La fase astronáutica de los noruegos MOTORPSYCHO

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos la gratísima ocasión de presentar el nuevo álbum del trío noruego conformado por Bent Sæther [voz, bajo, guitarras, teclados y batería], Hans Magnus Ryan [guitarras, voz, teclados, mandolina, violín y bajo] y Tomas Järmyr [batería, percusión y voz]. Por supuesto que nos estamos refiriendo a MOTORPSYCHO. El álbum en cuestión se titula “Ancient Astronauts” y fue publicado en formatos de CD y de vinilo el día 19 del pasado mes de agosto, por el sello Rune Grammofon en asociación con Stickman Records. La mayor parte del disco fue grabado en el estudio Amper Tone ubicado en Oslo, a lo largo de cinco días de agosto del pasado año 2021, con el viejo amigo del grupo Deathprod fungiendo como productor. Otras partes de guitarra, teclados y percusión, junto a las partes cantadas (que no son muchas), se añadieron en posteriores sesiones de grabación. El álbum fue mezclado por Andrew Scheps y masterizado por Helge Sten. Entre los años 2017 y 2021, el grupo publicó una impresionante retahíla de discos que comenzó con “The Tower”, y luego siguió con “The Crucible”, “The All Is One” y “Kingdom Of Oblivion”. Ahora, con “Ancient Astronauts”, los MOTORPSYCHO están decididos a seguir varias huellas de todo este periodo de fecundidad (particularmente, de los dos últimos que mencionamos) para mantener fresca su propia visión del rock progresivo psicodélico del nuevo milenio. Repasemos ahora los detalles del repertorio de este nuevo disco. 

Todo se inicia con ‘The Ladder’, el cual comienza con unas envolventes capas de guitarra y teclado antes de que irrumpa el cuerpo central con una plena exhibición de vigor psicodélico sobre la base de un ágil y razonablemente complejo esquema rítmico. Hay una vitalidad inapelablemente contagiosa que sustenta e impulsa al bien perfilado desarrollo temático, el cual se beneficia mucho del sobrio protagonismo que tienen las electrizantes líneas de bajo. Por supuesto, los continuos ornamentos de la batería, los intensos efluvios del mellotrón y un excelente solo de guitarra a mitad de camino también ayudan a cimentar el fulgor esencial de esta pieza de apertura. Todo termina con un epílogo que repite el prólogo. Sigue a continuación el breve tema (dura dos minutos y pico) ‘The Flowers Of Awarenes’, el mismo que despliega una atmósfera abstractamente cósmica en base al empleo de bosquejos solipsistas de teclado sazonados con suaves ornamentos percusivos. Algo muy al estilo de los TANGERINE DREAM de la etapa 73-74. Los primeros síntomas de magnificencia sonora del álbum emergen con ‘Mona Lisa / Azrael’, pieza que dura 12 ¼ minutos y cuya inicio se engarza con los últimos instantes de ‘The Flowers Of Awarenes’. Un breve prólogo centrado en ornamentos de flauta mellotronizada abre campo a una parsimoniosa e introspectiva sección cantada que apuesta por una cruza entre sinfonismo al estilo de ELOY y el post-rock paradigmático de MOGWAI. Tras un interludio centrado en el mellotrón y el glockenspiel, el trío arma una nueva sección marcada por un ejercicio de neurosis sistemática de tenor Crimsoniano (no ajeno a los paradigmas de los dos primeros álbumes de ANEKDOTEN y LANDBERK). De esta manera, el ensamble marca y delinea una soltura incendiaria con la que desata una tensión alborotada en medio de una arquitectura crecientemente punzante. Una breve interrupción sirve para reacomodar las cosas y trasladar a la permanente tensión hacia un terreno un poco más sobrio antes de que las cosas regresen a la parsimonia originaria. En este momento final del tema, dicha parsimonia es traslapada por un minimalismo crepuscular y misterioso.  

La segunda mitad del álbum está íntegramente ocupada por ‘Chariots Of The Sun − To Phaeton On The Occasion Of The Sunrise (Theme From An Imagined Movie)’, una maratónica suite que se expande por un espacio de más de 22 ¼ minutos y que resulta ser el instrumental más largo de toda la historia de MOTORPSYCHO hasta el momento. En buena parte, esta maratón sintetiza varios factores sónicos aparecidos en el repertorio antecedente mientras incorpora otros. La sección inicial se sitúa en un terreno donde se cruzan los patrones de los PINK FLOYD de la fase 73-75 y los TANGERINE DREAM de la fase 75-77: la ceremoniosidad estilizada de los primeros y la refinada magia cósmica de los segundos. Esto se extiende por un largo rato antes de que emerja una breve variante temática que, en sí misma, es el inicio de una breve curva que abre camino a una nueva sección de la suite, una sección ágil y poderosa que se asienta sobre las bases programáticas del space-rock contemporáneo. Así, hallamos confluencias con las líneas de trabajo de bandas como CAUSA SUI, RED KITE y PAPIR, así como algunos aires de familia vinculantes con el paradigma del maestro STEVE HILLAGE (en sus cuatro primeros álbumes). El factor melódico extra aportado por el bajo y los ocasionales ornamentos de sintetizador ayudan a capitalizar el señorío propio de los dobles guitarreos en curso. De hecho, éstos gestan un crescendo compartido desde la frontera del minuto 12, lo cual ulteriormente lleva a una expresión de garra ígnea que llega a su fulminante clímax alrededor del minuto 14. De inmediato, el trío vuelve a elaborar otro crescendo, esta vez siguiendo el estándar del post-rock con una vivacidad extra que se inspira en el modelo del space-rock progresivo. Es un proceso mucho más breve que el precedente, pues pronto regresa al frente el enclave cósmicamente ensoñador con el que se había armado la sección inicial de esta suite. En general, esta suite es menos sofisticada en lo estructural que ‘Mona Lisa / Azrael’, pero ostenta una prestancia y una frescura más imponentes. Todo esto es lo que son brinda desde los cuarteles de la veterana banda noruega MOTORPSYCHO con “Ancient Astronauts”, un disco que les ayuda resolutamente a mantenerse en la cima de la escena progresiva de su país, un posicionamiento que este trío ha sabido preservar sólidamente desde inicios del segundo decenio del milenio. Totalmente recomendable para cualquier fonoteca progresiva informada sobre lo mejor de ayer y hoy.

Muestra de “Ancient Astronauts”.-

Chariots Of The Sun − To Phaeton On The Occasion Of The Sunrise (Theme From An Imagined Movie): https://www.youtube.com/watch?v=MuxHfwMJWBI

El gentil debut de GREEN ASPHALT

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOITICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy presentamos a GREEN ASPHALT y su homónimo disco de debut “Green Asphalt”, el mismo que fue publicado el pasado 11 de marzo en vinilo, tanto en el tradicional color negro como en verde, por el sello McBuddha Records. Más recientemente, vino también una edición en CD con opcionales formatos verde y rojo. Esta entidad musical sueca es un proyecto liderado por el músico y compositor Dan Bornemark, siendo así que éste se hace cargo de los teclados, la guitarra acústica, el bajo y el canto. El ensamble se completa con Björn Claeson [flauta y saxofón], Bengt Baadtoft Johnson [batería], Niklas Ekelund [guitarras], además del trio vocal de Hjördis Bornemark, Helena Josefsson y Signe Bornemark. Bornemark se ha tomado un largo tiempo de 17 años para completar esta visión musical progresiva, trayendo consigo no solo su amor al género progresivo en sí mismo, sino también sus experiencias vividas como colaborador de GENTLE GIANT: más específicamente, su labor de compilador de grabaciones hasta hace poco inéditas para la caja de 2 CD “Under Construction” (1997) y la de 4 CD “Scraping The Barrel” (2004), además de hacer la portada para “Out Of The Fire: The BBC Concerts”. Nacido en Malmö el 22 de abril de 1965, Bornemark proviene de una familia musical y su propia trayectoria como compositor e instrumentista ha estado en buena parte enfocada en la música infantil. “Green Asphalt” es el testimonio de la línea de trabajo progresiva que le interesa como autor de música para adultos, y bueno, ya es hora de revisar los detalles de su repertorio. 

