IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE - celebración de la tradición progresiva italiana

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión traemos a colación al grupo italiano IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE. Esta banda, fundada por la teclista Elisa Montaldo, cultiva convincentemente un estilo sinfónico retro afín al de sus compatriotas de LA MASCHERA DI CERA, UBI MAIOR (de su primer disco “Sotos”) y NOTABENE: esto implica necesariamente la devota manera en que recibe influencias de BIGLIETTO PER L’INFERNO, ALPHATAURUS y MUSEO ROSENBACH (y también un poco de BANCO DEL MUTUO SOCCORSO). El nombre mismo del grupo proviene de la última sección de la suite ‘Zarathustra’, aporte máximo de MUSEO ROSENBACH a la leyenda del rock progresivo italiano 70ero. Pero hay algo más: el vocalista de la banda es el mismo que fungió de vocalista en el disco “Zarathustra” de MUSEO ROSENBACH – Stefano “Lupo” Galifi. La formación se completa con Fabio Gremo (bajo), Giulio Canepa (guitarras) y Paolo Tixi (batería).

‘Verso l’Alba’, el prólogo instrumental de poco menos de 3 minutos de duración, establece un ambiente moderadamente tenebroso, en clave casi gótica, antes de que ‘Insolita Parte Di Me’ empiece con una aureola aguerrida y filuda, signada por la bizarra estilización exhibida por las mejores muestras de progresivo heavy de la tradición italiana; ya para las partes cantadas, el espíritu se vuelve reflexivo y más calmo, con un Lupo que se siente en sus anchas a la hora de transmitir el mensaje de la letra. Poco después de la barrera de los 3’30”, emerge un interludio instrumental intenso, con una refinada arquitectura que ha de marcar el juego de orquestaciones sobre el cual se basa la última sección cantada. ‘Bocadasse’ porta un esquema más ligero aunque para nada simplista: se trata de una pieza lírica y amable donde lo sinfónico se desarrolla con patente sencillez mientras que la dupla rítmica trabaja con cadencias jazz-pop. No faltan, de todas maneras, recursos barrocos y manieristas en algunos momentos específicos de la instrumentación. ‘Le Due Metà Della Notte’ recalca esta sencillez y la lleva hacia una dimensión más sobria, incluso romántica, al menos durante los primeros 3 minutos; a partir de allí, el grupo desarrolla matices más enérgicos, en base a un órgano vitalista que entra como contraparte de las recurrentes capas etéreas de mellotrón, con lo cual se logra elaborar un nivel de sofisticación propio del estándar sinfónico. Tras este clímax tan llamativo, ‘La Stanza Nascosta’ presenta un ejercicio introspectivo basado casi exclusivamente en el dueto de voz y piano: el minuto final ofrece una inesperada coda espacial basada en flotantes capas lisérgicas de sintetizador sobre las que Lupo hace una recitación.

El poderoso instrumental ‘Danza Esoterica Di Natura’ establece un contraste frente al epílogo cósmico de ‘La Stanza Nascosta’ para instaurar un estupendo viaje progresivo que alterna macizos desarrollos grisáceos en 5/4, vuelos manieristas de piano y envolventes interludios etéreos a lo GENESIS, para finalmente aterrizar en un clímax suavemente tétrico a lo GOBLIN. El ruido de la celesta nunca falla – siempre exorciza imágenes de calma tensa antes de la fatal emergencia de una fuente de terror. ‘Faldistorum’ guarda desde el inicio un nivel de energía expresiva igual al del tema precedente, aunque esta vez se pone más énfasis en la magnificencia que en el claroscuro: la intervención de Lupo se limita a un soliloquio teatralizado en algún lugar del medio: hayamos el mismo espíritu musical en el tema siguiente, titulado ‘L’attesa’. Durando poco más de 9 ½ minutos, ‘Il Centro Sottile’ cierra el concepto central del disco, elaborando un aire de lírica majestuosidad, repleto de estilizaciones sinfónicas sobre la base de ambientes comedidos y desarrollos rítmicos nada intrépidos, un opus innegablemente afín a la línea de trabajo de LA MASCHERA DI CERA. Y ahora que hablamos de la banda de Zuffanti, macor y co. IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE también recurre al truco del bonus track para la última canción: dicho bonus se titula ‘Antidoto Mentale’, una balada sinfónica en 3/4 que hace buen uso del estilo sinfónico retro exhibido por la banda.

Y bien, nuestro balance de este disco homónimo de IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE es positivo en cuanto al derroche de ingenio melódico y el nivel de éxito en esta empresa de recuperar el sonido de los buenos viejos tiempos a la vez que se aporta un nuevo vigor al estándar del sinfonismo italiano tradicional.


Muestras de IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE.-
Le Due Metà Di Una Notte: http://www.youtube.com/watch?v=Fdz-SLyqt0w
La Stanza Nascosta: http://www.youtube.com/watch?v=8HCxiE3LpYU
Boccadasse: http://www.youtube.com/watch?v=SZaYmN6oC5Y

La inspiración continua de KAYO DOT: "Stained Glass"

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos volvemos a referir a KAYO DOT en el contexto de las obras progresivas realizadas en el año 2010. Unos meses después de brindarnos el impactante proyecto en clave chamber-rock “Coyote”, el ensamble de Toby Driver, Mia Matsumiya & co. vuelve a la carga con el EP “Stained Glass”, el cual consiste en la única pieza homónima de casi 20 minutos de duración. Driver regresa a sus múltiples funciones multi-instrumentistas (guitarra, bajo, teclados, glockenspiel) mientras que Matsumiya se concentra en el violín, su instrumento primario. Cabe señalar que el vibráfono aporta una presencia muy significativa dentro del bloque instrumental global de este EP. Por lo demás, la formación es prácticamente la misma que la que se lució tan enormemente en “Coyote”: acompañan a Driver y Matsumiya el baterista/percusionista David Bodie, el saxofonista/clarinetista Daniel Means y el teclista Terran Olson, añadiendo Trey Spruance y Russell Greenberg sus respectivos aportes a la guitarra solista y al vibráfono desde sus roles de invitados.

‘Stained Glass’ abre con una lánguida secuencia de batería, bajo y vibráfono, mientras no tardan el saxo, el violín y el melancólico canto de Driver en entrar a tallar para aportar un dinamismo especial al asunto. En efecto, todo comienza en una atmósfera de post-rock mezclado con jazz suave, al estilo del “Blue Lambency Downward”, pero no tarda en emerger una sección más sombría que empieza con una secuencia dadaísta de opresivas capas de sintetizador y culmina con una misteriosa sección orquestada. De este modo, se introduce la siguiente sección cantada, la cual lleva lo sombrío hacia un espíritu ensimismado que suena a una mezcla de UNIVERS ZERO y ROBERT WYATT, lo cual a su vez es sucedido por una arquitectura minimalista de claro corte surrealista, con matices añadidos a lo TORTOISE. Teniendo en cuenta que aquí llegamos al motivo que se ha de desarrollar hasta el final, podemos en este punto describir integralmente a esta pieza como el eslabón perdido entre “Blue Lambency Downward” y “Coyote”: su profundidad emocional y predominio de retazos envolventes que son opresivos sin resultar enteramente agobiantes son pautas bien definidas en esta dirección. A partir del minuto 17’30”, se arma el sutil clímax con el que se cerrará el ambiente reflexivo que se ha venido desarrollando sólidamente con la impoluta suavidad de un cristal de artesanía fina y la oscura emotividad de un alma concentrada en su propio solipsismo. En fin, KAYO DOT logra culminar el año 2010 con la magistral ensoñación de siempre.

FELIZ NAVIDAD Y UN PRÓSPERO AÑO 2011

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Con la presente quiero enviar dos serenatas navideñas progresivas como manifestación de mis más sinceros deseos por que pasen unas estupendas Fiestas Navideñas, así como por que el Año Nuevo 2011 les resulte próspero y venturoso a más no poder.

La primera serenata es la compuesta por Greg Lake y Peter Sinfield en 1975, ‘I Believe In Father Christmas’, y que terminó convirtiéndose en uno de los villancicos oficiales de la Radio BBC. La segunda serenata es ‘Another Christmas Song’ de JETHRO TULL: compuesta por Ian Anderson e incluida en el álbum “Rock Island” de 1989, esta canción contrarresta de alguna manera el tono crítico y cínico de ‘A Christmas Song’, de 20 años atrás.

En ambos casos, la letra viene por partida doble: la letra original y mi traducción al español.


