QUANTUM FANTAY y sus rituales prog-psicodélicos para la Madre Tierra

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El grupo belga QUANTUM FANTAY vuelve a la carga con una nueva gema del prog psicodélico contemporáneo: “Terragaia”. Ya estamos a 10 años del momento de su formación y con este nuevo disco ya suma cinco discos de estudio hasta el momento dentro de una carrera que también incluye dos discos en vivo. Actualmente, QUANTUM FANTAY consta de Pete Mush [sintetizadores y efectos], Jaro [bajo, djembé, didgeridoo y canto], Gino Bartolini [batería, djembé y otras percusiones] y Dario Frodo [guitarras eléctricas y acústica], contando con las colaboraciones ocasionales de Anaisy Gómez (integrante del grupo cubano ANIMA MUNDI) a la gaita y de Nele Casneuf al arpa. La deserción del flautista Charles de la alineación oficial de QUANTUM FANTAY no ha impedido que aporte algunas líneas de flauta a ciertos temas del disco: por lo demás, la riqueza sonora que el grupo siempre ha sabido generar desde su propuesta space-rockera ampliamente inspirada en los paradigmas de OZRIC TENTACLES, GONG y HAWKWIND noestá menguada en lo absoluto. Claro está, en los cuarteles de QUANTUM FANTAY se ha gestado y madurado algo más que una labor de clonación de influencias precedentes, y la misión de “Terragaia” es la de seguir asentando esta personalidad propia dentro de la continua renovación de tradiciones progresivas específicas. Vayamos al disco en sí, ¿vale?

‘Journey To Earth’ da inicio al disco con un vigor llamativo desde donde se da un punche decisivo al muy exótico motivo del jam central; el viraje hacia cadencias reggae que se da en algún momento ayuda a darle un giro nuevo al colorido vigente. Con ‘Azu Kéné Dékké Leppé’, la banda experimenta con una mayor complejidad rítmica a través de los sucesivos empleos de elementos tribales, factores sinfónicos, incursiones en el space-rock de inspiración Tentacular y simpáticos interludios latino-tropicales: un collage genialmente armado, sin duda. ‘Desert Rush’, el tercer tema, se encarga de elaborar una arquitectura rítmica trepidante sobre la cual las intervenciones de la guitarra y los sintetizadores se dan mucho abasto para reflejar vigor a flor de piel… y de paso, darle un nuevo giro de tuerca al paradigma de OZRIC TENTACLES. ‘Aargh’ ofrece un cambio de registro al insertarse en aires célticos: parece casi un remanente del disco solista de IAN ANDERSON “Divinities” debidamente sazonado con ornamentos psicodélicos de sintetizador y con un nervio más directo en la labor del baterista. Las presencias de la gaita de Anaisy Gómez y el arpa de Nele Casneuf son oportunas en pasajes estratégicos, y lo mismo vale para la flauta de Charles. Durando casi 11 minutos, ‘Instant Karma’es la pieza más larga del álbum. Siguiendo por un sendero conocido pero añadiendo elementos de sinfonismo y jazz-rock al asunto, la banda sabe cómo manejar y sostener el gancho de los jams sucesivos y mantener genuinamente la atención del oyente. Cabe hacer una mención especial a Frodo, quien elabora magníficos solos de guitarra – acústica y eléctrica – en varios pasajes de este tema. ‘Chipsticks And Gongs’ vuelve a la entusiasta trepidación rítmica de ‘Desert Rush’ pero con una mayor riqueza típicamente progresiva en el desarrollo de sus motivos melódicos: incluso las partes de flauta y algunas intervenciones de la guitarra suenan muy a lo JETHRO TULL.

  

Hasta ahora el álbum va muy bien, no apartándose mucho de lo que aprendimos a esperar de un álbum de QUANTUM FANTAY pero con un estupendo despliegue de ingenio en cada ítem del repertorio, y cuando llega el turno ‘Indigofera’ no nos decepcionamos porque nos ofrece un interesante ejercicio de medios tiempos etno-psicodélicos con un correcto manejo de cadencias tribales a través de un razonablemente sofisticado esquema rítmico; incluye también algunos pasajes de didgeridoo. ‘Yah Roste Fooroap’ empieza como un dub-reggae de talante psicodélico (un truco utilizado por lo menos una vez en cada disco de OZRIC TENTACLES), y así se establece el cuerpo central de la pieza. Un interludio reflexivo abre campo para que se desarrolle un hermoso solo de sintetizador cuya serena vibración volverá a emerger más tarde durante el segundo momento del pasaje reggae. Para el momentum final, el grupo se explaya por un momento en un frenesí que parece un HAWKWIND “tecnificado” antes de replantear el reggae en clave de ska cósmico sazonado con aires arábigos. ‘Cowdians’ es la segunda pieza más extensa del álbum durando poco más de 10 minutos. Tras un prólogo expectante que resuena un poco al prototipo del VANGELIS de los 70s, el grupo se enfila hacia un motivo country-rock que nos toma de sorpresa de una forma agradable. Los posteriores desarrollos hard-rockeros y jazz-rockeros sirven para darle una sólida prestancia progresiva al asunto mientras se sigue desplegando en su ambicioso espectro temporal. El final consiste en un reprise del prólogo seguido de un último aliento rockero basado en uno de los riffs que antes habían hecho acto de presencia. En fin, ‘Journey From Earth’ cierra el disco con una magnífica entrada al mundo del sinfonismo puro (se notan ribetes de YES y CAMEL en el espíritu musical que ilustra el cuerpo central) mientras conserva el groove intenso del space-rock estandarizado: de hecho, esta preservación sirve de acicate para que el grupo elabore un ejercicio de furia rockera en el crescendo crucial. El breve pasaje final de sintetizador supone una coda muy agradable.

