CAMEMBERT, un ataque frontal de egregios sonidos progresivos

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy traigo a colación a CAMEMBERT, ensamble progresivo francés fundado en los primeros años del nuevo milenio en la bella localidad alsaciana de Estrasburgo. A pesar de las primeras alusiones Gongianas que nos pueden venir a la mente en base a su solo nombre, este ensamble no se dedica a hacer una reconstrucción del Canterbury cósmico que Allen, Hillage & co. patentaron en los 70s: más bien, la línea de trabajo de CAMEMBERT se enfila por una traviesamente cálida confluencia de jazz-prog, ZAPPA, RIO, fusión y psicodelia domesticada, generando así una hermandad estilística con bandas como JAGA-JAZZIST, YUGEN y CUCCI-BAND. Incluso algunos músicos de CAMEMBERT han colaborado en el disco de SKE “1000 Autunni”. Tras grabar un EP en 2009 titulado “Clacosmique”, la banda nos brinda en 2011 su primer CD de larga duración titulado “Schnörgl Attahk”, por vía del sello AltrOck Records. La formación del grupo consiste de: Bertrand Eber (trompeta, didgeridoo, cencerro, voces, silbato), Guillaume Gravelin (arpa), Fabrice Toussaint (trombón, Xybraphone, congas, tam-tam, triángulo, percusión), Julien Travelleti: (trombón bajo, tuba), Vincent Sexauer (guitarra), Philémon Walter (batería) y Pierre Wawrzyniak (bajo, guitarra acústica, voces).

El disco abre con una aureola expectativa iniciada por un minuto y medio de atmósferas psicodélicas free-form (‘Infinicheese’) y medio minuto de solemne crescendo minimalista (‘Clacos Zero’), siendo así que el tercer tema, ‘Untung Untungan 2.0’ es el primero que realmente instala una arquitectura musical propiamente dicha. En esta pieza nos topamos con más de 11 minutos de delicia sónica donde la misteriosa calidez del jazz vanguardista y la compleja artesanía del chamber-rock se funden en una única amalgama orquestal donde los motivos y bases armónicas son bellos y retadores en dimensiones equitativas. Algunos trazos de Latin-jazz por aquí y otros trazos de RIO ensoñador (a lo ISILDUR’S BANE) por allí, además de cierto trucos Zappianos y una excursión en cadencias de corte reggae cerca del final, permiten a la pieza mantener una vitalidad cohesiva y uniforme a través de sus diversas secciones. La presencia del invitado Francesco Zago (líder de YUGEN y colaborador de SKE) aporta una prestancia especial al ya de por sí nutrido ensamble musical. Los siguientes 10 ¼ minutos están ocupados por la dupla de ‘Clacos 1: Notre Mere À Tous’ y ‘El Ruotuav Ed Sram’. El primero es un preludio que, a partir de los mimos golpes de bajo que impulsaron ‘Caclos Zero’, desarrolla una iniciación serena y lírica, más que idónea para orientarnos hacia la emergencia del segundo tema. Éste tiene mucho en común con el jazz-prog vanguardista meticulosamente colorido de unos JAGA-JAZZIST en confluencia con la faceta más extrovertida de YUGEN. El pasaje final porta una atmósfera grisácea, casi amenazante, pero para nada rompiendo con la magia que ha venido predominando desde el instante inicial. Luego sigue otra dupla, conformada esta vez por ‘Clacos 2: Die Experimente Von Dr. Frankenschnoergl’ y ‘Le Meurtrier Volant’. Esta vez nos encontramos con un preludio denso y con un tema extenso que empieza enfilado hacia ambientes sombríos, tal vez hasta tétricos en un nivel sutil. Ya en su segunda mitad, el tema desarrolla un tenor focalizado en atmósferas un poco más relajantes, aunque sin abandonar lo sombrío del todo, y de hecho, hay un cierto halo de tensión en la sección final.

Los últimos 17 minutos y pico del álbum están ocupados por el concepto de ‘La Danse Du Chameau’, el cual consta de cinco secciones musicales cuya ilación redondea perfectamente la visión artística de la banda. ‘Batifolade’ comienza con un clima reminiscente de un ritual tribal africano antes de reorientarse hacia áreas de Latin-jazz psicodélico en 5/4. ‘Soif!’ ofrece un breve momento de intenso caos, mantenido en un nivel de elegancia, al modo de un puente hacia las vibraciones extrovertidas de ‘La Tempete De Sable’, las cuales revelan un colorido más grácil que ‘La Danse Du Chameau’. La pauta predominante también es el 5/4, pero la relajada sección final está en 6/8, una sección apoyada en un lirismo flotante. ‘Reveries Lubriques’ es un nuevo puente de libertad expresiva traducida a caos que estimula la expectativa precedente a ‘The Final Run’, pieza que regresa en su primera sección al asunto de la fusión en 5/4, antes de que las dos siguientes secciones nos trasladan hacia sucesivas plasmaciones de complejos matices de inspiración tropical y traviesos trucos Zappianos. La reinante extravagancia no oculta la aureola de lúdica extroversión que la banda ha venido desarrollando con ingenio, dinamismo y buen humor.

Tenemos, entonces, en “Schnörgl Attahk” un muestrario de música progresiva excitantemente colorida en base a un juego muy dinámico y revitalizador con varias de las coordenadas más osadas del género. CAMEMBERT se revela como una fuerza creativa muy a tener en cuenta de aquí en adelante: la egregia magia de sus ataques sónicos habla por sí misma.

AKT - la continua vitalidad del rock progresivo italiano

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En esta ocasión hablaremos de un grupo italiano formado en la localidad italiana de Boloña en
1998: AKT. Se trata de una de las más brillantes sorpresas de la escena progresiva mediterránea de los últimos años. El grupo tenía estructuras alternadas de cuarteto y de quinteto en sus primeros años, pero finalmente la alineación estable se redujo a Simone Negrini (guitarras, banjo, percusión, corno bovino y voz), Marco Brucale (batería, teclados, percusión, percutarra y voz) y Alessandro Malandra (bajos, contrabajo, iPhone, ocarina y voz). Al grupo le gusta poner al servicio de los melómanos internautas su música a través de su página web (con dirección en http://www.abstrakt.it/): según ellos, “la música debe darse a conocer, expandirse, comunicarse, ser de acceso gratuito, abierto y compartido a fin de que pueda manejarse y editarse como si fuese un descubrimiento”. Después de que el trío lograra registrar su álbum debut “Déntrokirtòs” en 2007, ahora en 2011 tenemos de su parte a “Blemmebeya”, una joya peculiar dentro de la música progresiva sinfónica que se está cocinando continuamente en el nuevo milenio en Italia.

‘Prima Della Fine’ es un preludio narrado sobre una base de percusiones y efectos sintetizados, siendo así que la narración consiste en una reflexión ceremoniosamente crítica sobre varios clichés de la sociedad moderna y las instituciones políticas del estándar del estado-nación. De este modo, se abre el camino para la instauración de ‘L’Assalto’, una pieza de casi diez minutos de duración. Su primera sección resulta una imponente obertura instrumental, típicamente sinfónica de orientación retro, afín a los legados de LE ORME, LOCANDA DELLE FATE y YES, con algunos toques modernos que nos hacen recordar a sus coterráneos de LABIRINTO DI SPECCHI, IL CASTELLO DI ATLANTE y NODO GORDIANO. Ya al asentarse las secciones cantadas, el desarrollo melódico se hace más lírico, aunque aún manteniendo buena parte del vigor inicial, y de hecho, la retoma de uno de los motivos iniciales para la coda permite a la banda cerrar solventemente el círculo de la composición. ‘TG Egeo’ es la pieza que sigue a continuación, apelando a mayores dosis de robustez y a un manejo más complejo de la arquitectura rítmica, mientras se mantiene el colorido lírico: un poco menos de LABIRINTO DI SPECCHI, un poco más de LA MASCHERA DI CERA. Las cadencias jazzeras diseñadas por la batería ayudan enormemente a preservar el vigor acrecentado, mientras que el desarrollo temático incluye algunos matices arabescos y algunas atonalidades propias de los estándares Crimsonianos. ‘Favonio’ se forma en base al núcleo de una balada acústica, con tintes pastorales, cuyo desarrollo final incluye la presencia de capas de teclado y destellos de mellotrón, logrando así potencializar una sofisticación incrementada al asunto. Acto seguido llega ‘Stati D’Animo Uniti’, una canción totalmente distinta, bastante extravagante en su diversidad estructural. El motivo central de la pieza se enraíza en una combinación de psicodelia electrónica y atmósferas reflexivas de tendencia post-rockera (y con tufillos Crimsonianos), mientras que los puentes instrumentales abren campo para la emergencia de aires fusionescos a lo bossa nova, y allí es cuando la guitarra acústica asume un peculiar protagonismo. También hay un fabuloso solo de guitarra a lo HOLDSWORTH que se hace notar mientras la banda se esmera en seguir explorando cadencias jazzeras para el pasaje final. Hasta aquí, tenemos una primera mitad del álbum donde el ensamble de AKT exhibe su paleta sonora con mágico encanto e inteligente precisión; desde ‘Di Vento’ en adelante, el ambiente general se focalizará en paisajes introspectivos donde el alma contempla su propio atardecer en camino hacia la oscura nocturnidad.

