El ecléctico puzle del maestro CLINT BAHR

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Llega un poco tarde pero, al fin y al cabo, llega esta humilde reseña sobre “Puzzlebox”, disco del taentoso multiinstrumentista y compositor estadounidense CLINT BAHR, el mismo que fue publicado por el sello MoonJune Records el último día del mes de marzo del pasado año 2022. La asociación de BAHR con el mencionado sello se inició en el año 2003 con la publicación del disco de TRIPOD, trío fundado por este músico. A lo largo de la selección de 12 temas que nos trae el disco que ahora reseñamos, BAHR se multiplica en los bajos de 4, 6, 8 y 12 cuerdas, el Chapman Stick, las guitarras acústica y eléctrica E-bow, el mellotrón, los pedales bajos Moog Taurus, la tambura, el baglama raz, la flauta de madera, el piano, el armonio, el Theremin, el canto y algunas percusiones. También cuenta con un colectivo de grandes nombres en la lista de músicos de apoyo: David Jackson (flautas y saxos), Mike Hough (batería), Jeff Schiller (saxos barítono y tenor, oboe y clarinete), David Cross (violines), Dan Parkington (sitar y violín), Dick Griffin (trombón), Billy Ficca (batería), Marilyn Crispell (piano), Colin Carter (canto) y Peter Banks (guitarra). O sea, tenemos a gente de VAN DER GRAAF GENERATOR, KING CRIMSON, FLASH (incluyendo a su difunto guitarrista fundador) y TELEVISION dentro del personal. El material recogido en “Puzzlebox” fue grabado y mezclado en los Pyramid Sound Recording Studios, a lo largo de varios años; la producción corrió a cargo de Todd Hemleb y el propio BAHR. Lo que encontramos aquí es un despliegue ecléctico de ideas enfocadas hacia el jazz vanguardista, el prog psicodélico la fusión contemporánea y el rock duro de claras connotaciones experimentales, pero mejor entremos en los detalles de este disco.

Da inicio al repertorio de “Puzzlebox” la miniatura ‘Tabula Rasa’, una exhibición de onírica expectativa marcada por frontales aires orientales manifestados en la interacción entre las cuerdas y las flautas. ‘New Design’ se explaya por un espacio de 5 ¾ minutos para gestar un ejercicio de rock sofisticado y ceremonioso que sabe dejarse llevar por su propio vigor interior en varios pasajes estratégicos. También hay inteligentes juegos de síncopas que emergen en los parajes más exaltados. Dentro de su bien delineado desarrollo temático, lo que suena aquí parece una cruza entre los STICK MEN y la DAVID CROSS BAND con algunas sazones extra sacadas del paradigma de VAN DER GRAF GENERATOR (fase 75-76). ‘Plate’, que dura más de 7 ¾ minutos, sigue a continuación para asentarse en un ejercicio de retazos de free jazz al piano y el saxo mientras el violín implementa traviesos coloridos fusionescos y la dupla rítmica asienta una base prog-psicodélica en clave contemporánea. Es como si los mundos de SUN RA y ORNETTE COLEMAN se hubiesen fundido en una luz que inunda imponentemente el laboratorio de MORAINE. Se trata de un cénit del álbum. ‘Shelter’ es una canción bastante amena que ostenta la energía extrovertida propia del rock clásico de los 70s mientras la traslada a un esquema de trabajo más sofisticado de lo habitual y le añade ciertos factores humorísticos a lo FRANK ZAPPA. La pieza más larga del álbum ocupa un espacio de 10 ¾ minutos y se titula ‘As Tympani Melt In The Greek Heat’. Su misión es la de trabajar con una refinada densidad dentro de un esquema de trabajo donde se cruzan el RIO a lo HENRY COW y el avant-jazz contemporáneo (DAVID TORN, FRED FRITH TRIO); esto se concreta en un impulso de oleadas y efluvios inescrutables que alimentan la susodicha densidad. El enfoque sonoro se centra en el realce de los liberales aportes del trombón, el saxo y el piano en medio de un jam proyectado hacia la continua creación de gentiles desafíos y motivadoras deconstrucciones. Otro momento bizarramente destacado del disco. En abierto contraste con el colorido posmodernista de la pieza precedente, ‘Fall From Grace’ se instala bajo una atmósfera crepuscular con un talante estilizadamente fiero. El medio tiempo de la ingeniería rítmica abre un generoso campo para que los guitarreos hagan relucir su filo, el cual se siente un tanto Zeppeliniano. El canto es airado con un cierto matiz poético: cortesía de Colin Carter.

A continuación viene una secuencia de tres breves instrumentales. ‘Belts & Braces’ instaura un regreso al discurso avant-jazz-progresivo y lo hace con una actitud más celebratoria que la que se concretó en el tema #5. ‘Triangles, Circles And Squares’ se orienta hacia un sesudo ahondamiento en la faceta más abstracta e inquieta del disco, algo que se perpetúa fehacientemente en ‘Oslo’. Este último tema incluye un seductor y misterioso soliloquio de Stephanie Feyne (también autora de la portada del disco). ‘Kicking The Wasp’s Nests’ es una canción bastante marchosa que coquetea abiertamente con las tradiciones del hard rock y el space-rock, a la vez que hace gala de su peculiar gancho. El solo de saxo que entra tallar a mitad de camino añade una aureola distinguida a la musculatura patente y contundente que signa a la canción. ‘Lifeguard In The Rain’ es todo lo contrario: una canción evocadora centrada en la conjunción de armonio y guitarra acústica a la hora de instaurar el motif central. Es como una exploración en el área del folk-rock con leves matices psicodélicos. Continuando por esta senda reflexiva y completando definitivamente el círculo trazado por el repertorio del álbum, ‘Tabula Rasa 2’ retoma la atmósfera onírica planteada por la pieza inicial y recibe ciertos matices cristalinos merced a las intervenciones del violín. Todo esto fue lo que el maestro CLINT BAHR y sus colaboradores nos brindaron con “Puzzlebox”, un disco rebosante de ecléctica creatividad que resultó ser una de las novedades más interesantes del pasado año 2022. Este debut solista de BAHR tomó varios años para completarse, pero esperamos que sus siguientes trabajos (o proyectos) no se hagan esperar tanto. Este puzle musical nos deja con ganas de más.  

Muestras de “Puzzlebox”.-
Plate: https://clint-bahr-moonjune.bandcamp.com/track/plate
As Tympani Melt In The Greek Heat: https://clint-bahr-moonjune.bandcamp.com/track/as-tympani-melt-in-the-greek-heat
Fall From Grace: https://clint-bahr-moonjune.bandcamp.com/track/fall-from-grace
Kicking The Wasp’s Nests: https://clint-bahr-moonjune.bandcamp.com/track/kicking-the-wasps-nests