Fueron alrededor de 70 minutos de música progresiva cósmica y la verdad que ningún minuto ha sido desperdiciado en cuanto a grandeza sónica… ni siquiera un segundo: QUANTUM FANTAY se sigue afianzando como una figura líder del prog psicodélico europeo y no da indicio alguno de decadencia creativa en el presente o el futuro próximo. “Terragaia” es un deleite altamente recomendable para los coleccionistas progresivos de todo el mundo.

Muestra de “Terragaia”.-

Desert Rush: https://www.youtube.com/watch?v=RVF6mGdUjeo

Yah Roste Fooroap: http://www.youtube.com/watch?v=vjyGIgl5D5Q

KAUKASUS, un mágico proyecto progresivo de Escandinavia

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Hoy es hora de presentar a un trío escandinavo que realmente es un súper-grupo donde se congregan luminarias progresivas de Noruega y Suecia a partir de experiencias en bandas tan variopintas como JAGA JAZZIST, MOTORPSYCHO, THE OPIUM CARTEL, ÄNGLAGÅRD y WHITE WILLOW: nos referimos a KAUKASUS, que ha publicado su primer disco titulado concisamente “I” a inicios de mayo pasado. ¿Y quiénes son estas luminarias? Pues… Ketil Vestrum Einarsen [flautas alto y soprano, corno tenor, flauta preparada, hulusi, piano eléctrico, saxxy, spektrals, sintetizador EWI],  Rhys Marsh [voz, guitarras eléctrica, acústica y pedal steel, bajo, pianos acústico y Fender Rhodes, mellotrón, caja de ritmos ] y Mattias Olsson [batería, percusión, marimba, mellotrón, Orchestron, Optigan, pedales Moog Taurus, sintetizadores VCS3 y Mother modular system, guitarra barítono]. Pues sí, la palabra «luminarias» ha sido bien empleada. Se ha utilizado nada menos que tres estudios para registrar y producir el repertorio del álbum: Hestehagen Studio (en Oslo), Autumnsongs Recording Studio (en Trondheim) y Roth Handle V (Estocolmo). En efecto, se trata de un proyecto de estudio concebido y grabado por tres mentes ubicadas en tres lugares distintos… y aún así, la sinergia musical plasmada en el repertorio del álbum da buena fe de la sintonía intelectual y estética que congregaba a estas tres mentes a través de la distancia. El resultado es una musicalidad sinfónica peculiar y moderna, de innegable raigambre escandinava, sensible al ingreso de recursos propios de la psicodelia suave, el pop-rock aventurado y ciertas tonalidades ocasionales propias del krautrock sintético.

 

‘The Ending Of Open Skies’ abre el álbum mostrando una musculatura rotunda y efectiva tras unos segundos iniciales signados por climas cósmicos aleatorios. La vitalidad desarrollada por Olsson desde su asiento detrás de los tambores y platillos sirve para impulsar la energía exhibida por el bloque instrumental íntegro. El canto de Marsh se sitúa cerca de DAVID SYLVIAN estilísticamente hablando aunque su rango y tonalidad ligeramente ronca lo aproximan más a (del grupo polaco QUIDAM). Luego sigue ‘Lift The Memory’, canción que dura casi 9 minutos y que constituye un pináculo dentro del repertorio general. Su mezcla de fuerza de carácter y oscuridad emocional ubica al grupo en un cercano parentesco con el espíritu de los últimos discos de WHITE WILLOW y de ANEKDOTEN, tal vez con una mayor cercanía a la solemnidad etérea al primero de estos grupos mencionados. Las capas de teclado y los retazos de color dibujados por los vientos sirven para hacerse eco del aura melancólica explícita en el canto de Marsh, mientras que la labor de la batería se instala y diversifica según se da la ocasión de centrarse en los aspectos más apasionados o más lánguidos de la canción. ‘In The Stillnes Of Time’ y ‘Starlit Motion’ se suceden para seguir reforzando y ampliando la visión musical de la banda. El caso de la primera de estas canciones se basa en una confluencia entre la emotividad dinámica del mejo prog moderno (QUIDAM, RPWL) y la patente vulnerabilidad espiritual de unos RADIOHEAD; por su parte, ‘Starlit Motion’ es todo un trance electrónico flotante que nos remite a los tiempos del krautrock electrónico de tendencia minimalista (TANGERINE DREAM, CLUSTER). 

‘Reptilian’ – que es, dicho sea de paso, la canción más larga del álbum con sus más de 9 minutos de duración – focaliza sus energías en sembrar nuevos recursos de colorido sonoro después del peculiarmente intenso viaje introspectivo que supuso la dupla precedente. Lo que nos brinda ‘Reptilian’ es un nuevo cénit de expresividad y musicalidad exquisita donde la tensión emocional se recubre de elegantes capas de niebla sobre un esquema rítmico urgente, que no abrumador.  El breve interludio basado en capas de mellotrón sugiere una cierta aureola amenazante, pero en realidad se trata de un recurso para generar una expectativa nueva para el oyente; de hecho, el clímax sónico en 7/8 nos ofrece un agradable recordatorio de aquellos tiempos en los que las huestes de LANDBERK y ANEKDOTEN mostraban un ímpetu nuevo y peculiar del paradigma Crimsoniano en la provincia escandinava del revival de los 90s. ‘The Witness’ regresa a atmósferas del tipo de ‘In The Stillness Of Time’, incluso ahondando más en su neblina introspectiva. La manera en que se interconectan los ornamentos de viento y guitarra pedal steel es crucial para completar el retrato emocional que se basa en el dueto de voz y teclado. En fin, ‘The Skies Give Meaning’ cierra el álbum casi aparentando que cierra la idea de ‘The Witness’, pero su climática exaltación grisácea y densa conforma una entidad perfectamente autónoma, empapada (una vez más) de medidas influencias Crimsonianas filtradas a través de los paradigmas de WHITE WILLOW y LANDBERK. Pocas veces puede la melancolía revestirse tan genuinamente de vigor, pero ciertamente eso es lo que hace este trío con el cénit conclusivo del disco.