‘Di Vento’ es la canción más extensa del álbum, con sus 10 ¾ minutos de duración. Tiene un carácter innegablemente épico, pues el grupo se explaya en algunos de sus máximos niveles de expresividad: la composición en sí misma no iguala los niveles de sofisticación y prolijidad que eran tan patentes en las canciones segunda y tercera, pero la consistente magnificencia que ilumina sus sucesivos motivos bien definidos hace que la canción resulte imponente. Pasando de pasajes psicodélicos marcados por una moderada densidad hacia otros más reposados de carácter ensoñador, la canción concluye con una grandilocuente letanía sinfónica donde se destaca una guitarra solista rebosante de lirismo y temperamento. ‘Mani Aperte’ se retrotrae hacia climas más intimistas, con preferente presencia de las guitarras acústicas y el banjo dentro de un esquema sonoro donde conviven el sinfonismo pastoral (PFM, CELESTE) y aires folclóricos arabescos bajo un filtro fusionesco. La pieza es sofisticada a su manera, desarrollándose a través de sofisticadas variantes rítmicas y una delicadamente equilibrada armazón entre percusiones, guitarras y teclados. ‘Zeitgeist’ se enfila por el camino de la etno-psicodelia con aires space-rockeros, manejados éstos con la suavidad que amerita el talante controlado de la base compositiva del tema. Finalmente, ‘La Fine’ cierra el álbum aportando algunos ecos de la psicodelia etéreamente domesticada de la canción precedente y recogiendo algunas dosis de la melancolía ceremoniosa vertida en la sección epilogar de ‘Di Vento’: de este modo, el disco termina con una aureola misteriosa y sombría, aunque no con una oscuridad espiritual chocante o inquieta, sino más bien con una sensación de ensimismamiento en el propio solipsismo, un ahondamiento hacia rincones del alma cuya esencia escapa a la racionalización, una dormición cuyos vuelos oníricos son imposibles de explicar.

Poniendo en perspectiva la experiencia de “Blemmebeya”, hacemos un balance muy positivo de
lo que los Sres. Brucale, Negreti y Malandra aportan a la vigencia del underground progresivo de su país, así como a nivel mundial. ¡Se recomienda urgentemente seguir la pista de AKT!

Muestras de “Blemmebeya”.-

Di Vento: http://www.youtube.com/watch?v=Xl-cxVsZidM
La Fine: http://www.youtube.com/watch?v=iMQKHEymgIo

SUR OCULTO, masa sonora en su tercera erupción jazz-progresiva

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Para el día de hoy nos complacemos en exponer nuestras opiniones del reciente tercer disco del trío instrumental argentino SUR OCULTO, opiniones muy entusiastas en verdad, y ciertamente tiene mucho sentido de debido al gran disfrute que nos ha supuesto degustar y repasar “Sur Oculto”. Originario de Córdoba, SUR OCULTO explota su propio vigor esencial para crear moles sonoras y murallas musicales donde los propios ecos de sus ideas potencializan la cifra del trío
hasta el punto de parecer una orquesta de jazz-rock de 3 por 3 músicos. Tres power-tríos en uno, o un power-trío que se expone a su propio cuadrado desde que empieza a tocar hasta que termina: que el lector escoja el símil aritmético que mejor le plazca. Y hablamos de este grupo resaltando su dinámica contundente y su robustez expresiva porque en su homónimo tercer disco, editado y presentado públicamente en el último mes de agosto queda perfectamente retratado el ser esencial de la banda. Es un disco definitorio en el sentido más determinante de la palabra, es una obra crucial para la proyección y crecimiento de Sur Oculto como unidad de creación artística. En este enlace http://redaccion351.com/cultura/%E2%80%9Csur-oculto%E2%80%9D-o-zeitgeber-del-caos-sonoro/ aparece una entrevista al trío donde se repasa meticulosamente el repertorio del álbum: queda como referencia principal para entender los conceptos y sensaciones que inspiraron a la banda desde una mirada a sí misma, y ahora pasamos a plasmar nuestra propia óptica sobre la experiencia de “Sur Oculto”.

Con ‘El Eterno Regreso Al Caos’ el trío da inicio al disco enfilando todas sus baterías sónicas en pos de generar un incendio cósmico, a partir de llamaradas inapelables amalgamadas en imposibles arquitecturas rítmicas. La armazón que integra las interacciones de los tres músicos es tan impecable como contundente, hilando los diversos motifs y tempos con magistral pulcritud. Las cosas no se suavizan para nada con la siguiente pieza ‘Elefante’, y de hecho, se puede decir que el fragor psicodélico incrementa su poder incendiario por vía de la articulación de ambientes más sombríos: la energía de unos PLANET X y el embrujo oscurantista del chamber-rock galo se combinan bajo una aureola Crimsoniana. ‘Perro Nervioso’, con sus casi 8 minutos de duración, permite al grupo ahondar en sus exploraciones rítmicas bajo un tenor marcadamente abstracto, llevando las pautas del kraut electrónico y el bass’n’drums al área del avant-jazz: el ritmo es el núcleo de la base compositiva de esta pieza, siendo así que los espectrales ornamentos del sintetizador aportan bizarros recursos de expresividad cósmica. Tras dos muestras de abierta tensión y otra de tensión un poco más contenida, ‘Zeitgeber I’ ofrece un poco de descanso a través de un giro un tanto intimista hacia elementos de nu-jazz con recursos dub: el swing es contagioso, sin duda, pero la atmósfera reinante es inescrutable, lo cual hace que la banda se siga concentrando en la misión de motivar perturbación en los oyentes.

‘Campastrom’ retorna campante y flagrantemente al imperio de la tensión que se había plasmado tan magistralmente en los dos primeros temas, esta vez con un realce de las pulsaciones gestadas por la batería, mientras que el bajo luce líneas sofisticadas desde su foco protagónico y el teclado transita solventemente por serenos juegos de escalas y densos ornamentos neuróticos. La momentánea emergencia de un interludio caótico ayuda a completar el cuadro sonoro de la pieza antes de que se empiece a armar su pasaje final. La tensión de marca registrada SUR OCULTO en una manifestación tremendamente épica. ‘Infradiano’ es una breve excursión Crimsoniana en ambientes lánguidos que antecede al vigor elegante de ‘Yuxtaposición’, pieza signada por una grácil combinación de nu-jazz y psicodelia etérea donde las cosas empiezan de una forma bastante contenida y terminan con un espíritu marchoso, muy a lo funk, como una remodelación cuasi-electrónica del WEATHER REPORT pre-Pastorius. ‘Circadiano’ es un solo de batería donde González explora cadencias y texturas de su instrumento con afilada intuición, generando matices y jugando con los vacíos calmados en vez de exhibir la mera solvencia técnica (solvencia que él tiene a raudales… ¡por supuesto!).

‘B’ nos devuelve al ensamble en pleno, focalizado en la tensión electrizante y el diestro manejo de las variantes de ambientes: al respecto, cabe notar que el abierto contraste entre los pasajes energéticos y los reposados está manejado con suprema elegancia. La sección final se alimenta de los retazos cósmicos que se habían estado enraizando en los pasajes reposados de manera sostenida… algo en cierto modo afín al PINK FLOYD de la etapa “Ummagumma”. ‘Zeitgeber II’ explora un swing más intenso que el del primer ‘Zeitgeber’, y aún así, no se siente tan imponente: el asunto es que la labor de los teclados se sitúa en una posición sutil, las extravagancias del bajo se mantienen lateralmente conectados con la batería, siendo este último el instrumento que realmente asume el rol protagónico – incluso hay un solo bien armado de su parte en algún momento. En ‘8124 Liverpool’, la banda vuelve a exhibir un ensamblaje más equilibrado, operando así como una maquinaria robusta… como siempre lo hace, en realidad… Per opara evitar los perogrullos,  hay que enfatizar que esta vez la presencia destacada del piano le da un acento particularmente lírico al despliegue del motivo principal, no faltando espacios para abrir complejos vericuetos y ornamentos densos diseñados para tomar de sorpresa al oyente. Los últimos 15 minutos y pico del álbum están ocupados por ‘Zeitgeber III’, tema que resulta, de lejos, la más extensa composición registrada por el trío hasta la fecha. Los primeros siete minutos están marcados por una cadencia ceremoniosamente flotante como la del primer ‘Zeitgeber’, pero a partir de allí la atmósfera se enrarece por vía de la inmersión en climas psicodélicos y un swing más sofisticado de parte de la dupla rítmica. Esto sucede de forma sigilosa, por lo que se puede decir que recién alrededor de la frontera del décimo minuto se produce el verdadero clímax de la pieza. a partir de ahí, el ensamble se pone a improvisar algunos trucos (florituras de bajo, ligeras modificaciones en timbres y golpes, algún ejercicio casual de constricción) para mantener el momentum de una manera envolvente. Los efectos finales del sintetizador completan la idea apropiadamente.

