OVRFWRD nos muestra la luz de la música progresiva actual

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OVRFWRD es el peculiar nombre de un cuarteto progresivo estadounidense de reciente formación y que deleita nuestros oídos melómanos con su trabajo debut “Beyond The Visible Light”. Si alguien se hace problemas con este nombre exento de vocales, pues pronúnciese ‘over forward’. Formado a fines de 2012, OVRFWRD surgió de la congregación de cuatro músicos- el guitarrista Mark Ilaug, el teclista Chris Malmgren, el baterista-percusionista Rikki Davenport y el bajista Kyle Lund – preocupados por hacer música instrumentalmente inteligente y compleja a partir de su amor compartido por el ideal del rock progresivo: el hecho de que se trate de un cuarteto netamente instrumental se deriva de la ausencia de un vocalista con el cual habían pactado grabar unas maquetas, pero según parece, este circunstancia signada por el destino se tradujo en una ingeniería musical precisa y sistemática: a fin de cuentas, “Beyond The Visible Light” es un trabajo que se hizo relativamente fácil de pulir y completar hasta llegar a la expresión acabada que tiene desde enero de 2014, que es cuando el sello Rock Slacks Music lo publicó. Los OVRFWRD citan a un millar de grupos a la hora de reconocer sus influencias: RUSH, YES, PINK FLOYD, OPETH, IRON MAIDEN, MAHAVISHNU ORCHESTRA, KING CRIMSON, etc. – vamos a ver cómo se traduce este manifiesto tan ecléctico en la música contenida en este disco en cuestión.

Durando 8 minutos, ‘Can We Keep The Elephant?’ abre el disco con inconfundibles gestos de fastuosidad y fuerza de carácter a través de los desarrollos temáticos que tienen lugar. Pagando cuotas por las deudas estilísticas que exhiben respecto a las escuelas clásica (YES, KANSAS, PINK FLOYD) y  revivalista noventera (SPOCK’S BEARD, GLASS HAMMER) del ideal progresivo, el cuarteto se siente seguro al enfrascarse en sus modelos melódicos y solos que salen a colación. La inserción de un lento motivo cósmico en el intermedio está muy bien hecha, preservando la fluidez del acontecimiento musical mientras añade una sorpresiva variante frente al cuerpo central de la composición. ‘Stones Of Temperance’ sigue a continuación para imponer, en su primera sección, un aura de solemnidad sobre la base que articula el piano, siendo así que los fraseos de la guitarra logran en algún momento ponerse también al frente para ayudar a la idea general de la pieza a mostrar una actitud dramática. En la segunda sección es la guitarra acústica quien asume el rol de núcleo vital para la instrumentación global, siendo así que el sintetizador se encarga de elaborar una orquestación etérea, haciéndose notar sin convertirse en un recurso abrumador: puede sonar a un lento de DREAM THEATER traducido a los parámetros de YES en su legendaria evolución musical que tuvo lugar entre los años 1971 y 1973. Más adelante, el piano vuelve a ocupar un rol importante con el propósito de armar un retorno a la primera sección sobre el cual el ensamble pueda construir un momento épico antes del pasaje final, el cual es suave en su expresividad y convincente en su talante lírico. Con sus 11 ¼ minutos de duración, ‘Raviji’ se erige como la pieza más larga del álbum. Su núcleo temático inicial, centrado en sabores orientales, es estructuralmente sencillo, lo cual da pie a la banda a explorar concienzuda y meticulosamente las maneras de sacarle el jugo a través de una sólida exhibición de jazz-rock; más adelante nos topamos con un vibrante interludio donde el toque progresivo viene filtrado a través del estándar de la psicodelia pesada. Es una pena que este pasaje tan llamativo no sea más extenso, pero lo que sigue después es una hermosa sección ceremoniosa anticipada por un preludio acústico, y es así donde nos complacemos al disfrutar de un momento mágicamente lírico; la puerta está abierta para volver al pasaje inicial y redondear la faena con nuevos desarrollos melódicos. Si imaginamos una versión cuasi-stoner de MAHAVISHNU ORCHESTRA con ciertos toques añadidos de DJAM KARET (de los álbumes “The Devouring” y “A Night For Baku”), entonces nos haremos una buena idea de la onda de esta pieza.

 

‘The Man With No Shoes’ es otro tema marcado por una ambiciosa expansión: dura 10 ¾ minutos. Los núcleos temáticos de esta pieza nos remiten a aires de familia con ‘Stones Of Temperance’, o sea, una alternancia sólida de pasajes líricos y otros robustos bajo un manto de magnificencia majestuosa. El interludio parsimonioso brinda una oportunidad estelar para que la guitarra de Ilaug explora matices jazzeros sistemáticamente alimentados de envolvente sobriedad; su extensión le permite operar como idónea preparación para el arrebato hard-rockero liderado por el órgano Hammond (muy a lo DEEP PURPLE) y la coda que habrán de armar la conclusión de la pieza. Tras este viaje monumental, viene la última travesía sonora de la banda con ‘Darkest Star’, un tema que se explaya en ambientes melancólicos y contemplativos para darle una armazón etérea al muy sencillo desarrollo temático – podemos trazar paralelos con los momentos épicos del CAMEL 78-80 así como con el PINK FLOYD de la etapa 73-75 para hacernos una idea de la onda general de esta pieza. Definitivamente, el solo de guitarra que emerge durante el momento climático de ‘Darkest Star’ porta un talante muy Gilmouriano aunque con una robustez afilada que identifica a JOHN PETRUCCI. De hecho, el elemento agresivo es explotado de manera moderada para subir los decibeles y el nivel de sofisticación musical para el cierre, lo cual brinda un giro muy interesante a los pasajes finales del disco... y de hecho, ese corte abrupto al final refleja a cabalidad la persistencia tenaz de la tensión conclusiva.   

