El octavo núcleo jazz-progresivo de los noruegos PYMLICO

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En la primera mitad de mayo del pasado año 2025, el ensamble noruego de jazz-fusion PYMLICO publicó su octavo disco de estudio. “Core” es el título del disco y el sello Apollon Records lo publicó tanto en CD como en vinilo. El grupo coliderado por los hermanos Brøter (Øyvind a los teclados, y Arild a la batería, la caja de ritmos y los teclados) se completa con Stephan Hvinden [guitarras], Andreas Sjo Engen [guitarras], Are Nerland [bajo, guitarra eléctrica de 12 cuerdas y sintetizador], Robin Havem Løvøy [saxofones alto, tenor, barítono y soprano] y Oda Rydning [percusiones tonales y atonales]: es la primera vez en la historia de PYMLICO que se realiza dos discos seguidos con la misma alineación, pues en“Core” toca la misma gente que en el disco de 2022 “Supermassive”. El grupo se planteó este reto con la adrenalina positiva que provino de la buena recepción que tuvo su actuación en el Festival Crescendo de 2022 (al sur de Francia). Además, el sexteto vigente se planteó la idea de hacer un disco más frontal y menos acicalado que cualquiera de los anteriores, de allí su título. El único invitado ocasional es el guitarrista Mattias Krohn Nielsen. Arild Brøter se hizo cargo de la mezcla del material aquí recogido y Morten Lund realizó la masterización.

Los 12 primeros minutos del álbum están ocupados por la dupla de ‘Welcome Back’ y ‘Ellipsis’, una situación fundacional de buena parte de las pautas esenciales del disco como un todo. La pieza inaugural exhibe una aureola extrovertida bañada en una luminosidad señorial que se preserva consistentemente a través de la triangulación de las bases armónicas de los teclados, los solos de saxofón y los solos de guitarra. El groove instaurado por la batería es extrovertido con su oportuno toque de gentileza, estando esta misma embebida en el núcleo melódico. En cuanto a ‘Ellipsis’, se trata de un viaje jazz-rockero bastante modernizado con sazones del así llama nu-jazz. La convivencia entre elementos aguerridos y serenos va a la par de la complementación de organicidad y electrónica estilizada con la que se arma la ingeniería sonora. Las orquestaciones emergentes en la sección epilogar ostentan un aura aristocrática que logran culminar una envolvente conclusión para este momento elevado del disco. ‘Captain Teebs’ ahonda aún más en esta faceta vivaz del ideario musical del grupo, manteniéndola fresca y capitalizando su magnetismo. Además, el refinamiento melódico también se incrementa en el modo tan cristalino con que los índices temáticos van fluyendo. ‘Fair Play’ sigue en parte la línea de trabajo concretada en la pieza precedente, aunque con una mayor suntuosidad y una soltura más urgente. También se hacen notar algunos ornamentos space-rockeros en el trasfondo de la sección intermedia antes de que el epílogo revele unos mágicos colores progresivos. Todo un cénit del álbum. Cuando llega el turno de ‘Don’t Do That’, el grupo retoma y remodela vibraciones fulgurosas que ya hemos apreciado en los temas #1 y #4, esta vez con un foco fusionesco más pronunciado en ciertos pasajes. Esto último implica que el ensamble cuida más sigilosamente el cariz cristalino de su entramado sonoro.

‘Point Nemo’ es una pieza más amable que cualquiera de las anteriores, apoyándose en un swing cadencioso que permite al groove colectivo perfilar su elegancia esencial con explícita holgura. En medio de esta atmósfera palaciega brotan los solos de guitarra más contundentes de todo el disco. Siendo el tema más extenso del disco con sus 8 minutos de duración, ‘221B’ se encamina por una mezcla de jazz-prog y space-rock donde los ornamentos cósmicos se sienten bien armonizados con la vigorosa gracilidad que impera en la composición. Lo que  suena es como un híbrido de TAUK y JAGA JAZZIST. El tenor celebratorio va aumentando mientras pasan los minutos y la espiritualidad jovial es manejada con elegante precisión: el arreglo coral final lo manifiesta muy cabalmente. ‘Done And Dusted’ trae consigo el cierre del repertorio y lo hace con una espiritualidad serena que algo tiene de noctámbulo, una sensación de que el manto de la noche arropa los recuerdos de una agradable jornada diurna reflejada en la secuencia de todos los temas precedentes. Todo esto fue lo que se nos brindó en “Core” desde los cuarteles del grupo noruego PYMLICO el pasado año 2025, una magnífica obra de música jazz-progresiva que resulta bastante recomendable para cualquier buena fonoteca actualizada en las cosas más interesantes que se hacen en las líneas de avanzada de cualquier lugar.

Muestras de “Core”.-

Ellipsis: https://pymlicomusic.bandcamp.com/track/ellipsis

Fair Play: https://pymlicomusic.bandcamp.com/track/fair-play

221B: https://pymlicomusic.bandcamp.com/track/221b

La película musical de JON DURANT y BOB MAGNUSON

 

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Hiy presentamos un disco muy especial, el del dúo de los excelsos músicos estadounidenses JON DURANT y BOB MAGNUSON. “Film Noir” es el título de este disco que el sello Alchemy Records publicará el próximo 6 de febrero: como nos han hecho llegar el material con anticipación, podemos hacer ya esta reseña. En este trabajo, DURANT se hace cargo de las guitarras eléctricas de 6 y 12 cuerdas, acústica y sin trastes, y la Cloud Guitar, mientras que MAGNUSON toca el oboe, el corno inglés, los saxos tenor, barítono y soprano, el EWI, la flauta bajo y el clarinete contrabajo. Lo que se nos brinda en “Film Noir” es un híbrido de jazz minimalista contemporáneo, ambient-jazz y electrónica atmosférica. Y pensar que el disco que hoy nos ocupa es el resultado de una simple conversación entre viejos amigos que comparten una visión muy peculiar de la vanguardia: bastó con preguntarse ¿y si hacemos un disco juntos? y ya. Ambos músicos se atribuyen la autoría de todos los cinco temas que aquí aparecen. 

