El delirio común de FIRE! y JIM O'ROURKE

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hoy traemos a colación un disco producto de la asociación del trío sueco de jazz-rock experimental FIRE! y el guitarrista estadounidense JIM O’ROURKE, uno de los músicos más versátiles y aventureros que existen en la escena actual de su país. El disco en cuestión se llama “Unreleased?” y cuenta como el segundo de la banda, contando para la ocasión con un invitado especial que acabamos de mencionar.

FIRE! es, ante todo, un vehículo de experimentación sónica dirigido por el saxofonista sueco Mats Gustafsson, quien es algo así como el equivalente de John Zorn en tierras escandinavas, un obsesionado de la expansión y amplificación de los ideales de expresividad inquieta del free-jazz que no le hace ascos a la psicodelia radical, el noise, lo industrial, lo cibernético, la World Music, incluso los legados del punk y el kraut. O sea, un eclecticismo proyectado hacia un radical desafío de las normas a partir de particulares recreaciones de las motivaciones primarias de las teorías vanguardistas del jazz. FIRE! es el nombre de uno de sus más recientes proyectos, un power-trío de jazz postmoderno que se completa con el bajista Johan Berthling y el baterista-percusionista Andreas Werliin. El grupo debutó en 2009 con el álbum “You Liked Me Five Minutes Ago”. Siendo así que el Berthling tenía que duplicar sus labores para realizar también las partes de guitarra, la situación cambió para este segundo álbum “Unreleased?”, el cual se hizo con la
colaboración de JIM O’ROURKE como compañero constante de viaje (… ¿o deberíamos decir, delirio sónico). O’ROURKE es un músico muy curtido en varias vertientes diversas y vanguardistas, un veterano que emergió y creció en la escena underground de Chicago, cabalgando por igual en los caminos del rock experimental, el indie y el jazz de avanzada, con un intenso currículum vitae que incluye estancias en bandas tan disímiles entre sí como RED KRAYOLA, WILCO y GASTR DEL SOL. Así pues, esta asociación con FIRE! Le resulta absolutamente natural a una mente tan inquieta y diversa como la suya. Hacemos bien en
mencionar a John Zorn como referente descriptivo para acercar la línea musical de FIRE! al lector, pero también cabe señalar conexiones/confluencias con ZS, ZU y COMBAT ASTRONOMY.

‘Are You Both Still Unreleased?’ abre el disco con una dinámica inquieta engañosamente revestida de parsimonia. Los recursos de tensión mayormente desplegados por el saxo aportan una garantía de intensidad desafiante a un jam que, por lo demás, deja que se luzca la cadencia moderada perpetrada por la dupla rítmica. Hay una especie de clímax masivamente sostenido en los últimos minutos, clímax signado por las atmósferas Frippianas de la guitarra (a lo FRIPP & ENO): de esta manera, el ensamble logra mantener el nivel de energía expresiva sin salirse un ápiced de los confines de su minimalismo abstracto. Acto seguido, emerge la arquitectura de ‘...Please, I Am Released’, pieza que se desarrolla a través de 9 minutos de maquinismo neurótico e inquietudes dadaístas, elaborando así unas variantes industriales al discurso del jazz-rock. Los efectos cósmicos de guitarra y sintetizador ocupan un protagonismo inicial mientras arrojan gélidos colores psicodélicos sobre un machacante compás de 3/4, y recién en la frontera del cuarto minuto y medio entra a tallar el saxo para generar nuevos recursos de arrolladora tensión. La coda realza la simpleza armónica nuclear de una forma magnéticamente abrasadora. Tras la inescrutable tensión pulsátil emergida a partir de las manifestaciones de vigor expuestas en estos temas de tan largo aliento, ‘By Whom And Why Am I Previously Unreleased?’ resulta un interludio donde el grupo elabora una misteriosa improvisación descoyuntada, al modo de un aire de expectativa encapsulado en una profunda niebla gris. Los últimos 17 minutos y pico del álbum están ocupados por ‘Happy Ending Borrowing Yours’, y lo hace justamente tomando la posta del interludio antes mencionado con una extensa introducción pletórica de densas atmósferas caóticas desde donde se arma un apabullante crescendo surrealista. Al llegar a la frontera del sexto minuto, ya se siente un esquema rítmico bien asentado, cuya cadencia guarda bastante similitud con la del tema de entrada, pero en lo que concierne a las sonoridades que arropan el juego musical en curso, las semejanzas son con ‘...Please, I Am Released’. Así las cosas, se puede advertir que el grupo se toma el serio propósito de condensar su lado misterioso y su lado dinámico en el bloque sonoro que ha de cerrar el disco. El modo en que las solitarias pulsaciones de bajo finales crean el momento final del tema parece emular los últimos latidos de una maquinaria bizarra de sonidos desafiantes.

Ésta fue la experiencia de “Unreleased?”, una alucinada experiencia de música progresivamente diferente y desafiante de parte de esta asociación de FIRE! y JIM O’ROURKE. ¡Ojalá se den más creaciones de esta asociación en el futuro!


Muestras de “Unreleased?”:
Are You Both Still Unreleased?: http://www.youtube.com/watch?v=ByEYxPN7gO0
… Please, I Am Released: http://www.youtube.com/watch?v=kLaaC8uJRK0

ALBATROS - exultantes vuelos progresivos desde orillas catalanas

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el momento de ALBATROS, quinteto formado en la localidad catalana de Igualada (cerca de Barcelona) a inicios del milenio, el cual cultiva una variante sanamente ecléctica de rock en aras de mantener vigente las múltiples posibilidades de orientación del movimiento progresivo desarrollado en el nuevo milenio. El sonido de la banda es a la vez potente y emotivo, cuajando una dinámica y profusa confluencia de psicodelia, stoner, la tradición del rock sinfónico, elementos de tendencia heavy y hard rock, estándares Floydianos, estándares más contemporáneos a lo PORCUPINE TREE y RIVERSIDE, coqueteos con el modelo del post-rock: elementos diversos que se traducen en un esquema sónico vitalista e intenso, patentemente electrizante pero sin cerrar espacios a las expresividades de inquietud espiritual y vulnerabilidad. El primer registro fonográfico del grupo fue la maqueta de 2002 “¿Quién Colgó A Los Lobos?”, el mismo que se llevó a cabo con la primera alineación. En los años siguientes, algunas modificaciones llevaron a la formación aún vigente hasta ahora: Javi Fernández Mata (guitarras y voz), Tolo Gabarró Castellnort (batería), Joan Gabriel Llorach (bajo), Marc González Rossell (guitarras y voz) y Red Perill (teclados, saxo y voz). ALBATROS encarna, sin duda, un estupenda propuesta que refresca la creación de rock artístico en la actual escena que se desarrolla en la Península Ibérica. Enfoquémonos a continuación en los dos discos de larga duración que por ahora tiene ALBATROS en su haber: “Pentadelia” (2008) y “Ursus” (2011).