 

“Beyond The Visible Light” es realmente una estupenda carta de presentación para OVRFWRD: prog predominantemente sinfónico que ostenta un eclecticismo vital y relevante para la inserción y amalgamiento de matices y recursos sonoros varios. Este grupo nos da muy buena espina, por lo que recomendamos ampliamente que se lo descubra cuanto antes.

Muestras de “Beyond The Visible Light”.-

Can We Keep The Elephant?: https://www.youtube.com/watch?v=tccJ977fPKY

Raviji: https://soundcloud.com/ovrfwrd/raviji

ACCORDO DEI CONTRARI y su tercera gran victoria jazz-progresiva

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Hoy nos agrada comunicarnos con los/as lectores/as para hablar sobre esta nueva gesta musical de la banda italiana ACCORDO DEI CONTRARI, una de las más notables e ingeniosas dentro de la escena jazz-progresiva existente en su país: su título es “AdC”. Consistiendo todavía de la formación de Christian Franchi [batería], Giovanni Parmeggiani [teclados], Daniele Piccinini [bajo] y Marco Marzo [guitarras], los ACCORDO DEI CONTRARI contaron también con las ocasionales e importantes colaboraciones del violinista-violista Vladimiro Cantaluppi y los cellistas Enrico Guerzioni y Marina Scaramagli. Lo que tenemos en “AdC” es, en su mayor parte, una cosecha de las sonoridades y grooves plasmados en su genial disco anterior “Kublai” (del año 2011), pero esto no quiere decir que los músicos de ACCORDO DEI CONTRARI se refugian en una fórmula sino que fortalecen su propia voz con un vigor nuevo, y muchas veces, ampliado. Es un disco incandescente, ostentando su intensidad en los núcleos temáticos de composiciones sesudamente complejas, que no abstrusas. Podemos añadir que el factor jazzero es un motivador más amplio en el esquema sonoro del grupo que en los dos discos anteriores, y al igual que ellos, parece destinado a recibir espléndidos elogios de parte de melómanos y coleccionistas. Vayamos a los detalles del repertorio.

Durando 9 ½ minutos, ‘Nadir’ da inicio al disco con un esplendor sónico imponente: en efecto, se trata de una abundancia de ser transformada en un dinamismo jazz-progresivo electrizante y colorido que empieza engañosamente con un preludio de flotantes capas de sintetizador pero que pronto descubre sus vibrantes colores y llamativos dinamismos a través de su ilación de motivos. Los aires de familia con sus compatriotas de D.F.A. y los canadienses de MIRIODOR, así como los legados de BRAND-X y COLOSSEUM II, son definitorios de esta maravilla que se explaya ante nuestros oídos. Hay un pasaje cacofónico que sirve para meter algo de inquietante neurosis en medio del versátil colorido sónico que tiene lugar. ‘Dandelion’ sigue a continuación para entregarnos otra electrizante gozada, esta vez de 4 ¾ minutos y con un foco temático más concentrado en una versión robusta de los estándares de NATIONAL HEALTH e ISOTOPE a través del filtro de unos NIACIN, o por decirlo de otro modo, una revitalización rockera del Canterbury. La compleja armazón rítmica de Piccinini y Franchi es simplemente sobrehumana, y además, cabe hacer una mención especial al solo de guitarra que emerge desde la frontera del tercer minuto. ‘Seth / Zeugma’ abre con un experimento interesante en el preludio, basado en el piano acústico y un trío de cuerdas donde se nos abre un paisaje musical diferente: algo más cercano al chamber-rock de GATTO MARTE y ARANIS, aunque con una aura más densa que los primeros y una agilidad más coqueta que los segundos. Ya cuando entra a tallar el grupo en pleno, se enfila hacia un nuevo exorcismo de los inmortales fantasmas de NATIONAL HEALTH con a través de un filtro netamente moderno. ‘Dua’ nos remite al espíritu de los primeros discos del BILL BRUFORD GROUP tanto como a COLOSSEUM II, mostrando así una agitación sofisticada en torno a motivos bien dibujados dentro de una arquitectura pulcra. Hay un solo de órgano tremendamente vivaz que permite a la pieza regodearse en su propia agilidad.

 

‘Tiglath’ conforma un nuevo momentum esplendoroso para el álbum, durando poco menos de 8 ½ minutos. Su talante inicial se muestra sigiloso y crepuscular, como en varias composiciones de los legendarios PERIGEO y del WEATHER REPORT 72-74, y ciertamente estos sellos se hacen más intensos cuando el groove y las interacciones instrumentales aumentan sus cuotas de vigor al instalarse el cuerpo central. Los duetos de guitarra y sintetizador tienen mucho de RETURN TO FOREVER (etapa del “Where Have I Known You Before”), mientras que los pasajes más frenéticos nos remiten a las aventuras jazz-rockeras de JEFF BECK. ‘Piu’ Limpida E Chiara Di Ogni Impressione Vissuta, Parte II’ cierra el disco ampliando una idea iniciada en el tercer tema del disco anterior “Kublai”: la calidez de los arpegios de guitarra acústica sirve como eficaz base para los efluvios majestuosos del trío de cuerdas y los calculados deslizamientos de las notas de piano. Este final ensoñador y misterioso sirve como epílogo perfecto para un disco excitante, hermoso… ¡y demasiado breve! Ni siquiera llega a los 40 minutos de duración, pero sin duda se trata de una obra jazz-progresiva como la copa de un pino. ACCORDO DEI CONTRARI ha logrado con “AdC” asegurara su permanencia en el parnaso de la música progresiva italiana de los últimos años. ¡Altamente recomendado!