 

Abre el disco la pieza justamente titulada ‘The Green Asphalt’, la cual comienza con una amable maraña de bases armónicas de teclado y apuntalamientos de guitarra acústica. A partir de allí, la batería impone un swing a medio tiempo en base a una ingeniería rítmica cuya complejidad es manejada con ceremoniosa delicadeza. Los cánticos son manejados con una sobriedad hímnica que se condice mucho con el talante predominantemente impresionista del esquema compositivo. ‘‘Xcuse Me’ ofrece el primer momento frontalmente fulguroso del álbum, gestando una bien armada cruza entre los GENTLE GIANT de la fase 74-76, los ECHOLYN de los 90s y HAPPY THE MAN, algo que pone a este ensamble en sintonía con los también escandinavos SUBURBAN SAVAGES. Las armonías del órgano conforman el núcleo central en torno al cual giran las intervenciones de los demás instrumentos actuantes, mientras que los ornamentos ocasionales de la flauta sirven para añadir unos interesantes matices pastorales a una canción que, básicamente, exhibe orgullosamente su polenta rockera bajo la pauta propiamente progresiva de la sofisticación melódica. La dupla de ‘Walking Her Dog’ y ‘She’s A Cow’ sirve para que el ensamble siga explorando varios lugares de su propio territorio estilístico. La primera de estas canciones es una balada progresiva que ocasionalmente adquiere una dosis extra de fibra expresiva con la inclusión de interludios jazz-progresivos. Esta canción es abiertamente suntuosa a lo largo de la ingeniosa ilación de sus diversos motivos y atmósferas. Por su parte, ‘She’s A Cow’ se enfoca en una ambiciosa y humorística exhibición de colores folk-progresivos y tonalidades sinfónicas que se notan bien ubicadas en una cruza entre GENESIS, BUBBLEMATH, FROGG CAFÉ y THIEVES’ KITCHEN. El entramado desde el que se organiza las alternancias entre refinados pasajes evocadores y otras secciones marcadas por juegos disonantes y una mesurada garra rockera está perfectamente orquestado para que cada aporte instrumental y vocal se luzca para el mayor beneficio del lucimiento  del puzle musical en curso. Tenemos en ‘‘Xcuse Me’ y este cuarto tema del álbum sendos cénit del álbum.

‘Suit Yourself’ abre la segunda mitad del repertorio para brindarnos una hibridación de THANK YOU SCIENTIST y SPOCK’S BEARD bajo una guía propiamente inspirada en la faceta más aguerrida del paradigma de GENTLE GIANT. De hecho, este tema bien puede definirse como un hermano más travieso del segundo (más Zappiano, si se quiere), pues las variaciones temáticas y las digresiones atonales son más enfáticas. ‘200 Girls’ tiene una estructura más sombría en su esquema melódico (un tanto afín al patrón de THE BEATLES de la etapa 67-68) y en su swing, aunque para nada se trata de una canción oscurantista. Es más bien solemne y ligeramente introvertida, apartada de lo oscuro gracias a la agilidad contenida que sustenta a los arreglos instrumentales. El álbum se cierra con su tema más extenso, el cual se llama ‘Time In Your Face’ y dura casi 10 ½ minutos. Los efectos iniciales de diversos aparatos de relojería abren camino a un prólogo acústico inmerso en vibraciones serenas, y a partir de allí, se arma una estilizada ingeniería prog-sinfónica que bebe de la tetralogía inicial de SPOCK’S BEARD tanto como de los YES resucitados en la segunda mitad de los 90s. También hay algunos pasajes estratégicos donde el bloque instrumental incorpora elementos pastorales, y es ahí donde la pieza agarra vuelo para elevarse hacia pasajes marcados por una dosis mayor de garra. Cómo no, también tienen que entrar a tallar modismos propios del paradigma de GENTLE GIANT, como recursos extraídos del Renacimiento y de la cámara vanguardista del siglo XX remodelados bajo una ambientación circense. Es a partir de aquí que la canción llega a un punto culminante de envolvente expresionismo con un talante tremendamente fastuoso. El sereno epilogo evoca la imagen de alguien que recuerda gozosamente el gran espectáculo que hace unos instantes concluyó. En conclusión, “Green Asphalt” y GREEN ASPHALT son nombres a ser anotados y subrayados en nuestras investigaciones sobre la producción escandinava para la escena progresiva del presente año 2022. De hecho, ya son muchos los blogs de difusión de música progresiva que han colmado de merecidos elogios a este hermoso álbum, y aquí no somos la excepción. Totalmente recomendable, para decirlo en pocas palabras.

 
 

Muestras de “Green Asphalt”.-
‘Xcuse Me: https://greenasphalt.bandcamp.com/track/xcuse-me
She’s A Cow: https://greenasphalt.bandcamp.com/track/she-s-a-cow
Time In Your Face: https://greenasphalt.bandcamp.com/track/time-in-your-face

Tercer ascenso progresivo de los formidables BUBBLEMATH

 

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Hoy estamos de plácemes progresivos porque es el turno de reseñar “Turf Ascension”, el nuevo trabajo fonográfico de BUBBLEMATH. Este formidable quinteto asentado en Mineápolis, Minnesota, y conformado Blake Albinson [guitarras], Jay Burritt [bajos], Kai Esbensen [teclados y voz], James Flagg [batería y voz] y Jonathan G. Smith [voz y guitarras], ha publicado el pasado 24 de junio el nuevo disco mencionado más arriba a través del sello Cuneiform Records. En los cuatro largos temas que ocupan el repertorio de “Turf Ascension” (el menos largo está a pocos segundos de llegar a la marca de los 10 minutos) el grupo se encarga colectivamente de la música, mientras que Esbensen es el letrista. Albinson se hizo cargo de dirigir las sesiones de grabación de casi todo en el estudio Bubblemath Laboratories, incluyendo la ingeniería de sonido; las partes de batería y algunas de las guitarras se registraron en el estudio Signaturetone Recording bajo el mando de Adam Tucker. Ambos señores realizaron la mezcla ulterior, siendo así que el proceso final de masterización estuvo en manos de Greg Reierson en el estudio Rare Form Mastering. La gente de BUBBLEMATH realmente se había hecho extrañar desde aquel año 2017 en que lanzó al mercado su maravilloso trabajo “Edit Peptide”, un disco que incluía percusiones tonales, vientos e instrumentos de cuerda poco habituales como el banjo y el dulcémele en su arsenal sonoro. Ahora, en el disco que hoy reseñamos, la logística instrumental es un poco menos ambiciosa, pero igualmente estamos expuestos a un fabuloso catálogo de composiciones progresivas arregladas y ejecutadas con el espíritu fastuoso y versátil que es tan común en el género. Bueno, ya es hora de ver los detalles del repertorio contenido en el disco en cuestión. 

Ocupando un ambicioso espacio de casi 18 minutos, ‘Surface Tension’ abre el álbum a lo grande, tanto en el sentido literal como en el figurado. Todo comienza con una cósmica elevación de sintetizador que inmediatamente abre camino al enmarañamiento grupal apoyado sobre un esquema rítmico signado por cadencias ágiles. El sofisticado tempo es manejado con momentos alternados de elegante musculatura y cristalina sutileza, añadiéndose algunos quiebres que, desde sus ubicaciones estratégicas, añaden una efectiva tensión de vacíos en el bloque sonoro. Más adelante, el ensamble se dispone a explorar un dinamismo más colorido, muy a tono con una cruza entre YES (71-72) y GENTE GIANT (73-75), lo cual, a su vez, permite que se den afinidades con sus compatriotas de ECHOLYN y ADVENT. Los dos siguientes momentos están marcados por una densidad aguerrida que permite que la bien instalada gama sonora adopte, en un primer momento, elementos extra de cercano tenor Crimsoniano, y en otro posterior, sofisticadas vibraciones jazz-progresivas cercanas al paradigma de FROGG CAFÉ. Ya advertimos que poco a poco, a lo largo de una pulcrísima fluidez, la trama musical de esta magnífica pieza de entrada se va enredando dentro de una lógica desafiante y consistente. Todas las variantes y ornamentos que van emergiendo desde la frontera del decimoprimer minuto y medio es un eco de los versátiles y contundentes cimientos que se han venido afirmando y reforzando desde antes. ¡Qué gran inicio de álbum! ‘Everything’ sigue a continuación para cumplir con la función de focalizarse principalmente en los aspectos más sutiles y reflexivos del ideario grupal. De hecho, tenemos aquí una balada progresiva que ostenta, en equilibrado contrapunto con su vivaz expresividad, un swing jazz-progresivo sobre el cual los aportes de las dos guitarras y los teclados se engarzan en un afiatamiento meticulosamente delicado. Tanto el despliegue de un lirismo convincentemente sereno como las modulaciones presentes en los arreglos vocales nos recuerdan al paradigma de ECHOLYN. Poco antes de llegar a la frontera del séptimo minuto y medio emerge un hermoso solo de guitarra que abre camino a una exaltación renovadora para el desarrollo temático de la canción.

