Desde la isla rockera de GALÁPAGOS llega "Desierto Avant Garde"

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Esta vez les quiero hablar del grupo argentino GALÁPAGOS, una banda ya experta dentro de la actual vanguardia rockera de su país, y que con su tercer disco “Desierto Avant Garde” logra darle una expresión madura y especialmente vibrante a su propuesta de rock psicodélico de vieja escuela. El fulgor de los pesados riffs de guitarra se conjuga con las tendencias melancólicas y reflexivas de las melodías básicas y letras. Habiendo comenzado sus días como un power-trío, la adición de un teclista en los últimos años ha servido para cimentar su sonido básico con la inclusión de texturas interesantes. El estilo de GALÁPAGOS me parece obviamente reflejado en las influencias de PESCADO RABIOSO e INVISIBLE, tiene ese sabor especial del rock duro clásico de los 70s que tan buenos réditos e intensas vibraciones generó en los inquietos escenarios argentinos; el guitarrista/vocalista Alberto Ántola se esmera en añadir matices heavy extra a sus guitarreos que pueden también inspirarse en los estándares de BLACK SABBATH y URIAH HEEP, además de adornos lisérgicos que nos pueden también hacer recordar al Gilmour de la etapa pre-“Meddle”.

Este disco es muy breve como tal – ¡solo dura menos de 35 minutos! Posiblemente éste sea un reproche que yo pueda hacer a la banda cuando elabora los arreglos de sus ideas musicales: casi todos los temas de este repertorio (por no decir todos) pudieron expandirse en arreglos más expansivos a fin de que la polenta y el gancho que tienen alcanzaran niveles más intensos de lo ya por sí plasmados en el repertorio actual del disco. Pero posiblemente será el único reproche que se lea en esta reseña, pues la música que se escucha en “Desierto Avant Garde” destila garra y carisma a pesar de que son los medios tiempos los que predominan y no viajes sónicos marcados por compases trepidantes. ‘Antenas Y Charcos’, ‘Y Los Días Por Llegar’ y ‘Después De La Guerra’ instalan concienzudamente las líneas predominantes del disco: los dos primeros establecen un lirismo envolvente atravesado de convincente energía rockera (siendo éste un poco más filudo que aquél), mientras que el tercero dispone de la fuerza bajo un esquema más constreñido en aras de impulsar una melancolía más pronunciada. Una vez instalado este panorama general, llega el tema homónimo para explayarse en la antes mencionada melancolía y arroparla bajo un esquema un poco más sofisticado, producto básicamente de la incorporación de ciertas cadencias jazzeras a cargo de la dupla rítmica: esta atmósfera grisácea resulta bastante atrapante.

‘En Línea Recta’ y ‘Qué Se Puede Hacer’ nos muestran a la banda explorando su faceta más “dulce”, estando la primera más inclinada hacia ambientes serenos y la segunda ahondando más en la languidez emocional del momento. El contraste necesario lo otorga ‘Nada Que Ver’, pieza que nos devuelve al sonido INVISIBLE/PESCADO RABIOSO “sabbathizado” que tan efectivo había resultado para las dos primeras piezas del disco. ‘Practicando Tiro Al Ego’ es la pieza más larga: basada en una razonablemente introspectiva atmósfera, su segunda mitad instrumental tiene mucho del estándar etéreo que PINK FLOYD patentizó entre 1969 y 1971. Las cosas culminan con ‘Se Está Cayendo El Cielo’, balada con base de guitarra acústica que brinda una ocasión de meditación casi pastoral para la despedida. La experiencia con “Desierto Avant Garde” ha sido agradable y motivadora; en lo personal, ojalá que GALÁPAGOS se aventure hacia actitudes más expansivas en lo compositivo para sacarle todo el jugo a la consistencia sonora que desde hace buen rato exhibe su propuesta.

Se concluye esta reseña con los siguientes tubitos de esta banda: http://www.youtube.com/watch?v=fR2qEfq_WMI / http://www.youtube.com/watch?v=viTxyOONXoI / http://www.youtube.com/watch?v=YJiS3KpF2rk

La nueva onda jazz-progresiva de ZAAL

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión me propongo hablar de ZAAL, combo genovés creado por el tecladista Agostino Macor para elaborar sus propias tendencias jazzeras dentro de un amplio esquema progresivo. Este grupo nos brinda para 2010 un excelente sucesor de su disco debut “La Lama Sottile” titulado “Onda Quadra”. Macor es un incasable músico metido en mil y un proyectos, cuya relevancia trabajólica dentro del progresivo italiano contemporáneo es comparable a la de su amigo y colega recurrente Fabio Zuffanti (quien apareció como invitado ocasional en “La Lama Sottile” pero que está ausente en “Onda Quadra”). Ahora que ZAAL ha modificado masivamente su alineación con respecto a su registro fonográfico anterior, es oportuno sacar a colación que con una alineación masivamente modificada, Macor y cía. desarrollan un mayor énfasis en sonoridades fusionescas que, en no poca medida, sacan provecho de la presencia de una sección rítmica tripartita (batería, percusión y bajo). Permanecen, por su parte, sólidos niveles de atmósferas envolventes en clave nu-jazz (más recurrentes) o ambient (menos prevalentes). en pocas palabras, el grupo se ha renovado sin perder la coherencia vital de su eje estilístico.

‘Antefatto’ desarrolla un prólogo de minuto y medio en base a una expectativa minimalista sazonada con astrales florituras de saxo y trompeta, abriendo así la puerta a la demostración de pulcro vigor de ‘Quinto Palindromo’, hermoso ejercicio de jazz-fusión en 5/4 que bebe de las tradiciones de WEATHER REPORT y el RETURN TO FOREVER pre-Connors. El swing general de la banda al principio se sostiene sólidamente en la dupla percusiva, mientras que Macor se siente contento de asentar el clima general sabiendo que el saxo y la trompeta sabrán hacer un sabio uso de su libertad pictórica a lo largo de los 9 minutos y pico que dura la pieza. Poco antes de llegar a la frontera del cuarto minuto, se produce un momento de pausa para el surgimiento de un pasaje lánguido marcado por una psicodelia introspectiva, la cual no se siente lejana a las atmósferas de algunas películas de Lynch; pero no es miedo ni suspenso lo que se flota en el ambiente, sino más bien una suerte de relax misterioso. Así las cosas, cuando el motivo inicial regresa poco antes del séptimo minuto, lo hace con dosis aumentadas de colorido y energía (incluyendo un guitarreo cuasi-frippiano a cargo de un invitado), con lo cual se produce un clímax oportuno y bien cuidado. ‘Contare In Cerchio’ suena casi como un tributo al pasaje introductorio del clásico crimsoniano ‘Exiles’, un breve viaje abstracto que para nada anticipa la calidez suave y aterciopelada de ‘Dyane 6’, otra pieza fusionesca donde Macor y co. vuelven a dar su habitual rienda suelta a su nostalgia 70era. ‘Reveil (In The Capsule)’ adopta un aire más netamente cósmico en su sección introductoria, para luego trasladar dicho aire cósmico a una tranquilidad nostálgica en su cuerpo central en clave de nu-jazz. ‘ZLG Reprise’ parece dispuesta a reiterar la ambientación sutil y nostálgica del tema precedente, pero muy pronto establece una variante más extrovertida que la emparenta muy cercanamente a ‘Quinto Palindromo’ y ‘Dyane 6’, con la ventaja adicional de que cuenta con el desarrollo melódico mejor logrado de todo el álbum. La pieza es de por sí bastante colorida pero no dispone de un momento particularmente climático, ni siquiera en su patentemente entusiasta motivo final; es por ello que tiene sentido que ‘Epilogo’ se ocupe de cerrar el álbum con sus climas cósmicos abstractos y minimalistas, los cuales suenan a algo así como un híbrido entre TORTOISE y el TANGERINE DREAM de los primeros 70s. un tema así no hubiera sobrado en un disco de los también italianos LAZONA o ROHMER (donde también actúan Macor y Zuffanti, dicho sea de paso).

Muy buen disco es “Onda Quadra”, y por tanto, Zaal sigue siendo una fuerza creativa interesante para la diversa escena musical progresiva (y otras semejantes) que se viene desarrollando en el mundo, y particularmente en Italia. Por lo pronto, podemos escuchar un tema de este disco en el tubito http://www.youtube.com/watch?v=omfIu0HYUZY - ¡a disfrutar!

