COSA BRAVA - el nuevo atlas del RIO

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión traigo a colación al grupo británico-estadounidense COSA BRAVA, que no es sino un ensamble que simultáneamente encarna la gloria legendaria y el brillo contemporáneo de la vanguardia progresiva. En efecto, esta "cosa brava" es el resultado de los deseos del guitarrista-bajista Fred Frith (figura de HENRY COW y ART BEARS, entre otros) de volver a comprometerse con el lenguaje rockero desde sus propias inquietudes heterodoxas, quien en marzo de 2008 congregó en torno suyo a talentos más jóvenes provenientes de SLEEPYITME GORILLA MUSEUM (Carla Kihlstedt al violín, nyckelharpa y armónica baja, Matthias Bossi a la batería y percusión) y SKELETON CREW (Zeena Parkins a los teclados, acordeón y percusión), añadiendose The Norman Conquest en el rol de las manipulaciones sónicas. Entonces, ¿qué tenemos aquí?, ¿una mezcla de HENRY COW y SGM? No exactamente, sino más bien un ágil híbrido de free-jazz, academia concreta, World Music y fusión dentro de un empaque progresivo experimental – o sea, COSA BRAVA desarrolla un sendero renovado dentro de las pautas de osada imprevisibilidad propias del RIO. “Ragged Atlas” es el disco debut del grupo: grabado a fines de 2008, recién a mediados de 2010 pudo concretarse como ítem físico en el mercado fonográfico.

 

‘Snake Eating Its Tail’ abre el disco a punta de agilidad matemática grácilmente cubierta por una arquitectura de contrapuntos entre la dupla de violín-guitarra y los recursos percusivos (en un tenor muy cercano a SAMLA MAMMAS MANNA y VON ZAMLA), mientras que los efectos sintetizados van fluyendo traviesamente. ‘Round Dance’ voltea las cosas hacia colores célticos armados con mucha calidez y un sutil manejo de arreglos fusionescos. ‘Pour Albert’ está dedicado a Albert Marcoeur, compositor y multi-instrumentista vanguardista que es uno de los ídolos de Frith: esta pieza es calmada y traviesa a la vez, con un Frith que canta casi como narrando. ‘R. D. Burman’ es una pieza más explícitamente ágil: puro RIO melódico sazonado ampliamente con colores exóticos indios en clave World Music. Las percusiones de la invitada Amantha Krishnan aportan mucho a la atmósfera global de esta pieza. ‘Falling Up (for Amanda)’ tiene unos aires jazzeros muy focalizados en un esquema compositivo manejado con delicada sobriedad mientras que preserva un amable swing bailable: jazz-prog suave y bailable con letras dadaístas, vaya usted a saber cómo una idea aparentemente tan simplona puede impulsar una labor de composición tan ingeniosa. ‘Out on the Town with Rusty, 1967’ retoma las alusiones célticas del segundo tema y las dota de mayores dosis de vitaminas rockeras dentro del consabido esquema RIO. Por su parte, ‘Lucky Thirteen’ desarrolla climas grisáceos, inmersos en un espíritu de inquietante misterio: los fraseos blueseros con los que Frith informa a su guitarra ofrecen un hermoso viaje a sus años de iniciación en el rock. El aura contemplativa persiste en ‘Blimey, Einstein’, esta vez bajo un revestimiento de chamber-rock empapado de aromas klezmer. ‘The New World’ es menos denso pero mantiene esa cualidad de calidez acústica, oportuna en esta ocasión para completar la convergencia de ambientes célticos y mediterráneos en la orientación bucólica de la composición. ‘Tall Story’ parece inicialmente que va a reiterar el tenor general de la pieza inmediatamente precedente, pero pronto se revela como un ejercicio de RIO festivo que establece un intermedio entre VON ZAMLA, AKSAK MABOUL y el HENRY COW de “Western Culture”.

‘For Tom Zé’ es otro tema inspirado en un relevante personaje del arte musical, esta vez al pionero de la vanguardia fusionesca brasileña Tom Zé. Esta pieza porta una cadencia Latin-jazz bastante oportuna para el caso, desarrollando un esquema sonoro sobrio donde primero las estilizadas florituras del violín se resaltan sin disimulo, y más tarde emerge la magia de la bossa nova motivada por el ingreso de la guitarra acústica: entre los bizarros adornos de guitarra eléctrica y la labor del percusionista se crea un calculado contraste entre calidez y gallardía dentro del marco general de la pieza. ‘A Song About Love’ es realmente un tema dulce y evocativo, no exento de quiebres armónicos ni juegos de disonancias, pero realmente se trata de la pieza más lírica del disco y una de las piezas más líricas que se hayan plasmado jamás en un disco de rock in opposition: tiene algo del factor más marcadamente académico del último HENRY COW así como también algo de las atmósferas más relajadas de un TOSCA TANGO ORCHESTRA. ‘Market Day’, tema cantado por Fred y Carla, culmina el disco continuando por la senda marcadamente evocativa del tema precedente, apelando a climas contenidos y coloridos sutiles que establecen paralelos con el último MAUDLIN OF THE WELL, por ejemplo. Cuando irrumpen algunas ocasionales variantes dadaístas, nos acordamos vívidamente del filo experimental sobre el cual oscila la visión musical de COSA BRAVA.

En fin, “Ragged Atlas” es un testimonio concluyente de que todavía hay un universo infinito de potencialidades a desarrollar y desplegar dentro de la arena de la vanguardia progresiva: este encuentro de veteranos y semi-veteranos congregado bajo el nombre de COSA BRAVA es una prueba vital de ello. ¿Más pruebas? Aquí hay algunos archivos de Youtube como evidencias concretas de la genialidad colectiva de COSA BRAVA: http://www.youtube.com/watch?v=2rWrhZvHayw + http://www.youtube.com/watch?v=2mirDkTNN78 + http://www.youtube.com/watch?v=U2ICTTLpygw

RELOCATOR - poder progresivo renovado desde Alemania

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En esta ocasión traigo a colación al grupo alemán RELOCATOR, que es el proyecto alemán de jazz-prog metal iniciado por el guitarrista Stefan Artwin y el bajista Michael Pruchnicki a inicios del milenio, con miras a crear una propuesta progresiva con aires patentemente modernos. Mucha agua ha corrido bajo el puente desde entonces, incluyendo crisis graves en formaciones iniciales de la banda; ahora, con un baterista holandés y un violinista a bordo como miembros recién ingresados, más la colaboración especial de Derek Sherinian (sí, el mismo que lidera simultáneamente su trayectoria solista y al proyecto PLANET X además de ser parte de la historia de DREAM THEATER), Relocator ha logrado plasmar físicamente su repertorio en este disco debut homónimo. Las influencias de LIQUID TENSION EXPERIMENT, CAB, PLANET X X y TRIBAL TECH son las que más salen a tallar a la hora de forjar la arquitectura sonora característica de la banda. El proceso fue muy arduo, con un proceso de arreglos finales y grabación que comenzó a fines de 2008 y terminó a fines de 2009, para luego poder concretar el lanzamiento a inicios del presente año 2010.

Los primeros 6 minutos y cuarto del disco están ocupados por ‘Red Vibes’, pieza que comienza de frente con el riff inicial, para seguir aferrándose a su vigoroso gancho rockero no ajeno a variaciones de matiz y ambiente dentro de una esquema melódico particularmente sencillo. Con el segundo tema, ‘Biosphere’, nos topamos con un swing típicamente perfilado bajo el modelo del PLANET X de los primeros discos: sin establecer muchas diferencias con el tema de entrada, sí se hace notar la relevante presencia de una cadencia jazzera dentro del viaje instrumental que tiene lugar. El tercer tema se llama igual que el grupo (y que el disco), y bien puede describirse como un tributo a TRIBAL TECH mezclado con un homenaje a CAB: básicamente, esta pieza retoma la exploración del gancho directo que ya había funcionado en el tema de entrada. Por otro lado, el quiebre en 5/4 que surge segundos antes del segundo minuto permite a la banda desarrollar un interesante interludio que aporta una interesante variación progresiva al asunto. ‘Aavishkar’ hace honor a su nombre exótico y se explaya en sonoridades arábigas oportunamente sazonadas con climas sinfónicos que la banda hace que se asienten muy bien dentro del esquema de trabajo habitual; eso sí, se nota un realce del elemento jazzero que de hecho obedece a la necesidad de enfatizar el momento fusionesco reclamado por el desarrollo compositivo de la pieza. Artwin da rienda suelta a las influencias de Holdsworth, MacAlpine y Satriani en los numerosos solos que se despacha a lo largo del extenso cuerpo central de la pieza.