‘Decrypted’ tiene un prólogo donde se preserva la espiritualidad reflexiva e introspectiva que signó a la canción precedente, siendo así que, al poco rato, se abre una caja de pandora genuinamente progresiva desde donde surge un juego de alternancia entre pasajes vivaces y otros grisáceamente ceremoniosos. El denominador común está en dos factores: el predominio de recursos atonales en los esquemas melódicos y el embeleso sistemático en el empleo de esquemas rítmicos complejos. El señorial epílogo hace valer su aura imponente en camino hacia la aureola etérea con la que ha de terminar la canción (igual que como empezó). La pieza encargada de cerrar el repertorio es ‘Refuse’, el mismo que dura poco menos de 11 minutos y que funciona muy bien como clausura dada su peculiar prestancia. Los golpes de batería y las consonancias triádicas de las dos guitarras y el bajo con los que comienza la canción nos advierten instantáneamente que estamos a punto de presenciar una secuencia de serpentinas variaciones de motivos y ambientes, así como una laberíntica exhibición de dotes virtuosas de parte de los cinco músicos dentro de un entramado muy bien perfilado. Nos da la impresión de que esta canción contiene la labor más impresionante de la dupla rítmica en todo el disco; también nos parece que los pasajes más furiosos están aquí, gozando de los generosos espacios que les da la banda en medio de otros más esporádicos donde reina un lirismo más cristalino. Es como si los YES de 1974 jugaran a ser la banda de apoyo de FRANK ZAPPA entre los años 1971 y 1975 mientras tratan de hilar ideas perdidas del primer disco de los UTOPIA de TODD RUNDGREN. O, para decirlo de otro modo, es como si los parámetros expuestos en ‘Surface Tension’ hubiesen generado una segunda cosecha aún más intensa. ¡Qué gran final de álbum! En fin, todo esto fue “Turf Ascension”, el tercer testimonio del continuo ascenso progresivo que los BUBBLEMATH desarrollan con cada nuevo disco que lanzan al mercado. Este quinteto se ha lucido tremendamente con este trabajo que recomendamos totalmente; de hecho, ya nos parece parte de lo más exquisito que el país de Edward Hopper y Raymond Carver ha dado a la escena mundial del art-rock en el presente año 2022.

Muestras de “Turf Ascension”.-
Everything: https://cuneiformrecords.bandcamp.com/track/everything-2

Refuse: https://cuneiformrecords.bandcamp.com/track/refuse

Reafirmación de la música gestada en la corte progresiva de REGAL WORM en el año 2022

 

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Hoy nos complace enormemente reseñar el nuevo disco de REGAL WORM, el proyecto británico de Jarrod Gosling; el disco en cuestión se titula “Worm!” y fue publicado el pasado 19 de agosto (hace muy poco) tanto en CD como en vinilo. El buen Gosling se prodiga con su arsenal de guitarras eléctricas y acústicas, bajos, pianos eléctricos, sintetizadores, órganos, Mellotrón, Omnichord, batería, percusiones, secuenciador de ritmos, vocoder y efectos, además de hacerse cargo del canto. Le acompañan como invitados ocasionales Mike Somerset [saxofón tenor], Louis Atkinson [saxofón tenor], Lucy Board [trompeta] y Graham Mann [trombón]. “Worm!” es un hermoso disco que, en buena medida, sigue en la línea de “The Hidesous Goblink” (su disco anterior, publicado en octubre de 2021), aunque con una mayor presencia de sutilezas en las atmósferas y esquemas rítmicos, en general. Así las cosas, suele suceder que los mágicos brotes de excelso colorido que emergen de las amalgamas de teclados y guitarras tienen más espacio para mostrar sus partículas sonoras. En cuanto al vigor expresivo y la soltura de las capas de sonido que se integran dentro de una cruza de Canterbury, avant-prog y space-rock, las cosas siguen igual... enfatizando que igual de bien. El material recogido en “Worm!” fue grabado en diversas sesiones que tuvieron lugar en 2021 y 2022 en el Pig View Studio de Sheffield, siendo todo compuesto por Gosling. La masterización fue realizada por Dean Honer en The Bowling Green Studio, también localizado en Sheffield. Gosling se hizo cargo del arte gráfica de la portada. Bueno, veamos ya los detalles estrictamente musicales de este disco. 

Todo comienza con ‘Regal Wishbone’, una canción que reactiva muchos de los recursos de dinamismo y colorido que caracterizaron al álbum precedente: un swing ágil, una espiritualidad extrovertida y un manejo bien articulado de los grácilmente enmarañados cromatismos aportados por los instrumentos actuantes. Aires Gongianos primigenios y factores surrealistas al estilo de THE RESIDENTS se retuercen en su mutua mezcla bajo un ropaje de Canterbury sintetizado. Sigue a continuación ‘Don’t Freak The Creatures’, una canción diseñada para gestar un aire particularmente señorial dentro de una estrategia musical relativamente más sobria que la utilizada en la pieza precedente, a la vez que se mantiene el espíritu de gentil travesura. Esta canción ostenta confluencias con varios elementos estilísticos del grupo italiano HOMUNCULUS RES y, en menor medida, con los legendarios RASCAL REPORTERS; con todo, el factor space-rockero sigue estando aún bastante resaltado dentro del efectivo esquema jazz-progresivo en curso. En el largo interludio instrumental que precede al epílogo, algunos sutiles retazos sombríos entran a tallar para enriquecer la vivaz complejidad temática. Hemos disfrutado de un primer cénit definitorio del álbum. ‘Dindy Super’ se cierra aún más en lo cibernético para concretar el índice temático y la ambientación diseñadas para la ocasión: lo que suena es como una idea perdida de THIS HEAT que fue rescatada y remodelada por los OMD de la etapa 80-82 bajo la mirada de algún integrante de HARMONIA. ‘The Steppe Nomad Space Program’ es la única pieza del álbum que dura más de 4 ¾ minutos; de hecho, dura casi 9 ¼ minutos. Su espíritu expresionista comienza un poco siguiendo la pista de la pieza precedente, pero pronto las cosas viran hacia una síntesis del vitalismo convincente de la pieza #1 con la sofisticación osada y versátil de la pieza #2. Hay un surrealismo latente que, desde un trasfondo no demasiado oculto, sustenta y dinamiza todos los colores sonoros y motivos que se van hilando a lo largo del camino.  Poco antes de llegar a la frontera del sexto minuto y medio, la pieza vira hacia un ejercicio de nu-jazz filtrado a través del paradigma de BIRDSONGS OF THE MESOZOIC, aterrizando todo en un breve esbozo de flotantes abstracciones electrónicas. Esta canción instaura otro momento indiscutiblemente culminante del repertorio. ‘Bong Song’ se arroja a la nostalgia por el beat de la segunda mitad de los 60s y la psicodelia de primera generación a través de un modernizado vehículo estructural centrado en suaves amalgamas de sintetizador y guitarra.