Las nuevas irradiaciones prog-metaleras de CANVAS SOLARIS

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión lidiamos con “Irradiance”, quinto larga duración de CANVAS SOLARIS, grupo que se reafirma sólidamente como una de las voces más interesantes y talentosas de la actual escena prog metalera estadounidense. “Irradiance” es un disco que se inserta coherentemente dentro de la historia viviente de la banda sin por ello dejar de sorprender con la adición de elementos novedosos. Una cosa queda clara al seguir la trayectoria de este grupo: siempre evita que cada nuevo disco sea un clon descarado del inmediatamente anterior. Parece mentira que ya hayan pasado 4 años y 3 largas duraciones desde el tiempo de “Penumbra Diffuse”, el disco que vio al entonces trío (los guitarristas Nathan Snapp y Ben Simpkins y el baterista Hunter Ginn) elaborar caminos renovados de eclecticismo osado y bien integrado en un claro síntoma de sana evolución artística. Ahora, con “Irradiance”, el grupo robustece las ventajas de ser un quinteto (desde el disco anterior “The Atomized Dream” que Chris Rushing reemplaza a Simpkins, Gael Pirlot entra como bajista y Donnie Smith hace lo propio con los sintetizadores análogos) para generar algo fresco a partir de pautas mayormente reconocibles. Ningún elogio que se ha estado vertiendo desde esta pluma en los últimos años en relación con trabajos anteriores debe escatimarse hoy para con el disco que pasamos a comentar detalladamente a continuación.

‘Adaptive Optics’ abre el disco con un dinamismo que ya sentimos familiar en el mundo musical canvas-solar: eso sí, se nota que tenemos un tema de apertura un poco menos laberíntico que los de los discos antecesores, y aún así, la complejidad netamente progresiva está allí, claramente operando como un activador de la sofisticada magia provista por los motivos centrales de la pieza misma. Hay un par de solos de guitarra que suena muy a lo power metal, así como hay otros más hipnóticos que se emparentan con la línea típica de unos FATES WARNING. ‘Conveyance Of Flux’ sigue por una ruta similar y se proyecta hacia desarrollos intrincados más directamente a tono con el tipo de composición y arreglo que la banda ha convertido en parámetro, y a la vez, incluye matices novedosos de corte psicodélico, gótico y space-rock en ciertos pasajes, lo cual sin duda repercute beneficiosamente en la creación de niveles efectivos de colorido. ‘The Horizon Feasts On Stars’ no se queda a la zaga de la pieza precedente en cuanto a exploraciones eclécticas dentro de un esquema netamente prog metal, aunque sí se nota la presencia de desarrollos melódicos más cálidos en comparación: incluso se puede notar la cercanía estilística con lo que DREAM THEATER en los pasajes metaleros mejor logrados de sus dos discos más recientes - “Systematic Chaos” y “Black Clouds & Silver Linings” -, y quién sabe si hubieran mejorado ambos álbumes en caso de tener letra y un minuto o dos más de duración. ‘Glacier’ es más corto que cualquiera de los tres temas que la precedieron, pero es la pieza más contundente hasta el momento: hay varios guiños al pasado metal técnico que tan agudamente había practicado la banda en sus inicios, pero claramente es una hija del CANVAS SOLARIS maduro post-1995 en una relación ilegítima con CYNIC. ‘Accelerated Testing Phase’ surca convincentemente un sendero musical semejante al de ‘Conveyance Of Flux’, incluso capitalizando los ornamentos góticos y space-rock con mayor ímpetu. Las flotantes capas de sintetizador del final se engarzan con un efecto de ebullición ultraterrenal que anuncia ‘Threads Of Dead Space’, pieza que no se aleja en nada al tenor general del disco, aunque sí se puede destacar el eficiente uso de un interludio fusionesco (de corte predominantemente arábigo-aflamencado) en medio de la parafernalia metalera, un momento diferente que sirve para el lucimiento del bajo (no a niveles desmedidos) y la plasmación de amables cadencias percusivas.

El trayecto de Canvas Solaris continúa con ‘Soliton (Emergence From Dispersion)’, tema que ya entra en un terreno más afín a DJAM KARET y GORDIAN KNOT: se reitera el rol destacado de las percusiones y se destaca la sobria arquitectura de los guitarreos así como la posición de los teclados (solo de órgano incluido). El apego a un dinamismo menos complejo que utiliza la banda hace que nombres como QUEENSRYCHE y STEVE VAI surjan en nuestra mente para establecer alguna analogía – en fin, se trata de un tema portador de una belleza estilizada. ‘Vapor Chasm’ completa el festival metalero con un aura semejante a la de ‘The Horizon Feasts On Stars’, pero el cierre del disco está reservado para una pieza de predominio acústico. Ésta se titula ‘Null Proximity’, un testimonio de calidez bucólica desarrollada en un sereno ambiente fusionesco que coquetea abiertamente con el Latin jazz. A pesar de que esta pieza enfoca su núcleo en las dobles guitarras acústicas y las percusiones, son las intervenciones del teclado las que llenan su espacio integral de manera decisiva: un bello epílogo para un gran disco peculiar dentro del prog metal contemporáneo.

Como balance final, CANVAS SOLARIS demuestra fehacientemente en “Irradiance” que todavía dispone de ingenio y vitalidad más que suficientes como para mantener renovada su bien definida propuesta artística con cada nuevo disco. Aquí http://www.youtube.com/watch?v=yXDBfaZAO2s podemos chequear ‘Soliton’, y en su Myspace http://www.myspace.com/canvassolaris podemos disfrutar de temas como ‘Adaptive Optics’ y ‘Conveyance Of Flux’, amén de algunas otras piezas extraídas de trabajos anteriores.

KINDER - oferta interesante desde la vanguardia rockera peruana

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

A dos semanas de haber sacado a colación al dúo peruano PILOTOCOPILOTO, ahora les tengo que hablar de otro ensamble compatriota – KINDER. En este joven grupo que lleva seis años de formado tenemos una propuesta sólida de experimentación rockera psicodélica. La formación que finalmente llegó a grabar este disco homónimo debut desde el año 2009 consta de tres guitarristas (Mariano La Torre, Renzo Gianella y Nicolás Gjivanovic) y un sintetista que también aporta secuencias rítmicas (Miguel Delgado). El grupo comenzó sus días como un trío instrumental, pasando pocos meses antes de incorporar a un vocalista en sus filas, pero finalmente KINDER decidió reajustarse a su formato instrumental inicial y focalizar sus energías creativas en una propuesta psicodélica basada en la armonización de post-rock, krautrock y noise-rock con una generosa base electrónica. De verdad que el teclado no es un simple adorno medio escondido entre las tres guitarras, sino que llena espacios, genera diversos matices cósmicos y totaliza la polenta proporcionada por la comunión armada entre los potentes guitarreos de sus tres compañeros. El grupo le saca realmente el jugo a su inusual formación. Hoy en día, Delgado ha sido reemplazado por Christian Vargas.

‘Nolosé’ inicia el disco a punta de inquietas atmósferas electrónicas que pronto abren la puerta a un macizo despliegue de polenta tan robusta como etérea. ‘No’ baja un poco la intensidad a fin de generar un ambiente un poco más otoñal: la arquitectura armada por las tres guitarras es sobria pero no exenta de una efectiva densidad, resultado de la incorporación de elementos post-rock. Luego sigue ‘Simple’, que es una de las piezas más celebradas por la hinchada de KINDER, y realmente es algo justo porque ella refleja cabalmente esa mezcla de filuda agresividad rockera y vuelo cósmico que el grupo asume como marca registrada de su propia forma de crear psicodelia. Algo así como un MOGWAI acelerado por sendas inyecciones de SONIC YOUTH y NEU! El efecto de conversaciones recicladas al final aporta un epílogo travieso al asunto. Un poco más adelante, ‘Simple II’ retomará el mismo efecto tras un preludio engañosamente sereno. En medio de ambas piezas se sitúa ‘27/19’, que suena más confluyente con el KING CRIMSON moderno y GORDIAN KNOT – siendo un tema nostálgico y vibrante a la vez, me hubiera gustado que durara más de los 2 ½ minutos otorgados en el disco. ‘Piloto Automático’ es otra pieza particularmente celebrada de KINDER: portando una innegable aureola a lo RADIOHEAD del nuevo milenio, también se puede advertir matices atmosféricos propios del post-rock. Una pieza con enorme gancho, sin duda. Irónicamente titulado ‘No Bailable Vol. 2’, se trata de un interludio cósmico inundado de pletóricos climas electrónicos a lo TANGERINE DREAM, motivando así un amplio contraste con la catarsis muscular de ‘Simple III’, leal guardiana de la dinámica intensiva provista por los otros dos ‘Simples’. ‘Expedición’ tiene ciertas connotaciones lisérgicas de vieja escuela, posiblemente recibiendo la influencia de grandes nombres añejos como GURU GURU y HAWKWIND, pero sin perder su propia vibración modernizada que parece un “CRIMSON electrónico”. ‘Bata Blanca’ tiene un aire un poco parecido al tema precedente, aunque su esquema compositivo no es tan complejo, y de hecho tiene una languidez envolvente cercana a la onda del actúala RADIOHEAD. ‘Absorber ‘cierra la secuencia de los primeros 11 temas con una intensidad muy semejante a la de los tres ‘Simples’: una vez más, me da la impresión personal de que este tema concluye muy pronto, que pudo ser un poco más expandido sin perder un ápice de su vigor inherente. El tema no. 12 es un bonus track que consiste en la remezcla de la primera pieza que compuso Miguel Delgado para el grupo: un efectivo ejercicio de deconstrucción electrónica.