Llegamos ahora a ‘13 Reasons’ y ‘Urban Blue’, piezas que prosiguen concienzudamente por los senderos musicales pavimentados por los tres primeros temas, incluso reforzando los aires prog-metal en varios momentos: cabe indicar las alusiones no demasiado veladas a LTE en algunos breves pasajes de ‘13 Reasons’. Puede dar la sensación en este momento del disco que RELOCATOR ha terminado complaciéndose en rizar sus propios rizos, pero más bien el grupo ha estado guardándose sus mejores cartas para la pieza épica que ocupa los últimos 11 minutos y medio, ‘The Alchemist’. Comenzando con una introducción cósmicamente calmada elaborada por el trío de bajo, guitarra y sintetizador, pronto pasamos a una aguerrida atmósfera prog metalera en clave semi-lenta que permite crear una atmósfera de pesadez ceremoniosa. Poco a poco, las cosas se van haciendo más intensas, dando pie a que Sherinian desarrolle sus solos más impresionantes dentro del disco. Poco antes del cuarto minuto y medio, el asunto pasa a matices más cálidos, lo cual es conveniente para que el violín se haga notar desde el momento de su esperado reingreso: se trata de un momento netamente sinfónico, bien definido y evocativo. Cuando las vibraciones prog-metaleras vuelven a inundar la escena, el cuadro épico se termina de asentar con un aire de innegable magnificencia, siendo así que los últimos pasajes suponen un regreso a la aureola ceremoniosa que había marcado los primeros 2 minutos y medio de la pieza. Un buen disco es “Relocator”, y RELOCATOR es una buena banda de por sí, no demasiado original en su manera de enmarcarse dentro de las pautas estandarizadas del jazz-rock metalero que se ha venido definiendo desde mediados de los 90s, pero es fácil augurar que el talento y entusiasmo del grupo le permitirá desarrollar su voz propia con siguientes composiciones y grabaciones.

Cerramos esta reseña con estas muestras seleccionadas del disco de RELOCATOR:
Biosphere: http://www.youtube.com/watch?v=Zyx-ZqniZmE
Aavishkar: http://www.youtube.com/watch?v=FzE77kNV8lw

ALEJANDRO MATOS, un freak progresivo desde Argentina

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En esta ocasión es el turno del joven y talentoso guitarrista/multi-instrumentista argentino ALEJANDRO MATOS, quien con su disco solista del año 2009 “Freak” nos ha ofrecido un trabajo muy a tener en cuenta en el contexto del rock progresivo sudamericano actual. En este disco, así como en ofertas anteriores, MATOS se hace cargo de las guitarras, teclados, bajo y programación de ritmos, aunque también incorpora la colaboración de la violinista Verónica Marjbein en algún tema del repertorio. Las principales influencias que se hacen notar en el esquema sonoro orquestado por Matos provienen de PINK FLOYD, GENESIS, PORCUPINE TREE y los aspectos menos tortuosos del KING CRIMSON clásico. El concepto global de “Freak” porta una omnipresente naturaleza existencialista, y su repertorio se divide en tres grandes bloques: el primero se titula ‘Anormal’ (los 5 primeros temas), el tercero se titula ‘Normal’ (los últimos 5), y entre ellos se sitúa la suite ‘El infierno de los buenos’.

‘Falso primogénito’ inicia el disco y la sección ‘Anormal’ con un lirismo grisáceo eficazmente enmarcado en un clima de rock psicodélico semi-lento cuya arquitectura reclama un justo manejo de los riffs y las bases de teclado. ‘El más allá’ perpetúa el ambiente anterior y le añade ciertos matices tétricos, un marco apropiado para introducirnos en la aureola flotante de ‘Agujero de sueños’, pieza en la que MATOS aumenta la densidad sin hacerla aparatosa ni agresiva. Las minimalistas capas de teclado con las que concluye esta pieza elaboran una conveniente expectativa ante la reiniciación de ambientes sobriamente tétricos que tiene lugar en la etérea ‘Verde por dentro’, una canción que refleja elegante y convincentemente una inquietud parcialmente contenida y un miedo a los misterios de la propia mente. Los aportes del violín ayudan bastante a completar la idea temática de la canción. El concepto de ‘Anormal’ se termina con ‘Veneno ilustrado’, un estupendo ejercicio de psicodelia progresiva que recoge buena dosis de la ansiedad vertida en las piezas anteriores con un poco más de músculo y un aire cósmico más atenuado. A continuación sigue el extenso ‘El infierno de los buenos’, que dura casi 19 minutos. El aire existencialista se instala de manera firme y consistente a través de la ilación sucesiva de sus cinco secciones. Varias intervenciones de teclado portan una inocultable vibración sinfónica, aportando así una prestancia moderadamente dramática a la vitamínica fortaleza ya emitida desde los riffs y solos de guitarra: desde el punto de vista del más estricto estándar del progresivo sinfónico, se puede extrañar la presencia de variaciones de ambiente y ritmo más pronunciadas, pero por lo demás, la estructura compositiva de esta suite es refinada y bien acabada. Las cinco canciones del concepto de ‘Normal’ concluyen el disco. La secuencia de los temas de ‘La pasión según el caníbal’ tiene una soltura que viene muy bien después de la incesante tensión emocional retratada en la suite precedente, y además, porta uno de los desarrollos melódicos más sofisticados de todo el álbum. ‘Invernadero de preguntas’ es una secuencia de voces y efectos cuya carga cinematográfica sirve de descanso musical, un pasaje abstracto que prepara el arribo del blues progresivo ‘El resto’, un tema que bien se puede calificar como relajado aunque no se sumerge en un ambiente precisamente “dulce”. Dicha dulzura sí se hace presente en la conclusión acústica provista por ‘Sombras sin filo’, tema que porta un espíritu cálido y amable, aunque el canto peculiar de Matos hace que la tensión emocional se siga haciendo presente de alguna manera.

En conclusión, tenemos aquí un testimonio del entusiasmo y talento de un músico al cual habría que prestar más atención dentro del círculo de amantes y coleccionistas del rock progresivo. ALEJANDRO MATOS nos ofrece a través de “Freak” una visión peculiar sobre cómo explotar el lenguaje del rock desde aspiraciones netamente artísticas.

Aquí hay algunas muestras de esta oferta de ALEJANDRO MATOS.-
El Más Allá: http://www.myspace.com/music/alejandro-matos-2629009/songs/el-mas-all-57620846
El Resto: http://www.myspace.com/music/alejandro-matos-2629009/songs/el-resto-53148195
Falso Primogénito: http://www.youtube.com/watch?v=dLhxdOhR9F4
Agujero De Sueños: http://www.youtube.com/watch?v=X5VhwES5r1A

MAR AÚN - una mirada propia hacia el día de otro

MAR AÚN es un ensamble argentino que recrea una suerte de pop-rock experimental recurrentemente basado en climas introspectivos y contemplativos, lo cual a su vez repercute en el uso invariable de esquemas rítmicos lentos y la priorización de ambientes folk y/o trova urbana. Esto es lo que nos ofrece “Aunque El Día Sea De Otro”. El empleo de tenues adornos psicodélicos a la guitarra o el teclado ayuda bastante a crear un aura distante en varios temas, así como a hilarlos en un continuum que fluye con amplia naturalidad. El concepto del disco parece centrarse en meditaciones sobre el transcurso del tiempo a través de la contemplación del transcurso de un día: la autoría de las letras está repartida entre Nicolás Burotto, Darío Torcisi y Juan Crasci, este último recién incorporado a la banda tras la grabación del disco debut. Burotto es el guía principal de los flotantes e intimistas desarrollos instrumentales, mientras que la flauta de Natalia Oronel, cada vez que aparece, añade un colorido oportuno a la atmósfera general.

‘Siempre pensando lo mismo’ comienza a asentar el clima general del disco desde el punto de partida – una canción contemplativa y serena, arropada por su propia inmensa sutileza. ‘Fuga’ se enfila hacia un nivel más pronunciado de languidez, siendo así que la calma reinante en su largo preludio se nutre de los bellos fraseos suavemente plasmados por la flauta, el cello y el saxo barítono. ‘Pero el sol no baja’ tiene un aire más sencillo al comienzo, pero en el último minuto y medio adquiere un leve aumento de densidad a través del uso de tenues capas de sonido un tanto cósmicas. De ahí se engarza con la secuencia de ‘Dos palabras’ y ‘El lugar del cantar’, ambas piezas marcadas por una cierta aureola de jazz suave mientras que la flauta aporta una cándida atmósfera bucólica al asunto. ‘Países’ regresa a los lugares más fehacientemente lánguidos de la visión musical de MAR AÚN: el canto y los delicados acordes de guitarra acústica a cargo de Burotto llenan el espacio central de la composición con poética convicción. ‘Esa magia’ incorpora aires fusionescos sin romper con la línea férreamente marcada para el desarrollo musical del disco. El empleo de adornos lisérgicos para su final anuncia el arribo de ‘Diciembre’, una pieza ensoñadora que conforma tal vez el ápice del disco: los músicos explotan muy bien la extrema sencillez estructural de la composición, desarrollando una delicada acuarela folk-prog desde allí.

