CLAUDIO MILANO & KASJANOOVA: "Adython", o la celebración del misterio

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hoy tenemos en nuestras manos un disco muy especial: “Adython”. Se trata de un ítem que orgullosamente porta conceptos desafiantes e iconoclastas sobre la música contemporánea, algo que se percibe como muy natural si atendemos a quienes lo gestaron: al canto, CLAUDIO MILANO, a las letras y estructura conceptual, ERNA FRANSSENS (alias KASJANOOVA); él, un italiano preocupado con varios aspectos de las artes visuales, plásticas y musicales, ella, una variopinta artista plástica belga con amplios intereses musicales; ambos, expertos en generar recursos radicales de vanguardia vitalista y desestructurada, a contracorriente de lo racionalista y en busca de una multivocidad de esquemas. De hecho, esta estrategia musical de CLAUDIO MILANO y sus compañeros a cargo de los efectos computarizados (ATTILA FARAVELLI y ALFONSO SANTIMONE) y del saxofón (STEFANO FERRIAN) es básicamente una variación libre de “Pythia Links To Pythagoras”, un experimento multimedia dirigido hace unos años por FRANSSENS para el Museo de Arte Moderno de su localidad natal de Amberes. Pero lo más adecuado es decir que este disco es algo más que una obra musical: es, ante todo, una toma de posición sobre la relación que hay entre el arte del ruido y el desequilibrio cósmico esencial al mundo que nos rodea. Pasando a cuestiones más formales, este disco consta de dos suites: ‘L’Oracolo Di Delfi’ y ‘Adython’, sendos viajes hacia los más recónditos parajes de lo que usualmente denominamos como “realidad oculta”. Ambas piezas fueron grabadas en dos momentos distintos: la primera, en julio de 2009, la segunda, en octubre de 2011.

‘L’Oracolo Di Delfi’ es la primera suite, la cual dura casi 15 minutos. El aire general de esta pieza es bastante claustrofóbico, una ambientación de ritual mágico en busca de una trascendencia a la vez iluminadora y aterrorizadora, siendo así que la revelación divina queda bien encapsulada en una espiritualidad oscura y tétrica. El terror realmente se siente en el aire desde el mismo momento que MILANO empieza sosteniendo una nota en registro altísimo: hay un trance que se
inicia sin que se pueda detener. El misterio se devela en parte pero permanece inasible sin paliativos, como un accidente sin sentido que le ocurrió a la mente humana sin saber cómo: se trata, al fin y al cabo, de un oráculo, y como tal, dice sin decir algo preciso, sino indicando un camino donde el receptor asume la entera obligación de descubrir su trazo y su sendero. A través de las patentemente chocantes vibraciones que se emiten de parte de este osado viaje hacia las cerebrales inquietudes de la musique concrete, se nota que late una serenidad muy peculiar, una serenidad propia de la actitud contemplativa que comparten el transmisor y el receptor de un mensaje de origen imperceptible. La suite homónima, que dura más de media hora, se encarga de explotar esta idea de inaccesibilidad hasta nuevas áreas de deconstructiva intensidad. Siendo el ádyton el espacio más reservado y elitista de un templo, esta suite asume una actitud de soliloquio dadaísta donde se cuestionan la identidad y la recurrencia, dejando que el ruido se instale en su propio solipsismo y se justifique a sí mismo como aparición sónica. Esta actitud se traduce en un uso incrementado de efectos distorsionadores de computadora y las continuas
irrupciones dadaístas del saxo que hilan bizarras interacciones con las alucinadas excursiones vocales de MILANO. Hay un momento de tendencias líricas a poco de pasada la barrera del 25to minuto, lo cual parece operar como una vía de acceso hacia el misterioso dinamismo a desarrollarse en los últimos 5 minutos de la pieza. La densidad abstracta de las experimentaciones de AREA en su etapa de “Are(A)zione” es un oportuno referente para explicar paralelos con lo que se escucha en esta suite.

Esta asociación de CLAUDIO MILANO y KASJANOOVA ha rendido un fruto muy bizarro que tiene méritos para ser positivamente recibido por los amantes de la vanguardia musical en una de sus posibles expresiones más osadas.