Han sido poco más de 45 minutos de gloria progresiva los que nos han regalado KAUKASUS con “I”, un disco que reactiva y condensa algunas de las cualidad más notables que habían convertido a la ola revivalista escandinava como un referente esencial para el rock progresivo de los últimos cinco lustros. Ojalá KAUKASUS tenga más iniciativas en su horizonte cercano, pues “I” nos ha gustado bastante… ¡y de hecho, lo recomendamos!

Muestra de “I”.-

Lift The Memory: https://www.youtube.com/watch?v=t2_xpSZ_h4w

In The Stillness Of Time + Starlit Motion: https://www.youtube.com/watch?v=m8mBwdphyRc

Las bolas de sonido de FEM

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Hoy centramos nuestra atención en FEM (o FORZA ELETTRO-MOTRICE, como se prefiera llamarlo), un grupo progresivo italiano formado en 2007 a partir de las cenizas de varios otros grupos disueltos que se dedicaban a hacer versiones de viejos grupos progresivos. Pues bueno, una vez formado FEM, sus integrantes se pusieron a hacer lo mismo mientras empezaban a crear sus propias composiciones, las mismas que finalmente llegan ahora a integrar su disco debut, el EP “Epsilon” de 2102, y ahora “Sulla Bolla Di Sapone”. Este disco que contiene 15 temas fue publicado por el sello Fading Records a fines de marzo pasado, y supone una muy grata sorpresa para los amantes del rock sinfónico de ayer y hoy. La banda está alineada por Paolo Colombo [guitarras y voz], Alberto Citterio [pianos, órgano, sintetizadores, mellotrón y voz], Marco Buzzi [bajo y voz], Emanuele Borsati [batería, percusión y voz] y Massimo Sabbatini [voz principal]. Este último reemplaza a Giacomo Balzaratti, quien había participado en “Epsilon”.“Sulla Bolla Di Sapone” es un disco conceptual basado en un relato del alemán Kurd Lasswitz, una de las figuras más celebradas de la literatura de ciencia-ficción: esta estructura conceptual explica por qué las 15 piezas están hiladas en un continuum, además del hecho de que casi siempre se establezca sucesiones mutuas entre temas cantados e instrumentales.

‘Il Giardino Delle Consuetudini’ pone en marcha las cosas con un inconfundible sello Emersoniano-Yessero que se alimenta oportunamente con alusiones al viejo paradigma de PFM y los más recientes de TRANSATLANTIC y KARMACANIC. La dupla de ‘Microgen’ y ‘Microgen Parte 2’ nos brinda una versión más exaltada de lo mismo, abriendo campo hacia una eficaz expresividad dramática de parte del vocalista principal y una musicalidad notablemente más ambiciosa de parte de los instrumentistas. ‘Il Mondo Bianco Opaco’es un bello instrumental basado en el piano al cual se añaden orquestaciones de sintetizador y ornamentos armónicos de glockenspiel, con lo cual se prepara el terreno para el ligero dinamismo jazz-rockero de ‘Consapevolezza’; el cálido cierre con base de piano nos remite al instrumental inmediatamente precedente. ‘Incontro Con I Saponiani’ es un nuevo instrumental que vira las cosas hacia un filo más agresivo, añadiendo matices góticos y casi metaleros al sabiamente complejo desarrollo temático que, a pesar de durar poco más de 2 minutos, arrolla con su exuberancia imponente. ‘Nella Città’ porta una espiritualidad ágil y vibrante que exuda tremendas dosis de afinidad con YES y LA MASCHERA DI CERA: el colorido melódico es patente en el desarrollo del cuerpo central, pero la coda se arma en base a grisáceas capas de sintetizador desde donde se proyecta el esplendor ceremonioso del siguiente tema, ‘Il Signore Dei Pensanti’, un instrumental que se mueve en las coordenadas intermedias de LED ZEPPELIN y PINK FLOYD en sus pasajes más pesados, virando luego a los paradigmas de BMS y PFM en sus momentos más fastuosos. Un gran instrumental que se puede apreciar como un hermano “más serio” del incansablemente juguetón ‘Microgen’. Cuando emerge ‘Processo Alla Verità’, se nota que recibe de lleno el impulso de ‘NellaCittà’ e ‘Il Signore Dei Pensanti’ debido a su policromático dramatismo: también incluye una cita de ‘Microgen Parte 2’ en su epílogo.

‘Riflessioni’ incorpora una notoria novedad al proyectarse hacia una ambientación bucólica en base al matrimonio de guitarra acústica y piano, aunque claramente la estructura compositiva de la pieza tira hacia el jazz y no hacia el folk acústico. ‘Il Peso Della Conoscenza’ vuelve a la alegría llevadera de ‘Consapevolezza’ (al modo de un híbrido entre el PFM de “Chocolate Kings” y el CAMEL de “Rain Dances”). Lo que sigue a continuación es una dupla de instrumentales: ‘Un Viaggio Lungo Un Istante’ y ‘Reviviscenza’: el primero establece un viaje Genesiano (de la época 76-77) con un toque extra de punche psicodélico y un guitarreo más cercano al genio de Gary Moore que al de Steve Hackett, mientras que el segundo está claramente enfilado hacia el jazz-fusión melódico con sutiles matices sinfónicos. Los dos últimos temas del disco son cantados: ‘Ritorno Al Giardino’ es básicamente una balada sinfónica arropada con teclados que exhiben una tremenda fuerza de carácter, añadiéndose en ciertos momentos unos interludios de tono ágil donde la guitarra asume el protagonismo; ‘E Il Mondo Scoppierà’ emerge de las cenizas de la canción anterior para elaborar una armazón melódica robusta y llamativa que deriva en una pomposa demostración de sinfonismo de vieja escuela.