‘Savia’ brinda un breve interludio instrumental lleno de sobria calidez antes de que ‘Mal’ nos devuelva la ensoñación nostálgica que ya se había hecho presente en ‘Diciembre’ solo que esta vez la ambientación es más patentemente grisácea, como flotando en una neblina vespertina que anticipa el pronto arribo del anochecer. Los adornos psicodélicos armados por la guitarra eléctrica son cruciales para crear este efecto. ‘Magicornio’ es un mágico instrumental minimalista de guitarras acústica y eléctrica que opera como preludio al tema de cierre, ‘Amanece’, el cual completa el cuadro de ensimismamiento contemplativo regresando a la faceta más sencilla de la banda. Así termina “Aunque El Día Sea De Otro”, un disco para disfrutar en un momento de sencillez introspectiva y candor meditabundo – será bueno seguir pendientes de MAR AÚN a fin de mantenernos receptivos a cualesquiera nuevos senderos musicales que nos pueda ofrecer en próximo trabajos.

AMOEBA SPLIT: danza progresiva en clave de Canterbury para el nuevo milenio

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Hoy me complazco en dar la bienvenida al grupo español AMOEBA SPLIT, un ensamble gallego patentemente nostálgico de la tradición progresiva Cantebury y que tras muchos años de trabajo paciente e inspiración debidamente meticulosa, acaba de lanzar al mercado su disco debut “Dance Of The Goodbyes”. El repertorio de este disco ews de 6 temas, 3 de los cuales ya estuvieron presentes en un demo que data de hace 4 años, más o menos. Ante todo, “Dance Of The Goodbyes” es una prueba manifiesta de la calidad artística y osadía estética que hacen de AMOEBA SPLIT una robusta promesa de la vanguardia progresiva del Norte Español… ¡promesa cumplida en su primera fase! Por varios años el grupo funcionó como un sexteto, pero la formación que ha registrado este disco queda como un quinteto en el que el bajista Alberto Villarroya aporta también las intervenciones de guitarra; completan el grupo Maria Toro (flauta y canto), Ricardo Castro (teclados), Pablo Añón (saxos) y Fernando Lamas (batería). En el tema ‘Turbulent matrix’, el guitarrista invitado Gastón Rodríguez se luce a su antojo para generar varios de los pasajes más intensos del álbum. Un detalle a tener en cuenta: el grupo opta por plantear letras en idioma inglés para los temas cantados.

‘Dedicated To Us, But We Weren’t Listening’ abre el disco con una entusiasta dosis de vigor jazz-progresivo no exento de finos toques psicodélicos (principalmente en la cadencia cósmica proporcionada por el sintetizador): a pesar de que el título de por sí designa una tendencia frontal hacia el mundo sónico de SOFT MACHINE, el hecho es que esta pieza me suena más cercana a la densidad ágil de unos MATCHING MOLE. El siguiente tema, ‘Perfumed Garden’, desde el punto de arranque nos brinda algo diferente, más calmado y ensoñador, con la presencia destacada del canto de María Toro, pero las cosas no tardan en ponerse más intensas, pasando por un swing llamativo hasta un breve pasaje cósmico acompañado de una narración solemne. Poco antes de llegar al quinto minuto, una dupla de piano y mellotrón de flauta marca el regreso de la última sección lánguida cantada, la cual también incluye un hermoso solo de flauta contrapunteado por un sonido de cello (un mellotrón, sin duda). Con una duración de 10 3/4 minutos, ‘Turbulent Matrix’ se explaya en cadencias jazzeras más profundamente que en los dos temas precedentes: se notan aires a lo WEATHER REPORT en muchas de las intervenciones del piano y el saxo en el extenso interludio que tiene lugar. Más bien, en algún momento la pieza vira hacia una especie de homenaje al SOFT MACHINE del “Vol. 2” por un rato, antes de retomar el motivo central para el cierre. ‘Blessed water’ comienza con una calidez romántica y envolvente, y mientras va evolucionando su desarrollo melódico y secuencias de solos de guitarra y vientos, lo romántico va reforzándose por niveles más intensos y coloridos. Suena casi como una balada de ROBERT WYATT reciclada por un conglomerado de músicos de CARAVAN y CATAPILLA; el breve interludio blues-rockero a lo TRAFFIC que tiene lugar antes del último estribillo aporta un conveniente momento de extroversión al asunto. El canto de la Srta. Toro es sumamente gravitante a la hora de completar la intencionalidad majestuosa del tema: su registro me suena a un punto intermedio entre Anna Meek (CATAPILLA) y Barbara Gaskin (leyenda del canto en la escena Canterbury). ‘Blessed Water’ es, para decirlo con palabras simples, una pieza particularmente brillante.

‘Qwerty’, con un título que homenajea a las viejas máquinas de escribir, es un breve instrumental juguetón, casi caótico en algunos instantes, que no llega ni al minuto de duración y que bien podría haber sido una pieza clandestina del primer álbum de HATFIELD & THE NORTH. De todas maneras, su exquisita factura funciona más bien como un preámbulo para el monumento final del disco, ‘Flight To Nowhere’, que dura más de 23 minutos y contiene cuatro secciones en su estructura interna. Tras una breve introducción densamente psicodélica, se nos viene una primera sección cantada elaborada a través de un esquema melódico reflexivo y sencillo, seguido por un jam muy a lo CARAVAN temprano donde la flauta de la Srta. Toro se luce como quiere. Con el siguiente jam, más tirado hacia la onda de HATFIELD, las cosas empiezan a adquirir un colorido más vivaz: esta vez hay solos alternados de guitarra y saxo, además de la consolidación de la amalgama instrumental. Una nueva sección calma ofrece nuevos climas envolventes que sirven de cobijo para otro solo de flauta, esta vez portador de una serena belleza pastoral que nos puede remitir más al prog italiano tipo PFM que a otra cosa. Tras un tiempo pertinente de desarrollo para esta sección sinfónica, el grupo vira de nuevo hacia el jazz-prog elaborando una suerte de clímax parcial antes de asentar la nueva porción cantada. La atmósfera está armada para generar una sonoridad gradualmente fastuosa, ahora que el tema se va acercando a su final: el rol del órgano es vital para que el esquema instrumental opere hacia esta dirección. En el vigésimo primer minuto y medio, la música se detiene dramáticamente para dar paso a los últimos latidos de un corazón… y tras un momento de silencio, una secuencia de piano se solaza en impetuosos y disonantes acordes en una coda inquieta. De este modo termina un disco que era una deuda pendiente de parte de AMOEBA SPLIT: deuda saldada de manera solvente, a mi parecer.

Muestras de “Dance Of The Goodbyes”.-
Perfumed Garden: https://www.youtube.com/watch?v=zDouZhxkH0A 
Turbulent Matrix: https://www.youtube.com/watch?v=P258zXie_y8 

FRENCH TV y la continua redención de la vanguardia progresiva

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En esta ocasión les quiero exponer mis impresiones sobre el más reciente disco de FRENCH TV, banda estadounidense formada en la segunda mitad de los 80s para desarrollar vías renovadas de Rock In Opposition. Aunque minoritaria y marginal, el círculo de grupos estadounidenses focalizados en la propuesta RIO post-70s ha sido y sigue siendo relevante en lo que se refiere a aportes vanguardistas para la actualidad del rock progresivo: 5UU’S, THINKING PLAGUE, BIRDSONGS OF THE MESOZOIC, RASCAL REPORTERS, DOCTOR NERVE, FAR CORNER, CHEER-ACCIDENT y los mismos FRENCH TV que traemos a colación ahora han venido lanzando al mercado obras musicales portadoras de interesantes desafíos al oyente dispuesto a dejarse arrastrar por un maelstrom de sonoridades inauditas. Volviendo al caso específico de FRENCH TV, “I Forgive You For All My Unhappiness” es la nueva oferta de Mike Sary y co. El grupo que organizó y perpetró la grabación y producción de este disco estaba reducido al dúo de Sary (al bajo) y Jeff Gard (a la batería), contando como colaborador más constante con Steve Katsikas (a los teclados y al saxo), además de otros colaboradores ma´s esporádicos (como el guitarrista Shawn Persinger, quien hace poco había fungido de colega de Sary en el proyecto DISTINGUISHED PANEL OF EXPERTS). ¿Qué significa “I Forgive You For All My Unhappiness” para el coleccionista progresivo de hoy en día? - un catálogo de renovadoras experiencias musicales en clave de continua sorpresa y desafío a las pautas estandarizadas del lenguaje rockero.