La excelsa isla avant-jazz-progresiva del ensamble francés FREE HUMAN ZOO

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos la muy especial ocasión de presentar al grupo francés de música avant-jazz-progresiva FREE HUMAN ZOO y su álbum “The Mysterious Island”, una auténtica maravilla que se publicó el pasado 3 de febrero.* Haciendo un poco de historia, FREE HUMAN ZOO fue fundado es el año 2011 por dos amigos de infancia, Gilles Le Rest y Laurent Skoczek, siendo así que desde el año 2013 pudo comenzar a concretar sus ideas por primera vez con el EP “Aïki Dõ RéMy”, (publicado al año siguiente), el cual fue sucedido por los álbumes “Freedom, Now!” y “No Wind Tonight…” (de los años 2016 y 2019, respectivamente). Ahora, por vía del sello Odusseia, el grupo ha publicado “The Mysterios Island”. La alineación actual de FREE HUMAN ZOO consta de Le Rest [batería, glockenspiel, otras percusiones, canto y recitaciones], Skoczek [trombón y efectos], Béla Bluche [bajo y contrabajo], Alexis Delva [guitarras], Matthieu Metzger [saxofones alto y soprano] y Camille Petit [piano y teclados]. Ha habido colaboraciones vocales de parte de Stella Vander (sí, ella), Marie-Caroline Revranche y Marcus Linon (hijo de Stella y Francis Linon), además de Jocelyn Mienniel a las flautas. Resulta que este vínculo con Francis Linon y Stella Vander viene desde que el ensamble FREE HUMAN ZOO firmara un contrato de grabación con el sello EX-TEENSIONS Records (a su vez, subsidiaria del sello Seventh Records). Eso sí, el disco que ahora reseñamos fue publicado por el sello Odusseia. La impresionante arte gráfica de “The Mysterious Island” pasó por varias manos: Alphonse de Neuville, Édouard Riou, Jorge Molina, Charles Barbant y Jules Férat. A través del continuum conformado por las 14 piezas contenidas en este álbum, hay algunas que se destacan simbólicamente por estar dedicadas a alguien en particular: la #7 está dedicada a la memoria de Manu Dibango, saxofonista camerunés radicado en Francia y que fue una figura importante dentro de la escena jazzera europea; la #9 está dedicada al legendario Christopher Daevid Allen, el hombre de GONG; en fin, la antepenúltima está dedicada a Louis. Bueno, vayamos a los detalles del repertorio entero. 

‘Incipit’ es el prólogo de poco más de minuto y medio: ruidos de cálidas mareas en una playa sobre los cuales se explayan un breve monólogo, unas cautelosas líneas de piano y unas minimalistas notas de violoncello. A partir de aquí se expande la secuencia de ‘L’île Mystérieuse (L’Isola Misteriosa – Part 1)’, ‘L’île Mystérieuse (L’Isola Misteriosa – Part 2)’ y ‘L’île Mystérieuse (L’Isola Misteriosa – Part 3)’. La Parte 1 ostenta un aura ceremoniosa arropada por una sobriedad expresiva que se sitúa entre lo introspectivo y lo místico. Al inicio, la pieza prosigue por la línea contemplativa de la pieza inaugural, pero en una segunda instancia, el bloque instrumental entra a tallar para instaurar un ejercicio de jazz contemporáneo bajo un enfoque meticulosamente melódico. Estamos aquí en un terreno intermedio entre el paradigma de NUCLEUS y los WEATHER REPORT del primer álbum. Al llegar el turno de la Parte 2, las cosas se sofistican un poco más por vía de un tratamiento impresionista del discurso jazz-progresivo. El hermoso motivo central es ornamentado con mesurada majestuosidad y los cánticos muestran un calculado aumento de apasionamiento. De esta manera, cuando emerge la Parte 3, ese tentativo desborde halla su oportuna contraparte cuando el ensamble regresa a la dimensión introspectiva que prevaleció en la Parte 1 dentro de un retorno masivo al patrón del jazz-fusion de los 70s. Eso sí, hay unos instantes finales de tensión vocal que abren la puerta a ‘L’Essentielle Ascension’, tema que sustenta la primera expresión de vivaz luminosidad del álbum. El lado jazzero de MAGMA, las aventuras jazz-progresivas al estilo de los SOFT MACHINE de la fase 1971-73 y la prestancia de SUN RA se funden en una sola energía sónica en la amalgama grupal que tiene lugar aquí. Las enhebradas solturas de los vientos, la guitarra y la batería cuentan con la firmeza del ancla fabricada con las cadencias hermanadas del piano y del bajo. Cuando llega el turno de ‘La Splendeur Du Volcan’, esas mismas cadencias que llegaron a apoderarse del espacio central de la pieza anterior llegan a erigirse como un motif en sí mismo. El fulgor permanece imponente a través de su inacabable florecimiento... hasta que un sereno pasaje liderado por el piano deja que sus espacios vacíos siembre el terreno para el pronto arribo de ‘Les Vasques D’Eau Turquoise’, un tema signado por una encantadora gracilidad que guarda ciertos tintes Motown en su groove básico. Dicho sea de paso, hay un fabuloso solo de bajo a mitad de camino, y más adelante, un explosivo solo de saxofón que dirige un crescendo absorbente y contundente. 

La misión principal de ‘Premiers Craquements’ consiste en tomar la posta climática de ‘Les Vasques D’Eau Turquoise’ con un incandescente jam que, debido a su esencial musculatura, resulta idóneo para albergar un excelente solo de guitarra. Es como si los ESKATON del primer álbum y los MAGMA de la fase 74-76 se hubiesen hibridizado con toda la naturalidad del mundo. ‘Eruption’ perpetúa este dinamismo y lo eleva hacia un garbo progresivo notablemente incrementado. Aunque hay ciertas connotaciones amenazantes en el modo en que el piano y el bajo se engarzan en el empuje del cuerpo central de esta pieza, la vivacidad exuda una extraña y, a la vez, inocultable aureola festiva. ‘Ton Nom Est Personne’ marca el regreso de los arreglos vocales y lo hace de una forma masiva, ocupando ahora el centro neurálgico del esquema melódico de turno. La pieza ceremoniosamente exorcista que viene a continuación se titula ‘Les Mouettes De L’Île (I Gabbiani Dell’Isola)’ y está marcada por una majestuosidad progresiva que emana de su propia serenidad. Las florituras del piano hallan una adecuada complicidad en las de la batería mientras los vientos ornamentan el desarrollo temático con un mágico talante aristocrático. El centro coral es menos expansivo que en la pieza precedente, pero también resulta relevante para el paisaje sonoro integral. El conclusivo y minúsculo solo de batería es funcional a la siembra de las evocadoras vibraciones de ‘L’île Mystérieuse (L’Isola Misteriosa – Part 4)’, las cuales reposan mayormente sobre la labor del piano. ‘La Nef Des Hommes De L’Ombre (La Nave Dei Pirati)’ irrumpe con una bien perfilada autoridad, la cual exhibe un señorío tan puntilloso como delicado a la hora de apoyar el entramado de guitarra y vientos sobre un swing cuasi-marcial. Una orquestación catártica que llega al punto de lo tanático con el caos controlado del intermedio, antes de que el swing se remodele con un aire un tanto juguetón. Durando 8 minutos y segundos, ‘Excipit’ cierra el repertorio con una ambientación muy peculiar. La narrativa del soliloquio masculino y los sortilegios de los susurros y cantos femeninos se dejan llevar mientras los instrumentos actuantes gestan ornamentos y efectos que evocan un manto de arcana oscuridad que se ha ceñido sobre la playa que se había manifestado al inicio del álbum. Nada queda del relax del prólogo: ahora todo es inquietud ante algo que ha surgido y que no soltará nunca su mando sobre las cosas vivientes.

 

 

Toda esta fue la magnificencia de “The Mysterious Island”. la misma que brotó de las mentes y músculos del colectivo francés FREE HUMAN ZOO. Un excelso disco que brilla con luz propia dentro de la producción progresiva de los primeros meses del año 2023; es más, amenaza con erigirse en una de las obras cumbre del año entero. ¡¡Totalmente recomendable!!
 
 
Muestras de “The Mysterious Island”.-
L’Essentielle Acension: https://www.youtube.com/watch?v=JKv7eFKlUsw
Le Splendeur Du Volcan: https://www.youtube.com/watch?v=9HSn09TtnKc
Eruption: https://www.youtube.com/watch?v=RLNKUgoU8e4
Les Mouettes De L’Île (I Gabbiani Dell’Isola): https://www.youtube.com/watch?v=Z2vB4_Ai-F4

* Hubo una limitada edición previa disponible para suscriptores en diciembre del pasado año 2022. 