Con el reciente ingreso del baterista Carlos Freyre – también de PILOTOCOPILOTO –, KINDER se ha convertido en un quinteto y ha logrado robustecer el dinamismo rítmico de su repertorio. Será un enorme placer seguir a esta banda en sus próximas presentaciones en vivo para constatar las expectativas en torno a este robustecimiento rítmico, mas por lo pronto, el disco “Kinder” queda como un referente importante de la actual escena rockera experimental del Perú. Por lo pronto, en estos vídeos (http://www.youtube.com/watch?v=qYk_RoMjr_A - http://www.youtube.com/watch?v=1HOGHdhldmY - http://www.youtube.com/watch?v=BqhBRlAN-xI ) se les podrá ver en acción.

"Romantic Warriors" o el amor al rock progresivo desde una óptica actual

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Tenemos en esta ocasión una reseña muy especial, y lo es porque está centrada en el documental “Romantic Warriors: A Progressive Music Saga”. En realidad, se trata de algo más que un documental, es ante todo una labor de amor hacia un tipo de música que busca desafiar, enriquecer y retorcer los parámetros y los confines del rock, y es mucho el amor que tiene que fluir para con este género habida cuenta las inmensas cuotas de escepticismo, desdén y desatención que recibe tanto de los directores del mainstream como del gran público general. La pareja de José Zegarra Holder y Adele Schmidt desarrolló, creo y produjo este ítem relevante dentro de la comunidad progresiva contemporánea, y de hecho, ya ha llamado sumamente la atención en varios e-zines, enciclopedias y colectivos internautas. José, melómano incansable, es el creador y anfitrión de Autopoietican, nuestro blog de reseñas progresivas. Adele es una cineasta de origen germano y residente en los EE.UU. que ya tiene varios documentales y cortometrajes en su haber – más sobre ella en los enlaces http://www.zeitgeistmedia.tv/about_us.htm y http://www.docsinprogress.org/index.php?option=com_content&view=article&id=52%3Aadele-schmidt-bio&catid=901%3Aabout&Itemid=66 – , y que ahora ha tenido a bien desarrollar su propia visión fílmica sobre el rock progresivo. Ambos comparten para todo el mundo sus amplios intereses por lo innovador y lo estimulante en el arte, en el caso de “Romantic Warriors: A Progressive Music Saga”, la forma de rock más sofisticada que se haya inventado jamás.

No soy el primero en indicarlo, pero nunca está de más reiterar que éste no es un documental armado arquitectónicamente en una secuencia hilada temáticamente con impoluto rigor, sino que literalmente documenta “lo que pasa” en la actual escena progresiva de la Costa Este de los EE.UU. (principalmente los eventos RoF Festival y NEARFest, así como los conciertos en el Orion Studios) en una actitud de exposición relativamente aleatoria, casi como dejando el micrófono abierto y esperando que se vayan dando los asuntos específicos necesarios y más recurrentes. Teniendo en cuenta este enfoque, es un gran éxito de “Romantic Warriors” el haber podido generar un aura de cercanía entre las personas entrevistadas y el entrevistador “anónimo”. Da gusto atestiguar los ensayos y el periplo estadounidense del ensamble mexicano Cabezas De Cera (quienes prácticamente fueron los reyes del NEARFest 2009), así como los trajines por los que tuvo que pasar Deluge Grander - esencialmente un proyecto de estudio - para armar sus primeras presentaciones en vivo y el vigor de bandas como Cheer-Accident, La Maschera Di Cera o Karmacanic, cuyos componentes ya llevan una buena cantidad de años de trayectoria musical: el espectador puede sentir en verdad el derroche de energía que necesariamente acompaña a estas propuestas musicales tan ambiciosas. Desde el área de los veteranos tradicionales, no nos topamos con luminarias como la dinastía de Yes, la tríada de Emerson, Lake y Palmer o los sobrevivientes de Pink Floyd, sino más bien con héroes marginales como Gary Green (el guitarrista de Gentle Giant) y la dupla estadounidense de Stanley Whitaker y Frank Wyatt (ex-Happy The Man y ahora en Oblivion Sun). Gary ofrece una definición del rock progresivo que parece simplista pero que en realidad guarda una complejidad sutil: “encontrar la voz propia y única, esperando que salga algo reflexivo de ella” – se trata, pues, de buscar la plasmación de algo peculiar dentro de las infinitas posibilidades eclécticas que se pueden generar desde el rock, partir de la emoción para llegar a algo bien pensado, corazón y mente unidos en una misión artística. De este modo, la música se halla a sí misma y no tiene que identificarse falsamente con la moda (para Gary, la música de moda no es música real sino tan solo moda). Por su parte, Stanley y Frank aluden sin mayores dramatismos al hecho de que la movida progresiva está destinada a ser olvidada e ignorada por los medios de difusión musical comerciales, y más bien debe encontrar su impacto en escenarios de pequeña cobertura y en un público underground convenientemente dedicado a disfrutarla. Pero si queremos una definición un poco más “concreta”, John Collinge, de Progression magazine, sostiene que el rock progresivo como música de base rockera que intensivamente incorpora elementos de otras fuentes musicales como el jazz, el folk, la cámara y la electrónica: puede sonar trillado, pero hasta ahora son definiciones como ésta las que mayor éxito tienen a la hora de plantear un estándar en la mente como punto de referencia, y eso es lo que se espera de una definición, ¿no? (Desde los lejanos tiempos del inquieto e inconformista filósofo Sócrates sabemos para qué sirve una definición).

Si Gary Green ofreció una pauta general para definir lo progresivo, la gente de Cabezas De Cera le da una concreción particular a dicha pauta al manifestar su intención musical de absorber y reciclar el eclecticismo propio de la cultura urbana y el mundo moderno: México D.F. es definida por ellos como la ciudad de todas las ciudades mexicanas, y por tanto, su multivocidad les basta y sobra para estimular la diversidad de fuentes y recursos en su propio repertorio. Todos ellos evocaban con candoroso cariño sus inicios en el aprendizaje musical, y luego, sus inicios como grupo de rock que buscaba hacer algo nuevo. Dentro de esta incesante búsqueda de cosas nuevas está la creación de instrumentos, incluyendo el Charrófono, un significativo “mito viviente” dentro de la leyenda de Cabezas De Cera. Adicionalmente, el ensamble mexicano se resiste a dejarse etiquetar, y esa misma actitud hallamos en las declaraciones hechas por los músicos de Cheer-Accident, quienes simplemente gustan de calificarse como músicos y compositores rockeros de caminos variados. Particularmente, los miembros de Cheer-Accident ofrecen la consabida distinción entre los músicos progresivos que se focalizan en reiterar esquemas sonoros propios de los 70s y aquellos otros que buscan ir “más hacia adelante” a partir de las influencias añejas recibidas. La gente de D.F.A. es la más explícita a la hora de exponer su proceso compositivo: se parte de cómo uno recibe una idea de otro con una actitud crítica, y en vez de desecharla, la va modificando y aumentando a fin de que se ajuste más a sus expectativas, un juego de correcciones y retos mutuos que finalmente aterrizan en composiciones complejas y de generoso aliento. Ellos mismos reconocen que buscan hacer una música que exija 20 (o más) escuchas atentas para que el oyente se familiarice con ella, pero también saben que esto les impide abiertamente ajustarse a la “ley del disfrute inmediato e instantáneo” que impera en el negocio musical. Aquí se describe una dimensión colectiva de la voz propia y única. Este gusto por crear nuevos recursos de complejidad y desafiar las restricciones usuales del lenguaje musical rockero se plasma también en la intervención de Rob Martino, miembro del Chapman Stick Center: él nos explica un poco en qué consiste su trabajo de procesamientos digitales destinados a reciclar y replantear sonidos no habituales para instrumentos eléctricos de cuerda (incluyendo sonidos vintage de órgano Hammond y mellotron, sonidos realmente fetichistas…).

