes, los cuales ilustran la polenta propia del grupo sin mayores tapujos, aunque también sin renunciar a la complejidad propia del género progresivo. Es de destacar la manera tan exitosa con la que el grupo inserta climas tétricos y densos en las excursiones instrumentales de la segunda mitad, así como en el interludio de piano que antecede al último estribillo. El clímax conclusivo es excitante y vitalista a más no poder, tal vez el momento más explosivo del álbum: "¡El fin corona al pastor!". 

Por su parte, la canción homónima es nada más y nada menos que una de base blues-rockera que simboliza fielmente la prehistoria de KHARMINA BURANNA como banda de covers de blues y rock pesado clásico, aunque las pulidas elaboraciones sonoras en torno al motivo central durante el largo interludio instrumental nos remiten fácilmente al JETHRO TULL de los discos clásicos “Benefit” y“Aqualung”. De hecho, en los momentos relativos a los solos de órgano y guitarra nos damos cuenta de que no es un blues convencional el que inunda nuestros oídos, sino que entran a tallar mecanismos propios de la tradición sinfónica. ‘Sueños de Opio’ tiene un esquema bipolar, comenzando con una sección instrumental bastante pletórica, muy a lo KING CRIMSON-con-JETHRO TULL, y prosiguiendo con el cuerpo central cantado, en lo cual se centra en lo introvertido a través de un intimista paisaje lírico; la coda instrumental asume aires pastorales de tenor renacentista, bajo la guía del diálogo entre flauta dulce y violín (a cargo este último de la invitada Pauchi Sasaki). Como anécdota vale destacar que en esta misma canción hay otro invitado de lujo: Octavio Castillo, uno de los fundadores de la legendaria banda FRÁGIL, aportando ornamentos de flauta traversa en el jam inicial. 

 

 
Todo esto es lo que KHARMINA BURANNA ofrece en su disco debut “El Arte de Seguir Vivos”, un ítem muy relevante para seguir impulsando la vanguardia rockera que se está proyectando actualmente en la escena peruana. 


Muestras de “El Arte de Seguir Vivos”.-
Del Parque: http://www.youtube.com/watch?v=NXPvvkpntjM 
Labra Un Lugar (ParaSonidos): http://www.youtube.com/watch?v=tSy9rBCbPNo 

El reencuentro de Liquid Tension Experiment

La reciente breve gira que ha reagrupado a Liquid Tension Experiment despues de diez años de pausa comenzo en el pasado NearFest. Liquid Tension Experiment quizo asi poner a prueba la hipotesis de que aun mantiene una posicion atractiva en la escena del prog rock. Como recordamos, la banda se concibio a finales de 1996, cuando Mike Portnoy (baterista de Dream Theater), recibio una peticion de su discografica Carta Magna para formar una superbanda. De inmediato, Portnoy invito al tecladista de los Dixie Dregs Jordan Rudess y a Tony Levin, el talentoso bajista y estiquista de fama Crimsoniana. Mike esperaba originalmente trabajar con algun notable guitarrista que no fuera de su banda Dream Theater, pero debido a conflictos de programacion Portnoy finalmente invito a su compañero de banda John Petrucci, a formar parte del proyecto.

Su primer album, Liquid Tension Experiment 1 fue un exito creativo. En octubre de 1998, Liquid Tension Experiment se reunio en los estudios Millbrook de Nueva York para grabar su segundo album. Durante el periodo de sesiones, la esposa de John Petrucci tuvo un parto prematuro, lo cual obligo a los tres musicos restantes a continuar la grabacion de manera improvisada. Estas grabaciones dieron origen a un tercer album llamado "Spontaneous Combustion", que aparecio tardiamente en 2007. Tal experimentacion les permitio explorar y encontrar combinaciones instrumentales evidentemente expansivas. La colaboracion y la evidente quimica musical ese fin de año del '98, llevaron a Rudess a convertirse en miembro de tiempo completo de Dream Theater, reemplazando a Derek Sherinian en 1999.
Para el NEARfest X, La banda llego a Bethlehem un par de dias antes de su show para ensayar el material de sus dos albumes, lo cual seguramente se convirtio en un pequeño desafio para este grupo de virtuosos, dado que no lo habian vuelto a tocar desde hacia 10 años.