Muestras de “AdC”.-

Nadir: http://accordodeicontrari.bandcamp.com/track/nadir

Dua: http://accordodeicontrari.bandcamp.com/track/dua

QUANTUM FANTAY y sus rituales prog-psicodélicos para la Madre Tierra

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El grupo belga QUANTUM FANTAY vuelve a la carga con una nueva gema del prog psicodélico contemporáneo: “Terragaia”. Ya estamos a 10 años del momento de su formación y con este nuevo disco ya suma cinco discos de estudio hasta el momento dentro de una carrera que también incluye dos discos en vivo. Actualmente, QUANTUM FANTAY consta de Pete Mush [sintetizadores y efectos], Jaro [bajo, djembé, didgeridoo y canto], Gino Bartolini [batería, djembé y otras percusiones] y Dario Frodo [guitarras eléctricas y acústica], contando con las colaboraciones ocasionales de Anaisy Gómez (integrante del grupo cubano ANIMA MUNDI) a la gaita y de Nele Casneuf al arpa. La deserción del flautista Charles de la alineación oficial de QUANTUM FANTAY no ha impedido que aporte algunas líneas de flauta a ciertos temas del disco: por lo demás, la riqueza sonora que el grupo siempre ha sabido generar desde su propuesta space-rockera ampliamente inspirada en los paradigmas de OZRIC TENTACLES, GONG y HAWKWIND noestá menguada en lo absoluto. Claro está, en los cuarteles de QUANTUM FANTAY se ha gestado y madurado algo más que una labor de clonación de influencias precedentes, y la misión de “Terragaia” es la de seguir asentando esta personalidad propia dentro de la continua renovación de tradiciones progresivas específicas. Vayamos al disco en sí, ¿vale?

‘Journey To Earth’ da inicio al disco con un vigor llamativo desde donde se da un punche decisivo al muy exótico motivo del jam central; el viraje hacia cadencias reggae que se da en algún momento ayuda a darle un giro nuevo al colorido vigente. Con ‘Azu Kéné Dékké Leppé’, la banda experimenta con una mayor complejidad rítmica a través de los sucesivos empleos de elementos tribales, factores sinfónicos, incursiones en el space-rock de inspiración Tentacular y simpáticos interludios latino-tropicales: un collage genialmente armado, sin duda. ‘Desert Rush’, el tercer tema, se encarga de elaborar una arquitectura rítmica trepidante sobre la cual las intervenciones de la guitarra y los sintetizadores se dan mucho abasto para reflejar vigor a flor de piel… y de paso, darle un nuevo giro de tuerca al paradigma de OZRIC TENTACLES. ‘Aargh’ ofrece un cambio de registro al insertarse en aires célticos: parece casi un remanente del disco solista de IAN ANDERSON “Divinities” debidamente sazonado con ornamentos psicodélicos de sintetizador y con un nervio más directo en la labor del baterista. Las presencias de la gaita de Anaisy Gómez y el arpa de Nele Casneuf son oportunas en pasajes estratégicos, y lo mismo vale para la flauta de Charles. Durando casi 11 minutos, ‘Instant Karma’es la pieza más larga del álbum. Siguiendo por un sendero conocido pero añadiendo elementos de sinfonismo y jazz-rock al asunto, la banda sabe cómo manejar y sostener el gancho de los jams sucesivos y mantener genuinamente la atención del oyente. Cabe hacer una mención especial a Frodo, quien elabora magníficos solos de guitarra – acústica y eléctrica – en varios pasajes de este tema. ‘Chipsticks And Gongs’ vuelve a la entusiasta trepidación rítmica de ‘Desert Rush’ pero con una mayor riqueza típicamente progresiva en el desarrollo de sus motivos melódicos: incluso las partes de flauta y algunas intervenciones de la guitarra suenan muy a lo JETHRO TULL.

  

Hasta ahora el álbum va muy bien, no apartándose mucho de lo que aprendimos a esperar de un álbum de QUANTUM FANTAY pero con un estupendo despliegue de ingenio en cada ítem del repertorio, y cuando llega el turno ‘Indigofera’ no nos decepcionamos porque nos ofrece un interesante ejercicio de medios tiempos etno-psicodélicos con un correcto manejo de cadencias tribales a través de un razonablemente sofisticado esquema rítmico; incluye también algunos pasajes de didgeridoo. ‘Yah Roste Fooroap’ empieza como un dub-reggae de talante psicodélico (un truco utilizado por lo menos una vez en cada disco de OZRIC TENTACLES), y así se establece el cuerpo central de la pieza. Un interludio reflexivo abre campo para que se desarrolle un hermoso solo de sintetizador cuya serena vibración volverá a emerger más tarde durante el segundo momento del pasaje reggae. Para el momentum final, el grupo se explaya por un momento en un frenesí que parece un HAWKWIND “tecnificado” antes de replantear el reggae en clave de ska cósmico sazonado con aires arábigos. ‘Cowdians’ es la segunda pieza más extensa del álbum durando poco más de 10 minutos. Tras un prólogo expectante que resuena un poco al prototipo del VANGELIS de los 70s, el grupo se enfila hacia un motivo country-rock que nos toma de sorpresa de una forma agradable. Los posteriores desarrollos hard-rockeros y jazz-rockeros sirven para darle una sólida prestancia progresiva al asunto mientras se sigue desplegando en su ambicioso espectro temporal. El final consiste en un reprise del prólogo seguido de un último aliento rockero basado en uno de los riffs que antes habían hecho acto de presencia. En fin, ‘Journey From Earth’ cierra el disco con una magnífica entrada al mundo del sinfonismo puro (se notan ribetes de YES y CAMEL en el espíritu musical que ilustra el cuerpo central) mientras conserva el groove intenso del space-rock estandarizado: de hecho, esta preservación sirve de acicate para que el grupo elabore un ejercicio de furia rockera en el crescendo crucial. El breve pasaje final de sintetizador supone una coda muy agradable.

Fueron alrededor de 70 minutos de música progresiva cósmica y la verdad que ningún minuto ha sido desperdiciado en cuanto a grandeza sónica… ni siquiera un segundo: QUANTUM FANTAY se sigue afianzando como una figura líder del prog psicodélico europeo y no da indicio alguno de decadencia creativa en el presente o el futuro próximo. “Terragaia” es un deleite altamente recomendable para los coleccionistas progresivos de todo el mundo.