I BELIEVE IN FATHER CHRISTMAS

They said there'll be snow at Christmas
They said there'll be peace on Earth
But instead it just kept on raining
A veil of tears for the Virgin Birth
I remember one Christmas morning
A winter's light and a distant choir
And the peal of a bell and that Christmas Tree smell
And their eyes full of tinsel and fire

They sold me a dream of Christmas
They sold me a Silent Night
And they told me a fairy story
'Till I believed in the Israelite
And I believed in Father Christmas
And I looked at the sky with excited eyes
'Till I woke with a yawn in the first light of dawn
And I saw him and through his disguise

I wish you a hopeful Christmas
I wish you a brave New Year
All anguish, pain and sadness
Leave your heart and let your road be clear
They said there'll be snow at Christmas
They said there'll be peace on Earth
Hallelujah! Noel! Be it Heaven or Hell
The Christmas you get you deserve


YO CREO EN PAPÁ NOEL

Dijeron que habrá nieve en Navidad
Dijeron que habrá paz sobre la Tierra
Pero en cambio solo sigui๓ lloviendo
Un velo de lágrimas por el Nacimiento Inmaculado
Yo recuerdo una ma๑ana de Navidad
Una luz de invierno y un coro distante
Y el repique de una campana y el olor de aquel árbol de Navidad
Y sus ojos llenos de espumillones y fuego

Me vendieron un sueño de Navidad
Me vendieron una Noche Silenciosa
Y me contaron una historia de hadas
Hasta que creí en el Israelita
Y yo creí en Papá Noel
Y miré al cielo con ojos emocionados
Hasta que desperté bostezando ante la primera luz del amanecer
Y lo miré y vi a través de su disfraz

Te deseo una Navidad llena de esperanza
Te deseo un valeroso Año Nuevo
Que toda la angustia, el dolor y la tristeza
Abandonen tu corazón y tu camino se aclare
Dijeron que habrá nieve en Navidad
Dijeron que habrá paz sobre la Tierra
!Aleluya! !Noel! Ya sea un Paraíso o un Infierno
La Navidad que se recibe es la que se merece


Enlace de Youtube: http://www.youtube.com/watch?v=RXCEdrnaFlY


ANOTHER CHRISTMAS SONG

Hope everybody's ringing on their own bell, this fine morning.
Hope everyone's connected to that long distance phone.
Old man, he's a mountain.
Old man, he's an island.
Old man, he's a-walking says
"I'm going to call, call all my children home."

Hope everybody's dancing to their own drum this fine morning
the beat of distant Africa or a Polish factory town.
Old man, he's calling for his supper.
Calling for his whisky.
Calling for his sons and daughters, yeah ---
calling all his children round.

Sharp ears are tuned in to the drones and chanters warming.
Mist blowing round some headland, somewhere in your memory.
Everyone is from somewhere ---
even if you've never been there.
So take a minute to remember the part of you
that might be the old man calling me.

How many wars you're fighting out there, this winter's morning?
Maybe it's always time for another Christmas song.
Old man he's asleep now.
Got appointments to keep now.
Dreaming of his sons and daughters, and proving ---
proving that the blood is strong.


OTRA CANCIÓN DE NAVIDAD

Espero que todo el mundo esté mirando en su interior en esta linda mañana.
Espero que todos estén conectados a esa llamada a larga distancia.
El hombre viejo es una montaña.
El hombre viejo es una isla.
El hombre viejo se está despertando y dice: “Voy a llamar, llamar a las casas
de mis hijos.”

Espero que todos estén siguiendo su propio ritmo en esta linda mañana,
el compás de la lejana África o de una ciudad industrial polaca.
El viejo está pidiendo su cena,
está pidiendo su whisky,
pidiendo que sus hijos e hijas, sí,
pidiendo que se congreguen a su alrededor.

Loa oídos están atentos a las bolsas y tubos de las gaitas calentándose.
La niebla circundando algún valle que está en una parte de tu memoria.
Todos somos de algún lugar,
incluso si nunca hemos estado allí.
Así que tómate un minuto para recordar la parte de ti
que podría ser el hombre viejo que me está llamando.

¿Cuántas guerras estáis luchando allí afuera en esta linda mañana?
Tal vez sea tiempo para otra canción de Navidad.
El hombre viejo ya está dormido,
ahora tiene citas concertadas.
soñando con sus hijos e hijas y demostrando,
demostrando que la sangre es fuerte.


Enlace de Youtube: http://www.youtube.com/watch?v=qwoNBaOh1_g


Bendiciones de mi parte para todos los amigos y para todo el mundo en esta ocasión tan especial.

El camino progresivo de RODRIGO SAN MARTÍN

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos toca prestar nuestra atención a Rodrigo San Martín, quien es un multi-instrumentista argentino que se dedica a esto de hacer rock artístico en el nuevo milenio con ímpetu y convicción, contando principalmente con su talento y su ingenio compositivo para aportar sus granos de arena al estado de cosas actual el género progresivo. “There’s No Way Out” es el título de su segunda obra fonográfica: ya tiene una currículum desarrollado con tan solo 22 años de edad.

‘4378th Day’ comienza con una amplia secuencia de relajadas capas de sintetizador y sobrios fraseos de guitarra acústica, muy al estilo del himno floydiano ‘Shine On You Crazy Diamond’ pero con una aureola a lo Steve Howe en los punteos de guitarra acústica. Una vez que se asienta el primer motivo cantado con la presencia de Jelena Perisic, el asunto adquiere un cariz más cálido, lo cual se me hace un poco parecido a la faceta pastoral de AYREON. El desarrollo rítmico de la pieza se mantiene en un nivel no muy complejo que digamos, pero no hay lugar para la monotonía: en la barrera de los 8 minutos, la pieza aumenta significativamente sus dosis de vigor sónico y extroversión, presentando sucesivos solos de órgano, guitarra eléctrica y sintetizador, amén de un bello pasaje orquestado que explora explícitamente el aura solemne que estaba latentemente presente todo el tiempo. Los últimos 4 minutos de la pieza sirven para redondear el aire de magnificencia que se había concretizado desde el minuto 8, cerrando con un retorno al lirismo etéreo que había predominado anteriormente. ‘4378th Day’ conforma un buen inicio del álbum, pero, en mi humilde opinión, carece del tipo de impacto melódico que sí hallo mejor concretizado en los otros dos temas. ‘No’ comienza con un motivo vigoroso y con gancho, enmarcado bajo las pautas del rock duro melódico, trabajado con compases de 7/8, 6/8 y 4/4 para brindarle aires de sofisticación: el canto de Craig Kerley se presta idóneamente a este tipo de robustez rockera, a veces rayana con el estándar del prog-metal. Un interludio acústico emerge poco antes de la barrera del minuto 3, una vez más con la presencia de Jelena Perisic; la pieza concluye con un retorno al despliegue de estilización rockera precedente y una brevísima coda acústica. Se me ocurre describir esta canción como una cruza entre el Area post-“The Visitor”, MAGELLAN y SPOCK’S BEARD. El tema de cierre, ‘War, Act 2’, es el más extenso del disco y aquel en el que la visión musical de San Martín refleja mejor sus ambiciones estilísticas. Comienza con un despliegue guitarrístico prog-metalero de tendencias thrash sagazmente interrumpido con cósmicas escalas crimsónicas - ¿CANVAS SOLARIS ha intervenido como banda de apoyo de San Martín?, no, pero parece (y lo digo en buena onda). No tarda en llegar la primera sección cantada, de regreso al lánguido esquema floydiano, así como otro más vivaz y pastoral, siempre con el canto de Perisic. En los intermedios, hallamos pasajes instrumentales que oscilan entre el sinfonismo moderno y la gallardía crimsoniana (incluso con notables influencias del legendario tema ‘Red’), creando así una suerte de complejo clímax rockero. Las breves interrupciones de guitarra clásica aportan un aire de extravagancia estilizada al asunto. Los últimos 4 minutos están signados por serenos climas floydianos donde la instrumentación desarrolla un boato sonoro medido, el cual parece diseñado para reflejar una reflexión final.

“There’s No Way Out” es un disco más que ideal para los nostálgicos coleccionistas progresivos de siempre, un testimonio sólido de la creatividad de un alumno aplicado. Existen motivos más que razonables para esperar que Rodrigo San Martín siga creando sólida y consistentemente un interesante camino evolutivo.

Para irnos familiarizando con el mundo musical de Rodrigo San Martín desde el confort de nuestras PCs, podemos visitar su blog de Myspace y disfrutar de ‘War, Act 2’: http://www.myspace.com/rsanmartin/music/songs/war-act-2-featuring-jelena-perisic-mp3-76953691

PROYECTO WEF - espontaneidad y creatividad al servicio del jazz libre

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy traemos a colación al PROYECTO WEF, un proyecto (valga la redundancia) de free-jazz surgido en marzo de 2008 como resultado de la unión de tres agrupaciones mexicanas: WAMAZO, ECOTOPÍA y FUXÉ. El núcleo dual de Proyecto WEF está conformado por la dupla percusiva de los veteranos Alfonso López y Víctor Castillo, mientras que los más jóvenes Chris Van Beuren y Omar Vázquez completan el cuadro básico desde sus respectivos roles de guitarrista y bajista. Esta aventura sónica tan osada como fresca se completa con tres colaboradores que añaden percusiones, teclado y vientos: uno de ellos, el percusionista Óscar Salazar, se incorporó a fines de 2009 como componente permanente de PROYECTO WEF. El testimonio fonográfico que conforma el disco debut de este proyecto, “Creación Espontánea”, proviene de una actuación en vivo que tuvo lugar en agosto de 2009 en el centro Académico Cultural de la Universidad Nacional Autónoma de México, siendo editado finalmente por el sello Luna Negra a inicios de 2010.