  

Parece ser que la escuela actual de rock retro-progresivo italiano está lejos de agotarse: bandas nuevas como FEM son capaces de dar nueva vitalidad y colorido a esta vertiente, tal como se demuestra fehacientemente en “Sulla Bolla Di Sapone”. Realmente nos ha causado una buena impresión este disco.


Muestras de  “Sulla Bolla Di Sapone”.-
 Nella Città: https://www.youtube.com/watch?v=uavdRVBjQEQ

Il Peso Della Conoscenza: http://www.youtube.com/watch?v=XBkD4NhjnL4

AD MAIORA o los asuntos más nobles del sinfonismo italiano contemporáneo

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Hoy es el turno de presentar al grupo italiano AD MAIORA, el cual nos sorprende gratamente con su homónimo disco debut. Fundado en Milán a inicios del año 2009, AD MAIORA está conformado por el baterista Enzo Giardina, el guitarrista Flavio Carnovali, el bajista Moreno Piva (quien también aporta tocadas de guitarra clásica), el vocalista Paolo Callioni y el teclista Sergio Caleca, siendo así que este último es quien se encarga de crear la mayor parte del material de la banda. El grupo comenzó como cuarteto en base a las experiencias previas en otras bandas de rock progresivo de los instrumentistas; la misión del grupo fue la de reforzar el inmortal sueño del rock sinfónico con un nuevo vigor y un colorido musical sistemáticamente ambicioso, absorbiendo influencias de los viejos paradigmas de GENESIS, ELP, YES, PINK FLOYD y PFM, mientras exhibe afinidades con las propuestas de IL CASTELLO DI ATLANTE y el FINISTERRE de los dos primeros discos. Recién a fines de 2011 ingresó Callioni a las filas de AD MAIORA una vez que el grupo decidió trabajar también con partes cantadas en varias de sus composiciones. Ha sido un largo camino hasta que el grupo pudo editar por iniciativa independiente esta joya sónica que es “Ad Maiora!”, a inicios del pasado mes de marzo. El nombre del grupo es un extracto de la frase latina “ad maiora nati sumus”, que quiere decir “hemos nacido para asuntos más nobles”: veamos cómo cumple el grupo con el significado de este solemne enunciado a lo largo del repertorio de este disco.

‘Diatriba’ da inicio al álbum con una exhibición de belleza y pomposidad que se acomoda perfectamente a los afanes preciosistas de la tradición prog-sinfónica. La pulcra labor de ingeniería que instaura el cuerpo central e inserta los debidos interludios se asegura firmemente de que no decaiga ni por una milésima de segundo el nivel de fuerza expresiva del desarrollo instrumental. La dupla de ‘Sugo Dance’ y ‘Dream’ se encarga de reforzar el impacto inicial del disco y lo hace con eficacia y carácter: la primera de estas piezas muestra una agilidad alegre que nos remite a grandes leyendas del prog italiano (PFM, ACQUA FRAGILE), especialmente por las cadencias folclóricas que signan algunas de las pautas rítmicas utilizadas; la segunda enfoca sonoridades de rock duro y blues-rock dentro de un encuadre suficientemente estilizado como para traducirse en una virguería jazz-progresiva. El cuarto tema, titulado ‘Eclissi Orientali’, es el primero con letra: ¡por fin nos enteramos de a qué suena el canto de! Bueno, suena un poco a Lanzetti (ACQUA FRAGILE) y a (IL CASTELLO DI ATLANTE). Asumiendo primordialmente un talante ceremonioso sobre un medio tiempo AD MAIORA sigue explorando sus inquietudes de limpieza melódica y calidez rockera con la dupla de ‘Nulla Intenso’ y ‘Strange’: el primero desarrolla una emotiva vibración espiritual al más puro estilo sinfónico bajo la pauta de la guitarra (luciéndose al modo de un HOWE con BECK); el segundo tiene estructura de balada, motivado por recursos muy en la onda del CAMEL post-1980.

Siendo la pieza más larga del disco con sus casi 11 minutos de duración, ‘Menate’ establece el cénit decisivo del repertorio con el halo mágico que destilan sus motivos envolventes y atmósferas serenas. La mayor parte de estos motivos se ubica en la orilla cándidamente reflexiva del estándar sinfónico, pero sin duda también hace gala el grupo de su garra rockera en varios pasajes estratégicos. El título del octavo tema es muy curioso. ‘Summertime’, exactamente igual esa aria de Gershwin que se convirtió en una de las baladas más famosas de la historia del rock. Bueno, pues en el caso de esta oda estival particular de AD MAIORA tenemos un ejercicio de musicalidad jazz-progresiva alimentada de una sensualidad sutil: algo así como una cruza entre el CAMEL de “Breathless” y el PFM de “Jet Lag”. Los últimos 15 ½ minutos del álbum están ocupados por la secuencia de ‘Corolla’ y ‘No More War’: el primero es un instrumental que recoge, en buena medida, el colorido plácido y ágil de ‘Sugo Dance’, mientras que el segundo establece un vigor rockero contenido de una forma muy semejante a como ocurrió en el cuerpo central de ‘Eclissi Orientali’. Se trata de un muy buen tema en tanto que tiene una armazón melódica coherente, pero tal vez resulta un poco anticlimático que se posicione al final del álbum después de que temazos como ‘Menate’ o ‘Corolla’ desplegaron sendas muestras de electrizante extroversión sonora. Pero bueno, así está hecho el repertorio y es lo que hay.

Vitalidad e ingenio melódico son ingredientes faltantes para una buena propuesta prog-sinfónica, y sin duda estos tipos de AD MAIORA cumplen cabalmente con los requisitos para plasmar ambos en una música interesante y constructiva para la escena progresiva de nuestros días. “Ad Maiora!” es un disco ampliamente recomendado.