‘The Rain Season’ da inicio a las cosas con un despliegue de texturas flotantes que comienzan con una actitud sigilosa, pero que pronto se pone a dar rienda suelta a sus vibraciones impresionistas. Los elegantes fraseos entrecortados de los saxos saben asentarse cómodamente sobre el trasfondo de las etéreas agitaciones de la Cloud Guitar, sistemáticamente cinematográficas ellas, muy sólidamente enfocadas en crear un paisaje evocador donde las armonías minimalistas caen como gotas de rocío. ‘Peeking Through Drawn Blinds’ sigue a continuación para seguir ahondando en este tipo de atmósferas, incluso realzando el factor crepuscular; además, se trata de la pieza más extensa del repertorio con sus 12 ½ minutos de duración. El factor contemplativo está más pronunciado aquí, lo cual repercute crucialmente en el enfoque más relajado que tienen los músicos a la hora de dialogar. También, y esto nos parece aún más importante, exige que la instrumentación sea más minuciosa en el armado del bloque sonoro: la variedad de los vientos, la inserción de ocasionales fraseos de guitarra acústica en medio de los ambientes generados por la Cloud Guitar y los giros de acordes que van teniendo lugar a lo largo del trayecto capitalizan el señorío inherente a los ingenios creativos de DURANT y MAGNUSON. He aquí una especie de resurrección del Surman más minimalista filtrado a través de la faceta impresionista de Gary Burton. La sección epilogar que emerge desde poco antes de llegar a la frontera del décimo minuto tiene algo de inquietante, pero transportándose hacia una zona de inenarrable misterio. ‘She’s Beautiful, If You Dare’ mantiene parte de esa extraña y cautivadora densidad que marcó a buena parte del último tercio de la pieza anterior y la eleva hacia una espiritualidad exultante merced a la asertividad de la mayoría de las líneas de saxo y los torcimientos místicos de la guitarra. Hay ciertas oscilaciones tanáticas ínsitas en la expresividad romántica de esta composición, pero en los últimos minutos se advierte la instauración de un momento relajado.

‘Footsteps In A Dense Fog’ regresa a la lógica sistemática del paisaje sonoro que tan buenos resultados dio en la pieza inaugural. Este tema en particular se distingue por ostentar un talante un poco más ceremonioso, a veces rayano con la parsimonia: no se pretende gestar aquí una imagen de contemplación admirada, sino más bien una celebración del arte de caminar que se explaya en una satisfacción con la neblima envolvente. El cierre del álbum viene de la mano del tema idóneamente titulado ‘Coming To Conclusions’: el tenor central de las intervenciones del saxofón es de melancolía mientras que los efectos flotantes de la Cloud Guitar apelan a lo cósmico con convincente prestencia. También hay un embrujador solo de guitarra que tantea el lamento mientras se entromete entre los muchos fraseos del saxofón: he ahí una ligera variante expresiva que resulta bastante efectiva para la esencia integral de esta pieza de despedida. Todo esto fue “Film Noir”, una realización muy inspirada de registros muy elevados del encuentro entre las mentes de JON DURANT y BOB MAGNUSON. El repertorio de este disco dignifica ampliamente a la avanzada musical de nuestros tiempos y se revela como una muy grata sorpresa melómana en este año 2026 que recién empieza.  

DEMO RUMUDO: naturaleza y método del jazz-prog español

 
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Muy buenas noticias desde las vanguardias jazzera y progresiva española: emerge el ensamble DEMO RUMUDO, el mismo que publicó su disco “Second Nature” el 5 de diciembre del pasado año 2025. Este virtuoso quinteto asentado en A Coruña está conformado por Álvaro Fernández [saxos soprano, alto y tenor, flauta y EWI], Gabriel Visinel [guitarras], Ángel Rodríguez [batería], Andrés Real [bajo sin trastes y contrabajo] y Hugo Martsan [teclados y programaciones] cultiva una modalidad colorida de jazz-rock progresivo que tiene sus raíces mayormente en el jazz-fusion de los 70. El proceso de gestación de “Second Nature” se expandió entre los años 2023 y 2025; el disco que hoy nos convoca sucede a “Consecuencias”, el EP del año 2022 con el que grupo hizo su debut fonográfico. La producción del disco que hoy nos ocupa estuvo en manos del teclista Martsan, quien también es el autor de todas las piezas contenidas en el álbum que hoy nos convoca; los arreglos fueron gestados por el ensamble. Los procesos de ingeniería de sonido para las sesiones de grabación, mezcla y masterización estuvieron a cargo de Martsan y el baterista Rodríguez. El arte gráfica es de la autoría de Joako Ayala. Bueno, repasemos ahora los detalles estrictamente musicales de esta maravilla que es “Second Nature” (es necesario adelantarlo, es una maravilla).

Todo empieza con ‘Buratos’, pieza que dura casi 9 ½ minutos, de hecho, la más extensa del repertorio. Su sección prologar está  signada por un aura cósmica de cuyo núcleo emerge una escala repetitiva de piano, la misma que abre camino al cuerpo central. Ésta se proyecta sobre una serie de tempos irregulares sobre los que se despliegan diversos motivos, los cuales tienen un vigor elegante y llamativo como denominador común. Las ulteriores variantes abren espacios sucesivos a hermosos solos de sintetizador y saxofón, pero lo más relevante es la fluidez con la que la banda transita de lo sedoso a lo enérgico a través de los recovecos estructurales que se van develando. Lo que suena es como una combinación de MÖBIUS STRIP y ON THE RAW: el golpe final es simplemente fabuloso. Acto seguido, llega el turno de ‘Flavours Of Failure’, una pieza que recibe los ecos de los momentos más fulgurosos del tema inaugural. Si bien el gusto por los grooves complejos prevalece y el manejo distinguido de la energía expresiva se mantiene incólume, el centro melódico está más focalizado; el grupo quiere ser un poco más conciso en la gestión de los focos melódicos. El tercer tema es el que justamente da nombre al disco. ‘Second Nature’ se orienta por áreas más amables, remodelando la aureola alegre de las dos composiciones precedentes para que se expresen con un poco más de sutileza. Así, la luminosidad puede ser más  atenuada y los juegos de síncopas ínsitos al esquema rítmico pueden destacarse dentro del entramado sonoro general... Muy a lo WEATHER  REPORT de los 80, dicho sea de paso, con un toque contemporáneo propio del discurso jazz-progresivo de la actualidad. El giro semi-bluesero del epílogo resulta muy agradable. A propósito, aquí encontramos el que tal vez sea el mejor solo de guitarra de todo el disco, no muy largo, pero capaz de proyectar espirales de musculatura estilizada en medio de la grácil algarabía que signa la esencia integral de ‘Second Nature’.

