La renovada razón rockera de los siempre aventureros KAYO DOT

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy tenemos el deleite de presentar la nueva obra fonográfica del veterano ensamble estadounidense de avant-prog KAYO DOT, lanzada al mercado en el primer día del pasado mes de agosto bajo el título de “Every Rock, Every Half-Truth Under Reason”. La publicación se dio por vía del sello alemán Prophecy Productions, tanto en CD como en ediciones especiales de doble vinilo (blanco y negro marmoleado) y doble CD Deluxe Edition.* Bajo la guía del compositor y multiinstrumentista Toby Driver [guitarras, bajos con y sin trastes, órgano, sintetizador, clarinete, flauta, batería, percusión y voz], la alineación de KAYO DOT se completa con los guitarristas Greg Massi y Matthew Serra, Sam Gutterman [batería, vibráfono y otras percusiones], Terran Olson [clarinete, saxos alto y barítono, flauta y piano eléctrico], David Bodie [gong, crótalos y otras percusiones]  Timba Harris [violín, viola y trompeta] y Jason Byron [voz en el tema #3]. La razón de ser de este undécimo disco de KAYO DOT reside en la celebración del vigésimo aniversario del álbum debut “ Choirs Of The Eye”, lo cual llevó a la convocatoria de la alineación original. El principal compositor del material aquí contenido es Driver, recibiendo aportes de Massi, Gutterman, Serra, Byron, Olson y Harris. Driver es una figura dominante en la gestación de este disco, pues también se hizo cargo de las labores de mezcla y masterización de “Every Rock, Every Half-Truth Under Reason”, y en el área de las artes plásticas, es el autor de la imagen de la portada. Revisemos ahora los detalles estrictamente musicales del disco. 

Todo empieza con ‘Mental Shed’, una pieza abiertamente inquietante que se apoya en la asociación de bases minimalistas de teclado y recitaciones guturales para proyectar un aura categóricamente fantasmal. El esquema sónico nos remite directamente a los climas de pavor y desconcierto propios de las películas de horror B de los 60 y 70, una atmósfera crepuscular que despliega sus vibraciones infernales para subyugar a los indefensos. De esta manera, se refuerza los índices ansiosos que subyacen a las flotantes agitaciones que se van renovando a paso firme dentro de una persistente parsimonia. La misma estructura de la canción apuesta abiertamente por una lógica de la insistencia en las bases minimalistas antes mencionadas, la cual logra reforzar los exasperantes ambientes que la encuadran junto a los efectos percusivos de los platillos. Acto seguido, llega el momento de ‘Oracle By Severed Head’, un tema radicalmente distinto. Su patrón musical centrado en cruzar el post-rock y el avant-jazz adopta varios matices cinematográficos, los cuales se intensifican mientras la liquidez del esquema rítmico se expande. De esta manera, el ensamble confronta al oyente con un fulgor indefinido y arcano que también tiene mucho de melancólico. En particular, esta iniciativa se siente cercana a lo que hizo KAYO DOT en su periodo 2008-12: un lirismo que, a pesar de no ocultar su núcleo inquietante, sabe expresarse con suma delicadeza en lo que concierne a su estructura sonora específica. ‘Closet Door In The Room Where She Died’ no sólo vuelve de lleno al oscurantismo absorbente del tema inicial, sino que además lo agita con un trágico delirio. El empleo de notas más altas en las armonías del teclado reflejan cabalmente una furia nueva y una exaltación más desaforada: claro está, las tanáticas recitaciones de Byron refuerzan esto último. Los espeluznantes oleajes de la orquestación desatan un exquisito infierno sónico que hubieran llenado de orgullo a UNIVERS ZERO o SHUB-NIGGURATH de haber sido ellos los compositores. 

‘Automatic Writing’ es la maratónica pieza de 23 minutos y pico que se erige como una de las composiciones más extensas de todo el catálogo histórico de KAYO DOT. En su cuerpo central, perdido en medio de un ensueño atrapado en una encrucijada entre el desasosiego y el surrealismo solipsista, las capas de teclados, vientos y cuerdas arman un paisaje enigmático que no omite la proyección de un fulgor indescifrable. Así las cosas, el canto emerge bajo un manto de tristeza mientras trata de articula una especie de exorcismo. Los meticulosamente dispersos golpes de la batería funcionan como ecos de los latidos de un corazón en medio de las sutiles convulsiones que se explayan a través de la densidad reinante. También son sutiles los riffs de guitarra que entran a tallar a poco de pasada la frontera del décimo minuto: éstos cumplen la función de elevar el enclave sonoro hacia una intensificación de los subterfugios etéreos de la composición. Más adelante, para el último cuarto, el fondo musical baja un poco el nivel de intensidad para que el canto y las recitaciones ocupen un lugar más intimista, más cercano al oyente, casi hay un giro confesional en varias de las intervenciones vocales. Pero, el arribo de una tormenta eléctrica amenaza con instigar una nueva fase de arrolladoras inquietudes; la amenaza se queda en un nivel latente mientras la pieza avanza hacia su final. ‘Blind Creature Of Slime’ trae consigo el cierre del repertorio y lo hace con un manifiesto de furia rockera establecido sobre un ingenioso juego de síncopas. La inteligente arquitectura de la composición cobra vida de forma incandescente con la visceralidad invertida en la ingeniería performativa. He aquí la ansiedad más genuina emanada de la tormenta anunciada en ‘Automatic Writing’ y anticipada en los desvaríos cruelmente alucinados de ‘Closet Door In The Room Where She Died’. Todo esto fue lo que se nos brindó con “Every Rock, Every Half-Truth Under Reason” desde los cuarteles de la ya leyenda viviente del avant-rock estadounidense KAYO DOT. Este disco es un testimonio de la renovada razón rockera que informa y sustenta a su versátil y exigente visión del rock experimental con tonalidades progresivas. Concluimos que se trata de un ítem totalmente recomendable para cualquier fonoteca actualizada de música rock enfocada en cualesquiera modalidades aventureras.

Muestras de “Every Rock, Every Half-Truth Under Reason”.- 

Oracle By Severed Head: https://kayodot.bandcamp.com/track/oracle-by-severed-head 

Automatic Writing: https://kayodot.bandcamp.com/track/automatic-writing

* Esta edición deluxe contiene varios bonus tracks que son versiones instrumentales de tres de los temas del disco, además de otro nuevo titulado ‘Augoeides’. En líneas generales, este tema se puede definir como una prolongación de las inquietantes vibraciones etéreas de la pieza que abre el repertorio.

Las exploraciones avant-progresivas del dúo francés FULGUROMATIC

 

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Hoy tenemos el gusto de presentar al dúo francés de música avant-progresiva ecléctica FULGUROMATIC y su homónimo álbum debut, el mismo que fue publicado por el sello áMARXE Música a inicios de abril del presente año 2025. La edición se hizo tanto en CD como en vinilo. El colectivo está conformado por Paul Cossé [pianos acústico y eléctrico Fender Rhodes, flauta automatizada, flauta de botella, xilófono, percusiones, banjolina y voz] y Lancelot Rio [batería, xilófono, percusiones, guitarras, bajo automatizado, piano acústico, sintetizador silbato y voz]. Todo el material contenido en “Fulguromatic” fue compuesto por ambos músicos, quienes también se encargaron de los procesos de ingeniería de sonido y de mezcla. FULGUROMATIC inició su actividad en el año 2022 y de inmediato iniciaron sus integrantes unas interesantes labores creativas que iban más allá de las dotes de uno como teclista y las de otro como baterista: la logística instrumental de los Sres. Cossé y Rio es utilizada con innegable eficacia a la hora de arreglar y plasmar en el estudio las complejas y eclécticas composiciones congregadas en el disco que hoy nos convoca. Veamos ahora sus detalles.