 

CDG PROJECT: nuevas visiones de omnipresencia prog-metalera

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Con un poco de retraso llega esta reseña sobre el más reciente trabajo del ensamble argentino de prog-metal CDG PROJECT, el cual está liderado por el teclista y compositor Cristian del Giorgio, y completado por el baterista Patricio Sozzi (coautor del material contenido en este álbum). El disco en cuestión se llama “Visions” y fue publicado a mediados de noviembre del pasado año 2022 por el sello mexicano Azafrán Media, contando con la ayuda del sello francés Musea Records para la distribución. CDG PROJECT es la continuación de lo que en su momento fue el grupo RETSAM SURIV, el cual gestó “Exégesys” y “Danger” en los años 2009 y 2014, respectivamente, dos estupendas muestras de prog-metal melódico y virtuoso. El debut del CDG PROJECT se dio en el año 2018 con “Ascension” y, ahora, “Visions” concreta una renovada expansión de la visión musical de Di Giorgio. Colaboradores ocasionales en este disco son los guitarristas Chowy Fernández y José Arenas. El material aquí contenido fue mezclado y masterizado por Yeff Marval en los K4 Media Studios de Argentina; por otro lado, el diseño gráfico estuvo a cargo de Martín Almada y Rafael Junior González. 

El repertorio de “Visions” comienza con ‘Destiny Forged’, un tema que impone toda su fuerza expresiva en un espacio de 6 ¾ minutos. Empezando con una orquestación masiva, el bloque sonoro pronto se sumerge en un esquema sofisticado signado por grooves ágiles que se alternan con parajes ceremoniosos. Mayormente, los primeros sirven para reforzar el engranaje grupal mientras que los segundos forjan espacios para contundentes solos de sintetizador. El solemne epílogo aporta un aura reflexiva al sólido desarrollo multitemático. Muy buen inicio de álbum en el que se nota un enraizamiento en el legado de los DREAM THEATER de 1994. ‘Transcendence’ sigue a continuación para asentarse en un ejercicio de incrementada capitalización del vigor rockero esencial del grupo. Así las cosas, la suntuosidad y la garra tienen que aumentar sus dosis de robusta expresividad, algo en lo que ayudan mucho los virtuosos solos de guitarra que emergen como contrapuntos de los solos de teclado cuya presencia es obligatoria. También se advierte la presencia de algunas cadencias jazz-rockeras en algunos lugares estratégicos del groove creado para la ocasión. ‘Natural Immunity’ se explaya por un tiempo de alrededor de 7 ½ minutos para dar un viraje de explícito señorío a la estrategia estilística del CDG PROJECT. Comenzando con una atmósfera serena que se apoya en una amalgama etérea de arpegios y capas de teclado, la pieza asienta las bases para un ulterior despliegue de exquisitez melódica. Una vez asentados los cimientos del nuevo viaje prog-metalero, el dúo se dispone a dar rienda a las influencias recibidas de lo DREAM THEATER del periodo 1999-2005. La sección final retoma la ambientación inicial con unos ornamentos extra de sintetizador. Se trata de un cénit del álbum. ‘Omnipresent’ tiene la misión de instaurar otro ejemplo de mágica e intensa incandescencia al más puro estilo del grupo. El enfoque sonoro se centra en los aspectos más solemnes de la pieza inaugural del álbum en síntesis con el contundente groove de la segunda.

 

‘Dromomaniac’ es posiblemente la pieza más aguerrida del álbum, una inagotable fuente de metrallas prog-metaleras que se instalan ágilmente sobre la razonablemente compleja ingeniería rítmica creada para la ocasión. La pieza homónima es la más extensa del álbum con sus casi 8 ¼ minutos de duración y, de paso, también es la encargada de darle el broche final. ‘Visions’, en lo esencial, recoge lo más vitalista de las expresiones de imponente ceremoniosidad de otros temas precedentes y lo traduce a un barroquismo sistemático bajo las coordenadas del prog-metal melódico. Si se quiere, se puede ver aquí la cruza perfecta entre el paradigma de Rick Wakeman y la faceta más señorial de Jordan Rudess. A través de su ostentosos fulgor, esta pieza de cierre se da maña para exhibir recursos evocadores, logrando así resaltar el talante preciosista de su ambiciosa arquitectura melódica. Es muy buena idea cerrar el repertorio con la pieza más progresivamente climática. En fin, “Visions” es una obra muy llamativa y muy efectiva a la hora de mostrar las particulares virtudes inherentes a la propuesta prog-metalera del CDG PROJECT. Sin alcanzar la frontera de los 40 minutos, este disco exhibe suficientes dosis de creatividad y energía expresiva como para ser considerado como un ítem muy valioso dentro de la actual escena rockera argentina. 
 
 

Muestras de “Visions”.-
Destiny Forged: https://www.youtube.com/watch?v=s8cnbVZufg0
Natural Immunity: https://www.youtube.com/watch?v=5bcXFZ0rzTc
Visions:  https://www.youtube.com/watch?v=pIB0-vvlseY

ALIANTE y las variaciones oblicuas de la música progresiva

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Con un poco de demora llega esta reseña sobre uno de los discos de música progresiva más interesantes que se hicieron en el pasado año 2022 en Italia: nos referimos al trabajo fonográfico del grupo ALIANTE que se titula “Destinazioni Oblique”, el cual fue publicado por el sello Mellow Records el último 24 de agosto. Este grupo se inició en 2017 como trío, pero actualmente consta del cuarteto de Davide Capitanio [guitarras eléctricas y acústicas, y efectos], Michele Lenzi [piano, sintetizadores, fagot, flauta y guitarra acústica], Alfonso Capasso [bajo y efectos] y Jacopo Giusti [baterías acústicas y electrónicas, percusiones y didgeridoo]. En el disco que ahora nos ocupa, el grupo contó con las colaboraciones ocasionales de Marianna Vuocolo al violín y de Serena Andreini a la narración. En las sesiones de grabación de “Destinazioni Oblique” que tuvieron lugar entre enero y mayo de 2022, Riccardo Andreini se hizo cargo de la ingeniería de sonido y la mezcla, mientras que el ulterior proceso de edición estuvo a cargo del propio bajista Alfonso Capasso. Otro integrante del grupo, Jacopo Giusti, se encargó de realizar la portada y el diseño gráfico. La línea de trabajo de ALIANTE se enfila hacia un prog sinfónico fuertemente melódico con amplios espacios para matices y atmósferas sutiles. Bueno, vayamos ahora a los detalles del repertorio de este disco.

El extenso repertorio de “Destinazione Oblique” comienza con ‘Il Mondo Di Fronte’, tema que dura casi 9 ½ minutos y que resulta ser el más largo del disco. Tras un breve y solemne preludio de piano, la banda se inserta a paso firme en un ejercicio de sinfonismo con ribetes modernos y una fuerte presencia de la guitarra eléctrica. Lo que suena está bastante emparentado con las bandas compatriotas UNREAL CITY y MALIBRAN, aunque con un filo rockero más controlado. Una mención especial debe ir para los fabulosos solos de sintetizador que surgen a mitad de camino. El epílogo es ceremonioso, arropado por una atmósfera ensoñadora que tiene cierta cercanía con el post-rock. Acto seguido llega el turno de ‘Frammenti Di Un Giorno’, un tema signado por un cordial candor melódico que se explaya en modismos propios del sinfonismo moderno mientras se asienta sobre grooves que oscilan entre lo moderadamente ágil y lo reposado. Todo fluye naturalmente a través de las llamativas vibraciones que emana de la ilación entre los diversos motivos. A lo largo de la tríada de ‘Home Trip’, el tema homónimo y ‘Cartimandua’, el grupo sigue explorando los diversos colores de su paleta sonora. El primero de estos temas mencionados elabora un ambiente atmosférico donde primero se da un entramado de delicados matices estilizados y luego se deriva hacia un fulgor contemplativo donde se fusionan la energía de PINK FLOYD y la fineza de CAMEL. La ingeniería sónica se beneficia mucho de los flotantes factores jazzeros que brinda el piano eléctrico. Tras un misterioso interludio gótico de órgano, la pieza se enfila hacia un motivo ágil para apuntalar su sección final. ‘Destinazioni Oblique’ es una pieza pastoral ambientada en una estación ferroviaria y acompañada por un soliloquio femenino. Hay ciertas sutilezas saltarinas en la guitarra acústica solista. ‘Cartimandua’ ahonda en esta línea pastoral para impulsar el potencial de expresividad introspectiva del grupo: ayuda mucho al respecto el talante evocador de las hermosas líneas de fagot. Ya más adelante, un interludio armado por etéreas capas de teclado permiten que el tenor reflexivo de la pieza adopte un aura más grácil merced a las tonalidades aportadas por el solo de guitarra (bastante Floydiano en espíritu), así como el viraje aligerado que se da a partir de la frontera del sexto minuto. De esta manera, la cristalina suavidad originaria de la pieza acoge renovadores matices signados por una sobria majestuosidad. Un cénit del disco.  