 
‘Helix’ es un tema que se define en un lugar intermedio entre la sofisticación extrovertida de la pieza #1 y el cadencioso encanto del tema homónimo. Como siempre, el armazón rítmico emergido del complejo swing de batería y los pilares armónicos derivados de los teclados marcan conjuntamente la pauta del vitalismo colectivo. Hay ciertos factores exóticos en el colorido esencial de algunos índices temáticos, los cuales nos vuelven a remitir a la banda compatriota ON THE RAW. El punto final del álbum llega de la mano de ‘Methods Of Expression’, pieza a la que conviene buena parte de las descripciones utilizadas para el tema anterior, pero con la novedad de que el grupo adopta una espiritualidad expresiva un poco más grave. También se nota una mayor acentuación del aspecto de jazz-fusion en el intrincado desarrollo temático, pero que conste que ello no va en desmedro del factor rockero cuando emergen los pasajes más enérgicos. Ya nos es familiar esa manera tan particular que tiene DEMO RUMUDO de gestar su faceta más aguerrida para condimentar los preceptos más contundentes de su propuesta musical. Todo esto es lo que tenemos en “Second Nature”, una brisa de aire muy fresco en el paisaje del jazz-prog español de nuestros días, un prodigio de naturaleza creativa y método sonoro. El nombre de DEMO RUMUDO debe ser anotado en un lugar preferente dentro de nuestras perspectivas sobre las provincias jazz-rockera y progresiva de nuestros días. En suma, este disco demuestra en menos de 40 minutos cuán recomendable es para cualquier buena fonoteca.
 
 
Muestras de “Second Nature”.- 
Buratos: https://astronomyrecordingmusic.bandcamp.com/track/buratos 
Helix: https://astronomyrecordingmusic.bandcamp.com/track/helix

Renovación de una misión progresiva de la LOST WORLD BAND para el año 2025

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Nos llegan buenas nuevas desde los cuarteles de la LOST WORLD BAND, entidad progresiva rusa asentada en Nueva York desde hace muchos años. Desde el 15 de mayo del pasado año 2025 está disponible en el mercado su nuevo trabajo fonográfico “Remission”, que es (dicho sea de paso) su primer álbum conceptual. La gestación de “Remission” proviene de un proceso muy peculiar y azaroso. Los orígenes de todo esto se remontan al mes de julio del año 1994 cuando la LOST WORLD BAND, entonces conformada por el trío de Vassili Soloviev [flauta], Andy Didorenko [violín, guitarras, bajo y canto] y Alex Akimov [teclados], decidió hacer un álbum conceptual de temática existencialista. La idea fue pronto abandonada, pero no sin antes componer cuatro canciones. De todas maneras, el grupo recuperó la idea de finalizar una serie entera de canciones sobre la mortalidad, las falsas fantasías y el lado oscuro de la vida, y con el material disponible ampliado, el grupo publicó una edición limitada en formato de CD-r durante el año 1996. Finalmente, pasaron los años y las décadas y llegó el año 2024. El grupo tomó la firme decisión de culminar la versión definitiva de “Remission”, siendo así que el grupo contó con las colaboraciones de los instrumentistas Jordan McQueen (batería) y Sergey Didorenko (saxofón), además de las labores al canto de parte de Brian Paley y Phoebe Carter, junto a algunos coros de Yuliya Basis.* Pasemos ahora a los detalles estrictamente musicales del disco que hoy nos convoca.

El inicio del disco se da con ‘Almost Asleep’, una fastuosa balada sinfónica cuyo efímero prólogo cósmico captura de inmediato nuestra atención. Estando muy en línea con el paradigma Genesiano, su sencillo desarrollo melódico está filtrado por el aura cristalinamente estilizada de unos PENDRAGON de los 90 en adelante. El segundo tema es justamente el homónimo y emerge para imponer sólidos recursos de vigor rockero. En efecto, ‘Remission’ revela desde el primer instante un dinamismo exquisitamente ágil que resalta el núcleo melódico con fluidez y eficacia. Los breves intermedios parsimoniosos redundan en una acentuación del colorido sónico, el cual tiene a la guitarra como su figura líder. Con la dupla de ‘Lullaby Part 1’ y ‘Lullaby Part 2’, la banda sigue explorando las coordenadas musicales planteadas para el disco. La Parte 1 exhibe una etérea aureola de misterio que acoge unas comedidas vibraciones sombrías, hasta que los sucesivos ingresos del canto, el violín y el saxofón permiten la inserción de retazos pastorales que algo tienen de ensoñador. La Parte 2 es totalmente distinta, una intrépida excursión ecléctica que se asocia estilísticamente con bandas como PANDORA SNAIL, PANZERPAPPA e ISILDURS BANE. utilizando dinámicamente varios recursos de ágil densidad a lo largo de una ilación perfectamente compacta. Un muy inspirado híbrido de sinfonismo, avant-prog y jazz-prog. El epílogo sirve para regresar a las coordenadas expresivas de la Parte 2. Todo un culmen del disco. Otra dupla sucede a ésta: ‘Deep Still Part 1’ y ‘Deep Still Part 2’. La Parte 1 es una exploración de ambientes flotantes donde las capas de teclados arropan todo el entramado. El epílogo de guitarra acústica es una expresión de puro remanso. La Parte 2 vuelve de lleno a lo extrovertido, elaborando una inspirada cruza de musculatura y solemnidad. Las alternancias entre los solos de guitarra y de sintetizador encauzan eficazmente la expansión de la maraña grupal, la misma que exhibe una robustez imponente en algunos pasajes estratégicos. La ágil manera de lidiar con los cambios de ritmo y los coqueteos con el prog-metal prolongan la vivacidad colectiva.