Por supuesto, Liquid Tension Experiment fue la banda titular la noche del sabado y toco de manera brillante, cada musico en su mejor momento. LTE sacudio el recinto con la precision, energia y la gracia de una gran orquesta sinfonica. Percibi a un Petrucci muy concentrado y preciso en la guitarra, mostrando su capacidad de tocar piezas largas y complejas con altisima destreza. Aunque Levin pudo mostrar su "borde metalico" al tomar el bajo, lamentablemente por una mala mezcla tecnica casi no se le oyo al tocar el stick. Rudess fue impecable al ejecutar el teclado (apoyandose en el digitalizador de partituras levantado sobre su Roland), generando una gran variedad de sonidos y arreglos de altos niveles compositivos, y Portnoy como siempre fue Portnoy ...! un monstruo de precision y el entusiasmo en los tambores y timbales. El setlist incluyo la mayoria de las melodias memorables de sus dos discos clasicos, entre ellas la genial "When the Water Breaks" , la metalizante fuga que es “Acid Rain”, la melodica “State of Grace”, la calmante “Kindred Spirits”, la hiperquinetica "Paradigm Shift" y su poderosa epica “Another Dimension” (donde John Petrucci levanto una merecidisima ovacion del publico). Asimismo, Rudess se lucio al dar ejemplo de su virtuosismo en una elaborada exploracion jazzeante de la pieza dramatica "Biaxident", complementado por un estupendo Petrucci y el resto de la banda, que dosificaba energeticamente toques diabolicamente metalicos.

Sin embargo, en medio de tanta magia, la sorpresa mas grande de la estupenda velada fue la presentacion de una magnifica version de la "Rapsodia en Azul" de Gershwin, una pieza desafiante con sus muchas modulaciones, en una interpretacion clasica e intensa, favorecida por el bien equilibrado sonido del recinto.

La banda se despidio en el encore con dos de sus rolas fundamentales: la deliciosa y percusionante "Osmosis”, donde pudimos sentir el extasis del Tony Levin de la era de Peter Gabriel, y la explosiva "Universal Mind", con sus magicas lineas funky del bajo de Levin, y sus solos zigzagueantes que dieron brillo a la compleja y delirante pieza, que el piano de Rudess cerro de un portazo con una estupenda variacion de la tradicional progresion de “Heart & Soul”.

Como cerecita del pastel, Liquid Tension Experiment acaba de anunciar en Facebook que pronto saldra al mercado un CD/DVD en vivo grabado durante el tour conmemorativo, y que ya se han preparado planes para un nuevo album de estudio, asi como un “Bootleg” oficial de su show en Chicago el pasado 25 de Junio.

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Metrognom "Twangyluck" (2006)

HOLA AMIGOS PROGRESIVOS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

En el mismo día en que Joal Paiva, gran amigo progresivo y primo de Autopoietican me presentó a THE GOURISHANKAR, también hico lo propio con el grupo escandinavo METROGNOM, cultor de un sonido complejamente psicodélico, bañado en ambientes que oscilan entre lo denso y lo espacial, coqueteando ampliamente con el jazz-rock más ácido así como con el espíritu lánguido del post-rock, añadiendo ciertas dosis de la tensión expansiva de un VAN DER GRAAF GENERATOR. Quinteto noruego, su disco “Twangyluck” (2006) es clave para comprender los niveles de energía y creatividad que tienen lugar hoy en día en la marginalidad progresiva escandinava ahora que ANEKDOTEN no es lo que era antes, LANDBERK y ANGLAGARD son historia, y WHITE WILLOW está que no se decide a resucitar de una buena vez.

Aquí transcribo una reseña que originalmente publiqué en La Caja de Música en agosto de 2007. Espero que sea de su interés.