Vayamos ahora al repertorio mismo. Con una satírica cuenta de 1-2-3-4 comienza ‘Seven Rusty Nails’, una pieza ágil y cálida que emerge de forma natural, imponiéndose sin sobresaltos, cautivando al oyente por medio de un despliegue musical que recibe varias herencias de NATIONAL HEALTH y del BRUFORD 70ero (se nota que el baterista Jeff Gard lo tiene como paradigma principal para su propia labor percusiva). También se dan varios pasajes donde resaltan juegos estilizados de disonancias, los que se revelan cercanos a unos MIRIODOR, por ejemplo. ‘Conversational Paradigms’ recibe y reelabora buena parte de la vibración extrovertida desarrollada en la pieza de inicio, siendo así que este tema despliega mayores dosis de extravagancia melódica, aunque para nada rompe con la agilidad cálida predominante hasta ahora. ‘March of the Cookie Cutters’ comienza con un preludio de tenor ceremonioso, casi cósmico, pero luego el cuerpo central vira otra exhibición de extroversión musical marcada por osadas secuencias de acordes disonantes y una extravagante dinámica que nos remite irremediablemente a ZAPPA. Cerca del final se genera un pasaje lento cuya aureola de misterio se asemeja mucho al patrón tenebroso del RIO francófono, pero antes de que las cosas se pongan realmente tensas, la coda se explaya en un colorido más vivaz: otra vez se impone la extroversión como recurso artístico en el mundo de FRENCH TV. El cuarto tema, ‘You Got To Run It Out, Dawson!’, comienza con otra cuenta sarcástica de 1-2-3-4. Ya no hay mayores sorpresas a estas alturas del disco respecto a lo que se puede esperar de Sary y cía. a la hora de desarrollar e hilar aventuras y sorpresas musicales dentro de los confines de un tema: en todo caso, este tema tiene la particularidad de mostrar mayores aristas rockeras en los pasajes más potentes – lo cual muy posiblemente se deba a que más de un guitarrista toca en él – y también ciertos trucos vanguardistas a lo HOWEVER y HAPPY THE MAN (dos de las influencias más notorias de French TV a lo largo de toda su carrera).

‘With Grim Determination, Terrell Dons the Bow Tie’ es el tema más calmado del disco en tanto que la presencia de trucos sorprendentes tiene, en líneas generales, menor fastuosidad, pero demasiado lejos está la pieza de ser facilona. Cabe destacar un hermoso solo de sintetizador que comienza al minuto y medio, muy a lo Jan Hammer aunque lejos de un contexto mahavishnuano… más bien a lo HOWEVER combinado con el primer HENRY COW. En el transcurso del último minuto y medio, entran a tallar unas atmósferas grisáceas, imponentes aunque de forma muy medida, en las que el elemento chamber-rock opera de manera robusta y bien definida. La densidad resultante funciona como una catarsis psicodélica rebosante de elegancia, y es allí donde el tremendamente juguetón tema ‘Mosquito Massacre’ cierra el disco ofreciendo un clima totalmente diferente: travieso, un poco caprichoso, bastante ágil, casi como música de fondo para una comedia surrealista desarrollada en un escenario campestre. Incluso los pasajes donde se destacan guitarreos filudos y adornos cósmicos de sintetizador se integran a la perfección dentro del clima lúdico general: la labor del baterista ayuda mucho en ello.

Como balance final, “I Forgive You For All My Unhappiness” logra reafirmar a FRENCH TV como grupo campeón de la avanzada RIO estadounidense contemporánea; a pesar de no igualar la brillantez de obras maestras pasadas como “The Violence Of Amateurs” o “This Is What We Do”, este disco resulta una genuina maravilla que deberá ser apropiadamente degustada por los melómanos progresivos peculiarmente aventureros.

TREY GUNN y MARCO MINNEMANN - un juego de modulaciones y remodelaciones

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En esta ocasión me propongo llamar su atención sobre la nueva trama musical de TREY GUNN titulada “Modulator”, una trama escrita y ejecutada sobre la base de un extenso solo de batería (rico en variaciones de compás, timbre y cadencia… ¡¡en más de 50 minutos!!) registrado pro MARCO MINNEMANN. De hecho, “Modulator” es una de tantas variantes derivadas del proyecto de MINNEMANN “Normalizer 2”, el cual también ha impulsado sendos discos de ALEX MCHACEK, MIKE KENEALLY y KERRY CHICOINE. Pero bueno, por ahora nos enfocamos en el “Modulator” de TREY GUNN. Este excelso guitarrista que fuera una pieza vital del KING CRIMSON de los 90s y los inicios del nuevo milenio se despacha con un arsenal de guitarras Touch, guitarras con y sin trastes, teclados, mientras va remodelando la armazón sonora emergida de la batería de MINNEMANN a través de una secuencia de 22 temas hilados.

La secuencia de ‘Contact’ a ‘Spray 1’ comienza con una nota alegre que transita entre un colorido ágil y una dosis razonable de espíritu cósmico, pasando luego a esquemas de free jazz para terminar embarcada en un ejercicio de psicodelia afín a varios de los PROJEKCTS. De este modo, pasamos a los vuelos psicodélicos de ‘Fall Time +/-’ y ‘Fall Time -/+’, los cuales destilan una alucinada combinación de rabiosa neurosis y cristalinamente delicada elegancia. ‘Lumen’ y ‘Switch’ ofrecen sendos ejercicios de fusión deconstructiva que se sienten amables a través de su patente vivacidad experimental. Desde ‘Daughter’ hasta ‘ Up Spin’ hilan dinámicos ejercicios de free-jazz-space-rock con tal nervio que ya parece mentira que la grabación de este material haya sido realizada bajo condiciones tan artificiosas. Para cuando llega el tema ‘Spectra’, marcado por el supersticiosamente “fatídico” no. 13, la ilación precedente se rompe como un fogonazo para explayarse en una secuencia particularmente bizarra de ritmos libres y variedades sonoras sorprendentes. La imponente presencia de capas de instrumentos célticos añade colores eficazmente extraños a la vorágine sónica en curso. ‘Superstish-a-tron’ despliega una cadencia funky psicodélica mientras que la dupla de ‘Californ-a-tron’ y ‘Spray II’ desarrolla otro ejercicio de free-jazz-space-rock con ciertas tonalidades sombrías. Por su parte, la secuencia de ‘Mono-Punkte’ y ‘Coupling’ establece pautas más ágiles, las cuales funcionan muy bien a la hora de aliviar la tensión amontonada por la dupla precedente. ‘Incantation’ hace honor a su título hilvanando atmósferas exóticas envolventes, antes de que ‘Slingcharm’ instale un rotundo esquema rockero-progresivo parcialmente crimsoniano. ‘Twisted Pair’ también maneja modismos crimsonianos en los surrealistas y crípticos guitarreos que tienen lugar, pero la vibración percusiva de MINNEMANN mantiene la cadencia bien insertada en el más puro free-jazz. ‘Hymn’ cierra el disco con una realce del aspecto fusionesco que ya se había hecho presente en algunos pasajes anteriores, solo que esta vez se da la mayor dosis de transparencia melódica de todo el disco. De esta manera, se produce la total comunión entre la dinámica particular de MINNEMANN y la faceta serenamente densa de GUNN.

“Modulator” es una obra que expresa sus mayores cualidades cuando se la aprecia como algo integral y compacto. Para los efectos de esta reseña, me he detenido en apreciar las descripciones específicas de sus secciones, pero es el flujo del todo lo que más vale a la hora de aproximarse a los resultados de esta empresa conjunta de TREY GUNN y MARCO MINNEMANN – una empresa magnífica que destila ingenio virtuoso y creatividad novedosa por todos sus poros sonoros.

Viajando por la estratósfera musical con FONDERIA

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En esta ocasión me presto a hablarles de FONDERIA y su reciente tercer disco “My Grandmother’s Space Suit”. Este quinteto italiano se ha tomado su tiempo para concebir, armar y grabar el disco sucesor de “Re>>enter”, su fantástica entrega del año 2006. Para “My Grandmother’s Space Suit”, FONDERIA ha reformulado su consistente apuesta por el jazz-rock de última vanguardia a través de nuevos esquemas de trabajo para no clonar lo hecho sucesivamente en los dos discos precedentes. Con orgullo y entusiasmo, el quinteto saca provecho a su experiencia en los legendarios estudios Real World (que dirige el maestro PTERE GABRIEL). Una novedad llamativa es la presencia de temas cantados en un álbum de FONDERIA: ‘Loaded Gun’ (cuya letra se extrae de un par de poemas de Emily Dickinson) y ‘I Can't Believe This Is Just a Pop(e) Song’ (que cuenta con la presencia del invitado belga Emmanuel Luis al canto y la guitarra).

‘Moebius Onion Rings’ abre el disco con un ambiente de magia cálida e introspectiva a la vez, merced a la vibración básica que Vicarelli genera de su piano eléctrico para la instrumentación general. Incluso cuando el compás se aligera a partir de los 2 minutos y cuarto, la calidez sigue siendo indubitablemente reinante; de hecho que ayuda el ingreso del vibráfono para capitalizar los acordes del piano eléctrico. Este ejercicio de jazz sereno opera como un aliciente para abordar la sonoridad más robusta de ‘Istambul’, pieza en la que el grupo coordina una ágil mixtura de fusión y acid-jazz empapada de colores psicodélicos dibujados de forma calculadamente matizada. Bultrini y Pietropaoli son realmente cómplices ideales a la hora de poner respectivamente la guitarra y la trompeta al servicio del desarrollo musical de esta pieza (y dicho sea de paso, de todos los temas del disco, en realidad). ‘Loaded Gun’ resulta una pieza cuya armazón calmada y lírica no esconde del todo una densidad emocional crucial, algo muy a lo GABRIEL verdad. También se nota que la voz de la ilustre invitada Barbara Eramo (cuyo registro es como una BJORK tranquilizada con una buena cantidad de pastillas de KATE BUSH) aporta un cierto músculo emotivo bastante pertinente al tema. ‘Gravity Wave’ establece un enfoque de tendencia trance a una composición centrada en el modelo del nu-jazz: no sería absurdo imaginar a una concurrencia disfrutar alegremente de esta pieza en una discoteca. ‘Liquid’, por su parte, porta una majestuosidad progresiva que para nada desdice la legitimidad del gancho que tienen tanto su base melódica como su ritmo: el solo de sintetizador en el medio y los arpegios de guitarra acústica que se “entrometen” con diáfana naturalidad son los elementos que particularmente me llaman más la atención.