‘The Waltz’ opera con un tempo de vals (naturalmente) para armar y gestionar un interesante enclave jazz-progresivo donde hay espacio para aportes bucólicos de parte de la flauta, así como otros intrigantes desvíos por el área del chamber-rock. Las bases de los teclados guían los continuos tránsitos entre lo prístino y lo denso a través de los tortuosos meandros del desarrollo multitemático. En especial, los dos últimos tercios son bastante desafiantes en su manera de articular todos los elementos de su encuadre general, explayándose en un peculiar derroche de energía expresiva. Cuando llega el turno de ‘Under Broken Skies’, el ensamble se centra en su faceta más sedosa: para ser concisos, se trata de una plácida balada orientada hacia una solemnidad reflexiva donde el espíritu humano. Hay algo Genesiano aquí. El cierre del álbum llega de la mano de la breve composición ‘Solitude’, la cual despliega una agradable aureola de gentileza etérea donde los matices de las cuerdas son bien aprovechados sobre las bases de piano. “Remission” es, a fin de cuentas, un disco inspirado y con suficientes dosis de versatilidad melódica como para mantener a la LOST WORLD BAND como una figura prominente dentro de la nueva generación rusa de rock progresivo sinfónico. A propósito, el grupo publicó el disco “In An Empty Town” en el penúltimo año de 2025 y pronto nos centraremos en él. Pero bueno, ciñéndonos al disco que hemos comentado hoy, lo calificamos como bastante recomendable. 

Muestras de “Remission”.- 

Remission: https://lostworldband.bandcamp.com/track/remission 

Lullaby Part 2: https://lostworldband.bandcamp.com/track/lullaby-part-2 

The Waltz: https://lostworldband.bandcamp.com/track/the-waltz

* Más detalles en la página web de la LOST WORLD BAND: https://www.lostworldband.com/

El camino progresivo de los estadounidenses EDENSONG sigue adelante

 

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En esta ocasión prestamos atención al más reciente trabajo fonográfico del grupo estadounidense EDENSONG. El cuarteto conformado por James Byron Schoen [guitarras eléctricas y acústicas, guitarra portuguesa, banjo de 6 cuerdas, teclados, secuencias y voz], TD “BenBen” Towers [bajo y voz], Barry Seroff [flautas] y Nick DiGregorio [batería y percusión] publicó “The Road To Dust” el 9 de mayo del pasado año 2025 por el sello The Laser’s Edge. El grupo recibió en este disco las asistencias de Shelby Logan Warne (teclados principales, mellotrón y secuencias), Stefano Paolini (piano), Chris Baum (violín) y Robby Schwartz (coros). EDENSONG nos tomó por sorpresa con su disco “Years In The Garden Of Years” del año 2016. “The Road To Dust”, aunque no iguala la grandeza de su predecesor, captura eficientemente la vitalidad esencial y sistemática del grupo. El material aquí contenido fue ggrabado en el estudio Firecat Audio bajo la guía de Schoen y Schwartz. El proceso de mezcla tuvo lugar en los Fascination Street Studios por Johan Martin, mientras que el de masterización se realizó en los Fascination Street Studios en manos de Tony Lindgren. La banda asume colectivamente la autoría de todos los temas del disco. Ben Wigler y Nate Dorr son los autores del arte gráfica.

Revisemos ahora los detalles estrictamente musicales de “The Road To Dust”. La miniatura ‘Of Ascents’ funciona como prólogo del disco al modo de un paraje bucólico con base de guitarra acústica. Sobre una cadencia de 3/4, los fraseos de la guitarra desarrollan un esquema pastoral de talante renacentista. De esta manera, se abre camino al arribo de ‘The Illusion Of Permanence’, una pieza enérgica que se instala cómodamente dentro de una sofisticada ingeniería de síncopas y mesurados quiebres rítmicos. La vitalidad es plena y convincente mientras los instrumentos actuantes se hermanan fluidamente dentro de una bien calculada amalgama de tensiones saltarinas. ‘These Old Wounds’ sigue a continuación para remodelar esta veta de dramatismo rockero con una agilidad más frontal, aunque ciertamente los grooves diseñados para la instauración de los quiebres temáticos siguen siendo fervorosamente complejos. En líneas generales, las vibraciones expresionistas en curso tienen cierta afinidad con una remodelación  prog-metalera del paradigma de la banda compatriota ADVENT. Un cénit del disco. ‘Black Crow’ exhibe un señorío refinadamente fulguroso desde el mismo punto de arranque, abriendo campo a la exhibición de matices progresivos más sobrios. Los meticulosos pasajes centrados en la asociación de guitarra acústica y flauta permiten que esa sobriedad se apodere del núcleo central de la canción, envuelto éste en un manto de aristocrática estilización que sigue incólume mientras la garra aumenta. Cuando llega el turno de ‘Hall Of Statues’, la banda se dispone a jugar más abiertamente con los aspectos más líricos de su visión musical, gestionando un pulido equilibrio entre lo folclórico y lo roquero. El clamor epilogar es simplemente magnífico con sus quiebres inquietos desarrollados sobre una exigentemente versátil arquitectura.