También hay espacio para proyectarnos hacia el aspecto del negocio musical que existe en torno al mundillo progresivo. Steve Feigenbaum nos habla desde sus oficinas de Cuneiform Records sobre sus inicios en el negocio de ventas de discos de música experimental, siguiendo así el sueño de difundir música que tenía un mérito artístico especial pero que no recibía debida atención de parte de los administradores de las discotiendas donde trabajó desde su juventud. Él nos cuenta cómo su sello sirvió para estimular el trabajo de varias bandas orgullosamente situadas en las veredas más experimentales del género progresivo (los quebequenses de Miriodor parecen ser los campeones del catálogo de Cuneiform), aunque principalmente son las reliquias del Canterbury (bootlegs de Soft Machine, prácticamente todo disco donde esté involucrado Robert Wyatt o Hugh Hopper) las que suponen los ítems de mejor pegada comercial para el sello. En relación inconsciente con ello, también captamos las palabras de Dan Britton, el líder de Deluge Grander, señalando que los grupos prog actuales no solo tienen que luchar contra corriente frente al desinterés del gran público y las grandes compañías fonográficas, sino también contra las reediciones, compilaciones y demás nuevas ofertas de las bandas prog clásicas (Pink Floyd, Yes, ELP, etc.). Al fin y al cabo, toda oportunidad de gloria comercial (en términos progresivamente marginales, claro está) está en las ventas de discos que se realizan en los quioscos armados durante los festivales: a mayor afluencia de público, mayores posibilidades hay de llamar la atención de un público que está genuinamente dispuesto a engrosar sus colecciones. En este sentido, tal como nos vuelve a decir el propio Britton, tocar en el NEARFest es pasar a las ligas mayores pues es la vitrina ideal para la difusión del género. Ahora bien, también vemos en el documental el rol que jugó y sigue jugando hoy en día Orion Studios en la dinamización del progresivo en la Costa Oeste. Creado por Mike Potter hace varios años como sala de ensayo, él siempre fue un fan del rock progresivo desde sus años mozos en los cuales escuchaba música de King Crimson, The Moody Blues, Pink Floyd, etc., mientras veía las estrellas con su telescopio. Desde los años 90s él tiene las estrellas más cerca de sí (estrellas progresivas, claro está), quienes preparan sus ensayos en Orion Studios cuando no tocan en un escenario acogedor para un público que se sabe, de alguna manera, “selecto”. El hecho de que los asistentes cuelguen posters para que otros los puedan ver llevó a la formación espontánea y continua remodelación de un “museo del rock progresivo” – una señal de que parte innegable de la esencia del amor al progresivo es el compartir, más que un acto de generosidad, es un ritual de amor hacia el género que se manifiesta como una búsqueda de la ampliación de ese amor a través de ese mismo compartir. Otra muestra vital de este compartir está en la labor difusora que la entusiasta DJ Debbie Sears realiza desde la estación Prok Rock Diner Radio, siendo ella misma una asidua a los conciertos que se llevan a cabo en los Orion Studios.

De hecho, es de agradecer que veamos imágenes de grupos tocando en el festival ProgDay y en los Orion Studios. La estructura del escenario de Orion Studios da casi la apariencia de que se está ensayando en el garaje: pero bueno, bandas como Phideaux, Karmacanic y Oblivion Sun se sienten bastante cómodas tocando para un público despierto y receptivo. Por su parte, el ambiente campestre y casi “casual” del ProgDay realza ese aire de familiaridad e intimismo del cual las comunidades melómanas progresivas se enorgullecen tanto. Me pareció un poco chocante ver a los miembros de La Maschera Di Cera aguardando pacientemente a que se acercara la gente para comprar discos y solicitar autógrafos sentados en su modesta carpa bajo el sol (era todavía el tiempo de “LuxAde” y uno sabe que con LMDC no hay pierde, por lo que uno siempre se imagina y casi sueña con que el grupo atrape multitudes de fans en el entorno progresivo), pero en las imágenes que los muestran tocando para el magro público reunido en ProgDay sí se capta el factum de su comunión intensa con quienes se dignan prestarles su atención. Las imágenes del grupo japonés Qui tocando en medio del público en un contacto milimétricamente cercano refuerza la idea del ProgDay como un camping musical, no tanto un festival: la música de Qui es idónea para este ambiente, pues pone énfasis en sonoridades acústicas basadas en la fusión y la World Music para generar una línea progresiva a partir de ellas. Los músicos de Qui no son los únicos japoneses que se hacen presentes en el documental: también aparece un ejecutivo de Poseidon Records, una compañía disquera japonesa dedicada a editar y difundir vigorosamente a las bandas japonesas progresivas y experimentales del presente y del pasado. Adicionalmente, las imágenes del local Silver Elephant son impagables: ¡cuántos discos y DVDs en vivo de estupendas bandas japonesas han sido grabados allí! Este ProgDay sirvió a Deluge Grander para debutar sobre un escenario: las vicisitudes por las cuales tuvo que pasar el combo por causa de la ausencia del bajista fueron resueltas con un trabajo duro y corto de arreglos nuevos para un material que es sumamente complejo de por sí en cuento a desarrollos melódicos, cambios de ambientes y estructuras rítmicas. Empresas y esfuerzos como estos justifican el llamado de Mike Potter por que estas bandas surgidas desde fines de los 80s e inicios de los 90s "reciban la antorcha" del rock progresivo de parte de los viejos maestros de tiempos pasados.

Estas y más cosas se pueden apreciar en los 90 minutos que dura “Romantic Warriors”, un documental, un DVD, un testimonio audiovisual, pero sobre todo, una labor de amor.

PILOTOCOPILOTO - una exquisita aventura rockera a cuatro manos

 

 

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión les traigo a colación al dúo peruano conformado por el guitarrista Juan Pablo Aragón y el baterista Carlos Freyre llamado PILOTOCOPILOTO. Sí, han leído bien, aquí tenemos un dúo de guitarra y batería que renuncia a las bases tradicionalmente aportadas por el bajo y a las infinitas potencialidades de otros instrumentos (teclados, saxo, otra guitarra tal vez) para ofrecernos un alucinante disco debut homónimo repleto de electrizantes jams psicodélicos que activamente reciben las huellas del krautrock guitarrero (NEU!, la faceta más netamente rockera de CAN), la neurosis típicamente crimsoniana y el post-rock, así como aspectos del noise-rock y ocasionales cadencias propias del jazz-rock. El sonido de PILOTOCOPILOTO destila energía y vivacidad sin llegar a ser agresivo, lo cual les permite manejar sus lisérgicos viajes instrumentales con una fluidez totalmente natural. En una entrevista concedida recientemente a los medios de prensa musicales, el dúo sostuvo que la ausencia del bajo había ido por un breve tiempo objeto de discusión entre ambos músicos, pero al fin y al cabo, el grupo de por sí se había formado con la idea de trabajar solamente con guitarra y batería, por lo que lo más obvio parecía ser aferrarse al concepto original.

Repasemos ahora el disco en sí. ‘Aerolito’ da inicio al disco con una aureola lisérgica bien lograda, basada en el limpio manejo de la sobriedad otoñal que empapa el minimalista motivo básico. ‘Inducción’ continúa por esta veta lisérgica en base al empleo de un compás más trepidante (la batería se pone enormemente jazzera aquí), lo cual permite capitalizar el factor NEU! en lo que respecta al guitarreo; una vez que tenemos un clima más extrovertido, llega el turno de ‘Infante’ para potenciarlo en un frenesí rockero electrizantemente pronunciado. ‘Ectoplasma’ ocupa un espacio de casi 6 minutos para regalarnos uno de los desarrollos sonoros más robustos del disco: psicodelia pura a medio tiempo que da preponderancia a los pasajes etéreos y que permite ocasionales momentos pesados en aras de generar instantes de tensión crucial. ‘Troglodita’ sí da amplio margen para el desarrollo de colores pesados, aunque la calidez flotante de lo lisérgico se mantiene fresco en los riffs y el rol mayoritariamente rítmico de la guitarra. ‘Sonámbulo’ y ‘Pinball’ ocupan sucesivamente los siguientes 8 minutos del disco – el primero es cadenciosamente sutil y algo misterioso, mientras que el segundo se enmarca dentro de una contundencia firme, muscular y a la vez casi “robótica”… ¡muy kraut! ‘Móvil’ tiene un parentesco muy cercano con la pieza de entrada y con ‘Ectoplasma’. El tema no. 9 no tiene título, siendo así que la banda decidió dejar un espacio vacío en vez de una palabra, así que la lista de temas expuesta más arriba no contiene un error: básicamente, este tema no. 9 el epílogo designado del disco, una serie de espartanos acordes grisáceos de guitarra dispuestos sobre un efecto electrónico de viento.

Esto es lo que nos ofrece PILOTOCOPILOTO desde el margen del mercado musical peruano: psicodelia vibrante y fresca, ejecutada con un toque de distinción y asumida con un patente sentido de la aventura. Algunos temas de este disco “Pilotocopiloto” aparecen interpretados en vivo en los siguientes tubitos.-
‘Aerolito’: www.youtube.com/watch?v=SfXXphCS7FE
‘Infante’: http://www.youtube.com/watch?v=5bKdKUGZooo
‘Pinball’: http://www.youtube.com/watch?v=ufviITolGxQ
¡A disfrutar!