La dupla de ‘Chlorophyllia’ y ‘Green Beetle, Plate 31’ sirve para que el proyecto siga explayándose cómodamente en su particular esquema de trabajo progresivo. En efecto, tenemos en el caso de ‘Chlorophyllia’ una juguetona muestra de gracilidad lúdica donde el groove jazzero y la vivacidad de base electrónica se fusionan en una amena noria sonora. Algunos pasajes incrementan el swing para aumentar la intensidad del gentil dadaísmo que marca la pauta particular de esta canción. En cuanto a ‘Green Beetle, Plate 31’, el esquema sonoro resulta más explícitamente vivaz, estando trazado para remodelar varios de los recursos joviales y caleidoscópicos que ya hemos apreciado en varios momentos del repertorio precedente. A lo largo de su aparentemente sencillo groove, la amalgama instrumental y los cánticos confraternizan de una manera pulcramente cálida. El epílogo cósmicamente oscuro, que entra a tallar abruptamente, nos toma totalmente por sorpresa. Todo ha sonado como si una composición perdida de los CARAVAN de los tres primeros álbumes hubiese sido remodelada por una asociación de integrantes de THE RESIDENTS, NEEDLEPOINT y CLUSTER. ‘In There Anything Blacker Than A Black Cat?’ tiene la misión de dar un nuevo giro de tuerca al vitalismo sofisticado de las canciones #2 y #4 mientras recibe algunos ecos de la saltarina calidez de la canción inmediatamente anterior. ‘Hop’ trae el cierre del álbum con una exhibición de ambientaciones etéreas plasmadas sobre un regreso a los albores del tecno-pop británico que se sazona con una acidez surrealista que tiene algo de Zappiano. Todo esto fue lo que se nos brindó en “Worm!”, el nuevo muestrario musical de REGAL WORM: casi 39 minutos de esplendorosa música progresiva para nuestros tiempos, una rotunda reafirmación de la música gestada en la corte musical donde reina Gosling. Él, junto a sus compañeros ocasionales, se ha vuelto a lucir para beneplácito de la continuidad del ideal del rock artístico en nuestros tiempos. ¡¡Totalmente recomendable!!

Muestras de “Worm!”.-
Don’t Freak The Creatures: https://regalworm.bandcamp.com/track/dont-freak-out-the-creatures
The Steppe Nomad Space Program: https://regalworm.bandcamp.com/track/the-steppe-nomad-space-program
Green Beetle, Plate 31: https://regalworm.bandcamp.com/track/green-beetle-plate-31

MOON LETTERS: una visión del presente progresivo de los EE.UU.

 

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Hoy nos complace presentar el nuevo disco del quinteto progresivo estadounidense MOON LETTERS, el cual está conformado por Kelly Mynes [batería y percusión], Mike Murphy [bajos con y sin trastes, percusión y coros], John Allday [piano eléctrico, órgano, sintetizadores y coros], Dave Webb [guitarras eléctricas, efectos y coros] y Michael Trew [primera voz, coros, flauta, guitarras acústica y eléctrica de 12 cuerdas]. Esta banda afincada en Seattle nos sorprendió gratamente en el año 2019 con “Until They Feel The Sun”, y ahora, desde el pasado 8 de agosto (hace muy poco), vuelve al ruedo con un segundo álbum titulado “Thank You From The Future”, el cual exuda una muy sesuda ampliación del vigor creativo manifestado en el mencionado álbum debut. El material contenido en “Thank You From The Future” fue mayormente grabado en el ExEx Audio de Seattle, siendo así que las pistas de algunas voces, percusiones y guitarras acústicas se grabaron en el ^^vv Studio (también ubicado en Seattle). El ulterior proceso de masterización estuvo a cargo de Colin Marston en Menegroth, The Thousand Caves (Queens, Nueva York). La nota curiosa está en la portada, que es una obra de tipo collage realizada por el artista argentino Mariano Peccinetti, originario de Mendoza, cuyo título es Visiting of the children. Bueno, vayamos ahora a los detalles estrictamentye musicales del disco que ahora reseñamos. 

La primera mitad del repertorio está compuesta por la serie de canciones tituladas ‘Sudden Sun’, ‘The Hrossa’, ‘Mother River’ y ‘Isolation And Foreboding’, serie que, en realidad, es la suite ‘The Astral Projectionist’. ‘Sudden Sun’ pone marcha a las cosas con un eficaz despliegue de colorido musical, gestando una peculiar combinación de modismos propios de los legados de KANSAS, YES y ECHOLYN, combinación sazonada con algunas confluencias con sus contemporáneos de FARMHOUSE ODYSSEY. La agilidad que impulsa y modela los voraces recovecos temáticos de esta pieza de apertura son simplemente impresionantes, lo cual resulta crucial para crear un gran impacto inicial. ‘The Hrossa’ remodela este colorida y lo traslada a un ámbito un poco más ceremonioso donde la estilización melódica del prog sinfónico y las elegantes cadencias del jazz-prog se fusionan en una amalgama sonora amable y envolvente, dejando que el vigor expresivo sea más comedido a lo largo de una fluidez cristalina. Si la dupla rítmica sostenía la vivacidad del primer tema, ahora tenemos en los aportes de los teclados y los guitarreos los referentes fundamentales de los colores sonoros que se van expandiendo en la ilación de varios grooves. ‘Mother River’ y ‘Isolation And Foreboding’ completan la faena elevando la suite a niveles de gran ingenio elocuente y, de paso, instaurando sendos cénit para el álbum como un todo. Tras un prólogo aparentemente sigilos, ‘Mother River’ sigue la pista del primer tema reformando su fragor musical con una bien perfilada dosificación de la sofisticación y la musculatura a la hora de articular la ilación de los diversos motivos. La aparición de algunos fraseos disonantes en ciertos pasajes estratégicos nos remiten al paradigma de GENTLE GIANT. ‘Isolation And Foreboding’, por su parte, recoge varios enfoques ya plasmados en la canción precedente y les proporciona una fastuosidad especial; esto último se traduce en una instauración maciza de recursos versátiles que se van ramificando por unas vías jovialmente tensas y otras más relajadas. El epílogo, muy a lo GENESIS-con-WOBBLER, exuda un atractivo bastante eficaz, hasta que irrumpe una breve coda a lo GENTLE GIANT. Hasta ahora, todo ha resultado enorme y cautivador con la secuencia de estas cuatro primeras piezas del álbum... pero todavía quedan más cosas por disfrutar de inmediato.

 

Se abre la segunda mitad del disco con el arribo de ‘Child Of Tomorrow’, una canción que comienza en clave de semi-balada progresiva asentada sobre un swing jazz-fusionesco, para luego virar hacia una atmósfera más agresiva donde se explora a faceta más frenética del paradigma Yessiano (aunque también hallamos algunos retazos pastorales en algún pasaje estratégico). ‘Fate Of The Alacorn’ es la pieza más extensa del repertorio con sus poco más de 7 minutos de duración. El asunto comienza con un talante ceremonioso envuelto en una neblina crepuscular, pero no tardan mucho en arribar los guitarreos y los ornamentos de sintetizador para que se imponga un punche señorial y sofisticado cuya vitalidad intrínseca emerge del groove armado por la dupla rítmica. Parece que la banda ha regresado con todo a los parajes más exultantes de la segunda canción del álbum, aunque con una prestancia más esplendorosa y un dinamismo más contundente. El esplendor se incrementa grandilocuentemente con el gigantesco epílogo instrumental, un despliegue de múltiples capas de orquestación progresiva que se ubican entre lo palaciego y lo teatral. ¡Qué gran final! Lo último del repertorio llega de la mano de ‘Yesterday Is Gone’, una canción que, muy a tono con su propio título, expresa vibraciones meditabundas en su letra, y tiene, de hecho, una primera sección introvertida. Esto es prontamente interrumpido por otro ejercicio de vigor sónico que nos lleva desde una densidad misteriosa hasta una luminosidad cálida, para luego combinar ambos factores a través de los serpenteos melódicos que se desarrollan en los tres últimos minutos. En conclusión, “Thank You From The Future” es un disco estupendo y preciosista que confirma a los MOON LETTERS como portadores de una llama renovadora dentro del fuego progresivamente olímpico que sigue latiendo en la vanguardia rockera estadounidense del momento. Nos ha gustado mucho y, por tanto, lo recomendamos al 100%.