Muestra de “Adython”.-
‘L’Oraculo Di Delfi’ en vivo, por Claudio Milano y Attila Faravelli: http://www.youtube.com/watch?v=GKqSICIprzs

NEO: el nuevo jazz-progresivo italiano

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Ésta es la ocasión de hablar de un grupo italiano formado en 2001, en la localidad de Terracina: NEO. A pesar de la primera impresión que pueda dar un nombre así, no se trata de un grupo dedicado precisamente a cultivar música neo-progresiva sino una forma abiertamente radical de jazz-rock vanguardista: las inspiraciones básica de esta propuesta son el enfoque visionario punk-jazz de JOHN ZORN, el free-jazz, la ideología abstracta del noise y, hasta cierto punto, el math-rock, además de establecer ciertas confluencias con el jazz-prog contemporáneo propio de GUTBUCKET y LED BIB. Aunque el trío comenzó su existencia bajo el formato de guitarra-bajo-batería, el grupo derivó finalmente en una variante de guitarra-saxo-batería para sus dos discos más recientes, “Water Resistance” y “Neoclassico”: los músicos a cargo de estos instrumentos son, respectivamente, Manlio Maresca, Carlo Conti y Antonio Zetarelli. “Neoclassico”, publicado en 2011, es el disco que reseñamos en esta ocasión, el mismo que refleja fehacientemente la visión artística de NEO, sostenida sobre la iniciativa de crear música enérgica, caótica, vitalista y
juguetona, lúdica a despecho de los evidentes recursos de tensión y complejidad que el grupo emplea con hiperbólico entusiasmo.

‘Invenzione n.1’ abre “Neoclassico” con aires de sobriedad onírica por vía de un reposado dueto de saxo y guitarra, antes de que ‘Il Dente Del Pregiudizio’ irrumpa en un despliegue de juguetona extroversión que suena a un híbrido entre LED BIB y PRIMUS con ciertos matices añadidos de math-rock. Es en este momento que el trío empieza a mostrar ante nosotros todas sus armas dispuestas para el ataque musical a ser desplegado a lo largo del álbum, tal como lo confirma acto seguido ‘Mechanical Disfunction’, tema que capitaliza la neurosis saltarina del tema anterior y la reviste de una mayor dosis de tensión. ‘Good Morning’ se emparenta más con el segundo tema, siendo su función principal la de realzar las retorcidas focalizaciones sónicas que conforman la esencia de la banda. ‘Invenzione n.2’ interfiere para reinstaurar un nuevo instante de calma contenida antes de que la secuencia de ‘Unjustified Restrictions’ y ‘FF FF’ abra vías de experimentación jazz-rockera en clave free-form dentro de un cuadro sonoro que se revela ágilmente psicodélico en medio de su alevosa desestructuración. ‘La Sindrome Di Erode’ nos devuelve rumbo a las aguas tensas y traviesas de ‘Mechanical Disfunction’, una travesía marcada por una tremendamente traviesa densidad, un poco peligrosa hasta cierto punto, pero mayormente lúdica con talante dadaísta. Tras el nuevo momento de descanso que oportunamente nos brinda ‘Invenzione n.3’, emerge ‘Lo Iodio’ como pretexto para que la banda ahonde en su faceta jazzera dentro de su línea de trabajo que siempre apunta a evitar la predictibilidad: en el caso de este tema en particular, es llamativo el truco de insertar un par de breves jams cadenciosos de tonalidad Crimsoniana en medio del motivo central, cuyo swing se enraíza en la tradición del cool jazz con tenues aperturas al free-jazz. El saxo asume un protagonismo especial a lo largo de la expansión que se aplica al cuerpo central de la pieza. Después de recurrir a trucos de delicadeza contemplativa, el grupo vuelve a mostrar su dominante dimensión extrovertida a todo dar con ‘Ruins Soup’. Ahora que nos fijamos en el título, se puede encontrar confluencias con el legado de RUINS, además de los aluviones recios del math-rock del último decenio (GIRAFFES? GIRAFFES!, LYNX). ‘Blues’ juega al blues, como parece natural, no solo en el compás recurrente en 3/4 sino también en las cadencias flotantes dibujadas por el dúo de saxo y guitarra en el interludio así como en el clímax final. Pero queda claro que el trío no pretende seguir pautas tradicionalistas, sino retorcer algunos rasgos esenciales del blues-rock a su particular visión ecléctica de la experimentación rockera. El final de ‘Blues’ es intenso y tormentoso, y por tanto, hace falta que ‘Invenzione n.4’ cierre el disco para redondear los momentos de calma que se han ubicado estratégicamente en el repertorio.