Muestras de “Ad Maiora!”.-

Diatriba [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=_FhbGGZD8Vo

Strange: http://admaiora.bandcamp.com/track/strange

Menate: http://admaiora.bandcamp.com/track/menate

La nueva odisea prog-sinfónica de SYNDONE

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Hoy nos topamos con la banda italiana SYNDONE, fundada a fines de 1989 en la bella ciudad de Turín, y que en este año 2014 nos entrega su nueva placa fonográfica “Odysséas”, un disco conceptual en torno a La Odisea de Homero. Este trabajo, el quinto de su discografía, marca el afianzamiento decisivo de la segunda etapa de SYNDONE, que se separó a mediados de los 90s y recién resucitó en 2010 con la edición de “Malapesante”. ¡Y vaya si no significa “Odysséas” un afianzamiento grandioso de esta resurrección progresiva! El grupo que grabó este disco en cuestión consistía en el trío nuclear de Nik Comoglio [teclista y miembro fundante], Francesco Pinetti [vibrafonista] y Riccardo Ruggeri [vocalista]. Pero esto no es todo: el bajista Federico Marchesano operó, más que como un invitado, como un virtuoso embajador musical entre los ambiciosos despliegues melódicos de turno y la labor eficiente del baterista. ¿Y quién estuvo a cargo de la batería? Pues… un invitado de lujo llamado Marco Minnemann (sí, el de THE ARISTOCRATS y otros proyectos diversos). También formó parte de esta empresa hay una pléyade adicional de instrumentistas a los bronces, maderas y cuerdas, siendo así que el que más llamará la atención al hincha progresivo promedio es el flautista John Hackett. Actualmente, SYNDONE está conformado por el sexteto de Comoglio, Ruggeri, Maurino Dellacqua, Marta Caldara (reemplazando a Pinetti), Gigi Rivetti y Martino Malacrida, una formación que ya está fogueándose sobre los escenarios mientras puede, apoyando la promoción de este nuevo disco. Vayamos ahora a los detalles del repertorio de “Odysséas”.

‘Invocazione Alla Musa’ es un punto de entrada vigoroso e inquietante, lleno de explosivos coloridos: el esquema rítmico desarrollado para la ocasión se ajusta vivaz y eficazmente al abierto despliegue de sofisticada vitalidad que tiene lugar. 3 minutos y pico de pura gloria progresiva donde confluyen los fantasmas de GENTLE GIANT, ELP y ARTI E MESTIERI. Por su parte, ‘Il Tempo Che Non Ho’ cambia totalmente de registro para centrarse en una espiritualidad meditabunda: todavía se nota un cierto colorido en el arreglo del esquema melódico en curso, el cual termina por hacerse conmovedoramente explosivo duranteun interludio cerca del final, pero sin duda que el grupo ha entrado a terrenos introvertidos revestidos de cierta aureola de densidad emocional. ‘Focus’ vuelve los recursos de vigor y lo hace explayándose hacia un apasionamiento fastuoso, incluso aparatoso. La cadencia R’n’B del encuadre rítmico permite al bloque sonoro dirigido por el órgano y aumentado por refinados arreglos de bronce crear un ambiente ceremonioso para el desarrollo temático. ‘Penelope’ empieza con un preludio de corte mediterráneo-arábigo antes de que el cuerpo central se instale en base al dueto de piano y voz; algunos ornamentos de flauta entran a tallar para aportar elegantes coloridos en torno al desarrollo temático dibujado por el piano. ‘Circe’ es un animal de una especie totalmente diferente: a contrapelo del romanticismo serenamente triste de ‘Penelope’, ‘Circe’ se embarca hacia una navegación musical grácil y sofisticada donde el sinfonismo y el jazz-rock se hermanan en un solo esquema sonoro: aquí está el sueño hecho realidad para quienes soñaban con un híbrido entre los paradigmas de RETURN TO FOREVER y de RICK WAKEMAN… y con su toque un poco a lo D.F.A. por aquí y por allá. En un espectro de solo 2 ½ minutos, el ensamble instrumental llena espacios por doquier mientras el swing se impone con pulcra complejidad. ‘Ade’ nos sigue remitiendo hacia caminos semejantemente extrovertidos, pero esta vez con un groove un poco menos rotundo y una actitud más libre de parte de los teclados en esos momentos cuando le toca ocupar un rol protagónico.  

Para cuando emerge ‘Poseidon’, la banda se enzarza en una tremenda aventura instrumental donde confluyen los legados de ELP y PFM: vibraciones aguerridas y florituras coloridas tanto en las ilaciones melódicas como en el esquema rítmico, algo muy impresionante dentro de un espacio temporal que no llega a los 2 ½ minutos de duración. Hilándose con el tema anterior, ‘Nemesis’ recibe el impacto de su talante extrovertido y lo lleva – nuevamente – hacia una ágil mezcla de sinfonismo y jazz-rock que a veces lleva a SYNDONE a establecer ligeros parentescos con las bandas compatriotas D.F.A. y DEUS EX MACHINA. Las líneas del canto definitivamente se enfilan hacia juegos disonantes mientras que el punche de la dupla rítmica y los efluvios del sintetizador en sus solos nos remiten al RETURN TO FOREVER del “Romantic Warrior”. ‘La Grande Bouffe’ se engarza con el final de ‘Nemesis’ para llevar el esplendor sonoro conquistado por éste hacia una dinámica un poco más mesurada, pero para nada supone esto el más mínimo decrecimiento en la expresividad fastuosa que la banda siempre sabe sacar a colación. ‘Eros & Thanatos’ redondea la faena elaborada por la secuencia de las dos piezas precedentes antes de que emerja ‘Vento Avverso’ con sus contemplativos aires manieristas, centrados en un piano que muestra su carácter en medio de la delicadeza emocional que se impone para la ocasión. ‘Ελευθερια’ es un interludio de vibráfono que traza un oportuno puente entre ‘Vento Avverso’ y ‘Daimones’ canción que ocupa los últimos 5 minutos del álbum: esta canción de cierre asume una ceremoniosidad tan sólida como cálida, apuntando hacia el mismo corazón del estándar del rock progresivo italiano de primera generación (a medio camino entre LE ORME y METAMORFOSI).