 
Los primeros 6 ½ minutos del disco están ocupados por ‘The Sigh Of A Whittled Grove’, una pieza que empieza con una placidez grácil cuyos mesurados recursos de agilidad posibilitan la mayor amplitud posible para la exhibición del colorido melódico con el que se traza el cuerpo central. Alrededor de la frontera del segundo minuto, la pieza vira hacia un despliegue de vigor jazz-rockero donde el armazón instrumental se torna un poco más denso, algo así como una traducción Hatfieldiana del estándar de los WEATHER REPORT de los dos primeros álbumes. Así las cosas, la agilidad se torna más intensa. Una siguiente sección se apoya sobre un swing sofisticado tras un minúsculo puente armado por etéreas líneas de flauta; el vitalismo señorío en curso garantiza un gran cierre para esta gran apertura del álbum. ‘The Unconceivable Curse Of Atahualpa’ refuerza el dinamismo jazz-progresivo heredado de las secciones más enérgicas del tema precedente dentro de una resolución aristocráticamente expresionista que nos recuerda a bandas compatriotas tales como CAMEMBERT y LE GRAND SBAM. Hay, de hecho, algunos factores avant-progresivos en los arreglos de percusión tonal y de flauta, pero lo que predomina en el jam central es un talante emparentado con los ZAO de la fase 1975-77 y con la faceta jazzera del estándar Zappiano de inicios de los 70. Resulta muy estimulante que el disco empieza con la ilación de estos dos cúlmenes. La miniatura de menos de 2 minutos ‘Hidden Realm’ es, básicamente, una orgía percusiva con un sistema de cadencias bien definido sobre el cual se instalan ornamentos de piano eléctrico, flauta y canto. ¿Una versión melódica de THIS HEAT perpetrada por los AKSAK MABOUL de 1977? Quizás sea ésta la manera exacta de describir esta pieza tan particular. Cuando llega el turno de ‘Top 5 Des Citations d’Albert Einstein’, el dúo se dispone a explorar más a fondo su veta más netamente vanguardista. Tras un prólogo abstracto emerge un jam delicadamente extrovertido que resuena como una idea perdida de NEU! que fue reciclada por ESKATON bajo las órdenes dadaístamente humorísticas del inmortal Frank Zappa. Las ceremoniosamente satíricas vocalizaciones son cruciales para reforzar el espíritu de la canción.
 
‘Nutriscore Z’ tiene como función principal la de capitalizar y reforzar el vitalismo sofisticado del tema #2 mientras preserva los recursos satíricos vocales que marcaron a la pieza precedente. En resumen, un nuevo ejercicio de filtro Zappiano para un esquema híbrido de jazz-prog y vanguardia inspirada en el Zeuhl fusionesco (a lo ZAO y ESKATON). Hay algunos pasajes estratégicos donde la ingeniería rítmica se vuelve abstrusa, algo que sirve eficazmente para instaurar elementos sombríos y tensos en medio de lo que, en su mayor parte, es un jolgorio surrealista. Las pulsaciones exultantes desplegadas a lo largo del último minuto son irresistibles. ‘Lil’ Appeau’ es una composición muy peculiar en el sentido de que parece estar centrada en combinar la distinción fulgurosamente solipsista de los HENRY COW del primer álbum y la acidez aventurera de unos NEWS FROM BABEL. El rol protagónico de las minimalistas capas de órgano insuflan un encanto misterioso al bloque instrumental íntegro. Su espacio de casi 3 ¾ minutos se siente muy breve, valgan verdades, pero es que llega el turno de ‘An Odd Bird’s Bill’, una composición aún más embrujadora. Su estrategia movilizadora de un complejo explayamiento de recursos fusionescos con un tenor progresivo nos remite, en buena medida, a esa singular sofisticación que signó y sostuvo a la magia del primer tema del disco. Incluso se puede decir que esa magia acoge una mayor dosis de musculatura sónica en esta composición. Siendo la pieza más extensa del álbum con sus más de 7 ¾ minutos de duración, ‘Grmmf’ también es la encargada de cerrarlo y lo hace a lo grande desde la prevalencia de los aspectos más ácidos y tensos del ideario musical del dúo. Pero, ojo, no es ésta una pieza siniestra, sino apropiada de una exquisita elegancia jazz-progresiva que sabe cómo extenderse y arrojarse a lo largo de las variables temáticas que van sucediéndose. Los arreglos vocales que emergen alrededor de la frontera del cuarto minuto emplazan un breve retorno a lo burlón, lo cual prepara el terreno para un ejercicio deconstructivo de percusiones: bueno, así comienza, pero terminará convirtiéndose en un enclave epilogar que exhibe un paisaje crepuscular al modo de una evocación ensoñadora. 

En nuestra humilde opinión, es en estos dos últimos temas del álbum y en ‘The Sigh Of A Whittled Grove’ donde disfrutamos de los lucimientos más exigentes de la batería: es impresionante cómo influye en el énfasis de varios índices melódicos mientras sustenta bases rítmicas tan explícitamente complicadas. Yendo a lo general, y ya como balance final, que conste que los nombres de FULGUROMATIC y “Fulguromatic” queden registrados de forma destaca en nuestras agendas de próximas exploraciones melómanas. Lo que se nos ha brindado en este fabuloso disco que acabamos de revisar es un muy inspirado catálogo de exploraciones eclécticas dentro de diversos legados de la vanguardia progresiva de ayer y siempre.

 
 
Muestras de “Fulguromatic”.-
The Sigh Of A Whittled Grove: https://amarxe.bandcamp.com/track/the-sigh-of-a-whittled-grove

Nutriscore Z:  https://amarxe.bandcamp.com/track/nutriscore-z
Grmmf: https://amarxe.bandcamp.com/track/grmmf
  

Cuadros de la exposición de RICK WAKEMAN del año 2023

 

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RICK WAKEMAN, el mago de los teclados dentro de la larga tradición del rock prog-sinfónico británico, está ad portas de presentar un nuevo disco de estudio, el cual tiene programado su lanzamiento para octubre de este año 2025. Nada hay de extraño en ello, dado que el buen RICK siempre ha sido un trabajólico en los estudios de grabación y los escenarios. Mientras tanto, echemos la mirada a fines de 2022, cuando se publicó su disco “A Gallery Of The Imagination” por vía del sello Madfish. Para ser más exactos, la primera edición tuvo lugar en noviembre de 2022, y a inicios del siguiente año, también salieron al mercado los formatos de doble vinilo en el habitual color negro y en color claro, y CD + DVD. Para ser todavía más exactos, el disco está firmado por RICK WAKEMAN & THE ENGLISH ROCK ENSEMBLE, sucediendo por 2 años al trabajo anterior “The Red Planet”. Habiendo sido éste un álbum conceptual sobre el planeta Marte, “A Gallery Of The Imagination” también lo es, aunque no está basado en un ente concreto, sino en una idea que le dijo una profesora de piano que tuvo en su infancia, la Sra. Symes, en su primera clase. Palabras del propio RICK: “Ella me dijo que tocar el piano era el equivalente del músico a pintar un cuadro y cada vez que yo tocaba, me decía que debería pintar un cuadro. Tras aprenderme una determinada pieza, ella me me hacía memorizarla para tocarla con los ojos cerrados y dejar que la música conjurara imágenes en mi cabeza.” Estas composiciones de WAKEMAN están dirigidas a fomentar la imaginación del oyente para que imagine alguna pieza de artes plásticas o un ballet en su cabeza mientras las escucha. El ensamble acompañante está conformado por Dave Colquhoun [guitarras eléctricas y acústicas de 6 y de 12 cuerdas], Lee Pomeroy [bajos], Ash Soan [batería y percusión] y Hayley Sanderson [voz]. El arsenal del líder consta de sintetizadores Mini-Moog, Korg, Roland, Memotron, StudioLogic Sledge y IK Multimedia, además del legendario órgano Hammond. Erik Jordan fue el ingeniero de sonido principal para las sesiones de grabación del material aquí contenido; también se encargó del proceso de mezcla junto a Toby Wood. Las ulteriores labores de masterización fueron realizadas por Simon Heyworth. Martin Robin Cook es el autor de las imágenes de la funda del disco, así como del diseño gráfico. Bueno, pasemos ahora a los detalles estrictamente musicales de “A Gallery Of The Imagination”.

