El divino pandemonio vanguardista de la BANDA ELÁSTICA

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos la gratísima ocasión de presentar a “Pandemonium”, el más reciente trabajo fonográfico de la BANDA ELÁSTICA, uno de los ensambles más notables y curtidos dentro de la vanguardia radical mexicana. Este disco, el cual se centra mayormente en unas observaciones satíricas de diversos aspectos infernales de la pandemia que hasta ahora asola al mundo desde inicios del año 2020, fue inicialmente publicado en el blog de Bandcamp del propio grupo a mediados de marzo de 2021; fue solamente a inicios del presente año 2022 que la asociación de los sellos Luna Negra y Discos Tiradero concretó la publicación física en CD. 17 piezas en total (nada menos) son las que conforman el repertorio de “Pandemonium”. Se trata del séptimo disco de estudio de este ensamble surgido en los 80s para elaborar una osada propuesta donde confluyen el avant-jazz, el RIO, la fusión contemporánea y la música concreta de formas libres. Los músicos permanentes de principio a fin en el presente álbum son Guillermo G. Phillips [guitarras, guitarras sintetizadas, guitarra raspada, koto de pedal, pollos, grabación de sapos, mad organ y lámina con arco], Guillermo Portillo [saxofones alto, barítono y soprano, y flautas], Sósimo Hernández [bajo eléctrico y contrabajo] y Luis Miguel Costero [batería, tabla y set de cajón y platillos]. Entre los dos Guillermos se repartieron las labores de iniciación de los temas que luego se fueron desarrollando hasta alcanzar sus formas definitivas tal como fueron grabadas en el disco que aquí reseñamos. Los demás músicos que aparecen ocasionalmente son Julián González Frank (batería), Marcos Miranda (clarinete alto, jinashi, flauta bajo, gymbarda y percusión de boca), Dave Barrett (saxofones tenores y altos), Dante Pimentel (banjo y voces) y Alejandro Folgarojas (saxofón alto). Las sesiones de grabación tuvieron lugar en diferentes localidades: Morelia, San Miguel Allende, Cancún, Coyoacán, Ciudad Jardín y Caterva Estudio. El diseño gráfico del disco estuvo a cargo de Exagerardo, incluyendo unas pinturas de Alejandro Folgarolas y el antes mencionado Dave Barrett. Phillips compartió con Dante Pimentel y Francisco Javier González Elizondo las labores de producción, mezcla y masterización de este disco, con una ulterior remasterización digital realizada por Mr. Paco-Lucas. Bueno, veamos ahora los detalles estrictamente musicales de este divino pandemonio vanguardista que nos trae la gente de la BANDA ELÁSTICA.

El inicio del álbum viene de la mano de la dupla de ‘Free Con Tapabocas’ y ‘Sapos Y Ellos’: el primero de estos ítems es un lúdico ejercicio de free jazz con pausas estratégicamente ubicadas que conforman un cuadro intensamente disruptivo; el segundo, por su parte, establece una densa y perturbadora cruza entre la faceta deconstructiva de JOHN ZORN y los HENRY COW de la etapa 75-76. En este último caso, tenemos un ejemplo de cómo opera el surrealismo sonoro cuando muestra sus fauces más lúgubres mientras se deja arropar por una aleatoria fastuosidad. Acto seguido emerge ‘Otros Sapos’, pieza centrada en un esquema electroacústico donde el ímpetu deconstructivo de la pieza precedente se deja capitalizar por una dosis extra de señorío. Los efluvios imparables de las percusiones hallan una contraparte muy eficaz en las capas de teclado, y en medio de ambos recursos se desatan los demás instrumentos. ‘La Chica De Ipandemia’ es el título apropiado para el cuarto tema del álbum, pues éste se enmarca en un ejercicio de Latin jazz de raigambre brasileña. Los delirantes fraseos de la flauta son los principales proveedores de fuerza de carácter para el ensamble grupal. La triada de ‘Virus Redentor Ying’, ‘Virus Redentor Yang’ y ‘Virulencia’ sirve para que el grupo siga explorando aventuras sónicas con el buen pulso habitual. El primer tema de este bloque se centra en una serie de retazos abstractos que se emplazan dentro de una atmósfera engañosamente bucólica que, en realidad, deja entrever un aire de peligro; el segundo tema ostenta una soltura más relajada sin dejar atrás la tensión propia del free jazz; la triada culmina con un ágil despliegue de vibraciones jazz-progresivas que se sitúan a medio camino entre el Canterbury y el RIO, dos minutos y medio de puro deleite festivo con su oportuno toque de extravagancia. ‘Booper Virus’ regresa de lleno a los juegos de abstracciones aleatorias sobre la base del free jazz, pero con una ingeniería rítmica reconocible a partir de la influencia de la experimentación fusionesca que emergió a fines de los 60s. Las maquinaciones de la flauta y el saxo barítono dirigen el desarrollo de los colores principales, siendo así que la guitarra también sale al frente en ocasiones. Cuando llega el turno de ‘Plegaria Miasmática’, el ensamble explora su faceta ceremoniosa dentro de su estrategia de libre improvisación colectiva.

‘Pandemic Ballad’ se instala sobre un groove de blues jazzeado para empezar a organizar un nuevo ejercicio de deconstrucciones; la atmósfera circundante es una mezcla de misterio solipsista y nebulosidad otoñal. La batería luce diversas texturas a través del swing sosegado que arma y refuerza a lo largo del camino. ‘Microorganismos En Pugna’ instaura una cruza entre las vibraciones ceremoniosas del tema #9 y el vigor aventureramente cadencioso del tema #8. Esta pieza incluye uno de los solos de saxo más exaltados de todo el álbum. ‘Virus Acuático’ es el tema más largo del repertorio con su duración de 7 minutos y medio. Todo este espacio sirve para que los músicos den rienda suelta a las dimensiones más vivaces de su ideología de formas libres, siendo así que los ambientes contemplativos y las atmósferas envolventes arman la urdimbre donde las intervenciones instrumentales van fluyendo (incluyendo a los ruidos de mareas). Vale decir que se da aquí un cierto coqueteo con el krautrock. Hay un empuje tremendamente cinematográfico en la trama surrealista que diseña este viaje musical. ‘Nueva Normalidad’ consiste en un ejercicio de RIO que, a contrapelo de varias piezas anteriores, se focaliza en una jovialidad rotunda e inapelable. El swing, aunque tiene algo de complejidad, resulta bastante llevadero; por su parte, la flauta parece cantar su felicidad, como si estuviese haciendo una fiesta para sí misma y esperase que los demás instrumentos se le unan. Hay que hacer una mención especial para los dos solos de guitarra que emergen en el último tercio, son simplemente fenomenales. Con la dupla de ‘Covidengue’ y ‘Concheros de Tlön’, la banda sigue explorando matices propios de sus inquietudes avant-jazzeras: el primero de estos temas instaura una ambientación sosegada a la cual añade tonalidades bastante gráciles; por su parte, el segundo se orienta hacia lo fusionesco dentro de un enfoque deconstructivo y con la inclusión de bastantes matices folklóricos. ‘Stalker Virus’ se enfila hacia un armazón inestable de sonoridades densamente agresivas, exhibiendo un filo osado por vía de la confluencia de todos los partícipes. El final del repertorio llega de la mano de ‘Fase 7’, un evocativo ejercicio de atmósferas envolventes alimentadas por guitarreos Crimsonianos y sostenida por un groove de tipo nu-jazz; algo flotante y enigmático para hacer contrapeso a lo expuesto en el penúltimo tema. 