 

¡Cómo se han lucido este trío de Comoglio, Pinetti y Ruggeri junto con sus colaboradores! La verdad que SYNDONE y “Odysséas” son referentes esenciales para lo mejor del rock sinfónico italiano que se ha hecho en los últimos años, por lo que no podemos sino calificar de “altamente recomendado” a esta joya musical.

Muestra de “Odysséas”.-

Focus: https://www.youtube.com/watch?v=B7K7GczYCjA

Circe [en vivo]: https://www.youtube.com/watch?v=-d8HsSSunU0

Ade [en vivo]: https://www.youtube.com/watch?v=DPhLXAVvDXQ

[Dedico la presente reseña a Gustavo Bolasini con todo mi agradecimiento por haberme presentado este hermoso disco.]

LED BIB: desde el vecindario del deleite musical

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Hoy nos complacemos en traer a colación el nuevo trabajo discográfico del grupo británico LED BIB “The People In Your Neighbourhood”, y definitivamente es un placer porque advertimos que este quinteto conformado por el baterista Mark Holub, los saxofonistas Pete Grogan y Chris Williams, el contrabajista Liran Donin y el guitarrista Toby McLaren ha vuelto a crear una gozada dentro de las coordenadas de la avanzada jazz-progresiva de nuestros días. Este disco y otro en vivo titulado “The Good Egg” (exclusivamente editado en vinilo) sirven para celebrar el undécimo aniversario de esta banda que se inició bajo la iniciativa del baterista (y principal compositor) Mark Holub mientras era parte del alumnado de la Universidad de Middlesex. La intensa amalgama de jazz vanguardista, rock experimental, prog psicodélico y Canterbury al cual nos tiene acostumbrados los de LED BIB disco tras disco se reitera y alimenta de renovador vigor en   “The People In Your Neighbourhood”, disco que amenaza con convertirse en una de las cimas decisivas de la música jazz-progresiva hecha en 2014. Vayamos a los detalles del repertorio, ¿vale?

‘Teles’ abre el álbum con más de 5 ¼ minutos de plenitud colorida donde el quinteto pone toda la carne en el asador; los saxos se asocian y disocian con un ordenado sentido de la aventura mientras los teclados elaboran capas y ornamentos cósmicos, todo ello dentro de una armazón rítmica que la dupla Holub-Donin sustentan con un pulso tremendo. Tras este esplendoroso tema de inicio emerge ‘Giant Bean’, tema cuyo prólogo ceremoniosamente grisáceo no deja anticipar el tenor dinámicamente travieso que se asumirá en el ulterior desarrollo multi-temático donde confluyen free jazz, psicodelia progresiva y elementos muy cercanos a ciertas formas de R.I.O. ‘Angry Waters (Lost To Sea) y ‘This Roofus’ se encargan sucesivamente de mostrarnos más recursos que la banda nos tiene preparados para el presente disco. El primero de estos temas nos muestra a la banda explorando texturas comedidas en climas lánguidos, logrando así elaborar un excelente ejemplo de sonoridades crepusculares no ajenas a ciertos arrebatos ocasionales; por su parte, ‘This Roofus’ nos devuelve a explayamientos de soltura y extroversión dentro de una espiritualidad cálidamente retorcida, una espiritualidad solventemente sustentada sobre las precisas virguerías que exhibe Holub frente a sus tambores y platillos. ‘Recycling Saga’ muestra la faceta lírica de LED BIB con un moderado uso de densidad, suficiente para alimentar de fuego el motivo central de la composición y para no alterar la energía expresiva diseñada para la ocasión – los solos dibujados por ambos saxos son simplemente fabulosos, de los mejores que encontramos en el repertorio íntegro. ‘Plastic Lighhouse’ surge para reactivar la muy recurrente dimensión lúdica y extrovertida del grupo: los nexos con ‘Teles’ y ‘Giant Bean’ en cuanto a la actitud son inocultables en verdad... y de paso, también son innegables ciertos aires a lo ZAPPA.

 

‘Tastes So Central’ es una de las piezas más largas del disco – dura 8 ½ minutos – y solo con ese dato tenemos la garantía de un nuevo disfrute a través de estímulos sonoros expansivos e inteligentes. De forma más concreta, nos encontramos con un ejercicio de elegantes ilaciones de ambientes diversos que van desde lo extrovertido hasta lo sereno, pasando en el ínterin por unos parajes ensoñadores de fuerte raigambre jazz-psicodélica (algo así como el SOFT MACHINE del “Third” o el primer disco de MATCHING MOLE). ‘Imperial Green’ sigue a continuación para desplegar colores sónicos bien trazados dentro de un claroscuro intensificado por el crescendo intermedio, antes de que entre a tallar ‘Curly Kale’ con pura vivacidad, la misma que está prístinamente dosificada en su patente urgencia. ‘At The Ant Farm’ nos devuelve a las ambiciones más sofisticadas que conforman el ideario sónico de LED BIB: cambios notorios de ambientes y ritmos, ilaciones genialmente enlazadas de motivos dispares, alternancia de exultantes grooves jazz-rockeros y pasajes marcados por un  talante reflexivo, con las infaltables irrupciones de misteriosos climas psicodélicos en ciertas partes estratégicas. ¡Parece que al grupo no le bastó con ‘Tastes So Central’ y ‘Giant Bean’! De hecho, estas tres piezas deberán ser interpretadas y apreciadas como sendas expansiones climáticas de la osadamente ecléctica  musicalidad ostentada por el grupo a lo largo del disco.