“Sur Oculto” es, a fin de cuentas, el álbum más idiosincrático de este combo de Pablo González, Fabricio Morás y Sebastián Teves. SUR OCULTO ya está instalado como nombre heroico de la escena musical de su localidad, y ya va siendo hora que su renombre genere ecos dentro del ámbito internauta de aficionados a la música progresiva y afines. Ciertamente, este registro confirma con creces las palabras de elogio que la banda ha ido cosechando para cada uno de sus disco, especialmente el que reseñamos ahora. Se trata de una obra muy extensa, pero para nada abrumadora ni cansina, sino vitalista de manera consistente: este volcán tripartito argentino sigue generando lava de música excelente y explosiva. ¡¡Recomendado!!

Muestras de “Sur Oculto”.-
El Eterno Regreso Al Caos: http://soundcloud.com/sur-oculto/el-eterno-regreso-al-caos
Zeitgeber III: http://soundcloud.com/sur-oculto/zeitgeber-iii
Elefante (en vivo en el programa Música Urbana): http://www.youtube.com/watch?v=csorqIBOH78

ARENAL - degustación de un delicioso brindis progresivo chileno

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Hoy traemos a colación a la novel banda chilena ARENAL, cuarteto instrumental de Valparaíso dedicado a crear música progresiva enmarcada dentro de una confluencia entre el sinfonismo estándar y el jazz-rock, con ciertos elementos matizados de prog-metal y psicodelia insertados en la mezcla para darle una robustez peculiar al sonido global. Su aporte a la escena progresiva del presente año 2011 es “Cabernet Sauvignon”, su segundo registro fonográfico. El grupo se fundó a fines del milenio pasado, y fue en 2003 que logró publicar su primer disco “A Tres Cuadras Del Mar”. Tras un par de cambios en su formación y una larga temporada de 8 años, el grupo logra concretar su segundo álbum. La formación que graba este disco es: Daniel Nanjari (teclados), Sandro Fernández (guitarras), Matías Iturra (bajo) y Raúl Vallejos (batería). Como invitado ocasional está el trompetista Jorge Lobos. A despecho de lo que se pueda intuir a través de su espaciada producción fonográfica, Arenal ha desarrollado diferentes presentaciones y se ha involucrado en proyectos como el homenaje a CONGRESO y el tributo a VIOLETA PARRA organizado por el Consejo de la Cultura. El grupo define su sonido bajo influencias polivalentes que provienen de la tradición progresiva sinfónica (YES, CAMEL, UK), el jazz-prog (COLOSSEUM II) y estándares contemporáneos de retro-prog y jazz-rock prog-metalizado (KARMACANIC, PLANET X, LTE). Podemos advertir confluencias estilísticas con otras bandas sudamericanas de reciente presencia en el imaginario progresivo como PRISMA-X, MATRAZ, RETSAM SURIV y URANIAN. Las responsabilidades autorales están repartidas entre Nanjari y Fernández.

Con el exquisito ruido de un vino vertiéndose sobre una copa se abre la puerta a ‘Ditirambo’, tema que expresa una sensibilidad lírica bien armada, sostenida alternadamente por una muscularidad contundente y un swing sofisticado, además de un interesante interludio lento dispuesto para crear una suerte de expectativa. La complejidad es evidente pero no arrolladora, pues la banda se focaliza inteligentemente en los armados melódicos de cada pieza en cuestión. ‘Sueños De Una Canción’ porta una ambientación más flotante, con un mayor protagonismo del teclado, el cual alterna preciosismos sinfónicos Wakemanianos y coloridos cálidos a lo Camel a la hora de dirigir el desarrollo temático y las cadencias rítmicas de la pieza. Para ‘Viaje A La Otra Costa’, el grupo retoma la polenta fastuosa que se impuso en el primer tema y lo traslada por senderos de magnificencia contemplativa, ocasionalmente complementados con robustos interludios extrovertidos: la coda es exitosa a la hora de aportar un cierre épico al asunto. ‘Soliloquium’ es una pieza diseñada para el lucimiento de las guitarras acústica y eléctrica: se trata efectivamente de un elegante soliloquio arropado bajo cósmicas capas de teclado. Tras este ejercicio de exploraciones introspectivas, llega la secuencia de ‘Vientos De Vino y Cueca’ y ‘Vitis Vinífera’ para devolvernos los colores del mundo: el primero de estos temas organiza su estructura rítmica en torno a la cueca, pero escapando a los estándares habituales de la fusión mediante la aportación de una dinámica sinfónica en su arreglos decisivo; el segundo, por su parte, retoma la fastuosidad de los temas 1ro y 3ro con una bien armada soltura. ‘Vendimia’ tiene un lirismo que nos puede hacer recordar a ‘Sueños De Una Canción’, pero esta vez es la guitarra acústica quien define el desarrollo de la base melódica y armónica de la composición. Poco antes de llegar a la barrera del cuarto minuto, se intensifica un poco la atmósfera por un momento con el fin de armar un interludio en camino hacia el reprise final del primer motivo. El último tema, que es el que precisamente da título al disco, es una pieza de piano solo, cargada de aires criollos y con algunos tufillos Wakemanianos por allí: un cierre intimista tras todo el despliegue de colorido que ha dominado la mayor parte del repertorio del disco.

En un espacio menor de 40 minutos, ARENAL ha logrado plasmar un sólido repertorio donde enmarcar su propia apuesta progresiva, una apuesta que cuenta con suficientes dosis de vigor y musicalidad como para suponer una genuina vía de revitalización para el rock progresivo de nuestros días. Con “Cabernet Sauvignon”, disfurtamos de un brindis musical de una cosecha progresiva no tiene pierde.

Muestras de “Cabernet Sauvignon”.-
Sueños De Una Canción (en vivo): http://www.youtube.com/watch?v=y6rmgzgQmJk
Vientos De Vino y Cueca: http://www.youtube.com/watch?v=tLcYSgpe_ws

GO-NEKO! - explosiones psicodélicas para un mundo de mutantes y malvados

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Hoy es nuestro turno de hablar sobre GO-NEKO!, ensamble argentino de rock experimental
formado a inicios de 2004 y con una visión muy clara de cómo desarrollar una sonoridad potente al servicio de su visión rebelde sobre la sociedad contemporánea. Su más reciente lanzamiento es “Los Malos De Verdad”, su tercera placa tras su EP debut (de 2006) y su primer larga duración “Una Especie De Mutante” (de 2008). La banda ya ha instalado su propio posicionamiento firme
dentro de la vanguardia bonaerense de los últimos años. El ensamble es en sí es un quinteto formado por Hermano Pipe (teclados y sintetizadores), Mariano Neko (bajo), Tom (batería y armónica), Manu (guitarras) y El Peta (guitarras): cualquier otro nombre que aparezca en los créditos de sus discos como supuesto miembro de la banda es en realidad un personaje de una historieta que forma parte del imaginario político-artístico de GO-NEKO! (más detalles sobre este parnaso de figuras heroicas de la rebelión urbana y la contracultura en el sitio web del
grupo - http://www.goneko.com.ar/nuevoindex.html). La naturaleza esencialmente extrovertida de la visión musical de GO-NEKO! es tan patente como combativa, tal como se advierte en los apocalípticos mensajes (dramáticos dentro de un contexto de abierta sátira social) que se insertan en muchísimos pasajes de los diversos vuelos instrumentales encapsulados en el repertorio: es como si el grupo tuviera como misión principal el poner banda sonora al terrible y
autodestructivo mundo que nos rodea, victimizado por las políticas de dominación transnacional, instrumentalización del poder político y globalización macro-económica que emergen de sus propios sueños de progreso.

“Una Especie De Mutante” se inicia con ‘Go-Kraut!’, un vibrante jam a lo NEU!-con-SONIC YOUTH, siguiendo a continuación con la aventura Hawkwindiana ‘Mike Ontry’, basada en la confluencia de la densidad lisérgica de “In Search Of Space” y las proyecciones más rústicas de “Hawkwind”. ‘Hum-On’ abandona el frenesí en nombre de una espiritualidad lánguida e introspectiva, afín a los matices usuales del post-rock estandarizado. La sucesión de ‘Go-Perros!’ y ‘Go!’ prosigue por esta línea de trabajo, alimentándola con una luminosidad más extrovertida: el primero de estos temas celebra la euforia del alma prácticamente desde sus primeras pulsaciones, mientras que el segundo lo hace de una manera más calculada y ambiciosa, sacando buen provecho de su espacio de 8 minutos y poco más. ‘Primates’ aligera al inicio un poco las cosas con una colorida exhibición de dinamismo en base a una excitante amalgama de no-wave y
post-punk, pero teniendo en cuenta que siempre está presente una sólida envoltura de electrificaciones fielmente space-rockeras, no es de extrañar que éstas se vayan imponiendo hasta redefinir la estructura del jam en curso durante su crucial segunda mitad. ‘Los Niños Beta’ se retrotrae hacia senderos más reflexivos en base a la utilización de un jam a medio tiempo donde el post-punk melódico y el stoner se asocian en una amalgama sonora cuya calidez no oculta para nada el despliegue de vigor rockero que tiene lugar: ‘Berberechos’, por su parte, enfila más concienzudamente su bloque sonoro en los recovecos reflexivos del post-rock, logrando así crear un envolvente clima meditabundo en torno al oyente. En fin, “Una Especie De Mutante” se cierra con ‘Sub-Comandante Brown’, una magnética síntesis de la psicodelia espacial y las atmósferas post-rockeras que han venido constituyendo los referentes prioritarios del sonido grupal.