“La labor instrumental dell quinteto METROGNOM se caracteriza por su garra y por la consistencia con la que pueden sostener sus jams, los mismos que constantemente oscilan entre pasajes que tienden hacia lo aguerrido y otros donde se da notable prioridad a atmósferas flotantes. El repertorio revela una actitud muy ambiciosa a la hora de enarbolar ideas musicales y disponerlas en sus correspondientes arreglos: tres temas que oscilan entre los casi 14 minutos y casi 15 minutos de duración más uno que dura más de 20. El grupo se las apaña para mantener el interés en sus viajes instrumentales sin que los instrumentos melódicos (guitarra, saxos, teclados) se manden con pirotecnias ni sobregrabaciones exaltadas: estos ítems se concentran más en ambientes y estructuras armónicas, aunque cabe señalar que casi todos los fraseos solistas de saxo tienen una connotación jazzera muy oportuna para calibrar las armazones sonoras de la guitarra y el teclado de turno. Más bien, gracias a esto sucede que la sección rítmica se hace notar de una manera especial, y esto es algo bueno, pues su labor está muy inspirada en lo que se refiere a asentar las bases para las diversas secciones que se suceden en el repertorio. Al igual que muchos grupos escandinavos, la presencia de instrumentos prototípicamente añejos como el Mini-Moog, Theremin, mellotron, el sintetizador Akai (una reliquia en el sentido más literal de la palabra), así como del Hammond, juega un rol tremendamente gravitante en la elaboración de los vuelos instrumentales.

El tema de apertura ‘Max Planet (incl. The Sudden Turbulent Landing Procedure)’ comienza con un anuncio cuasi-robótico muy a lo HAWKWIND en su etapa más lisérgica, para luego dar lugar a un motivo en 6/8 que es todo un homenaje clónico al legendario himno progresivo ‘Watcher of the Skies’ de GENESIS, pero como si fuera ejecutado por un combo de músicos donde alternan miembros de ANEKDOTEN y LANDBERK, acompañados de Tim Blake (de GONG) y con ciertas pautas vandergraafianas completando algunas sutilezas del espectro sonoro. Su gancho y potencia lo convierten en una apertura adecuada para el disco, pero desde ya vale indicar que se trata del tema menos impresionante en lo relativo al manejo de variantes y recursos diversos en el desarrollo. Los tres temas restantes tienen mucho más de estos elementos. ‘Ten Peppermint Butterflies in a Ray of Moonlight’ comienza con una secuencia de leves sonidos causales al modo de estar probando la afinación de la guitarra y del saxofón, cuando el batallón completo entra a tallar con el motivo central, sólidamente llevado por la guitarra mientras que las capas y adornos de los sintetizadores sopesan aires cósmicos y texturas de carácter sinfónico, con matices tenebrosos muy propios de la línea germana de ELOY y NOVALIS. Cuando llegamos a la sección lenta, llegamos a un extenso momento ceremonioso marcado por una mesurada pastosidad: los rasgueos de guitarra acústica y las cortinas de mellotron dirigen el asunto mientras los solos de saxo y adornos de sintetizador explotan las alusiones de manera efectiva. Con el regreso de la sección principal tenemos una sólida recuperación de la dimensión más filuda de METROGNOM, bien encuadrada entre los alucinados fraseos del sintetizador y la esforzada labor percusiva del baterista, añadiendo algunos toques de tenor jazz-rock mientras nos acercamos al final. El final llega en forma de coda de guitarra acústica a la cual se suman climas distantes creados por los teclados.

El tercer tema es ‘Opening Ceremony to the Trolls Seventeenth Olympic Games’, donde el grupo vuelve a explorar sendas sonoras semejantes a las del primer tema, aunque con una vibración más dinámica y un mayor tesón en el armado de la diversidad de ambientes y los giros de compás. También hay espacio para momentos acústicos tenues, y de hecho, se logra en éstos una ambientación más introspectiva que en la pieza anterior, pues estos pasajes se concentran en lo evocativo y nunca se mandan hacia sonoridades fastuosas. La entrada abrupta de un pasaje inquietante está bien lograda, como una brevísima tormenta musical que opera como puente entre el pasaje acústico y el retorno de la faceta eléctrica del grupo. Los últimos 21 ½ minutos del disco están ocupados por ‘Tellus Will Tell Us Its Will’, el cual tiene una introducción de chapoteos de agua y una brisa misteriosa. El motivo de arranque es un pasaje lento y lánguido, algo así como una cruza entre el ‘Echoes’ de PINK FLOYD y el estándar del post-rock. Luego llegan los pasajes más frenéticos, en donde los músicos exploran su progresivo psicodélico ya familiar para el oyente. La alternancia entre secciones lentas y extrovertidas es manejada con excelente oficio por la banda. Uno de los detalles más significativos de este tema es la inclusión de vibraciones jazzeras en buena parte de su segunda mitad, las cuales nos pueden recordar un poco a COLOSSEUM o GNIDROLOG (más que al Canterbury o al jazz vangardista norteamericano).