Llegamos ahora al tema ‘A Billion Electric Sheep’, cuyo título aparentemente inspirado en el de la novela de Philip K. Dick “Do Androids Dream Of Electric Sheep?”, es un ejercicio de nu-jazz arropado bajo una contundente capa de psicodelia electrónica que nos puede sonar a una cruza entre el OZRIC TENTACLES más reciente y el KRAFTWERK de los primeros 80s. ‘Gojira’ prosigue por este camino de simpatía abierta por la avanzada electrónica, aunque la salvedad es que aquí hay un mayor énfasis en lo rockero, lo cual ayuda bastante a explotar la contundente polenta que inherentemente emana de la base rítmica predominantemente funky. Hay un interludio cósmico que genera una variación etérea antes de que el ensamble recupere el brío original. También cabe señalar que el solo de trompeta que puede muy bien ser el mejor de todo el disco. Con la humorística presencia de ‘I Can't Believe This Is Just a Pop(e) Song’ se da un momento casi zappiano en clave de new-wave trasnochado, algo muy satírico que no se libra de tener un filo experimental propio: en este caso, se trata de retazos guitarreros que emulan al Frippertronics. El último tema dura casi 6 minutos: ‘Doctor’s Hill’ tiene muchas coincidencias con el intimismo relajante que se había desarrollado en la pieza de entrada, y de hecho, su dosis de calma introspectiva se siente más pronunciada en los primeros 3 minutos y medio. A partir de ahí, el volumen aumenta pero no para cambiar drásticamente las cosas, sino para llevar a la pieza y al álbum a una especie de clímax… ¡y lo logra de una forma estupenda! Parece inevitable, casi un “principio galileano”, que FONDERIA solo pueda generar buena música con un talento que parece incombustible: “My Grandmother’s Space Suit” es una nueva reafirmación de este ensamble romano.

La recreación del universo zeuhl a manos de XING SA

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Giramos la mirada hacia la actualidad de la vertiente progresiva zeuhl para toparnos con la banda francesa XING SA, surgida de otra banda matriz también zeuhl llamada SETNA: de hecho, XING SA es el resultado de extraer al cantante, al saxofonista y a uno de los teclistas de SETNA. Más específicamente, XING SA es la comunión de Nicolas Goulay (piano eléctrico, órgano y sintetizadores), Christophe Blondel (bajo) y Nicolas Candé (batería). El repertorio de “Création De L’Univers”, compuesto por Goulay, está articulado en torno a los ejes temáticos de fuego, tierra, metal, agua y bosque que se suceden a través de las secuencias de sus propias partes internas. En cuanto a su específica propuesta musical, XING SA, establece una oferta más arcadamente jazzera para su propio esquema zeuhl cuando se le compara con la banda matriz SETNA; también su esquema sonoro es más robusto, lo cual da pie a una mayor urgencia por concentrarse en las atmósferas y ambientes para que el repertorio de casi 64 minutos de duración resulte progresivamente interesante.

‘Feu 1’ comienza con unos efectos cósmicos de platillos y sintetizador que desarrollan flotantes evocaciones de algo que va emergiendo hasta ir llenando de a pocos la totalidad del ser, para que luego, unos espaciosos acordes de piano eléctrico armen con cadenciosa languidez la base para el cuerpo instrumental central de ‘Feu 2’, una pieza muy a lo RETURN TO FOREVER a través del filtro de POTEMKINE. La confluencia entre la mágica musicalidad del Moog a cargo de Goulay y el vigoroso bajo de Blondel halla el perfecto soporte rítmico en la creativa labor de un incombustible Candé. Muchas de las más saltantes cualidades del disco en general se expresan abiertamente en esta llamativa pieza individual. La polenta continúa bajo un ropaje ligeramente más sombrío pero con un vigor exactamente igual para el tercer ‘Feu’. La tripartita secuencia de ‘Terre’ se inaugura con una primera sección basada en etéreas y envolventes capas armadas con notas sostenidas de corales y sintetizador: no suena realmente perturbadora pero sí arrebatadoramente misteriosa, algo a medio camino entre un coro celestial y un masivo suspiro proveniente del limbo. La segunda ‘Terre’ es un ejercicio de jazz-fusión tan macizo como cálido: se puede tentativamente describir como una recapitulación simultánea de la ideología ZAWINUL (en el tránsito entre sus días como cesionista de MILES DAVIS y los inicios de WEATHER REPORT) y de las sonoridades tipo SOFT MACHINE de las épocas del “Fourth” y el “Fifth”. La tercera entrega de ‘Terre’ ahonda en la calidez de la anterior y elabora una ambientación calma e introspectiva, aunque no por ello exenta de ciertos sutiles matices de tensión; esto último es reflejado tanto por los adornos disonantes del piano eléctrico como por las texturas vertidas por los sintetizadores. El primer ‘Metal’ casi parece como una continuación de la última ‘Terre’ porque sus primeros instantes se remontan desde el misterio expectante de esta última, pero una vez entrado el jam central, advertimos que se da un giro hacia una cadencia cósmica razonablemente pronunciada. La secuencia rítmica consistentemente letánica y las notables capas de mellotrón permiten a XING SA asemejarse al GUAPO del “Black Oni” y del “Five Suns”. Auténtico zeuhl para nuestros tiempos modernos.

 

El segundo ‘Metal’ porta una esencia más grisácea, incluso taciturna, generando así una sobrecogedora atmósfera sombría por más de 5 minutos. La secuencia de ‘Eau’, por el contrario, comienza con un swing bastante poderoso que define los tres motivos hilados a lo largo de su primera sección. El último medio minuto establece una coda reposada a fin de preparara el terreno para la segunda ‘Eau’, pieza que establece una retoma de las cadencias cálidas de ‘Terre 2’ con ciertos añadidos ocasionales provenientes de ‘Metal 1’. ‘Bois 1’ inicia el camino hacia la conclusión del disco al modo de un preludio sereno que abra la puerta al swing llamativo de ‘Bois 2’. La presencia de un saxofonista invitado ayuda bastante a cimentar un colorido muy interesante que complementa los alucinados (que no estridentes) adornos de sintetizador. ‘Bois 3’ concluye el concepto con una ambientación relajada que parece en parte regenerar la abstracción metafísica del primer tema, pero a diferencia de ‘Feu 1’, no reconstruye la emergencia de una emanación masiva de fuerza universal sino más bien el lento retraimiento de una magia que se va desvaneciendo de forma delicadamente sostenida.

En fin, “Creation De L’Univers” es una obra que habrá de satisfacer a los siempre curiosos e insaciables coleccionistas de progresivo experimental. XING SA ha sabido explotar de forma ingeniosa y vivaz su preocupación por remodelar sus indagaciones en el zeuhl a través de un filtro predominantemente jazz-fusionesco. Atención a Francia, que sigue conformando un jardín de continuos florecimientos progresivos. Veamos al grupo en acción en este vídeo: http://www.youtube.com/watch?v=RmwBg1AT3yY

La furia creativa de HÁBITAT y su nuevo respiro progresivo

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En esta ocasión traigo a colación a la banda argentina HÁBITAT, cuyo reciente cuarto disco “Tratando De Respirar En La Furia” supone un soplo de aire fresco para los cánones progresivo-sinfónicos de su país y del ámbito latinoamericano, en general. Y de hecho, lo que opera aquí es una curiosa paradoja: HÁBITAT logra lo que hasta ahora es la más robusta expresión de su apuesta musical sinfónica mientras va empequeñeciendo su formato. En efecto, ahora la banda está reducida al dúo de Aldo Pinelli (voz, guitarras, bajo, teclados y percusión) y Roberto Sambrizzi (batería y percusión). En todo caso, los méritos artísticos de este disco que reseñamos ahora se basan esencialmente en su bien redondeada musicalidad, su producción de sonido solventemente acabada y, sobre todo, un esquema de trabajo meticulosamente pulido en los arreglos musicales y la amalgama instrumental.