Abre el disco ‘Hidden Depths’ y lo hace de una manera muy colorida, desplegando un inspirado ejercicio de dinamismo sinfónico donde la guitarra ayuda a los teclados a mantener una cima expresiva a lo largo del desarrollo temático. El rol rector del piano no está situado permanentemente en el centro del bloque instrumental, pero cumple cabalmente con la misión de instalar el esquema básico para el desenvolvimiento del núcleo melódico y sus minuciosamente estructurados arreglos. Buena apertura del álbum. ‘The Man In The Moon’ sigue a continuación para exhibir la primera muestra de candor melódico del ensamble, aunándose al entramado sónico el expresivo canto de Sanderson. La precisión de la dupla rítmica permite a la guitarra asentar su propio nervio en una instancia mesurada; el terreno está preparado para que, en algún momento, un rutilante solo de sintetizador se adueñe de la situación para activar una renovada extroversión al asunto. Hay ciertos matices de esta canción que nos recuerdan a los mejores momentos de “1984”. Los siguientes 9 ¼ minutos del repertorio están ocupados por la dupla de ‘A Mirage In The Clouds’ y ‘The Creek’, piezas que siguen cargando consigo varios recursos de cristalino lirismo progresivo. El primero de estos temas se enfoca claramente en las pautas de serenidad contemplativa mientras el canto femenino y las muy bien perfiladas escalas de los teclados se hermanan dentro de un estilizado ensueño sónico. Los ocasionales ornamentos de la guitarra acústica completan el paisaje espiritual mientras la dupla rítmica mantiene un groove elegante. En cuanto a ‘The Creek’, se trata de una introspectiva pieza solista de piano donde predominan unas vibraciones de serena melancolía. Otro solo de piano que aparecerá más adelante está en el octavo tema del disco, el cual se titula ‘Just A Memory’: en comparación con el anterior, tiene un talante más meditabundo. ‘My Moonlight Dream’ es el tema más extenso del disco con sus poco menos de 7 minutos de duración. Si bien su esquema de trabajo no aporta muchas novedades respecto al tipo de lirismo estilizado ya desarrollado en los temas #2 y #3, se nota que hay aquí una intención de gestar un colorido más épico para el explayamiento del desarrollo melódico. 

 

‘Only When I Cry’ es una balada acústica centrada en un camino intermedio entre la serenidad contemplativa y la nostalgia por algún pasado indeterminado: el canto femenino se adapta perfectamente a las cadencias particulares que emanan de las sobrias escalas del piano. El resto de instrumentos completa el escenario con la debida tesitura, realzando eficazmente la embrujadora belleza de la composición. ‘Cuban Carnival’ despliega un vitalismo festivo que se basa en una revisión estilizada de algunos estereotipos de la fusión latina: el resultado se traduce a una gentil exhibición de ambient-prog con un esquema rítmico coqueto, algo muy semejante a lo que suele hacer ANTHONY PHILLIPS en sus bandas sonoras. Eso sí, son de destacar los solos de sintetizador que emergen a medio camino, los cuales añaden algo de barroquismo al entramado sonoro, y más adelante, la guitarra aporta su propio lucimiento en términos de un jazz-rock melódico. Cuando llega el turno de ‘The Dinner Party’, el ensamble juega con un medio tiempo para elaborar un ejercicio de fulgor sinfónico donde el patente vitalismo sabe por dónde realizar las alternancias entre los modismos centrales y las bien perfiladas variaciones. ‘A Day Spent On The Pier’ es un asemi-balada que regresa de lleno al candor antes exhibido en el tema #2: la presencia de la guitarra acústica pone el toque pastoral mientras que los solos de sintetizador llenan ingeniosamente los espacios sutilmente dejados en el trasfondo por el piano. ‘The Visitation’ es una canción donde Sanderson se exige en los límites más altos de su registro vocal, lo cual le permite concretar el pathos (contenido al estilo de WAKEMAN) ínsito en la estructura melódica de la canción. Los últimos 3 ¾ minutos del repertorio están ocupados por ‘The Eyes Of A Child’, una balada bucólica en tiempo de vals que se centra de nuevo en la dimensión más introspectiva del ensamble. Una pieza galante y delicada para el final. Todo esto es lo que se nos brindó en 2022 con “A Gallery Of The Imagination” desde los cuarteles de RICK WAKEMAN con el apoyo de THE ENGLISH ROCK ENSEMBLE hace unos años. Un disco bastante interesante que contiene suficientes momentos destacados como para mantener al maestro WAKEMAN en el candelero del rock progresivo del nuevo milenio. 

Muestras de “A Gallery Of The Imagination”.-

Hidden Depths: https://madfishmusic.bandcamp.com/track/hidden-depths

My Moonlight Dream: https://madfishmusic.bandcamp.com/track/my-moonlight-dream

Only When I Cry: https://madfishmusic.bandcamp.com/track/only-when-i-cry

The Dinner Party: https://madfishmusic.bandcamp.com/track/the-dinner-party

A Day Spent On The Pier: https://madfishmusic.bandcamp.com/track/a-day-spent-on-the-pier

El brutalismo rockero de los STICK MEN

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Esta ocasión es para los veteranos STICK MEN, el trío conformado por Tony Levin [Stick y Stick con arco], Markus Reuter [Touch Guitars® U8 Deluxe y voz] y Pat Mastelotto [baterías y percusiones acústicas y electrónicas]. En este año 2025, este insigne colectivo nos brinda el EP “Brutal” cuya serie de cinco temas nos revela una variante particularmente filuda de su propuesta musical, tan bien definida como está desde hace muchísimos años. El material contenido fue compuesto por los tres músicos, estando Reuter a cargo de las labores de producción. Fabio Tretini realizó la mezcla, mientras que la masterización fue realizada por Erik Emil Eskildsen. Siendo el nuevo lanzamiento de estudio de la banda tras varios años, se anuncia como un preludio a un trabajo de larga duración que deberá salir al mercado en breve. Mientras tanto, disfrutamos de los detalles de “Brutal”.
 