Concluimos esta reseña señalando que NEO es un grupo idóneo para satisfacer la curiosidad de los coleccionistas de música vanguardista que juega hasta los últimos extremos con la ruptura y la deconstrucción. “Neoclassico” parece ser el disco razonablemente recomendable para empezar a investigar en el alucinado universo musical de este trío italiano.

Los fantásticos instintos progresivos de HERD OF INSTINCT

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de hablar de HERD OF INSTINCT, banda surgida en el estado norteamericano de Texas de las cenizas de 99 NAMES OF GOD: Mark Cook (Warr guitar, bajo sin trastes, guitarra sin trastes, guitarra e-bow, sintetizador, teclados, guitarras acústicas de acero y nylon, guitarra chunk, programación y loops) y Jason Spradlin (batería, marimba, campanas de camello y efectos de sintetizador) fueron miembros permanentes en la susodicha banda, y para esta nueva empresa musical se les unió Mike Davison (guitarras eléctricas, guitarra sintetizada, guitarra acústica de nylon, sitar), quien también pasó una temporada allí. Si 99 NAMES OF GOD hacía música progresiva psicodélica alimentada con bastante garra, HERD OF INSTINCT ofrece un espectro más versátil y abierto donde Cook y Davison cuentan con espacios amplios para explorar sus guitarras Warr y sintetizada, respectivamente, aparte de las típicas guitarras eléctricas y acústicas. Así pues, el homónimo disco debut de este ensamble, publicado en la segunda mitad de 2011, edifica y nutre una logística progresiva sumamente rica donde confluyen discursos y recursos derivados del space-rock, la psicodelia moderna, el jazz-rock, la fusión y el ambient. El trío ha contado con una pléyade de invitados “deluxe” para este disco: Gayle Ellett de DJAM KARET, las baterías de Gavin Harrison y Pat Mastelloto, las percusiones del incombustible Jerry Marotta, difusores de las guitarras Warr y Touch como Markus Reuter y Dave Streett… todos congregados en una aventura musical concretada en el disco homónimo de Herd Of Instinct, publicado en 2011 por el sello Firepool, creado y administrado justamente por DJAM KARET.

‘Transformation’ da inicio al disco con un ejercicio de fastuoso tribalismo que, en base al núcleo de piano y marimba, se desarrolla con un colorido moderadamente denso orquestado con suprema elegancia. Estos dos minutos de preludio dan paso inmediatamente a ‘Room Without Shadows’, el cual elabora una atmósfera Crimsoniana aggiornada, tal como se da a través de los dinamizados filtros de GORDIAN KNOT y los solistas de Trey Gunn. El matrimonio entre los fieros guitarreos y las contenidas cadencias elaboradas por la dupla rítmica es lo suficientemente efectivo como para garantizar la consistencia de la pieza a nivel milimétrico, a través de su esquema integral. ‘Road To Asheville’ vira hacia terrenos fusionescos de inspiración arábiga, apostando por sonoridades cálidas y añadiéndoles una capitalización de atmósferas cósmicas, algo que es de gran ayuda cuando se trata de integrar los interludios heavy al desarrollo de la pieza. La presencia de la flauta (a cargo de un invitado) es crucial para focalizar la magia inherente a la composición en sí. La coda basada en un flotante pasaje de guitarra acústica porta un carácter onírico efectivo a la hora de aludir a un ensueño final. ‘Hex’, ‘Blood Sky’ y ‘Anamnesis’ son los tres temas que siguen en el repertorio: el primero desarrolla un estupendo ejercicio de prog psicodélico melódico con ciertos matices heavy en el ínterin y un aleatorio preludio espacial, muy a lo DJAM KARET-con-GORDIAN KNOT; el segundo establece un viaje space-fusión-rockero, muy afín a cosas que encontramos en UPPER EXTREMITIES y los discos solistas de Tony Levin; el tercero principalmente instaura un intermedio entre las estrategias de las dos piezas anteriores, retomando la dinámica de ‘Hex’ aunque valiéndose de matices space-rockeros y un sutil realce de recursos electrónicos para brindarle al tema en cuestión un carácter más envolvente y una garra un poco más atenuada. Con esta tríada, el trío y sus colaboradores afianzan la misión musical que se han propuesto y refuerzan los cimientos de la misma.