“Pentadelia” tuvo su proceso de grabación durante el año 2007, concretando su edición independiente al año siguiente: este primer disco tuvo una cierta llegada en círculos internautas progresivos, y de hecho empezó a motivar los primeros elogios para con el quinteto. El disco abre con el instrumental ‘48’, pieza cuyo variado cuerpo central combina fluidamente discursos tan dispares como lo son los del stoner y del sinfonismo: la introducción psicodélica que proyectaba cierta aureola tétrica sirvió como un interesante aliciente para la escucha. ‘Supernova’, pieza engarzada con ‘48’, recoge en su extenso bloque instrumental el vigor colorido de éste y lo capitaliza con un furioso gancho que refleja a plenitud el dinamismo esencial de ALBATROS. La parte cantada se concentra en un compás lento, lo cual logra realzar el talante meditabundo de las letras. ‘Santuario’ aligera un poco las cosas dentro de un esquema sonoro que persiste en mantenerse vigoroso, aunque esta vez con una mayor afinidad hacia lo “indie”. El instrumental ‘Ensor’ se focaliza en transitar entre destellos lánguidos e implosiones grisáceas, apelando a ciertos momentos de colorido medianamente reposado en el ínterin; su clímax conclusivo sirve para cimentar el terreno sobre el cual se asentarán los riffs, la arquitectura rítmica y los ornamentos de ‘Hombre Menguante’, un cénit crucial del álbum. ‘Waiting For A Sign’ es otro tema decisivo: comenzando como una power-ballad, el desarrollo temático culmina con un esplendor fulminantemente arrollador, llegando finalmente a un epílogo sucesivamente armado con sonidos de jazz de salón, caballos corriendo y trance-music. ‘Mehari’, el último instrumental del disco, explota consistentemente la veta stoner del grupo haciendo buen uso de variaciones ambientales dentro de una atmósfera consistente en su contundencia: la primera mitad de este vuelo instrumental hace gala de coloridos space-rockeros bastante efectivos. La última canción, ‘Las Tripas De Goliath’, empieza con un tenor sigiloso, sin lograr negar la tensión emocional que
siempre está alerta para irrumpir con flameante incandescencia, una bien lograda ingeniería donde se alternan fluidamente pasajes salvajemente conflictuados con otros ceremoniosos. Un epílogo armado con una suave amalgama cósmica de teclados culmina las cosas con una sensación de misterio.

 

El segundo disco, “Ursus”, es el que refleja una expresión más madura del tipo de visión artística hacia el cual se proyecta ALBATROS: recogiendo la siembra de vigor a partir de las semillas de “Pentadelia”, “Ursus” encarna una cosecha de distinción sonora que se traduce en un jardín musical más florido.... sí, más florido aunque con un colorido no tan exuberante, pero sin duda, se trata de un bue ncamino d evolución para el quinteto. Publicado por Musea Records en 2011, este disco reforzó el modo en que la banda había empezado a llamar la atención con el disco debut en los círculos internautas de amantes del rock progresivo, y sin duda la presencia del sello francés antes mencionado pudo funcionar como un verdadero impulso para difundir la nueva música creada por la banda. Para esta ocasión, el quinteto contó con creativas aportaciones de invitados al canto adicional (Judit Robles en una canción, Zaca Pérez en una).

El tema homónimo abre el disco con una exhibición de densidad bien controlada por la arquitectura de los riffs y el sosegado esquema rítmico sobre el cual se desarrolla el motivo musical central: no nos dejemos engañar por el sosiego estructural, que el trasfondo de la canción revela un despliegue de energía neurótica encapsulada en una celda reflexiva. Vale destacar el empleo de cadencias arábigas en los solos de guitarra, lo cual viene muy bien para completar el aura misteriosa con el cual se envuelve la instrumentación global. Sigue a continuación ‘El Camino De Swann’, pieza que preserva en buena medida la densa espiritualidad reflexiva de la primera canción pero con dos detalles novedosos: la mayor presencia del teclado en el enriquecimiento melódico y el empleo más sólido de las variaciones de ambiente que tienen lugar. ‘Loki’ aporta algo diferente, una aureola extrovertida y luminosa, marcada tanto por el robusto esquema rítmico como por la colorida claridad melódica que traza las florituras del sintetizador y los llamativos riffs. El canto explícitamente enérgico ayuda también a reforzar esta actitud autoafirmativa, sin romper para nada con el gancho propio del tema. Con ‘La Ciénaga’, la luminosidad de expresividad se domestica, no se desvanece, no, pero sí se matiza notablemente con un regreso a la actitud reflexiva que predominaba en las dos primeras canciones, incluso bajando el nivel de densidad: la banda muestra así la faceta más cristalina de su propuesta. Por su parte, ‘El Rey Lombriz’, el tema más corto del álbum con sus poco menos de 3 ½ minutos de duración, vuelve a dejar paso al brillo contundente de lo extrovertido con un manejo finamente armado de las aristas más potentes de la banda. El tema que viene a continuación es el más extenso, durando 10 ½ minutos, y se titula ‘Ícaro’. Después de instalar un clima de desasosiego durante la sección cantada, emerge un núcleo central instrumental que se concentra primordialmente en la exploración concienzuda de ambientes etéreos marcados en motivos bien definidos dentro de un tenor bastante Floydiano. Sin hacerse realmente fastuoso o recargado, el grupo saca a la luz sus ambiciones sonoras con nervio y sensibilidad, logrando reflejar el ambiente mortuorio con el que termina el periplo de Ícaro. Los últimos 8 minutos y pico del álbum están ocupados por ‘Planeta Prohibido’, tema que apela al lado más explosivo de la banda y le saca todo el jugo a fin de generar una exhibición de heavy prog, space-rock y stoner con una solvencia impoluta: la pieza es muscular y potente, al modo de un crucial remanente de los días de “Pentadelia”. Su vigor inherente y su vehemente vitalidad se encuadran convenientemente bajo una armazón estilizada: ¡gran cierre de álbum con una aventura rockeramente visceral forjada con rayos y truenos!

Así pues, tenemos en ALBATROS a un referente muy interesante a descubrir meticulosamente dentro del gran y variopinto escenario progresivo que se ha venido regenerando continuamente en la escena europea desde que empezó el tercer milenio. Es un descubrimiento que, desde aquí, se recomienda fehacientemente a cualquier coleccionista de rock que quiera adentrarse en la

búsqueda de nuevas emociones inspiradas en algunas de las mejores instancias de las mejores tradiciones rockeras.


Muestras de la música de ALBATROS.-
Ursus: http://www.youtube.com/watch?v=X7xxlex-U20
El Camino De Swann: http://www.myspace.com/psicoalbatros/music/songs/el-camino-de-swann-mp3-81052306
Planeta Prohibido: http://www.myspace.com/psicoalbatros/music/songs/planeta-prohibido-mp3-81052856

KAYO DOT vuelve a afilar su cuchillo vanguardista musical

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

A inicios de 2012, KAYO DOT vuelve a la carga, y como siempre, lo hace con todo, tal como lo muestra este EP “Gamma Knife”, ítem que traemos ahora a colación. ¿Cómo se desenvuelve la propuesta vanguardista que viene ofreciendo Toby Driver con sus secuaces habituales Mia Matsumiya, Terran Olson y otros? Pues, como es de esperar, un impulso auto-renovador desde las líneas de trabajo fehacientemente exploradas en “Blue Lambency Downward” y “Coyote” (además del “Part The Second” de MAUDLIN OF THE WELL). Dicha auto-renovación consiste en focalizarse en los aires de tensión parcialmente contenida y densidad emocional, vertidos tanto en “Blue Lambency” como en el EP “Stained Glass” (de fines de 2009), y llevarlo a un nivel más explosivo de expresividad, desafiando incluso varias reglas habituales de la estructura musical de manera frontal. El cuerpo central de esta obra está situado en una
dimensión agresiva que no se escuchaba en la banda desde los tiempos de “Dowsing Anemone With Copper Tongue”. La base del nuevo material fue grabada en vivo en una actuación realizada en octubre de 2011 en Littlefield (Brooklyn, Nueva York): las posteriores labores de mezcla y masterización se extendieron hasta diciembre, y ahora en enero de 2012 el disco ya está disponible para ser escuchado en Bandcamp - http://kayodot.bandcamp.com/. La formación que grabó “Gamma Knife” fue: Toby Driver (bajo, guitarra, canto y teclados), Terran Olson (saxo alto), Daniel Means (saxo alto), Keith Abrams (batería), Mia Matsumiya (violín), Tim Byrnes (campanas de mellotrón y dirección del público), Ron Varod (dirección del público) y David Bodie (percusión adicional).