La Primera Creación Instantánea tiene al cuarteto nuclear elaborando una preparación sónica tan vital como misteriosa, invocando a las Musas de la Creatividad a través de las extremadamente refinadas cadencias rítmicas de López y Castillo, el firme pulso del bajista Vázquez y el pulido aporte de la guitarra de Van Beuren: free jazz en su más dinámica expresión, empapada de exquisitos sabores fusionescos. La Segunda Creación Instantánea perfila una dosis aumentada de expresividad extrovertida de la mano de Bringas y sus destellantes solos de saxo, mientras que la Tercera se concentra, en varios momentos, en atmósferas matizadas merced a la presencia del siempre sigiloso pianista Hernández. Sea como sea, la dupla percusiva y los guitarreos de Van Beuren mantienen la temperatura sónica en un nivel notable. A través de estas dos piezas ya se puede sentir seguro el oyente de que se ha adentrado en el mundo musical de PROYECTO WEF desde su rol de espectador: el gusto intenso por deshacer y rehacer estructuras rítmicas y el no menos intenso gusto por generar ambientes evocativos y cadencias llamativas conforman las dos coordenadas recurrentes del ensamble a la hora de enarbolar, desarrollar y culminar sus enérgicas excursiones. ‘Creación Espontánea IV’ es un vuelo único y peculiar que viene en dos partes: he aquí la oportunidad de que el ensamble muestre la osadía inherente a su particular enfoque de la fusión con mayor fruición que antes. La Parte A comienza con un prólogo aleatorio que luego abre paso a una secuencia rítmica bien marcada, mientras que el saxo de Bringas se explaya en sonoridades suavemente tensas; poco antes de llegar al quinto minuto, se genera un despliegue de caos controlado que anuncia otro bloque rítmico en el que la banda explora climas psicodélicos muy cercanos al primer WEATHER REPORT. La Parte B multiplica exponencialmente la dosis de sonoridades bizarras con una primera mitad marcada por un desarrollo de aventuras sónicas que incluye efectos y juguetes de goma, amén de un artilugio inventado por el mismo Bringas que se llama tanque de gas modificado (más allá de su rol de invitado, Germán Bringas se erige en figura central en muchísimas ocasiones): una granja dadaísta sumergida en un paisaje abstractamente irreal. La segunda mitad se focaliza en un frenético ejercicio de jazz-rock en el que el grupo refleja sus mayores niveles de extroversión sin romper con la aureola abstracta que ha ido armando durante los últimos 10 minutos.

La Quinta Creación Espontánea empieza encuadrándose dentro de un sendero de fusión latina más reconocible, teniendo al pianista Hernández como principal foco de este viaje: posteriormente, el swing se detiene para abrir campo a sendos solos sucesivos de bajo y saxo, y acto seguido, otro vuelo abstracto de parte del ensamble entero, afín a la psicodelia free-form de la Parte A de ‘Creación Espontánea IV’. ‘Creación Espontánea VI’ explora también esta senda de aventura libre que moldea su visión, aunque esta vez se nota que hay una actitud más colorida al respecto, así como un bloque sonoro más lleno en comparación con todas las Creaciones Espontáneas anteriores: se puede decir que en este punto el grupo ha generado un clímax efectivo. La séptima y última Creación espontánea perpetúa este clímax redondeando el colorido con sobre la base de un swing pletórico de marcadas cadencias latino-tropicales. Desarrollos posteriores incluyen un solo percusivo, un intenso pasaje de raigambre africana, y para rematar, un breve motivo blueseado que se siente casi onírico. Un cierre mágico para un viaje musical especial gestado por una comunión de mentes lúcidas – PROYECTO WEF realmente ha lucido una estupenda realidad a partir de la miríada de posibilidades emergentes del imprevisible mundo de la libertad jazzera.

Muestras de PROYECTO WEF.-
Creación Espontánea II: http://www.myspace.com/proyectowef/music/songs/creaci-n-esp-ii-con-germ-n-bringas-63344183
Creación Espontánea III: http://www.myspace.com/proyectowef/music/songs/creaci-n-esp-iii-con-gabriel-hern-ndez-63345878

RATIONAL DIET - una fenomenal entidad de gran envergadura progresiva

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RATIONAL DIET es el nombre de la sensación bielorrusa que ya tiene varios años revitalizando consistentemente la escena RIO del nuevo milenio: “On Phenomena And Existences” es el título de su disco para el año 2010, el mismo que ha venido cosechando elogios como ya parece ser una sana costumbre para este ahora septeto y que ahora reseñamos para nuestro blog. La presencia de un guitarrista permite a la banda explorar más agudamente las aristas agresivas que de por sí ya se hicieron presentes en discos anteriores. A estas alturas del partido, el grupo de Olga Podgaiskaja & co. encarna una voz destacada dentro de la tradición aún vigente del género progresivo vanguardista. Las pautas estilísticas de este ensamble son las típicas del chamber-rock: realce particular de los instrumentos típicos de cámara, uso recurrente de disonancias y cacofonías, preferencia por esquemas musicales orquestales, presencia dominante de atmósferas opresivas y/o misteriosas, renuncia a cualquier influencia que provenga de un tiempo anterior al siglo XX.

Con una arquitectónica letanía de violín y cello comienza el primer tema, ‘Sleep is teasing a man’, uniéndose gradualmente el ensamble entero en un ejercicio de sonoridades ceremoniosas que oscilan entre lo contenido y lo abiertamente sombrío. El último minuto despliega un maravilloso clímax a lo PRESENT. ‘Human life in the wind’ es más cercano a los refinados vuelos académicos de UNIVERS ZERO, con un soberbio manejo de cacofonías y texturas. ‘Somebody in the spacious tail-coat’ porta una atmósfera más grácil sin por ello dejar de mostrar el tipo de tensión propio del chamber-rock: en todo caso, el contrabajista invitado permite a la banda elaborar aires jazzeros dentro de su esquema sonoro con mayor fruición. Llegamos así a la breve ocasión de calma otoñal desarrollada en ‘Unexpected feiertag in Chemnitz’, un oportuno preludio a la mezcla de densidad y melancolía mostrada en ‘A man went to sleep’, un atmósfera parcialmente recogida en ‘Chamber illuminated by the dark lamp’. Con ‘Bet on a marked card ’, las cosas se intensifican notablemente mientras RATIONAL DIET explota fehacientemente los aspectos más juguetones del chamber-rock. ‘In the late summer’ y ‘Living the main life’ se empapan de aureolas ceremoniosas en medio del impetuosos colorido recogido del tema no. 7. Ciertos halos de tenebrismo en ‘Living the main life’ suponen una suerte de anticipo de la oscura densidad que marca la arquitectura de ‘Private secrets of machine’. ‘Weimar period’ es un estupendo dueto de violín y cello que parece anunciar un inminente suceso ominoso, y esta sospecha se confirma desde los primeros arrebatos de ‘The end of the Almshouse’, pieza que retrata a la perfección imágenes turbias y climas amenazantes en el lenguaje musical. Y después de la amenaza, viene el pavor: ‘Passacaglia in beautiful and furious world’ refleja cabalmente la mezcla de confusión, desaliento y furia visceral que inundan al corazón humano en situaciones donde se siente atrapado, abrumado, sin salida. Esta pieza encarna un clímax perfecto para el disco, y si un clímax como éste no cierra el disco, más vale que el epílogo desarrolle algún tipo de magia especial que contrarreste la tormenta musical precedente; ésta es la misión que cumple ‘In five steps’, un tema ceremonioso que permite a RATIONAL DIET explorar sus afinidades con el HENRY COW de “Western Culture”, así como con la obra primigenia de ART ZOYD.

Como balance final de esta reseña, me parece pertinente resaltar lo grandioso que es que el legado del chamber-rock y el RIO no repose exclusivamente sobre los hombros de los legendarios PRESENT y UNIVERS ZERO, quienes siguen sacando al mercado discos fabulosos, sino que también hay bandas de los últimos dos decenios que aportan prestancia renovada y vitalidad permanente: YUGEN, FAR CORNER, el KAYO DOT actual, RUNAWAY TOTEM y MIRIODOR son algunas de las bandas a las que me refiero, y por supuesto, también RATIONAL DIET.