‘Vibrissa’ y ‘Possession’ son ocasiones para que el ensamble explore atmósferas cósmicas amables: las de ‘Vibrissa’ tienen una cualidad particularmente ensoñadora debido a la relevante y larga presencia de las guitarras acústicas en el rol protagónico del desarrollo temático en curso; ‘Possession’, por su parte, se sostiene sobre un swing jazz-rockero portador de una ágil serenidad donde la instrumentación integral guarda una actitud fluidamente contenida. Engarzado con ‘Possession’, ‘S. Karma’ elabora una remodelación de las atmósferas anteriormente predominantes en ‘Room Without Shadows’ y ‘Anamnesis’, concretizando así una reconstrucción de las aristas más extrovertidas del ensamble. La afirmación de a visión musical de HERD OF INSTINCT queda reforzada de forma contundente. Como impulsándose a partir de aquí, el tema de cierre ‘The Face Of Another’ comienza con un primer cuerpo vitalista y contundente, enérgico sin hacerse aparatoso; el segundo cuerpo vira hacia ambientes espaciales casi oníricos, férreamente alimentados de la magia emanada de las percusiones tribales, así como de un breve solo neurótico de guitarra. Se siente un poco breve la pieza, pues sentimos que el primer cuerpo bien pudo haber gozado de un arreglo más extenso, pero bueno, así son las cosas y ‘The Face Of Another’ cumple a la perfección con su rol de broche de oro para un disco magnífico.

“Herd Of Instinct” es un disco muy bien logrado, una joya progresiva de nuestros tiempos, y un motivo más que razonable para seguir esperando cosas interesantes y enriquecedoras de músicos tan creativos como Mark Cook, Mike Davison y Jason Spradlin, ya sea dentro de este grupo o en cualesquiera otros proyectos. ¡Mantengámonos atentos a HERD OF INSTINCT!


Muestras de “Herd Of Instinct”.-
Room Without Shadows: http://www.youtube.com/watch?v=mY-xHL9dNyI
Hex:  http://www.youtube.com/watch?v=5bsgIa_1ucw
Anamnesis: http://www.youtube.com/watch?v=m2TtivMsLIM

Los viajes cósmicos de YURT

 

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es ocasión de hablar de YURT, un poderoso trío dedicado a cultivar una electrizante forma de eclecticismo rockero donde confluyen el space-rock, el stoner, la psicodelia progresiva, el kraut guitarra-cétrico y el rock pesado de vieja escuela. Formado a fines de 2006 por Steven Anderson (guitarra, sintetizadr y voz), Boz Mugabe (bajo, sintetizador y voz) y Andrew Bushe (batería), YURT declara que su ideologá musical está fuertemente focalizada en “dirigir experimentos en las áreas más amplias del rock progresivo” – así lo dicen en su blog de Myspace. El disco debut de la banda, “Ege Artemis Yurtum”, fue editado en diciembre de 2009, y dos años después, también en el mes de diciembre, el sucesor “Archipelagog”: podemos considerar a los dos discos como sendas fases de un único viaje musical signado por la vitalidad, la intensidad y la magia.

 

 “Ege Artemis Yurtum” empieza con un aura de resplandeciente nocturnidad de tendencia stoner a manos de ‘Flight Of The Intergalactic Mallard’: la viril muscularidad expuesta en el entramado instrumental halla su encuadre perfecto en la robusta estructura rítmica desarrollada en la base. El GURU GURU DE “KanGuru” hubiera estado orgulloso de idear esta ágil tormenta rockera, pero se designio esa reservado ara YURT en el tercer milenio. ‘Run The Gauntlet’, el tema que sigue a continuación, capitaliza esta muscularidad en una suerte de híbrido entre HAWKWIND, BLUE OŸSTER CULT y BLACK SABBATH. Tras estos más de 9 minutos de visceralidad rotunda e inapelable, siguen 11 ¾ minutos de ‘Bushmeat’ con más de lo mismo. El grupo se siente muy cómodo ajustando y reforzando las tuercas de su tormentosa maquinaria psicodélica, y de hecho, ‘Bushmeat’ desarrolla una imponente revitalización de la sofisticada rudeza que ha venido imperando hasta ahora. ‘Mog’s Brain Tumor Diagnosis’ y ‘The Fear Of All Sums’, los dos temas que sucesivamente ocupan los últimos 27 minutos del álbum, recogen esta cosecha de sofisticación y trasladan la contundencia esencial del trío hasta niveles épicos. ‘Mog’s Brain Tumor Diagnosis’ nos brinda una efectiva ilación de motivos bien definidos, comenzando con un despliegue de visceralidad bien insertada en la ideología del heavy prog, para luego pasar a una sección más áspera donde la dinámica rítmica adopta una actitud un tanto ceremoniosa. La intervención del canto anuncia el pronto tránsito a una nueva sección donde la banda reformula la intención inicial de tal modo que la triangulación de los neuróticos riffs de guitarra y la urgente vitalidad pulsátil de la dupla rítmica llena todos los espacios que se expanden en el éter. Con una sonoridad tan incendiaria y frenética, el terreno está preparado para generar una coda donde los recursos de densidad sirven para darle un viraje fresco a la permanente intensidad. Por su parte, ‘The Fear Of All Sums’ se encarga de concretizar concienzudamente los deseos del trío por llegar a niveles de magnificencia climática. La clave para ello es que el grupo adopta una cierta aureola de elegancia como revestimiento de su esencial rudeza, incorporando una mayor presencia de capas de sintetizador en algunos pasajes, manejando cadencias rítmicas más gráciles en otros, abriendo espacios para el desarrollo de ornamentos space-rockeros en algunos interludios, así como de extensos parajes caóticos donde el grupo juega a explorar las posibilidades de la deconstrucción. Son 17 ½ minutos de exaltación sonora donde el disco alcanza su pináculo conclusivo.