Muestras de “Thank You From The Future”.-
Mother River: https://moonletters.bandcamp.com/track/mother-river
Isolation And Foreboding: https://moonletters.bandcamp.com/track/isolation-and-foreboding
Fate Of The Alacorn: https://moonletters.bandcamp.com/track/fate-of-the-alacorn

Música para 43 atardeceres de parte de los maestros JOSÉ LUIS FERNÁNDEZ LEDESMA y MARGARITA BOTELLO

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos la enorme dicha de presentar el nuevo disco a dúo de los maestros mexicanos JOSÉ LUIS FERNÁNDEZ LEDESMA y MARGARITA BOTELLO, el cual ostenta el principesco título de “Un Día Vi Cuarenta Y Tres Atardeceres”, publicado por el sello Azafrán Media a mediados del presente año 2022. La grabación y la mezcla del material contenido en este disco estuvo a cargo de FERNÁNDEZ LEDESMA, siendo así que estos procesos terminaron en el pasado año de 2021. La ulterior masterización tuvo lugar en Nueva York en el año 2022 de la mano de Oliver Palomares. Los 11 temas contenidos en “Un Día Vi Cuarenta Y Tres Atardeceres” se sitúan en una confluencia de avant-prog, fusión contemporánea con raíces folklóricas, ambient electrónico, aventuras electro-acústicas y excursiones pastorales abordadas desde un enfoque modernista; todo ello genera un campo muy fértil para la expresividad de los instrumentos utilizados y los cánticos dentro de un encuadre estético sumamente versátil. El arsenal sonoro plasmado en este álbum es bastante nutrido. FERNÁNDEZ LEDESMA se hizo cargo de los pianos acústico y eléctrico, los sintetizadores, las guitarras acústica y eléctrica, el bajo, la flauta, las ocarinas, la marimbita, la kalimba, el laúd, las percusiones y el autoharp, además de algo de voz. Por su parte, BOTELLO se hizo cargo de la inmensa mayoría de las vocalizaciones, el acordeón, el armonio, los pianos acústico y eléctrico, el santur, el steel drum y otras percusiones. Él hizo las composiciones, ambos elaboraron los arreglos de las mismas. El dúo realizó la producción de este disco mientras que Juan José Salas proveyó la producción ejecutiva. El arte y el diseño gráficos estuvieron a cargo del buen JUAN LUIS. Bueno, revisemos ya los detalles del repertorio contenido en este disco. 

La pieza de poco más de 3 minutos de duración ‘Cuarenta Y Tres Atardeceres’ funge como introducción enfocada en evocadores efluvios de un solitario piano que parecen retratar la cadenciosa emergencia de algo desde algún lugar escondido e inescrutable. De paso, hay una sensación de que hay algo delicado que hay que proteger mientras se abre al mundo. Con la subsiguiente dupla de ‘Horizonte De Sucesos’ y ‘El Primer Amanecer’, que ocupa un espacio de 16 minutos y pico conjuntamente, el dúo empieza a desplegar varias de las tónicas y estrategias sonoras que resultan esenciales para el álbum como un todo. El primero de estos temas mencionados comienza con una vibrante secuencia sintetizada que al poco rato abre espacios a un despliegue generoso de coloridos y matices musicales. Bajo un manto combinado de jolgorio y espiritualidad surrealista, la amalgama sonora se va desarrollando sobre un swing ágil que impulsa solventemente la magnifica soltura del caleidoscopio instrumental en curso. La convivencia de los diversos matices envolventes de los teclados se asienta con domesticada grandilocuencia mientras el canto, los efectos de la guitarra y las percusiones añaden sus propias tersuras. En cuanto a ‘El Primer Amanecer’, las ambientaciones etéreas se apoderan del centro nuclear y desde allí crean un armazón flotante que nos remite a una especie de confluencia entre el BRIAN ENO de fines de los 70s y los TANGERINE DREAM de la etapa 75-76. Alguna herencia de la línea de trabajo plasmada en “La Paciencia De Job” se deja sentir, pero con una textura más amable que permite que se dé una fastuosidad luminosa, especialmente en los pasajes finales marcados por aires folklóricos. Dos cénit del álbum... y más adelante vienen otros más. ‘El Tercer Planeta’ recibe directamente ecos de la fastuosidad conclusiva de la pieza precedente y la lleva a un terreno más solemne. De esta manera, se abre espacios para las ocasionales emergencias de matices misteriosos y crepusculares en algunos momentos estratégicos. Por su parte, ‘Secretos Y Pequeños’ vira hacia unos recovecos abstractos que se apoyan en un muy estilizado juego de tensiones, el mismo que edifica un maderamen sónico saltarín, pero no al estilo de algo que danza, sino más bien, al modo de algo que está continuamente brotando sin salirse del suelo. La dinámica está muy bien lograda y opera a la perfección como contrapunto a las atmósferas predominantes en los dos temas anteriores. (¿Alguna resonancia de los tiempos de “Sol Central”, quizás?) 

‘Conoce Los Caminos’ regresa a la serena gentileza que apreciamos en algunos pasajes del repertorio precedente, esta vez convirtiéndola en el motor del sencillo enclave temático que se va explayando a lo largo de este ejercicio de afable minimalismo. En los momentos donde aparece, el canto femenino comienza añadiendo texturas embrujadoras al asunto como un halo de luz que va ensortijándose entre los espacios vacíos que deja el cristalino enmarañamiento de las escalas de la guitarra y el piano; más adelante, ese canto, en complicidad con el acordeón y el armonio, se dispone a enriquecer el desarrollo temático para darle un poco más de grosor. ‘El Goce De Los Vientos’ es una pieza tremendamente lírica, muy emparentada con la esencia musical de SAENA, pero, en el contexto organizado por el dúo en este momento, sus cadencias y colores flotantes permanecen bien pertrechados bajo una aureola de cálido ensueño. La combinación de aires pastorales y estilización melódica al estilo progresivo está muy bien lograda por la relativamente parca instrumentación (pianos acústico y eléctrico, acordeón y guitarra acústica). ‘La Rosa De Jericó’ lleva a esas imágenes de ensueño un paso más allá para transformarlos en un paisaje onírico donde tanto el canto de MARGARITA como las intervenciones de cada instrumento actuante establecen una magia cautivadora y envolvente, un sortilegio convincente y delicado a la vez. ‘La Trampilla’ es el otro tema del álbum con la sola intervención de JLFL (el otro fue el de apertura): esta vez, la trama es la de volver a atmósferas electrónicas manejadas con una calculada sofisticación en clave electro-acústica. De esta forma, se abre las puertas al arribo de ‘Estrella Doble’, otro momento culminante del repertorio. Las texturas sutiles inherentes al esquema compositivo y la fulgurosa estructura comunitaria concretada por la interacción de los instrumentos asienta otro momento de vivaz jolgorio que se expresa muy gustosamente en esta mezcla progresiva de impresionismo y surrealismo. De paso, el canto de MARGARITA llega a su cúspide de magnificencia dentro del presente álbum. Los últimos 8 ½ minutos del repertorio están ocupados por ‘El Silencio’, un hermoso cierre de álbum marcado y tapujado por una espiritualidad introvertida. Hay algo de grisáceo en el aura contemplativa que empapa a esta canción, pero no es un síntoma de tristeza sino, más bien, de remanso.

Todo esto fue lo que se nos brindó en “Un Día Vi Cuarenta Y Tres Atardeceres” desde los cuarteles de hogareña alquimia musical de JOSÉ LUIS FERNÁNDEZ LEDESMA y MARGARITA BOTELLO. Este dúo, para decirlo de forma simple y directa, encarna a dos de las máximas figuras de la vanguardia mexicana de las últimas décadas (lo cual incluye su labor en SAENA), y lo que hace este disco es confirmar tan posicionamiento privilegiado dentro de la mencionada escena con absoluta legitimidad. Fueron 65 minutos y pico de grandeza musical en estado químicamente puro. Por ser tan hermoso y tan desafiante en su radiante excelencia, este disco resulta recomendable al 200% (un 100% por cada persona involucrada en su hechura).