Todo esto fue el divino pandemonio avant-progresivo que nos ha brindado el colectivo de BANDA ELÁSTICA: “Pandemonium” es una obra magnífica que exige del oyente empático una atención inusitada y un ingenio imaginativo para que se dé una inusitada y aventurera convergencia entre creador y receptor. BANDA ELÁSTICA es una entidad mexicana que da gigantescos indicios de vigente creatividad con este nutrido catálogo de nuevas composiciones. Disco totalmente recomendable. 

Muestras de “Pandemonium”.-
Sapos Y Ellos: https://bandaelastica2021.bandcamp.com/track/sapos-y-ellos
Virulencia: https://bandaelastica2021.bandcamp.com/track/virulencia 
Virus Acuático: https://bandaelastica2021.bandcamp.com/track/virus-acu-tico
Nueva Normalidad: https://bandaelastica2021.bandcamp.com/track/nueva-normalidad

Concheros De Tlön: https://bandaelastica2021.bandcamp.com/track/concheros-de-tl-n

FANATISM y su evolución a paso firme

 

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Hoy presentamos el disco de estudio más reciente del ensamble sueco FANATISM, el cual está conformado por Tomas Bergstrand [guitarras y voz], Peter Erikson [sintetizadores], Gustav Nygren [guitarra, saxofón y voz], Mikael Tuominen [bajo y voz] y Jonas Yrlid [batería]. El disco en cuestión se titula “Inverted Evolution” y fue publicado el 12 de noviembre del pasado año 2021. Este grupo creado en 2008 como proyecto colateral de tres integrantes de la veterana banda de rock psicodélico KÜNGENS MAN ya nos sorprendió gratamente con su debut “The Future Past” (del año 2018), un disco centrado en estructuras de canciones con un enfoque psicodélico diferente. Ahora, con su segunda obra fonográfica “Inverted Evolution”, el quinteto sigue afinando este enfoque mientras incorpora algunos matices ocasionales de tenor post-rockero y otros de raíz blues-rockera. Definitivamente, el grupo se ha tomado a pecho la idea de ahondar en el lirismo y la claridad melódica a la hora de gestar, arreglar y grabar el material de este nuevo disco. La asociación del sello británico Drone Rock Records y del estadounidense Centripetal Force se hizo cargo de la edición de “Inverted Evolution” en vinilo de color crema, mientras que el grupo maneja las ventas digitales en su blog de Bandcamp. Bueno, veamos ahora los detalles de este disco.

Con la dupla de la miniatura homónima y ‘Power’, las cosas se ponen en marcha de una manera enérgica, sugerente y cautivadora. En el espacio de un minuto y tres cuartos, la pieza de entrada se mete en un ejercicio de acid-folk donde se mezclan el aura ensoñadora de los HAWKWIND del primer álbum con el paradigma del bluegrass. Por su parte, ‘Power’ aporta una intensidad incrementada a la densidad reinante con un ejercicio de parsimonia space-rockera que nos remite al legado Floydiano de la etapa 1969-71 y al de los GURU GURU de los discos segundo al cuarto, con sus añadidos toques de post-rock en clave bastante aguerrida. Los solos de guitarra ayudan a crear un gancho particular para la canción, la cual bien pudo haber durado un poco más de los casi tres minutos y tres cuartos que el grupo le otorgó a la canción. Pero es que llega el turno de ‘Wooden Shoes’, canción que se encarga de exhibir y moldear la faceta más extrovertida del grupo mediante un ejercicio de hibridación entre los HAWKWIND de la etapa 72-75 y CAUSA SUI. Space-rock alimentado por el vigor del stoner y motivado por el fulgor cañero del rocanrol; otro tema con suficiente atractivo como para que pudiera beneficiarse de un arreglo más expansivo. ‘Your Golden Life’ es una pieza de 7 minutos y pico que se interna sesudamente en la dimensión más lánguida del ideario psicodélico, gestando desde allí una renovada sofisticación con incluyendo algunos matices de rock sureño y ciertos ornamentos estilizados de tenor krautrockero al parsimonioso groove que se impone en la primera instancia. Más adelante, el asunto vira hacia una dimensión más oscurantista, casi coqueteando con lo Crimsoniano, antes de volver al motif inicial. ‘The Great Hunger’ dura casi 7 minutos, siendo su función la de ir a contrapelo de la pieza precedente para desarrollar un animado ejercicio de jazz-rock psicodélico donde la dupla rítmica, a veces de manera abierta, otras de forma más sutil, se adueña del centro temático (y del groove, cómo no) mientras las dos guitarras y el sintetizador llenan los espacios del motif central del jam. Sin ser intrépida, esta canción aporta una calidez muy efectiva, la cual termina beneficiándose bastante de los exaltados solos de guitarra que van emergiendo y asentándose a lo largo de los dos últimos minutos. 

‘Verkligheten’ exuda una aureola un poco más lúdica que la pieza precedente en sus riffs y en las ágiles líneas del bajo, pero hay una cierta neurosis latente que nos remite en buena medida al espíritu de la cuarta canción. Eso sí, hay una cierta distinción en el esquema donaron que le acerca más a los dos temas precedentes. Sigue por una vía similar ‘Machete’, siendo así que su posición particular reside en la instauración de una musculatura rotunda en la amalgama de los guitarreos. ‘Perfection’ tiene un motif más sereno que se desarrolla sobre un medio tiempo donde la vieja escuela del rock psicodélico impone las pautas sonoras. En lo referente a la candidez exhibida en el canto y el colorido solo de saxo que emerge en algún momento, nos recuerda a GONG, pero el esquema musical en sí está más cercano al retro-prog-psicodélico de bandas como MAGIC BUS y DIAGONAL. El final del repertorio llega de la mano de la pieza titulada ‘Jet Lag’, tal vez algo indicador de la agradable agitación mental que supuso escuchar este disco. Hay una serenidad grisácea en esta canción que nos remite a una cruza entre los GONG del nuevo milenio y el paradigma de EARTHLING SOCIETY. Como sea, este tema de cierre crea una aureola de relax espiritual que se siente muy oportuna para completar el viaje musical del presente disco. Todo esto fue lo que nos brindaron los FANATISM con ésta, su segunda obra fonográfica “Inverted Evolution”, una muestra de evolución musical hacia un enfoque más explícitamente ecléctico para su propuesta de prog psicodélico, enfoque que apunta hacia un detenimiento más cercano en la elaboración de canciones. Un disco bastante interesante. 

Muestras de “Inverted Evolution”.-
Wooden Shoes: https://fanatism.bandcamp.com/track/wooden-shoes
The Great Hunger: https://fanatism.bandcamp.com/track/the-great-hunger
Jet Lag: https://fanatism.bandcamp.com/track/jet-lag

Triunfo #11 (o #7) del trío sueco FIRE!