Algunas muestras de “On Phenomena And Existences”.-
A Man Went To Sleep: http://www.myspace.com/rationaldiet/music/songs/a-man-went-to-sleep-c-podgaiskaja-2010-words-by-hlebnikov-mp3-72643960
The End Of The Almshouse: http://www.myspace.com/rationaldiet/music/songs/the-end-of-the-almshouse-c-kristia-2008-mp3-72643974

El multicolor jardín progresivo de K2

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Hoy traemos a colación al disco “Black Garden”, segunda entrega del proyecto progresivo K2, liderado por el bajista-teclista Ken Jacquess. Se trata de un disco conceptual en torno a la aventura de descubrir las islas del Pacífico Sur por parte de los antiguos polinesios, 2,000 años antes de que Cristóbal Colón atravesara el Océano Atlántico. Para esta nueva empresa musical de K2, Jacquess se hace acompañar del vocalista Josh Gleason, el guitarrista Karl Johnson, el teclista Ryo Okumoto (sí, el mismo de SPOCK’S BEARD) y el baterista Doug Sanborn El disco ha sido editado por el sello estadounidense Magna Carta, el cual siempre se ha especializado en bandas de líneas sinfónica y prog-metal.

El tema homónimo da inicio al disco con atmósferas abiertamente exóticas, calibrando idóneamente el carácter casi mágico de la aventura polinesia en cuestión: los aires zeppelinianos y el compás arrastradamente cadencioso de la instrumentación básica se combinan muy bien con la robustez áspera que marca el canto de Josh Gleason. El segundo tema ‘Passage To The Deep’ es el primero de ambiciosa duración, ocupando un espacio de más de 11 ½ minutos. Aquí hallamos un ágil despliegue de tópicos progresivos antiguos y modernos: algunos pasajes nos recuerdan a GENESIS, otros a SPOCK’S BEARD, otros más a KARMACANIC, y otros restantes a los clásicos épicos de RICK WAKEMAN. La guitarra de Johnson y el Moog de Okumoto elaboran impresionantes solos en varios momentos; en general, los teclados arman ambientes ostentosos a través de estilizadas capas y orquestaciones. ‘Widows Watch’ es una balada progresiva con base de piano: el esquema melódico es patentemente sencillo, lo cual permite al ensamble focalizarse en plantear una atmósfera relajada y meditabunda, aunque también entra a tallar un estupendo solo de Moog que aporta una envolvente aureola cósmica al asunto. ‘Encounter Or Absence’ perpetúa en su sección introductoria el aire ceremonioso de la canción precedente, abriendo así el camino hacia un cuerpo central macizo y moderadamente potente: se reiteran las afinidades con KARMACANIC y SPOCK’S BEARD, así como el lucimiento del virtuoso Okumoto (esta vez al órgano Hammond, en un solo que debió ser un poco más extenso), y cómo no, también el de Johnson. ‘Storm At Sunset’, durando poco más de 11 minutos, es el segundo tema de ambiciosa extensión. Se advierten ciertas coincidencias inocultables con THE WATCH en tanto que los arrebatos genesianos son numerosos aquí, revelando cercanías con el neo-prog de los 90s en adelante. Se incluye un solo de Hammond que sí se aplica en su duración justa, así como un estupendo solo final de guitarra que suena a un híbrido de Steve Howe y Gary Moore. ‘Summer’s Fall’ es un intimista dueto de voz y mellotrón de cuerdas que opera como preludio a ‘Path Of The Warrior’, tema que conforma la última pieza ambiciosa del disco y ocupa los últimos 10 ¾ minutos del mismo. Tal como cabe esperar, aquí se reflejan las expresiones más explícitas de climas ceremoniosos y exquisiteces melódicas, notándose un colorido grácil de ciertas consonancias neo-progresivas en medio de los esquemas estilísticos reiterados en dosis semejantes a las de ‘Storm At Sunset’.

En fin, K2 ha cumplido una vez más con recrear el estándar sinfónico a punta de ingenio y solvencia en generosas dosis: “Black Garden” es un jardín musical multicolor, un premio seguro para los oídos de los incondicionales amantes del prog sinfónico de las últimas décadas.

Terminamos esta reseña con las siguientes muestras de K2.-
Passage To The Deep: http://www.youtube.com/watch?v=3tBc2eeKuOk
Storm At Sunset: http://www.youtube.com/watch?v=jIyrrdbgBgM

ERIS PLUVIA y su nueva luz musical

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Ahora es el momento de remontarnos a tierras italianas para degustar el álbum 2010 de ERIS PLUVIA, el mismo que se titula “Third Eye Light”. La historia de este segundo álbum se enmarca dentro de un largo hiato de 19 años respecto a “Rings Of Earthly Light”, a partir del cual se produjo un cisma que motivó el surgimiento del dúo THE ANCIENT VEIL, lo cual aparentemente significó que los miembros restantes de ERIS PLUVIA debieron invertir una enorme cantidad de tiempo y energía para concebir y grabar este segundo disco tan placentero. Sinfonismo romántico y evocativo, sensible a la inclusión de importantes sonoridades acústicas, esta es la fórmula de ERIS PLUVIA. La presencia de la flautista invitada Roberta Piras ayuda mucho a realzar las vibraciones espirituales que impregnan las ideas melódicas de varios temas; de hecho, si el grupo la hubiera tenido como miembro oficial que apareciera en todos los temas del álbum, me parece que el esquema sonoro de la banda se hubiera beneficiado bastante.

El tema homónimo inicia el disco con unos 6 ½ minutos plagados de magia lírica que se inspira en los legados de CELESTE y la faceta pastoral de unos PFM, así como en el PINK FLOYD de la etapa “Wish You Were Here” y el CAMEL 90ero. Este recurso de impetuoso sinfonismo desplegado sobre compases reposados y atravesado por atmósferas meticulosamente refinadas se reitera eficientemente en ‘Rain Street 19’, mientras que ‘The Darkness Gleams’ incorpora algunas secciones más agresivas, así como capas cósmicas de teclado que se resaltan bastante, logrando así tender puentes con las propuestas neo de QUIDAM y SATELLITE. ‘Someone Care For Us’ nos ofrece un momento de calma reflexiva a partir de una balada basada en el piano, la misma que suena a un híbrido entre ARIES y CELESTE, mientras que ‘Fixed Course’ cambia de registro en clave neo (a medio camino entre PENDRAGON y SATELLITE) y ‘Peggy’ nos devuelve al aura contemplativa y reflexiva de los dos primeros temas; en este último tema cabe destacar la prístina dulzura a cargo de la vocalista invitada Diana Dallera. El instrumental ‘Shades’ encarna las mayores dosis de magnificencia progresiva de todo el álbum: los desarrollos melódicos se expresan en impecables ilaciones entre motivos y arreglos perfectamente fluidos que permiten al grupo funcionar de manera muy orquestada. ‘Fellow Of Trip’ irradia una amabilidad irresistiblemente cándida, a medio camino entre la mesurada vitalidad de ‘The Darkness Gleams’ y la refinada sencillez de ‘Rain Street 19’. Los últimos 4 ½ minutos del disco están ocupados por la bella serenata sinfónico-pastoral ‘Sing The Sound Of My Fears’, la misma que plasma un envolvente y sereno colorido romántico a fin de completar coherentemente la visión musical de ERIS PLUVIA con un énfasis en su faceta más introspectiva. “Third Eye Light” es un disco hermoso, realizado con buen oficio y una generosa lucidez melódica, idóneo para los coleccionistas progresivos que fervientemente aman la dimensión más ensoñadora del género.

El eterno anillo progresivo de GERARD

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Traemos a colación en este día al ensamble japonés GERARD, una banda veterana cuya trayectoria cuenta ya con casi 30 años de antigüedad y que hasta el día de hoy cuenta como una de las referencias más vitales del progresivo sinfónico después de la era dorada de los 70s, siempre de la mano del teclista Toshio Egawa. Aunque en sus primeros años de existencia GERARD operaba como un cuarteto de guitarra-bajo-teclados-batería, su esquema instrumental mayormente ha sido la de power-trío con base de teclados: no hay mayores novedades al respecto en su álbum 2010 titulado “Ring Of Eternity”. Con respecto al disco anterior “Power Of Infinity”, de hace 6 años, la formación sigue contando con el mencionado líder musical Egawa y el bajista Atsushi Hasegawa, completando ahora al grupo el baterista Kenichi Fujimoto y el vocalista Yasuo Sasai – tenemos ahora a un power-trío con un vocalista extra.