‘Coda Marea 04’ regresa de lleno al enfoque del sinfonismo moderno, trabajando con esquemas rítmicos razonablemente complejos y abriendo campo a la exhibición de algunos hermosos solos de sintetizador (a medio camino entre Bardens y Banks). Los elegantemente rotundos aportes del violín se sienten bastante relevantes a la hora de resaltar los pasajes más densos del desarrollo temático, dentro de los cuales se incluye un excelente solo de batería. Cuando llega el turno del lucimiento de la guitarra solista, el violín opera como un eficiente complemento, y así se completa otro momento culminante del álbum. Así las cosas, emerge ‘L’ultimo Riflesso’ para cumplir con la misión de instaurar un retorno a la faceta más introspectiva del grupo. Tras un misterioso prólogo ejecutado por el didgeridoo, el ensamble arma un muy sosegado paisaje sónico para que el susodicho instrumento sigue realizando unas tonalidades evocadoras. En la segunda mitad, la guitarra asume el rol protagónico y dirige un nuevo ejercicio de flotantes atmósferas Floydiano-Camelianas. ‘La Salita’ completa el zigzag con un regreso al dinamismo y a la refinada extroversión que antes disfrutamos en ‘Coda Marea 04’, y también regresan los electrizantes sonidos del sintetizador. Eso sí, las novedades son: 1) la batería impone un swing de tendencia jazz-rockera; 2) la guitarra asume un mayor protagonismo dentro del esquema global; 3) hay un intenso viraje psicodélico que permite a la banda experimentar con el space-rock hasta el punto de tornarse más aguerrida mientras se acerca el final. ‘Tra Cielo E Terra’ es otro cénit del repertorio que se caracteriza por explorar una ingeniosa cruza entre jazz-fusion y sinfonismo relajante con algunos elementos de psicodelia domesticada insertos en la ingeniería sónica con el propósito de añadir unos ciertos tonos densos al asunto. Hay, una vez más, un hermoso solo de sintetizador que le da un punche especial al entramado instrumental, un punche que se deja sentir incluso cuando ese solo ya ha terminado puesto que el sonido grupal adopta una musculatura incrementada en su última mitad. El final del disco llega de la mano de ‘I Pomeriggi Di Armida’, una pieza esencialmente focalizada en la faceta sinfónica del grupo. En su espacio de poco más de 8 minutos, realiza una inspirada labor de entramado de atmósferas Floydianas y meticulosamente armados esquemas melódicos al estilo del paradigma Cameliano. 

Recién hace poco tiempo que hemos descubierto a ALIANTE y ya nos sentimos bastante entusiasmados con lo que hemos escuchado aquí. “Destinazioni Oblique” es un disco hermoso con una muy cuidada hechura preciosista que sabe ser variada dentro de un enfilamiento progresivo muy cohesivo. Vale la pena seguir investigando en lo que la banda hizo antes de este disco y también vale la pena aguardar lo que este talentoso grupo tendrá a bien ofrecernos (ojalá) en el futuro próximo. Muy recomendable.  

Muestras de “Destinazioni Oblique”.-

Il Mondo Di Fronte: https://mellowlabelproductions.bandcamp.com/track/il-mondo-di-fronte

Cartimandua: https://www.youtube.com/watch?v=stiXXJdgF6Y

Coda Marea 04: https://mellowlabelproductions.bandcamp.com/track/coda-marea-04

Tra Cielo E Terra: https://mellowlabelproductions.bandcamp.com/track/tra-cielo-e-terra

La exhibición inaugural del grupo progresivo italiano CARAVAGGIO

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy es el turno de presentar al grupo italiano CARAVAGGIO y su homónimo disco debut, el cual data del 10 de junio del pasado año 2022. Este cuarteto conformado por Vittorio Ballerio [voz], Fabio Troiani [guitarras, mandolina, bouzouki y programaciones], Marco Melloni [bajo] y Alessi Del Ben [batería] tiene una propuesta progresiva marcada por un dinamismo emparentado con el hard rock, pero con suficiente diversidad cromática como para instalarse en la provincia del heavy prog. También hay un magnetismo melódico que, de alguna manera, se emparenta con lo que usualmente se llama neo-prog, pero el grupo no llega nunca a ingresar en este territorio. El esquema sonoro de CARAVAGGIO se enriquece con la participación de varios invitados: Antonio Zambrini (flauta), Nadio Marenco (acordeón), Mauro Poeda (acordeón), Carmine Turilli (acordeón), Massimo Mescia (piano) y Alex Sandro La Bua (percusión), y no solo eso, también las colaboraciones vocales de Guido Block, Simona Aileen, Erika Carretta y Courtney Swain (esta última, la frontwoman del excelente grupo estadounidense BENT KNEE). Todo el material contenido en el repertorio de “Caravaggio” fue compuesto por Troiani con excepción de la penúltima canción, que es una versión de uno de los temas más celebrados de la muy popular banda británica COLDPLAY. “Caravaggio” fue producido y mezclado por Fabio Troiani y Guido Block en Lo Studio de Milán, mientras que el proceso de masterización corrió a cargo de Roberto Romano en Os3 Mastering. Vayamos ahora a los detalles del repertorio contenido en este disco.

Ocupando un espacio de alrededor de 6 minutos, ‘Before My Eyes’ abre el repertorio comenzando con unos controladamente aguerridos golpes antes de que el cuerpo central brinde un bien afinado equilibrio entre el heavy prog y el folk-rock. Los riffs de guitarra eléctrica y las vibraciones del bouzouki se alternan con naturalidad mientras la dupla rítmica asienta los cimientos del variado desarrollo temático con impoluta precisión. El sigiloso intermedio incorpora matices grisáceos a una pieza que, en lo general, ostenta una aureola extrovertida. Sigue a continuación ‘Not On Me’, una canción más ágil que fluye a paso firme a través de una ingeniería rítmica razonablemente compleja. Aunque dura poco más de la mitad del tema de entrada, se nota que refuerza contundentemente las pautas generales de ésta con una frescura incrementada. La dupla de ‘Joyful Graveyard’ y ‘Guernica’ sirve para que el grupo siga expandiendo su voz propia. La primera es una semi-balada signada por un efluvio de cándida emotividad que se sitúa a medio camino entre los paradigmas de NOT A GOOD SIGN y ARENA. Con los aportes del acordeón y la mandolina que hayan espacios para atravesar el muro de los riffs guitarreros, la canción asume una aureola evocadora muy particular. En cuanto a ‘Guernica’, que con su duración de 8 minutos y pico es la pieza más extensa del disco, se trata de un muy inspirado ejercicio de fastuosos dinamismos progresivos a través de un swing constante. Todo comienza con una figura de guitarra acústica sobre un tempo de 3/4, el cual abre de a pocos la puerta a la emergencia del colectivo grupal con su ya típicamente estilizada musculatura. Los MARILLION de la etapa 1994-95 hubiesen estado muy orgullosos de haber compuesto una canción tan emotiva y envolvente como ésta. ‘Hailing The Leaders’ sirve para que el grupo vire hacia una atmósfera más propiamente rockera en una elegante alternancia entre pasajes marchosos y otros más contenidos. ‘Unlike Dolphins’ es la canción donde el ensamble echa mano de sus recursos más sofisticadamente progresivos para darles una proyección especialmente ambiciosa. Los recursos de sinfonismo de vieja escuela y heavy prog se amalgaman muy bien sobre una base rítmica que, en algunos pasajes, incluye grooves de tenor jazz-rockero. Tal vez tengamos aquí el cénit del álbum... pero todavía quedan varias canciones por disfrutar.