‘Lethe’ abre el álbum con un letárgico llamado de campanas, prontamente acompañado por una ceremoniosa capa multicolor de violín y maderas, lo cual sirve para abrir paso al canto solemne de Driver, el cual emula una cantata religiosa. Terminado este momento de boato místico, irrumpe ‘Rite Of Goetic Evocation’ con una furia contundente y robusta, marcada en su base por disonantes riffs guitarreros y growl, sostenida por una dupla rítmica que se mueve fluidamente por cadencias jazz-rockeras, y ornamentada con anarquistas efluvios de los cientos y el violín. Es casi como un retorno a ciertos parámetros de inquietud rockera que se habían plasmado en el álbum debut “Choirs Of The Eye”, pero reciclándolos a través de una impetuosa maquinaria posmoderna de free-jazz. El caos se siente, en primera instancia, arrollador y desbocado, pero una escucha más atenta revela el amplio nivel de control sónico que tiene lugar: esto es deconstrucción en su más pura expresión. En el último minuto, el ensamble pasa a jugar con estructuras más explícitamente amalgamadas, dejando así paso a la emergencia de ‘Mirror Water, Lightning Night’, pieza que está a cargo de reforzar la incendiaria confluencia de post-metal y jazz vanguardista que dio réditos tan intensos en el tema precedente: de hecho, se puede decir que ‘Mirror Water, Lightning Night’ instaura un cénit épico dentro del disco. El momentum instaurado hasta aquí es capitalizado y repotenciado por ‘Ocellated God’, pieza que desarrolla una neurótica reconstrucción del frenesí tanáticamente deconstructivo del segundo tema: esto significa un nuevo cénit musical, uno donde los fantasmas de la angustia y la furia se revelan sin máscaras ni tapujos a contrapelo de la magnífica arquitectura grisáceamente destellante de ‘Mirror Water, Lightning Night’. Una vez pasada la oscura pesadilla danzarina de los espectros más alucinados del alma, la pieza homónima ocupa los últimos 6 ¾ minutos del disco con la misión de remontarnos a la melancolía contemplativa que había signado la primera canción ‘Lethe’, solo que esta vez con un ropaje instrumental más parco, más espartano, centrado en suaves diálogos jazzeados entre el piano y la guitarra, mientras que el canto de Driver pasa de susurrantemente reflexiva a juguetonamente sarcástica. El aura minimalista en juego sirve para cerrar el disco con un tenor mágicamente introspectivo.

Esto fue “Gamma Knife”, un EP que muestra por enésima vez lo importante que es la preservación del espíritu experimental de Toby Driver y sus socios de viaje a la hora de generar aportes interesantes para la vanguardia estadounidense actual. Desde esta densa bruma emocional, ¡se vislumbra que hay KAYO DOT para rato!


Muestras de “Gamma Knife”.-
Lethe: http://kayodot.bandcamp.com/track/lethe
Ocellated God: http://kayodot.bandcamp.com/track/ocellated-god

Las visiones tanáticas y sonidos exultantes de ARTERIA: R.I.O. mexicano

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es ocasión de hablar de ARTERIA, un ensamble mexicano de tendencia RIO, de formación reciente y comandado por una figura veterana de la vanguardia progresiva mexicana: Juan Carlos Ruiz, vientista de bandas tan heroicas como NAZCA y CULTO SIN NOMBRE. Como fagotista y compositor de ARTERIA, se instala como la columna vertebral de esta agrupación. Pero también hay otro genial veterano en la banda, el baterista Víctor Baldovinos, cuyo CV incluye estancias en ICONOCLASTA, MUROS DE AGUA y GOVEA, entre otras actividades musicales. El bloque grupal de ARTERIA se completa con Adolfo Zaragoza Cerecero (guitarra) y Mari Carmen Graue (violonchelo eléctrico). Se añade la colaboración de Tizok (miembro de EREHÍA) a la programación y la percusión electrónica. Más allá de las diferencias regionales, los integrantes de ARTERIA tienen cada uno por su lado diversas experiencias en orquestas sinfónicas, proyectos de cámara vanguardista y rock progresivo, por lo que la solvencia técnica y conceptual está garantizada. El ideario musical grupo ahonda su línea de trabajo en el corazón más puramente sombrío del R.I.O. francófono de primera generación (UNIVERS ZERO, ART ZOYD, PRESENT, SHUB-NIGGURATH) sin dejar de lado el propio legado particular de la vanguardia compatriota (NAZCA, CULTO SIN NOMBRE) – su obra debut “Cuatro Visiones”, editada de forma independiente, encarna una manera magistral de investigar en este tipo de vías exigentemente experimentales en los confines más radicales del lenguaje rockero.

Con ‘La Sentencia’ se da inicio al disco, abriéndose ampliamente campo a caminos sónicos marcados por una oscuridad vigorosa que hace de la nocturnidad una fuente de energía tan angustiosa como inapelable. La esencia sonora se sitúa a medio camino entre PRESENT y el HENRY COW de “Western Culture”. Acto seguido, la secuencia de ‘Fragmentos Cortados’ y ‘Lo Inexistente’ ahonda en la oscuridad con una ceremoniosidad tétrica que crea una niebla diseñada para envolver al cosmos y hundirlo en el inframundo, algo muy fiel al estándar de UNIVERS ZERO. ‘Fragmentos Cortados’ se basa en una alternancia de cadencias marciales de tenor mortuorio con otras más ágiles, mientras que ‘Lo Inexistente’ patentemente pone un acento prioritario en lánguidos climas funerarios. La pieza homónima llega en cuarto lugar, ofreciéndonos 7 minutos y medio de nuevas vicisitudes sonoras que se bifurcan continuamente por los senderos de oscura tensión que el grupo ya ha demostrado manejar con impoluta maestría. El vigor arrollador que se impone fehacientemente desde las primeras notas abre paso a un manejo sofisticado de ambientes peligrosos y atmósferas inciertas, permitiendo que el fagot se instaure como elemento unificador de los demás instrumentos. Para la extensa letanía final, las incandescentes líneas del cello eléctrico asumen un rotundo protagonismo expandiéndose sobre las pulsaciones rítmicas que atormentadamente definen el bloque instrumental. Esto nos remite al legado de PRESENT. ‘Partes En Una Botella’ exhibe un aura dadaísta y medio juguetón a la hora de reciclar la herencia de perturbación y densidad de las cuatro piezas anteriores, manteniendo la expresividad en un conveniente nivel de autocontención durante la mayor parte del tiempo. La sección final sirve para que la banda explore una retorcida luminosidad expansiva, culminando en una explosión densa y absorbente.