El tema homónimo abre el disco con un preludio marcado por efectos de brisas tormentosas, capas de teclado y adornos percusivos, para luego plasmar un cuerpo central en 6/8 portador de un dinamismo arrollador que, como suele suceder en el cosmos musical, se siente electrizantemente emersoniano (entre “Brain Salad Surgery” y “Emerson, Lake & Powell”). Sigue a continuación ‘Night Before The Revolution’, una pieza de gancho más sencillo, como un híbrido de ASIA y SAGA que combina la placidez del AOR y el RICK WAKEMAN más accesible de obras como “1984”: por supuesto, lo bombástico sigue siendo el ingrediente esencial, con esas abundantes intervenciones de los teclados y esa magnífica exhibición de potencia a cargo del baterista Fujimoto. Esta misma línea de trabajo se reitera en ‘Justice And Faith’, aunque cabe añadir que la labor del bajista es más exigida aquí en ciertos pasajes. ¿No sería este el sonido que debió desarrollar ASIA a fin de concretizar elementos consistentemente interesantes acordes con los legados progresivos arrastrados por sus miembros originales? En fin, dejó allí la pregunta. ‘Dawn After The War’ ocupa los siguientes 10 ¾ minutos del disco. Tras un motivo inicial marcado por una excitante polenta, las principales partes cantadas se explayan sobre un compás reposado donde las sobrias orquestaciones y solos de teclado generan una ambientación solemne y reflexiva. La inclusión de algunos interludios acelerados se presta convenientemente para desarrollar recursos de variación a través de la explotación de algunas recurrentes ideas melódicas en curso; la coda mantiene una aureola de distinción progresiva a través de su motto perpetuo, muy a tono con las orquestas impresionistas del siglo XIX. Un tema como éste me hace pensar en coincidencias estilísticas con otros artistas tan dispares como el chileno JAIME ROSAS y el ensamble estadounidense CAIRO, así como al RICK WAKEMAN DE “Out There”. ‘Long, Long Way To Your Soul’ mantiene buena parte de la solemnidad que marcó al opus precedente, aunque su estructura compositiva traza ciertos puentes con la dimensión accesible de los temas segundo y tercero. Con sus 12 minutos de duración, ‘Land Of The Dead’ es el otro opus del disco: su estrategia es muy semejante a la de ‘Dawn After The War’, secciones cantadas lentas circundadas por vitamínicos pasajes instrumentales, un ambiente solemne expuesto con típico boato sinfónico, un cuidado matemático por la claridad melódica a través del despliegue de potencia sónica. En líneas generales, se trata de la pieza con los más logrados pasajes instrumentales, o al menos, a mí me parece que aquí se hallan las mejores manifestaciones de refinamiento en los arreglos y la interacción entre los músicos. El disco se culmina con ‘Love Save The World’, una balada que comienza con un preludio espacial basado en capas de teclado y un breve solo de bajo, antes de pasar a un cuerpo central de talante llamativo, a medio camino entre el TOTO más estilizado y el ASIA de la época con John Payne.

En total, tenemos aquí poco menos de 50 minutos de sinfonismo moderno en su más pura expresión, forjado con los índices de poderío y fastuosidad que GERARD ha convertido en marca propia. “Ring Of Eternity” no rompe esquemas, mucho menos indica nuevos caminos de creatividad progresiva, pero eminentemente da cuenta de un vigor que se resiste solventemente a decaer – el vigor de GERARD.

Una muestra de este disco de GERARD con el tema ‘Night Before The Revolution’: http://www.youtube.com/watch?v=BGErOG4bPUU

Shakken + La Caja De Schrödinger + Circo Al Edén - nuevas voces rockeras peruanas

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En esta ocasión nos toca traer a colación tres producciones fonográficas a cargo del sello peruano SONIDOS LATENTES, especializado en difundir material de las canteras underground del rock peruano. Se trata de 3 EPs de sendas bandas peruanas: SHAKKEN “Quién Desafía Al Sol”; LA CAJA DE SCHRÖDINGER “Mente Maestra”; y CIRCO AL EDÉN “Sólo Los Valientes”.

El cuarteto instrumental SHAKKEN se luce sin miramientos ni contemplaciones con su vitalista propuesta prog-metalera basada en electrizantes guitarreos duales y vigorosos desarrollos arquitectónicos a cargo de la dupla rítmica. “Quien Desafía Al Sol” comienza con ‘Los Niños Nunca Aprenden’, marcada por una metralla intrépida y frenética con un apuro expresivo que para nada contradice la pulcritud expuesta en la afiatada amalgama de las guitarras duales y la dupla rítmica: SLAYER, el IRON MAIDEN pre-“Piece Of Mind” y BETWEEN THE BURIED AND ME. ‘Ávalon’ prosigue por este mismo entusiasmo a paso firme con el extra de concretar un aumento en la sofisticación musical: lo que se concreta específicamente es un ejercicio incendiario de prog metal técnico (afín a lo hecho por los chilenos de OCTOPUS). ‘Cuatro Estaciones’ introduce una conveniente variante al establecer un variado juego de matices que alternan matices razonablemente reposados, riffs contundentes y pasajes arquitectónicos en la sección final. Me parece que esta pieza daba para más que los 3 ¾ minutos que el grupo tuvo a bien concederle, pero bueno, así son las cosas. Por su parte, la pieza homónima cuenta con la duración adecuada para la dinámica que va desarrollando con pulida fluidez. ‘La Raza’ comienza con un fragor tan contundente (o más) como el que hallamos en el primer tema, para luego derivar en un interludio semi-tribal que prepara el terreno para una poderosa coda que recapitula el motivo inicial. Los últimos 4 minutos del EP están ocupados por ‘Zero’, tema que coherentemente redondea el espíritu electrizante que ha imperado a lo largo del repertorio. SHAKKEN es una brillante promesa del prog-metal peruano que deberá ir reforzando y afilando su visión musical en busca de nuevos retos y complejidades donde se habrá de cumplir todo su potencial. Por lo pronto, han demostrado fehacientemente que sus premios en festivales rockeros locales y elogios de parte de la hinchada nacional están tremendamente bien fundados.

LA CAJA DE SCHRÖDINGER es otro ejemplo de la vitalidad que atraviesa actualmente a la pequeña pero incansable vertiente prog-metalera que se viene desarrollando en Lima. En esta ocasión encontramos una dupla de guitarra-teclado en lugar de dos guitarras para la base de la armazón melódica de las composiciones. El instrumental ‘Obertura’ abre el disco con un boato típicamente prog-metalero basado en la ilación de motivos ocasionalmente alimentada de vibraciones góticas: suena influenciado por el DREAM THEATER de la etapa “Awake”, hasta cierto punto, y de manera indirecta, por la movida prog-metalera europea de los últimos 90s. ‘El Valle De Lo Desconocido’ es otra pieza instrumental, la cual se explaya sobre un medio tiempo que sostiene el aura solemne inherente a la idea musical en sí: aquí hay más sinfonismo que metalización, y en ambos casos, los teclados resaltan tanto los matices orquestales que asumen la mayor dosis de responsabilidad en la transmisión de estilización sonora. El tercer instrumental, ‘El Grito’, se sostiene primordialmente en atmósferas grisáceas y relativamente calmadas, casi émulas de las herencias del floydismo y del GENESIS clásico: para su segunda mitad, la pieza se enmarca en un interesante despliegue de prog-metal tranquilo. Por el lado de los dos temas cantados, ‘Mente Maestra’ y ‘Mercurial’, éstos se inclinan fehacientemente hacia sonoridades metaleras melódicas: el tema homónimo porta un aura evocativa en medio del calculado despliegue de poder rockero, mientras que el segundo cierra el EP con un fulgor electrizante muy conveniente a la hora de culminar una buena impresión final. De este modo, tiene sentido tener altas esperanzas en relación con futuras entregas fonográficas de LA CAJA DE SCHRÖDINGER.

La propuesta de CIRCO AL EDÉN es la menos compleja del paquete, centrada en un metal melódico y épico que tiene claros resabios a las influencias de NIGHTWISH, EPICA y SAVATAGE, aparte de las más añejas huellas de DEEP PURPLE y JUDAS PRIEST. El tema que abre el disco se llama igual que el grupo, un canto de protesta ante los vicios de las religiones organizadas: su potente sonoridad expone sin mayores tapujos los delineamientos recurrentes de la banda. ‘Frustración’ y ‘Promesa Eterna’ trabajan con compases más sincopados, lo cual permite a la banda elaborar atmósferas más grisáceas dentro de su típico encuadre metalero. ‘Sólo Los Valientes’ y ‘Viajes’ completan las manifestaciones de potencia y estilización ya reflejadas en la canción de apertura. En lo personal, extraño que se exploten más los riffs e ideas melódicas a fin de potencializar más plenamente las ambiciones musicales que son tan patentes en la propuesta artística de CIRCO AL EDÉN.

De esta forma termina nuestro repaso de estas nuevas esperanzas nacidas dentro de las diversas vertientes metalera y prog-metalera que ya vienen dando buenos frutos dentro de la cosecha contemporánea limeña; con justas razones se espera que las posteriores cosechas signifiquen la cimentación de estas y otras voces rockeras dentro de la incansable escena peruana.