 

Para ‘Book Of Complaints’, el grupo está determinado a volver a dar rienda suelta a su faceta más aguerrida, aunque cabe notar que el candor melódico creado para la ocasión se sitúa en un lugar muy cercano al de SPOCK’S BEARD. ‘Of Ascents (Reprise)’ es lo que justamente indica su título, una labor de remodelación del centro temático de la miniatura inaugural: las expansiones melódicas guiadas por las flautas incluyen unos ingeniosos trucos disonantes. De un instrumental a otro, ‘Wykkr Bäsct’ irrumpe con uba agilidad aplastante para desarrollar una explosiva aventura folk-progresiva. La magia peculiar de la muy destacada dupla violín-flauta tiene un egicaz contrapeso en el armazón guiado por la triangulación de guitarra, bajo y batería. La pieza homónima es la más larga del álbum con sus casi 8 minutos de duración y es también la encargada de cerrarlo. En general, ‘Our Road To Dust’ focaliza su largo espacio de desarrollos musicales en una bien definida síntesis de vigor sofisticado y lirismo cautivador. Todo comienza con una prístina claridad bucólica aunque no tarda en irrumpir el primer registro de ímpetu pesado, asentando un antecedente de hibridización de FATES WARNING y JETHRO TULL para otras emergencias posteriores. Mientras tanto, los pasajes más serenos se encargan principalmente de reforzar el principal foco melódico. El talante ceremonioso de la letanía conclusiva es bastante efectivo. Todo esto fue lo que se nos ofreció en “Our Road To Dust” desde los cuarteles de EDENSONG, una de las bandas más peculiares e interesantes dentro de la escena progresiva estadounidense del momento con raíces sinfónicas. Su eclecticismo en las composiciones y su osado ingenio en los arreglos de las mismas hacen de la banda un gran referente del rock artístico. Una obra muy recomendable.

Muestras de “Our Road To Dust”.- 

The Illusion Of Permanence: https://lasersedge.bandcamp.com/track/the-illusion-of-permanance 

These Old Wounds: https://lasersedge.bandcamp.com/track/these-old-wounds-2

Wykkr Bäsct: https://lasersedge.bandcamp.com/track/wykkr-b-sct-2  

NANKAI TRIO: un viaje jazz-rockero desde Japón hacia la Antártida

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Hoy es el día para presentar a NANKAI TRIO, ensamble japonés de jazz-rock. Conformado por el bajista Masatoshi Mizuno, la baterista Senri Kawaguchi y el guitarrista Shoya Kitagawa. “Antarctica” fue publicado por el sello A=tonal Music en la segunda mitad de abril del pasado año 2025: la autoría de los temas contenidos en él se reparte entre los tres integrantes. El maestro Masatoshi Mizuno es el más veterano del grupo: nacido en el año 1954, tiene en su haber sucesivas membrecías en bandas como FRAGILE, PONTO BOX, PORTFOLIO y SHAKUSYAIN. Por su parte, los otros dos integrantes nacieron a fines de los 90, por lo que podrían portar el rótulo de niños prodigio del jazz-rock japonés actual. O tal vez no tanto, pues la propia Senri tiene experiencia en KKK-CORE, KIYO * SEN y THE JAZZ AVENGERS, mientras que Shoya es integrante del grupo jazz-progresivo DEZOLVE. 

El repertorio del disco comienza con ‘Battle On Southern Sea’, pieza que se erige como la más larga del mismo con su espacio de casi 7 minutos. Tras unos concisos golpes tribales de la batería, el trío se une en un despliegue de lúdica tormenta sonora donde los patentes aires de algarabía están filtrados a través de un vigor sistemáticamente neurótico. El intenso groove fusionesco diseñado para la ocasión tiende puentes con el estándar del Latin jazz mientras hermana los paradigmas de CAB y MAHAVISHNU ORCHESTRA. Los constantemente electrizantes solos de guitarra hallan el idóneo contrapeso en las complejas líneas de bajo, e incluso un solo de dicho instrumento; la batería, por su parte, parece triplicarse masivamente con su suntuosa labor. ¡Enorme inicio de disco! Luego sigue el tema que justamente da título al álbum. ‘Antarctica’ ostenta un esplendor expresivo semejante al del tema inaugural, pero su punche es un poco más distendido y su swing tiene una sofisticación más meticulosa. El tiempo de expansión para las florituras del bajo y de la batería provee un señorío especial al desarrollo temático. Un cénit del disco. ‘Kisame’ incursiona convincentemente en la tradición del jazz-rock de los 70, realizando una nave agil a través de una cálida corriente melódica. La batería es imparable en su llenado de espacios. ‘Nankai Do’ es, en muchos sentidos, un regreso al dinamismo exhaustivo del primer tema, eso sí, con una audacia virtuosa particularmente pomposa. La extroversión reinante ostenta las peripecias de sus numerosos recovecos. Cuando llega el turno de ‘Five Senses’, el trío se dispone a reforzar la suntuosidad reinante con una acentuación de lo rockero dentro del jazz. El fulgor intrépido de la banda está rectamente centrado en el robusto armazón gestado y organizado por la dupal rítmica. 

 
‘Re-Departure’ cambia de registro para explorar una atmósfera solemne donde la prestancia del misterioso núcleo temático y las refinadas vibraciones del swing general sustentan una vivacidad controlada. Los aires fusionescos se proyectan con una garra muy bien perfilada, haciendo que este tema concrete otro momento culminante del disco. A propósito, ¡qué magnífico es el solo de bajo que emerge a mitad de camino! ‘No Control’ supone,  hasta cierto  punto, un regreso al dinamismo más fulguroso que forma parte de la paleta sonora del grupo (especialmente, el tema #2). Operando sobre un compás en 6/8, el ensamble vuelve a hacer gala de su ingeniosa capacidad para dar vueltas a un motif bien definido y reiterarlo con la debida frescura. De paso, el bajo vuelve a destacarse de manera muy relevante en la gestación de un impresionante solo así como en el llenado de espacios dentro del groove global. A su vez, esta alusión al groove nos hace observar (nuevamente) cuán resaltada está la batería dentro de la triangulación grupal. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘Go For A Wander’, una pieza marcada por una serenidad grácil cuyo lirismo relajado nos recuerda un poco a Pat Martino, aunque también a la faceta más tranquila de los WEATHER REPORT de los últimos discos. Hay un vitalismo implícito en el modus operandi del trío, pero su marca expresiva se mantiene un en nivel bastante controlado. Todo esto fue lo que se nos brindó en “Antarctica”, el vigoroso disco debut de NANKAI TRIO. El viaje musical de este grupo supuso una muy interesante sorpresa para las escenas del jazz-rock y de la música progresiva de Japón en el año 2025. Muy recomendable para cualquier buena fonoteca de jazz y de rock artístico, la verdad que sí. 