La pieza titular ocupa los primeros 4 minutos y pico del repertorio. ‘Brutal’ y nos golpea, desde los iniciales cortantes acordes duales de Touch Guitar y Stick Bass, con un despliegue de ácida agresividad mientras el centro temático se va explayando. El ingreso de la batería permite al entramado sonoro transitar ágilmente entre la contención ceremoniosa y la vivacidad densa. Lo que ha sonado aquí fue, en lo básico, una cruza entre los KING CRIMSON de 1974 y bandas contemporáneas como TONNEN VON HALL y ANCHOR AND BURDEN (Reuter toca en ambos): el delicadamente incendiario equilibrio entre la psicodelia progresiva y el avant-metal funciona a las mil maravillas en este impactante punto de partida. El segundo tema es ‘Fandango’, consistiendo su enfoque estético en remodelar la herencia de los ecos furiosos de la pieza inaugural a través de una ingeniería un poco más sofisticada. Tanto el complejo armado del sostén rítmico como los solos de Touch Guitar y Stick mantienen un cromatismo que hace sentir su vitalismo esencial con varios tintes de furia altiva. Un cénit del EP donde musculatura y distinción se funden en una sola manifestación sónica. ‘The Well’ se sitúa en el ecuador del disco, siendo una de las dos piezas del lote que duran 6 minutos y pico. Portando una espiritualidad misteriosa bajo un manto de lírica calidez, la pieza explora dimensiones relativamente serenas dentro de un encuadre jazz-progresivo muy bien perfilado. Aparte de algunos efluvios intensos de la Touch Guitar, el tema se desarrolla con un talante de aplomo contemplativo. ‘Bash Machine’ ostenta una naturaleza arquitectónica para un cuerpo central creado con miras a delinear una funcionalidad maquinista arropada por una aureola aristocrática. La agresividad aplanadora de los riffs es atenuada notablemente por los artificios sincopados gestados por la batería, la cual insufla una pertinente agilidad jazz-rockera a la maraña rockera global. También se puede notar algún parentesco con la pieza titular. Su espacio de poco más de 3 ½ minutos se siente demasiado breve, la verdad sea dicha... pero eso no le impide erigirse como otro cénit del EP. 

Todo concluye con ‘Pulp’, la otra pieza que ocupa un espacio de 6 minutos y pico, siendo su misión de la de reconstruir el gusto por atmósferas cinematográficas al estilo Crimsoniano más contemporáneo que siempre ha sido algo infaltable en los discos de los STICK MEN. El groove fusionesco de la batería, los elegantes y misterioso lamentos de la Touch Guitar y el vitalismo sutil del Stick se hermanan en el desarrollo de un jam rebosante de vibraciones contemplativas. Nos parece que también pudo haber durado un poco más por el encanto embrujador que tiene, pero es lo que hay y así está muy bien, a fin de cuentas. Todo esto fue lo que se nos brindó en “Brutal” desde los cuarteles del trío STICK MEN, una leyenda viviente de la experimentación progresiva en el nuevo milenio. Esta exhibición de brutalismo rockero que no llega a completar 25 minutos enteros es más que suficiente para demostrar que este ensamble siempre mantiene una voz atenta desde su interior para motivarse a renovar mil y un detalles dentro de su bien definido enclave estilístico, este vez, desde la perspectiva de la propulsión de la garra expresiva. Ya veremos qué será lo siguiente dentro de la historia viva de los STICK MEN, pero mientras tanto, nuestro veredicto es que este trabajo es muy recomendable para cualquier buena fonoteca de rock aventurero y ecléctico. 

 
 
Muestras de “Brutal”.-
Brutal [vídeo-clip]: https://www.youtube.com/watch?v=THpgTCcoTBw
Fandango: https://stickmen.bandcamp.com/track/fandango
Bash Machine: https://stickmen.bandcamp.com/track/bash-machine

La excelsa triangulación progresiva de LUCIANO MARGORANI, DARIO D’ALESSANDRO y CHRIS CUTLER

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Hoy tenemos un disco muy especial en nuestras manos, resultado del encuentro de tres veteranos de diversas generaciones y países: dos italianos y un británico. El ensamble en cuestión es LUCIANO MARGORANI / DARIO D’ALESSANDRO / CHRIS CUTLER y su obra fonográfica se titula “Triangolazioni”. Tenemos aquí a un solista veterano de larga trayectoria dentro de las áreas del jazz y el rock experimentales, a la figura central de HOMUNCULUS RES y a una leyenda viviente de HENRY COW y ART BEARS. Publicado por el sello español áMARXE Música el 5 de setiembre último, este disco que hoy reseñamos tuvo un largo proceso de gestación. Todo se remonta hasta el año 2012 cuando MARGORANI solicitó a CUTLER que grabara algunas pistas de batería que de por sí tuviesen una estructura compuesta: una tenía que ser libre, otra tenía que ser abstracta y lenta, otra tenía que pasar de las formas libres a un esquema rítmico bien definido, otras dos debían incluir cambios de tempo, instrucciones de este tipo. Los aportes iniciales del maestro CHRIS fueron registrados en el Studio Midi-Pyrénées de Caudeval, Francia, estando Bob Drake a cargo de la ingeniería de sonido. Tras una primera intentona de completar la faena con sesiones de jazz-rock improvisado armadas por MARGORANI y su colega Luca Pisavini al bajo, los resultados finales no fueron satisfactorios, quedando las pistas guardadas por tiempo indefinido. Hasta que llegó el mes de setiembre del año 2024. Fue entonces que el buen LUCIANO retomó el proyecto para darle un enfoque más coherente con las características compuestas que se había instruido para las pistas de batería registradas por CHRIS, así que convocó a D’ALESSANDRO para que ayudara a completar las guías compositivas de las piezas y, de paso, añadir el canto. Así quedó la logística: MARGORANI [bajo, guitarras, efectos y loops], D’ALESSANDRO [teclados, voz, guitarras y glockenspiel] y CUTLER [batería y percusión]. El propio DARIO se hizo cargo de la mezcla, mientras que el músico irlandés Jim Strain (hoy por hoy, una mitad de los actuales RASCAL REPORTERS) se hizo cargo de la masterización. Al igual que en los discos de HOMUNCULUS RES, D’ALESSANDRO realizó el arte gráfica. Veamos ahora los detalles estrictamente musicales de “Triangolazioni”.

‘Sul Farsi’ abre el disco con una jovialidad ligera y grácil que se apoya sobre un swing festivo. Las bases y armonías de los teclados, enfatizadas por la percusión tonal, facilitan un encuadre exquisito para un desarrollo musical llevado con eficiente agilidad; las estupendas florituras de la guitarra que surgen a mitad de camino refuerzan esa agilidad. En líneas generales, la combinación de luminosidad y urgencia que rigen al desarrollo melódico nos remiten simultáneamente al paradigma de Kevin Ayers y a la faceta más traviesa del paradigma de HATFIELD AND THE NORTH, algo que, a su vez, nos remite inevitablemente a los patrones estilísticos de bandas como NEEDLEPOINT, ZOPP y HOMUNCULUS RES. ‘Bar Eclisse’ es una canción más calmada, ostentando una espiritualidad noctámbula mientras su centro temático se orienta por un sendero de señorial misterio. Hay un vitalismo sutil en la manera en que la batería articula sus propios recursos de sofisticación dentro del tempo lento, mientras las capas armónicas de los teclados tienden a centrarse en atmósferas cinematográficas. Los solos de guitarra operan como fuerzas potenciadoras de densidad en medio de la arcana serenidad en curso. Una belleza de composición, la verdad que sí. Con el arribo de ‘Stupidario’, el trío regresa parcialmente al fulgor de la primera pieza, pero con una importante modificación: el asunto está ahora en manifestar una gracilidad cálida que incluye algunas sorpresas disonantes tensas en algunos pasajes estratégicos. Jazz-prog al estilo de NATIONAL HEALTH con un ingenioso giro de luminiscencia surrealista. Otra pieza culminante del disco. Cuando llega el turno de ‘Marcia Trionfale’, el ensamble se pone a jugar con un esquema de marcha bélica, siendo así que el ensamble decide retorcer los índices del bien definido groove. Esta estrategia se adentra sólidamente en un área de trabajo heredada de ART BEARS y COS: una osada inspección musical cuya intrínseca exquisitez está parcialmente disfrazada bajo un manto de hilachas sonoras áridas.