‘Marcha Fúnebre’ encarna a la perfección el temor y el temblor de la conciencia ante el prospecto de sufrir un daño tan grande como inasible: primeramente lo hace sobre un triste y grisáceo compás marcial, ciertamente fúnebre, y luego vira hacia un clímax explosivamente tétrico. Esta inquietud oscura y aterradora es magistralmente perpetuada en ‘Lo Que No Está Muerto’ durante los casi 2 minutos y medio que dura su obertura; a partir de ahí, el tema deriva hacia una expansión de motivos grisáceos que portan diferentes niveles de agilidad. Esta expresión de intensidad visceral es recapitalizada y articulada por ‘Mi Pulso’, la pieza más explícitamente rockera del álbum: el motor vitalista plasmado por la guitarra y la batería opera como una efectiva estrategia arquitectónica para la instrumentación global. ‘El Hijo De Bernardo’ se proyecta también hacia ambientaciones ágiles, siempre fieles a los moldes de UNIVERS ZERO y ART ZOYD: se destaca aquí un extenso solo de guitarra que dignifica infinitamente la contundencia esencial del instrumento. Finalmente, ‘Un Lamento Y Dos Danzas’ completa el concepto estético del disco: esta pieza hereda mucho de la solemnidad que marcó antes a ‘Marcha Fúnebre’ y ‘Partes En Una Botella’, empezando con un tenor seco y luego pasando a una dimensión un poco más etérea. El clímax sostenidamente creciente que se arma antes del pasaje final cuenta en el cello como su elementos crucial.

Así pues, tenemos que hacer un balance general muy positivo sobre ARTERIA y su disco “Cuatro Visiones”: este proyecto es una plena realidad de torturada grandeza donde confluyen lo tanático y lo exultante, proyectando así unas osadas vías de investigación sonora dentro de la vanguardia progresiva practicada actualmente en México.


Muestras de “Cuatro Visiones”.-
Fragmentos Cortados: http://www.youtube.com/watch?v=BxwKR8MAF4c
Cuatro Visiones: http://www.youtube.com/watch?v=mXc5a-oIRDY

(Dedico esta reseña a Juan Carlos y a René con enorme gratitud y genuino afecto)

THE EARTH EXPLORER y sus grandiosas expresiones prog-sinfónicas

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Comenzamos muy bien el año progresivo 2012 con la banda japonesa THE EARTH EXPLORER, dedicada a esto de revitalizar la vertiente sinfónica del progresivo vivo de nuestros tiempos.
Formado en 2005 bajo el nombre de EUROPE EXPRESS, no se dedicó a cultivar un kraut electrónico a lo KRAFTWERK como podría pensarse en un primer instante, sino a hacer covers de PFM y AREA, entre otras bandas de la tradición progresiva europea. Cuando el grupo empezó a crear su propio material, se focalizó en la vertiente sinfónica del género, aunque sin cerrarse a la riqueza sónica que puede proveer alguna ocasional incorporación de cadencias jazzeras: el resultado que se generó fue una sonoridad muy rica y vitalista. Habiendo grabado un homónimo disco debut generalmente ignorado en 2009, ahora a inicios de 2012 es hora de prestarle atención con su segundo lanzamiento “Trans Europe Expression”. El título de este segundo disco es alusivo a la prehistoria de la banda, conformada por Kenji Imai (flauta), Ryuji Yonekura (teclados), Takayuki Asada (batería), Yukio Iigahama (bajo) y Katsumi Yoneda (guitarras). Pasamos a reseñar el disco de inmediato.

El disco abre con ‘Stromboli’, un tema muy tirado hacia las líneas de PFM y CAMEL, conjugando el colorido prístino de las estructuras melódicas con la vivacidad bien manejada de la estructura rítmica en 7/8. La flauta se siente solventemente asentada en su locación preferencial dentro del bloque instrumental, lo cual no impide que la guitarra asuma a veces un rol protagónico en algunos momentos estratégicos. El aura extrovertida de este tema de entrada halla su complemento con la espiritualidad reflexiva que se impone en el segundo, ‘Rhodanus (River To The Ocean)’: la pieza de por sí no es lánguida, pues contiene varios pasajes cargados de fuerza expresiva, y de hecho, la guitarra dispone de una presencia más crucial, pero es evidente que el tenor de los motivos centrales es meditativo. El estilo esencial se mantiene intocable, apelando frontalmente a un lirismo conmovedor que ya practicaron antaño otras bandas japonesas como MR. SIRIUS, PAGEANT y MUGEN: el pasaje final de piano y flauta parece prácticamente un tributo a esos antecedentes. ‘Intersection’, el tercer tema, ahonda en los matices más extrovertidos de la banda, haciendo que el colorido ya manifiesto anteriormente en ‘Stromboli’ llegue a niveles más entusiastas, incluso valiéndose de cadencias jazz-rockeras en la base rítmica, con lo cual se logra un sólido hermanamiento de sinfonismo y jazz-prog, nada distante del estándar de los heroicos veteranos de KENSO (etapa de los discos “II” y “III”). Cabe notar la breve presencia de tarareos femeninos en uno de los pasajes intermedios. ‘Flying Roses’ puede muy bien describirse como una mirada sintética de todo lo que ha venido sucediendo en el disco hasta ahora: comienza con un motivo medidamente melancólico en 5/4, luego pasa a una sección pastoral naturalmente liderada por los dibujos y florituras de la flauta, y posteriormente se complace en explorar, una vez más, aureolas de expresividad extrovertida. La pieza se remata perfectamente con una exhibición de calidez al más puro estilo Cameliano con algunos ribetes Focusianos: es en este sentido que el grupo establece confluencias con otras bandas sinfónicas de reciente activación como CICCADA y SANHEDRIN.

‘Gordes’, el tema más largo del disco con sus 11 minutos y medio de duración, comienza con un preludio que ostenta una actitud solemne y ceremoniosa sostenida principalmente por las bases del piano, mientras que la flauta y la guitarra van organizando sus propios espacios dentro de la arquitectura sónica en curso. Mientras avanza la instauración del ambicioso cuerpo central, la vibración ceremoniosa va en aumento, pasando a niveles épicos inspirados en UK y YES. Los últimos 6 minutos del álbum están ocupados por ‘Endeavour’, pieza que se pone a cargo de mantener el momentum de ceremoniosa fastuosidad. Incorporando algo de vigor en algunos pasajes intermedios, la pieza garantiza algo de necesaria energía en medio de la solemnidad reinante, logrando así completar un auténtico broche de oro para el álbum.

“Trans Europe Expression” es un disco realmente fabuloso, un ejemplo de cómo los viejos estándares del prog sinfónico todavía pueden confiar su nostálgica supervivencia a las manos y
mentes de músicos adueñados de tremendas dosis de creatividad compositiva y energía. THE EARTH EXPLORER (TEE para los amigos) es una banda a descubrir, una tarea pendiente e ineludible para los acérrimos e irreductibles amantes del género progresivo.


Muestra de “Trans Europe Expression”.-
Stromboli: http://www.youtube.com/watch?v=WOxmoANGBEM

El frenesí contundente de NOXIOUS FOXES y su segundo álbum "Légs"

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Hoy traemos a colación a un power-dúo formado en Brooklyn en 2009 por Richard Levengood y Justin Talbott: su nombre es NOXIOUS FOXES y nos ofrece en los últimos meses de 2011 una de las muestras más electrizantes de aventura math-rockera que han llamado la atención dentro del underground experimental estadounidense – su segundo álbum “Légs”. Al igual que HELLA y GIRAFFES? GIRAFFES! (últimamente, también AHLECHAUTISTAS), este grupo está abocado, desde su formato de power-dúo, a la germinación y creación de extravagancias celebratorias e intensidades lúdicas dentro de un enfoque dadaísta y deconstructivo del lenguaje rockero de nuestros días. El grupo confía plenamente en la espontaneidad de su conjunta combustión creativa a la hora de canalizar y encauzar su misión musical. De hecho, su disco debut “Lovestorm” tuvo un veloz proceso de gestación, y en medio de sus varias actuaciones en los dos últimos años, la banda ha gozado de un pronto nuevo periodo de creatividad para su segundo disco, el cual pasamos a reseñar ahora.