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Con demora – bastante demora, pues esto fue publicado a poco de pasado el ecuador de febrero del año pasado 2021 – reseñamos esta joya escandinava titulada “Defeat”, el undécimo trabajo fonográfico del ensamble sueco FIRE! (si es que contamos los discos publicados con el formato de la FIRE! ORCHESTRA). Si no, se trata del séptimo. Sea como sea, este ultra-talentoso trío conformado por Andreas Werliin [batería], Johan Berthling [bajo eléctrico] y Mats Gustafsson [flauta, saxo barítono y efectos electrónicos] ha vuelto a lucir sus galones de alta jerarquía musical basados en su amplia experiencia gestando su propia combinación de avant-jazz, avant-prog, el legado del jazz-fusion de los 70s y la psicodelia. El encargado de publicar “Defeat” fue, como es habitual dentro del catálogo de la banda, el sello noruego Rune Grammofon, tanto en CD como en vinilo. Para este disco, el trío contó con las colaboraciones de Mats Äleklint (trombón y sousafón) y Goran Kajfes (trompeta); el primero de ellos escribió los arreglos de metales. El material contenido en este álbum, compuesto conjuntamente por todos los integrantes del trío, que aquí reseñamos fue grabado entre octubre de 2019 y febrero de 2020 en el estudio Village Recording, ubicado en Copenhague, y posteriormente fue mezclado y masterizado en el estudio Puttarna. Hubo que esperar al segundo mes de 2021 para que se convirtiese en una realidad concreta dentro del mercado fonográfico.

 

El disco comienza con ‘A Random Belt. Rats You Out.’, una pieza que comienza con una evocativas y soterradamente delirantes líneas de flauta y que luego termina enfocándose en un jam sólido y galante que nos remite conjuntamente a los primeros WEATHER REPORT y a la faceta más etérea del siempre aventurero paradigma de JOHN ZORN; también advertimos algunos aires de familia con el jazz-prog contemporáneo de unos LED BIB. El swing es razonablemente complejo para resaltar la llamativa vivacidad inherente a la pieza. Mientras se unen otros vientistas, la atmósfera reinante se torna un poco más muscular desde un enfoque jovial, aunque sin perder de vista las vibraciones exquisitas que el bloque instrumental ha impuesto como regla fundamental de este jam. Luego sigue la dupla de ‘Each Millimeter Of The Toad, Part 1’ e ‘Each Millimeter Of The Toad, Part 2’, que conjuntamente ocupa un espacio de poco menos de 10 ½ minutos. Todo comienza con un ejercicio de sigilosos recursos sonoros bastante aleatorios, siendo así que a poco de llegar a la frontera del segundo minuto, el ensamble se instala en un groove reconocible. Ahora, la atmósfera es de misterio envuelto bajo un ropaje introspectivo, algo que está muy bien reflejado en las parcas líneas de bajo. El rol exuberante está especialmente centrado en la flauta. En cuanto a la Parte II, ésta mantiene el talante ceremonioso de la anterior pero brinda un empuje un poco más extrovertido al mismo, elaborando un esquema rítmico un poco más grácil y dejando que el vigor del saxo se apodere de buena parte del centro temático. Los otros bronces llenan espacios armónicos apenas emergen, lo cual ayuda a crear un señorío especial para la ocasión. Posiblemente sea este el cénit del repertorio.. ‘Defeat (Only Further Apart...)’ comienza con lo percusivo, centrándose en un groove exótico de tenor cercano a lo afrolatino, algo que es bien aprovechado por los vientos a la hora de instaurar sus peculiares colores al desarrollo temático con un enfoque situado entre lo impresionista y lo denso. El empuje de esta pieza es inconfundiblemente celebratorio, mientras que su formato sónico está marcado por un donaire sobriamente gallardo.
 
Durando casi 10 minutos, ‘Alien (To My Feet)’ cierra el repertorio con un ejercicio de climas sombríos que, en muchos momentos, coquetea con lo siniestro. Imaginemos que una idea perdida que los UNIVERS ZERO tenían en mente como sección introductoria de alguna pieza de sus tres primeros discos hubiese sido retomada y remodelada bajo las pautas contiguas de YOG SOTHOTH y la faceta minimalista de JOHN ZORN. Algo así es lo que trabajan aquí los FIRE!, apoyándose perpetuamente en un groove alevosamente líquido que no permite generar ideas certeras, solo una constante incertidumbre en medio de una niebla solipsista. En medio de toda esta languidez noctámbula, las líneas de flauta que brotan alrededor de la frontera del quinto minuto se sienten extrañamente cálidas a pesar de que siguen la corriente de inquietud emocional que la pieza exorciza desde las entrañas mismas de su desarrollo temático. Ya para entonces, es verdad, el esquema rítmico se explicita de una manera más definida. Todo esto fue “Defeat”, el testimonio del undécimo triunfo musical de FIRE!, un disco que en cada pulgada sonora contenida en él refuta el significado literal de su título. Podemos honestamente afirmar que este disco es infaltable en una buena fonoteca dedicada al jazz y al rock experimentales de nuestros tiempos. La recomendación llega muy tarde, pero es sincera, y de todas maneras, no sorprende a quienes siguen la producción fonográfica de este fabuloso ensamble sueco: de hecho, es recomendable al 300% (un 100% por cada integrante del grupo).

Muestras de “Defeat”.-
A Random Belt. Rats You Out.: https://www.youtube.com/watch?v=M3w0g76v_pM
Each Millimeter Of The Toad, Part 2: https://www.youtube.com/watch?v=azEUgHg7oKY

THE TRONOSONIC EXPERIENCE: un doble juego de luces y sombras

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos el muy especial honor de presentar lo nuevo del ensamble jazz-punk-progresivo noruego THE TRONOSONIC EXPERIENCE, una diada de álbumes publicada en formato de vinilo por el sello Apollon Records: PROG, los cuales son respectivamente titulados “The Shadow Vol. I” y “The Shadow Vol. II”. El primero de ellos se publicó en color naranja el asado 18 de marzo, mientras que el segundo se publicó a la semana siguiente en color rojo. El grupo también ha mostrado al público este material en algunas redes virtuales. El honor de presentar esta doble obra es, tal como dijimos, muy especial, porque no solo es la propuesta más ambiciosa que este cuarteto ha creado hasta el momento, sino porque también se trata del trabajo póstumo del principal compositor de la banda, el bajista Per Harald Ottesen. Ottesen, quien también ha tocado la guitarra lap steel y gestado algunos efectos electrónicos en el nuevo repertorio, no llegó a ver la publicación de este disco porque sucumbió al cáncer a inicios del pasado mes de marzo a los 48 años de edad, pero los planes para publicar este doble concepto de “The Shadow” no se detuvieron para nada. Los otros integrantes son Jan Inge Nilsen [batería y percusión], Øyvind Nypan [guitarra, guitarra barítono, efectos electrónicos y soundscapes] y Ole Jørgen Bardal [saxofón tenor]. Las sesiones de grabación de esta obra se iniciaron a fines de 2019 en el estudio Ocean Sound Recordings, ubicado en la localidad de Giske, siendo así que las posteriores labores de mezcla y masterización tuvieron lugar en Oslo, en los estudios Propeller Music Division. Las sesiones de grabación básicas consistieron primordialmente en sesiones en vivo dentro de los ambientes de Ocean Sound. Entre Ottesen y Nypan se dividieron las responsabilidades compositivas (con prioridad del primero). El propio Nypan se hizo cargo de las masivamente caleidoscópicas pinturas que ilustran cada volumen de “The Shadow”, y el ulterior diseño gráfico corrió a cargo de Oliver Habbe. Teniendo en cuenta las características exteriores de estas portadas y su contraste con el gran vacío que deja Ottesen al mudarse su alma a la oscuridad extraterrenal, se puede muy bien afirmar que este trabajo fonográfico simboliza un doble juego de luces y sombras.