‘Pompeii’ es un instrumental que incluye arreglos corales. Su motif central comienza con cálidos colores basados en el folklore mediterráneo antes de transformarse en un ejercicio de arquitectura sinfónica con raigambre gótica. ‘Comfortable’ entra a tallar para reinstalar un ejercicio de sinfonismo meticulosamente melódico con una actitud razonablemente aguerrida y un manejo exquisito del medio tempo predominante en el esquema de trabajo. Los aires de familia con IL BACIO DELLA MEDUSA, NOT A GOOD SIGN y UNREAL CITY se hacen notar muy fuertemente mientras la atmósfera ceremoniosa que envuelve al desarrollo temático se va reforzando con el paso de los casi 5 ½ minutos que dura la canción. Los ornamentos que aporta el acordeón a los riffs de guitarra brindan a la canción un colorido especial; de paso, encontramos aquí uno de los solos de guitarra más robustos de todo el disco. ‘Fix You’ es, como dijimos en el primer párrafo, una versión de un tema de COLDPLAY. En manos del personal de CARAVAGGIO, esta canción se transforma en un blues-rock progresivo (relativamente próximo a los legendarios OSANNA) potenciado con algunos ligeros quiebres rítmicos armados a lo largo del camino. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘Life Watching’, canción de poco más de 6 minutos de duración cuyo enfoque central consiste en una inteligente combinación de aires pastorales y grooves fusionescos, siendo así que la flauta invitada ocupa una posición importante dentro del bloque instrumental. La canción tiene una espiritualidad que transita entre lo ensoñador y lo optimista a través de su dinamismo sobrio. Es la ingeniería rítmica quien se encarga de dar algo de astuta sofisticación al asunto; por su parte, un genial solo de guitarra que brota a mitad de camino se encarga de completar la musculatura latente de la canción para gestar una segunda mitad llamativamente intensa. El cénit final de este excelente disco. A fin de cuentas, los nombres del grupo CARAVAGGIO y del disco “Caravaggio” deben ser anotados en nuestras actas de exploración de lo mejor que está sucediendo en la escena progresiva italiana de nuestros tiempos. Este disco es una estupenda exhibición inaugural de la visión musical de CARAVAGGIO, a cuyas filas se ha incorporado recientemente el guitarrista-cantante Serhan Kazaz. 

Muestras de “Caravaggio”.-

Guernica: https://caravaggio1.bandcamp.com/track/guernica

Unlike Dolphins: https://caravaggio1.bandcamp.com/track/unlike-dolphins 

Life Watching: https://caravaggio1.bandcamp.com/track/life-watching

La afirmación avant-jazz-progresiva del ensamble belga BEAT LOVE ORACLE

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
En esta ocasión – una ocasión ligeramente tardía, debemos confesar – presentamos el tercer disco del ensamble belga BEAT LOVE ORACLE, el cual responde al título de “Turning The Table” y fue publicado el 7 de octubre del pasado año 2022, tanto en CD como en vinilo. El sello español áMARXE, especializado en difundir propuestas musicales vanguardistas en las áreas del rock progresivo, el jazz, el ambient y la electrónica, se hizo cargo de dicha publicación. Se trata de la tercera obra fonográfica de este grupo conformado por Frank Nuyts [marimba y sintetizador], Frank DeBruyne [saxos y sintetizador], Stijn Deldaele [bajo y canto] y Ronald Dhaene [batería y multipad]. La línea de trabajo de BEAT LOVE ORACLE se basa en un híbrido de avant-prog, jazz-rock y Canterbury, incluyéndose ciertos elementos del dadaísmo Zappiano al asunto. Con varios años de experiencia en el grupo HARDSCORE, Frank Nuyts formó en el año 2017 este colectivo que ya tiene a los discos “Who’s Counting?” (2020) y “Don’t Count On Us!” (2021) en su currículum: este último fue hecho en conjunción con los antes mencionados HARDSCORE. En el disco que ahora reseñamos, todas las composiciones son de Nuyts excepto un tema de autoría de Debruyne. El arte gráfica también es de Nuyts. Jeff Nuyttens se hizo cargo de la ingeniería de sonido, la producción y la masterización del material aquí recogido. A propósito, como dato curioso, el CD contiene 8 temas mientras que el vinilo solamente tiene 6 al omitir los temas #6 y #8 de aquél. Bueno, ya es hora de ver los detalles del repertorio contenido en “Turning The Table”.

‘There Are No Downbeats’ da inicio al repertorio con 5 ¾ minutos de vivaz grandeza musical con su despliegue de extrovertidos colores de saxofón y percusión tonal sobre un groove a medio tiempo, el mismo que permite que se dé una oportuna soltura a las intervenciones de la voz robótica. Mientras va progresando la pieza, el esquema sónico se torna un poco más denso y la dupla rítmica amplía la sofisticación de su labor.  Lo que suena aquí es una cruza perfecta entre los WEATHER REPORT de la fase 1971-74 y el FRANK ZAPPA de la fase 1972-75, con algunos toques añadidos de eso que se ha dado por llamarse nu-jazz. Luego sigue ‘Just Thumb Luck’, una exploración en recursos avant-progresivos sobre una base de jazz-rock vanguardista. El complejo desarrollo temático es manejado con solvente soltura y altiva energía, siendo así que el grupo deja que los tortuosos cromatismos vayan fluyendo con una gracilidad muy peculiar. Lo que sonó aquí fue una estupenda cruza entre CAMEMBERT y JAGA JAZZIST bajo la imponente sombra del primer disco de los legendarios HENRY COW. Con la dupla de ‘Too Early Bird!’ y ‘Don’t Bump Your Head’, el cuarteto sigue afinando su lucidez ecléctica valiéndose de su propio vigor creativo. El primero de estos temas mencionados se centra en una revitalización de varios de los aspectos más coloridos de la tradición del jazz-fusion con algunos elementos de Canterbury (al estilo de unos NUCLEUS o SOFT HEAD) añadidos para darle sólidas vibraciones progresivas al asunto. También hay una reactivación del factor Zappiano. En cuanto a ‘Don’t Bump Your Head’, el grupo se mete de lleno, bajo la guía del saxo, en los legados de JOHN COLTRANE, WAYNE SHORTER y KEITH JARRETT, fineza jazzera con un claro talante aventurero. Esto último se hace totalmente patente durante el aumento de intensidad expresiva que se da en la última sección de la pieza. La segunda mitad del disco comienza con su tema más corto, el cual se titula ‘Tadadada’ y no llega a completar los 3 ¼ minutos de duración. Con todo, este espacio es suficiente para hacer brillar su fulgor esencial. La agilidad permanente a través de la ilación de los diversos motivos  y la soltura virtuosa con la que la triangulación de batería, percusión tonal y bajo arma la ingeniería básica de la pieza garantizan que se desarrolle una rotunda algarabía jazz-progresiva. Un cénit definitivo del disco. 