Pasamos ahora al segundo disco, “Archipelagog”. La pieza homónima ocupa los primeros 14 ¼
minutos del álbum, y ya desde el punto de arranque se nota a un grupo que está más curtido y refinado en su manera de explayarse en sus viajes psicodélicos: la fluida ilación de los diversos jams, la ingeniería de la dupla rítmica y los arreglos que reciclan la polenta rockera en curso concretizan una prestancia especial en el bloque sónico, a la par que preservan la fiera vitalidad que es “marca registrada” del trío. Luego sigue ‘The Wretch’, tema que despliega una visceralidad punzante tras un preludio expectante: la pulsación temática sostenida sobre una machacona maquinaria rítmica hace que el tema suene a una especie de reconstrucción NEU!-iense de unos jams inspirados en los legados de HAWKWIND y ASH RA TEMPEL. ‘Rat Nebula’ es un interludio de poco más de 3 minutos donde el grupo explora un enérgico jam de ribetes arábigos, abriendo así camino a ‘Xeric Ascension’ a la par que opera como apéndice perfecto para el fulgor electrizante de ‘The Wretch’. ‘Xeric Ascension’ es una pieza de 13 minutos y pico de duración que muestra nuevamente a la banda en un posicionamiento creativo que le permite amaestrar los efluvios de energía lisérgica sobre los hombros de variadas cadencias rítmicas a través de consistentes ambientes cargados de vitalidad. Retomando patentemente la contundente fiereza de los dos primeros temas – especialmente enarbolando una vinculación con la muscular sofisticación del primero – , cabe añadir que el grupo incrementa su gancho en esta pieza, dándole grooves especialmente llamativos al punche que continuamente se va desarrollando a lo largo de las diversas secciones de la pieza: hay ciertos pasajes donde se filtra cierto tufillo a lo BLACK SABBATH en medio de toda esta aventura psicodélico-progresiva. Aquí tenemos un cénit del álbum. Con ‘A Dystopian Gyre’ se nos devela un puente de flotantes sonoridades electrónicas, un breve trayecto aleatorio hacia lo que será la magia alucinada de ‘Cicada’, la monumental pieza que ocupa los últimos 19 minutos del álbum. El primer cuerpo de ‘Cicada’ se basa en un motivo ceremonioso sobre un compás semi-lento, oportunamente adornado con escalas de órgano, muy a lo PINK FLOYD de la etapa 68-71. Poco después de pasar la frontera de los 3 minutos, el grupo vira hacia un nuevo recurso de visceralidad rockera, al estilo de HAWKWIND. Más adelante, el grupo se traslada a una dimensión de improvisaciones cósmicas y pulsaciones musculares que tienen mucho de Floydismo, kraut y avanzada cibernética. Esta sección se cierra de manera fastuosa, con un aire de expectativa marcado por la interacción entre las capas cósmicas de sintetizador y los efectistas golpes de tambor. Pero lo que parece una solución final es en realidad un pasadizo hacia el reprise de la sección pulsátil que tuvo lugar anteriormente, articulado con una realzada voracidad en su fulgor rockero, al modo de una nave que se enfila hacia la Luna para estrellarse sobre un cráter y generar un auténtico Armagedón satelital. Al terminar la experiencia de ‘Cicada’, queda claro que su rol es el de instaurar un segundo y definitivo clímax para el álbum.