Revisamos ahora los detalles de este nuevo material. El primer volumen comienza con la dupla de ‘Sheik Pt. I’ y ‘Sheik Pt. II’, que ocupa un total de 10 minutos y pico (la última parte es, más bien, una miniatura de medio minuto de duración). Tras une breve momento prologar de misteriosa nebulosidad, el cuerpo central de ‘Sheik Pt. I’ devela un magnífico juego de complejos grooves que son pletóricamente llenados por un vitalismo aguerrido que, en buena parte, es impulsado por la genial labor del baterista. Aires de familia hay con FIRE! y con los KROKOFANT de los primeros discos, pero cabe matizar que esta impresionante pieza de apertura carga sobre sus espaldas la misión de perpetuar el vigor expresivo que ya estuvo presente en su segundo álbum. La miniatura es un reprise del motif inicial tras las hendiduras sutiles que afloraron en las últimas instancias de la Parte I. Tras este gran inicio del volumen sigue ‘The Last Stand’, un tema que realiza un ágil híbrido del músculo del punk-jazz y el swing sofisticado del jazz-fusion histórico con raigambre funk. Los delirantes viajes respectivos de la guitarra y del saxo llenan espacios con una colorida extroversión que también acoge algunos matices de furia (o algo parecido). ‘The Sunwatcher’ es una breve exhibición de aleatorios retazos abstractos que apela a paisajes oníricos convertidos al lenguaje sonoro. Así las cosas, emerge ‘Golden Comet’, una pieza signada por una combinación de nervio y sensibilidad lírica. Ya desde esos rotundos redobles de batería que dan inicio al tema vamos intuyendo que vamos a disfrutar de algo especial y, en efecto, aquí tenemos al cuarteto manejando magistralmente el ambiente general del motif central y las ulteriores variantes que van emergiendo a lo largo del camino, focalizadas éstas en la acentuación del groove básico dentro de un eficaz crescendo. Tras este clímax fundamental de esta parte del repertorio llega otro titulado ‘Totak’, tema que vira hacia una atmósfera totalmente distinta. Sus sosegadas vibraciones sustentan un talante contemplativo arropado por un ambiente crepuscular; la delicadeza manejada por la dupla rítmica condiciona efectivamente el modo en que los demás instrumentos exponen sus propios aportes. ‘Undertow’ es el breve epílogo del primer volumen y consiste en una serie de efectos de sonido rugosos y distantes. 

El segundo volumen dura un poco más que el primero y comienza con el breve prólogo de menos de medio minuto de duración titulado ‘Undertow (Slight Return)’, una continuación de los efectos sonoros con los que concluyó el primer volumen. Así se prepara el terreno para el arribo de ‘The Shadow Of The New Praetorian’, que no es solo el tema más extenso de esta doble obra con su 12 minutos y medio de duración, sino que también es lo más largo que ha grabado jamás la gente de THE TRONOSONIC EXPERIENCE. Todo empieza con un extenso prólogo de formas libres que nos remite a una deconstrucción oscurantista del paradigma de SUN RA filtrado a través del inmortal fantasma de KING CRIMSON. Una vez instalado el cuerpo central, nos metemos en un terreno afín a los de GUTBUCKET con el filo estilizado que ya conocemos de TTE. La confluencia entre los dobles matrimonios de guitarra-saxo y batería-bajo convergen exquisitamente a través de la ingeniería temática diseñada para el momento. El medio tiempo está sustentado con suficiente garra como para asegurar una contundente fuerza de carácter para el bloque instrumental íntegro. En la sección improvisada del intermedio se nota que hay una sigilosa atención comunal respecto a lo que se está haciendo en el momento y el lugar al cual se habrá de llegar en última instancia. Otro momento culminante de este nuevo repertorio. ‘Supernova’ se enfoca en unos enclaves cósmicos inquietantes que son sobriamente ornamentados por el saxo, siendo así que el epílogo se centra en unos minimalistas fraseos de guitarra y saxo. Es prácticamente una excursión en el kraut más abstracto a través de la lógica del avant-jazz. ‘Beehive’ nos muestra a la banda volviendo de lleno a su faceta extrovertida, y las saltarinas líneas de saxo iniciales dan una muestra inconfundible de ello. Si su espíritu comienza siendo bastante semejantes al de ‘The Last Stand’, es verdad que con la adición de una dosis extra de bríos incendiarios en algunos riffs estratégicamente plantados en ciertos parajes y la presencia de algunos ornamentos grisáceos, el resultado final se siente más sofisticado. Cuando llega el turno de ‘Chiaroscuro’, el grupo decide explorar nuevamente su dimensión misteriosa y noctámbula, proyectando un aura tranquila, no tanto como un sueño sino como una mirada nostálgica al cielo negro y sus estrellas esparcidas por aquí y por allí. El saxofón es el instrumento más explícitamente concentrado en esta actitud. El final de esta doble obra lo trae ‘Dunes’, un último ejercicio de sonoridades abstractas y solipsistas... como algo que se va evaporando para siempre tras haber estado patente ante nuestros ojos y mentes.

Todo esto es lo que se nos ha brindado desde los cuarteles del fenomenal ensamble noruego THE TRONOSONIC EXPERIENCE con “The Shadow Vol. I” y “The Shadow Vol. II”. Esta labor gestada y producida con tanta creatividad para mantener viva la llama de la experimentación jazz-rockera en el presente milenio ha sido exitosa en su cometido; por ello, la recomendamos al 400% (un 100% por cada músico integrante) en cualquier fonoteca de rock y jazz de vanguardia. Lamentablemente, también ha plasmado el testimonio del testamento final de Per Harald Ottesen. Gracias a la banda por dar al mundo este doble álbum y gracias a Ottesen por toda la música que compuso y realizó durante su existencia terrenal: nunca le olvidaremos, maestro.

Muestras de “The Shadow Vol. I” y “The Shadow Vol. II”.-
The Golden Comet: https://www.youtube.com/watch?v=7BAswqCwck0
Totak: https://www.youtube.com/watch?v=NeL_4-dw6Es
The Shadow Of The New Praetorian: https://www.youtube.com/watch?v=PXU4JVsz5Jw
Supernova: https://www.youtube.com/watch?v=7BXiP8Jvov8

ASCETA: la altura del chamber-rock en la vanguardia progresiva chilena de hoy

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CESAR INCA.