‘Your Feet Make Me Sob’ va a contrapelo de la espiritualidad jovial de la pieza precedente al instaurar una atmósfera grisácea, aunque no realmente oscura, pues todavía se deja sentir un talante señorial y vivaz en medio de la calculada densidad con la que se desarrolla el cuerpo central. Aquí funciona una cruza entre los SOFT MACHINE del periodo 1972-73 y los WEATHER REPORT de 1975. Definitivamente, la batería concreta aquí mismo un momento de especial lucimiento dentro de un disco que, integralmente, le ha dado amplios y consistentes espacios para hacerlo. Los dos últimos temas del álbum son los más extensos del mismo con sus respectivas duraciones de casi 7 ¼ minutos y poco menos de 7 minutos. Comenzando con ‘Ready To Cross Against The Light?’, aquí se establece un aparato modernista para el despliegue de otra aventura jazz-progresiva que combina musculatura y refinamiento. El grupo se luce enormemente al transitar por los diversos grooves que acogen y encapsulan los variados motivos en curso; las transiciones entre los pasajes vivaces y los más contenidos ostentan una perfecta pulcritud estructural mientras el ensamble delinea vasos comunicantes con FORGAS BAND PHENOMENA, ZAPPA y sus ilustres compatriotas de THE WRONG OBJECT. Un cénit decisivo del disco, sin duda alguna. En fin, ‘Nothing Personal’ plasma una continuidad con la majestuosa y caleidoscópica extravagancia para elevarla hacia una renovadora musculatura y una agilidad un poco más llamativa. También hay un interludio etéreo relativamente breve que aporta una efectiva variedad al asunto. Es como si el paisaje sonoro realizado aquí trajera una síntesis entre las ópticas particulares de los temas #2, #5 y #7. Se trata de un cierre más que adecuado para un disco tan multicolor como éste. Todo esto fue “Turning The Table”, una gozada de álbum emergida de los cuarteles de este talentoso colectivo belga llamado BEAT LOVE ORACLE. Recién hemos descubierto a este grupo y, desde ya, recomendamos este disco al 400% (un ciento por cada integrante); también recomendamos explorar en su catálogo previo. 
 
 

Muestras de “Turning The Table”.-
Just Thumb Luck: https://amarxe.bandcamp.com/track/just-thumb-luck
Tadadada: https://amarxe.bandcamp.com/track/tadadada
Ready To Cross Against The Light?: https://amarxe.bandcamp.com/track/ready-to-cross-against-the-light

El tercer triunfo progresivo de los brasileños CARAVELA ESCARLATE

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Tenemos hoy el gran deleite de presentar el nuevo disco del grupo brasileño CARAVELA ESCARLATE, el cual simple y llanamente se titula “III”, pues es, efectivamente, su tercera obra fonográfica. El colectivo conformado por Jove David Paiva [bajo, guitarras y voz], Elcio Cáfaro [batería] y Ronaldo Rodrigues [teclados] se ha vuelto a lucir en este nuevo disco publicado el pasado 27 de enero (hace muy poco) tras dos discos previos que cimentaron su actual posición como una de las más grandes revelaciones de la nueva generación del rock progresivo de Brasil. El sello noruego Karisma Records publica este ítem en CD y vinilo: esta anécdota sola revela el alcance internacional que ha alcanzado este trío. Haciendo un poco de historia, CARAVELA ESCARLATE se originó en el año 2010 en Rio de Janeiro por las iniciativas conjuntas de Rodrigues y Paiva, quienes formaban parte de distintos grupos. Recién en el año siguiente pudieron concretar la idea de este grupo con el ingreso de Pires, siendo así que el año 2015 marcó un proceso de intensificación de los ensayos y, sobre todo, la grabación del primer disco “Rascunho”, publicado en 2016. Fue en el año siguiente que el trío llamó realmente la atención con la publicación de su segundo álbum, llamado como el grupo mismo: su propuesta de prog sinfónico fiel a las tradiciones europeas mientras traza algunas conexiones estilísticas con el retro-prog del nuevo milenio fue bien recibida en blogs y fanzines virtuales. Pues bien, “III” reafirma ese momentum con una nueva serie de composiciones efectivas y vibrantes que se llevan a cabo con gran solvencia performativa; veamos ahora los detalles de su repertorio.  

Con un esplendor frontal abre el disco el tema titulado ‘Bússola Do Tempo’, un esplendor que efectivamente se explaya con solvente expresionismo dentro de una cruza entre los GENESIS de 1976 y los PREMIATA FORNERIA MARCONI de 1974, añadiendo algunos grooves compactos al estilo de RARE BIRD, además de ciertos matices retro al modo de unos WOBBLER. Los llamativos desarrollos temáticos y el permanentemente ágil swing sobre los que éstos se asientan son bazas seguras para gestar esta apertura tan atractiva del álbum. El segundo tema del disco capitaliza la herencia sónica de la pieza de apertura y se titula ‘Castelos De Céu’. Su enfoque consiste en una estrategia doble de enfatizar el dinamismo preciosista sinfónico y añadir elementos jazz-rockeros a varios pasajes de la ingeniería rítmica en curso. Los ornamentos y solos de los teclados se sitúan a medio camino entre el refinamiento romántico de un Tony Banks y el barroquismo suntuoso de un Rick Wakeman. Por su parte, la batería da rienda suelta a una vitalidad sofisticada. Las reminiscencias de la leyenda compatriota SOM NOSSO DE CADA DIA son fáciles de advertir, así como algunos factores Yessianos de la etapa 71-72. En líneas generales, tenemos aquí un primer momento culminante del repertorio de “III”. Cuando llega el turno de ‘Sonhos Medievais’, pieza que dura poco menos de 8 minutos, el trío se proyecta hacia un incremento del señorío prog-sinfónico en torno al cual gira el eje estilístico de la banda. Aplicando tonalidades más fastuosas que en cualquiera de los dos temas precedentes y elaborando recursos moderadamente más filudos, el trío se siente cómodo volando como lo hace a lo largo del trayecto multitemático creado para la ocasión. Este trayecto crea un espacio intermedio entre los YES de 1972 y el filtro Emersoniano de los TRIUMVIRAT de 1974. ‘Mandala’ encarna un momento de espiritualidad contemplativa en base a la serenidad inherente a su estructura melódica. Los serenos fraseos del órgano y las inmensas capas del mellotrón se conjugan con impoluta fluidez; mientras tanto, algunas líneas del bajo realzan eficazmente las cadencias iniciadas por la batería. La breve coda entusiasta nos toma por sorpresa gratamente, es un simpático final para un tema particularmente estupendo. 