‘Wherever Hugo, Guido’ da inicio al disco con una confluencia de batería tribal y guitarreos surf-psicodélicos, asentando así un ambiente simultáneamente jovial y tenso; los ornamentos sucesivos en el desarrollo de los motivos posteriores y en los quiebres rítmicos de cada momento sirven para que el grupo ostente una dinámica poderosa, muy emparentada con las de DON CABALLERO y HELLA. ‘Goin’ Rogue’ sigue a continuación para empezar aparentemente con una ambientación más contenida… pero no, lo que hace NOXIOUS FOXES aquí es capitalizar la vitalidad heredada del tema de entrada para reordenarla bajo una estructura rítmica más sofisticada, con un vigor menos patente pero igualmente contundente a su manera. 'Bowflexcellent' sí guarda un vínculo al primer tema del álbum, aunque el mismo no es absoluto: aquí notamos unos aires relajadamente bizarros a lo FOREVER EINSTEIN a través de los vuelos instrumentales de turno. La propuesta de 'Illegal Beagle' se enfila hacia un extravagante
mecanicismo neurótico, lo cual significa que el dúo se pone a afilar los bordes más candentes del estándar math-rockero; tras eso, ‘Doth Shalt Noth’ expone un encuadre explícitamente arquitectónico al vigor rockero ya firmemente asentado, apelando adicionalmente a ciertos elementos de swing jazz-rockero en el esquema rítmico, intrincado y tremendamente ágil a la vez.

‘Honeymoon Express’ alterna coquetos motivos de tenor eminentemente lúdico y relajado con otros más densamente complejos, dando prioridad a los primeros: las capas cósmicas que emergen hacia el final establecen un lirismo extraño como remate inesperado. Así las cosas, 'A Real Leonardo Di Caprio Shit' se hace cargo de reinstaurar la dinámica bizarra que ya se había hecho crucialmente patente en la secuencia de los tres primeros temas del álbum. Los últimos 10 minutos del álbum están a cargo sucesivamente de ‘Lunge Array’ y ‘Heavenly Spectacular’: el primero de estos temas se aventura por realizar una aguerrida exploración por las facetas más caóticas del estándar math-rockero (en afinidad con GIRAFFES? GIRAFFES!), mientras que el segundo cierra el álbum con una sana confluencia entre a vitalidad lúdica de ‘Honeymoon Express’ y la polenta compleja de 'Wherever Hugo, Guido' lo cual implica anudar un oportuno lazo a la integralidad musical encapsulada en “Légs”.

En fin, tenemos en este segundo disco de NOXIOUS FOXES un indicio claro y determinante de la permanente creatividad que tiene lugar en el escenario actual de la vertiente math-rockera. Hay que seguir la pista a este power-dúo, sin duda alguna.


Muestras de “Légs”.-
Wherever Hugo, Guido: http://noxiousfoxes.bandcamp.com/track/wherever-hugo-guido
Bowflexcellent: http://noxiousfoxes.bandcamp.com/track/bowflexcellent
Lunge Array: http://noxiousfoxes.bandcamp.com/track/lunge-array

KAISER - GUNN - ÅGREN, un trío de armas tomar

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el turno de HENRY KAISER, TREY GUNN y MORGAN ÅGREN, tres colosos veteranos de la vanguardia y la música progresiva que se juntaron el año pasado para grabar un álbum en base a una serie de improvisaciones que se registraron en una ocasión única donde todos coincidentemente disponían de tiempo libre y tuvieron la ocurrencia de perpetrar una aventura conjunta. Algo tan casual como esto puede ser el revulsivo de música importante, tal como lo demuestra el resultado: “Invisible Rays”, un abundante catálogo de música arriesgada que salió a la venta pública en noviembre de 2011. Y todo comenzó en marzo de 2011, en el contexto de la convención artístico-pedagógica IB Expo 2011, organizada por la gente de ISILDUR’S BANE, en la localidad sueca de Varberg. Justamente durante el último día del evento, los maestros ÅGREN,KAISER y GUNN se dieron cuenta de que contaban con un par de horas de tiempo libre, y simplemente se encerraron en el estudio Red Room (cuartel general de ISILDUR’S BANE), siendo así que KAISER asumió el rol de “más o menos líder” de este improvisado trío. De hecho, él miso se llevó posteriormente las pistas grabadas a su estudio de Oakland para mezclarlas y organizarlas en un repertorio reconocible. En subsiguientes comunicaciones, los tres músicos expresaron su total complacencia con el resultado obtenido, y así pues, se dio luz verde a la publicación de un nuevo ítem de música experimental contemporánea, una nueva joya para el disfrute de los perpetuos fans del rock progresivo de avanzada. La articulación instrumental de este proyecto se llevó a cabo de la siguiente manera: KAISER - guitarras, mandola y guitarra barítono; GUNN - guitarras touch, bajos touch y guitarra barítono; ÅGREN - batería y percusión.

El disco comienza con la pieza homónima, una maratón monstruosamente magnífica que supera los 22 minutos de duración. El despliegue de fortaleza y vibraciones electrizantes es patentemente vitalista, nunca decayendo en su contundencia: la labor de KAISER a la hora de establecer sólidos fundamentos jazz-rockeros a las diversas cadencias en curso es inapelablemente robusta, mientras que las ideas neuróticamente arrolladoras que brotan de la guitarra de Kaiser nos remiten sucesivamente a estándares Frippianos, Holdsworthianos, McLaughlianos y Frithianos. Por su parte, GUNN guarda una disciplina oportunamente comedida a fin de aportar un ancla a las travesías alucinadas en las que se embarcan sus dos compañeros. Al bordear la barrera del décimo minuto, el trío desarrolla un pasaje muy a lo PROJEKCT III, eso es, expansión de sonoridades a lo Frippertronics bajo una armazón de free-jazz empapada de aromas psicodélicos. Poco antes de la barrera de minuto 14, el asunto vira hacia un breve interludio abstracto que en realidad opera como puente hacia un motivo de corte RIO guitarrero contemporáneo (semejante a lo hecho por COSA BRAVA, PAK y las aventuras de rock experimental de JOHN ZORN). Este motivo conduce sostenidamente a la sección final, el cual reinstaura con ciertas modificaciones uno de los primeros riffs que tuvieron lugar en la pieza: el momentum y el gancho se completan contundentemente. Cuando emerge ‘The Magic Ring Of Invisibility’, se instala una atmósfera un poco más relajada, al modo de una versión fusionesca de BOZZIO LEVIN STEVENS, o mejor dicho, un híbrido entre el aspecto jazzero de BLS y el espíritu general de la obra maestra de GUNN “The Joy Of Molybdene”. ‘Where Is Juan?’ ahonda en la cuestión jazzera para instalar un cálido ejercicio de relajado free-jazz donde lo introspectivo adquiere un aire bizarro (que no exultante). ‘The Secret Handshake With Danger’ es frontal y llanamente un exhibición de deconstrucción químicamente pura: aquí no interesa tanto la interacción sino la cohabitación de tres voluntades encerradas en sus propias ocurrencias del momento, con un ÅGREN afanosamente concentrado en ejercicios percusivos mientras que KAISER desarrolla escalas raras en su guitarra touch y GUNN juega con variados efectos cósmicos.