Hoy tenemos el enorme placer de presentar al ensamble avant-progresivo chileno ASCETA y su disco debut homónimo, el cual fue publicado a inicios del presente año 2022 por el sello mexicano Azafrán Media (con la colaboración de Musea Records). La alineación de ASCETA consiste en Alfonso Vergara [clarinete], Efra Vidal [fagot], Eduardo Rubio [bajo eléctrico y contrabajo], Christian Peralta [cello],  [cello], Leonardo Saavedra [batería y percusión], Arianne Guerra [violín], Oscar Pizarro [pianos acústico y eléctrico] y Rodrigo Maccioni [guitarras eléctrica, acústicas de 6 y 12 cuerdas, flauta y sintetizadores]. Este último, Maccioni, se hace cargo de todas las composiciones y de la dirección musical del grupo. Si nos suena de algo su nombre es porque se trata de uno de los integrantes de esa fabulosa banda llamada ÁBRETE GANDUL. Si hacemos un poco de memoria, el hasta ahora último disco de ÁBRETE GANDUL “Referencias Circulares” (publicado en 2018) significó una incursión en elementos de corte RIO que eran novedosos para la susodicha banda, ahora, en este disco “Asceta”, Maccioni y el resto de este nuevo grupo se dedica a explorar a fondo los legados del chamber-rock continental de bandas como UNIVERS ZERO, ART ZOYD y PRESENT, además de tener algunas conexiones con otros grupos más cercanos como el mexicano ARTERIA, el argentino ORQUESTA METAFÍSICA y el estadounidense FAR CORNER. Estas conexiones se hacen notar especialmente en la agilidad sonora que invade a varias instancias del disco. La musa vanguardista de Maccioni se reveló a lo largo del año 2020, y el repertorio concreto se grabó y mezcló en los Estudios Paraíso de Santiago de Chile, entre el 2 de junio y el 30 de agosto de 2021. Más adelante, la masterización fue realizada por el prestigioso ingeniero de sonido Udi Koomran en Tel Aviv. Este señor tiene un amplio currículum como ingeniero y músico colaborador para bandas como PRESENT, GONG, 5UU’S, SOFT MACHINE, YUGEN, INNER EAR BRIGADE, ACCORDO DEI CONTRARI, PANZERPAPPA, ORPHANED LAND y un largo etcétera. Como dato curioso, el nombre de este ensamble proviene de un juego de palabras con las letras a y z, como se nota en su logo, y no de algún ideario místico. 

Bueno, veamos ahora los detalles del repertorio contenido en “Asceta”. El inicio del álbum se da con ‘Fobia’, tema que dura 8 ¾ minutos, erigiéndose como el más extenso del mismo. Comenzando con un prólogo minimalista impulsado por un empuje misterioso y tétrico, más adelante entra a tallar el ensamble entero para desplegar un motif más expresionista donde opera un colorido arcano y moderadamente inquietante, no exento de cristalina delicadeza en algunos pasajes estratégicos. Los juegos de síncopas que predominan en la ingeniería rítmica permiten a la fastuosidad reinante dejarse envolver por una gracilidad muy peculiar. También hay un interludio nebuloso que permite a la dimensión fastuosa de la pieza coger un nuevo brío para la siguiente exhibición de colorido sónico. Todo termina con un epílogo de claro talante mortuorio, un gran cierre para un tema excelente. La dupla de ‘Virusmosis’ y ‘Gigantes Microscópicos’ permite al ensamble seguir afinando su paleta sonora. La primera de estas piezas mencionadas se enmarca dentro de un dinamismo particularmente ágil desde el cual se desarrolla una serie de esbozos razonablemente saltarines, casi diríamos celebratorios. En cuanto a ‘Gigantes Microscópicos’, ésta se encarga de revisar los aspectos más extrovertidos de la pieza inaugural para remodelarlos con una dosis mayor de solemnidad. Esta vez, el aura de distinción reemplaza a las vibraciones nebulosas que habían predominado en ‘Fobia’. ‘Los De Afuera’ es el cuarto tema del álbum y encarna uno de los cénit decisivos del mismo. Desde el mismo punto de partida se destaca un manejo meticulosamente sofisticado de las interacciones entre los diversos instrumentos, así como la convicción para armar una ingeniería rítmica que sepa transmitir oscilaciones gráciles mientras instaura su propia trama compleja. Los pasajes marcados por una cierta suntuosidad luminosa son mayoritarios, asociándose con otros pasajes moderadamente oscuros con perfecta fluidez. ‘Ameba’ sigue, en buena medida, el sendero suntuoso y vivaz de la pieza precedente, tal vez con una dosis de musculatura expresiva un poco mayor. No falta, eso sí hace falta recalcarlo, el paraje sutil epilogar que añade un oportuno toque de variedad al asunto.

‘Movimiento Estático’ comienza con una atmósfera abstracta que nos hace sospechar que tenemos frente a nosotros un ejercicio de dinamismos oscurantistas, pero, en realidad, tenemos aquí la pieza más cálida del álbum. Su envolvente lirismo destila una aureola evocadora que se siente cautivadora en grandes proporciones. El final del álbum llega de la mano de ‘Sistemas Alterados’, un tema empieza explorando atmósferas oscurantistas a las que se añade un talante melancólico, para luego virar hacia un groove extrovertido de tenor jazz-progresivo. Este nuevo vitalismo es manejado con rigor arquitectónico desde el encuadre general, pero el vitalismo expresivo se advierte claramente en los matices y melodías que aportan las maderas y el violín, principalmente. El epílogo se centra en un breve juego de tensiones que completa ingeniosamente el ya predominante fulgor musical. En conclusión, los nombres del grupo ASCETA y del disco “Asceta” deben ser escritos con letras doradas en el calendario de publicaciones progresivas del año 2022: Rodrigo Maccioni y sus compañeros de viaje se han lucido a lo grande con este repertorio que dura 44 minutos y pico. Desde Chile se proyecta al mundo este excelente catálogo de chamber-rock revitalizado para nuestros tempos, un catálogo totalmente recomendable para cualquier fonoteca dedicada al rock progresivo y experimental. De lo mejor que se nos ha brindado desde tierras sudamericanas para el actual escenario progresivo mundial en lo que va del año 2022.