Dos años después del mapeo musical que se trazó en “Una Especie De Mutante”, se develó un segundo disco más muscular y mejor robustecido: “Los Malos De Verdad”. Este ítem nos muestra a un GO-NEKO! totalmente afianzado en su propia evolución natural. Los primeros 7 minutos de este disco están ocupados por ‘8th Man’, pieza que comienza con una breve introducción de envolventes capas de sintetizador e hipnóticas líneas de armónica, hasta que los arpegios de las guitarras duales y los medidos ornamentos del bajo anuncian, lenta pero sostenidamente, lo que habrá de ser un explícito ejercicio de psicodelia motorizada al modo de un homenaje simultáneo al HAWKWIND de “Doremi Fasol Latido” y el NEU! de los dos primeros discos. ‘La Máquina Fantasma’ es un opresivo puente electrizantemente tenso, basado en una frenética pulsación rítmica, que lleva hacia la engañosa languidez cósmica de ‘Ask Matusa What To Do!’, pieza que elabora un ágil punto de confluencia entre la parsimonia atmosférica del post-rock y la inquietante densidad del krautrock guitarrero a lo ASH RA TEMPEL, además de la visceralidad intensa del no-wave. La secuencia de ‘No Tengo Otra Alternativa’ y ‘La Gran Marcha’ tiene la misión de seguir adelante con las pautas sonoras en curso, siendo así que el primero de estos temas establece una fluida mezcla de NEU! y el ENO del “Warm Jets”, mientras que el segundo se enfila más abiertamente hacia la tradición space-rockera de inspiración GONG-Hillageana, poniendo más énfasis en atmósferas sutiles evidentemente, aunque sin desvanecer del todo la polenta rockera propiamente esencial del grupo. El momento de ‘Fuego En El Campamento’ y ’14 De Junio’ es uno de retoma frontal del imperio de las cadencias pulsátiles, comenzando con la dinámica motorick de ‘Fuego’ y terminando con el incendiario entusiasmo Hawkwindiano del segundo: así pues, el grupo vuelve a explorar su faceta de colorida extroversión antes de que ‘Esto Es Guerra’ reinstale y recicle la estrategia del post-rock muscular con ornamentos space-rockeros. Este recurso ya había funcionado muy bien en la primera mitad de ‘Ask Matusa What To Do!’… solo que esta vez el grupo se concentra en cadencias contenidas, como focalizando su reflexión musical en la aureola de terror e incertidumbre que implica la imagen de una amenaza bélica clara y directa. Es aquí que cobra sentido la irrupción de psicodelia frenética y vibrante de la canción homónima: ‘Los Malos De Verdad’ es una fabulosa fantasía de psicodelia stoner a la vieja usanza, aunque no exenta de una genuina vitalidad muy actual. Engarzado con este tema, ‘Los Camaradas De Brown’ funciona como un epílogo monumentalmente robusto, una capitalización letal, y a la vez sublime, de lo que significa la psicodelia pesada. ‘Hago Mal En Mirar A Los Muertos’, por su parte, retoma la bipolar lógica del post-rock Hawkwindizado de ‘Ask Matusa What To Do!’, siendo así que ‘Salen Kombis’ se aferra firmemente al estándar de HAWKWIND. En fin, ‘Tumba Ranchos’ ocupa los últimos casi 7 minutos del álbum con el desarrollo de climas opresivos y densos en medio de efectos de alarmas, códigos Morse y arengas radiofónicas: la forma de la estructura instrumental ya es bastante reconocible – kraut muscular y space-rock machacante con algunos ligeros matices post-rockeros en ciertos breves interludios, todo ello organizado en un camino hacia las explosiones finales.

A fin de cuentas, la dupla de “Una Especie De Mutante” y “Los Malos De Verdad” resulta un testimonio decisivo de una de las vertientes más voraces de la vanguardia rockera argentina de nuestros días. GO-NEKO! es una banda que cuenta con suficientes dosis de músculo y talento para recoger los esquemas y matices más agresivos de diversas tradiciones de la psicodelia de vieja usanza y rock experimental para revitalizarlas en su propia propuesta sonora. De hecho, su propuesta musical establece una solución de continuidad y coherencia frente a las concepciones contraculturales y postmodernas que le sirven de inspiración.


Muestras de “Una Especie De Mutante”.-
Mike Ontry: http://www.youtube.com/watch?v=4p-eeuoIy24
Go-Perros!: http://www.youtube.com/watch?v=c05b_t7oRJA
Los Niños Beta: http://www.myspace.com/goneko/music/songs/los-ninos-beta-17180022


Muestras de “Los Malos De Verdad”.-
8th Man: http://www.youtube.com/watch?v=wQNXGoY8QlQ
La Gran Marcha: http://www.myspace.com/goneko/music/songs/05-la-gran-marcha-mp3-76823124
14 De Junio: http://www.youtube.com/watch?v=ToexKl7DXBQ

DISCIPLINE - el acuerdo predispuesto para un retorno a lo grande

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Es un enorme gusto para mí traer a colación a la banda estadounidense DISCIPLINE, combo progresivo liderado por el “Mimo Ácido” Matthew Parmenter, y no precisamente para hacer una retrospectiva de su corta pero relevante discografía 90era… ¡sino para comentar su nuevo álbum “To Shatter All Accord”! Pero primero echemos una concisa mirada hacia la esfera estadounidense del revival prog del os 90s: mientras que en el país de Jimi Hendrix y Edward Hopper las propuestas neo-prog y vanguardistas al estilo RIO eran las que predominaban, DISCIPLINE exponía una línea de trabajo muy peculiar, forjada a través de una ecléctica mezcla de retro, psicodelia y neo, siendo así que el grupo no se formó en la segunda mitad de los 80s como un grupo progresivo per se, sino que “se progresivizó” en el camino. Aunque su legado
fonográfico no fue precisamente abundante, la huella que sus dos discos de estudio “Push & Profit” y “Unfolded Like Staircase”, así como sus actuaciones en vivo dejaron en la memoria colectiva progresiva de la década final del pasado milenio. Emergiendo de sus cenizas con este disco “To Shatter All Accord”, 15 años después de “Unfolded Like Staircase”, el grupo retoma su trayectoria trunca con la misma formación de cuarteto que había grabado el susodicho segundo álbum: Matthew Parmenter (voz, teclados, saxo y violín), Jon Preston Bouda (guitarras), Matthew Kennedy (bajo) y Paul Dzendzel (batería y percusión). “To Shatter All Accord” incluye dentro de su nuevo repertorio tres canciones que el grupo tocaba en sus primeros años, incluso cuando aún era un quinteto. Ahora, canciones como ‘Circuitry’ y ‘When The Walls Are Down’, verdaderas marañas de música angustiada y espectáculo teatral desgarrador tal como parecen en el DVD “Live”, cuentan con sus debidas versiones definitivas de estudio. Vayamos ahora detallando las virtudes del repertorio con mayor detenimiento.

‘Circuitry’ abre el disco con fuerza de carácter, abriendo vías de robustez y pesadez en base al estupendo armado sónico de parte de los riffs guitarreros y el swing engañosamente lánguido de la dupla rítmica. Cuando el piano ocupa el eje central sobre un motivo en 3/4, la solemnidad cede paso a una reflexividad sombría afín a la que encontramos en áreas tan diversas como las de AREKNAMÉS, VERSUS X y WHITE WILLOW, por ejemplo, indirectamente referentes al estándar de VAN DER GRAAF GENERATOR. La idea musical cierra su propio círculo con un retorno al primer motivo, preparando así el terreno para la emergencia del siguiente tema, ‘When The Walls Are Down’, la cual impone su particular presencia desde esa bella dupla de piano y saxo que surge antes de que desaparezca la nota final de órgano del tema precedente. La muralla sónica conclusiva es brutal, al modo de un GNIDROLOG-con-VDGG-con-KC pre-“Islands”. Esta pieza capitaliza y dinamiza la intensidad ominosa ya reinante, dándole un poco más de colorido al asunto mientras explora nuevas profundidades de ansiedad y densidad con una expresividad fehacientemente oscura y abrumadoramente imponente. Tras experimentar poco menos de 14 minutos de neurosis sónica en permanente clímax, ‘Dead City’ expone una ambientación más ágil en clave de 11/8, generando una sonoridad un tanto afín al space-rock mientras establece lazos de familia con el neo-prog estándar. De todas maneras, que conste que este aligeramiento de la atmósfera musical no supone recurrir a un vuelo lisérgico autocomplaciente ni a un reciclamiento “simplificado” del modelo sinfónico: pos el contrario, se nota un trabajo muy meticuloso en la elaboración melódica de la pieza en cuestión, y de hecho, los últimos pasajes se enfilan hacia un ejercicio psicodélico caótico que vuelve a traer a colación la densidad emocional que se había impuesto sólidamente en los dos primeros temas. Ya tenemos aquí 19 minutos de ingenioso colorido progresivo donde DISCIPLINE da amplias muestras de una vitalidad
refrescante, ningún indicio hay de modorra o desubicación tras el largo periodo de letargo que experimentó.