Página web de SONIDOS LATENTES: http://www.sonidoslatenteslive.blogspot.com/
‘Quién Desafía Al Sol’ de SHAKKEN: http://www.youtube.com/watch?v=2A4Wvsg2sGQ
‘Mercurial’ de LA CAJA DE SCHRÖDINGER: http://www.youtube.com/watch?v=owru4nmLXhc
‘Circo Al Edén’ de CIRCO AL EDÉN: http://www.youtube.com/watch?v=yHVKZlGQ7XM

Desde España llega el réquiem progresivo de JOSÉ CARBALLIDO

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Hoy les hablaré un poco de JOSÉ CARBALLIDO, un guitarrista y compositor español (aunque nacido en la ciudad alemana de Mannheim en 1979) que está tomando por sorpresa a la comunidad progresiva con su obra debut, un disco doble conceptual en torno a la muerte y sus múltiples facetas y contextos: el disco en cuestión se titula “Requiem”. Tratándose de un disco doble y conceptual, es válido asumir que esta obra está signada por amplias pretensiones artísticas y ambiciones creativas, especialmente cuando el género rockero bajo el que se encuadra es el progresivo de línea sinfónica. Editado por Musea a mediados de este año 2010, “Requiem” promete un festín para los ávidos coleccionistas de música progresiva que seguimos disfrutando de las diversas propuestas de remodelación que el género viene experimentando desde hace ya 20 años. Los músicos colaboradores son los siguientes: Daniel Añón (guitarra eléctrica), Evaristo Frieiro (bajo), Diego Lestón (batería), Alejandro Salgueiro (flauta) y Román Suárez (teclado). Muchos aspectos se relucen con la escucha de “Requiem”: el gusto por marcar cuidados desarrollos arquitectónicos de las ideas melódicas en curso; la grácil presencia de la flauta, que continuamente opera como acompañante de la primera guitarra o del teclado; el canto del mismo CARBALLIDO, cuyo timbre suena un poco cercano al del Sr. Bunbury (el de Héroes del Silencio); la importante presencia de partes corales, siendo así que el coro encarna alternadamente a la Muerte, a Dios y a un co-narrador; las continuas excursiones de la dupla rítmica hacia potentes dinámicas de tendencia prog-metal. En lo personal, me parece que el material se pudo beneficiar de una labor más profunda en las intervenciones del teclado, y tal vez también de algunas percusiones adicionales a la batería: ideas como éstas se me ocurren en base a tantos años escuchando discos progresivos que ponían abierto énfasis a las soberbias orquestaciones de teclados múltiples, pero bueno, el dueño de la idea y del destino de la misma es José y nadie más. En todo caso, la pericia técnica de José es patente a lo largo de todo el disco: como dato complementario, cabe señalar que él es licenciado en guitarra por el Conservatorio Superior de Música de A Coruña. Tratándose también de un experto en el área del rock, se puede decir que “Requiem” le ha servido para poner a prueba su visión de conjugar las áreas de la música académica y del rock artístico – la prueba ha resultado exitosa, y las razones por las cuales hago una aseveración tan positiva se revelarán en los siguientes párrafos.

El concepto se inicia con ‘Obertura’, fastuosa demostración de sinfonismo alimentada con desarrollos musicales meticulosamente pletóricos a lo largo del camino, los mismos que incluyen generosas dosis de sonoridades muy potentes así como un breve pasaje de tenor relativamente jazzero: el pasaje inicial, recargado de atmósferas góticas, establece un conveniente aire de expectativa. La coral final abre la pauta para ‘Todes Lotto’, pieza que porta una inconfundible aura inquieta, un tanto tétrica, marcada por una atmósfera pagana. La dupla de ‘Noche De la Muerte’ y ‘Último Adiós’ inicia la plasmación del esquema sonoro más típico del doble álbum: riffs con gancho, presencia recurrente de la guitarra clásica y los teclados, un tono solemne en las letras y en el canto principal. ‘Te Extrañaré’ parece de primera intención un ejercicio de heavy melódico, pero en el intermedio se desarrolla un pasaje progresivo que, con bastante efectividad, genera un aire de sofisticación para el esquema global de la canción. Tras el swing llamativo de ‘Nana’, ‘Camino Al Entierro’ despliega un clima épico bien sostenido: tal vez sea esta canción la más notoriamente marcada por los ideales académicos de CARBALLIDO dentro de este primer volumen. Haciendo honor a su título, ‘Luto’ desarrolla un ambiente triste y evocativo, a medio camino entre el lirismo relajado de unos Camel y la magia del arquetipo de la power ballad. Para el cierre de este CD1, ‘Foto De Familia’ asume directamente una actitud potente así como un colorido pomposo: no habíamos escuchado algo tan contundente desde la ‘Obertura’.

El CD2 encapsula el cénit del concepto general, principalmente porque plasma ideas y climas más consistentemente épicos que en el primer volumen. ‘¿Por qué Yo?’ Inicia este segundo volumen con un aire de cristalina estilización, casi a medio camino entre la arquitectura sónica de unos ROYAL HUNT y la candidez melódica del YES clásico. ‘Un Único Ser’ ocupa todo un espacio de 10 ½ minutos: esta extensión es correlativa a la dosis amplificada de ambiciones progresivas que Carballido ha invertido para la composición y arreglos de la susodicha pieza. Se notan las influencias de YES, GENESIS y el estándar hispano-italiano del sinfonismo clásico (GOTIC, PFM, BLOQUE), mientras que la presencia prevalente de la coral ayuda a marcar inapelablemente una atmósfera constantemente ceremoniosa. El ímpetu vitamínico de ‘Un Único Ser’ es capitalizado por ‘Ya No Tengo Dios’, tema que incorpora sobrios matices de tendencia prog-metal a los ingredientes musicales ya presentes. Esta tendencia se perpetúa en cierto modo en ‘Oración’, para luego pasar a climas un poco más introspectivos en ‘Al Despertar’, aunque la dosis de energía permanece invariable. Con la inclusión de un breve interludio aflamencado y un pasaje metalero, el asunto adquiere inesperados matices de diversidad. ‘Sólo Un Sueño’ retoma las masivas ambiciones sónicas de ‘Un Único Ser’ y las recicla a través del impacto recibido de ‘Ya No Tengo Dios’: los diálogos entre la guitarra y la flauta, así como el swing sostenido por los riffs y la dupla rítmica, aportan decididamente un aura optimista que nos pone en alerta ante la redención que llegará al final. Aquí tenemos otro punto álgido del disco junto a ‘Un Único Ser’ y ‘Foto De Familia’. ‘Depende De Ti’ transita hacia relajados senderos de calma y sencillez, antes de que emerja un clímax suntuoso para el último minuto. ‘Epílogo’ concluye el concepto del disco con una interesante amalgama de guitarra clásica y múltiples capas de guitarra eléctrica que oscilan entre la cruda agilidad de un BLACKMORE y el ingenio orfebre de un HACKETT: un extraño pero eficaz cierre para un disco que deberá obtener una creciente atención de parte de la comunidad progresiva internacional. JOSÉ CARBALLIDO ha plasmado una voz peculiar e interesante dentro del rico entramado progresivo que sigue sobreviviendo en la escena mundial.

Terminamos la reseña con estos botones de muestra.-
Videoclip de ‘Te Extrañaré’: http://www.youtube.com/watch?v=Wgw1NvgmGRk
Audio de ‘Ya No Tengo Dios’: http://www.myspace.com/requiemcarballido/music/songs/ya-no-tengo-dios-60211020
Audio de ‘Al Despertar’: http://www.myspace.com/requiemcarballido/music/songs/al-despertar-60212950

DUENDE DEL HUECO - duende ecléctico del heavy peruano

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy hacernos un alto en nuestras exploraciones progresivas para detenernos un poco en la escena heavy que se viene desarrollando actualmente en el Perú, una escena rockera cuya área underground afortunadamente es un incesante caldo de cultivo para iniciativas musicales de primer nivel y arrolladora polenta. El grupo que sacamos a colación ahora se denomina DUENDE DEL HUECO, un cuarteto formado en junio de 2005 y que, liderado por el guitarrista/vocalista Manuel Umbert, está completado actualmente por el guitarrista Julio Ramírez, el bajista Santiago Sime y el baterista Rafael Sánchez. El sonido de la banda cohesiona una amalgama de heavy metal, rock pesado clásico, stoner y grunge: herencias de las facetas más robustas del rock de los 70s, 80s y 90s que DUENCE DEL HUECO revitaliza a su modo para el nuevo milenio. Titulado al igual que el grupo, su disco debut fue lanzado al mercado en julio de 2010 de forma independiente.