 
 
Muestras de “Antarctica”.-
Battle On Northern Sea: https://www.youtube.com/watch?v=Z-g5-DX9h9M
Antarctica: https://www.youtube.com/watch?v=H0a3HdFyexE
Re-Departure: https://www.youtube.com/watch?v=7Pd_8MxyBP0

Segunda vida progresiva de los argentinos TRIGÉMINO

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

El pasado 20 de diciembre se publicó el nuevo disco del veterano ensamble progresivo argentino TRIGÉMINO, el cual se titula “Corre Hacia Tu Vida”: el siempre ocupado sello connacional Viajero Inmóvil fue el encargado de la publicación. Contando con la renovada alineación de Jorge Minissale [guitarras y voces], Juan “Pollo” Raffo [teclados y voces], Héctor “Cote” Conrado [voces], Lalo Calello [bajo] y Fernando Samalea [batería y percusión], TRIGÉMINO. Los invitados ocasionales en este disco fueron Carlos Garófalo (voz), Marco Tulio Pusineri (voz) y César Silva (guitarra steel). A fines del año 2018 se publicó “Trampas Para Engañar”, el álbum debut de esta banda cuyos inicios datan del año 1976 y que logró reunir a su cuarteto más clásico para esa ocasión. Si ese primer disco de este veterano ensamble fue el de la resurrección reivindicadora, este segundo trabajo es el de la reconstrucción asertiva. En estos tiempos de “Corre Hacia Tu Vida”, el bajista-guitarrista-cantante Carlos Garófalo y el baterista-percusionista-cantante Pusineri ya habían dejado de ser integrantes de la banda, por lo que Minissale y Raffo recurrieron a Samalea para la batería (un señor que tiene experiencia tocando en las bandas de Charly García, Gustavo Cerati y Andrés Calamaro) y a un viejo conocido de la banda, el vocalista “Cote”. El bajista Calello es la revelación, siendo de otra generación. “Corre Hacia Tu Vida” es un álbum conceptual centrado en la transición de un siglo al otro a través de varios eventos cruciales. Casi todo el material aquí contenido fue grabado, mezclado y masterizado en El Hornero, estando César Silva a cargo de estas labores. Las partes de guitarra fueron grabadas el Beibi Camolek Estudio con Leandro Camelo en la ingeniería de sonido; las partes de bajo fueron manejadas por el propio Calello en el Studio Khatru. El arte gráfica es de la autoría de Guillermo Caputti (1957-2017).

Vayamos ahora a los detalles del repertorio mismo. Durando 4 ¼ minutos o así, la canción homónima abre el álbum con una sólida expresividad arropada por una refinada estilización sinfónica, la misma que ostenta algunos ribetes pastorales. ‘Corre Hacia Tu Vida’ suena como una inserción del Nebbia de 1977 en el paradigma Genesiano de la época 1972-73. Esta canción es suficientemente llamativa como para merecer una duración un poco más larga, pero es que llega el turno de ‘Cosecha, una de las dos canciones del álbum que duran 7 minutos. Ya con el dinamismo de su sección  prologar se advierte que el grupo está  dispuesto a explorar los aspectos más  vivaces de su visión  musical, realzándose particularmente los impulsos aristocráticos de los solos y orquestaciones de los teclados. Eso sí, el talante reflexivo sigue intacto a través de los fulgurosos grooves y los masivos colores que aportan los teclados. En suma, un momento culminante del disco. ‘El Cuarto Gol’ es una miniatura centrada en un clima etéreo que algo tiene de ensueño. De esta manera, se abre paso ‘El Mensajero Del Atardecer’, canción que regresa a la soltura cautivadora que signó a la segunda canción con la adición de un nuevo elemento: aires porteños que se derivan de los sonidos de bandoneón y maderas provistos por los teclados. Ellos activan el motif central y también indican el camino para el swing general. Con la emergencia de algunos desarrollos posteriores que se acercan razonablemente al patrón de los legendarios PREMIATA FORNERIA MARCONI, la canción se erige como un nuevo cénit del repertorio. La segunda miniatura ‘La Espectral Confesión’ es un dueto de piano y voz portador de un aura melancólica. Es entonces que emerge ‘Luz Ausente’ con la misión de elevar esta melancolía hacia una atmósfera primaveral donde ella pueda adoptar unas vibraciones renovadoras. Para cuando se asienta su centro melódico, esta canción revela claramente su intención de preservar el esquema de esplendor suntuoso crucial para el primer álbum. 

 
‘Suma Cero’ sigue por una senda estratégica muy parecida a la de la canción precedente, pero con una musculatura mucho más pronunciada.  Casi coqueteando con el prog-metal melódico mas bien enfocado en la esencia del prog sinfónico, este tema concreta fluidamente la organización integral de todos los cambios de ritmo. Siendo la otra canción que dura 7 minutos, ‘Tu Pesadilla Gira’ es también la pieza encargada de cerrar el repertorio: su esquema de trabajo general es como una síntesis de los principales esquemas sonoros de las dos primeras canciones. Eso sí, aquí se impone un clima mucho más solemne en la ilación de los motivos, esencialmente en los momentos en que la batería asume unas vibraciones marciales; también ayuda la persistente teatralidad del canto, una guía bastante eficiente para el explayamiento de la espiritualidad inherente de la canción. En suma, se trata de un cierre a lo grande para un disco excelente como lo es “Corre Hacia Tu Vida”, uno de los más notables lanzamientos de rock artístico argentino del año 2025. Los 37 minutos y medio que dura su repertorio son más que suficientes para que la gente de TRIGÉMINO se dé abasto para ostentar y sustentar solventemente el ingenio creativo que impulsa a ésta, su segunda vida progresiva. Un disco muy recomendable. 