 

El majestuoso instrumental ‘La Luna Roja Y La Montaña Negra’ abre el disco con casi 7 minutos de esplendor sinfónico, creando un híbrido entre CAMEL y ESPÍRITU en las secciones marcadas por la guitarra eléctrica mientras que un interludio pastoral genera ambientes de evocación sumamente lírica por vía del engarce entre las guitarras acústicas y la flauta (esta última, a cargo de la invitada Paula Dolcera). La construcción musical de este tema es impecable, lo cual colabora crucialmente a la hora de crear el impacto inicial. ‘El Humo Delator’ es la primera pieza cantada del álbum, cuyo medio tiempo es manejado con una sensación de expectativa, en no poca medida basada en el cuidado manejo de síncopas en todo el desarrollo rítmico de la canción – no sé por qué me recuerda un poco a REDD… ‘Periplo’ es otro instrumental que pone en evidencia el poder melódico de HÁBITAT en este momento de su carrera: una pieza ágil cuyo dinamismo se encuadra dentro de una sonoridad elegante que ocupa todos los espacios. Tras este momento de exaltación pasamos a los tapices acústicos de inspiración juglaresca de ‘Lenguaje y Ámbar’, ingeniosamente concluido con unos breves colores arábigos. ‘Torres’ y ‘Detenido Por El Viento’ conforman una dupla de pura raigambre progresivo-sinfónica. ‘Torres’ tiene una agilidad moderada convenientemente adornada con suaves cambios de ritmo en ciertos intermedios bien calculados, terminando en su último minuto con una exótica secuencia tribal marcada por la batería (la sección ‘Etnias’); dicha secuencia sirve para introducirnos a ‘Detenido Por El Viento’, pieza que perpetúa el aire solemne de la anterior, además de insuflarle un aura adicional de melancolía. Ambos temas exhiben una fuerte influencia del sinfonismo italiano de vieja escuela (LE ORME, APOTEOSI) y nueva generación (H2O, IL CASTELLO DI ATLANTE). Tras los sonidos del viento que concluían ‘Detenido Por El Viento’, ahora surgen unos ruidos del mar y una subsiguiente secuencia de piano clásico como prólogo de ‘Las Musgosas Rocas Del Muelle’, pieza que continúa por la senda de sinfonismo melódicamente cristalino y evocativo tan propio de la tradición itálica. A pesar de la calidez que impregna a la mayor parte de su desarrollo melódico, hay ciertos matices ligeramente tenebrosos (casi a lo BMS) que aportan un interés extra al esquema compositivo de esta canción. ‘Desde Una Ventana Del Castillo’ nos ofrece un momento íntimamente hackettiano, realmente esplendoroso pero sin aspavientos, siempre manteniéndose a tono con las sutilezas inherentes al motivo central. El repertorio oficial del disco concluye con la pieza de 9 minutos ‘Pastores De Renos’. Su primera parte está signada por el piano y orquestaciones de teclado (emulando arreglos de cuerdas y gaita), para luego pasar a una solemne sección progresiva que retoma las influencias camelianas e itálicas (LE ORME sigue siendo el referente más patente). La clausura de ‘Pastores De Renos’ llega con un hermoso pasaje de guitarra clásica que nos vuelve a remitir a la referencia hackettiana.

A fin de cuentas, el disco en sí no concluye en este punto, sino que aún nos aguarda una ingeniosa versión de un clásico de LE ORME, ‘Gioco Di Bimba’, del disco “Uomo Di Pezza”. La principal gracia de este cover es que Pinelli y Sambruzzi incorporan un llamativo pasaje rockero en el interludio, el cual funciona como un contraste finamente engarzado dentro del concepto básico de la canción. En el balance final, “Tratando De Respirar En La Furia” es un manifiesto de madurez robustecida, y solo cabe felicitar a HÁBITAT por eso.


Muestras de “Tratando De Respirar En La Furia”.-
Torres: http://www.youtube.com/watch?v=fhxdYWeEz0c
El Humo Delator: http://www.youtube.com/watch?v=FHZODDX9Sz4

 

JAGA JAZZIST se luce a todo dar con "One-Armed Bandit"

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Proveniente de Noruega y con una trayectoria de creatividad y veteranía a cuestas, el nutrido ensamble JAGA JAZZIST nos brinda con su más reciente lanzamiento discográfico, “One-Armed Bandit”, una joya definitiva del año 2010 para los auditorios amantes de las escenas contemporáneas del jazz vanguardista, el multivalente género progresivo y la música experimental a secas. Éste es su quinto larga duración (el grupo tiene también algunos EPs en su currículum) y ha recibido sumos elogios de parte de la prensa musical de varios países prácticamente desde el primer día, y claro está, la diversa hinchada progresiva que esparce sus opiniones en e-zines internautas no ha sido ajena a este clima de recepción afirmativa. La verdad que este disco es espectacular, una demostración de renovación robusta y convincente del lenguaje del jazz moderno en base al uso sistemático e ingenioso de recursos vanguardistas, progresivos y electrónicos: más detalles en las descripciones que siguen a continuación.

Un golpe de gong y los reciclajes electrónicos de saxo y percusión conforman la introducción ‘The Thing Introduces…’, la misma que abre campo al colorido vivaz de la pieza homónima, un cálido ejercicio de agilidad zappiana y cadencias nu-jazz en ¾. El encuadre de la dupla rítmica y los metales maneja el desarrollo del motivo central, el mismo que se alterna con un pasaje marcadamente cibernético en el minuto 3 y otro más etéreo de corte World Music poco antes del minuto 5. Los hipnóticos segundos finales nos preparan para el lirismo cautivador de ‘Bananfluer Overalt’, tema signado por un aura envolvente que arropa eficazmente su sencilla base melódica. Hay suficientes variantes en los arreglos (especialmente en los aportes de los teclados) como para mantener un nivel sólido de interés estético. ‘220 V / Spektral’ desarrolla una vibración un poco más agresiva (agresiva en los términos del grupo) basada en el destaque de las percusiones (reales y secuenciadas) y los sintetizadores, generando así una amalgama fusionesca de intenso calibre y alta dosis de modernismo. Con sus poco más de 9 minutos de duración, ‘Toccata’ se erige como la pieza más extensa del disco. Esta pieza está inundada por aires oníricos, los mismos que se sostienen sobre una secuencia recurrente de sintetizador, piano y percusiones tonales: a partir de allí, los demás instrumentos (saxo, metales, otros teclados y percusiones, batería, guitarra barítono) se van sumando con una imponente inteligencia sonora que permite a la pieza conservar su atmósfera de sublime ensoñación. Incluso se puede advertir alguna afinidad sutil con el krautrock.

Ya nos vamos acostumbrando a los conceptos musicales de Jaga Jazzist pero aún quedan gratas sorpresas por descubrir y saborear en lo que queda de “One-Armed Bandit”. Por ejemplo, ‘Prognissekongen’ nos ofrece una cruza entre WEATHER REPORT y el estándar crimsoniano bajo una cobertura muy amigable con lo electrónico. ‘Book of Glass’ capitaliza la vivacidad de la pieza precedente y la lleva hacia un sendero más cálido aunque para nada ajeno a adornos raros y tendencias experimentales: en todo caso, la soltura de su sencillez compositiva y los desarrollos envolventes de sus arreglos me recuerdan relativamente a ‘Banafleur Overalt’. Los dos últimos temas, ‘Music! Dance! Drama!’ y ‘Touch of Evil’ son los más cercanamente poperos que hallamos en el disco: con alusiones claras a la electrónica bailable (a medio camino entre el tecno-pop y el trance) en sus esquemas básicos, estas piezas elaboran una combinación única de gancho directo y experimentación cibernética que abre ventanas a sonoridades propias del nu-jazz. Para ‘Music! Dance! Drama!’, el asunto resulta mayormente vitalista, mientras que ‘Touch of Evil’ ofrece algunas variantes de tensión por vía del predominio de compases programados machacantes. Esta soberbia mezcla de agilidad juguetona y sublime exquisitez que gozamos en estos dos últimos temas revela a flor de piel el modo tan propio de JAGA JAZZIST de combinar la fastuosidad propia de la vanguardia jazzera intelectualizada con el espíritu urgente de ciertas modalidades de música moderna.

Solo me queda concluir que “One-Armed Bandit” es una joya indiscutible del año 2010. Los siguientes tubitos expondrán claros y directos ejemplos de la grandeza musical que he tratado de explicar en la reseña.-
‘One-Armed Bandit’: http://www.youtube.com/watch?v=DN90uEDk3bQ
‘Bananfluer Overault’: http://www.youtube.com/watch?v=a6eE8lt0Ku8
‘Prognissekongen’ : http://www.youtube.com/watch?v=5-qvnGuQVsM

SHINING o el negro arte de la hipérbole metalero-progresiva

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En esta ocasión les quiero llamar la atención sobre un disco que más que un disco en sí es una experiencia tanática que transporta al oyente a los campos de la genialidad absurda y a las cavernas de la más infame oscuridad al unísono. Me refiero al nuevo disco del ensamble noruego SHINING titulado “Blackjazz”. “Jazz negro” es el equivalente español de este título, pero en realidad cabría describir la propuesta musical de SHINING como una (des)equilibrada amalgama de prog metal, death metal, crimsonismo, avant-jazz, RIO y electrónica; o también se puede describir como un híper-fantomismo ultra-crimsonizado empapado de mega-nineinchnailismo y sobre-toolización a la n potencia universzeriano-zappiana. Estos intentos ostentosamente fallidos de mi parte por describir al lector el tipo de oferta progresiva que establece SHINING deberá proporcionar (eso espero al menos) algún atisbo mental en torno al vendaval sonoro que nos espera a abordar la escucha de “Blackjazz”. Y eso que el grupo comenzó a inicios del milenio con una propuesta de jazz experimental con amplios espacios para lo acústico (el primer disco, “Where The Ragged People Go”, data de 2001), pero ahora SHINING reina en la escena metalera experimental escandinava a punta de hermanar titánicamente el acero demencial y la electrónica tormentosa. La formación que grabó este disco consiste en: Jørgen Munkeby (voz, guitarras, saxo, Akai EWI, programaciones), Torstein Lofthus (batería – también miembro de ELEPHANT 9), Tor Egil Kreken (bajo), Bert Moen (teclados, sintetizadores, programaciones) y Even Helte Merhansen (guitarras).