‘Mary Jane’ abre el disco a puro músculo, con juegos contundentes de riffs y un compás trepidante perfectamente llevado; esta línea de trabajo se perpetúa en ‘Crimen Himen’ aumentando la dosis de gancho llamativo en medio del fragor rockero. En medio de estos dos termas se sitúa ‘Asesino’ se retrotrae hacia ambientes más contenidos, explorando la faceta más otoñal de la pesadez rockera a medio camino entre la melancolía grunge y la balada metalera. La cuarta pieza es el instrumental que se titula igual que el grupo y el disco: una secuencia de casi 5 ¼ minutos donde el desarrollo sónico se inicia con un tenor expectante, prosigue con una estilizada extroversión metalera muy a lo IRON MAIDEN pre-“Piece Of Mind”, y finalmente capitaliza dicha extroversión hasta una fiera explosividad un tanto afín al estándar de unos HELLOWEEN. ‘Tu Silencio’ matiza notoriamente la ambientación predominante con climas reflexivos, con solo voz y guitarra acústica; este mismo espíritu de introspección agria y ansiosa se sigue proyectando en el esquema eléctrico de ‘Ladridos’ (más cercano al grunge de unos STONE TEMPLE PILOTS que al metal o al stoner), mientras que ‘El Final’ permite al grupo volver a abrirse hacia ambientes más extrovertidos. Con un título tan combativo como ‘Morir De Pie’, el grupo despliega una recuperación frontal de la polenta bien afilada que DUENDE DEL HUECO había articulado tan puntualmente en los momentos más contundentes de los 20 primeros minutos del disco, incluso añadiendo ciertos matices que yo ciento como "Sabbathianos": hay ciertos aires prog-metaleros en el espacio que va entre el interludio y la coda. Los últimos 7 minutos del disco están ocupados por ‘Invasión Lunar’, tema que explora con mayor espacio disponible el sendero heavy complejizado ya abierto por la canción anterior. Esta dupla de ‘Invasión Lunar’ y ‘Morir De Pie’ conforma un muy oportuno clímax para un disco que apunta a asentar una referencia crucial dentro de la movida rockera peruana de nuestros días: Lima arde en llamas encendidas por DUENDE DEL HUECO.


Muestras de DUENDE DEL HUECO.-
Asesino: http://www.youtube.com/watch?v=lR2Kn4bOMw8
Crimen Himen: http://www.youtube.com/watch?v=r_-0xoGTgeY
Duende Del Hueco: http://www.youtube.com/watch?v=145zeq5A0vU
Invasión Lunar: http://www.youtube.com/watch?v=g3ms7fYxTX8

YUGEN - el resplandor permanente de la vanguardia progresiva italiana

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El ensamble RIO italiano YUGEN, liderado por el guitarrista Francesco Zago, llega a nosotros en la última temporada del año 2010 para ofrecernos su ambicioso tercer trabajo fonográfico: “Iridule”. Ambicioso no solo porque este disco funciona como una cumbre dentro de las exploraciones en el chamber-rock que Francesco Zago ha venido asumiendo como manifiesto de prestancia y exquisitez para la escena vanguardista italiana, sino también porque en medio de la copiosa pléyade de músicos que lo acompañan en esta aventura se encuentran al maestro Dave Kerman de 5UU’s, varios componentes de THINKING PLAGUE, un veterano del jazz contemporáneo como Peter Schmid, un bajista histórico de UNIVERS ZERO y asiduo colaborador de varios proyectos de vertiente RIO… e incluso al teclista/líder de AREKNAMÉS (banda dedicada al progresivo retro) colaborando con el arcaico pero siempre cautivante clavicordio. Después del excelente disco debut “Labirinto d’Acqua” y un tributo a Tommaso Leddi (ex-STORMY SIX y también participante en este disco), YUGEN luce en “Iridule” su visión progresiva bordada desde los confines más osados del género con un resplandor que se nota inagotable e incombustible: la música encapsulada en este álbum porta diversas aristas desafiantes, cinceladas con una amplia gama de atmósferas y niveles de energía sonora.

‘On the brink’ abre el disco con una breve pero demoledora demostración de terror monolítico, cuya base minimalista arma una escalinata de tensión que lleva hacia el arribo de ‘The scuttle of the past out of the cupboards’, tema que combina misterios saltarines, ambientes abstractos y pasajes tétricos con una soltura tremendamente bien lograda. Parece mentira cómo una diversidad tan desafiante puede ser reciclada y reelaborada a través de un sentido de unidad que frontalmente desafía los cánones más habituales de la musicalidad. Desde este mismo momento tenemos la sórdida sospecha de que YUGEN ha generado su propia madurez adentrándose por senderos de inaudita oscuridad musical. Veamos si se confirman estas sospechas al seguir avanzando en “Iridule”. Justamente la pieza homónima es la que sigue a continuación: como un ensueño lírico, ‘Iridule’ destila un espíritu contemplativo arropado por capas envolventes de sintetizador, maderas y guitarra con efectos cósmicos, mientras Elaine Di Falco conjura cálidos pensamientos de ensimismamiento. Abrupta y dramáticamente ingresa ‘Overmurmur’ al ruedo, aportando poderosos matices zappianos y crimsonianos a un esquema sónico que bien pronto reconocemos como inspirado en la herencia RIO de PRESENT y UNIVERS ZERO: la inclusión de un par de interludios minimalistas serenos establece un correlato con el espíritu de la pieza precedente. ‘Scribbled’ en un breve retazo abstracto basado en piano, voz y guitarra acústica que sirve como preludio a ‘Becchime’, pieza que arrastra un frenesí extravagantemente multicolor muy semejante al del tema no. 2 y lo lleva hacia niveles más altos de complejidad y enredo: desde los confines más insospechados de lo surrealista y la vertientes más lúdica de lo dadaísta, ‘Becchime’ resulta un definitivo punto álgido dentro del disco. ‘Ice’ nos transmite momentáneos aires bucólicos con su doble dupla de cantos femeninos y guitarras acústicas, un pasaje transitorio de tranquilidad emocional que se agradece antes de que las fuerzas del dadaísmo vuelvan a imponer su lógica de travesura y tensión con ‘Ganascia’, dignísima hermana menor de ‘Becchime’, con una acentuación en lo lúdico y un aminoramiento de la densidad. Con ‘Thaw’ tenemos nuevamente un interludio reposado, esta vez enmarcado bajo las pautas de la musique concrete de tendencia minimalista; su aires a lo HENRY COW/THINKING PLAGUE son fáciles de notar, y además se perpetúan de manera robusta en ‘Serial(ist) killer’, pieza que sabe ser opresiva sin tener ni siquiera una milimétrica pizca de sordidez o estridencia: solo se basta con arreglar sus múltiples series de disonancias con una vigorosa deconstrucción orquestal. ‘Cloudscape’ cierra el disco al modo de una forma un tanto insospechada, más específicamente, explorando una faceta lírica entre lo ceremonioso y lo onírico (curiosamente coincidente, al menos hasta cierto nivel, con las sonoridades predominantes en los discos de la banda francesa SYRINX). En una primera escucha, puede parecer anti-climático que esta pieza (fabulosa por derecho propio) concluya el repertorio de este disco, pero tras algunas escuchas más atentas se puede interpretar su posición como un mensaje de conclusión para todo el derroche de tensión y travesura precedente y preparación para recibir una suerte de descanso espiritual.

“Iridule” me parece el mejor disco progresivo emergido desde Italia para la escena mundial en este año 2010. Me parece inapelable la noción de que YUGEN es ya un clásico contemporáneo de la experimentación en el arte del ruido: este grupo merece recibir el diploma y la medalla de maestro tal como ya lo hacen desde hace años grupos como UNIVERS ZERO, HENRY COW, ART BEARS, ESKATON, ART ZOYD y PRESENT, incluso sus compatriotas de RUNAWAY TOTEM. La vanguardia musical italiana vive un resplandor permanente, y una buena dosis de ese fulgor irrefutable proviene de las mentes que articulan esta realidad llamada YUGEN. ¡¡Obra maestra!!

JARDÍN DE LA CROIX - una remembranza progresiva de 2008

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Esta reseña llega un poco tarde, con dos años y pico de demora, para ser más precisos. JARDÍN DE LA CROIX es uno de los secretos más rockeramente excitantes dentro del feudo madrileño de la movida progresiva española. Surgido en el distrito de Moratalaz allá por 2006, JARDÍN DE LA CROIX constituye una referencia interesante e importante para la vertiente progresiva de math-rock que se desarrolla fuera de las escenas musicales angloparlantes: en efecto, el material de su disco debut “Pomeroy” revela inagotables secuencias de ambientes sofisticados, esquemas rítmicos complejos y vibraciones contundentes dentro de un lenguaje rockero artístico. La banda se muestra patentemente interesada en desarrollar una sonoridad potente, rebosante de electrizante muscularidad, pero cabe añadir además que la realización de esta misión musical está marcada por el refinamiento; la interacción entre los cuatro músicos (Ander y Pablo a las guitarras, Isra a la batería y Hugo al bajo) es pulcra y perfectamente calculada, revelando así que el grupo sabe interactuar con precisión milimétrica en medio del fragor apasionado vertido en los riffs y desarrollos rítmicos en curso.