Muestras de “Asceta”.-

Fobia: https://www.youtube.com/watch?v=VyCHaUMue3g

Los De Afuera: https://www.youtube.com/watch?v=cIwvYSCENKY

ACCORDO DEI CONTRARI: un renovador quinto convenio

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy viajamos al hermoso país de Italia y nos topamos con “UR-”, el disco que el genial grupo jazz-progresivo ACCORDO DEI CONTRARI lanzó al mercado el 19 de noviembre del pasado año 2019 por vía del sello Cuneiform Records. Llega con cierta demora esta reseña, es verdad, y nos disculpamos por eso, pero nunca es demasiado tarde para expresar elogios entusiastas para un disco tan fenomenal como éste. Hoy por hoy, la alineación de ACCORDO DEI CONTRARI consta de Marco Marzo Maracas [guitarras eléctricas 6 y 12 cuerdas], Stefano Radaelli [saxofón alto], Cristian Franchi [batería] y Giovanni Parmeggiani [pianos clásico Steinway y eléctrico Fender Rhodes, órgano y sintetizador Minimoog]. A lo largo de “UR-”, el cuarteto contó con las colaboraciones ocasionales de Alessandro Bonetti (violín), Sergio Papajanni (bajo), Carlo Facondini (guitarra), Francesco Guerri (cello) y Patrizia Urbani (canto). Es el primer álbum de la banda sin un bajista permanente (de hecho, el bajista invitado solo toca en un tema) y con un saxofonista ntegrante (en álbumes anteriores aparecía uno que otro invitado a los vientos o al violín). El resultado es que ahora el colectivo de ACCORDO DEI CONTRARI ha concretado un filo renovador dentro de un esquema de trabajo jazz-progresivo, un esquema que ha convertido desde hace varios años al grupo en uno de los más notables dentro de la avanzada progresiva italiana del nuevo milenio. El material contenido en “UR-” fue compuesto por Parmeggiani, y tras los procesos de grabación y mezcla dirigidos por Loris Ceroni (entre el 30 de enero y el 2 de febrero de 2020), la masterización fue realizada por el prestigioso músico e ingeniero de sonido israelí Udi Koomran, alguien que ha trabajado con otras grandes bandas como 5UU’S, YUGEN, PRESENT, INNEAR EAR BRIGADE, PANZERPAPPA, AHVAK y un largo etcétera. Bueno, vayamos ahora a los detalles de este fabuloso disco, ¿vale? 

Durando 9 minutos, ‘Tergeste’ abre el repertorio. Comenzando con una secuencia de piano sazonada con retazos de saxo, una vez que e ensamble completo entra en acción, el asunto se convierte en un híbrido de la excelsa majestuosidad de NATIONAL HEALTH y la frescura sofisticada de sus inolvidables compatriotas de D.F.A. Con el incendiario solo de guitarra que emerge a mitad de camino para extenderse a placer y el brío alucinante que aporta la batería, el croquis sonoro gana en vigor e intensidad. La sección final tiene algo de lúgubre ceremoniosidad en un inicio, pero de repente, todo vira hacia una retoma de la intensidad anterior. Tras este estupendo punto de entrada llega el turno de ‘Così Respirano Gli Incendi Del Tempo’, una pieza igualmente fantástica que preserva el clímax inicial con absoluta solvencia. Su atmosfera es, en general, más ágil y celebratoria que la desarrollada en ‘Tergeste’, siempre exhibiendo unas vibraciones extrovertidas, aunque la estructura rítmica comienza manteniendo un sereno garbo a través de sus complejos quiebres. En un momento en que se detiene la batería, el piano se queda a cargo de sustentar el groove global, pero una vez que aquélla regresa, la pieza adquiere su vivacidad decisiva. Es justo aquí que el ensamble decide gestar una cruza entre jazz-rock y RIO francófono. Algún pasaje solista de piano nos recuerda a Keith Jarrett mientras se prepara a armar la última sección de la pieza. Un cénit que nos deja totalmente satisfechos. El tercer tema del álbum es ‘Più Limpida E Chiara Di Ogni Impressione Vissuta (Pt. III)’, que continúa por la senda de las Partes I y II (respectivamente ubicadas en los discos “Kublai” de 2011 y “AdC” de 2014). Aquí se capitaliza el fulgor heredado de la pieza precedente, proveyéndolo de un candor aún más saltarín. También hay nervio, pero está más controlado. Durando poco menos de 11 minutos, la pieza homónima resulta ser la más extensa del álbum. Todo comienza con una parsimonia misteriosa cuyo hechizo procede del canto femenino que acompaña al piano en el preludio. Una vez instalado el cuerpo central, el ensamble comienza explayándose en matices y atmósferas crepusculares, para luego reactivar el vigor señorial de siempre. Los momentos donde el teclado y la guitarra generan sus expresiones más filudas gestan una aureola palaciega para la expresamente compleja musicalidad que el ensamble va asentando continuamente.

  

La dupla de ‘Secolo Breve’ y ‘Contrari Ad Ogni Accordo’ ocupa los últimos 10 minutos y medio del álbum. El primero de estos temas es tal vez el más macizo de todo el álbum, exhibiendo una compacta fiereza sónica que es parcialmente domesticada por la meticulosa ingeniería temática que tiene lugar bajo la guía triple de teclado, saxo y guitarra. Esto casi suena a una pieza perdida de GENTLE GIANT que fue descubierta y radicalmente remodelada por un colectivo de músicos de la MAHAVISHNU ORCHESTRA y de GUTBUCKET. Otro cénit del álbum. En cuanto a ‘Contrari Ad Ogni Accordo’, hallamos en él algo enteramente diferente. El sereno y meditabundo dueto de piano y saxo es seguido por un adagio marcado por el cello, y ya a partir de allí,  el grupo exorciza los fantasmas de WEATHER REPORT y RETURN TO FOREVER. Este tema de cierre es como el preludio a un atardecer mágico. Todo esto fue lo que el colectivo de ACCORDO DEI CONTRARI nos brindó con “UR-”, una obra novedosa para el estándar de esta fabulosa y veterana banda italiana cuyo ingenio creativo parece ser incombustible, siempre manteniéndose en una firme e imponente espiral ascendente de ingenio musical. En un espacio total de 42 minutos y pico, el grupo ha lucido sus galones con suprema maestría dentro de este renovador convenio musical que se ha dado en su seno. Recomendable al 400%, un ciento por cada integrante del grupo.

Muestras de “UR-“.-
Tergeste: https://cuneiformrecords.bandcamp.com/track/tergeste
Così Respirano Gli Incendi Del Tempo: https://cuneiformrecords.bandcamp.com/track/cosi-respirano-gli-incendi-del-tempo-thus-they-breathe-time-s-fires
Secolo Breve: https://cuneiformrecords.bandcamp.com/track/secolo-breve-the-short-century

Sin tregua nuevamente: lo que nos brinda el maestro alemán MARKUS REUTER en el año 2022

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos el enorme deleite de presentar “Truce 2”, el nuevo trabajo fonográfico solista de MARKUS REUTER que fue publicado por el sello MoonJune Records en la segunda semana de enero de 2022. Ciertamente, no es un disco solista en el sentido más estricto del término, pues REUTER, quien se hace cargo las Touch Guitars, el sintetizador, los soundscapes y los efectos, se hizo acompañar de principio a fin por dos magistrales acompañantes como son Fabio Trentini (bajos con y sin cuerdas ,contrabajo eléctrico y sintetizador bajo) y Asaf Sirkis (batería y percusiones). No solo eso: también resulta que todo el material aquí contenido fue escrito y arreglado por los tres, al igual que en el disco “Truce” del año 2020. Las sesiones de grabación de “Truce 2” tuvieron lugar en el Ritmo&Blu Studio, ubicado en la localidad italiana de Pozzolengo, entre los días 3 y 5 de julio del año 2021. Ese mismo estudio sirvió para el proceso de mezcla, en el último tercio del siguiente mes de agosto, y más tarde tuvo lugar la masterización. Para estas dos últimas fases fue crucial la presencia de Trentini como socio constante de REUTER (además de Stefano Castagna).