MY SLEEPING KARMA y "Tri", estupenda oferta progresivo-psicodélica para el 2010

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión, durante el epílogo de junio 2010, les traigo a colación al cuarteto alemán de space-rock instrumental MY SLEEPING KARMA, grupo originalmente surgido como proyecto lateral de otro grupo de línea stoner, pero que hoy por hoy cuenta con tres trabajos discográficos en su haber y ya tiene una trayectoria bien definida. Y sobre todo, ha aportado una suerte de frescura dentro de la vertiente cósmica del rock progresivo contemporáneo, generando jams bien elaborados y grooves llamativos desde las coordenadas del rock psicodélico vivazmente empapado de influencias tan variadas como AGITATION FREE, ASH RA TEMPEL, DZYAN, el HAWKWIND pre-“Mountain Grill”, los estándares del post-rock pautados por RED SPAROWES e ISIS, incluso algunas dinámicas crimsonianas que se destilan desde la dupla rítmica [Steffen a la batería y Motte al bajo] en varios pasajes climáticos que entran a tallar. “Tri” es el conciso y expresivo título del tercer disco que MY SLEEPING KARMA nos regala para el año presente 2010.

‘Brahama’ ocupa los primeros siete minutos y pico del disco con un sostenido desarrollo perpetuo de un motivo sutilmente influido por exóticos colores hinduistas. En los momentos en que la sonoridad se torna más agresiva, se vincula más cercanamente al estereotipo stoner. ‘Parvati’ instala un interludio muy a lo post-rock en base a capas superpuestas de etéreos fraseos de guitarra antes de que ‘Tamas’ reafirme los climas principales del primer tema y los lleve a un terreno sónico un poco más filudo. El oyente neófito podrá en este punto hacerse una buena idea sobre el modo en que este grupo maneja su propia energía rockera desde una posición contenida y una línea de trabajo concentrada en generar climas contemplativos y vigorosos a la vez, y éste habrá de ser el tenor general del disco, tal como lo habrá de mostrar al poco rato ‘Shiva’, pieza ágil y llamativa en la que el cuarteto explota con nervio y naturalidad su económica base compositiva. Los acordes básicos extraídos de la guitarra de Seppi y los ornamentos permanentes de los sintetizadores de Norman conforman la base para el bloque sónico integral. Tanto ‘Shiva’ como ‘Tamas’ podrían describirse como piezas perdidas del HAWKWIND clásico rearregladas por un combo de músicos de RED SPAROWES e ISIS. Antes de ‘Shiva’, ‘Sattva’ ofreció un interesante prólogo en base a texturas cósmicas de sintetizador que parecen virar el rumbo hacia vías más introspectivas. ‘Vishnu’ se retrotrae a lánguidas cadencias introspectivas, las mismas que marcan el ambiente inicial de ‘Lakshmi’: lo que sucede a lo largo de esta última pieza es un interesante crescendo psicodélico en el que la bruma del post-rock y el destello del space-rock se fusionan en una manifestación compacta. Por el modo en que el último tema breve ‘Rajas’ recibe el impacto cósmico de ‘Lakshmi’, más parece un apéndice suyo que una introducción a la pieza final, aunque formalmente opera con ambas funciones de una sola vez. La pieza final en cuestión, titulada ‘Sarasvati’, exhibe una notoria dosis de polenta, especialmente sostenida por los matices jazzeros que incorpora el baterista Steffen al esquema rítmico: es como si el trío apelara a sus facetas más sofisticadas para darle un cierre especial al repertorio... ¡y claro que funciona a las mil maravillas!

“Tri” es un buen síntoma del tipo de creatividad que aún puede gestarse desde los manidos senderos del space-rock progresivo; ciertamente, puede suponer una accesible vía de entrada al mundo musical de MY SLEEPING KARMA para quienes aún no lo conocen. Aquí www.myspace.com/sleepingkarma se puede apreciar parte de su repertorio pasado y presente.

Muestras de“Tri”.-
Tamas: https://www.youtube.com/watch?v=ZPk1v6HSH68
Rajas + Sarasvati: https://www.youtube.com/watch?v=n_xYUm8PQ1Q 

El alfabeto progresivo de ADRIÁN ZÁRATE

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión me toca hablar de ADRIÁN ZÁRATE, quien es uno de los más destacados jóvenes talentos musicales que han surgido en la vanguardia mexicana durante esta última década: su instrumento más habitual es la batería, pero también es un teclista bastante solvente, es más, también gusta de desarrollar su talento musical en composiciones de material para bandas sonoras de documentales, música incidental para piezas de danza contemporánea y eventos artísticos varios, etc. Dentro del mundillo progresivo de su país, ya elaboró maravillas desde su rol de baterista en el grupo SAENA (liderado por el maestro JOSÉ LUIS FERNÁNDEZ LEDESMA y gestor de un excelente disco debut que fue uno de los mejores ítems del progresivo mundial hace un par de años). Como solista, a fines del año pasado, ADRIÁN ZÁRATE nos ha brindado “De La A A La Z” a través del sello Luna Negra: se trata de una obra ecléctica donde el gran peso que tienen alternadamente el jazz-rock “progresivizado” y el RIO los convierten en los dos centros estilísticos de la misma.

El primer tema, ‘...Y Tres Hacen Todas Las Cosas’, nos muestra a ZÁRATE desdoblándose en batería, teclados y percusión: es una ejecución exclusivamente solista, no por un trío, y ello repercute en ampliar tremendamente los méritos del mismo ZÁRATE, pues se trata de un ítem alucinadamente complejo, lleno de disonancias y quiebres en fiel seguimiento de las pautas RIO enarboladas por el HENRY COW del “Western Culture”. Esta introducción es un prodigio de cómo se puede acomodar ideas musicales chocantes dentro de un esquema refinado y delicado, pero no es un indicio de una línea de trabajo unívoca, pues lo que sigue inmediatamente después es una serie de temas más concienzudamente enfocados en el factor jazzero: ‘Dónde Es’ ofrece climas introspectivos e intimistas, ‘Coincidencias’ sube la dosis de extroversión sobre una cadencia funky emparentada con la fusión de los 70s (MAHAVISHNU, RETURN TO FOREVER) y ‘Heavy Mental’ se concentra en la polenta propia del jazz-rock de tendencias contemporáneas. Como antesala a esta última pieza que mencionamos, la breve pieza homónima elabora un ejercicio de chamber-rock bastante pulcro. La ideología de la continua novedad se proyecta con el arribo de ‘Banda De Rock’, un rock’n’roll burlón que satiriza directamente la lógica del mercado rockero: una composición como ésta no hubiera desentonado en un disco de FRANK ZAPPA de los últimos 70s (p.e., “Zoot Allures”). La breve aventura dadaísta ‘Avándaro’ (notas sueltas de piano y un raro monólogo) sirve de puente entre ‘Banda De Rock’ y ‘Dunkellicht’, hermosa pieza de corte RIO cuyo suntuoso esquema académico le permite proveernos de un momento de lirismo en medio de su explícitamente bizarra naturaleza.

‘Luz Vestal’ es una pieza académica para violines, viola y contrabajo (se usa una violectra para reemplazar materialmente a la viola) que toma el lirismo de la pieza precedente y lo lleva hacia una dimensión poética. ZÁRATE no toca nada en esta pieza, pues deja que su colega de SAENA Alejandro Sánchez se haga cargo de casi toda la instrumentación, pero ADRIÁN enarbola arreglos crucialmente misteriosos para esta pieza en cuestión. Ello responde precisamente a la necesidad de abrirnos las puertas a la extravagante secuencia de los tres siguientes temas: ‘Grrins Liivs’ (surrealista deconstrucción de la famosa cantata renacentista inglesa ‘Green Sleeves’ en base a tarareos inescrutables y aleatorios adornos percusivos), ‘Memorias Del Origen’ y ‘Florece’ (sendos ahondamientos sesudos en la ideología RIO de fuerte componente digital). Los últimos 8 ½ minutos del disco están ocupados por ‘Estuve En Tiempo Encerrado’, pieza que exhibe un encanto muy peculiar, encanto basado en su mezcla de fusión con predominancia percusiva y experimentación crimsoniana a lo BRUFORD/LEVIN: los juguetones coloridos que ZÁRATE sabe extraer de sus rototoms y demás recursos percusivos se explayan sólidamente sobre el swing peculiar que él mismo establece desde su batería, mientras que el invitado de lujo Hugo Santos ( otro colega en SAENA) aporta ideas gravitantes desde su Stick. Así concluye el ecléctico viaje musical que ADRIÁN ZÁRATE ha forjado en este bizarro alfabeto progresivo titulado “De La A A La Z” – especialmente recomendado a los melómanos de mentalidad abierta y curtida.