Los primeros casi 9 minutos del disco están ocupados por ‘Polyhedron’. Abriendo con un breve prólogo cósmico, la pieza instala pronto un primer cuerpo central en clave crimsoniano-doncaballeriana, afín en parte a sus compatriotas de PSICOTROPIA, pero más coincidente con las líneas de trabajo exploradas por grupos chilenos como EXSIMIO y FLOTANTE, o los franceses de 4/3 DE TRIO. Las cosas se intensifican un poco más desde poco antes del tercer minuto y medio, pero teniendo en cuenta el carácter resolutamente inquieto de la banda, no es de extrañar que la pieza vire, tarde o temprano, hacia atmósferas un poco más calmadas, las mismas que desarrollan un aura contemplativa antes del sorpresivo reprise del primer motivo que marca el fin de la pieza. Tras esta impactante entrada sigue ‘Jesse Harding’, tema que predominantemente explora la faceta más cadenciosa de la banda, aunque también encontramos algún exaltado pasaje climático en el medio. Es allí donde la pieza gira hacia un motivo en clave de bossa nova, el mismo que opera como un puente hacia una sección final repleta de polenta rockera. ‘Suomi’ tiene muchos aires a cruza entre DON CABALLERO y PRIMUS; la pauta rítmica es frenética y exigente, todo un desafío abierto para la dupla rítmica. A eso de los 3’40”, el asunto se transforma en clave death metal técnico, muy en onda con BEHOLD THE ARCHTOPUS y CANVAS SOLARIS; la inclusión de rasgueos de guitarras acústicas resulta un simpático detalle a la hora de darle un matiz inusual a las atmósferas pulsátiles de la coda mientras se va preparando el fade-out. Esta pieza supone, a mis oídos, un punto culminante del disco. ‘Boston Steamer’ es el tema más extenso del disco: dura poco menos de 9 ½ minutos. La primera ambientación que se desarrolla es una de mesura y contención, cósmica y minimalista en sintonía con el post-rock en su lado más intenso. Una segunda ambientación se perfila más tarde hacia cadencias más explícitamente intensas, al modo de un math-rock crimsonizado: al igual que en el caso anterior, el ensamble se solaza en explorar la idea consistentemente a fin afianzar su impacto en el desarrollo musical de la pieza como un todo, haciendo que la arquitectura misma sea la protagonista de esta experiencia estética particular. Nervio y precisión son cualidades que se resaltan tremendamente bien en los viajes instrumentales que recurrentemente acomete el grupo. ‘Antioquía’ es otro tema con preludio cósmico, esta vez un poco más largo que en el tema de apertura ‘Polyhedron’. Una vez instalado el cuerpo central, la banda desarrolla su propia revisión progresiva de sonoridades típicas de la psicodelia heavy, el estereotipo del math-rock y del prog metal. Con la explosividad tan contundente que el cuarteto invierte en tamaño viaje sónico, el diagnóstico solo puede ser este: otro punto culminante del disco. Los últimos cuatro minutos del disco están ocupados por el ágil tema ‘Synaesthesia’, el cual destila vivacidad grácil y buena onda: rock progresivo cañero y travieso con una coda fabulosa.

Ya va siendo hora de ir apreciando a este grupo, más aún cuando anuncia la pronta producción del que será su segundo trabajo fonográfico. Mientras tanto, tenemos en este disco de hace dos años una muestra valiosa e inapelable del talento y la energía que JARDÍN DE LA CROIX puede aportar y efectivamente aporta a la escena progresiva española.

Enlaces para disfrutar de la música de JARDÍN DE LA CROIX.-
Polyhedron: http://www.youtube.com/watch?v=V0oI1q44zXY
Antioquía: http://www.youtube.com/watch?v=qwzKaAUbZDs
Boston Steamer: http://www.youtube.com/watch?v=eqA22s5UN0I

LUZPARÍS, desde la tierra del post-rock

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Tenemos más noticias sobre el desarrollo actual de la vertiente post-rock en Argentina, y esta vez es el turno de mencionar a LUZPARÍS, banda formada en mar de Plata a inicios del milenio. En 2006, LUZPARÍS editó su disco debut “Dormir Con El Ruido De La Lluvia” por vía del sello Sadness Discos, y ahora en 2010, con el apoyo adicional de viajero Inmóvil en labores de distribución, lanzó “Tierra De Conejos”, brillante disco que pasamos a reseñar a continuación. En comparación con sus compatriotas de AUTUMN MOONLIGHT, quienes reciclan el esquema del post-rock a través de una armazón patentemente estilizada y fastuosa para su propia oferta, LUZPARÍS suena más denso y grisáceo, más cercano a la crudeza etérea de unos MOGWAI o unos RED SPAROWES, incluso haciendo guiños a ciertos recursos del krautrock y de la faceta vanguardista de RADIOHEAD. Hay mucha exquisitez en los vuelos instrumentales de LUZPARÍS, sin duda, pero esta se arropa bajo revestimientos de ácida muscularidad.

El tema homónimo abre el disco estableciendo una decisiva confluencia entre el estereotipo de RED SPAROWES y la dinámica grisáceamente contemplativa del RADIOHEAD de “Amnesiac”. La coda vira hacia un despliegue de fuego rockero tan efímero como incandescente, lo cual funciona para abrirnos la puerta hacia el ensimismamiento denso de ‘Río Negro’, pieza donde el violín se utiliza para completar mágicamente las texturas aludidas desde los rasgueos de las guitarras. Los pasajes más fuertes nos recuerdan fácilmente a EXPLOSIONS IN THE SKY y, una vez más, RED SPAROWES. Bajo el sugerente título de ‘Mil Zombis Contra Mil Robots’, el tercer tema realza y refuerza el esquema de post-rock denso que el grupo ha venido trabajando desde el primer instante: hay una cierta cadencia cósmica al sonido general que le proporciona a este tema un cariz envolvente peculiar, incluso en aquellos contados momentos en que las guitarras se vuelven un poco más pesadas. ‘Evitando La Caída’ nos invita a centrarnos en atmósferas meditativas con su arquitectura sonora envolvente; en su sección final, el grupo sube los decibeles para guiar la meditación hacia parajes de pasión en medio del ensimismamiento, tal vez una apelación a las más recónditas fuentes de la energía interior para evitar la caída – algo muy a lo MOGWAI. La siguiente pieza, ‘La Calma (Que Antecede Al Huracán)’ reincide en climas sutiles y serenos donde las guitarras se complacen en dejar que sus sencillas secuencias de acordes aleteen en el aire cuales luciérnagas lisérgicas que parpadean en un bosque irreal en un amanecer melancólico que poco a poco deja emerger la luz del día. El huracán anunciado se engarza seguidamente sin conceder tregua: ‘El Huracán’ exhibe una vibración extrovertida bastante llamativa, portando una luminosidad bastante alegre sin hacerse ostentosa. El ruido de voces que coordinan el lanzamiento de una nave aérea se condice bastante con el aura space-rock que el grupo arregla para el esquema sonoro de esta pieza, un aura que se realza eficazmente en su lírica coda. La faceta introspectiva, dominante en la propuesta de LUZPARÍS, reaparece majestuosamente en ‘Televisión’, pieza que vuelve a remitirnos al referente de MOGWAI. Para el último minuto, el tema explora la tensión reinante hasta explicitarla con un inapelable vigor incendiario. Los 8 minutos y medio finales del álbum están ocupados por ‘Miami 275’, pieza que revela la faceta más extrovertida de la banda. Su primer motivo es ágil y casi robótico, casi como una cruza entre NEU! y RADIOHEAD. Poco antes de los 3 minutos, el tema gira hacia una exploración de atmósferas relajadas centradas en un espíritu contemplativo, siendo así que dicha exploración oscila entre momentos donde se impulsa hacia una suerte de crescendo y otros en los cuales prefiere mantenerse en una vibrante languidez. Esta última opción es la que prevalece en los parajes finales, alimentada con efectos de sonido espaciales, un truco que permite cerrar el círculo musical que se había estado dibujando a lo largo del repertorio integral.

Energía sonora e ingenio compositivo son dos cosas que LUZPARÍS elabora con patente solvencia en éste, su segundo disco, y son argumentos de peso para considerar a este grupo como un punto de referencia relevante para la vanguardia rockera que se va desarrollando en Argentina en estos tiempos: “Tierra De Conejos” es un disco cautivador y dinámico bajo sus propios términos. Nos despedimos con un par de muestras de la visión músical de LUZPARÍS.-
Río Negro: http://www.myspace.com/music/luzparis-11539774/songs/r-o-negro-66412335
Mil Zombies Contra Mil Robots: http://www.myspace.com/music/luzparis-11539774/songs/mil-zombies-contra-mil-robots-49444989