Muestra de “Un Día Vi Cuarenta Y Tres Atardeceres”.-
Horizonte De Sucesos: https://www.youtube.com/watch?v=h7hdNjqOIBc

ARS DE ER: un súbito ataque en clave de chamber-rock

 

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En esta ocasión tenemos el enorme placer de presentar el nuevo disco de ARS DE ER, proyecto del compositor y multiinstrumentista bielorruso Arseny Ershov. “Attacca Subito” es el título del mismo, el cual fue publicado en su blog de Bandcamp el pasado 7 de agosto, hace muy poco: con éste ya van 19 trabajos de estudios de larga duración que el maestro Ershov registra y publica en su blog de Bandcamp. Como es habitual, Ershov se hace cargo de todos los instrumentos y de todas las programaciones de ritmos y de samplers a lo largo y ancho del repertorio de esta nueva obra, cuyo repertorio consta de cinco partes homónimas, secuencialmente hiladas en un continuum donde la línea chamber-rock de ARS DE ER se continúa inclinando hacia varios matices rockeramente vigorosos, una línea de trabajo ya plasmada en el álbum anterior “Other Side” (del año 2021). Lo que se destaca particularmente en “Attacca Subito” es el modo tan meticuloso con el que se trabaja el potencial fastuoso de esta obra que tiene patentes aspiraciones orquestales; Arseny Ershov he enfocado la construcción y el entramado de este disco de la misma manera en que lo ha hecho con varios de sus discos más tempranos, como una sinfonía creada para un contexto académico y que terminó asentándose en uno de los muchos lugares de donde puede brotar buena música progresiva. Vayamos ahora a los detalles específicos de este disco.

Los primeros 3 minutos y pico están ocupados por ‘Attacca Subito (1)’, sección centrada en unos fraseos de piano que comienzan con aires de sigiloso misterio y luego se derivan fluidamente hacia una solemnidad señorial. Con el apoyo de unos golpes percusivos cerca del final, se anticipa de alguna manera la irrupción de las vibraciones tétricas que habrán de signar la esencia expresiva de ‘Attacca Subito (2)’. Ubicándose en un lugar intermedio entre la árida acidez de PRESENT y la lúgubre majestuosidad de UNIVERS ZERO mientras establece confluencias con el paradigma de SIMON STEENSLAND, esta segunda pieza del álbum oscila convincentemente entre pasajes contenidos y otros marcados por un oscurantismo contundente y aparatoso. El desarrollo temático está sólidamente definido mientras va avanzando esta sección. Cuando llega el turno de ‘Attacca Subito (3)’, las cosas adquieren una vibración fulgurosa merced al hecho de que la dimensión lúgubre perfectamente plasmada en la sección precedente se alimenta de una renovadora musculatura que coquetea levemente con el avant-metal y el chamber-rock del último milenio (RATIONAL DIET, FAR CORNER). La ceremoniosa cadencia de su epílogo se conecta con el prólogo de la crucial maratón del álbum, la cual se titula ‘Attacca Subito (4)’ y duras poco menos de 22 minutos y medio. Su función principal es la de reavivar la agilidad estructural de ‘Attacca Subito (3)’ y elevarla a una magnificencia rotunda y electrizante. Los múltiples recovecos por los que se hilan varios de los diversos pasajes temáticos que se insertan aquí se enriquecen con la aleatoria emergencia de ambientaciones surrealistamente etéreas, las mismas que evocan imágenes de procesiones de almas en pena y, en otros casos, vuelcos reflexivos hacia ahondamientos en las cuevas más oscuras del espíritu. Eso sí, los primeros minutos están enfocados en una parsimonia que parece revivir paisajes del Limbo, y luego surge un intermedio que nos sorprende con su etéreo lirismo, algo Crimsoniano filtrado a través del patrón de los ANEKDOTEN de los tres primeros álbumes. El espíritu lóbrego no tarda mucho en reaparecer y los aires de etéreo oscurantismo empiezan a aparecer a poco de pasada la frontera del sexto minuto. Hay un pasaje muy grácil que emerge poco antes de llegar a la frontera del minuto #14, siendo su misión la de gestar un nuevo empuje al dinamismo operante en lo que queda de esta sección. Un extenso clímax volcánico se desarrolla a continuación para que todo termine esparcido en un subsuelo crepuscular.

En abierta oposición a la sentenciosa dejadez que inundaba cada poro sónico de los últimos minutos de la sección precedente, ‘Attacca Subito (5) / En Cage’ emerge para cerrar el álbum con un despliegue de juguetón dadaísmo donde se sintetizan la academia vanguardista, el avant-jazz y el Crimonismo (tanto de los 70s como de la fase 2000-03), claro está, con la recurrente base de la tradición del RIO continental. Lo que suena y resuena aquí es una alternancia entre pasajes saltarines (al modo de un caótico circo macabro) y otros ostensiblemente ceremoniosos donde el oscurantismo gana terreno, no para alterar las cosas, sino para plantear una nueva y definitiva mirada al drama de la vida. Es justo con este talante que el fade-in llega para concluir esta sección y el álbum. En fin, todo esto es lo que nos ha brindado el maestro Arseny Ershov con “Attacca Subito”, una nueva insignia de honor para el currículum vitae de ARS DE ER. Poco más de 40 minutos de música intensa y sesudamente estructurada. Totalmente recomendable para cualquier amante de la vanguardia progresiva más aventurera... como todo lo que sale de los cuarteles de ARS DE ER.

Muestra de “Attacca Subito”.-

Attacca Subito (4): https://ars-de-er.bandcamp.com/track/attacca-subito-4

La civilización avant-progresiva del proyecto francés M’Z

 

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Hoy tenemos presente un disco muy particular, “La Civilisation De La Graine”, que es la tercera producción fonográfica del proyecto fundado y liderado por el compositor y músico francés Mathieu Torres llamado M’Z. “La Civilisation De La Graine” fue publicado el pasado 24 de junio de 2022 por el sello Matziz Records en cooperación con Luminol Records. El estilo de M’Z se basa en una ágil y enérgica confluencia de prog-metal experimental, avant-prog, jazz-rock, fusión contemporánea y psicodelia. En este álbum, Torres, quien está a cargo de las guitarras, los teclados, las orquestaciones y las programaciones de ritmos, además de algunos pasajes de canto. En álbumes anteriores, él tuvo colaboraciones, pero ahora él está a cargo de todo lo que suena aquí. Se trata del tercer trabajo fonográfico de este proyecto y, de hecho, es un disco conceptual centrado en una diversa ilación de críticas severas al orden social, económico y político de nuestros tiempos. A lo largo de todos los temas que conforman el repertorio de “La Civilisation De La Graine”, M’Z plantea severas objeciones al sistema socio-económico de nuestro mundo globalizado, el cual expresa diversas maneras de deformación y deterioro de la condición humana bajo múltiples superestructuras e ideologías de raigambre patriarcal. Torres ve eso en la expansión de las grandes ciudades e industrias, la cultura de la imagen con su consecuente cerrazón a los espacios de verdadero diálogo democrático, la propaganda celebratoria del modelo capitalista, la imparable expansión de la racionalidad tecnológico-instrumental, etc. Pero también hay otras instancias donde Torres celebra la capacidad de la mente para abrirse a experiencias sensoriales constructivas y para realizar el pensamiento crítico. Bueno, veamos ahora los detalles estrictamente musicales contenidos en este álbum. 

‘Des Récits’ da inicio al álbum con una inspirada exhibición de diversidad musical que pone especial énfasis en la tensión y en la densidad. El prólogo está signado por unas flotantes escalas de piano eléctrico que pronto abren camino a un cuerpo central que alterna pasajes jazz-progresivos con otros de orientación fusionesca exótica y otros más signados por una pesadez señorial al estilo del Crimsonismo del nuevo milenio. Una vez que entra a tallar este último factor, se abren varias puertas al surgimiento de interludios aguerridos que se emparentan con el prog-metal experimental. ‘Edifions Des Temples Absurdes’ sigue a continuación para ahondar en el aspecto prog-metalero con sutilezas estructurales que se basan en un manejo sobrio de las complejas síncopas desarrolladas con un talante avant-progresivo. También hay algunos elementos modernistas que entran a tallar para integrar curiosos ornamentos cibernéticos dentro de la imperante sofisticación que gobierna la ingeniería de la pieza. Aquí parece operar una cruza entre los patrones sónicos de GORDIAN KNOT, AHLECHAUTISTAS, HELLA y CYNIC. El tercer tema del álbum se titula ‘Au Confort De La Mémoire Qui Sublime’ y su enfoque temático se centra en una fusión de jazz-rock y psicodelia progresiva con tintes space-rockeros, siempre con algunos recursos enérgicos que pueden dejar espacios abiertos para el empleo de alguna exhibición de garra rockera. La mayor parte del tiempo, el ensamble juega con un medio tiempo sobre un compás de 6/8, pero también hay un pasaje intermedio más filudo y jovial que le da un viraje importante al desarrollo temático. ‘Assemblée Populaire’ comienza con un solemne solo de guitarra que siembra el camino para la emergencia de un cuerpo central bastante acopado al estándar del jazz-rock en su dimensión más suntuosa. Las patentes e hidalgas exhibiciones de virtuosismo de la guitarra quedan bien sostenidas por el armazón rítmico programado para la ocasión. Es como si este tema fuese el hermano menos revoltoso del que le precedió. ‘La Spiritualité Marketing’ es una pieza más directamente orientada hacia el discurso del prog-metal con añadidos matices de jazz-rock, un despliegue muy llamativo de motifs y grooves que se apoyan en una encrucijada entre LIQUID TENSION EXPERIMENT y CANVAS SOLARIS, siendo así que los diversos recursos de soltura que van surgiendo a lo largo del camino sirven para reforzar la ígnea vivacidad de la pieza a ritmo sostenido. 