A partir de nuestro balance general de “”Ege Artemis Yurtum” y “Archipelagog”, YURT se revela como un grupo que sabe mantenerse fijo sobre su propio terreno familiar sin dejar por ello de sonar fresco con cada nuevo viraje que tiene lugar dentro de la expansión de una pieza particular: tiene la confianza y prestancia necesarias para mantener un posicionamiento musical vibrante en medio de las estrictas coordenadas bajo las cuales escoge el modus operandi de su creatividad rockera. Prog psicodélico que obsesivamente añora aquellos tiempos de emergencia y reacomodo de las vertientes psicodélica y space-rockera del género progresivo, esto es lo que nos ofrece YURT y lo que debemos valorar con agrado y esperanzas respecto a futuros lanzamientos fonográficos.

Muestras de “Ege Artemis Yurtum”.-

Bushmeat: http://www.youtube.com/watch?v=z8yNPuLFHHM
Mog’ Brain Tumor Diagnosis: http://www.youtube.com/watch?v=Ih01rSQkl7w

Muestras de “Archipelagog”.-
Archipelagog: http://www.youtube.com/watch?v=ts7vNaUC5NA
The Wretch: http://www.youtube.com/watch?v=nlHKIEGUL2w

La nueva mirada progresiva de RODRIGO SAN MARTÍN

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

RODRIGO SAN MARTÍN no es un novato en este blog nuestro: se hizo presente hace dos años con ocasión de su disco “There’s No Way Out”, y ahora lo volvemos a traer a colación aquí en relación con su nuevo trabajo “Eyes”. Nacido en 1988 y gozando de un aprendizaje formal en música, él tiene ya una nutrida trayectoria en su CV como miembro de grupos como DE RIEN y SOULS IGNITE, además de asociarse en el proyecto VANISHED FROM EARTH con FERNANDO REFAY (otro entusiasta músico solista de la avanzada prog argentina actual), y tener también una discografía solista. “Eyes” es el título del tercer trabajo de SAN MARTÍN, lanzado al público por vía de Soundcloud (http://soundcloud.com/sanmartinphase7/sets/rodrigo-san-mart-n-eyes-2012/) a inicios de 2012: en comparación con el antes mencionado “There’s No Way Out”, se puede esbozar a partir de unas cuantas primeras escuchas una conjetura sobre cómo este nuevo disco muestra a un SAN MARTÍN dispuesto a matizar la energía rockera en beneficio del realce de las ideas musicales insertas en cada pieza. Para esta empresa musical, SAN MARTÍN se hace cargo del siguiente arsenal instrumental: guitarras eléctricas, acústica y lap steel, mellotron, órgano Hammond, sintetizadores Moog y Arp Pro Soloist, piano, vibráfono, pads, atmósferas y arreglos orquestales, además de coros. Sus acompañantes de viaje son: Ludmila Clemente (batería y coros), Serj López (bajo y coros), Fernando Refay (teclados), Jelena Perisic (voz en ‘The Mask’ y ‘Con Los Ojos Abiertos’), Craig Kerley (voz en ‘Destroy The Signal’) y Tamara Szych (voz en ‘Amanecer’ y ‘Ahora’).

Este disco tiene dos secciones: ‘Wide Open’ y ‘Wide Shut’. La primera sección está íntegramente ocupada por la ambiciosa composición de casi 20 minutos de duración ‘Con Los Ojos Abiertos’. La pieza comienza con un tenor muy a lo PINK FLOYD-con-GENESIS, un lirismo etéreo sazonado con flotantes atmósferas psicodélicas, todo ello manejado con suficiente delicadeza como para que Jelena Peresic cuente con campo de expresión para exponer los matices más evocativos de su canto. Alrededor de la frontera de los 5’30”, emerge una sección donde la pieza vira hacia una vibración un poco más agresiva, a medio camino entre el sinfonismo clásico y el neo en clave cuasi-hard. De esta manera, se abre una puerta hacia variaciones temáticas llenas de magnificencia donde el ensamble vuelve a coquetear con el prog-metal melódico estandarizado por el primer DREAM THEATER y VANDEN PLAS, así como con variantes más atmosféricas de experimentación progresiva. Hay una interesante y atrapante narrativa implícita en toda esta secuencia, la cual continúa transitando fluidamente entre pasajes agresivos y serenos en el largo camino hacia el último estribillo, donde se estructura el ceremonioso clímax final, situado entre lo Genesiano y lo Cameliano con matices modernos. De hecho, nos parece que el estupendo solo de guitarra con que se corona dicho clímax pudo y debió ser un poco más extenso, como para sacarle más el jugo al luminoso esplendor sonoro que se estaba exhibiendo, pero en fin, las cosas también resultan bien tal como están.