 ‘You Don’t Have The Cards’ despliega un talante aún más aventurero en sus primeras instancias, las cuales navegan sobre aguas de libres formas mientras bucean en busca de nuevas paletas de colores vanguardistas. El carácter filudo de las notas más bajas del teclado ayudan a apuntalar ciertos recursos de certidumbre en medio de la ventisca... Y a poco de pasada la frontera del segundo minuto y medio, la nave triádica ya cuenta con una cartografía cuyos delineamientos se asientan sobre un compás inusual. La persistente densidad a pasado del desconcierto a la aserción. ‘Nubendi Traditi’ es la pieza más extensa del repertorio con sus más de 13 ½ minutos de duración. Comienza con unos sencillos rasgueos de guitarra acústica cuya pauta invita a una nueva exploración de la faceta más introspectiva del trío. La disparidad entre los libres fills de la batería y las delicadas orquestaciones de los teclados sirve para que se dé una peculiar comunión entre placidez y tensión. Una segunda sección transita por una magia etérea y envolvente que nos remite al legado de Robert Wyatt y es aquí donde la ingeniería musical se percibe como una irrupción onírica de sensaciones y paisajes inescrutables. Más adelante, cuando la batería arma un swing relajado en 6/8, lo ensoñador deja paso a lo contemplativo. Alrededor de la frontera del séptimo minuto, las vibraciones sistemáticamente introspectivas viran hacia lo gentil, lo cual permite que la claridad melódica se avive con miras al armazón de una sección epilogar mesuradamente refulgente. ‘Terra Sancta’ cierra el candado con un estupendo ejercicio de cruzas entre la mágica introversión del Robert Wyatt de 1974 y la excelsa ceremoniosidad de unos ART BEARS sobre la base de un aristocrático groove avant-jazzero. Es como si se hubiese recogido la mayor parte de la cosecha precedente a fin de darle un dinamismo deconstructivo, renovando continuamente la busca imposible de formas reconocibles. Un final oportunamente rebelde para un disco pródigo en ingenio aventurero. 

Todo esto fue “Triangolazioni”, el fruto de la excelsa asociación de LUCIANO MARGORANI, DARIO D’ALESSANDRO y CHRIS CUTLER, un emprendimiento musical que, a pesar de haberse desarrollado de forma diferida, ha generado una obra avant-progresiva muy orgánica. La riqueza integral de ideas melódicas, rítmicas y atmosféricas que se han mostrado de principio a fin hacen de este disco uno de los más notables dentro del rock experimental del año 2025. ¡¡¡Totalmente recomendable!!!

Muestras de “Triangolazioni”.-

Stupidario: https://amarxe.bandcamp.com/track/stupidario

You Don’t Have The Cards: https://amarxe.bandcamp.com/track/you-dont-have-the-cards

Nubendi Traditi: https://amarxe.bandcamp.com/track/nubendi-traditi

SHMULIKRAUT: un estupendo viaje avant-progresivo desde Israel hacia el cénit del arte musical

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy es el turno de presentar al grupo avant-progresivo israelí SHMULIKRAUT y su disco debut “Guts Voyage”, el cual fue publicado en su blog de Bandcamp en abril del presente 2025, consiguiendo su edición física a fines de agosto pasado por vía del sello mexicano Azafrán Media (con el apoyo de Musea Records en la distribución europea). Este ensamble conformado por Gal Costa [pianos acústico y Fender Rhodes, sintetizadores y canto], Mor Stanislav Porat [bajo, guitarra, trompeta y canto], Lilla Ashuach [flauta y canto], Gilad Sirota [batería] y Rotem Yakobson Aharoni [clarinete, cello y canto] cultiva una diversa propuesta progresiva donde se interconectan recursos típicos del chamber-rock, el avant-prog, la psicodelia “de tipo krautrock”, el jazz-rock experimental y la fusión contemporánea. El nombre de la banda se inspira humorísticamente en la figura israelí del pop de los 70 Shmulik Kraus, torciendo su nombre para hacer una alusión directa al así llamado krautrock. Para este disco, el ensamble contó con las colaboraciones ocasionales de Madrich Levi (glockenspiel y celesta), Shaul Luria (canto) y la Taftir Band (botellas). El material aquí contenido fue grabado en los Crater Studios de Mitzpé Ramón, Israel, en abril del año 2023: Mitzpé Ramón es una localidad ubicada en el desierto de Néguev, lo cual significa que SHMULIKRAUT porta una voz vanguardista desde fuera de los usuales ámbitos cosmopolitas de las grandes capitales. De hecho, los integrantes de este grupo se conocieron en la Escuela de Jazz de esta ciudad y actualmente son docentes allí. El ingeniero de sonido en las sesiones de grabación de “Guts Voyage” fue Omer Rahamim; los ulteriores procesos de mezcla y masterización estuvieron a cargo de Udi Koomran. Respecto al aspecto gráfico, la fotografía es de Ori Trifman y el diseño gráfico es de Maor Freedman.

El repertorio de “Guts Voyage” se abre con ‘Azykonu’, su pieza más extensa con un espacio de 9 minutos y pico. Su enfoque sonoro, iniciado con un minúsculo prólogo de piano, se basa en un hermanamiento entre prístinos desarrollos melódicos y lúcidos juegos de síncopas y polirritmos en la ingeniería básica. A partir de allí, el grupo elabora un viaje aristocrático por las aguas del chamber-rock en una nave fabricada con materiales de la fábrica del jazz-prog. Hay momentos donde se preserva un ingenioso contraste entre las áridas líneas del bajo y las agudas florituras de la flauta en medio de la orfebrería global del ensamble. El flotante epílogo suelta delicados destellos de disonante inquietud que se hacen eco de la tensión hasta ahora razonablemente contenida. A continuación, emerge ‘Letaot’, un tema totalmente distinto del inaugural: dura medio minuto menos que aquél y refleja cabalmente la ecléctica sofisticación estilística del ensamble. La exuberancia neurótica y desafiante que utiliza la banda para desplegar sus más osadas vibraciones caleidoscópicas la hace transitar de un barroquismo vivazmente pomposo hacia un dadaísmo aún más vivaz que se emparenta con el paradigma histórico de SAMLA MAMMAS MANNA, y desde allí, mudarse a una severidad augusta propia de los UNIVERS ZERO de 1979-86 con algunos matices de AMON DÜÜL II. El hecho de que las vibraciones saltarinas tengan una prevalencia tan bien definida hace que la serie de recovecos multitemáticos se sienta más traviesa que agresiva. Dicho esto, cabe hacer una mención especial a los deliciosamente grotescos solos de guitarra que entran a tallar a mitad de camino, así como al uso de algunos trucos avant-metaleros en una sección solipsistamente parsimoniosa. Hasta ahora, hemos tenido un primer tema marcado por un lirismo bien definido y con un predominio de atmósferas amables, y un segundo totalmente distinto donde tensión y densidad se coadyuvan en la gestación y el delineamiento de una expresión de fuerza majestuosa. ¡Gran primera impresión! Cuando llega el turno de ‘Tinoki’, la banda da rienda suelta a su faceta más genuinamente jovial, haciendo uso de sus estrategicas avant-progresivas para gestar y ordenar unos focos melódicos amables. Algunos de ellos coquetean con lo circense y, de todas maneras, varios arreglos administrados por la dupla rítmica enfatizarán el potencial de tensión del bloque instrumental mientras la flauta se luce como quiere. El momento del solo de piano sirve para que se enfatice algunos traqueteos jazzeros durante la persistencia del cuerpo central. La sección epilogar es un poco más sombría en espíritu, aunque conserva un groove generalmente jovial. La coda consiste en un ejercicio de minimalismo abstracto.