‘Bureaucratie Bémol’ comienza con un ejercicio de avant-metal que pronto intercambia roles con breves pasajes jazz-rockeros y otros deconstructivos que se sienten cómodamente situados dentro de la tradición del RIO al estilo de bandas legendarias como HENRY COW y MASSACRE. Estos últimos no son precisamente estruendosos, pero sí gozan de suficiente impacto disruptivo como para desacomodar la fluidez esperada; esto también es válido de decir sobre los efímeros enclaves electrónicos que entran a tallar en algunos pasajes estratégicos. Aquí funciona otro tipo de fluidez, uno perfilado por la lógica del contraste asentada en sus instancias más extremas. ‘Enquête Païenne’ se encarga mayormente de elaborar una síntesis entre los espíritus respectivos de los temas #3 (musculatura cósmica) y #5 (fulgor vibrante), sacando provecho de las dimensiones más llamativas del amplio espectro sonoro del ensamble. En verdad que aquí regresa el perfil lírico para establecer el cuidadoso panorama general del desarrollo temático y sus ornamentos ocasionales. Solamente cerca del final, las cosas se ponen un poco más tortuosas, pero eso es solo un breve preludio al talante ensoñador que habrá de signar al epílogo. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘Ishtar Dance’, una pieza totalmente abocada al estándar del prog-metal con generosas dosis de djent. Algunos elementos orientales se hacen presentes en ciertos parajes melódicos, pero el núcleo central de la instrumentación se centra en el afiatamiento entre los riffs y la compleja arquitectura rítmica, dejando varios espacios para los solos feroces y contundentes de guitarra. Todo esto es lo que nos brinda en “La Civilisation De La Graine”, el cual es, para nosotros, uno de los discos más enérgicos y fabulosos que han surgido del seno de la escena progresiva francesa para el mundo entero. M’Z y el título de este disco son nombres que deben quedar resaltados dentro de nuestra apreciación de la producción progresiva del presente año 2022 una vez que éste acabe.

Muestras de “La Civilisation De La Graine”.-
Edifions Des Temples Absurdes: https://matzizrecords.bandcamp.com/track/edifions-des-temples-absurdes
La Spiritualité Marketing: https://matzizrecords.bandcamp.com/track/la-spiritualit-marketing
Enquête Païenne: https://matzizrecords.bandcamp.com/track/enqu-te-payenne

DRH: magníficos fuegos artificiales de la avanzada progresiva francesa

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Hoy se da ocasión de presentar el nuevo trabajo discográfico del grupo francés DRH, el cual está conformado por Alexandre Phalippon [bajo], Josselin Hazard [batería], Danilo Rodriguez [guitarras] y Rémi Matrat [saxofones]. El disco en cuestión es “Ode To A Firework” y fue publicado el pasado 11 de abril. La línea de trabajo de esta banda fundada y afincada en Lyon se sitúa en un sólido híbrido de prog-metal, RIO y jazz-rock experimental; su álbum de debut “Thin Ice” data del año 2018 y ahora tenemos a este disco sucesor como uno de los ítems más interesantes que se han hecho en el área francesa de la actual avanzada progresiva mundial. En poco más de 40 minutos, el colectivo de DRH ha concretado en “Ode To A Firework” una obra enérgica y dinámica; detengámonos en el repertorio contenido en él. 

Todo comienza con la pieza de 6 minutos de duración ‘B. Smith’, la cual pone sobre el tapete varios de los recursos estilísticos de grupo. Todo empieza con unas cálidas líneas de saxo sobre un trasfondo etéreo para, al poco rato, abrir paso a un cuerpo central más filudo que se centra en una combinación de aires exóticos y pesadas vibraciones rockeras; estas últimas se explayan en un arquitectura sónica donde confluyen el prog-metal y el math-rock. A mitad de camino, las cosas se calman bajo un ropaje misteriosamente ceremonioso cuya tensión interna se exterioriza parcialmente a través del neurótico solo de saxofón. El cuerpo central entra a tallar de nuevo para perfilar el final de la pieza como un círculo que se cierra apropiadamente. A continuación llega el turno de ‘Dips’, una pieza que exhibe su fulgor fornido desde el punto de arranque, haciéndolo sobre una base rítmica parsimoniosa. Opera aquí una distorsión metalera del estándar Crimsoniano mientras los diversos pasajes se van hilando a lo largo de una diversidad de grooves. De hecho, cuando el swing se torna más vivaz, un hálito jubiloso se apodera de la maquinaria sonora, lo cual no solo aporta agilidad extra al asunto, sino que también abre espacios para la momentánea irrupción de una refinada sección jazz-rockera. El tercer tema del disco es el que justamente le da título: ‘Ode To A Firework’ se proyecta hacia una serie de encuadres líricos que ostentan convincente la faceta más estilizada del ideario estético de DHR. Bajo la guía del saxofón, el trípode de guitarra-bajo-batería organiza un sofisticado swing de tenor jazz-progresivo. A poco de pasada la frontera del minuto y medio, el grupo arma un ácido motif metalero de genuinas inclinaciones progresivas, siendo así que el saxofón sigue siendo el instrumento situado en el centro protagónico del bloque. Mientras la pieza avanza, el frenesí metalero aumenta su musculatura hasta llegar a un momento de irrefrenable implosión. Tras este volcánico clímax, el grupo regresa al motif inicial con una delicadeza calculada que signa al epílogo de la pieza con un cierto aire ensoñador. 

‘Rage’, el cuarto tema del álbum, se sitúa en un plano contemplativo alimentado por texturas melancólicas tras un prólogo ritualístico centrado en invocaciones vocales y ornamentos de batería. Aún en los momentos cuando emerge un pasaje aguerrido, la espiritualidad melancólica hace sentir su peso, excepto en el epílogo, donde todo aterriza en una asertividad incendiaria. Cabe recalcar que las continuas florituras del saxofón son de las más notables en todo el álbum. ‘Save Us’ se centra mayormente en sintetizar las espiritualidades expresivas de los temas #2 y #3, gestando una afilada frescura donde la garra y el nervio se fusionan en una hoguera sonora moldeada por una exquisitez estilizada al modo de la más meticulosa labor de orfebrería. La labor de la batería se siente particularmente compleja aquí. De paso, se nos revela el que tal vez sea el mejor solo de guitarra del disco (junto al que habrá de aparecer en el siguiente tema). La dupla de los temas ‘U.N.K.’ y ‘Zorgan’ completa los últimos 12 ¼ minutos del repertorio. El enfoque creativo de ‘U.N.K.’ consiste en una capitalización del ígneo vigor propio de la faceta más tensa de la banda con un filtro señorial que se manifiesta en la ilación de todos los virajes y variaciones temáticas que se van sucediendo con impoluta fluidez. En cuanto a ‘Zorgan’, éste se centra en los aspectos más densos de la ingeniería grupal, llegando a sonar tenebroso y lóbrego tanto en el prólogo como en algunas secciones posteriores. El centro temático se apoya en un swing semejante al de los temas #2 y #5; mientras tanto, el saxofón vuelve a explotar sus recursos más neuróticos en la mayor parte de los pasajes donde ocupa el centro protagónico. El último minuto sirve para que el grupo reitere y amplifique el nervio grandilocuente de la pieza precedente. Todo esto es lo que nos brindó desde los cuarteles de DRH con el disco “Ode To A Firework”, una filuda y vitalista demostración de música progresiva expansiva y ecléctica centrada en la musculatura y alimentada por giros versátiles por aquí y por allí. Vale la pena explorar no solo este nuevo disco de DRH, sino también el anterior: totalmente recomendable para valorar la importancia de la escena vanguardista francesa dentro del ideal del rock artístico a nivel mundial. 