La música de SHINING es abrumadoramente cruda en su crueldad pero también destaca por su musicalidad, no tan difícil de notar una vez que vemos y oímos más allá de su patente vendaval de torrentes metálicos. La primera entrega de ‘The Madness And The Damage Done’ refleja un diestro juego de cadencias que abre espacios de tensión más que oportunos para generar una desafiante sofisticación a través de la salvaje agresividad rockera en curso, logrando así concebir una propuesta híper-RIO que pondrá a prueba la tolerancia aventurera del oyente. Por su parte, ‘Fisheye’ baja un poco los decibeles de metralla y ritmo para focalizarse más en lo industrial, logrando así combinar ingeniosamente las influencias masivas de NINE INCH NAILS y TOOL. Tormentas inteligentes y torturas eruditas, todo eso y nada más que eso es lo que no irá brindando SHINING con cada nuevo tema que vayamos encontrando en el disco. ‘Exit Sun Pt. 1’ tiene también aires toolianos, aunque el esquema de trabajo tiene más en común con las propuestas metaleras experimentales de nombres tales como BEHOLD THE ARCTOPUS y BETWEEN THE BURIED AND ME. La breve parte 2 de ‘Exit Sun’ completa la idea con un momento de pura expansión industrial, y con ello, nos preparamos para la frenética odisea jazz-metalera de ‘HEALTER SKELTER’: este curioso homenaje al lado más heavy de THE BEATLES (‘Helter Skelter’, del “Álbum Blanco”) supone una de las manifestaciones más pulcras del salvaje virtuosismo y la combativa crueldad musical en curso. Por su manera tan robusta de diseñar disonancias descoyuntadas, tal vez sea ésta la pieza que más justifica el título del álbum. La segunda entrega de ‘The Madness And The Damage Done’ comienza con un expectantemente otoñal despliegue de psicodelia crimsoniana (el hito de la era Wetton no falla en momentos como éste) a través de un filtro “anekdótico”, para al final desembocar en el masivo motivo central de la primera entrega.

‘Blackjazz Deathtrance’ ocupa un espacio de casi 11 minutos, el más extenso del álbum, y bien puede servir como el manifiesto idóneo sobre la esencia actual y actualizada de SHINING: un vendaval sonoro edificado en base a neuróticos despliegues complejos reelaborados a través de vórtices progresivos vanguardistas, jazzeros e industriales, con muchos recursos dadaístas y drásticos cambios de ambiente cómodamente delineados en medio de las hipérboles death y black metaleras que se van sucediendo. Parece mentira cuán humanamente imposibles parecen varias de las figuras musicales establecidas por los incansables guitarreos y pasajes de sintetizador, así como los desarrollos rítmicos a cargo de Lofthus. ‘Omen’ cierra el repertorio de autoría propia con un ejercicio tétrico y surrealista de RIO fluidamente engarzado dentro del esquema de trabajo recurrente de la banda, en verdad muy a lo “Heresie” (UNIVERS ZERO). La sensación que se produce continuamente a través de los 8 ¾ de duración de esta pieza es la de una agresión en permanente amenaza íntimamente cercana pero que no se concretiza, y aún así, el temor no se agota sino que se sostiene firme como una nube gris en un invierno interminable. El repertorio termina realmente con un cover del incombustible clásico crimsoniano ‘21st Century Schizoid Man’, un tema que se presta muy fácilmente a ser versionado por cualquier ensamble metalero experimental: colabora en voz adicional Grutle Kjellson, del grupo ENSLAVED. Shining tiene todo prácticamente servido desde el año 1969 para redefinir el esquema compositivo original con su metal híper-industrial, ultra-RIO y súper-dadaísta. Este ejercicio de delirium tremens musical culmina la osada y tanática experiencia estética que supone escuchar a “Blackjazz”.

Lo que SHINING nos da con este disco es brutal y motivador a la vez, el rock hecho aquelarre, un diamante oscuro y maldito que nos puede ayudar a exorcizar los fantasmas más oscuros de nuestra psique. Pero cuidado… ¡que nos puede dar miedo descubrir lo que veamos en nosotros mismos! Por lo pronto, aquí [http://www.youtube.com/watch?v=PQ_qD5LFFGI] va un vídeo de la banda tocando el tema ‘Fisheye’ unos meses antes de la salida de este disco, y aquí [http://www.youtube.com/watch?v=Qslyq8CcXu0] está el clip oficial del tema ‘The Madness And The Damage Done’.

FROGG CAFÉ y su inapaciguable filo progresivo

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Comparto con ustedes mi inmensa alegría el enorme disfrute que me ha causado el nuevo disco de FROGG CAFÉ “Bateless Edge”. Ésta es una banda que aprecio horrores, y ciertamente no somos pocos los que consideramos a este grupo estadounidense (oficialmente un sexteto desde los días de “The Safenzee Diaries”) como uno de los nombres más impresionantes y sobresalientes dentro de la vanguardia progresiva de su país en lo que va del nuevo milenio. “Bateless Edge” es una oferta demoledora e inapaciguable en cuanto al colorido y la creatividad diversa que se vierten en su repertorio de una manera firme y cohesionada. Hay una buena cantidad de colaboradores ocasionales en este disco, lo cual es indicio inconfundible de los deseos que tenía la gente de FROGG CAFÉ por generar una amalgama musical de minuciosa factura para este disco que tenemos en nuestras manos. El grupo en sí está compeusto por Bill Ayasse (violines y mandolina), James Guarnieri (bacteria y percussion), Andrew Sussman (bajo, cello y guitarra acústica), Nick Lieto (voz, teclados. trompeta y fliscorno), John Lieto (trombones) y el retornado Frank Camiola (guitarras, contrabajo y banjo).

Éste es un disco grande, y como tal, debe comenzar a lo grande con los casi 12 minutos y medio que dura ‘Terra Sancta’. Los ambientes abiertamente exóticos creados por la dupla de tambora y guitarra acústica abren la vía para un jam exquisito y vibrante basado en el guitarreo y completado por las orquestaciones de metales, violín y percusiones tonales. Uno puede adivinar ciertas afinidades con la línea de trabajo más sofisticada de la DAVE MATTHEWS BAND con evidentes añadidos de matices progresivos al propio estilo del FROGG CAFÉ de la etapa “Fortunate Observer Of Time”. Con los solos de piano y guitarra que entran (cada uno “por su lado”) antes del minuto sexto y medio se desarrolla un incremento del factor jazzero, siendo así que a partir del octavo minuto la guitarra se pone filudamente psicodélica, poco a poco apoderándose del terreno para ganar agresividad. La última parte cantada redondea el concepto de la canción con infinitamente pulcra solvencia. Los breves acordes finales de guitarra acústica se engarzan con ‘Move Over I’m Driving’, un pletórico viaje jazz-progresivo que establece un peculiar híbrido de HAPPPY THE MAN y FRANK ZAPPA. La pieza está repleta de elegante vivacidad, lo cual repercute en que los evocativos arreglos de vientos que realzan la base compositiva hagan volar en un santiamén los casi 8 minutos que ella dura. ‘Pasta Fazeuhl’ sigue a continuación para elaborar un ambiente más tenso y grisáceo, aunque para nada renunciando a la energía contagiosa que la gente de FC gusta tanto de plasmar en sus rollos instrumentales. A pesar de que el título del tema hace alusión al zeuhl, éste más bien se enmarca dentro de un esquema chamber-rock claramente emparentado con el estándar de UNIVERS ZERO (especialmente en ese grisáceo interludio que se extiende entre el minuto 5 y el 8 ½), aunque bajo el filtro más juguetón de clásicos del RIO estadounidense como POCKET ORCHESTRA y CARTOON.