Durando poco más de 2 minutos, ‘Hitgalute’ inicia la segunda mitad del álbum con una espiritualidad serena que se plasma a través de una cálida interacción entre piano, canto y vientos. Los últimos 20 minutos y pico del repertorio están ocupados por las tres Partes de la suite ‘Carsis’. ‘Carsis I’ ostenta una soltura rotunda y señorial desde el primer instante, haciendo de los oleajes del piano y los pilares arquitectónicos de la batería sendas columnas que sustentan la agilidad confluyente de los instrumentos actuantes. El entramado musical es radiante y denso, haciendo gala de su peculiar esplendor a través de su rigurosa ingeniería. He aquí algo así como un híbrido entre los PRESENT de 1980 y los HENRY COW de 1974-75, añadiéndose alguna irrupción fusionesca de inspiración latina para imponer un momentáneo arrojo entusiasta al asunto. Poco antes de llegar a la frontera del quinto minuto, todo se desintegra en un breve momento de caos inesperado, dejando a los instrumentos la labor de tratar de recomponer alguna referencia, pero sus agitaciones se encauzan por lo frontalmente deconstructivo. ‘Carsis II’ comienza con la recomposición buscada, adoptando un talante más solemne que el que signó al cuerpo central de la Parte I. Imprea un aura de misteriosa extravagancia que nos avisa sobre la permanente posibilidad de que todo se deshaga nuevamente: los momentos de focalización y expectación informe se alternan fluidamente, teniendo estos últimos cierto predominio. La irrupción de un encantador solo de piano ayuda a mantener recursos de esplendor en medio de la neblina enigmática. Finalmente, un motif en clave de (pseudo-)blues dirige la senda epilogar sobre un groove reconocible. ‘Carsis III’ agita el cotarro con unos iniciales aires folclóricos claramente filtrados a través del vocabulario progresivo. El ensamble tiende puentes estilísticos con bandas tan diversas como UT GRET, AGITATION FREE y ALAMAAILMAN VASARAT mientras organiza una celebración impetuosa con ribetes surrealistas. El siguiente pasaje retoma un motif de ‘Carsis I’ mientras le añade una dosis extra de fiereza dadaísta, lo cual sirve realmente como puente al pasaje final, uno marcado por una ceremoniosidad razonablemente enérgica. La flauta vuelve de lleno al centro protagónico mientras el resto de los instrumentos articula una maraña neuróticamente disciplinada. Un cierre impresionante, muy impresionante. 

Todo esto fue lo que el personal de SHMULIKRAUT nos brindó con “Guts Voyage”: casi 48 minutos de música progresiva eclécticamente vanguardista que aporta un nuevo fulgor al ideal de crear aventuras especiales dentro del arte musical. Este disco es un cénit decisivo del rock artístico creado en el presente año 2025 y es totalmente recomendable en cualquier fonoteca que se precie de ser buena y rectamente actualizada. 

 
 
Muestras de “Guts Voyage”.-
Azykonu: https://shmulikraut.bandcamp.com/track/azykonu-2
Letaot: https://shmulikraut.bandcamp.com/track/letaot
Carsis III: https://shmulikraut.bandcamp.com/track/carsis-iii

JON DURANT, COLIN EDWIN y CHRIS MAITLAND: una asociación de geniales transmisiones musicales

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy presentamos un disco muy especial, uno que fue perpetrado por la asociación tripartita del estadounidense JON DURANT, el australiano COLIN EDWIN y el británico CHRIS MAITLAND, obra que se titula “The Baldock Transmission”. La fecha de lanzamiento de este trabajo por vía del sello Alchemy Records está programada para el próximo 7 de noviembre de 2025, aunque las compras de pre-order estarán disponibles desde un mes antes. Como sea, hemos tenido acceso anticipado al material del disco en cuestión y es por eso que la presente reseña llega en estas fechas. DURANT y EDWIN son recurrentes colegas en BURNT BELIEF y el último fue socio de la dupla rítmica de MAITLAND en los primeros discos de PORCUPINE TREE como cuarteto; eso sí, estos dos no tocan juntos desde hace unos 20 años, lo cual hace que “The Baldock Transmission” sea todo un acontecimiento. De hecho, ellos dos dieron el puntapié inicial a este proyecto. DURANT [guitarras y Cloud Guitar], EDWIN [bajo sin trastes] y MAITLAND [batería] cultivan una ingeniosa cruza de jazz-prog, psicodelia y prog-ambient donde los recursos de sobria musculatura y los ornamentos oníricos se hermanan con pulcra soltura. El material aquí contenido fue creado espontáneamente por el trío mientras duraba el proceso de grabación: no hubo composición previa alguna antes de entrar al estudio. Ya en la consola, la adición de sobremezclas fue muy austera.

 

Las cosas se inician con ‘Transmission Resumed’, pieza que dura cerca de 14 minutos. Desde las flotantes y bastante tenues atmósferas que marcan el inicio del tema, se percibe que el centro temático será sobrio y focalizado en un talante contemplativo. En efecto, la serenidad de los fraseos de la guitarra y la delicada elegancia vertida por la dupla rítmica en la elaboración del swing nuclear revelan una estrategia de sigilosa calma de parte de los tres músicos a la hora de establecer su extenso diálogo. Un sutil incremento de la sofisticación expresiva tiene lugar a poco de pasada la frontera del séptimo minuto, lo cual repercute en el hecho de que, poco después, los solos de la guitarra adquieran más garra al alimón de los golpes de la batería y las puntillosas líneas del bajo, siendo éstas cada vez más exuberantes. Este proceso de soltura final que se inicia alrededor de la frontera del undécimo minuto impulsa el armado de un epílogo inteligentemente intenso. Luego sigue ‘Journey To Rhebu’, una excursión en climas meditabundos que se dejan llevar grácilmente sobre un medio tiempo en el compás de 7/8. La calculada y engañosa parsimonia del groove central permite a DURANT articular cautivadores matices y retazos en sus guitarreos; mientras tanto, la dupla rítmica va añadiendo ornamentos estilizados al bien establecido swing. El tercer tema es ‘Stationary Orbit’ y también dura cerca de 14 minutos. Aquí tenemos una expansión sistemática de agitaciones rockeras que se mueve en un bien armado híbrido de jazz-rock y space-rock. El swing de la batería está oportunamente ornamentado y el ingenio melódico repartido entre la guitarra (explícitamente) y el bajo (sutilmente) enriquece cada momento del vivaz jam en curso. A mitad de camino, el trío juega a atenuar moderadamente la intensidad del groove a fin de incorporar unas tonalidades más sobrias a la ingeniería sónica. ‘Mechanical Tears’ se mueve mayormente como un blues-rock progresivo mientras desarrolla atmósferas muy cercanamente emparentadas con el modus operandi de BURNT BELIEF. La extraña aunque inocultable calidez emanada del jam permite al trío jugar con su faceta más lírica, haciendo que los casi 8 minutos que dura la pieza pasen como volando. 