Todavía quedan 37 minutos y pico de nueva música de Matthew Parmente y co., y dicho lapso de tiempo está ocupado por dos temas. Con todo lo lánguido que resulta su primer motivo central, ‘When She Dreams She Dreams In Color’ porta un tono amenazador desde el mismo ingreso del piano y el canto, al modo de un punto intermedio entre el VDGG de “Goldbluff” y el ROBERT WYATT de “Rock Bottom”. La cadencia jazzera aportada por la batería le da una dinámica eficaz al tenor sombrío marcado por el expresivo canto de Parmenter; hay un permanente aire de expectativa ante algún sobresalto que pudiese motivarse sobre el camino, un aire oportunamente realzado por las líneas de violín que hacen acto de presencia en algún momento. A poco de superada la barrera del cuarto minuto, el ambiente explota momentáneamente, dando rienda suelta por un rato a la tensión emocional que hasta entonces se había preservado contenida. Aunque esto solo ocurre por un breve momento, la huella de inquietud queda firmemente signada en el ambiente para anunciar el pronto arribo de un nuevo motivo, uno parsimoniosamente tétrico que oscila entre el retro escandinavo de corte Anekdoteniano temprano y la faceta sutil de PRESENT, además del tufillo Crimsoniano que siempre resulta útil a la hora de expresar oscuridad emocional por vía de un esquema musical adusto y recurrente. En el transcurso del afianzamiento de este motivo se impone un hermoso solo de violín que parece manifestar una mezcla de temor y nostalgia, muy afín al estilo de David Cross. ‘Rogue’ es la maratón conclusiva del álbum. Comenzando con un hermoso preludio semi-barroco de guitarra acústica, el primer cuerpo central se instala con un motivo (alternando 7/8 y 4/4) empujado por una espiritualidad cautelosa que se empareja evidentemente con la del primer tema, incluso acentuando los matices VDGraffianos con notoria dedicación. Poco antes de llegar a la barrera del quinto minuto, otro cuerpo central nos transporta a una dimensión un poco más melancólica, aunque siempre embebida por ese desasosiego esencial tanto a la imaginación compositiva como a la teatralidad vocal de Parmenter: el momento en que todo se pone más explícitamente denso permite a ese desasosiego saltar al frente y revolcarse sobre sí mismo. ¿Rezagos de la suite ‘Canto IV’ del álbum “Unfolded Like Staircase”?... probablemente. De ahí surge una secuencia de dos motivos cacofónicos que articulan la tensión reinante de una forma más mecánica, pero lejos de enfriar la situación, lo que se logra es enfatizar la locura y darle un pulso más contundente a las inquietudes psicológicas que nunca dejan de manifestarse. El canto exacerbado de Parmenter añade aguerridos retazos espectrales a la robusta arquitectura sónica elaborada por la magnífica amalgama de guitarra, órgano, bajo y batería (sí, hay que escuchar con atenció nesta sección para asegurarse de que es un canto humano, no un saxo o un violín, ese sonido bizarro que emerge como un fantasma atormentado). La tormenta en curso se mantiene de forma sostenida, motivando un clímax de oscuridad emocional que es tan atemorizante como apasionante, al modo de un canto de sirena que se sabe letal pero al cual uno no desearía resistirse. Una vez pasada la tormenta, llega la calma del náufrago superviviente: sobre una lenta cadencia en 3/4, el motivo final se inicia con una actitud serena, al modo de un sopesamiento de la idea de haber sobrevivido a una hecatombe, terminando con un envolvente solo de guitarra y una coda dominada por etéreas capas de mellotrón, en base a la progresión de acordes que se había marcado en el preludio de guitarra acústica.

Con este nuevo disco, DISCIPLINE confirma grandiosamente la justicia de ocupar un sitial tan privilegiado en el imaginario progresivo de los últimos 20 años: “To Shatter All Accord” es un grandilocuente manifiesto de rock artístico donde la robustez y la contundencia imponen su
presencia de forma arrolladoramente magnética.

Muestras de “To Shatter All Accord”.-
When The Walls Are Down: http://www.youtube.com/watch?v=n6U76Q3zdvA (de un concierto de 1995, cuando la banda era aún un quinteto)
Rogue: http://www.youtube.com/watch?v=qLGKFA8lzho

MANOS ALA DELTA y sus sonidos planeadores en el éter progresivo argentino

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

MANOS ALA DELTA, la banda que traemos hoy a colación, es indudablemente, una de las más talentosas e intensas que forman parte del presente rockero vanguardista rockero de Argentina: su disco debut “Salida Cristal”, editado por Apóstrofe y distribuido por varios sellos de su país (entre ellos, Viajero Inmóvil), es una muestra palpable del peso musical que este trío aporta a la misión de generar ingenio aventurero dentro del discurso del rock. La banda se formó en 2007 bajo la iniciativa del baterista Pablo D’Andrea, quien funge también como principal compositor del material de la banda. Grabado entre los años 2010 y 2011, “Salida Cristal” refleja un poderoso híbrido progresivo alimentado de fuertes dosis de psicodelia, rock duro, space-rock y jazz-rock, meticulosamente ordenado en su complejidad y, a la vez, sustentado en un dinamismo vorazmente muscular donde el trío saca jugo a su propia energía esencial de manera increíble. La presencia de colaboradores a los teclados y vientos ayuda, cómo no, a capitalizar el colorido que brota de las ideas musicales en curso: los teclados de Luciano Alonso ayudan muchísimo en la compleción de las atmósferas centrales de varias piezas, y las incorporaciones de saxo y trompeta resultan importantes a la hora de envigorizar un esquema sónico determinado. Bueno, vayamos ahora a los detalles del repertorio en sí.

El tema homónimo abre el disco con climas cósmicos bien asentados sobre los cuales se despliega un ejercicio de rock llamativo, basado en cadencias funky-rockeras matizadas con cierto carácter dinámico Gongiano. Durante los últimos dos minutos, el grupo explora recursos de complejidad a partir de la firmemente pautada estructura rítmica, algo que nos prepara en cierta manera para el estupendo despliegue de sofisticación netamente progresiva de ‘Manos Ala Delta’, una estupenda pieza que muestra esa capacidad del grupo de hibridizar la magia lisérgica de la psicodelia y el dinamismo contundente del jazz-rock, con un guitarrista que exhibe tonalidades Beck-Holdsworthianas y texturas Hillagescas a través de los diversos motivos que se van hilando, y un teclista de apoyo que hace un aporte crucial al esquema de la pieza. Los tarareos del baterista sirven para dar algo de humor a la justa solemnidad instrumental. ‘Estar Delina’ desarrolla una aureola cibernética que se siente emparentada con el estándar de OZRIC TENTACLES (incluso hay una flauta mágicamente intrusiva que nos motiva esta referencia), aunque la cadencia abiertamente fusionesca explorada por la dupla rítmica hace que la sonoridad global de la pieza tenga más puntos de confluencia con HYDRIA SPACEFOLK. El envolvente atractivo de esta pieza hace que su espacio de 4 minutos y pico se sienta un poco corto, pero bueno, así está editado el tema. En los dos siguientes temas, ‘Río De Risas Y Cuentos’ y ‘Robóticos’, el grupo se explaya a su gusto en sus inquietudes jazzeras, generando climas contundentes sobre una sólida base fusionesca, al modo de un puente entre el swing del WEATHER REPORT de la etapa Pastorius con las propuestas más contemporáneas de unos TRIBAL TECH o unos PLANET X. así, el trío converge con bandas compatriotas como TÓRAX y ALTRUISMOS, o con el ensamble chileno PRISMA-X. En el primero de estos temas, el tecladista invitado vuelve a imponer su presencia, mientras que en el segundo es el saxofonista invitado quien establece un efectivo co-gobierno con el guitarrista.

‘Santa Conlara’ permite al grupo regresar a su misión de instalarse en una encrucijada de space-rock y jazz-rock: el lirismo juguetón de la base melódica permite al ensamble darle un toque ligero a una idea latentemente densa. ‘Pequeño Animal’ regresa frontalmente al swing de ‘Río De Risas Y Cuentos’ y ‘Robóticos’, incluso aplicando un filo más agresivo al esquema sonoro. De este modo, el terreno está preparado para ‘Beberé Las Gotas De Sal’, pieza a cargo de establecer un punto intermedio entre las dos piezas inmediatamente precedentes, añadiendo una sofisticada intensidad que se advierte heredada de ‘Manos Ala Delta’. La sección final, típicamente psicodélica, establece un momento de estilizada excitación rockera en camino hacia el fade-out. Sorpresivamente, y a la vez placenteramente, ‘Descompresiones’ concluye el disco con una aureola contemplativa, explícitamente arropada bajo un abrigo sonoro extraído de la psicodelia retro, al modo de una cruza entre Invisible y el último Almendra, todo un tributo a la vieja escuela del art-rock argentino. La sección cantada cuenta con suficientes variaciones como para mantener el colorido rockero en un nivel interesante… y de hecho, podría haber durado más el vuelo instrumental que finalmente termina en un fade-out quizá demasiado repentino (además de una coda abstracta basada en pinceladas cósmicas de guitarra). Pero bueno, se trata de un momento de descompresión para la despedida, así que se puede decir que el retrato sónico de la idea de la canción ha quedado pertinentemente acabado.