"In Case Of Loss...": el rédito progresivo de AREKNAMÉS para 2010

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Nos llegan más buenas nuevas para la escena progresiva italiana: AREKNAMÉS está de vuelta cuatro años después de su épico segundo disco de estudio “Love Hate Round Trip” y nos trae esta nueva joya retro-progresiva titulada “In Case Of Loss…”. El cuarteto dirigido por el teclista-cantante Michele Epifani mantiene una esencia estilística consistente en lógica conexión con la propuesta que la banda ha venido cultivando desde su álbum debut pero es claro advertir que en comparación con la densidad sombría y épica del “Love Hate Round Trip”, los matices preferentemente reasaltados en “In Case Of Loss..” resultan más luminosos en las de por sí emocionalmente oscuras composiciones. VDGG y PETER HAMMILL siguen siendo los principales referentes de influencia dentro del esquema compositivo que Epifani plantea en la dirección musical de la banda. Para este nuevo material, los guitarreos reducen su nivel de intensidad en la mayor parte del tiempo, y más bien se permiten dar más espacio a la elaboración de texturas: menos IOMMI y más HACKETT, por así decirlo. Y bueno, ya que estamos notando estos detalles, también se advierte que los teclados y el canto de Epifani agilizan sus aportes dentro del entramado sonoro.

‘Beached’ abre los primeros casi 7 minutos del disco con un muestrario de ágil space-rock portador de un swing llamativo, tal vez incorporando elementos del PORCUPINE TREE pre-“In Absentia” (y algo del RADIOHEAD maduro de nuestros días). El ambiente general de la pieza es agradable y contagioso, con una luminosidad que va a contrapelo de la abrumadora desesperación nihilista que había inundado el repertorio del “Love Hate Round Trip”. ‘Alone’ y ‘Dateless Diary’ sí guardan una relación más directa con el espíritu explosivamente sombrío del mencionado segundo disco. El primero, tras comenzar con lo que parece uan secuencia de cajita musical, establece un dinamismo muy nítidamente vandergraffiano con un inteligente manejo de razonablemente complejas secuencias rítmicas matizadas con cadencias jazz-rock (al estilo de “Godbulff”), mientras que los arreglos de saxos añaden una prestancia colorida al asunto. Por su parte, ‘Dateless Diary’ genera un despliegue de matices progresivos más envolventes, logrando así balancear las vibraciones cáusticas inherentes a la pieza anterior con estas dos canciones que acabo de mencionar siento que el fade-out llega demasiado pronto. ‘Don’t Move’ encarna el que se puede calificar como el momento más cálido del disco: se trata de una balada progresiva que tiene más que ver con la explícita faceta romántica de HAMMILL que con las semblanzas atormentadas que el estándar VAN DER GRAAF suele mostrar en bloque. A pesar de la existencia de ciertos pasajes intensos a lo largo de su tema central, prevalece una aureola etérea a lo largo de la pieza que resulta cautivadora (atención a esos cristalinos fraseos emitidos por el piano eléctrico), además de una expresión distinta del aspecto introspectivo que también sale a relucir del ideario musical de Epifani. ‘A New Song’ parece recibir una herencia directa de la aureola contemplativa de ‘Don’t Move’ en lo referente a su lenta sección inicial, pero cuando llegamos a la segunda sección, la furia emerge sin empachos ni complejos, muy a lo retro (imaginemos un híbrido de VDGG y GNIDROLOG contaminado de aires a lo DEEP PURPLE y ornamentos a lo GREENSLADE). El clímax resultante es contundente, inapelable, electrizante. ‘Where’ baja un poco (solo un poco) los decibeles a fin de instalar un punto medio entre los temas 1 y 3. La suite ‘The Last Number’, que cierra el disco, es una composición que se somete a los estándares de ambición musical y actitud dramáticamente épica que uno siempre espera de este tipo de expresiones progresivas. El tenor general de esta composición es introspectivo y melancólico, lo cual se nota ya desde los primeros instantes, plasmados en sonoridades sobrias y expectantes: la ambición musical y el dramatismo están allí, pero aquella está marcada por una sobriedad cuidada y ésta se expresa bajo un ropaje de tranquilidad emocional. La presencia de un solo de saxo a la hora de aumentar cuidadosamente la vibración ambiental ayuda a incrementar la aureola de melancolía en varios momentos. Aquí encontramos una bien hilada alternancia de motivos jazzeros y psicodélicos, moderadamente pesados y líricamente sinfónicos. Respecto a lo último, cabe destacar algunos arreglos de violoncello que entran a tallar para crear una ambientación cálida y poética. El clímax conclusivo está muy bien armado, bien a tono con el legado del VDGG 70-71. La coda que cierra la pieza definitivamente tras unos segundos de silencio está ejecutada al clavicordio con una mezcla de barroco y vanguardismo disonante: reconocemos este recurso a lo BALLETTO DI BRONZO, ¿no?

Balance final – tenemos aquí una obra importante para el legado progresivo que se está generando en lo que va de 2010. AREKNAMÉS tiene parte de la responsabilidad de esta buena onda que siento respecto a los lanzamientos progresivos italianos que más han llamado mi atención en esta primera mitad de año.

Los espectros progresivos de DELTA RED

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Proveniente de la localidad de Querétaro (una zona muy prolijamente musical del centro de México), el power-trío DELTA RED ha culminado estos primeros años en el oficio musical con el registro de su excelente disco debut “Gama De Espectros”, el mismo que data de finales del año pasado 2009. Este disco es una atrapante muestra de rock progresivo ecléctico que se basa principalmente en una mixtura de psicodelia pesada y jazz-rock, mostrando afinidades claramente definidas hacia la fusión, la experimentación rockera a lo BOZZIO LEVIN STEVENS, el math-rock y unos cuantos recursos crimsonianos en ciertos lugares. En cuanto a referencias latinoamericanas, la polenta adusta de DELTA RED se asemeja más a la faceta eléctrica de TRYO y de los pioneros de la fusión progresiva argentina ARCO IRIS que a la garra estilizada de MAR DE ROBLES o de ERGO SUM.

Ocupando los primeros casi 12 minutos del disco, la pieza homónima nos muestra a unos DELTA RED dispuestos a abrir el disco a lo grande y vaya que lo logra. Desde los instantes iniciales, el grupo se explaya con un largo jam en 5/4 que habrá de conformar el cuerpo central de la pieza. Éste se arma una atmósfera de consistencia y expectativa desde la cual se alumbra una sonoridad rockera sólida y moderadamente apremiante, a veces subiendo el nivel de intensidad, en otras ocasiones más contadas derivándose hacia parajes marcados por una sutileza contemplativa. ‘Estampida’ inicia subiendo la velocidad y enfilándose en una estampida musical en la que el grupo acuda a cadencias jazz-funky, lo cual logra que el esquema sonoro resulte ágil. Para su segunda mitad, el espacio torna hacia ambientes más lánguidos, los cuales insertan una saludable variedad al asunto en clave meditabunda. ‘Segunda Premier’ desarrolla una ambición similar a la del tema homónimo con la salvedad de que el derroche de electrizante energía rockera incorpora ambientes más variados y culminaciones rockeras más poderosas: la polenta resultante se expande con cada nuevo riff, cada golpe de tambor, cada secuencia rítmica. La ilación de motivos frenéticos y lentos alternados está armada con impecable fluidez. La verdad que la pareja de – ‘Estampida’ y ‘Segunda Premier’ establece un clímax inapelable de todo el disco en bloque. ‘Cuarto Oscuro’ se basa es una pieza abiertamente texturial en su esquema compositivo, pero su aureola envolvente no se traduce en sonoridades suaves: por el contrario, porta una dosis importante de aspereza en la mayor parte de su desarrollo, parcialmente heredera del crimsonismo. La presencia de un eficaz saxofonista invitado ayuda bastante a llenar espacios y crear ornamentos interesantes.

‘Día Fuera Del Tiempo’ funciona perfectamente como una muestra significativa del tipo de propuesta progresiva que DELTA RED pretende esencialmente aportar al mundo, y básicamente se puede decir lo mismo de ‘Opus 14’, pieza que establece patentes conexiones estilísticas con el RUSH clásico y el KING CRIMSON 72-74 de manera entusiasta. Estos dos temas junto con ‘Estampida’ y ‘Segunda Premier’ conforman, en mi opinión, los momentos cumbres del álbum. Por su parte, ‘Ciempiés’ se orienta en ahondar el factor jazz-fusión sobre una prominente cadencia funky: la coda en clave fusión tropical elabora una oportuna vibración optimista a la hora de redondear decisivamente la idea. ‘El Dique’ ofrece al comienzo climas lánguidos y misteriosos en clave de jazz-rock psicodélico, al modo de un HOLDSWORTH “hendrixiano”; para cuando el ambiente se torna más áspero y pesado, las cosas se tornan más cercanas al rock pesado de LED ZEPPELIN con añadidos matices jazzeros, y la fase final es realmente pletórica en sonoridades cañeras y ágiles. Los últimos 8 minutos y pico del disco están ocupados por ‘Venus’, pieza que pasa revista definitiva a las coordenadas estilísticas que el trío ha estado explorando con absoluta consistencia hasta el fin – un cierre entretenido y enérgico que completa el sentido de “Gama De Espectros”, un testimonio de la amplia creatividad que se da actualmente dentro de la vanguardia rockera mexicana. DELTA RED merece plenamente la atención de los coleccionistas e investigadores del género progresivo.