 

Los últimos 20 ½ minutos del repertorio están ocupados por la díada de ‘Lower Constrictor’ y ‘Solar Season Signal’. El enfoque expresivo del primero de estos temas mencionados consiste en meterse más a fondo en la foresta de ceremoniosidad musical heredada del tema anterior a fin de concretar un grácil e introspectivo ejercicio de jazz-fusion. La cualidad taciturna del desarrollo temático se deja arropar por una relajada atmósfera otoñal, la cual se reviste de una oscuridad casi mística. En cuanto a ‘Solar Season Signal’, se trata de una pieza de talante espacial cuyas vibraciones cósmicas orientan su camino bajo un manto de minimalismo atmosférico. Hasta cierto punto, se reanudan aquí los ambientes envolventes que signaron a la pieza de apertura, pero esta vez hay también algo muy diferente: frente a la proactiva serenidad meditabunda de ‘Transmission Resumed’, ‘Solar Season Signal’ indica las instancias iniciales de una luminosidad nueva que aún no se asienta propiamente mientras se evaporan de a pocos las nebulosidades de un periodo nocturno. Como reflexión final, nos complace que esta asociación tan especial de JON DURANT, COLIN EDWIN y CHRIS MAITLAND haya gestado un disco tan bueno como “The Baldock Transmission”. Realmente, muy recomendable para cualquier buena fonoteca actualizada de rock artístico. 

Muestra de “The Baldock Transmission”.- 

Journey To Rebhu: https://jondurant.bandcamp.com/track/journey-to-rebhu

Stationary Station: https://jondurant.bandcamp.com/track/stationary-orbit

Lower Constrictor: https://jondurant.bandcamp.com/track/lower-constrictor 

ALTAIR: una noche mágica del año 1989

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy volvemos a ALTAIR a poco de comentar la reedición de su homónimo disco debut de fines de los 90*: ahora hablaremos de “Noche Mágica”, un registro en vivo de la actuación del dúo catalán en la segunda edición del Festival Noche Mágica. Este Festival Noche Mágica II tuvo lugar en la bella localidad gaditana de Jerez de la Frontera el 22 de septiembre de 1989, en el Parque González Hontoria. En ese evento también participaron ONZA, ROG PATTERSON, GALADRIEL y PENDRAGON. Este disco “Noche Mágica” salió al mercado el 23 de julio último por vía del sello 5 Lunas, siendo un testimonio crucial del vigor mostrado por el dúo de Alfredo Arcusa [batería] e Isabel Muniente [teclados] sobre el escenario 36 años atrás. El productor ejecutivo y responsable de la masterización para este ítem fue José Luis de la Calle. La portada es de la autoría de Manel Rueda, mientras que el diseño gráfico estuvo a cargo de Rafa Tardío. Repasemos ahora los detalles del repertorio de ese concierto.

Un pasaje del tema emblemáticamente titulado ‘Nuevo Horizonte’ inicia el evento con una exhibición de superlativa incandescencia sinfónica para que ‘Tal Como Lo Oyes’ active íntegramente las fichas del juego progresivo que acaba de iniciar su curso. En efecto, aquí se oye un despliegue más detenido y sofisticado de los juegos de luz y vitalismo a los que son muy proclives ALTAIR a la hora de exponer la presencia de su enfoque musical más explícitamente señorial. El empleo de algunos grooves jazz-rockeros de parte de la batería sirven para que el dinamismo general de la pieza asuma una especial majestuosidad mientras recorre una generosa diversidad de recovecos melódicos. Tras este grandilocuente impulso inicial para lo que queda de esta jornada, llega el turno de ‘Estrella En El Camino’, un tema sistemáticamente representativo de lo más grácil que hay en el paradigma musical del dúo. Tras un inicio centrado en delicadas atmósferas cósmicas, el piano pasa al rol protagónico para enrumbar el primer cuerpo central en clave de delicada solemnidad. Siendo así que el asunto se orienta hacia lo Wakemaniano, luego sigue otro motif en clave jazz-progresiva donde se hacen notar algunas influencias de los RETURN TO FOREVER de 1976, antes de que el foco melódico precedente se revise para el armado de la sección epilogar. Las florituras finales del piano portan un encanto irresistible muy apropiado para el cierre aristocrático que la pieza merece. ‘Al Abordaje’ comienza con una cualidad saltarina, haciendo gala de una llamativa extroversión mientras la meticulosamente satinada densidad de los sintetizadores brinda una oportuna dosis de densidad al bloque sonoro. Dicha densidad resulta muy pertinente para el asentamiento de una segunda sección más solemne, la cual aborda un contraste entre la prestancia contenida de los teclados y la ampulosa soltura de la batería. Una tercera sección proyecta cánticos de sirenas bajo un ropaje sombrío antes de que el esplendor regrese al paisaje musical y diseñe un final augusto.** ‘Eddy’s Prelude’ es un magnífico solo de piano (con algún ocasional aporte extra de una orquestación sintetizada) donde Muniente se explaya en diferentes efluvios emotivos: brisas sutiles y oleajes impetuosos van y vienen en el camino hacia la nota final. 

 

  

Tras este momento de diversas meditaciones, ‘Sin Presente’ lleva la faceta más enérgica del grupo hacia una elevación especial, llenando al enclave sónico del dúo de esplendor y júbilo. Los trazos y mecanismos expresivos del dúo van de un formalismo inicial de tintes barrocos a una algarabía machacona donde se coquetea con una especie de alborozo cabaretero. Los serpenteantes ornamentos del piano que surgen a lo largo del jam se sostienen fluidamente sobre la sistemática metralla rítmica emanada de la batería de Arcusa. Las ovaciones del público dan testimonio del impacto positivo que ocasionó esto en el público asistente. ‘Oración Del Ermitaño’ es presentada como una pieza recientemente compuesta. Se trata de una pieza muy breve donde lo gótico y lo impresionista se conjugan bajo una magia muy especial: el motif ostenta una gravitas muy bien curtida. Con ‘El Gaucho Matrero’ se cierra el evento: es una adaptación de una de las 3 Danzas Argentinas del maestro ALBERTO GINASTERA. El vitalismo tortuoso de la composición es manejado con una mezcla de arrojo y neurosis bajo el imperio de un resplandor muy particular. Se incluye un fantástico solo de batería que, a su manera, aprovecha su libertad formal para desmontar la meticulosa arquitectura desde donde se iba articuladando el delirante cuerpo central de la pieza en cuestión. Con el regreso de su núcleo central se completa sólidamente el engranaje musical. Tenemos, al fin y al cabo, el testimonio sonoro de esa “Noche Mágica” que formó parte del recorrido de ALTAIR por su misión de mantener vivo el encantamiento del rock progresivo sinfónico en los 80 y los 90. Muchas gracias a la gente de 5 Lunas por rescatar este testimonio y, cómo no, a ALTAIR por su legado musical, el cual no debe en lo absoluto ser olvidado. Un disco, en verdad, totalmente recomendable.