En conclusión, MANOS ALA DELTA se revela claramente como una presencia importante dentro de la oleada de nuevas voces musicales que han venido emergiendo dentro de la vanguardia progresiva argentina de los últimos años: “Salida Cristal” es un estupendo álbum debut que justifica que sigamos muy de cerca la pista de esta banda con el firme deseo de que siga sosteniendo una sólida y larga carrera a lo largo del futuro cercano.


Muestras de “Salida Cristal”.-
Manos Ala Delta: http://www.myspace.com/manosaladelta/music/songs/manos-ala-delta-82266594
Río De Risas Y Cuentos: http://www.myspace.com/manosaladelta/music/songs/rio-de-risas-y-cuentos-82267523
Pequeño Animal: http://www.myspace.com/manosaladelta/music/songs/peque-o-animal-82266199

ORQUESTA METAFÍSICA - movimientos y sinergias de la avanzada argentina

HOLA AMIGOS DE AUTOPOETICAN, LES SALUDA CCCÉSAR INCA.

Hoy es el turno de ORQUESTA METAFÍSICA, un genial ensamble argentino de chamber-rock cuya trayectoria se inició a principios del año 2009, bajo la iniciativa del virtuoso y energético
pianista-guitarrista Sebastián Volco y del no menos virtuoso bajista-contrabajista-Stickista Sebastián Rosenfeldt. Las afinidades en cuanto a diversificados intereses por la música académica postmoderna, el rock in opposition, el progresivo de vanguardia y el jazz de avanzada hicieron que resultara totalmente natural que el proyecto de estos dos Sebastianes (que incluye a un tercer Sebastián a la batería) se encaminara hacia a titánica labor de hacer chamber-rock en Argentina, una propuesta que incluye influencias Zappianas y fusionescas. “7 Movimientos” es el título del disco debut de esta orquesta que lleva la misión de hacer música progresiva hacia dimensiones realmente metafísicas: una obra genial y contundente. Para ello, el grupo de base se completó con Fabián Araya (saxo, flauta y trompeta), Pablo Gignoli (bandoneón) y Mariano Malaumd (viola). También tiene presencia destacada una numerosa pléyade de colaboradores a los vientos, la percusión tonal y el canto. Se garantiza, así, la persistencia de una sonoridad plena a través del repertorio.

‘Esclavos’ abre el disco con un tenor tétrico desarrollado con una estupenda mezcla de tremendismo y excitación, muy a lo UNIVER ZERO con toques de SHUB-NIGGURATH… incluyendo un embrujador canto soprano en contrapunto con una recurrente voz cadavérica. Además, emerge un exquisito toque tanguero en el transcurso del último minuto con la crucial intrusión del bandoneón y la conveniente agilización del esquema rítmico: un prólogo dorado. ‘Delirium Tremens’ se hace debido eco de esta excelsa edificación de climas inquietantes, extrapolándolas hacia atmósferas más coloridas en base a los diálogos y amalgamas fastuosas que tienen lugar entre todos los instrumentos, siendo así que el piano y la percusión tonal asumen un rol protagónico compartido durante los primeros pasajes. Luego, el elemento jazzero se afianza bajo la firme batuta de la dupla rítmica y la labor rectora de un genial solo de saxo. El estratégico clímax final se torna abstracto en una explosión controlada. El momento de ‘Plaza De Mayo’ es uno de gracilidad, apelando a esa mezcla de RIO claroscuro francófono y tango-fusión que el grupo sabe manejar tan bien: aunque en comparación con los dos temas anteriores, esta pieza cuenta con un lirismo más pronunciado en su esquema compositivo, está inspirado en unos tristes eventos político-militares que tuvieron lugar en la susodicha Plaza de Mayo en los años 50s, durante una sangrienta intentona de golpe militar contra el régimen peronista del momento. De hecho, la última sección de la pieza se torna densa e incluye sutiles efectos de tumultos, aunque sin romper con el tenor general. Así pues, el ensamble logra traducir impecablemente la situación de un paseo por el parque con un inesperado final sangriento sin apelar a sobresaltos musicales.

‘Exilio’ se focaliza más abundantemente en el elemento de fusión vanguardista, explorando atmósferas calmadas y suavemente cálidas en su primer motivo; el segundo motivo ahonda en la espiritualidad relajada en base a un evocativo pasaje de piano clásico, siendo sucedido por un tercer motivo marcado por los frenéticos efluvios dibujados por la dupla de piano y marimba, generando así una peculiar reconstrucción de travesura orquestal Zappiana con añadidas texturas Crimsonianas al bajo. ‘Iluminados’ tiene, irónicamente, un carácter opresivamente oscuro en su alevosamente amenazante estructura sónica. De hecho, sirve como preparación para la subsiguiente irrupción de ‘Rey’, pieza cuyo espíritu es extrovertidamente sombrío y desafiantemente aterrador, con un particular destaque de los vientos y la flauta en la ilación de los diversos motivos (que van desde lo flotante con tonos cósmicos hasta lo fastuoso). Algo así como una resurrección de BUBU y UNIVERS ZERO bajo un manto de vitalidad dadaísta. ‘Voluntad’ comienza con un preludio marcado por una intensidad neurótica, más bien psicótica, de la mano de la dupla de piano y viola, hasta que el cuerpo central instala un motivo plácidamente lúdico, el cual desemboca en una capa minimalista que yace ensimismadamente en un rincón escondido de la mente. Los dos últimos temas, los cuales parecen ocupar un rol de bonus tracks, dejan un poco de lado la línea chamber-rock para meterse más de lleno en la fusión contemporánea: ‘Mi Chaparrita’ se enfila hacia atmósferas lánguidas de tendencia romántica, con una espiritualidad vulnerable que no resulta difícil de notar a través de su aparente vibración oscura, mientras que ‘Animal’ ofrece un colorido optimista donde confluyen perfectamente el dinamismo de un CHICK COREA y el acento traviesamente porteño de un RODOLFO MEDEROS.

Es muy bueno y muy sano que la escena musical argentina goce de la revitalización que supone la presencia y desarrollo de iniciativas como la que presenta ORQUESTA METAFÍSICA, una auténtica orquesta de música contemporánea que se mete de lleno en la misión de crear música con un dinamismo osado, refrescante y muy original. “7 Movimientos” es algo más que una serie de siete movimientos con un doble addendum: es una aventura fundamental para la vanguardia actual tanto a nivel argentino como sudamericano, y ciertamente, una obra de interés para el coleccionista progresivo del entorno mundial.


Muestras de “7 Movimientos”.-
Plaza De Mayo: http://www.youtube.com/watch?v=nfJ6yABx6Wg
Iluminados: http://www.youtube.com/watch?v=EP9GkaTnlas
Rey: http://www.youtube.com/watch?v=AkXc8KFgcPo 


(Dedico esta reseña a mi amigo Julio Zoppi en agradecimiento a la información relevante que me brindó respecto a ciertos conceptos relativos al repertorio de este disco.)

SITHONIA - pasaje de retorno de una renovada solución progresiva

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es momento de celebrar que… ¡SITHONIA ha vuelto! Sí, en efecto, la banda formada a mediados de los 80s en Boloña, que debutó fonográficamente en 1989 con “Lungo Il Sentiero Di Pietra”, luego maduró su voz propia en “Spettacolo Anullato” y “Confine” dentro del revival prog de los 90s, y finalmente exploró más a fondo su perenne faceta romántica en “Hotel Brun” como canto de cisne, ha vuelto al negocio musical después de 13 años con un hermoso disco llamado “La Soluzione Semplice”. SUTHONIA ha sido para muchos coleccionistas de progresivo de las dos últimas generaciones tan vital para el desarrollo del revival progresivo italiano como otras bandas usualmente más conocidas como FINISTERRE, NUOVA ERA y ASGARD. La línea particular de SITHONIA tiene una sonido bastante marcado por la presencia de dos teclistas, aunque esto no era obstáculo para el desarrollo de musculatura rockera de la mano de la guitarra, y también cabe notar la consistentemente conmovedora melódica de la cual solía hacer gala el grupo sin por ello caer en remilgos, siempre manteniendo una robustez sonora en base a la mágica arquitectura articulada por el ensamble. En fin, todos estos ingredientes (inspirados en buena medida en los legados de sus compatriotas de BMS, LOCANDA DELLE FATE y LE ORME) reemergen frescos y contundentes en “La Soluzione Semplice”, añadiendo para a ocasión algunas vibraciones sinfónicas contemporáneas afines a las líneas de trabajo de HÖSTSONATEN, NOTABENE, IL TRONO DEI RICORDI, LA MASCHERA DI CERA, MANGALA VALLIS… pero que conste que SITHONIA forjaba y trabajaba esta línea musical desde mucho antes. La formación que ha grabado este hermoso disco consiste en: Orio Cenecchi (batería), Oriano Dasasso (piano y sintetizadores), Marco Giovannini (voz y coros), Roberto Magni (guitarras, mandolina y programación), Paolo Nannetti (órgano, mellotrón, sintetizador, programación y coros) y Valerio Roda (bajos eléctrico y acústico), o sea, la misma formación de “Spettacolo Anullato” y “Confine” - ¡y la magia volvió con todo!