El sarcásticamente titulado ‘Greatest Hits’ es una irrupción de vigor caótico que solventemente sirve como puente entre el surrealismo de ‘The Secret Handshake With Danger’ y la fusión psicodélica de ‘The Last Guru’, plagado de las dosis habituales de modismos Crimsonianos. ‘Take A Bath With Lenin’ es un nuevo ejercicio de tenso caos liderado por los densamente complejos fraseos a la guitarra de KAISER, un ejercicio no muy largo que sirve para crear un momento de alucinada intensidad antes de que ‘Ghost Red Wires’ brinde una aureola de serenidad, sutilmente envuelta bajo un suave manto de misterio: en el minuto final, el ensamble aumenta la polenta de forma gradual pero decidida, preparando así el camino para que, acto seguido, ‘Invisibility Clause’ nos ofrezca un cuadro sonoro de colorida extroversión dentro de las coherentemente sostenidas pautas experimentales a las que está comprometido el trío. Con menos de 20 segundos de descoyuntadas sonoridades abstractas, ‘Understudy To The Stars’ abre la puerta a la última pieza del álbum - ‘An Unusually Nice Hotel’. Ocupando un espacio de más de 12 minutos y medio, esta pieza se arma sobre un jam desde el cual se desarrolla un crescendo que asciende desde los rincones de una engañosa calma contemplativa hacia una densidad emocional cuyo fuego vital flamea contenido. En cierta medida, esta pieza conclusiva recapitula los espíritus de ‘The Magic Ring Of Invisibility’ y ‘Where Is Juan?’, destacando ciertas hibridizaciones de ZAPPA y FRITH en los guitarreos – un broche preciso y dorado.

En conclusión, “Invisible Rays” es una obra sublime donde los músicos partícipes dan total cuenta de por qué son figuras tremendamente importantes dentro de las vanguardias rockera y jazzera de los últimos decenios: los Sres. ÅGREN, KAISER y GUNN han logrado congeniar a todo nivel en cuanto a creatividad, performance y magia, y lógicamente, este resultado fonográfico concreto no puede sino catalogarse como genial, una genialidad pura y dura. Este disco se siente en casa teniendo como vecinos a los discos de BOZZIO LEVIN STEVENS, GORDIAN KNOT, los solistas de TREY GUNN, NAKED CITY, los PROJEKCTS I y IV, FRIPP-RIEFLIN-GUNN, KTU, LEVIN-TORN-WHITE y el proyecto Polytown de BOZZIO, KARN y TORN. ¡Aventura y magia en un único bloque sónico magnético!


Muestras de “Invisible Rays”.-
Invisible Rays: http://treygunn.bandcamp.com/track/invisible-rays-2
Ghost Red Wires: http://www.youtube.com/watch?v=6tMjzGxtoy8

Q - abducción mental a través de la música progresiva

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Q es el nombre de un proyecto de rock sinfónico creado y liderado por el teclista chileno Nicolás Quinteros, y es de este proyecto que nos toca hablar hoy. Nicolás Quinteros, nacido en 1984, es un pianista de formación académica que trabaja como profesor (tanto a nivel particular como en la Universidad UNIACC), y de paso, tiene también a sus espaldas una amplia trayectoria como músico de rock: por ejemplo, es fundador del grupo de prog-metal DELTA. Tuvo la suerte de tener como mentor en su formación musical a Jaime Vivanco, uno de los pianistas más geniales que haya dado jamás la escena musical chilena, teniendo en su CV membresías en CONGRESO y FULANO. En fin, Quinteros también tiene una trayectoria solista en su CV, la cual se inició en 2005 con la grabación del álbum “Ecos Nocturnos”, que finalmente sería editado en 2008. Tres años más tarde nos ofreció el concept-album “Abducción” bajo el nombre de Q, contando como compañeros de viaje con Patricio Trujillo (guitarras eléctricas y electroacústica), Carlos Figueroa (batería) y Marcos Sánchez (bajo) – pasamos acto seguido a reseñar este disco.

La pieza homónima es un breve prólogo cósmico a ‘Odisea 78’, pieza que irrumpe para iniciar realmente las cosas a punta de vitalidad y colorido. La amalgama entre el swing propio de los riffs básicos de guitarra y las florituras del teclado establecen una ambientación oportuna para sacar a colación los modismos estilizados propios del género sinfónico dentro de un esquema robusto que se instala abiertamente en el prog-metal de vieja escuela 90era. Un breve momento de reposo que tiene lugar alrededor de la barrera de los 4’45” da pie a que el ensamble reconstruya gradualmente el camino del motivo central a fin de darle un marcado protagonismo a la guitarra para la segunda ocasión. ‘Por La Buena Onda’ sigue a continuación para mantener el momentum extrovertido y virar las cosas hacia una plataforma Emersoniana, dinámica alimentada de vibraciones retro-prog cargadas de contagiosa polenta, afín a lo hecho por bandas como ENTRANCE y GERARD. ‘Gris Denso’ ofrece un medio tiempo marcado por un contundente swing jazz-rockero que atraviesa una sonoridad armada con patrones prog-metaleros: influencia de PLANET X, sin duda. La presencia de un interludio espacial y la de una sección ceremoniosamente lenta ayuda a explotar el boato progresivo del momento. La ocasión de ‘A Través De Mi Ventana’ es una de relax emocional: se trata de una power-ballad a lo LTE donde la guitarra ocupa el lugar protagónico, explayándose en fraseos contundentes en base a la sencilla progresión armónica trazada por el teclado en el fondo. ‘Mi Cráneo’ se catapulta a partir de este viaje melancólico para añadirle mayor músculo a la ocasión: de hecho, se le puede describir como una extensión autónoma del espíritu de ‘A Través De Mi Ventana’ donde los músicos establecen ciertos nexos con el swing de ‘Gris Denso’ y el colorido progresivo de unos KARMACANIC-con-LTE.

Los últimos 18 minutos del álbum están ocupados por el opus ‘Suite De La Tormenta’. La primera sección de la suite, a la sazón, ‘La Invasión De Las Nubes’, establece un ambiente meditativo, por vía de un desarrollo temático solemne guiado sobre un compás lento. ‘Tormenta’ vira hacia un dinamismo más tormentoso, vitalista, agilizando el esquema rítmico y apelando a vibraciones típicamente prog-metaleras que se inmiscuyen fluida y filudamente en medio del esquema sinfónico que sigue siendo, en cierto modo, imperante. La última sección, ‘Calma Y Luz’, regresa a la dimensión meditativa inicial, reforzándola con un boato arrollador donde Quinteros deja salir su “WAKEMAN privado”. Culmina así un viaje musical estupendo, repleto de energía y clase: “Abducción” es un disco a recomendar fehacientemente a los amantes del sinfonismo estándar, el prog-metal y el retro-prog por igual. Nicolás Quinteros logra establecer su valía como creador progresivo a través de este proyecto Q.