Muestras de “Noche Mágica”.- 

Tal Como Lo Oyes: https://5lunasproducciones.bandcamp.com/track/tal-como-lo-oyes-2 

Al Abordaje: https://5lunasproducciones.bandcamp.com/track/al-abordaje-2 

El Gaucho Matrero: https://5lunasproducciones.bandcamp.com/track/el-gaucho-matrero

* La retrospectiva de “Altair” se encuentra en el enlace https://autopoietican.blogspot.com/2025/09/altair-memorias-de-un-viejo-horizonte.html

** Este tema y otro que viene después, ‘Oración Del Ermitaño’, tendrán sus propias versiones de estudio en el segundo álbum de la banda “Fantasías Y Danzas” (1999).

ALTAIR: memorias de un viejo horizonte

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy echamos una mirada hacia un pasado diferido dentro de una etapa de la escena progresiva española iniciada a fines de los 80: el tiempo de los inicios de ALTAIR, el cual llevó a la publicación del disco homónimo de debut del año 1990. El dúo barcelonés conformado por el baterista Alfredo Arcusa y la teclista Isabel Muniente comenzó sus días por iniciativa del primero, quien también fungía como principal compositor. El nombre de la banda proviene del vocablo árabe que alude al ave de buen augurio. El manifiesto de ALTAIR es bastante explícito: “ALTAIR es una explosión de Libertad Musical. No es una selección, es una expansión. No es un secreto, es la historia misma. No es una interioridad, es un viaje a través de la oscilante dialéctica que conduce a los dos músicos en un acto puro de performance musical con placer. ALTAIR no es un hecho, es una acción.” Los temas contenidos en “Altair” fueron grabados en la localidad de Manresa en junio de 1989 con la asistencia de Martí Brunet en la ingeniería de sonido. La portada del disco es de la autoría de Manuel Rueda; para la reedición del disco que fue producida por el sello andaluz 5 Lunas el 23 de julio del presente año 2025, el diseño gráfico original de Elvira Soriano fue ligeramente modificado por Rafa Tardío. Sirius Records se hizo cargo de esa producción de 1990, contando la actual reedición con la producción de Arcusa y José Luis de la Calle. La masterización fue realizada por Albert Guitart. Como anécdota significativa, esta reedición de “Altair” está dedicada a la memoria del crack Keith Emerson. 

El repertorio de “Altair” se abre con la pieza idóneamente titulada ‘Nuevo Horizonte’. Este viaje musical hacia el nuevo horizonte titular comienza con un efecto de intereferencia radial estática antes de que la fanfarria sintetizada abra camino a un esplendoro despliegue de fastuosa extroversión. El vitalismo tiene una estructura rítmica relativamente sencilla, pero es la combinación de sofisticación melódica provista por los teclados e inteligencia sincopada de la batería lo que brindan un inapelable señorío al esquema musical en curso. Muy bien aprovechadas las influencias Emersonianas patentes en la composición. ‘Estrella En El Camino’ sigue a continuación para expandir la visión musical del dúo; de paso, se erige como el tema más extenso del álbum con sus casi 7 ¾ minutos de duración. Tras un preludio de carácter cósmico que exuda una cierta aureola de misterio, sigue un puente romántico de piano ornamentado por una ingeniosa secuencia de orquestaciones. Es ya alrededor de la frontera del segundo minuto y medio que se instala firmemente el primer cuerpo central, el cual está marcado por una aristocrática serenidad. A mitad de camino, las cosas viran radicalmente hacia una exultante jovialidad, siendo esta vez el poderoso swing de la batería quien parece dirigir el desarrollo temático, creando así un hermanamiento entre el sinfonismo y el jazz-rock a lo RETURN TO FOREVER. El previo motivo sereno regresa con un porte más sofisticado para el armado de la sección epilogar. ‘Tal Como Lo Oyes’ ahonda fehacientemente en la faceta más celebratoria del ideario musical de ALTAIR y lo hace con una acentuación más clara en las posibilidades que tiene el insertar grooves inspirados en el estándar del jazz-fusion en las bases de esquemas compositivos centrados en el barroco, el romanticismo y el neoclasicismo. La elegante agilidad del motif central se complementa muy bien con la grave suntuosidad de los parajes más palaciegos (muy a lo Wakeman, dicho sea de paso). Llegado el turno de ‘Sin Presente’, el dúo se dispone prestamente a capitalizar y enaltecer las dinámicas multivalentes del paradigma prog-sinfónico desde la perspectiva de la triunfante euforia. Teniendo a lo Emersoniano como referente principal para la composición y los arreglos, el grupo se muestra más vivaz que nunca: he aquí un ejemplo preclaro de lo bien que funciona un Mozart cabarerizado con el aseguramiento de imparables vibraciones festivas. 

 

‘Eddy’s Prelude’ es básicamente una pieza solista de piano con un preludio incandescente incorporado. En efecto, éste nos remite directamente a la luminosidad sistemática de las dos piezas precedentes, pero una vez apagadas las llamas de esa hoguera prologar, se abre paso una hermosa sonata donde Muniente da inicialmente apertura a inquietudes meditabundas. Un poco más adelante, unas escalas más extrovertidas anuncian que algo está cambiando, transformándose este viaje del piano en una serie de esbozos de los efluvios del mundo donde se alternan factores animados con otros más relajados. ‘Plácido Paseo’ cierra el repertorio original de “Altair” con un sistemático ejercicio de recapitulaciones de los grooves y ambientes más extrovertidos de los temas segundo al cuarto. La agitación estructural de la composición permite a la batería de Arcusa abrirse camino en algún momento para ejecutar un explosivo solo antes de que el dúo integral regrese en pleno con otra exhibición de aires festivos. No es muy extensa, pero dura lo suficiente como para redondear la faena del álbum con solvente eficacia. Esta reedición de 5 Lunas trae el bonus track ‘En La Espesura’, registrado de una actuación en vivo del 9 de febrero de 1989, en Barcelona. Resulta muy gratificante que se rescate este ítem, pues revela cuán importantes resultaron piezas como ‘Estrella En El Camino’ y ‘Tal Como Lo Oyes’ en el enraizamiento y la germinación del lenguaje progresivo de ALTAIR. Prácticamente, este bonus puede describirse como una cruza entre los dos temas mencionados con un índice aumentado de musculatura. En varias ocasiones, no sabemos si lo que suena en el soporte de la arquitectura de los teclados es una batería o una explosión de fuegos artificiales de Año Nuevo: así de altivos y urgentes son sus redobles. Todo esto fue “Altair”... y un poco más, gracias a la iniciativa de Juan Antonio Vergara y 5 Lunas. El legado del creativo y gallardo dúo ALTAIR siempre merecerá ser recordado como parte de lquijotesca misión de mantener vivo al ideal del rock artísticamente progresivo allende los 70 dentro de la Europa que le vio nacer. Tan entrañable como recomendable para cualquier buena fonoteca.

Muestras de “Altair”.- 

Nuevo Horizonte: https://5lunasproducciones.bandcamp.com/track/nuevo-horizonte

Estrella En El Camino: https://5lunasproducciones.bandcamp.com/track/estrella-en-el-camino 

Sin Presente: https://5lunasproducciones.bandcamp.com/track/sin-presente 

En La Espesura: https://5lunasproducciones.bandcamp.com/track/en-la-espesura