Hasta aquí hemos tenido 34 minutos de grandiosidad progresiva, algo totalmente satisfactorio pero que nos deja con ganas de tomar un poco de aire antes de lo que sigue. Y es en este momento que debemos prepararnos para las tres secciones de ‘Under Wuhu Son’. ‘In the Bright Light’, la primera sección, porta una aura melancólica, pertinentemente desarrollada con una variedad de arreglos que van desde una suavidad bucólica de corte acústico hasta arreglos de cuerdas y ensambles de metales bien cuidados. ‘Left For Dead’, la segunda sección, elabora un esquema chamber-rock a partir de ciertas alusiones vertidas en la primera sección, siendo así que el sector rockero de fondo (guitarra-bajo-batería) suena comedidamente cañero, apto para generar un ambiente tipo PRESENT en algún momento… y efectivamente, esto es lo que sucede antes de que un pasaje dominado por los metales y las percusiones tonales se encargue de llevar la pieza a su conclusión. Una belleza rara y sugerente. La tercera y última sección, ‘Brace Against The Fall’, baja la dosis de chamber-rock a fin de hacerla accesoria al ahora predominante esquema jazz-rockero. Me parece inevitable notar en este tema el renacer de los días del “Creatures” – y sobre todo, qué estupendo solo de guitarra se manda Frank Camiola, un retorno a todo fulgor de su parte.

‘From The Fence’ ofrece el desarrollo compositivo más accesible del disco, pero con sus 12 minutos de duración lejos está de ser un single de proyección radial masiva. La base consiste en una balada jazz-pop en 3/4, amable y romántica, portadora de buenas vibraciones que se sienten extrovertidas: es justamente a partir de ellas que se realizan los viajes instrumentales en los cuales FROGG CAFÉ desarrolla sus inquietudes progresivas sinfónicas. Los últimos 10 ½ minutos del disco están ocupados por ‘Belgian Boogie Board’, un ejercicio de puro RIO atravesado por un dinamismo colorido que ofrece una sólida pauta alternativa a los usuales climas tétricos del RIO francófono primigenio. Por supuesto, la presencia de abundantes adornos inesperados en las muy prolijas orquestaciones trae también a colación el factor Zappa. Bizarra y desafiante como es, ‘Belgian Boogie Board’ brinda un monumental broche de oro para este repertorio de “Bateless Edge”, una obra máxima dentro de la escena progresiva internacional para el año 2010. FROGG CAFÉ se apunta un nuevo triunfo artístico con monumentales laureles para el beneplácito de todos los amantes del rock artístico.

Algunos temas de este disco se pueden escuchar en los siguientes tubitos:
* http://www.youtube.com/watch?v=4XBtuH6K-Qk
* http://www.youtube.com/watch?v=BsORSuog-BI
* http://www.youtube.com/watch?v=jOodSCqbopA

HYPNOS 69 y su magnífico legado progresivo para el año 2010

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En esta ocasión saco a relucir al cuarteto belga HYPNOS 69, el cual se luce como nunca a través de su oferta fonográfica para el año 2010 – “Legacy”. Este disco cumple cabalmente con su función de suceder al bien recordado “The Eclectic Measure” (de hace 3 años) y proyectar los vuelos musicales plasmados en éste para generar un sólido incremento de las ambiciones psicodélico-progresivas de la banda. Este grupo tiene ingenio, músculo y creatividad musical para regalar, y prácticamente no se ha guardado nada para este disco que, desde ya, pone a Bélgica como un lugar importante para la escena progresiva de nuestros días: quién sabe, a lo mejor el tiempo habrá de decir que “Legacy” es la obra cumbre y definitiva de HYPNOS 69. Muchos son los méritos a destacar de esta nueva oferta realizada por Steve Houtmeyers (guitarras, voz y Theremin), Tom Vanlaer (bajo, pedales Moog Taurus, órgano Hammond y piano Fender Rhodes), Dave Houtmeyers (batería, percusión y sintetizadores) y Steven Marx (saxofones, clarinete, flauta, piano Fender Rhodes, órgano Hammond y mellotrón).

El disco abre monumentalmente con la suite de casi 18 minutos ‘Requiem (for a Dying Creed)’, una pieza progresivamente exultante que desde el punto de entrada captura la atención del oyente con su cañero motivo inicial. El compás entusiasta marcado por los ágiles riffs y los adornos de mellotrón que surgen más tarde generan un ambiente progresivo soberbio, al modo de un híbrido entre GNIDROLOG y el YES pre-“Fragile”. Antes de llegar a la barrera de los 5 minutos, le tema torna hacia un esquema lánguido bucólicamente signado por la flauta en primer lugar, y luego con el clarinete. Las cosas no tardan en intensificarse para volver a la polenta inicial, esta vez con destaques sucesivos del saxofón y la guitarra solista. Para los últimos 5 minutos y pico, la banda retoma la sección lenta y le da una dosis vitamínica extra a fin de armar un clímax fastuoso y solemne para la canción, entre floydiano y yessero, con un vibrante lucimiento de la guitarra. ‘An Aerial Architect’ sigue a continuación con una cadencia predominantemente semi-blueseada que sirve muy bien para afianzar la psicodelia masivamente retro que tan intensamente sirve a Hypnos 69 como referencia. La onda de esta canción pasa por un híbrido entre GRATEFUL DEAD y el KING CRIMSON de la era Burrell, añadiendo atisbos del BLACK SABBATH. Durante la sección instrumental intermedia, algunos ambientes jazzeados sirven para insuflar un momento de suavidad antes de que la fiereza dominante se vuelva a apoderar del asunto hasta el final. ‘My Journey to the Stars’ porta un aire floydiano de la etapa71-73, el mismo que permite a la banda acercarse a la faceta más intimista del progresivo de vieja escuela: noto semejanzas sutiles con las piezas lentas de los álbumes clásicos más añejos de ELOY o NEKTAR. Sobre todo, es de destacar la intervención tan gravitante de la flauta a través de sus elegantes florituras pastoriles, las mismas que operan como núcleo principal de la melancolía inherente a esta canción en particular. Lo intimista se sigue preservando para el siguiente tema, ‘The Sad Destiny We Lament’, pieza que elabora un envolvente clima cósmico en base a la eficiente confluencia de mellotrón y sintetizadores que se explaya en una capa etérea abrumadora sobre los básicos rasgueos de guitarra acústica, los toques de glockenspiel y el canto susurrante de Houtmeyers. Cuando los tímpanos entran a tallar y los teclados intensifican su rol, el asunto se eleva hacia cúlmenes casi místicos en un clímax casi irreal.

Con ‘The Empty Hourglass’, tema que dura poco menos de 11 minutos, volvemos al boato ambicioso que tantos réditos de potencia y colorido habían generado por vía del tema de entrada. El motivo inicial activa un dinamismo muscular con gancho. Más adelante, un extenso jam jazzero-psicodélico 7/8 establece una atmósfera cadenciosa y sutilmente machacante, la misma que resuena a elementos vandergraffianos hasta cierto punto. A eso del octavo minuto y medio, se produce un “falso final” que abre el camino hacia una nueva sección cantada en medio de efectos de alarma que incrementan la intensidad propia de la instrumentación brindada por el cuarteto en un robusto clímax rockero. ‘Jerusalem’ ofrece una pauta musical muy distinta, más misteriosa y exótica, la cual potencializa el lucimiento de los vientos; la estructura predominantemente lánguida del esquema compositivo se maneja muy bien desde el matizado crescendo que se crea desde el jam instrumental intermedio, algo muy familiar con la faceta pastoral de unos AMON DÜÜL II. En fin, el disco se cierra con otra pieza de largo aliento, ‘The Great Work’. Ciertamente tiene un título bastante apropiado, pues se trata de una gran labor musical y performativa la que se encapsula en este tema de casi 18 minutos y medio de duración. ‘The Great Work’ comienza en clave lenta, con una superposición bien sostenida entre fraseos cuasi-frippianos de guitarra y una amalgama de mellotrón, piano eléctrico y pedales bajos. Pasada la barrera de los 3 minutos, el ensamble entero desarrolla la expectativa creada con un pasaje ceremonioso muy a lo FLOYD-con-NEKTAR. Como se puede advertir, el grupo recrea la fastuosidad ya trabajada en los otros temas largos bajo una línea de trabajo más reposada, como queriendo estimular una intención contemplativa en los oyentes. Alrededor del décimo minuto se da una intensificación en el ambiente que redunda en una magnificación del vigor rockero implícito en el motivo central de la pieza: Marx esperó hasta esta ocasión para alumbrar su solo de saxo más salvaje de todo el disco. En el minuto 13 el grupo completa la idea con un jam progresivo muy emparentado con el KING CRIMSON 73-75 y el legado vandergraffiano 70-71, pero allí no acaba la cosa con el pensamiento retro, pues los últimos 2 minutos y medio parecen ofrecer un inequívoco homenaje a la epopeya floydiana ‘Echoes’. De este modo concluye “Legacy”, una excelente muestra de progresivo psicodélico que se vale de su propia nostalgia para capitalizar la energía creativa que surge de las mentes de sus componentes individuales.

HYPNOS 69 se consolida como un referente crucial para el rock progresivo europeo de nuestros días. Vaya como adelanto este tubito del tema ‘An Aerial Architect’: http://www.youtube.com/watch?v=j0zPUxJ0gZ8