Muestra de “Terragaia”.-

Desert Rush: https://www.youtube.com/watch?v=RVF6mGdUjeo

Yah Roste Fooroap: http://www.youtube.com/watch?v=vjyGIgl5D5Q

KAUKASUS, un mágico proyecto progresivo de Escandinavia

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Hoy es hora de presentar a un trío escandinavo que realmente es un súper-grupo donde se congregan luminarias progresivas de Noruega y Suecia a partir de experiencias en bandas tan variopintas como JAGA JAZZIST, MOTORPSYCHO, THE OPIUM CARTEL, ÄNGLAGÅRD y WHITE WILLOW: nos referimos a KAUKASUS, que ha publicado su primer disco titulado concisamente “I” a inicios de mayo pasado. ¿Y quiénes son estas luminarias? Pues… Ketil Vestrum Einarsen [flautas alto y soprano, corno tenor, flauta preparada, hulusi, piano eléctrico, saxxy, spektrals, sintetizador EWI],  Rhys Marsh [voz, guitarras eléctrica, acústica y pedal steel, bajo, pianos acústico y Fender Rhodes, mellotrón, caja de ritmos ] y Mattias Olsson [batería, percusión, marimba, mellotrón, Orchestron, Optigan, pedales Moog Taurus, sintetizadores VCS3 y Mother modular system, guitarra barítono]. Pues sí, la palabra «luminarias» ha sido bien empleada. Se ha utilizado nada menos que tres estudios para registrar y producir el repertorio del álbum: Hestehagen Studio (en Oslo), Autumnsongs Recording Studio (en Trondheim) y Roth Handle V (Estocolmo). En efecto, se trata de un proyecto de estudio concebido y grabado por tres mentes ubicadas en tres lugares distintos… y aún así, la sinergia musical plasmada en el repertorio del álbum da buena fe de la sintonía intelectual y estética que congregaba a estas tres mentes a través de la distancia. El resultado es una musicalidad sinfónica peculiar y moderna, de innegable raigambre escandinava, sensible al ingreso de recursos propios de la psicodelia suave, el pop-rock aventurado y ciertas tonalidades ocasionales propias del krautrock sintético.

 

‘The Ending Of Open Skies’ abre el álbum mostrando una musculatura rotunda y efectiva tras unos segundos iniciales signados por climas cósmicos aleatorios. La vitalidad desarrollada por Olsson desde su asiento detrás de los tambores y platillos sirve para impulsar la energía exhibida por el bloque instrumental íntegro. El canto de Marsh se sitúa cerca de David Sylvian estilísticamente hablando aunque su rango y tonalidad ligeramente ronca lo aproximan más a (del grupo polaco QUIDAM). Luego sigue ‘Lift The Memory’, canción que dura casi 9 minutos y que constituye un pináculo dentro del repertorio general. Su mezcla de fuerza de carácter y oscuridad emocional ubica al grupo en un cercano parentesco con el espíritu de los últimos discos de WHITE WILLOW y de ANEKDOTEN, tal vez con una mayor cercanía a la solemnidad etérea al primero de estos grupos mencionados. Las capas de teclado y los retazos de color dibujados por los vientos sirven para hacerse eco del aura melancólica explícita en el canto de Marsh, mientras que la labor de la batería se instala y diversifica según se da la ocasión de centrarse en los aspectos más apasionados o más lánguidos de la canción. ‘In The Stillnes Of Time’ y ‘Starlit Motion’ se suceden para seguir reforzando y ampliando la visión musical de la banda. El caso de la primera de estas canciones se basa en una confluencia entre la emotividad dinámica del mejo prog moderno (QUIDAM, RPWL) y la patente vulnerabilidad espiritual de unos RADIOHEAD; por su parte, ‘Starlit Motion’ es todo un trance electrónico flotante que nos remite a los tiempos del krautrock electrónico de tendencia minimalista (TANGERINE DREAM, CLUSTER). 

‘Reptilian’ – que es, dicho sea de paso, la canción más larga del álbum con sus más de 9 minutos de duración – focaliza sus energías en sembrar nuevos recursos de colorido sonoro después del peculiarmente intenso viaje introspectivo que supuso la dupla precedente. Lo que nos brinda ‘Reptilian’ es un nuevo cénit de expresividad y musicalidad exquisita donde la tensión emocional se recubre de elegantes capas de niebla sobre un esquema rítmico urgente, que no abrumador.  El breve interludio basado en capas de mellotrón sugiere una cierta aureola amenazante, pero en realidad se trata de un recurso para generar una expectativa nueva para el oyente; de hecho, el clímax sónico en 7/8 nos ofrece un agradable recordatorio de aquellos tiempos en los que las huestes de LANDBERK y ANEKDOTEN mostraban un ímpetu nuevo y peculiar del paradigma Crimsoniano en la provincia escandinava del revival de los 90s. ‘The Witness’ regresa a atmósferas del tipo de ‘In The Stillness Of Time’, incluso ahondando más en su neblina introspectiva. La manera en que se interconectan los ornamentos de viento y guitarra pedal steel es crucial para completar el retrato emocional que se basa en el dueto de voz y teclado. En fin, ‘The Skies Give Meaning’ cierra el álbum casi aparentando que cierra la idea de ‘The Witness’, pero su climática exaltación grisácea y densa conforma una entidad perfectamente autónoma, empapada (una vez más) de medidas influencias Crimsonianas filtradas a través de los paradigmas de WHITE WILLOW y LANDBERK. Pocas veces puede la melancolía revestirse tan genuinamente de vigor, pero ciertamente eso es lo que hace este trío con el cénit conclusivo del disco.

Han sido poco más de 45 minutos de gloria progresiva los que nos han regalado KAUKASUS con “I”, un disco que reactiva y condensa algunas de las cualidad más notables que habían convertido a la ola revivalista escandinava como un referente esencial para el rock progresivo de los últimos cinco lustros. Ojalá KAUKASUS tenga más iniciativas en su horizonte cercano, pues “I” nos ha gustado bastante… ¡y de hecho, lo recomendamos!