La segunda sección del álbum comienza con ‘The Mask’, el cual se inicia con un sereno motivo de piano a todas luces diseñado para transmitir una melancolía contemplativa. Cuando el piano empieza a elaborar estilizadas de florituras tendencia barroca, se anticipa así lo que pronto devendrá en una sacudida fastuosa portadora de una intensidad afín al estándar del prog-metal. El esquema sonoro se sitúa al modo de un híbrido de DREAM THEATER y SHADOW GALLERY, antes de que la nostalgia regrese para el cierre, esta vez con la guitarra a cargo de fundamentar la base armónica y dirigir el clímax conclusivo. ‘Destroy The Signal’ baja un poco el nivel de sofisticación para ponernos dentro de un ámbito de vertiente neo, matizado con adornos prog-metaleros estratégicamente situados en los intermedios instrumentales: esta canción bien puede definirse como una cruza de GALAHAD y LANDMARQ remodelada con ropajes DT-eros de la etapa 2007-09. ‘Amanecer’ y ‘Ahora’ ahondan en buena medida por esta línea de trabajo, explorando vías para capitalizar el colorido propio de sus bases melódicas a fin de aprovechar sus respectivos espacios de expansión musical. El predominio del factor neo es más notorio (sin que desaparezca el vigor rockero en las secciones más filudas), así como el deseo de SAN MARTÍN de desarrollar el esquema lírico de las líneas temáticas en curso con mayor fruición, lo cual se traduce en un muy buen aprovechamiento de los lapsos temporales asignados a cada una de estas dos piezas. En el caso particular de ‘Ahora’, se hacen notar ciertas afinidades con los estándares de QUIDAM y MAGENTA. En medio de ambas piezas, ‘Interludio’ brinda un momento de claro sosiego por vía de un delicado dueto de guitarras acústica y eléctrica, acicalado con gentiles capas de mellotron.

Se concluye aquí la experiencia de “Eyes”, experiencia que nos confirma a RODRIGO SAN MARTÍN como un referente importante para entender el progresivo sinfónico moderno que se practica hoy en día en tierras sudamericanas. Vale auténticamente la pena prestar verdadera atención a lo que nos ha venido ofreciendo este talentoso multi-instrumentista en los últimos años desde su rincón sudamericano.

La lengua franca y vanguardista de T.R.A.M.

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es nuestro turno de hablar de T.R.A.M., una congregación musical (súper-banda, en realidad) formada por Adrian Terrazas (vientista de THE MARS VOLTA), Eric Moore (baterista de SUICIDAL TENDENCIES) y los dos guitarristas de ANIMALS AS LEADERS Javier Reyes y Tosin Abasi. Desde la afortunada confluencia de estos heterogéneos pedigrís de rock ecléctico, hardcore punk y metal progresivo, emerge una fuerza musical que ofrece un tremendamente vitalista híbrido de avant-jazz, math-rock, neurosis de inspiración Crimsoniana y noise dentro de un encuadre progresivo que resulta lo suficientemente sugerente como para matizar de forma convincente la tormenta sónica que late en la comunión de estos cuatro músicos. El nombre de T.R.A.M. obedece a las iniciales de cada uno de los geniales elementos individuales que conforman este todo: “Lingua Franca”, su obra debut editada en febrero de este año, impone una fuerza expresiva exigente y única en un espacio de media hora. Media hora de música, demasiado poca para permitir al oyente degustar toda la miel de este panal sónico, más que suficiente para dejar constancia de la soberbia vitalidad que este ensamble aporta a la vanguardia rockera del momento.