Durando casi 9 minutos, ‘Orphan Elephants’ resulta siendo el tema más extenso de “The People In Your Neighbourhood”, cerrándolo con broche de oro. Toda la esencia intensa de donde LED BIB saca sus mejores ideas también funciona cabalmente en esta pieza, pero esta vez se la remodela con una estrategia más contenida que la empleada en los temas más explícitamente complejos del disco. El muy melancólico motivo dirigido por el piano que emerge en el intermedio se engarza a la perfección dentro de la arquitectura global de la pieza para así armar la vía hacia el cierre en un elegante crescendo: como siempre, los saxos llenan espacios sin hacer que sus presencias saturen, lo cual permite que el dinamismo de la dupla rítmica también se haga notar sin problema. Y así termina nuestra experiencia con “The People In Your Neighbourhood”, un deleite para nuestros oídos gestado en esa fábrica de explosiva creatividad jazz-progresiva que es LED BIB. ¡Disco recomendado con creces!

Muestras de “The People In Your Neighbourhood”.-

Teles [video-clip]: http://www.youtube.com/watch?v=225ymLT5N2s

At The Ant Farm [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=eHWD1lmb9YU

Recycling Saga [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=IAncZY9eE6w

Desde los cuatro vientos, sobre las alas de MASAL

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy estamos de buenas nuevas porque MASAL, el proyecto progresivo de corte Zeuhl-jazz concebido por el multi-instrumentista francés Jean-Paul Prat reemerge de las cenizas con un muy bello disco titulado “Viens De Quatre Vents”, el mismo que ha sido publicado por Musea Records a mediados de abril pasado. Jean-Paul Prat se concentra casi exclusivamente en el piano de cola Bösendorfer (añadiendo solamente una intervención al bajo en un tema) mientras su hijo Jean Prat se encarga de la batería Vincent Brizoux de los saxofones y Steve Marsala de las guitarras; Jérôme Trigon  y Julien Sarazin se alternan en el rol de bajista en los cuatro temas restantes. Técnicamente hablando se trata del segundo disco de MASAL en tanto que este ensamble fue creado por Jean-Paul Prat a fines de los 70s a partir de sus múltiples experiencias integrando bandas de estilo Zeuhl y jazz-rock, e incluso llegó a grabar un disco en 1982, pero este mismo disco pasó a ser atribuido al Sr. Prat como solista, siendo el título del álbum justamente “Masal”. En los 90s, el disco “Masal” será editado con bonus tracks completando un repertorio de 75 minutos. Bueno, yendo a “Viens De Quatre Vents” en concreto, lo que encontramos allí es un catálogo de estilizados viajes sónicos donde el ensamble muestra su absoluto oficio a la hora de darle vueltas a ciertas ideas centrales y mantenerlo con atractivo vigor de principio a fin: de hecho, son los viejos discursos del jazz-fusion y del rock sinfónico los que promueven la limpieza melódica que Prat pone en sus creaciones. Las referencias estilísticas a ZAO (de las épocas de “Shekina” y “Kawana”) y a POTEMKINE no son fáciles de ignorar, así como a entidades más recientes del avant-progresivo francés como CUCCI-BAND y NAOM, pero ante todo vale la pena situar a este disco como un ejemplo de música progresiva vanguardista inundada de una actitud contemplativamente serena.

Durando casi 6 minutos, ‘A Pied Sec’ abre el disco con un groove llamativo y sólido donde el engarce entre el piano y la dupla rítmica permite al núcleo melódico del saxo asentarse confiadamente. El manejo de las métricas inusuales tiene gancho, nunca ostentando excesivamente su evidente pulcritud performativa. Tras la hermosa coda de piano de ‘A Pied Sec’ sigue la pieza homónima, la cual recoge el espíritu de la pieza de entrada y la lleva hacia un nivel más elevado de esplendor sónico, incorporando incluso algunos recursos de densidad emocional a través de su desarrollo temático, pero sin llegar a parajes de opresiva oscuridad, manteniendo la densidad en una instancia constreñida. La extrovertida expresividad de la banda se hace bien patente en el esquema sonoro elaborado por los instrumentistas a la par que sus interacciones guardan siempre un acertado sentido del equilibrio. Tras los dos primeros temas, ‘Mer Suspendue’ cambia de registro totalmente para tornarse hacia las orillas de la introspección, donde la pauta del piano parece retratar el acto de mirar al mar y reflexionar en el horizonte que se muestra a lo largo del final del cielo. Portando un aura crepuscular, ‘Mer Suspendue’ nos invita a reposar cándidamente antes de recibir el resto del repertorio.

 

Los dos últimos temas, ‘Ayer, Hoy Y Siempre’ y ‘Paysages Du Ciel III’, duran más de 10 ½ minutos cada uno. ‘Ayer, Hoy Y Siempre’ se define inicialmente por un colorido sereno donde el swing cálido del jazz y la belleza estilizada del sinfonismo se conjugan amablemente. Imaginemos una cruza de POTEMKINE y HAPPY THE MAN y podremos hacernos una buena idea de lo que sucede en el foco temático de ‘Ayer, Hoy Y Siempre’. Más tarde, a poco de pasada la barrera del séptimo minuto, se perpetra un notorio cambio de ambiente en la pieza que la traslada a una dimensionalidad densa semejante a la que había marcado el núcleo temático de ‘Viens De Quatre Vents’. Pero… se trataba solamente de un interludio que antecedía a la retoma del motivo central para los minutos finales. Por su parte, ‘Paysages Du Ciel III’ redondea la faena mostrando al ensamble en los topes necesarios de inspiración y energía para llevar el esquema sonoro hacia su máxima expresión de exuberancia. De hecho, la guitarra de Marsala se hace notar más que nunca en los fraseos que añade como oportunos contrapuntos a las líneas centrales del saxo; también es oportuno resaltar que el ensamblaje de bajo y batería se oye más poderoso en la mezcla. Como siempre, el piano llena espacios en la dimensión melódica y completa el groove en el esquema rítmicos. Y bueno, así acaba este bellísimo disco que es “Viens De Quatre Vents”. Se sienten muy cortos los 44 minutos y pico que ocupa el repertorio, pero es tiempo más que suficiente para constatar que MASAL es capaz de representar a parte de lo mejor de la vanguardia progresiva francesa del momento.  