Muestra de “I”.-

Lift The Memory: https://www.youtube.com/watch?v=t2_xpSZ_h4w

In The Stillness Of Time + Starlit Motion: https://www.youtube.com/watch?v=m8mBwdphyRc

Las bolas de sonido de FEM

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Hoy centramos nuestra atención en FEM (o FORZA ELETTRO-MOTRICE, como se prefiera llamarlo), un grupo progresivo italiano formado en 2007 a partir de las cenizas de varios otros grupos disueltos que se dedicaban a hacer versiones de viejos grupos progresivos. Pues bueno, una vez formado FEM, sus integrantes se pusieron a hacer lo mismo mientras empezaban a crear sus propias composiciones, las mismas que finalmente llegan ahora a integrar su disco debut, el EP “Epsilon” de 2102, y ahora “Sulla Bolla Di Sapone”. Este disco que contiene 15 temas fue publicado por el sello Fading Records a fines de marzo pasado, y supone una muy grata sorpresa para los amantes del rock sinfónico de ayer y hoy. La banda está alineada por Paolo Colombo [guitarras y voz], Alberto Citterio [pianos, órgano, sintetizadores, mellotrón y voz], Marco Buzzi [bajo y voz], Emanuele Borsati [batería, percusión y voz] y Massimo Sabbatini [voz principal]. Este último reemplaza a Giacomo Balzaratti, quien había participado en “Epsilon”.“Sulla Bolla Di Sapone” es un disco conceptual basado en un relato del alemán Kurd Lasswitz, una de las figuras más celebradas de la literatura de ciencia-ficción: esta estructura conceptual explica por qué las 15 piezas están hiladas en un continuum, además del hecho de que casi siempre se establezca sucesiones mutuas entre temas cantados e instrumentales.

‘Il Giardino Delle Consuetudini’ pone en marcha las cosas con un inconfundible sello Emersoniano-Yessero que se alimenta oportunamente con alusiones al viejo paradigma de PFM y los más recientes de TRANSATLANTIC y KARMACANIC. La dupla de ‘Microgen’ y ‘Microgen Parte 2’ nos brinda una versión más exaltada de lo mismo, abriendo campo hacia una eficaz expresividad dramática de parte del vocalista principal y una musicalidad notablemente más ambiciosa de parte de los instrumentistas. ‘Il Mondo Bianco Opaco’es un bello instrumental basado en el piano al cual se añaden orquestaciones de sintetizador y ornamentos armónicos de glockenspiel, con lo cual se prepara el terreno para el ligero dinamismo jazz-rockero de ‘Consapevolezza’; el cálido cierre con base de piano nos remite al instrumental inmediatamente precedente. ‘Incontro Con I Saponiani’ es un nuevo instrumental que vira las cosas hacia un filo más agresivo, añadiendo matices góticos y casi metaleros al sabiamente complejo desarrollo temático que, a pesar de durar poco más de 2 minutos, arrolla con su exuberancia imponente. ‘Nella Città’ porta una espiritualidad ágil y vibrante que exuda tremendas dosis de afinidad con YES y LA MASCHERA DI CERA: el colorido melódico es patente en el desarrollo del cuerpo central, pero la coda se arma en base a grisáceas capas de sintetizador desde donde se proyecta el esplendor ceremonioso del siguiente tema, ‘Il Signore Dei Pensanti’, un instrumental que se mueve en las coordenadas intermedias de LED ZEPPELIN y PINK FLOYD en sus pasajes más pesados, virando luego a los paradigmas de BMS y PFM en sus momentos más fastuosos. Un gran instrumental que se puede apreciar como un hermano “más serio” del incansablemente juguetón ‘Microgen’. Cuando emerge ‘Processo Alla Verità’, se nota que recibe de lleno el impulso de ‘NellaCittà’ e ‘Il Signore Dei Pensanti’ debido a su policromático dramatismo: también incluye una cita de ‘Microgen Parte 2’ en su epílogo.

‘Riflessioni’ incorpora una notoria novedad al proyectarse hacia una ambientación bucólica en base al matrimonio de guitarra acústica y piano, aunque claramente la estructura compositiva de la pieza tira hacia el jazz y no hacia el folk acústico. ‘Il Peso Della Conoscenza’ vuelve a la alegría llevadera de ‘Consapevolezza’ (al modo de un híbrido entre el PFM de “Chocolate Kings” y el CAMEL de “Rain Dances”). Lo que sigue a continuación es una dupla de instrumentales: ‘Un Viaggio Lungo Un Istante’ y ‘Reviviscenza’: el primero establece un viaje Genesiano (de la época 76-77) con un toque extra de punche psicodélico y un guitarreo más cercano al genio de Gary Moore que al de Steve Hackett, mientras que el segundo está claramente enfilado hacia el jazz-fusión melódico con sutiles matices sinfónicos. Los dos últimos temas del disco son cantados: ‘Ritorno Al Giardino’ es básicamente una balada sinfónica arropada con teclados que exhiben una tremenda fuerza de carácter, añadiéndose en ciertos momentos unos interludios de tono ágil donde la guitarra asume el protagonismo; ‘E Il Mondo Scoppierà’ emerge de las cenizas de la canción anterior para elaborar una armazón melódica robusta y llamativa que deriva en una pomposa demostración de sinfonismo de vieja escuela.

  

Parece ser que la escuela actual de rock retro-progresivo italiano está lejos de agotarse: bandas nuevas como FEM son capaces de dar nueva vitalidad y colorido a esta vertiente, tal como se demuestra fehacientemente en “Sulla Bolla Di Sapone”. Realmente nos ha causado una buena impresión este disco.