‘Treni Di Passagio’ tiene un bizarro comienzo marcado por una minimalista secuencia de acordes al piano, efectos cósmicos de sintetizador y una batería de tenor free-jazz, en medio de ruidos de gente: ciertamente, un retrato sonoro del paso de trenes en medio del caos urbano. Una vez instalado el cuerpo central, entramos en terreno familiar: sinfonismo romántico, melódicamente focalizado a través de una atmósfera evocativa moderadamente fastuosa, así como interludios instrumentales provistos de esa combinación de elegancia y vigor que el grupo ha sabido desarrollar tan bien durante su trayectoria precedente. Después de los 8 minutos de ‘Treni Di Passagio’ vienen los 2 ¾ minutos de ‘Tornando’, los cuales exhiben un aura extrovertida dentro del esquema de un instrumental bastante marchoso: los sucesivos solos de guitarra y órgano aportan dosis esenciales de vitalidad al bloque sonoro global. Su sonoridad es afín al mejor PFM del nuevo milenio con ciertos aires de LA MASCHERA DI CERA (dos últimos discos). Acto seguido viene ‘Cronaca Persa’, ambiciosa pieza de 22 minutos de duración que, de entrada, parece contagiarse mucho del espíritu extrovertido del instrumental precedente. Hay una cierta constancia en los desarrollos temáticos que tiene lugar a través de la ilación melódica que se va explayando: esta consistencia es diferente a la de la suite de “Hotel Brun”, la cual daba obvia preferencia a talantes nostálgicos, y mucho más diferente a la de “Spettacolo Annullato”, la cual ostentaba dramáticos cambios de ambiente. Poco antes de tocar la barrera de los 14 minutos, la banda explora un breve pasaje acústico, casi pastoral, para, a partir de allí, retomar el colorido dominante y empezar a desarrollarlo con un empuje gradualmente más dinámico durante un rato. Finalmente, los últimos 5 minutos sirven para que la banda instale un motivo lento diseñado para estimular un ambiente intimista, el cual se remata con una coda orquestal imponente.

‘Il Tram Del Topo’ es un breve instrumental al estilo de la hermosa pieza que abría “Confine”: un comienzo cálido y sereno que abre la puerta para la emergencia de un torrente musical manierista y contundente. Los siguientes 6 minutos del álbum están ocupados por la canción homónima. Tras una cálida introducción de corte romántico e introspectivo, nos sorprende el cuerpo central con una manifestación de fastuosa energía, un destello impactante al cual el medio tiempo articulado por la dupla rítmica permite exhibirse con una dosis moderada de boato típicamente sinfónico. La pieza en cuestión suena a eslabón perdido entre LA MASCHERA DI CERA y NUOVA ERA. ‘Passeggiata’ es un nuevo interludio breve, el cual ofrece un ejercicio de dinamismo estilizado sobre un compás de 3/4 manejado con sobriedad neoclásica, logrando así anticipar el lirismo que habrá de imponerse a través del último tema del álbum ‘Il Vento Di Nauders’. El lirismo se desarrolla a lo largo y ancho de un colorido razonablemente robusto que bien puede remitirnos a paralelos con bandas italianas recientes de tendencia retro como IL CASTELLO DI ATLANTE o NOTABENE, pero debemos pensar estos paralelos teniendo en mente que SITHONIA lo venía haciendo desde antes. En la frontera del noveno minuto, un hermoso cuadro impresionista construido por los teclados duales crea un ensoñador puente hacia la coda, un pasaje pastoral cantado dirigido por una sencilla secuencia de rasgueos de guitarra acústica y cuya culminación definitiva consiste en la misma calmada secuencia de acordes de piano con la cual se había iniciado ‘Treni Di Passagio’ – se cierra así el círculo de “La Soluzione Semplice”, álbum que nos trae de vuelta a un grande indiscutible del revival progresivo italiano como es SITHONIA.

Es realmente un retorno a lo grande, en el sentido más completo de la expresión, el cual reaviva la inmortal llama de lirismo y emotividad que caracteriza la esencia más candorosa del progresivo sinfónico italiano. Esta aureola de nostalgia revivida que revitaliza la mirada y las ideas se plasma muy bien en el librito del disco: las fotos de los músicos son en blanco y negro y de años atrás - un recurso muy ingenioso... “La Soluzione Semplice” es un disco recomendable sin dudas ni titubeos de ningún tipo: aunque SITHONIA, como entidad, haya pasado por una fase letargo y ahora resucitado, su ingenio artístico ha demostrado cabalmente que siempre se situó allende los avatares del tiempo.

TRICANTROPUS y la realidad de un bello sueño progresivo sinfónico

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hoy es el momento de traer a colación el nuevo disco de la banda española TRICANTROPUS, “El Sueño de Arsinoe”. A 3 años de la edición de su hermoso disco debut “Recuerdos Del Futuro”, el cual desarrollaba una dinámica y refinada revisión del prog sinfónico tradicional que se enfila entre los estándares de GENESIS, CAMEL y el PINK FLOYD más intimista y las particulares orillas del sinfonismo mediterráneo. Lo que brinda ahora “El Sueño De Arsinoe” es una excelente capitalización de esta línea de trabajo por vía de un incremento de la sofisticación compositiva y una mayor profundidad sonora. Si el primer disco se armó con la base tripartita del teclista Manuel Manrique (quien en los 70s fuera uno de los gestores de AZAHAR), el bajista Pedro Párraga y el guitarrista Javier López Pardo, con la compañía de una pléyade de músicos invitados, ahora la base grupal se completa permanentemente con el guitarrista Daniel Denis y el baterista Luis Hidalgo. No es que el grupo renuncie ahora a tener colaboradores, que los tiene al oboe, violín, saxo y teclados adicionales (en un par de temas aparece el genial Eduardo García Salueña, de SENOGUL), pero sí se siente que las composiciones y los arreglos disponen de un sonido más lleno en sí mismos, lo cual repercute muy positivamente en la expresividad de las florituras típicamente progresivas que TRICANTROPUS convierte en núcleo de su voz propia. Pasemos ahora al repertorio mismo de este disco.

Con el llanto de un recién nacido y un dulce canto femenino se inicia ‘El Sueño De Arsinoe’, pieza serena y contemplativa, muy a lo CAMEL-PF en el comienzo, luego tornándose más afín al sendero del sinfonismo mediterráneo de vieja escuela, siendo así que la incursión del oboe añade efectivos matices a los ya aportados por la guitarra solista y las capas de teclado. El momento de ‘Al Filo De Lo Posible’ es uno de colorida extroversión donde la dinámica inherente al desarrollo melódico es manejada con soltura, reflejando una magnificencia que nunca se desborda a pesar de dejar bien mostrado su vigor. ‘You’re Me Pet Peeve’ es el segundo tema más largo del álbum con sus 11 minutos de duración. La variedad de motivos y ambientes está manejada con impoluta fluidez, en una sólida confluencia de sensibilidad y pulcritud de parte de los músicos involucrados. Su espíritu general se sitúa en un punto intermedio entre las dos piezas precedentes, alternando la cálida vibración contemplativa de una con el colorido autoafirmativo de la otra. El tema más largo resulta ‘Plan 9 From Outer Space’, el cual dura casi 12 minutos y contiene 7 secciones autónomamente tituladas. Ya desde su inicio con sonidos ambientales de grillos y múltiples capas cósmicas de sintetizador, el tema promete remontar a la mente del oyente hacia una interesante gama de paisajes sonoros: de hecho, este prólogo se siente conectado con el epílogo del tema precedente ‘La Barca De Caronte’. Pero bueno, a medida que la pieza avanza en su desarrollo temático, nos complacemos con una diversidad de ambientes muy bien hilada, pasando de pasajes moderadamente robustos a otros más delicados, y de allí a otros que ofrecen pautas intermedias que pueden tirar más hacia el lado de lo introvertido o hacia una soltura del swing. Con la calculada adición ocasional del oboe en ciertos pasajes, el bloque sonoro gana en riqueza textural, aunque lo usual es que entre la guitarra solista y los teclados se concretice una eficaz labor de liderazgo para la orquestación general de la banda.

No vale pasar por alto que, entre los dos temas largos mencionados en el párrafo anterior, se encuentran cuatro piezas de estupenda factura: todas ellas, una a una, van completando la proyección sonora de TRICANTROPUS. ‘Dionisio De Magnesia’ porta una musculatura sobria que permite a la banda hacer gala de su nervio peculiar cuando aborda su faceta más extrovertida: pasando de una predominancia de atmósferas Genesianas a una secuencia final Floydiana con leves acentos Crimsonianos, la pieza aprovecha con una musicalidad muy rica su espacio de poco más de 6 minutos. ‘Manderley’ comienza inclinándose por el lado del jazz-rock con sazones sinfónicas, casi como un PEGASUS remodelado con matices Camelianos; luego, el asunto sinfónico pasa a ser el foco exclusivo, llegando a empaparse de nostálgicos aires pastorales cuando entra en acción la vocalista invitada Esperanza Martin. ‘Señoras’ es, al igual que ‘Manderley’, una tríada temática: su ambientación inicial es calmada, en base a una estructura melódica sencilla pero tremendamente cautivadora; para los minutos finales, la ambientación se agiliza por causa de la reactivación ejercida por la dupla rítmica, creándose así un momentum dirigido al alimón por la guitarra y el sintetizador, con oportunas intervenciones del saxo y el violín de parte de invitados especiales (Coco Laini y Héctor Perpiñá, específicamente). ‘En La Barca De Caronte’ saca buen provecho del clímax conclusivo de la pieza anterior para seguir explorando sonoridades esplendorosas, siempre con la sobriedad que le es esencial: incluso los interludios lentos, lejos de meterse por los recovecos de la melancolía, mantienen esa aureola alegre propia de la base melódica en curso. El epílogo cósmico es curioso e impactante a la vez, un cierre psicodélico inesperado pero gratificante. ‘Hortalezas’ ocupa los últimos 4 ¾ minutos del disco, culminándolo con un espíritu celebratorio patentemente jovial: en una lírica confluencia de CAMEL de la etapa “Breathless”, jazz-funky estándar y fusión, la banda se sacude un poco de la solemnidad de los temas precedentes y diseña este mensaje musical de despedida con una sonrisa de oreja a oreja.