Muestra de “Abducción”.-
Odisea 78: http://grooveshark.com/#!/s/Odisea+78/3W5Bu2?src=5

La segunda progresión de FACTOR BURZACO

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Hoy traemos a colación a ensamble de rock-in-opposition argentino FACTOR BURZACO, que tras un estupendo disco debut editado en 2007, nos trajo el año pasado su segundo disco, titulado precisamente “II”. En esta obra se abren vías más sofisticadas de ahondamiento y robustecimiento de la ideología experimental que siempre ha sido el leitmotiv de Abel Gilbert, el compositor y director artístico de FACTOR BURZACO. Una cosa que se puede notar desde una primera escucha en este disco, comparándolo con el homónimo disco debut, es que porta un bloque sonoro más oscuro y denso, lo cual conlleva una suerte de distanciamiento frente al tono más pronunciadamente rockero que se utilizó en el material anterior. De hecho, se mantiene de forma consistente un apego osado a los rincones más abstractos de los estándares del RIO. Gilbert se hace acompañar de una inmensa pléyade itinerante de colaboradores a las guitarras, los metales y maderas, el canto, la batería y las percusiones, el bajo, el acordeón y los procesos electrónicos (a cargo estos últimos de Mauro Zannoli).

‘Beginning’ comienza como un preludio a una especie de ritual onírico, marcado por evocaciones dadaístas y un ensamble coral-instrumental alevosamente abstracto, abriendo así paso al desparpajo ágil de ‘Progressions’, el cual suena a una especie de ART BEARS traducido al ritmo funky bajo la lógica de AKSAK MABOUL. El canto de Carolina Restuccia impone su personalidad histriónica con elegancia y soltura absolutas, mientras que los adornos de vibráfono y los fraseos de la guitarra se erigen como los ítems más destacados del bloque instrumental. ‘What’ instaura un puente de sonoridades etéreas inquietantes, similares a un exorcismo: la yuxtaposición de canto femenino y saxo produce una imagen sonora de algo flotando en el aire, inasible, potencial causante de eventos inesperados. El exorcismo continúa con ‘In Memorian’ (cuyo inicio está
marcado por el recurrente mantra “toda dirección es un embuste”), pero esta vez hay un desarrollo más ambicioso del esquema compositivo en curso: ahora el asunto está más conectado con el legado del ART ZOYD de los primeros cuatro álbumes, con inocultables matices de RIO más moderno al estilo de 5UU’s y THINKING PLAGUE. Toda la secuencia de deconstrucciones y exabruptos surrealistas ostenta una arquitectura tan osada como refinada. A continuación sigue la triple secuencia del concepto ‘Guantanabu’, siendo así que la Parte 1 es la más extensa: durando poco más de 7 minutos, la Parte 1 prosigue con la ceremoniosa sordidez, alimentada de espíritu juguetón y amor a la oscuridad, que tan fuerte rol tuvo en el imaginario del primer ART ZOYD y el HENRY COW de “In Praise Of Learning”. La Parte 2 es un breve ejercicio de abstracción pura y dura a través de minimalistas capas electrónicas que sirve de base para la emergencia de la Parte 3; esta última retoma algo del humor inquietante y sarcástico de la Parte
1 con una actitud más “seca”, lo cual conviene a la estrictamente articulada cadencia rítmica sobre el que el ensamble se explaya de forma espartana. ‘Straviko’ hila una secuencia de varios motivos signada por el misterio y la sorpresa, dando amplio espacio a pasajes minimalistas y culminando con una coda amena y extrovertida, la cual nos remite una vez más a ART BEARS. Durando medio minuto, ‘Before The End’ opera como prólogo dadaísta a ‘Mereditika’, la última
canción del álbum: esta canción se encuadra dentro de un dramatismo aparentemente distante, pero bajo esa apariencia late una especie de desencanto que también se manifiesta en la lánguida instrumentación que se arma en el trasfondo, solo interrumpida por unos breves instantes de lúgubre intensidad. Los últimos golpes de tambor son contundentes, decisivos, como puertas que
enérgicamente se cierran para nunca más volverse a abrir.

Tal como señalamos en el párrafo inicial, FACTOR BURZACO ha dado un gran salto adelante en su proyección vanguardista con “II”: este segundo paso deberá resultar fundamental para ubicar a este proyecto dirigido por Abel Gilbert en un sitial de iluminación y explosividad dentro de la escena experimental argentina.


Muestra de “II”.-
In Memorian: http://www.myspace.com/factorburzaco/music/songs/inmemorian-79971458
Guantanabu 3: http://www.youtube.com/watch?v=Ectap129Bm8

POSEIDÓTICA y sus potentes crónicas rockeras

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En esta ocasión nos referimos a POSEIDÓTICA, banda argentina que publicó su tercer trabajo
fonográfico en la segunda mitad de 2011, un EP titulado “Crónicas Del Futuro”. Esta obra se acerca más a la fortaleza frontal del disco debut (“Inframundo” - 2005) que a la vitalidad un poco más que se desarrolló en el segundo álbum (“En La Distancia” - 2008), pero en bloque se puede decir con 100% de certeza que la obra fonográfica que viene desarrollando este cuarteto instrumental bonaerense mantiene una perfecta coherencia y una impecable consistencia en la ingeniería psicodélica. Con un cambio en el rol del baterista y un empleo más concienzudo de los sonidos de teclados (a cargo del invitado Ernesto Romeo, quien exhibe un arsenal de sintetizadores Moog, Prophet, EMS Synthi-A y Synthi AKS, Korg, Clavia Nord Stage, además del piano elécgrico Fender Rhodes), POSEIDÓTICA está dispuesto a crear nuevos matices desde dentro de su propio esquema esencial. Sin duda, los guitarreos duales a cargo de Hernán Miceli y Santiago Rúa y la sólida labor del bajista Martín Hernández se conjugan con contundente solvencia, sosteniéndose vivazmente sobre la labor percusiva del mencionado Bertrand. ¿El único problema?: que se trata de un disco muy corto... pero en fin, así son las cosas y a los hechos tal como son habrá que remitirse. Vayamos, pues, a los hechos específicos de este disco.

Los primeros 5 1/4 minutos del álbum están ocupados por ‘Elevación’, pieza cuyo preludio se instala en una clave electrónica (al más puro estilo del TANGERINE DREAM 74-77), para luego abrir paso a un cuerpo central sustentado en viscerales riffs stoner con generosos márgenes para ritmos y atmósferas space-rockeras. Tras este comienzo tan colorido e incendiario, ‘La Resistencia’ establece una opulenta masa de guitarreos psicodélicos sobre una frenética arquitectura rítmica que remite en algo al HAWKWIND clásico y en algo al GURU GURU de “Hinten”: particularmente, me parece una pena que este tema no dure más de 3 minutos y medio, pues su gancho y su energía tienen potencialidades que ameritaban un mayor espacio de tiempo para exploraciones ulteriores…. Pero bueno… el álbum sigue adelante con la secuencia de ‘Otra Fuga Incierta’ y ‘Dimensión Vulcano’: el primero de estos temas porta un aura flotante, casi ensoñadora, como una manifestación del éter, mientras que el segundo, fiel a su título, es toda una revelación de fuego volcánico a través de los colores y figuras del rock, una celebración de la contundencia y el vigor propios de las vertientes más crudas de la psicodelia. ‘Los Extraños’ trabaja matices un poco más diversos, adoptando ciertos elementos jazzeros a los desarrollos rítmicos en los pasajes iniciales y algunas cadencias lánguidamente post-rockeras en el interludio, pero atendiendo al cuerpo central de la composición en sí, ciertamente seguimos los oyentes bien adentrados en las forestas de musculatura que muy fielmente detallan el ideario esencial de POSEIDÓTICA.