Muestras de  “Sulla Bolla Di Sapone”.-
 Nella Città: https://www.youtube.com/watch?v=uavdRVBjQEQ

Il Peso Della Conoscenza: http://www.youtube.com/watch?v=XBkD4NhjnL4

AD MAIORA o los asuntos más nobles del sinfonismo italiano contemporáneo

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Hoy es el turno de presentar al grupo italiano AD MAIORA, el cual nos sorprende gratamente con su homónimo disco debut. Fundado en Milán a inicios del año 2009, AD MAIORA está conformado por el baterista Enzo Giardina, el guitarrista Flavio Carnovali, el bajista Moreno Piva (quien también aporta tocadas de guitarra clásica), el vocalista Paolo Callioni y el teclista Sergio Caleca, siendo así que este último es quien se encarga de crear la mayor parte del material de la banda. El grupo comenzó como cuarteto en base a las experiencias previas en otras bandas de rock progresivo de los instrumentistas; la misión del grupo fue la de reforzar el inmortal sueño del rock sinfónico con un nuevo vigor y un colorido musical sistemáticamente ambicioso, absorbiendo influencias de los viejos paradigmas de GENESIS, ELP, YES, PINK FLOYD y PFM, mientras exhibe afinidades con las propuestas de IL CASTELLO DI ATLANTE y el FINISTERRE de los dos primeros discos. Recién a fines de 2011 ingresó Callioni a las filas de AD MAIORA una vez que el grupo decidió trabajar también con partes cantadas en varias de sus composiciones. Ha sido un largo camino hasta que el grupo pudo editar por iniciativa independiente esta joya sónica que es “Ad Maiora!”, a inicios del pasado mes de marzo. El nombre del grupo es un extracto de la frase latina “ad maiora nati sumus”, que quiere decir “hemos nacido para asuntos más nobles”: veamos cómo cumple el grupo con el significado de este solemne enunciado a lo largo del repertorio de este disco.

‘Diatriba’ da inicio al álbum con una exhibición de belleza y pomposidad que se acomoda perfectamente a los afanes preciosistas de la tradición prog-sinfónica. La pulcra labor de ingeniería que instaura el cuerpo central e inserta los debidos interludios se asegura firmemente de que no decaiga ni por una milésima de segundo el nivel de fuerza expresiva del desarrollo instrumental. La dupla de ‘Sugo Dance’ y ‘Dream’ se encarga de reforzar el impacto inicial del disco y lo hace con eficacia y carácter: la primera de estas piezas muestra una agilidad alegre que nos remite a grandes leyendas del prog italiano (PFM, ACQUA FRAGILE), especialmente por las cadencias folclóricas que signan algunas de las pautas rítmicas utilizadas; la segunda enfoca sonoridades de rock duro y blues-rock dentro de un encuadre suficientemente estilizado como para traducirse en una virguería jazz-progresiva. El cuarto tema, titulado ‘Eclissi Orientali’, es el primero con letra: ¡por fin nos enteramos de a qué suena el canto de! Bueno, suena un poco a Lanzetti (ACQUA FRAGILE) y a (IL CASTELLO DI ATLANTE). Asumiendo primordialmente un talante ceremonioso sobre un medio tiempo AD MAIORA sigue explorando sus inquietudes de limpieza melódica y calidez rockera con la dupla de ‘Nulla Intenso’ y ‘Strange’: el primero desarrolla una emotiva vibración espiritual al más puro estilo sinfónico bajo la pauta de la guitarra (luciéndose al modo de un HOWE con BECK); el segundo tiene estructura de balada, motivado por recursos muy en la onda del CAMEL post-1980.

Siendo la pieza más larga del disco con sus casi 11 minutos de duración, ‘Menate’ establece el cénit decisivo del repertorio con el halo mágico que destilan sus motivos envolventes y atmósferas serenas. La mayor parte de estos motivos se ubica en la orilla cándidamente reflexiva del estándar sinfónico, pero sin duda también hace gala el grupo de su garra rockera en varios pasajes estratégicos. El título del octavo tema es muy curioso. ‘Summertime’, exactamente igual esa aria de Gershwin que se convirtió en una de las baladas más famosas de la historia del rock. Bueno, pues en el caso de esta oda estival particular de AD MAIORA tenemos un ejercicio de musicalidad jazz-progresiva alimentada de una sensualidad sutil: algo así como una cruza entre el CAMEL de “Breathless” y el PFM de “Jet Lag”. Los últimos 15 ½ minutos del álbum están ocupados por la secuencia de ‘Corolla’ y ‘No More War’: el primero es un instrumental que recoge, en buena medida, el colorido plácido y ágil de ‘Sugo Dance’, mientras que el segundo establece un vigor rockero contenido de una forma muy semejante a como ocurrió en el cuerpo central de ‘Eclissi Orientali’. Se trata de un muy buen tema en tanto que tiene una armazón melódica coherente, pero tal vez resulta un poco anticlimático que se posicione al final del álbum después de que temazos como ‘Menate’ o ‘Corolla’ desplegaron sendas muestras de electrizante extroversión sonora. Pero bueno, así está hecho el repertorio y es lo que hay.

Vitalidad e ingenio melódico son ingredientes faltantes para una buena propuesta prog-sinfónica, y sin duda estos tipos de AD MAIORA cumplen cabalmente con los requisitos para plasmar ambos en una música interesante y constructiva para la escena progresiva de nuestros días. “Ad Maiora!” es un disco ampliamente recomendado.