Muestras de “Ode To A Firework”.-
Dips: https://drhmusic.bandcamp.com/track/dips
Ode To A Firework: https://drhmusic.bandcamp.com/track/ode-to-a-firework
U.N.K.: https://drhmusic.bandcamp.com/track/u-n-k

TALOS y la mitología del rock progresivo hondureño

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy viajamos a Honduras para conocer al grupo TALOS, conformado por José Luis Suazo [teclados Hammond SK-1, Moog Subsequent 25, GeoShred y Velocicy 4+], René Zelaya [batería] y Roberto Chico [guitarras y bajo], así como a su álbum debut titulado “El Primer Androide”. Éste fue publicado en el presente año 2022 por el sello Aurora Boreal Producciones, ubicado en la capital hondureña de Tegucigalpa, tras pasar por un proceso de grabación que tuvo lugar entre noviembre de 2021 y febrero de 2022. Además, el disco tuvo el beneficio de ser difundido virtualmente en el blog de Bandcamp del sello argentino Viajero Inmóvil. El colectivo tripartito de TALOS sustenta su enfoque musical sobre una cruza entre el prog sinfónico tradicional y el jazz-prog de inspiración Canterburyana, añadiendo algunos matices de sinfonismo moderno al encuadre sonoro. “El Primer Androide” es un disco conceptual centrado en la figura de Talos, androide de bronce fabricado por Hefesto con ayuda de los Cíclopes para que fuese entregado al rey de Creta Minos, siendo así que la misión de Talos era la de proteger al lugar de cualesquiera personajes indeseables y peligrosos. Talos cumplía cabal y minuciosamente su misión hasta que tuvo la mala fortuna de toparse con Medea.* No es muy habitual que digamos el que viajemos a Honduras para encontrar y comentar música progresiva, pero lo que nos ofrece el grupo TALOS con éste, su primer disco, realmente vale la pena; de hecho, vayamos a los detalles del repertorio contenido en “El Primer Androide”.

 

La ‘Introducción’ consiste en un monólogo relatado por Yadira Bendaña, el mismo que prepara el terreno para el arribo de ‘Creta’, pieza de 7 minutos que incluye las secciones tituladas ‘Poseidón’, ‘Cnosos’, ‘Los Juegos Taurinos’ y ‘El Palacio De Minos’. Todo comienza con una serie de ornamentos cósmicos de sintetizador que, una vez disueltos en el éter, abren la puerta a un agradable y gentil viaje musical que se sitúa a medio camino entre los paradigmas de YES (etapa 71-72) y TRIUMVIRAT (etapa 75-76). Las bases armónicas del órgano se asientan con persistente claridad mientras los sucesivos solos de sintetizador y de guitarra se van instaurando sobre ellas. A poco de pasada la frontera del cuarto minuto y medio, la agilidad inicial es sustituida por una constricción señorial signada por un groove blues-rockero. Esta variación de swing connota el surgimiento de una aureola grave para el esquema expresivo del trío: así se marca el fin de la pieza. ‘Talos I’ sigue a continuación e incluye las secciones ‘La Fragua De Hefesto’ y ‘El Androide’. Otro preludio cósmico y otro jam estilizado de orientación sinfónica, pero ahora resulta que hay dos novedades respecto a lo que se nos brindó en la pieza precedente: 1) el momento sinfónico ostenta una dosis un poco mayor de nervio, y; 2) a partir del tercer minuto y medio, las cosas se avivan al virar hacia un groove jazz-rockero que nos remite a un híbrido entre los paradigmas de JAN HAMMER y HAPPY THE MAN (y algunas coincidencias con SCHERZOO). La extrovertida suntuosidad que ahora se impone gesta una primera instancia de excelso fulgor sonoro antes de que el epílogo elabore un breve retorno al jam inicial. Un primer cénit del álbum. ‘El Argo’ nos devuelve al patrón de TRIUMVIRAT en base a un medio tiempo cuyo evocador motif central es manejado con gentil docilidad, la cual incluye algunos ornamentos barrocos. ‘Medea’ contiene las secciones ‘Circe’ y ‘La Tecno Bruja’; su función es la de sintetizar el señorío de la pieza inmediatamente anterior y el refinamiento preciosista de ‘Creta’, con lo cual logra plasmar un dinamismo llamativo penetrado por una refinada soltura. El garbo rockero provisto por el solo de guitarra en algún pasaje añade un vigor ígneo al asunto, mientras que los predominantes grooves jazz-progresivos hacen que el cuerpo central establezca una elegancia rotunda. Otro cénit del álbum. 

‘Talos II’ se centra en una dinámica electrónica donde el esquema sonoro envolventemente cibernético nos remite a una cruza entre los GENESIS de la fase 78-80 y VANGELIS. Sus vibraciones modernistas brindan una interesante variante frente al factor sinfónico explorado fehacientemente en los temas precedentes. ‘Una Larga Travesía A Casa’ contiene las secciones ‘En Aguas Del Egeo’ y ‘Amor De Bruja’. El talante inicial de esta pieza es solemne y contemplativo, apoyado coherentemente sobre un solemne medio tiempo, pero más adelante se agiliza con unas coloridas vibraciones prog-sinfónicas que se emparentan muy bien con los patrones Emersonianos y Genesianos. La última pieza del álbum es ‘Talos III’ cuyas secciones son ‘A Las Costas De Creta’, ‘El Robot Y La Bruja’ y ‘Muerte De Talos’. El prólogo se enfila hacia lo electrónico (incluyendo un ritmo programado), lo cual abre camino a un primer cuerpo central enfocado en establecer una síntesis entre las atmósferas predominantes de los temas #2 y #3. Dicha síntesis permanece bien situada sobre un groove ceremonioso mientras los motivos se van hilando a lo largo del camino. A lo largo del último tercio, los matices jazz-progresivos vuelven a entrar a tallar con miras a enriquecer la atmósfera general y armar unas vibraciones especialmente ágiles para sus últimas instancias: un final de álbum bastante efectivo, a fin de cuentas. En poco menos de 40 minutos, “El Primer Androide” nos ha mostrado con plena evidencia que TALOS es una entidad progresiva latinoamericana a la cual hay que prestar atención por mérito de su atractiva apuesta musical en nuestros tiempos. No es mitología, es una realidad concreta que existen en estas tierras centroamericanas muchas agradables sorpresas progresivas por descubrir y disfrutar.... Y TALOS es una de ellas. 

Muestras de “El Primer Androide”.-
Talos I: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/talos-i
Medea: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/medea

Una Larga Travesía A Casa: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/una-larga-traves-a-a-casa

* La historia detallada es como sigue: “El autómata disponía de una larga vena que bajaba del cuello a los tobillos, en su talón, un clavo de bronce aseguraba la vena en la cual circulaba el icor, la sangre de los dioses que le daba la vida.
Talos, cada día, daba tres vueltas a la isla, arrojando piedras y hundiendo a las naves enemigas que se acercaban; si esto no era suficiente, encendía su cuerpo metálico y abrasaba a los invasores con el calor insoportable de su bronce, aplastándolos contra su pecho al mismo tiempo que ardían.
Habiendo reclamado el vellocino de oro, Jasón y los argonautas se dirigieron a Creta en busca de agua fresca y suministros para continuar su largo retorno a casa. Medea, la poderosa bruja instruida en las artes mágicas por Circe, acompañaba a estos aventureros, principalmente porque estaba profundamente enamorada de Jasón. La susodicha Medea le acompañó durante su cometido durmiendo a la serpiente insomne y entregándole pociones y ungüentos mágicos.
Al acercarse a Creta, Jasón y los argonautas no pudieron desembarcar pues encontraron a Talos en la orilla. Medea, entonces, confundió a Talos con sus hechizos, y prometió hacerlo inmortal si a cambio se arrancaba el clavo de su talón. Engañado por la bruja, Talos derramó el icor de su cuerpo como estaño fundido rodeado de una lágrima y cayó muerto al suelo. Fue derrumbado el primer androide.”