‘Confines Del Caos’, a pesar de su sutilmente amenazador título, resulta más bien una pieza de ambientación meditativa, un tanto misteriosa en tono pero también portadora de una inocultable calidez: su sencilla instrumentación de rasgueos de guitarra acústica y tenues capas de sintetizador en el trasfondo es idónea para motivar una actitud reflexiva en vez de sigilo o inquietud. Inquietud sí encontramos en ‘Cyberpunk’: una vez más, no pensemos en el título del tema como alusivo a lo que Richard Pinhas designaba como el estilo musical de HELDON, sino más bien como un breve ejercicio de rock pesado de vieja usanza, un recurso para establecer un abierto contraste frente a la sencillez reflexiva de ‘Confines Del Caos’. ‘Xantanax’, por su parte, se sitúa en una encrucijada entre la sofisticación de ‘Los Extraños’ y el frenesí incendiario de ‘Dimensión Vulcano’. Definitivamente, esta pieza tiene la misión de redondear los estándares más habituales del álbum. En fin, los últimos 100 segundos del álbum están ocupados por ‘Alunizar’, un epílogo que retoma la dimensión espacial kraut del prólogo de ‘Elevación’, como cerrando el círculo del repertorio.

Balance final: “Crónicas Del Futuro” expone el firme posicionamiento de POSEIDÓTICA como expresión relevante de la vanguardia rockera argentina de los últimos años. A pesar de su corta duración, este disco resulta un ítem revelador para lograr una amplia y válida apreciación de la experimentación en el rock argentino.

Muestras de “Crónicas Del Futuro”.-
Elevación: http://www.youtube.com/watch?v=3co7TPPf4S8
Los Extraños: http://www.youtube.com/watch?v=scEtN5QtqXw

Seamos bienvenidos al mundo post-rockero de KIRLIAN

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Hoy es el día de hablar de KIRLIAN, un ensamble argentino dedicado a cultivar el post-rock con la intención de insuflarle una vitalidad y un colorido especiales a partir de recursos space-rockeros y ambient que buscan aportar un aura sofisticada al asunto, así como algunas otras excursiones por matices indie allí donde el grupo busca aligerar la carga emocional que es inapelablemente inherente a sus composiciones. Fundado en 2005, sus componentes ya contaban con 10 años de experiencia en la escena rockera de su país, y ahora se ha plasmado su visión en el disco “Bienvenido A La Tierra”, editado en 2011. Se trata de su segundo registro
fonográfico, tras un EP homónimo que data de 2007. En palabras de sus propios miembros, KIRLIAN, como proyecto musical en sí, está inspirado por inquietudes existenciales, por lo que además de trabajar con sonidos, ellos “tienen el propósito de estimular la capacidad de conectarse con algo que presumen más allá de lo cotidiano, a modo de contrarrestar, interpretar y tomar conciencia respecto a la fugacidad coercitiva que padecemos en la época actual”. Tomando como referencia a esta descripción de la misión musical de la banda, podemos decir que este disco refleja muy bien, a través de sus atmósferas cósmicas y las estrictamente balanceadas interacciones instrumentales, esas ideas de trascendencia espiritual y contemplación lúcida del entorno mundano. La alineación que grabó “Bienvenido A La Tierra” consiste en: Sergio Peña (guitarras), Luciano Pozueta (guitarras, voz), Rodrigo Álvarez (guitarra acústica, teclados, voz), Leonardo Brunengo (bajo) y Mariano Pedernera (batería). También intervienen ocasionales colaboradores al sintetizador, la guitarra y la armónica. Mención aparte merece la presentación física del CD, que incluye 4 tarjetas intercambiables para que el usuario de turno escoja una como portada específica. Su proyecto suele estar acompañado por tintes existenciales, por lo que, además de trabajar con sonidos, tienen el propósito de estimular la capacidad para conectarse con algo que presumen más allá de lo cotidiano, a modo de contrarrestar, interpretar y tomar conciencia respecto de la fugacidad coercitiva que padecemos en la vida actual. Vayamos ahora al repertorio mismo.

‘Puerta De Cristal’ abre el disco con una serenidad bastante cálida, con unas lentas secuencias de acordes de guitarra que se complacen en flotar a través de una aureola de emotividad relajada. En el pasaje final, la cadencia rítmica se intensifica para remodelar la atmósfera predominante de una manera más exultante, lo cual es muy conveniente a la hora de preparar el terreno para el siguiente tema, ‘Huellas’, el cual explora una combinación de matices space-rockeros y estándares del indie-rock introspectivo dentro del fijo patrón post-rockero. ‘La Nave Es Nuestra’ y ‘Benicio’ conforman sendos viajes hacia atmósferas más intimistas, siendo así que el primero se hace eco de la explícita luminosidad textural de las dos piezas precedentes, mientras que el segundo se instala en rincones más grisáceos, al modo de un MOGWAI remozado con el toque estilizado de unos RUSSIAN CIRCLES. ‘Otra Vez En El Desierto’ ofrece una decidida continuación de las atmósferas centrales de ‘Benicio’, aunque añadiendo una dosis extra de nervio en vistas de que el canto asume el rol de ofrecer un mensaje. ‘El Derrumbe De Una Diosa’ es un cósmico interludio minimalista que funda los cimientos para la densa ensoñación desarrollada en la secuencia de ‘Batallón Anfibio’ y ‘Agustín Y Las Cartas De Blanca’: en el caso de ‘Batallón Anfibio’ tenemos sólida una exploración en el lado más ceremonioso de la actitud reflexiva (a lo EXPLOSIONS IN THE SKY), mientras que ‘Agustín’ se focaliza concienzudamente en la elaboración de flotantes atmósferas psicodélicas en torno a la minimalista secuencia repetitiva de acordes realizada por las guitarras duales. Así, cuando llega ‘Proyecciones’, la banda decide sacudirse un poco de la inquietante densidad en aras de una espiritualidad un poco más relajada, articulando una base recurrente cuya monótona sencillez estructural permite al grupo instaurar algunos momentos de muscularidad, especialmente durante los dos últimos minutos, sin desestabilizar una sola molécula de la bien instalada atmósfera de línea ambient. ‘Nuestra Última Danza’ es una cándida balada post-rockera que vuelve a conectar a la banda plenamente con el estereotipo del indie-rock introspectivo, algo que también habremos de encontrar en ‘Bienvenido’, aunque en esta ocasión se alterna con atmósferas distantemente grisáceas basadas en una cadencia radicalmente minimalista (al modo de un CAN "domesticado"); la idea de ‘Bienvenido’ se redondea con la conclusión engarzada que brinda ‘Fuegos De Artificio’, pieza cuya etérea agilidad hace que al álbum termine con un aura optimista, una vez más, con un notable componente ambient en los fondos de sintetizador.

“Bienvenido A La Tierra” es una estupenda gema post-rockera sudamericana, un amplio testimonio del rol que KIRLIAN tiene dentro de la amplia y diversa gama de iniciativas de rock experimental que se han venido gestando en los últimos años al margen del mainstream musical argentino.


Muestras de “Bienvenido A La Tierra”.-
Puerta De Cristal: http://www.youtube.com/watch?v=zXqbWh7FmvA
Benicio: http://www.youtube.com/watch?v=jjmYxv1yYWo
Batallón Anfibio: http://sadness.bandcamp.com/track/batallon-anfibio-kirlian