‘Cruz Da Ordem’ es la pieza más extensa del álbum con su espacio de 10 ¼ minutos. Unas ceremoniosas capas de mellotrón arman un prólogo que no tarda mucho en abrir el camino a un enérgico cuerpo temático que retoma las mismas influencias que se hicieron sentir en los temas #2 y #3. Un poco más adelante, el trío gesta un motif solemne al estilo de PINK FLOYD y ELOY, haciendo que la presencia dominante de los teclados le dé al bloque sonoro un talante etéreo. Alrededor de la frontera del séptimo minuto, el grupo regresa a su faceta enérgica con una dosis extra de musculatura en los sucesivos solos de sintetizador y órgano. El trío ha sacado muy buen provecho a su espacio de trabajo. ‘Ciclos’ se focaliza en la faceta más sosegada e introspectiva del grupo, aunque apelando a varios recursos de vigor sonoro reflejados ya en varios temas precedentes (especialmente, el inmediatamente anterior). La última pieza del repertorio es ‘Filtro Dos Sonhos’, la cual se centra en un nuevo ejercicio de mescolanza de los legados de YES, PFM y GENESIS, haciendo que las variadas alternancias entre los pasajes extrovertidos y los ceremoniosos se conecten con total naturalidad. Una vez más, resulta muy eficaz el bajo en esos parajes donde decide acicalar las claves melódicas y las armonías de los teclados. Es entre los minutos cuarto y sexto de este tema que Rodrigues gesta los más electrizantes solos de sintetizador de todo el álbum. Como balance final, declaramos a “III” como un estupendo triunfo musical del trío CARAVELA ESCARLATE, lo cual significa que está garantizado el refuerzo de su buen nombre dentro del actual escenario del rock progresivo sinfónico. Definitivamente, este grupo brasileño ha puesto en claro que dejó de ser una promesa para elevarse al status propio de los jóvenes veteranos. Otro gran álbum que nos ha dejado el primer mes del año 2023.

Muestras de “III”.-
Castelos De Céu: https://caravelaescarlate.bandcamp.com/track/castelos-do-c-u
Cruz Da Ordem: https://caravelaescarlate.bandcamp.com/track/cruz-da-ordem
Filtro Dos Sonhos: https://caravelaescarlate.bandcamp.com/track/filtro-dos-sonhos

Un nuevo cartel para la leyenda inmortal de MAGMA

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Llega un poco postergada pero llega, como debe ser, está humilde reseña sobre el más reciente lanzamiento fonográfico del legendario grupo francés MAGMA. “K​ã​rt​ëhl” es el título de este disco publicado por el sello Seventh Records el pasado año 2022, tanto en CD (30 de setiembre) como en vinilo (7 de octubre). La alineación de MAGMA para este disco está comandada, como es natural, por su líder fundador Christian Vander, maestro de la batería y la percusión, además del canto. El resto del grupo está conformado por Stella Vander [voz y coros], Hervé Aknin [voz y coros], Isabelle Feuillebois [coros], Sylvie Fisichella [coros], Caroline Indjein [coros], Laura Guarrato [coros], Rudy Blas [guitarra], Thierry Eliez [pianos acústico y eléctrico Fender Rhodes, y sintetizadores], Simon Goubert [pianos acústico y eléctrico Fender Rhodes, y sintetizadores] y Jimmy Top [bajo]. La propuesta Zeuhl de este grupo siempre ha sido idiosincrática y siempre se ha ceñido a sus propias reglas y pasiones para evolucionando o reciclándose con nuevas energías en cada ocasión. En el caso de “K​ã​rt​ëhl”, el enfoque sonoro de la banda se basa mucho en una retoma de la senda fusionesca plasmada a fines de los 70s en “Attahk” (1978), añadiéndose una sólida dosis de lirismo similar al que hallamos unos años atrás en “Félicité Thösz” (2012).Es muy pertinente que mencionemos a ese disco de 1978 porque en esa época, el vientista y cantante René Garber era integrante de la banda en aquel entonces, y dado que falleció en agosto de 2015, este nuevo álbum está dedicado a su memoria. Otro guiño al pasado de la banda es la actual presencia del bajista Jimmy Top, hijo de Jannick Top, quien tocó el bajo y el cello en varios discos esenciales del universo Koabïano de MAGMA. Las composiciones del repertorio de “K​ã​rt​ë​hl” están repartidas entre Vander, Aknin, Aliez y Goubert.  El disco fue grabado y mezclado en el Studio UNIW̄ERÏA ZEKT, mientras que la masterización se realizó en Greasy Records de la mano de Marcus Linon. Antes de pasar a la revisión del material contenido en “K​ã​rt​ë​hl”, permítasenos citar algunas de las últimas frases de la elegía que escribió Vander a Garber: “Siempre estuviste allí, cerca de mí, respirando energía, inspiración y espíritu para mí... Y para cada barra de la música de MAGMA. Y así como esta música, sé que siempre estarás ahí. Para la vida, la muerte y más allá... Estas notas – pasadas, presentes y futuras – son para ti.”

Ocupando un espacio de casi 7 ¼ minutos, ‘Hakëhn Deïs’ abre el disco a lo grande. La soltura vertida en el groove central desde el primer instante nos lleva por una senda de coloridos sobrios y gráciles que se articulan en torno a la triangulación entre batería, piano eléctrico y bajo. Este paisaje sonoro es el trasfondo perfecto para los celebratorios cánticos que continuamente emergen para concretar a cabalidad el fulgor celebratorio emanado desde el esquema melódico. Estamos muy lejos del fatalismo osado y bélico de la pentalogía inicial de la banda, este personal de MAGMA transmite himnos al gozo de vivir. Varias veces ocurre que las virguerías del bajo llenan espacios dejados por los arreglos corales. En el pasaje epilogar, se refleja una espiritualidad ceremoniosa con talante magnífico. A continuación, la dupla de ‘Do Rïn Ïlï Üss’ e ‘Irena Balladina’ se encarga de añadir mágicos matices a los recursos de sólido fulgor del optimismo predominante en el esquema sonoro grupal. El primero de estos temas mencionados comienza con tonalidades sobrias, pero muy pronto se enfila por una nueva expresión celebratoria, esta vez con un swing un poco más complejo que permite acentuar las titilaciones jazz-fusionescas que, por lo pronto, ya establecen una dirección bien definida para el ensamble. Es como si una idea original planeada para el primer álbum de ESKATON hubiese estado perdida y la gente de ZAO la hubiese recuperado y formulado para su tercer álbum para decidir volver a la fuente originaria de MAGMA. ‘Irena Balladina’, por su parte, ahonda en las tonalidades de jazz-fusion y se dedica a explorar paisajes etéreos y envolventes que, hasta cierto punto, se emparentan con el legado de los dos primeros álbumes de RETURN TO FOREVER. Aquí opera una resolución contemplativa tras las vivaces agudezas plasmadas en los dos temas precedentes. Así concluye la primera parte del álbum y, consecuentemente, llega el turno de ‘Walömëhnd Ëm Warreï’ para dar inicio a la segunda. Este cuarto tema del álbum cumple con la misión de hacer patentes los elementos de densa fastuosidad que, de alguna manera, operaron en el primer tema del álbum, y así remodelar el aura celebratoria con un talante más solemne. Superando el contraste entre lo luminoso y lo tenso, el matrimonio del bloque instrumental y el ensamble vocal funde esos dos factores en una sola fuerza expresiva, la misma que, en su estructuración dentro de una compleja ingeniería multitemática, elabora lo más exultante del presente álbum. La expectativa de catarsis permanentemente guía cada fuente de sonido. ¡Qué tema tan excelso! ¡Y aún quedan más! 
 