Muestras de “Gama De Espectros”.-
El Dique: https://myspace.com/deltared3/music/song/el-dique-the-dam-53841898-58239872
Venus (en vivo): https://myspace.com/deltared3/music/song/venus-live-38504904-40702974 

DAAL - un origami disorgánico hecho rock progresivo

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Saco a colación en este post a otro grupo que he conocido un poco tardíamente: me refiero a DAAL, proyecto italiano conformado por los dos veteranos Alfio Costa (teclista de COLOSSUS PROJECT, PROWLERS, TILION, etc.) y Davide Guidoni (baterista-percusionista de NUOVA ERA, TAPROBAN, OZONE PLAYERS, etc.). Su disco 2009 se titula “Disorganicorigami”, el mismo que resulta una mezcla de tributo a y reformulación de varias pautas clásicas del género progresivo, producto de una línea de trabajo sanamente ecléctica donde la variedad de ideas musicales en curso logra mantenerse bien focalizado en un esquema integral. Antes de este disco, esta dupla ya había concretizado su participación en una grabación multi-grupal de tributos al rock progresivo sueco titulado “Rökstenen”; además, está actualmente preparando sus aportes respectivos para un tributo progresivo al “Paraíso” de Dante y otro a los relatos de Edgar Allan Poe, ambos a ser publicados por Musea Records en el futuro próximo. Varios invitados van y vienen para aportar matices y solos desde la guitarra, los vientos, las cuerdas, el bajo y las voces, logrando así completar dinámicamente las ideas compositivas de Costa y Guidoni.

La diversidad de estrategias estilísticas que confluyen dentro del bien perfilado concepto sonoro de “Disorganicorigami” abarca al space-rock, al sinfonismo, a cosas cercanas al prog metal, a pasajes de corte free-jazz, incluso a una especie “modernizada” de rock in opposition junto a amables recuentos del estándar del así llamado World music. También hallamos en este disco sendos tributos a PINK FLOYD y al RAGNAROK sueco (en realidad, este último es un bonus que consiste en el cover de un tema del segundo disco e RAGNAROK para el mencionado recopilatorio “Rökstenen”). Con ruidos de sirena de alarma antibélica y secuencias sintetizadas espaciales se arma el clima de la pieza introductoria ‘Holocaustica’, un alucinado viaje musical por el camino del space-rock cuasi-metálico. Es una secuencia de latidos la que nos conecta con el siguiente tema ‘Chimaira’, el cual hereda mucho de los climas cósmicos y heavy del tema de entrada pero para reciclarlos a través de una confluencia entre el dinamismo del rock psicodélico y la fastuosidad imponente del rock sinfónico más ostentoso, con inocultables (aunque no exagerados) matices de prog-metal que entran a tallar con el fin de realzar el colorido general. Los riffs de guitarra son bastante contundentes desde su rol funcional, pero es en el perfecto encuadre entre el swing de Guidoni y los variados recursos que Costa extrae de sus sintetizadores y pianos donde radica la esencia de la pieza. ¿A qué sonaría OZRIC TENTACLES tocando un tema compuesto para el primer álbum de GORDIAN KNOT y contando con Gavin Harrison como baterista invitado? La respuesta se sabrá escuchando este tema… y de paso, dejándose cautivar por él. ‘Mo(o)nso(o)n’ sigue a continuación para trasladar el hasta ahora imperante ambiente space-rock hacia una dinámica ágil que combina la experimentación étnica del World music y apabullantes sonoridades astrales cibernéticas que nos remiten tanto a TANGERINE DREAM como al OZRIC TENTACLES de los primeros 90s. El solo de violín a cargo del invitado Riccardo Palfanin alterna pasajes de evidente corte académico con otros más etéreos que se condicen con las alusiones étnicas anteriormente mencionadas. Después de una sirena antibélica y un cardiograma, que no nos sorprenda que un tono de teléfono sea el ítem que introduce el cuarto tema, ‘Brain Melody’. Aquí la cosa pasa a un sendero menos astral y más cerebral, afín al estándar del chamber-rock galo (sí, algo así como UNIVERS ZERO). Los aires de misterio y tenebrismo se plasman perfectamente en las espartanas escalas de piano y capas de mellotron que emergen sobre la arquitectónica base rítmica armada por Guidoni. El siguiente tema, ‘The Dance Of The Drastic Navels, Part 1’, dura casi catorce minutos y medio. Durante sus primeros 3 minutos, el asunto está focalizado en ambientes concretos electrónicos que tienen mucho en común con el krautrock de base sintetizada (TANGERINE DREAM, CLUSTER), pero poco después la cosa vira inesperadamente hacia una excursión de free-jazz bastante solvente. Dentro del contexto musical que se había estado explayando en los primeros cuatro temas del disco, esto no parecía tener sentido, pero una vez que nos detenemos a escuchar lo que está pasando, podemos advertir la solidez técnica con la cual se desempeña el dúo. El invitado Alessandro Papotto, quien había aportado algunos matices de oboe a través de la secuencia espacial inicial, opera en la porción free-jazz con musculares elaboraciones al saxo. Al llegar al sexto minuto y medio, volvemos por un rato al minimalismo concreto para luego tornar hacia un modelo sinfónico inquietante que suena a un ELP “crimsonizado”. Parece mentira que se pueda crear tanta robustez rockera sin que esté involucrada ninguna guitarra… pero es realidad. Poco antes de llegar al minuto 10 se produce un nuevo y definitivo regreso a los climas cósmicos, un poco a lo JOBSON-con-VANGELIS.

Los siguientes 3 minutos del disco están ocupados por la pieza homónima. Ruidos mecanizados y respiraciones generan un espíritu de expectativa en medio de un contexto industrial, y esto es solo el principio de la extravagancia. El tenso solo de saxo a manos de Papotto y los samplers de bandas militares completan este cuadro musical abstracto que parece evocar imágenes surrealistas inspiradas en la deshumanización del mundo contemporáneo. El tributo a la emblemática banda PINK FLOYD llega con un cover de ‘A Saucerful Of Secrets’, un producto osado y original que logra crear algo renovado a partir de esta referencia universal para cualquier melómano progresivo. DAAL se vale de su propio interés por explorar artilugios digitales dentro de lo progresivo para impulsar su propia creatividad en relación con esta pieza ajena. La sección final recibe una dosis especial de candor merced a la intervención de una dupla vocal femenina. ‘Children Of Our Dreams’ es el epílogo del repertorio oficial del disco – basado en un bonito motivo de piano, incluye sobrios arreglos de cuerda y madera además de algunos ornamentos industriales en el trasfondo. La idea de esta pieza es extender un manto de bella serenidad sobre las inacabables alusiones a una inquietud inminente, y realmente es una idea excelente para completar el concepto de “Disorganicorigami”. No perdamos de vista a DAAL: quién sabe qué nuevas sorpresas progresivas nos brindará en el futuro.

"Coyote", la nueva fiera exquisita de KAYO DOT

HOLA AMIGOS DE AUTOOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy traemos a colación a una exquisita fiera progresiva engendrada por las expertas mentes y manos de KAYO DOT, ensamble estadounidense liderado por la dupla Toby Driver-Mia Matsumiya y que, hoy por hoy, encarna una de las expresiones más lúcidas y osadas de la vanguardia rockera estadounidense. Dicha fiera se titula “Coyote”, un concept-disc que se inspira en la visión de la propia mortalidad tal como se trasluce en las letras escritas por Yuko Sueta, narradora y artista visual amiga de la banda que estaba luchando sus últimas batallas contra el cáncer mamario que le afectaba: ella falleció mientras este álbum estaba en post-producción, por lo que naturalmente está dedicado a su memoria. La formación actual de la banda incluye a David Bodie (batería y percusión), Daniel Means (saxo alto), Terran Olson (teclados y saxo tenor) y a Tim Byrnes (trompeta), además de los ya mencionados Toby Driver (quien canta y reduce su aporte instrumental al bajo) y Mia Matsumiya (quien no luce tanto su principal ítem, el violín, y lo alterna con intervenciones a la guitarra eléctrica).