Muestras de “Corre Hacia Tu Vida”.- 

Cosecha: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/cosecha 

Tu Pesadilla Gira: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/tu-pesadilla-gira
El Mensajero Del Atardecer [vídeo-clip]: https://www.youtube.com/watch?v=Jm4GiStUPqU

CARAVAGGIO y la voz de toda la humanidad en el lenguaje del rock progresivo mediterráneo

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Llegan buenas noticias desde el escenario progresivo italiano: la gente del grupo CARAVAGGIO ha vuelto al ruedo con su nuevo disco “We All We Are”, un álbum conceptual con orientación de crítica sociopolítica que fue publicado por el sello Ma.Ra.Cash Records el 13 de septiembre del pasado año 2025. El grupo conformado por Vittorio Ballerio [voz], Fabio Troiani [guitarras], Serhan Kazaz [guitarras, bouzouki y coros], Piero Chiefa [bajo], Stefano Spitale [acordeón] y Alessio Del Ben [batería] hace gala de su ideario musical aguerrido cuyo nervio es manejado con una meticulosa elegancia bien encuadrada en el esquema del heavy prog. El grupo ha contado con las colaboraciones ocasionales de Tiziano Chiapelli (acordeón), Guido Block (coros), Margherita Fossati (coros), Giulia Bertassi (acordeón) y Lorenzo D’Erasmo (percusión y flauta). El concepto del álbum está centrado en una crítica de la crisis global del modelo democrático para la organización social y las instituciones políticas. Cedemos la palabra al grupo mismo: “Desde la época de Maquiavelo, el ejercicio del poder se ha erigido en una auténtica ciencia, una ciencia que se refina constantemente. Hoy en día, en muchas partes del mundo, la población común se muestra muy dispuesta a elegir autoridades que van a restringir sus libertades y derechos. Para lograrlo, los grupos de poder ya no necesitan imponerse a través de una dictadura, dado que han desarrollado herramientas de comunicación que aseguran el consenso de las mismas masas a las que se propone oprimir.” La gente de CARAVAGGIO propone una alternativa al atomismo social y la resignación: que la gente se vea a sí misma como una fuerza unidad y poderosa. La portada es muy elocuente por sí misma: se trata del cuadro de GUISEPPE PELLIZZA DA POLPEDO Il Quarto Stato, una imagen prácticamente oficial del proletariado en las artes plásticas. Repasemos ahora los detalles estrictamente musicales del disco. 

El repertorio de “We All We Are” comienza con ‘Isolation’, canción vibrante cuyas agitaciones se desplazan fluidamente a través del razonablemente sofisticado groove armado por la batería. Los riffs y solos de guitarra hallan el perfecto complemento en el urgente canto de Ballerio,  siendo así que las estrofas finales incrementan la de por sí notoria pasión. Sigue a continuación ‘Rejoice’, una gentil canción cuyo cuerpo central ostenta aires gitanos y mediterráneos. El pathos de la canción de apertura se vuelve más absorbente mientras la ingeniería instrumental se torna más saltarina. Los dos temas siguientes duran poco menos y poco más de 6 ¾ minutos, respectivamente: son ‘In The Place Where I Was Born’ y la canción homónima. El primero de estos temas mencionados inicia una exploración de las facetas más señoriales del paradigma de CARAVAGGIO. La ceremoniosidad inherente al núcleo melódico halla en los comedidis ornamentos del bajo un recurso de fastuosidad mientras la emotividad nuclear se prepara para recibir un impulso renovador a través de un breve interludio. Las cosas vuelven pronto al esquema rítmico inicial, pero con una musculatura nueva. En lo referente a ‘We All We Are’, la banda echa vuelo con un ímpetu rockero que se siente genuinamente fastuoso a través de su contundente garra. El groove creado por la dupla rítmica añade matices jazz-rockeros al asunto mientras las leves variantes de ritmo aseguran un fulgor especial para la ingeniería grupal. Hemos disfrutado de un momento culminante de lo que va del disco en términos de esplendor progresivo y acto seguido llega el turno de ‘Controversial’, otra canción particularmente ingeniosa. Con su prólogo acústico, la canción se sumerge en un dramatismo grisáceo con matices misteriosos. Es así que los elementos folclóricos entran a tallar dentro de una pulida amalgama donde éstos cohabitan con el ímpetu rockero dentro de una arquitectura versátil. La agilidad es continua, siempre a flor de piel, consistentemente asentada sobre las síncopas pastorales en curso. Otro cénit del disco.

‘White Lies On Our Black Tongues’ tiene un impulso luminoso que se manifiesta de manera dosificada gracias a los suaves juegos de síncopas que se arman desde la sección rítmica. La exaltación implícita en la estructura temática sólo brota parcialmente cuando los guitarreos se tornan más pesados. La secuencia de ‘Behind The Mask, Part 1’ y ‘Behind The Mask, Part 2’ encapsula varios de los aspectos más suntuosos de la visión musical de CARAVAGGIO en una exitosa síntesis de los elementos más suntuosos de varias de las canciones precedentes. Todo empieza con un enclave pastoral arropado por un ambiente  noctámbulo que proyecta un aura de melancol. Cuando todo vira hacia una nueva exploración de estilizada musculatura rockera, el espíritu airado se apodera del índice expresivo de la canción. En lo referente al groove central, se parece bastante al del tema inaugural, pero aquí opera una solemnidad más pronunciada. El solo de acordeón que emerge a mitad de camino añade un color peculiar al paisaje musical y le sigue uno de los mejores solos de guitarra del álbum. ‘Divine Comedy Tarantella’ trae consigo el cierre del álbum y lo hace con una extraña mezcla de BLACK SABBATH y GENESIS con toques adicionales de fusión folclórica. La mezcla funciona porque le da una eficaz variante grácil a la solemnidad heredada de la pieza precedente. Todo esto fue lo que se nos brindó desde los cuarteles del grupo CARAVAGGIO con “We All We Are”, una impactante e intensiva muestra de art-rock progresivo mediterráneo que es como al grupo le gusta definirse. Bastante recomendable.