Muestras de “Viens De Quatre Vents”.-

A Pied Sec: https://www.youtube.com/watch?v=bscXl8jtd28

Viens De QuatreVents [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=XgjuCM5d_T0

Desde Suecia, AGUSA nos ofrece un festín prog-psicodélico

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de presentar al grupo sueco AGUSA, el mismo que se formó en 2013 y que ahora nos brinda su disco debut “Högtid”, editado en formato digital por Transubstans Records y en vinilo por Kommun2. Se trata de un cuarteto conformado por el guitarrista Mikael Ösdejö, el bajista Tobias Pettersson, el teclista Jonas Berge (cuyo instrumental principal es el imperecedero órgano Hammond) y el baterista Dag Strömkvist, todos ellos provenientes de otros grupos dedicados al prog psicodélico y el space-rock que todavía integran. La razón de ser de AGUSA es la de buscar nuevas camaraderías dentro de la misión compartida de poner un grano de arena dentro de la nueva vitalidad que experimenta actualmente el underground psicodélico escandinavo. La mezcla de psicodelia de vieja escuela, jazz-rock y krautrock que propone este grupo es algo muy a tener en cuenta a la hora de entender y disfrutar de la música progresiva que se hace hoy por hoy. Evidentemente retro en su concepción, la música de AGUSA asume y madura una vivacidad rotunda. Vamos acto seguido a los detalles del repertorio de este festín musical que es “Högtid” (y qué oportuno que la palabra del título signifique precisamente “festín” en sueco).

  

El disco se inicia con ‘Uti Vår Hage’, el cual dura 11 minutos y pico. Los primeros momentos son de expectativa y sigilo, con un talante ceremonioso casi barroco que se ornamenta con una aureola jazz-rockera al entrar en acción el cuarteto en pleno. Una vez pasada la barrera del primer minuto y medio, se inicia el muy animado trance psicodélico que habrá de conformar el cuerpo central de la pieza. Poco antes del séptimo minuto, el ensamble acelera el groove para gestar un breve interludio de imparable explosividad donde la guitarra pueda asumir el rol protagónico, toda vez que el Hammond hace lo propio la mayor parte del tiempo. Es una pena que este interludio no se prolongue más, pero llega el momento para retomar el clima inicial y concluir esta pieza cerrando el círculo. Luego sigue ‘Melodi Från St Knut’, un tema muy alegre empapado de colorido folk-sinfónico al modo de un BO HANSSON hibridizado con CRESSIDA y el primer YES. Hay algunos pasajes más serenos que logran darle nuevos matices a la extroversión suelta en plaza, y de paso, abren campo a un hermosísimo solo de guitarra. ‘Óstan Um Sol, Västan Om Måne’ es un viaje de 14 minutos. Empieza como una raga psicodélica muy en línea con los legados de AMON DÜÜL II y GILA. Las sobregrabadas guitarras acústicas están perfiladas para emular instrumentos de cuerda orientales mientras que el baterista controla muy bien su pulso para imitar tambores tribales, el efecto está bien logrado; luego, la banda se suelta y se enfila hacia lo eléctrico, siendo así que la dupla rítmica le da un groove jazzero a la dinámica general. Tras un momento de etéreo reposo, la banda vuelve a retomar el groove pero esta vez con cadencias latinas. Este extenso viaje da buena cuenta del nivel de excelso refinamiento de que es capaz este ensamble. ‘Stigen Genom Skogen’ es la única pieza cantada del álbum, aunque la letra es mínima: con su mezcla de PINK FLOYD e EAST OF EDEN, la banda refuerza la vitalidad psicodélica se alimenta de acentos arábigos mientras se proyecta hacia vuelos instrumentales alucinantes – una vez más, el Hammond se explaya a sus anchas con una majestuosidad alucinante durante el clímax intermedio, el cual exorciza los inmortales fantasmas del jazz-rock de COLOSSEUM así como al DEEP PURPLE pre-Gillan. Concluyendo el repertorio del álbum, ‘Karlek Från Agusa’ nos muestra un ejemplo de vitalismo exquisito a lo AGITATION FREE pero reciclado con el vigor de unos ASH RA TEMPEL: el colorido optimista del motivo central y la duración de solo tres minutos hacen de este tema el epílogo perfecto para un álbum excitante de escuchar.

Hoy por hoy, AGUSA tiene una formación modificada respecto a la que registró el material de este disco: Tim Wallander es el nuevo baterista desde inicios de año, y con él ha estado participando en recientes conciertos y presentaciones de la banda en festivales de rock psicodélico. Respecto a lo que está concretamente plasmado en “Högtid”, solo nos queda concluir que cualquier elogio que se pueda leer en las páginas web sobre él es bien merecido – AGUSA dignifica solventemente la esencia intemporal de la psicodelia progresiva.

Muestras de “Högtid”.-

Uti Vår Hage: http://agusaband.bandcamp.com/track/uti-v-r-hage

Stigen Genom Skogen: http://agusaband.bandcamp.com/track/stigen-genom-skogen

[Gracias a Alfredo Rojas por sus sugerencias relativas a nuestra apreciación de este disco: a él va dedicada esta reseña.]