Koenji Hyakkei en el NEARfest - 高円寺百景

Traducido al español, Koenji Hyakkei solo puede significar una cosa: Intensidad. El espectaculo que dio en el NEARfest este grupazo japones fue una pirotecnia multisonora en perpetua epilepsia, una explosion catarquica de convolucionados elementos estructurantes, un roller coaster a maxima velocidad donde en lugar de carrito y rieles se esta en la centrifuga oyendo a cien japoneses locamente iluminados tocando y cantando operetas en fast-forward, un performance intensamente polirritmico, condimentado con atonalidades catatonicamente dosificadas. Como otros bandas de Zeuhl (aunque no cantaron en Kobaian), la comprension lirica de Koenji Hyakkei se da a traves de como (tono, estilo, color) se interpretan y transmiten las vocalizaciones, en casos la voz puede ser tan fina y delicada como un instrumento de cuerdas.

Lidereado por el polirritmico baterista y vocalista Yoshida Tatsuya, fundador del iconoclastico grupo Ruins y muchisimas otras bandas, Koenji Hyakkei ejemplifica un concepto unico, al fusionar aspectos del Zeuhl del legendario Magma, del avant-garde y del hardcore con coros Orffianos y un jazz fusionante de precision apabullante.

El grupo presento principalmente material de su ultimo album Anger Shisspa, asi como la rola “Avedunmma” de su primer album Hundred Sights Of Koenji, y dos rolas ("Bectem Pollt" y "Visqaguel") de su segundo album Nivraym.

A mi gusto, Aki Kubota se desempeño magistralmente, su voz en un tono perfecto, pulido y profundamente bello. Supongo que ella viene de hacer carrera como soprano, aun cuando su coloratura claramente se preste mas bien para ornamentaciones de grave fiereza y rapidos registros agudos .

Por supuesto que quede boquiabierto de ver a Yoshida Tatsuya tronar los tambores con la perfeccion con las que un samurai destruye cien jinetes en armadura en una pelicula de Kurosawa.
Como Christian Vander de Magma, el es el compositor y el pulsante latido irregular de la banda.

En una nota aparte, hago hincapie en el fabuloso trabajo del bajo conducido por Sakamoto Kengo. Ya que no hay guitarrista, el bajista debe tomar el doble rol de no solo acompañar a las (ya de por si tremendas) batacas, sino de llevar su sonoridad mas alla de la manera tradicional en que se toca el bajo.

De notarse es que las composiciones de Yoshida también me impresionaron porque balancean estupendamente los instrumentos, incluyendo la bateria, que puede escucharse claramente como un instrumento mas. Las composiciones estan estructuradas como si se tratara de un viaje veloz a través de espesas cordilleras. A medida que las rolas progresan, los niveles de energía suben y suben, para luego avalancharse estrepitosamente sin perdida de intensidad para finalmente desvanecerse en valles de inmediata y deliciosa frescura antes de escalar de nueva cuenta.

Un instrumento notable fue el teclado, tocado de manera impecable por el virtuoso Yabuki Takashi, quien creo innumerables momentos de armonioso descanso entre las descargas de inusitada intensidad que me recordaron al mejor Emerson. Su piano sono de lo mas natural, casi como si estuviera un Steinway en el estrado. De la misma forma resalta el trabajo de la vientista Komori Keiko, quien complemento las vocalizaciones de Aki con su sax soprano, llenado la sala con cautivantes (y en ocasiones chirriantes) interludios que le dieron un tono decididamente jazzeante a las explosivas composiciones de Yoshida. Con toda esta orquestacion, la banda logro crear una musica de alta densidad y complejidad, a la par de los trabajos de The Mars Volta, y King Crimson.

Si te hallas en busca de un desentumecedor de la rutina diaria, Koenji Hyakkei es tan recomendable como una maquina de electroshocks alemana. Sin lugar a dudas, Yoshida Tatsuya ha oido la musica del futuro (de que otra forma evitariamos el paralizante garrote de la infosaturacion?).

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