Muestras de “Ad Maiora!”.-

Diatriba [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=_FhbGGZD8Vo

Strange: http://admaiora.bandcamp.com/track/strange

Menate: http://admaiora.bandcamp.com/track/menate

La nueva odisea prog-sinfónica de SYNDONE

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Hoy nos topamos con la banda italiana SYNDONE, fundada a fines de 1989 en la bella ciudad de Turín, y que en este año 2014 nos entrega su nueva placa fonográfica “Odysséas”, un disco conceptual en torno a La Odisea de Homero. Este trabajo, el quinto de su discografía, marca el afianzamiento decisivo de la segunda etapa de SYNDONE, que se separó a mediados de los 90s y recién resucitó en 2010 con la edición de “Malapesante”. ¡Y vaya si no significa “Odysséas” un afianzamiento grandioso de esta resurrección progresiva! El grupo que grabó este disco en cuestión consistía en el trío nuclear de Nik Comoglio [teclista y miembro fundante], Francesco Pinetti [vibrafonista] y Riccardo Ruggeri [vocalista]. Pero esto no es todo: el bajista Federico Marchesano operó, más que como un invitado, como un virtuoso embajador musical entre los ambiciosos despliegues melódicos de turno y la labor eficiente del baterista. ¿Y quién estuvo a cargo de la batería? Pues… un invitado de lujo llamado Marco Minnemann (sí, el de THE ARISTOCRATS y otros proyectos diversos). También formó parte de esta empresa hay una pléyade adicional de instrumentistas a los bronces, maderas y cuerdas, siendo así que el que más llamará la atención al hincha progresivo promedio es el flautista John Hackett. Actualmente, SYNDONE está conformado por el sexteto de Comoglio, Ruggeri, Maurino Dellacqua, Marta Caldara (reemplazando a Pinetti), Gigi Rivetti y Martino Malacrida, una formación que ya está fogueándose sobre los escenarios mientras puede, apoyando la promoción de este nuevo disco. Vayamos ahora a los detalles del repertorio de “Odysséas”.

‘Invocazione Alla Musa’ es un punto de entrada vigoroso e inquietante, lleno de explosivos coloridos: el esquema rítmico desarrollado para la ocasión se ajusta vivaz y eficazmente al abierto despliegue de sofisticada vitalidad que tiene lugar. 3 minutos y pico de pura gloria progresiva donde confluyen los fantasmas de GENTLE GIANT, ELP y ARTI E MESTIERI. Por su parte, ‘Il Tempo Che Non Ho’ cambia totalmente de registro para centrarse en una espiritualidad meditabunda: todavía se nota un cierto colorido en el arreglo del esquema melódico en curso, el cual termina por hacerse conmovedoramente explosivo duranteun interludio cerca del final, pero sin duda que el grupo ha entrado a terrenos introvertidos revestidos de cierta aureola de densidad emocional. ‘Focus’ vuelve los recursos de vigor y lo hace explayándose hacia un apasionamiento fastuoso, incluso aparatoso. La cadencia R’n’B del encuadre rítmico permite al bloque sonoro dirigido por el órgano y aumentado por refinados arreglos de bronce crear un ambiente ceremonioso para el desarrollo temático. ‘Penelope’ empieza con un preludio de corte mediterráneo-arábigo antes de que el cuerpo central se instale en base al dueto de piano y voz; algunos ornamentos de flauta entran a tallar para aportar elegantes coloridos en torno al desarrollo temático dibujado por el piano. ‘Circe’ es un animal de una especie totalmente diferente: a contrapelo del romanticismo serenamente triste de ‘Penelope’, ‘Circe’ se embarca hacia una navegación musical grácil y sofisticada donde el sinfonismo y el jazz-rock se hermanan en un solo esquema sonoro: aquí está el sueño hecho realidad para quienes soñaban con un híbrido entre los paradigmas de RETURN TO FOREVER y de RICK WAKEMAN… y con su toque un poco a lo D.F.A. por aquí y por allá. En un espectro de solo 2 ½ minutos, el ensamble instrumental llena espacios por doquier mientras el swing se impone con pulcra complejidad. ‘Ade’ nos sigue remitiendo hacia caminos semejantemente extrovertidos, pero esta vez con un groove un poco menos rotundo y una actitud más libre de parte de los teclados en esos momentos cuando le toca ocupar un rol protagónico.  

Para cuando emerge ‘Poseidon’, la banda se enzarza en una tremenda aventura instrumental donde confluyen los legados de ELP y PFM: vibraciones aguerridas y florituras coloridas tanto en las ilaciones melódicas como en el esquema rítmico, algo muy impresionante dentro de un espacio temporal que no llega a los 2 ½ minutos de duración. Hilándose con el tema anterior, ‘Nemesis’ recibe el impacto de su talante extrovertido y lo lleva – nuevamente – hacia una ágil mezcla de sinfonismo y jazz-rock que a veces lleva a SYNDONE a establecer ligeros parentescos con las bandas compatriotas D.F.A. y DEUS EX MACHINA. Las líneas del canto definitivamente se enfilan hacia juegos disonantes mientras que el punche de la dupla rítmica y los efluvios del sintetizador en sus solos nos remiten al RETURN TO FOREVER del “Romantic Warrior”. ‘La Grande Bouffe’ se engarza con el final de ‘Nemesis’ para llevar el esplendor sonoro conquistado por éste hacia una dinámica un poco más mesurada, pero para nada supone esto el más mínimo decrecimiento en la expresividad fastuosa que la banda siempre sabe sacar a colación. ‘Eros & Thanatos’ redondea la faena elaborada por la secuencia de las dos piezas precedentes antes de que emerja ‘Vento Avverso’ con sus contemplativos aires manieristas, centrados en un piano que muestra su carácter en medio de la delicadeza emocional que se impone para la ocasión. ‘Ελευθερια’ es un interludio de vibráfono que traza un oportuno puente entre ‘Vento Avverso’ y ‘Daimones’ canción que ocupa los últimos 5 minutos del álbum: esta canción de cierre asume una ceremoniosidad tan sólida como cálida, apuntando hacia el mismo corazón del estándar del rock progresivo italiano de primera generación (a medio camino entre LE ORME y METAMORFOSI).

 

¡Cómo se han lucido este trío de Comoglio, Pinetti y Ruggeri junto con sus colaboradores! La verdad que SYNDONE y “Odysséas” son referentes esenciales para lo mejor del rock sinfónico italiano que se ha hecho en los últimos años, por lo que no podemos sino calificar de “altamente recomendado” a esta joya musical.

Muestra de “Odysséas”.-

Focus: https://www.youtube.com/watch?v=B7K7GczYCjA

Circe [en vivo]: https://www.youtube.com/watch?v=-d8HsSSunU0

Ade [en vivo]: https://www.youtube.com/watch?v=DPhLXAVvDXQ

[Dedico la presente reseña a Gustavo Bolasini con todo mi agradecimiento por haberme presentado este hermoso disco.]