Este disco, tal como dijimos más arriba, exuda vigor y distinción por partes iguales, y basta con prestar atención a la dupla inicial de ‘The Rake' y ‘Rounds Of Love’. El primero de estos temas comienza con un tentativo despliegue de sonoridades aleatoriamente explosivas antes de que el trío se focalice en un motif aguerrido apropiadamente articulado. Los grooves son complejos al más puro estilo progresivo, pero se nota que ya tienen trazos bien definidos; con las apariciones estratégicas de algunos interludios etéreos, la pieza adquiere un señorío extra. A mitad de camino, el grupo incorpora matices heredados del free jazz a su contundente exhibición de psicodelia pesada progresiva, la cual se centra aún más impetuosamente en su propia tensión esencial. En cuanto a ‘Rounds Of Love’, el trío se dedica a explorar swings fusionescos para brindar una agilidad renovadora a la persistentemente ígnea expresividad que delinea con pulso firme la amalgama de los instrumentos partícipes. Es como si una partitura perdida de alguno de los dos últimos trabajos de estudio de los STICK MEN hubiese llegado a manos de los KING CRIMSON de última generación con la misión de explorar estándares del punk-jazz. Aparte de tener aquí uno de los más electrizantes solos de Touch Guitar, también hay un fulgor muy llamativo que es alimentado por la antes mencionada agilidad. Hemos disfrutado de un poderoso inicio de disco y de un momento culminante del mismo, sucesivamente. En el tercer tema del repertorio, que responde al título de ‘Barren’, el grupo invierte un buen rato en su faceta más propiamente enfilada por la senda avant-progresiva; la densidad cósmica y la parsimoniosa aureola de misterio son las coordenadas bajo las que se desarrolla esta pieza signada por una esotérica nebulosidad. Opera aquí una peculiar cruza entre el jazz experimental y el RIO. Ya en la segunda mitad, la batería vira hacia un groove más decididamente brioso, lo cual empuja al tema hacia un fiero clímax conclusivo. 

Durando 10 minutos y pico, ‘Melomania’ se erige como la pieza más extensa del repertorio, lo cual nos prepara para una exhibición de magistral magnificencia de parte del ensamble. Todo comienza con una especie de retoma de la densidad estilizadamente voraz que signó a buena parte de la pieza precedente, aunque con un vigor más contenido. La batería, totalmente centrada en vibraciones avant-jazzeras, se luce mientras guía a los otros instrumentos a lo largo de este viaje que se toma su tiempo para desarrollar texturas sigilosas de tenor psicodélico-sideral. Cuando la dupla rítmica se detiene, se abre campo para un onírico solo de Touch Guitar en medio de capas y efectos cósmicos; ya con el regreso de aquélla, el trío vuelve a elaborar un sólido ejercicio de jazz experimental combinado con prog Crimsoniano, lo cual conlleva otra nueva muestra de fiereza señorial. Ahora la Touch Guitar se convierte en embajadora de Vulcano y la dupla rítmica va reforzando su nueva agilidad para sostener la ingeniería incendiaria en curso de manera solvente. ¡Qué gran cénit del álbum!, ¡por Dios! Cuando llega el turno de ‘Consolation’, el grupo se dispone a explorar una dimensión melancólicamente torturada de la psique humana dentro de un encuadre sonoro donde la garra avant-rockera es manejada con relativa sobriedad. Los extensos y expansivos fraseos que tienen lugar en el maratónico solo de Touch Guitar están convenientemente apoyados en la sofisticada labor de la dupla rítmica. ‘River Of Things’ sigue, en buena medida, la estrategia creativa del tema #2, pero con una menor dosis de densidad y un más pronunciado punche rockero. La vitalidad inherente a la pieza adquiere una tonalidad especial cuando la dupla rítmica utiliza una arquitectura que en muchas instancias está basada en juegos de síncopas. Ya cerca del final, el bloque sonoro asume una garra similar a las de las dos piezas anteriores. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘One Cut Suffices’, que es auténticamente la pieza más serena del mismo. Durando casi 8 minutos y cuarto, el ensamble deposita en este tema una auscultación de atmosferas y matices introspectivos que se deja arropar por una arcana tensión procedente del exterior. Podemos imaginar que lo que sucede aquí es una remodelación del paradigma Crimsoniano del nuevo milenio en un fuego cruzado entre los patrones de Ray Russell y Allan Holdsworth.

De este modo se completa la experiencia de “Truce 2”, una de las obras más majestuosamente aguerridas dentro del escenario progresivo internacional del presente año 2022. El crack MARKUS REUTER se ha lucido una barbaridad junto a sus ilustrísimos compañeros de viaje. Sin tregua y con mucho talento, él, Trentini y Sirkis nos han brindado un estupendo catálogo de música progresiva aventurera y vanguardista. Recomendable al 300% (un 100% por cada músico involucrado en esta nueva gesta excelsa dentro del arte del sonido).

Muestras de “Truce 2”.-

Rounds Of Love: https://markus-reuter-moonjune.bandcamp.com/track/rounds-of-love
Melomania: https://markus-reuter-moonjune.bandcamp.com/track/melomania
Consolation: https://markus-reuter-moonjune.bandcamp.com/track/consolation

Una nueva mirada al origen de ANCIENT VEIL

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy revisamos un clásico del revival progresivo italiano de los 90s: el homónimo disco debut del grupo entonces llamado THE ANCIENT VEIL, el mismo que hace pocos años ha sido remodelado en la edición definitiva titulada “New – The Ancient Veil Remastered”. Ésta fue firmada por ANCIENT VEIL (nombre actual sin el artículo) y publicada por Lizard Records. La edición original de “The Ancient Veil” data del año 1995 y fue publicada por Mellow Records. Los orígenes de esta banda radicada en Génova se remontan justamente al año 1995, cuando el guitarrista-vocalista Alessandro Serri y el vientista Edmondo Romano dejaron atrás sus membrecías en ERIS PLUVIA para seguir adelante con su visión progresiva donde lo sinfónico y lo folklórico, algo que el grupo antes mencionado ya cultivaba en su álbum de 1991 “Rings Of Earthly Light” (otro clásico del revival italiano de los 90s). Bueno, el hecho es que Serri y Romano siguieron adelante por su cuenta: el primero, llevando consigo su arsenal de guitarras acústicas y eléctricas, el segundo, su equipamiento de flautas dulces. Ambos compusieron bastante material para “The Ancient Veil”, contando con las colaboraciones de otros músicos al bajo, la batería, las percusiones, maderas adicionales, y hasta un ensamble de cuerdas llamado The Willow Quartet (Roberto Mazzola y Sara Diano a los violines, Alessandro Sacco a la viola, y Stefano Cabrera al cello) y un ensamble coral. 2018 es el año de esta edición remasterizada y ampliada (por incluir algunos recursos de instrumentación adicional) de ese disco debut, ahora titulado “New – The Ancient Veil Remastered”; también hay un reacomodo del repertorio original, aunque algunas locaciones se mantienen iguales. Esta producción renovadora tuvo lugar en Eden Studio a lo largo del otoño y el invierno de 2017. Serri toca las guitarras acústicas de 6 y 12 cuerdas, eléctrica y clásica, el bajo, la flauta, algunas percusiones y la programación de ritmos; Romano, por su parte, se hace cargo de las flautas dulces, los saxofones soprano, tenor y sopranino, el clarinete y el bansuri, además de algunos teclados adicionales. Pasemos ahora a la larga lista de colaboradores: Fabio Serri (piano, sintetizadores y órgano), Gianni Serino (bajo), Marco Fadda (batería y percusiones), Massimo Tarozzi (batería), Massimo Pisano (clarinete bajo), Osvaldo Loi (viola y fandur), Sergio Grazia (flauta), Antonella Trovato (oboe), Tomaso Olivari (contrabajo), Pino Parello (bajo sin trastes), Alessio Menconi (guitarra acústica) y Alberto Malnati (contrabajo). Pasemos ahora a los detalles del repertorio de este disco resucitado. 