KAYO DOT comenzó como un derivado de MAUDLIN OF THE WELL, y al igual que éste, se propuso generar climas densos y atmosféricos impulsados desde lo gótico y lo metalero y encuadrados dentro de una mixtura de post-rock y progresivo experimental. Así podemos describir, grosso modo, los rasgos más distintivos de los dos primeros discos “Choir Of The Eye” y “”. Tras un notoria revolución interna, el tercer disco “Blue Lambency Downward” expuso una reorientación hacia una recurrencia de climas ensoñadores y sutilmente inquietos, producto de una refinada confluencia de post-rock, free-jazz y chamber-rock. Y bueno, ahora con “Coyote”, tenemos a KAYO DOT enfocado hacia el afinamiento del trabajo realizado en el disco precedente por vía del reforzamiento de la línea chamber-rock. Al menos, eso es lo que advertimos sin mayores dificultades en el tema de entrada ‘Calonyction Girl’, el cual instala de manera frontal e inapelable la aureola de exquisita tensión que habrá de ser norma recurrente de la obra integral: el asunto musical está tremendamente focalizado en el estándar del RIO francófono, y si no fuera por el canto casualmente urgente de Toby Driver, sería fácil confundirse con un disco cualquiera de UNIVERS ZERO o VORTEX. El efecto claustrofóbico del esquema sonoro global se sostiene en buena medida en las notas sostenidas emitidas por la dupla de saxo y trompeta. Poco antes de llegar a la barrera del 5to minuto, el esquema instrumental se suelta un poco más para llevar la tensión reinante hacia una dimensión más ágil, pero lejos estamos de llegar a un aligeramiento de la atmósfera psicológica. ‘Whisper Ineffable’ está a cargo de ocupar los siguientes 11 minutos y pico, y ciertamente conforma un pico de fastuosidad dentro del repertorio. El preludio de 3 minutos establece una larga expectativa donde la densidad se puede casi tocar a través del aire: la personalidad de Tim Byrnes impone una fuerza especial incluso desde antes que la batería ingrese para armar un esqueleto adecuado para la acción conjunta de todo el ensamble. Cuando ello efectivamente sucede, el grupo desarrolla una sonoridad retorcida donde el ambiente general en clave post-rock se nutre crucialmente de cadencias jazzeras vanguardistas y climáticos ornamentos de corte space-rock. ¿Y qué hay del canto de Toby Driver? Parece un trovador urbano en trance que hace que su voz expresen confusión y rabia al unísono. En el séptimo minuto, las cosas transitan hacia un pasaje lánguido marcado por pulsaciones convenientemente dispersas que fluidamente preparan el terreno para la coda orquestada, muy a lo RIO también.

A continuación siguen las dos piezas de la sección ‘Abyss’. La primera, ‘Sleeping Birds Sighing in Roscolux’, expresa los primeros momentos de auténtica extroversión sónica del disco: se trata de un viaje psicodélico bien llevado por el enérgico solo de órgano distorsionado de Olson, mientras que las cadencias semi-tribales de la batería impulsan casi todo el tiempo un logrado clima industrial. La segunda parte, ‘The Shrinking Armature’, conforma el segundo momento fastuoso del disco, y me animo a señalarla como la cúspide inapelable del disco. El viaje orquestal que el ensamble desarrolla durante los primeros 4 minutos y medio es excelso y sublime, marcado por un sentido controlado de la pomposidad y con una clara herencia de los 3 primeros discos del añejo UNIVERS ZERO. Cuando emerge la breve sección cantada, el esquema sonoro vira hacia un surrealista clima post-rock envuelto en calculados climas cósmicos, resultando algo similar a lo que podríamos escuchar en una escena de “Mulholland Drive” o “Lost Highway”. Después sigue una nueva secuencia instrumental notablemente signada por juegos disonantes de metales, órgano y violín, ágilmente trasladados por la móvil arquitectura rítmica de Bodie, quien genera su mayor lucimiento en el presente repertorio. La tensión está latente todo el tiempo, no muy difícil de notar, y sin embargo hay una ingeniería siempre serena en el sendero instrumental marcado por los músicos. Más aún, la pieza logra desarrollar un descenso refinado durante su último minuto y medio, evocando así la imagen de algo que se está alejando o desvaneciendo de a pocos. La última canción del disco, ‘Cartogram Out Of Phase’, es una triste e intimista elegía a ritmo de lento blues que el ensamble sabe reelaborar en clave de free-jazz contemplativo. Posiblemente yo hubiera deseado que durara un poco más esta canción de despedida, pero sin duda que está muy bien articulada para cumplir a la perfección su papel de epílogo para este disco.

En fin, el balance general de “Coyote” es altamente positivo: la renovación musical plasmada en este disco no implica una chocante ruptura con lo anterior sino una continuidad coherente con lo que hasta ahora es la historia viviente de KAYO DOT. Una última pregunta: ¿por qué no dura ni siquiera 40 minutos?

Rock progresivo al cubo: PSICOTROPIA y su nuevo disco

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Traemos ahora a colación el nuevo trabajo de PSICOTROPIA, power-trío madrileño que ha venido desarrollando una empresa musical consistente y sostenidamente escalonada dentro del rock vanguardista español desde los días de su homónimo disco debut. Lo que tenemos ante nosotros ahora es su tercer lanzamiento fonográfico, “Psicotropia3”. ¿Esto es lo que hay que esperar del disco?, ¿el testimonio de PSICOTROPIA al cubo? Más bien, lo que el guitarrista Pablo tato, el bajista Jaime Mariscal y el baterista Juan Llull nos brindan es un enfatizado refinamiento del sendero focalizado que ya se había delineado claramente en su trabajo anterior “Grog” – esto es, PSICOTROPIA ha decidido para este tercer disco perseverar uniformemente en reafirmar su maduración dentro de unas pautas que conocen al dedillo… ¡y les ha salido muy bien!

‘Habanera’ abre el disco con un fulgor rockero directo y preciso, propiamente fiel a la esencia del esquema sonoro y el swing de PSICOTROPIA (esa rehabilitación metaleramente crimsoniana del estándar PRIMUS-con-TOOL que les sale tan bien). La inserción de un pasaje del “Carmen” de BIZET a ritmo justamente de habanera añade un elegante toque humorístico al asunto. El viaje musical de inicio ha sido enérgico y sofisticado, lo cual nos permite abrirnos de frente al solo de batería con el que se inicia ‘Piedra’. Una vez instalado el ensamble, un compás jazz-rock bastante cadencioso establece un ambiente como de película de detectives no exento de cierto aire a farsa. Pasado el tercer minuto y medio, nos enfrentamos a un estupendo interludio en clave math-rock - y ojo a los matices que se añaden merced al teclista invitado Carlos Plaza, los cuales ayudan a realzar el color funky que se da en ciertos momentos específicos. Tras un tema extrovertido y otro que coqueteaba parcialmente con climas neuróticos, siempre es bienvenido un tema más calmo: en este caso, ‘Tinta’ nos brinda un momento reflexivo en una predominante alternancia de 6/8 y 7/8 sobre un compás moderadamente lento. Los arreglos de cuerda que entran a tallar a mitad de camino son realmente hermosos, y cuando se prolongan hasta completar el regreso de la sección cantada le dan una cierta aura sublime al canto de Tato. En este momento, la pieza vira hacia un desarrollo extrovertido bien calculado que lejos de romper con la melancolía reinante la lleva a un clímax rockero intenso que no desbocado. Lo que sí es puro fuego rockero es el breve instrumental ‘Country Grog’, un estupendo ejercicio de prog metal en el que el grupo explota al máximo su estructura de power-trío. ‘Patos’ comienza con una vibración melancólica quizá semejante a la de ‘Tinta’, e incluso se beneficia también de pulidos arreglos de cuerda, pero pronto la pieza pasa a desarrollar variantes de motivos y ritmos al más puro estilo progresivo. Por supuesto, la persistencia de los violines y cellos proporcionan capas de sonido que llenan oportunamente los espacios dejados abiertos por el trío central. En general, ‘Patos’ tiene que ser una de las composiciones más complejas de toda la historia de PSICOTROPIA. ‘Los Espectros De Kronstadt’ es una exhibición de puro vigor, tema que combina el gancho propio del rock con empuje vital y la fineza propia del modelo PRIMUS-KING CRIMSON que PSICOTROPIA hace suyo. ‘Oigo Silencio’ es lo opuesto total a esa mole sonora que supuso la canción ‘Oigo Voces’ del disco debut: ‘Oigo Silencio’ es una exploración en ambientes inundados de languidez en un reposo que tiene mucho de inquietud latente. La pieza logra crear efectivamente un clima etéreo y sus seis minutos y pico pasan casi volando. El epílogo del álbum no puede ser más estupendo cuando ‘Bella’ es la pieza que ocupa el rol de cerrar el mismo. Con un inicio marcado por juegos de riffs que nos retrotraen a tiempos primigenios de ZEPPELIN y SABBATH, la sección cantada se instala en un ambiente más contenido. Así las cosas, la pieza tiene una base para impulsar un ordenado juego de variaciones que de alguna manera me recuerda al tema ‘Madre Tierra’ de su disco debut. Los teclados de apoyo llenan espacios sin mucho barullo, mantienen una discreción atinada dentro del esquema sonoro en curso. Y eso que esta vez son dos los invitados a las teclas: Carlos Plaza y su hija, miembros de KOTEBEL.

Resumiendo y recapitulando, se concluye que “Psicotropia3” es una muy lograda exhibición de la faceta más muscular del rock progresivo de nuestros días. A través del forjamiento de su propia veteranía, PSICOTROPIA se mantiene como un sólido referente dentro de la experimentación rockera que se viene realizando en España en lo que va de milenio.