Todo esto fue “El Sueño de Arsinoe”, una obra hermosa que queda como uno de los mejores aportes al progresivo de línea sinfónica que se han hecho en este año 2011 no solo en España sino también en toda Europa, y por qué no, también a nivel mundial. TRICANTROPUS es sinónimo de elegancia dentro del discurso progresivo sinfónico del nuevo milenio, por lo que solo queda recomendar su nuevo disco… ¡¡a ojos y oídos cerrados!!

RODOLFO MEDEROS y un redescubrimiento que vale la pena de todas maneras

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy reseñamos no una novedad sino una reliquia musical de gran vuelo, pletórico de divinamente refinadas sonoridades fusionescas en el contexto del tango de vanguardia ecléctica argentina de los 70. Me estoy refiriendo al disco “De Todas Maneras”, disco que forma parte de la etapa del bandoneísta RODOLFO MEDEROS como líder del proyecto GENERACIÓN CERO, el cual estaba centrado en explorar y crear nuevas áreas de expresión ecléctica a partir del legado folclórico del tango, añadiendo amplias dosis de vibraciones propias del jazz-fusión y del vigor propio del lenguaje rockero. El caso de este disco “De Todas Maneras” es particularmente exitoso en cuanto al desarrollo de esta misión tan heterodoxa y estimulante. ¡¡Gracias eternas a Felipe Abel Surkan, jefe del sello argentino Viajero Inmóvil, por rescatar esta joya!!

Nacido en Buenos Aires en 1940, MEDEROS es toda una leyenda viviente del bandoneón en la preservación y difusión del folklore criollo argentino: su espíritu inquieto y sus genuinos deseos de vivir la música a través de cada célula de su cuerpo y cada neurona de su cerebro lo han llevado a tener, hasta el día de hoy, una carrera prolífica dentro de las exploraciones tangueras, tanto desde lo tradicional como desde lo vanguardista, y es por este lado que surgió GENERACIÓN CERO. “Fuera De Broma”, del año 1976, había sido la primera manifestación fonográfica de esta iniciativa (con un trío de bandoneonistas que completaban Daniel Binelli yJuan José Mosalini). La peculiaridad más saltante del segundo disco del proyecto GENERACIÓN CERO, “De Todas Maneras”, es que manifiesta una actitud más firme en cuanto a empoderarse de los discursos del jazz-fusión y el rock progresivo sinfónico que dominaban por aquel entonces los círculos intelectuales de la música popular. Esto se nota especialmente en la presencia de dos maestros a las guitarras y los teclados, respectivamente: Tomás Gubitsch (quien venía de formar parte de la última etapa de INIVISIBLE y tenía frente a sí todo un horizonte en las áreas del jazz, la fusión y la cámara contemporánea) y Gustavo Fedel (quien venía de la estupenda experiencia del álbum debut de ESPÍRITU). Ambos gozan de amplios campos de expresión para aportar un colorido musical rico en desarrollos melódicos, matices cautivantes y cadencias sofisticadas, todo un aparato sonoro donde el bandoneón del "jefe de orquesta" MEDEROS se integra de manera natural y fluida - incluso Gubitsch logró meter una hermosa composición de su autoría en el repertorio de este álbum. La dupla rítmica de Eduardo Criscuolo y Rodolfo Messina también es digna de mención especial en relación con sus méritos para sostener los momentos extrovertidos con impecable pulso y manejar con debida sobriedad los momentos más introvertidos. Los colaboradores ocasionales son Analía Lovato (al canto), Pocho Lapouble (a la batería) y Arturo Eric Schneider (a la flauta).

El tema homónimo abre el disco con una imponente prestancia basada en el matrimonio entre las cálidas líneas centrales del bandoneón y la arquitectónica cadencia de la batería, mientras se van integrando gradualmente la guitarra, el bajo y el piano eléctrico. La pieza no tarda mucho en establecer una lógica de dinamismo y colorido temático, y de hecho, poco antes de llegar a la barrera del segundo minuto, un fabuloso solo de guitarra marca en buena medida la pauta de las interacciones entre los músicos. El solo de Mini-Moog también es tremendo, aportando una suerte de carácter cósmico al viaje instrumental en curso. Cómo no, también hay espacio para un solo de Mederos, y por qué no, también un solo de batería, el cual introduce la coda consistente en una expansión del reprise del primer motivo. Tras este fantástico comienzo que ha funcionado como carta de presentación de estos viajantes compañeros, solo queda dejarse llevar por el repertorio restante, siendo así que ‘El Lugar Donde Vivo (Nuestros Hijos)’ se ahonda sólidamente en dulces cadencias tangueras, apelando patentemente a evocativas sensaciones de melancolía. De esta manera, el momentum progresivo donde brilla un solo semi-Hackettiano de Gubitsch se inserta con naturalidad dentro de la planificación melódica de la pieza. El asunto melancólico se perpetúa en el cuerpo central del siguiente tema, ‘Triste Diciembre’, pero hay una aureola más extrovertida. De hecho, se da una presencia relevante de momentos cuidadosamente intensos que articulan una especie de punto intermedio entre el sinfonismo a lo CAMEL y las sonoridades de M.I.A. - algo muy sinfónico, y a la vez, muy porteño. La primera mitad del álbum se cierra con ‘El Largo Adiós’, pieza que explora ambientes introvertidos con un lirismo pulcro, repleto de elegante emotividad: Gubitsch se luce en sucesivos solos de guitarra eléctrica y acústica (la segunda, ostentando más florituras), mientras que Fedel empieza aportando una vibración rítmica al piano eléctrico y termina dirigiendo el pasaje final al piano de cola en camino hacia la hermosa conclusión. 21 minutos de radiante belleza que vienen seguidos de otros 21 minutos de radiante belleza, un esplendor sonoro que parece no tener dónde acabar. ‘Cada Día, Cada Noche’ porta un colorido juguetón, como bañado por la frescura del rocío primaveral: el aspecto progresivo está bien presente al igual que con los temas #2 y #3, amén de ciertas conexiones con el candor excitante del MAHAVISHNU ORCHESTRA clásico (de hecho, Fedel se siente muy Hammeriano al piano eléctrico y Mini-Moog). ‘Verano 1976’ regresa a las estepas de la melancolía a todo dar: la introducción de piano, el susurrante canto de Analía Lovato y la elegante contención rítmica dentro del cual se encuadra el desarrollo instrumental son los ingredientes hermanados que logran establecer este impresionante retrato musical de la añoranza solitaria. ‘Más Vale Cien Volando’, composición de Gobitsch, se asocia fluidamente la espiritualidad melancólica que se va apoderando de las melodías y tonalidades abordadas por el ensamble. Una vez más, el canto de Lovato resulta esencial para completar el cuadro sonoro. El disco llega a su final con ‘Todo Ayer’, pieza que tiene la misión principal de condensar las más brillantes iniciativas de combinar prog sinfónico y tango-fusión, trasladando el colorido que antes se había manifestado en ‘De Todas Maneras’ y ‘Cada Día, Cada Noche’ hacia dimensiones exultantes propias de un carnaval del alma, como queriendo culminar esta aventura musical bajo la plena luz del mediodía estival.

"De Todas Maneras" es todo un hito de la vanguardia argentina 70era que llega a nuestras manos contemporáneas como transportada en una máquina del tiempo. RODOLFO MEDEROS nos regala un ítem que de ninguna manera debe faltar en cualquier buena discoteca de música contemporánea, más allá de e incluyendo a etiquetas específicas como jazz-fusión, tango experimental, rock progresivo, etc.

Muestras de “De Todas Maneras”.-
De Todas Maneras: http://www.youtube.com/watch?v=ih_XCte_ooY
El Lugar Donde Vivo: http://www.youtube.com/watch?v=brMnxtQTDeo

Cada Día, Cada Noche: https://www.youtube.com/watch?v=8tMaFb3145c
Todo Ayer: https://www.youtube.com/watch?v=NPdJRJZDq2k  

[Dedico esta reseña con particular cariño a Fernando Gómez y Leandro Masino, los primeros personajes que vi en el contexto de un hermoso fin de semana fraterno que reunió a melómanos peruanos, argentinos y costarricenses durante la primera semana del mes de octubre 2011]