LED BIB: desde el vecindario del deleite musical

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos complacemos en traer a colación el nuevo trabajo discográfico del grupo británico LED BIB “The People In Your Neighbourhood”, y definitivamente es un placer porque advertimos que este quinteto conformado por el baterista Mark Holub, los saxofonistas Pete Grogan y Chris Williams, el contrabajista Liran Donin y el guitarrista Toby McLaren ha vuelto a crear una gozada dentro de las coordenadas de la avanzada jazz-progresiva de nuestros días. Este disco y otro en vivo titulado “The Good Egg” (exclusivamente editado en vinilo) sirven para celebrar el undécimo aniversario de esta banda que se inició bajo la iniciativa del baterista (y principal compositor) Mark Holub mientras era parte del alumnado de la Universidad de Middlesex. La intensa amalgama de jazz vanguardista, rock experimental, prog psicodélico y Canterbury al cual nos tiene acostumbrados los de LED BIB disco tras disco se reitera y alimenta de renovador vigor en   “The People In Your Neighbourhood”, disco que amenaza con convertirse en una de las cimas decisivas de la música jazz-progresiva hecha en 2014. Vayamos a los detalles del repertorio, ¿vale?

‘Teles’ abre el álbum con más de 5 ¼ minutos de plenitud colorida donde el quinteto pone toda la carne en el asador; los saxos se asocian y disocian con un ordenado sentido de la aventura mientras los teclados elaboran capas y ornamentos cósmicos, todo ello dentro de una armazón rítmica que la dupla Holub-Donin sustentan con un pulso tremendo. Tras este esplendoroso tema de inicio emerge ‘Giant Bean’, tema cuyo prólogo ceremoniosamente grisáceo no deja anticipar el tenor dinámicamente travieso que se asumirá en el ulterior desarrollo multi-temático donde confluyen free jazz, psicodelia progresiva y elementos muy cercanos a ciertas formas de R.I.O. ‘Angry Waters (Lost To Sea) y ‘This Roofus’ se encargan sucesivamente de mostrarnos más recursos que la banda nos tiene preparados para el presente disco. El primero de estos temas nos muestra a la banda explorando texturas comedidas en climas lánguidos, logrando así elaborar un excelente ejemplo de sonoridades crepusculares no ajenas a ciertos arrebatos ocasionales; por su parte, ‘This Roofus’ nos devuelve a explayamientos de soltura y extroversión dentro de una espiritualidad cálidamente retorcida, una espiritualidad solventemente sustentada sobre las precisas virguerías que exhibe Holub frente a sus tambores y platillos. ‘Recycling Saga’ muestra la faceta lírica de LED BIB con un moderado uso de densidad, suficiente para alimentar de fuego el motivo central de la composición y para no alterar la energía expresiva diseñada para la ocasión – los solos dibujados por ambos saxos son simplemente fabulosos, de los mejores que encontramos en el repertorio íntegro. ‘Plastic Lighhouse’ surge para reactivar la muy recurrente dimensión lúdica y extrovertida del grupo: los nexos con ‘Teles’ y ‘Giant Bean’ en cuanto a la actitud son inocultables en verdad... y de paso, también son innegables ciertos aires a lo ZAPPA.

 

‘Tastes So Central’ es una de las piezas más largas del disco – dura 8 ½ minutos – y solo con ese dato tenemos la garantía de un nuevo disfrute a través de estímulos sonoros expansivos e inteligentes. De forma más concreta, nos encontramos con un ejercicio de elegantes ilaciones de ambientes diversos que van desde lo extrovertido hasta lo sereno, pasando en el ínterin por unos parajes ensoñadores de fuerte raigambre jazz-psicodélica (algo así como el SOFT MACHINE del “Third” o el primer disco de MATCHING MOLE). ‘Imperial Green’ sigue a continuación para desplegar colores sónicos bien trazados dentro de un claroscuro intensificado por el crescendo intermedio, antes de que entre a tallar ‘Curly Kale’ con pura vivacidad, la misma que está prístinamente dosificada en su patente urgencia. ‘At The Ant Farm’ nos devuelve a las ambiciones más sofisticadas que conforman el ideario sónico de LED BIB: cambios notorios de ambientes y ritmos, ilaciones genialmente enlazadas de motivos dispares, alternancia de exultantes grooves jazz-rockeros y pasajes marcados por un  talante reflexivo, con las infaltables irrupciones de misteriosos climas psicodélicos en ciertas partes estratégicas. ¡Parece que al grupo no le bastó con ‘Tastes So Central’ y ‘Giant Bean’! De hecho, estas tres piezas deberán ser interpretadas y apreciadas como sendas expansiones climáticas de la osadamente ecléctica  musicalidad ostentada por el grupo a lo largo del disco.

Durando casi 9 minutos, ‘Orphan Elephants’ resulta siendo el tema más extenso de “The People In Your Neighbourhood”, cerrándolo con broche de oro. Toda la esencia intensa de donde LED BIB saca sus mejores ideas también funciona cabalmente en esta pieza, pero esta vez se la remodela con una estrategia más contenida que la empleada en los temas más explícitamente complejos del disco. El muy melancólico motivo dirigido por el piano que emerge en el intermedio se engarza a la perfección dentro de la arquitectura global de la pieza para así armar la vía hacia el cierre en un elegante crescendo: como siempre, los saxos llenan espacios sin hacer que sus presencias saturen, lo cual permite que el dinamismo de la dupla rítmica también se haga notar sin problema. Y así termina nuestra experiencia con “The People In Your Neighbourhood”, un deleite para nuestros oídos gestado en esa fábrica de explosiva creatividad jazz-progresiva que es LED BIB. ¡Disco recomendado con creces!

Muestras de “The People In Your Neighbourhood”.-

Teles [video-clip]: http://www.youtube.com/watch?v=225ymLT5N2s

At The Ant Farm [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=eHWD1lmb9YU

Recycling Saga [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=IAncZY9eE6w