De muchas maneras, ‘Wiï Mëlëhn Tü’ – que es la pieza más extensa del repertorio con sus casi 9 minutos de duración – cumple con la misión de perpetuar las vibraciones señoriales del tema precedente, pero con un enfoque aún más fastuoso en la estructura compositiva, a la par que mantiene un pulso más cuidado en el despliegue de los recursos de energía expresiva cuando la ocasión lo amerita. Comenzando con dadaístas vocalizaciones que oscilan entre lo salvaje y lo jovial, no tarda mucho en instaurarse un primer cuerpo central donde ya predominan aires claroscuros. A mitad de camino, algunos juegos vocales viran hacia algo más fraternal y, de hecho, el groove armado por la dupla rítmica vira hacia un juego de vibraciones cordiales, las mismas que también se transmiten a la espiritualidad colectiva del ensamble vocal. Los ornamentos de la guitarra ayudan mucho en la compleción del colorido grupal, así como en el armado del clímax conclusivo. Pensamos que en esta secuencia de los temas #4 y #5 está el clímax decisivo del álbum, pero que conste que todavía queda el hermoso tema titulado ‘Dëhndë’ para cerrarlo como es debido. Esta canción está bien enfocada en el jazz-prog de talante funky, revelando patentemente su origen en la segunda mitad de los 70s. De hecho, si se quería culminar el disco con una actitud de contemplativa satisfacción, esta canción es el cierra perfecto. De todas maneras, tras el fin del repertorio oficial de este álbum nos llegan dos bonus tracks, los cuales son maquetas de ‘Hakëhn Deïs’ y ‘Dëhndë’: datando las dos del año 1978, en la segunda de ellas canta y toca el piano el homenajeado René Garber. Todo esto, a fin de cuentas, es lo que se nos brindó en “K​ã​rt​ë​hl” desde los cuarteles del legendario ensamble francés MAGMA, una entidad que desde hace muchísimos años puede presumir de tener un legado inmortal dentro del rock vanguardista de los dos últimos siglos, pero que todavía tiene nuevas obras que ofrecer al mundo. “K​ã​rt​ë​hl” es un discazo que mantiene vivo a MAGMA como un organismo creativo: totalmente recomendable.

 
     
Muestras de “K​ã​rt​ë​hl”.-
Hakëhn Deïs: https://seventhrecordsmagma.bandcamp.com/track/hak-hn-de-s
Wiï Mëlëhn Tü: https://www.youtube.com/watch?v=puRpuUNBQq4
Walömëhnd Ëm Warreï [en vivo en el Montreux Jazz Festival 2022]: https://www.youtube.com/watch?v=hESllwEqUGw

Inspecciones desde la visión prog-sinfónica de los italianos PHOENIX AGAIN

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy presentamos un poco (o más que un poco) tardíamente el disco de la banda progresiva italiana PHOENIX AGAIN titulado “Vision”, el mismo que fue publicado el 28 de agosto del pasado año 2022 a través del sello Ma.Ra.Cash Records. El sexteto conformado por Sergio Lorandi [guitarras eléctrica y acústica, y voz], Antonio Lorandi [bajos eléctrico y acústico, y voz], Silvano Silva [batería y percusión], Andrea Piccinelli [teclados y piano], Marco Lorandi [guitarras eléctrica y acústica, y voz] y Giorgio Lorandi [percusión] contó en esta ocasion con las ocasionales colaboraciones de Daris Trinca (glockenspiel), Annibale Molinari (corno), Lorenzo Poletti (trombón), Erika Marca (trompeta) y el ensamble coral de Giovanni Lorandi, Karin Pilipp, Simona Cecilia Vitali y Alessandra Lorandi. “Vision” fue grabado en el Phoenix Studio y allí mismo se encargó Emilio Rossi del proceso de mezcla. 
 

La pieza apropiadamente titulada ‘Ouverture’ abre el repertorio con su despliegue de estilizaciones melódicas que se asientan ágilmente en aires de familia con el señorío de IL CASTELLO DI ATLANTE, pero con una dosis extra de energía expresiva que parece surgir de una inusitada combinación del patrón de los YES de la etapa 71-72 y los dos primeros discos de FINISTERRE. Los aportes instrumentales se amalgaman dentro de una orquestación impecable. A partir de aquí emerge la pieza más extensa del álbum, ‘Moments Of Life’, la cual dura casi 10 ½ minutos. Desde el punto de partida se nota que el grupo quiere hacer una declaración de principios sobre el vigor y la intensidad hacia los que apuntan a lo largo del desarrollo temático, creando una sofisticada ilación entre los pasajes reposadamente líricos y los más suntuosamente extrovertidos. Esta pieza no pierde un ápice de su encanto inherente a través del largo espacio que ocupa. Hay varios acercamientos al paradigma prog-sinfónico común a GENESIS y CAMEL mientras los arreglos se encargan de brindar unas vibraciones modernas al bloque sonoro (especialmente en las atmósferas sintetizadas que recubren buena parte de las orquestaciones centrales de los teclados). En la sección final se da una interesante transición desde una breve tentativa de bosquejos pastorales hacia un despliegue de dramático dinamismo sinfónico que ostenta diversos esquemas rítmicos. Un cénit indudablemente fastuoso del álbum. ‘Triptych’ sigue a continuación para focalizarse fehacientemente en la faceta más aguerrida de la línea musical de la banda, lo cual permite a las guitarras eléctricas apoderarse de buena parte del centro protagónico con impacto decisivo en los armazones temáticos y los grooves. Esto obliga al solo de sintetizador que emerge en algún momento a exhibir vibraciones fieras en medio de su preciosismo sinfónico, no exento de matices jazz-rockeros. Otro cénit decisivo del disco. ‘Air’ permite al grupo ahondar en su ingenio lírico con un cálido ejercicio de musicalidades folk-progresivas que se deja ornamentar por ocasionales y sorpresivos interludios tenebrosos. Algunos fraseos de guitarra y armonías de piano reflejan una confraternidad perfecta. Al llegar el turno de ‘Psycho’, la banda se dispone a gestar una síntesis de las atmósferas de los temas #1 y #3 con una dosis aumentada de neurosis expresiva, lo cual incluye la presencia de uno de los mejores solos de sintetizador de todo el álbum. Una exhibición esplendorosamente arrolladora de sinfonismo moderno. 

 
‘La Fenice Alla Corte Del Re’ reitera el dinamismo señorial del primer tema del álbum con una ceremoniosidad más pronunciada. Algunas armonías extravagantes a lo GENTLE GIANT y la articulación de algunos grooves rítmicamente complejos aportan un vigor especial a un desarrollo temático que mayormente apuesta por un candor directo. Ciertas sutiles alusiones a los YES de 1971 y los EMERSON, LAKE & PALMER de 1972 nos revelan el talante retro que la banda invierte en la articulación de los arreglos de esta estupenda pieza. La dupla de ‘Propulsione’ y ‘Mamma RAI’ sirve para que el ensamble explore más colores de su paleta sonora. El primero de estos temas mencionados comienza con una apuesta por jugar con el estándar del neo-prog con un talante agresivo, casi al modo de lo que actualmente hace la gente de ARENA (o hasta hace poco hacían GALAHAD). El arreglo coral que entra a tallar más tarde (la única presencia vocal en todo el disco) reorienta el espíritu de la pieza hacia un recurso de fastuosidad muy apegado a la tradición de los 70s. En cuanto al segundo de ellos, sirve para que el ensamble se encauce inicialmente por un enfoque cinematográfico en base al protagonismo de los teclados, para luego virar hacia una ambientación céltica al modo de MIKE OLDFIELD. Ésta es la estructura general de los arreglos, los cuales culminan con una simpática cita de la sintonía de la RAI (como indica el título del tema mismo). La relativamente breve pieza ‘Threefour’ cierra el álbum. Tras un breve prólogo aleatorio, el grupo arma un cuerpo central de claro tenor pastoral a ritmo de vals, sustentándolo sobre un swing jazzero y ornamentándolo con unos también jazzeros fraseos cristalinos de parte de la guitarra eléctrica. Como dato curioso, este tema de cierre tiene el mismo título que el álbum debut de la banda, el cual data del año 2011. Como balance final, “Vision” es el testimonio verídico de la reforzada visión prog-sinfónica de PHOENIX AGAIN a lo largo de una trayectoria consistente que, desde hace varios años, ocupa un lugar privilegiado dentro de la vertiente prog-sinfónica de Italia.
 
 
Muestras de “Vision”.-
Moments Of Life: https://phoenixagain.bandcamp.com/track/moments-of-life
Triptych: https://phoenixagain.bandcamp.com/track/triptych
La Fenice Alla Corte Del Re: https://phoenixagain.bandcamp.com/track/la-fenice-alla-corte-del-re