Muestras de “We All We Are”.-  

We All We Are: https://maracashrecords.bandcamp.com/track/we-all-we-are 

Controversial: https://maracashrecords.bandcamp.com/track/controversial 

Behind The Mask, Part 2: https://maracashrecords.bandcamp.com/track/behind-the-mask-part-2

La capitanía progresiva del músico neerlandés ANTON ROOLAART

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy presentamos el nuevo disco del multiinstrumentista y compositor neerlandés-estadounidense ANTON ROOLAART, el cual se titula “The Ballad Of Captain Jupiter”. A lo largo de este disco, ROOLAART se hace cargo de las guitarras, el bajo, el piano, algunos sintetizadores, la mandolina, el canto y las programaciones de ritmos. Le acompañan en esta aventura Bob Kirby [batería y percusión], Rave Tesar [piano y sintetizadores] y Wouter Schueler [flauta y saxofones], además de Rozh Surchi y Mark Donato a los coros, y Sean Carolan haciendo narraciones periodísticas. La fecha de publicación del disco que hoy nos ocupa está planificada para la segunda mitad de enero. ROOLART es un nativo de los Países Bajos cuya familia de mudó a los EE.UU. cuando era todavía un niño. Con el paso de los años decidió convertirse en músico pero pasó mucho tiempo antes de que se concretara su primer álbum solista: se trataba de “Dreamer” y el año era 2007. “The Ballad Of Captain Jupiter” es su largamente esperado tercer trabajo de larga duración y su enfoque estilístico refñleja su continua preocupación por cultivar un prog sinfónico de espíritu contemplativo. Hoy por hoy, él está afincado en Ámsterdam. El propio ROOLAART confiesa que, para este disco, ha decidido ahondar más en el bajo (sin perder a las guitarras y los teclados como su fuente principal de creación). La producción del disco que hoy nos ocupa fue realizada por el tándem de Wandering Willow Records y MoonJune Records. Las sesiones de grabación se desarrollaron a lo largo de varios años en los estudios domésticos del buen ANTON en Nueva York y Ámsterdam; algunos efectos de sonido fueron registrados en las Iglesias de Santa Lucía y Westerkerk, en Ámsertdam. ROOLAART es, además de todo esto, el autor del arte gráfica. 

 

El repertorio de “The Ballad Of General Jupiter” se inicia con ‘Amsterdam’, una canción  tremendamente inmersa en la típica languidez psicodélica Floydiana. La segunda pieza del álbum es la que justamente le da título y realmente se ajusta al clima gestado por la canción precedente, aunque también es justo notar que cuenta con mayores dosis de nervio rockero y de sofisticación atmosférica. En efecto, la primera sección de ‘The Ballad Of General Jupiter’ se caracteriza por una acidez ceremoniosa que se sostiene sobre una ingeniería solemne, aunque las cosas se agitan un poco alrededor de la frontera del tercer minuto. Este surgimiento de la vivacidad incrementa los aspectos dramáticos que no tardaraán mucho en aterrizar en una serenidad moderadamente suntuosa. De esta manera, se prepara el terreno para el arribo de la siguiente canción, la cual se titula ‘The Cry Of Seven Doves’: dura 9 minutos y pico, erigiéndose como la canción más extensa del disco. Su atmósfera central sigue la pauta contemplativa de las dos piezas anteriores, aunque se nota que hay algo renovador en su armazón instrumental, un refinamiento envolvente que eleva la delicadeza de los implementos sonoros que se van desplegando. Algunos elementos folclóricos entran a tallar en el transcurso de los diversos índices temáticos, llegando a cohabitar naturalmente con los predominantes elementos prog-sinfónicos. Notamos las influencias de GENESIS y RENAISSANCE en el modo en que la emotividad existencialista se despliega como norte expresivo de la canción. ‘Touch Your Desire’ aporta algo nuevo al apostar por la vivacidad, siendo así que la influencia Genesiana adquiere matices señoriales a través de la patente jovialidad. Cuando llega el turno de ‘Star Child’, la canción que abre la segunda mitad del disco, la atmósfera general regresa a la languidez contemplativa cuya envolvente melancolía brota como un anhelo ardiente. El solo de guitarra eléctrica a lo CAMEL añade prestancia al esquema melódico que se ha venido desarrollando con pulcra consistencia. 

‘Rain’ reitera  nuevamente el ambiente general y la espiritualidad expresiva de exploración introspectiva que signa a la canción precedente, pero esta vez con un pathos más pronunciado. Las capas de teclados y el canto desgarrado se proyectan hacia una densidad emocional que algunas canciones anteriores indicaban sin adentrarse a fondo en ella: esta canción nos habla desde esa zona, esa misma inquietud existencial que resulta muy eficazmente realzada por el hermoso solo de saxofón del final. Tras un preludio pastoral de talante sigiloso, ‘And The Sky Turned Yellow’ vuelve a agitar la faceta más vivaz del ideario musical de ROOLAART para los focos instrumentales, siendo así que el bajo tiene un lugar destacado dentro de la amalgama colectiva. Las partes cantadas son un poco más calmadas, pero sus posiciones reciben el candor del fulgor central. El repertorio se cierra con una versión de esa emotiva balada del álbum debut de los legendarios YES que se llama ‘Yesterday And Today’. En manos del buen ANTON, la canción adquiere un arreglo expansivo que permite el ingreso de más colores sonoros, aunque el espíritu del original está muy propiamente preservado. Toda esta fue la experiencia de “The Ballad Of Captain Jupiter”, un disco bastante agradable que pone a ANTON ROOLAART en un lugar importante dentro del prog sinfónico de nuestros tiempos. Empieza bien el año 2026.
 
 
Muestra de “The Ballad Of Captain Jupiter”.-
Star Child: https://anton-roolaart-moonjune.bandcamp.com/track/star-child