  

El inicio del álbum viene de la mano de ‘Ancient Veil’, una pieza portadora de unas vibraciones extrovertidas que se expanden sólidamente sobre un groove sobrio. Desde el mismo punto de partida se da un sólido despliegue de energía expresiva en la complicidad de la guitarra y los teclados. Ya más adelante, los vientos añaden sus particulares colores a la paleta sonora en curso mientras algunas cadencias folk-rockeras y otras en clave jazz-prog van emergiendo. Para la tardía parte cantada, el ensamble vira a un sinfonismo ceremonioso donde confluyen las herencias de LE ORME y CELESTE. Un tremendamente exquisito inicio de álbum. Viene a continuación ‘Flying’, un tema que comienza con un solemne prólogo de cuerdas y maderas antes de que irrumpa el cuerpo central, centrado en una saltarina danza donde se fusionan lo céltico con lo renacentista italiano. El canto entra en acción cuando el bloque instrumental hace un reprise del motivo inicial. El hermoso instrumental ‘Feast Of The Puppets’ instaura un recurso de cordial jovialidad pastoral sobre un tempo de 5/4, algo que nos puede sonar bastante Tulliano en cierta medida. La manera en que las flautas dulces descargan sus comedidas florituras sobre el refinado armazón rítmico es simplemente cautivadora. Con la dupla de ‘Creatures Of The Lake’ y ‘Gleam’, el ensamble sigue explorando sus expansiones estilísticas. El primero de estos temas mencionados sigue adelante con lo pastoral, insertándose en una sosegada ambientación bucólica bajo un ropaje de cristalina claridad melódica. En cuanto al segundo, éste se centra en un swing jazzero de talante fusionesco para crear un clima ensoñador bajo la guía del saxo, quien está en alianza con la flauta dulce para desarrollar cabalmente el cuerpo central. La fina elegancia de la guitarra acústica y las virguerías del bajo completan este excelso cuadro musical, el cual preserva su orientación acústica de manera muy meticulosa. ‘The Dance Of The Elves’ vuelve de lleno al terreno de lo pastoral, aunque esta vez no se centra en un revival renacentista sino que conserva el tenor fusionesco operante en la pieza precedente. Eso sí, las intervenciones del violín añaden un efectivo matiz sinfónico al asunto. ‘Dance Around My Slow Time’, por su parte, es una balada progresiva que apela a una cruza entre el legado de CELESTE y el sinfonismo moderno al estilo de PENDRAGON. Hay una esencia grandilocuente en el desarrollo temático, pero ella se explicita solamente hasta cierto punto. A propósito, el solo de saxo que aparece en la sección final es impresionante.

‘Night Thoughts’ comienza con efectos de sonido pastoriles, abriendo pronto campo a la emergencia de unos solemnes arreglos minimalistas de cuerdas que portan un cierto cariz cinematográfico. Mientras estos se desvanecen emerge un cuerpo central donde, una vez más, se realiza una cruza entre el sinfonismo y el prog-folk. Tenemos unas cadencias y ornamentos preciosistas de carácter Genesiano (etapa 70-71) junto a una presencia importante de la guitarra acústica y los vientos. Lo que suena nos parece cercano a lo que en su momento hizo el maestro ANTHONY PHILLIPS en sus dos primeros discos solistas, aunque con un refuerzo eléctrico bastante asertivo durante la sección final, poco antes de la coda acústica que ha de sumergirse en un fade-out. La siguiente canción, titulada ‘New’, es un breve ejercicio de nostálgicas vibraciones bucólicas cuya mayor fuente de colorido musical emana de los arreglos orquestales. De esta manera se abre camino a la emergencia de ‘The Talking Frame’, la pieza más larga del álbum con sus 8 minutos y medio de duración. Generando con solvencia un esquema sonoro donde pueda darse una serie de generosas variaciones, el grupo se embarca en un viaje musical donde se alternan pasajes sinfónicos de inclinación pastoral con otros donde se despliega un fabuloso y flameante fulgor jazz-progresivo. Para esto último resulta esencial el encuadre creado entre el saxo y la dupla rítmica para asentar los lugares a ser ocupados por los demás instrumentos. También hay un breve pasaje en clave cercana al Latin-jazz que surge a poco de pasada la frontera del cuarto minuto, pero su función es la de instaurar un puente hacia una fastuosa sección sinfónica. Ya a partir de este momento, el grupo decida focalizarse exclusivamente en su dimensión extrovertida en una confluencia de prog sinfónico y folk-rock. Se puede decir que este cénit del álbum es también su epílogo, tal como lo fue para el álbum original de 1995, dado que el último tema que aparece en esta reedición revisada es una coda. Más específicamente, es un ‘Medley’ que recoge versiones remodeladas de otras canciones del susodicho álbum original: ‘You’ll Become Rain’, ‘Walking Around’, ‘Landscape And Two’, ‘Can You Feel Me?’ y ‘Eris Pluvia’, más la adición de ‘Sarai Pioggia’. A través de las transiciones marcadas por sonidos urbanos, forestales, pluviales, radiales y abstractos, la secuencia de las piezas mencionadas transita del folk-prog al minimalismo, y de allí, a la cámara, al etno-fusión en clave electrónica y al ambient. 

El resultado final de “New – The Ancient Veil Remastered” es impresionante, realmente nos hace apreciar mejor los méritos artísticos de ese primer disco de ANCIENT VEIL, se nota una mayor dosis de fastuosidad en el esquema sonoro grupal, así como una nueva luminosidad en la manera en que se articulan todos los instrumentos empleados para gestar la atmósfera de cada canción. Hoy por hoy, con el núcleo de Alessandro Serri, Edmondo Romano y el teclista Fabio Serri más la dupla de Massimo Palermo y Marco Fuliano, los ANCIENT VEIL se han mantenido activos con los discos en vivo “Rings Of Earthly... Live” (2018) y “Unplugged Live” (2020), además del disco de estudio 2017 “I Am Changing”. También han publicado material extra para la reedición del primer álbum de ERIS PLUVIA, miren ustedes por dónde... En fin, haber echado este nuevo vistazo al remodelado repertorio “The Ancient Veil” nos ha permitido recordar vívidamente  la belleza esencial de una propuesta progresiva que, ojalá, rinda nuevos frutos fonográficos en el futuro próximo.

Muestras de “New – The Ancient Veil Remastered”.-
Ancient Veil: https://www.youtube.com/watch?v=AMTuG4hc3WM
Feast Of The Puppets: https://www.youtube.com/watch?v=fe9c_idfhag
Gleam: https://www.youtube.com/watch?v=gFJbIu1VQu8
Talking Frame: https://www.youtube.com/watch?v=FEJGwtRCCtE