Repasemos ahora el disco en cuestión. ‘Seven Ways Till Sunday’ lo abre con una ágil combinación de cadencias jazz-rockeras y dinámica math-rockera, pero sin llegar a un auténtico desborde: la energía en curso está pertinentemente articulada bajo un esquema bien equilibrado. Eso permite que el tránsito del primer motivo al segundo, basado en un swing de corte Latin-jazz, sea perfectamente fluido. La dupla de ‘Consider Yourself Judged’ y ‘Endeavor’ que sigue a continuación sirve para reforzar el posicionamiento estético de la banda y explotar sus aristas más robustas, siempre cuidándose de extrapolarse hacia senderos de descontrol. El grupo edifica su hogar en un área de contención. En ‘Consider Yourself Judged’ cabe destacar el modo en que la soltura cálidamente fiera del saxo y los adornos complejos de la batería cuadriculan los arreglos nucleares del cuerpo central. Por su parte, ‘Endeavor’ se enfila hacia recursos de psicodelia grisácea no ajena a herencias Crimsonianas (etapa 73-74) ni al boato jazz-rockero que hallamos en la obra de MACALPINE, HOLDSWORTH y TRIBAL TECH; la idea de comenzar las cosas con un calmado preludio de guitarra y flauta es efectiva como preparación para lo que sigue después, especialmente cuando se tiene en cuenta que a poco de llegar a la barrera de los 4 minutos, el grupo explora un motivo grácil con sorprendentes matices sombríos. ‘HAAS Kicker’, pasando levemente la frontera de los 7 minutos, se erige en la pieza más extensa del álbum. Comenzando con un expansivo prólogo atmosférico rayano con los vértices más introspectivos del space-rock, el grupo finalmente arma un cuerpo central enérgico y sofisticado donde la banda vuelve a hacer gala de sus recursos de contención a la hora de manejar motivos musicales que no ocultan del todo su tensión implícita. Eso sí, cabe destacar el modo en que el saxo incluye arrebatos líricos en el que tal vez sea su mejor solo en todo el disco (de 3’50” a 5’38”). Los dos últimos temas del disco, ‘Hollywood Swinging’ e ‘Inverted Ballad’, completan el cuadro sonoro dibujado por el grupo con sendos ejercicios de nervio y prestancia: en el caso de ‘Hollywood Swinging’, la balanza de la dinámica grupal se inclina hacia la desestructuración del free-jazz, mientras que ‘Inverted Ballad’ elabora un ambiente melancólico, donde los acordes de las guitarras duales tapizan el lienzo cuales escobillas finas y el saxo traza líneas con colores moderadamente vivaces.

T.R.A.M. es, a fin de cuentas, una presencia representativa del vigor y la sofisticación que viene continuamente generándose en las vertientes más desafiantes de la experimentación rockera contemporánea estadounidense: este proyecto tiene personalidad propia, y ojalá, empuje para realizar nuevos lanzamientos fonográficos en el futuro próximo. Por ahora, nos vale “Lingua Franca” como algo para a disfrutar intensamente con el cerebro y con el corazón.


Muestras de “Lingua Franca”.-
Consider Yourself Judged: http://www.youtube.com/watch?v=pg6d2kxkJrQ
HAAS Kicker: http://www.youtube.com/watch?v=L6IqJNzT4Rg

CARTEL CARNAGE incorpora nuevas energías a la avanzada rockera

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión traemos a colación el nombre y figura de CARTEL CARNAGE, un osado ensamble francés dedicado a cultivar una musicalidad intensa y aguerridamente vitalista en base a una electrizante mezcla de psicodelia deconstructiva, metal, jazz vanguardista a lo NAKED CITY, RIO, mecanismos Crimsonianos y math-rock, un eclecticismo filudo y alevosamente
oscurantista que en 2009 dio sus primeros frutos en el EP “Straight No Chaser”, y más recientemente, nuevos frutos en el CD “Incorporated”, el cual pasamos a reseñar en esta ocasión. El repertorio de 16 temas que compone este segundo registro de CARTEL CARNAGE fue grabado durante la primera mitad de 2010, pero recién a fines de 2011 se difundió en diversos blogs internautas: en marzo de 2012, “Incorporated” ha pasado a ser oficialmente publicado por el sello Great Winds. La formación de CARTEL CARNAGE es: Sylvain Bardiau (trompeta, trompeta de émbolo), Sylvain Cathala (saxo tenor, saxo melódico en do), Fred Maurin (guitarras, programaciones), Alex Tomaszweski (bajo, programaciones) y Eric Dambrin (batería, percusiones, teclados, canto).


El disco comienza con ‘Scissor Me’, un breve vendaval de cacofónica oscuridad que despeja el cielo para que ‘Houx Wardiougue’ despliegue acto seguido su luminosidad tensa y siniestra, dispuesta de forma belicosa a través de una instrumentación en la que la dupla de saxo y trompeta sale al frente como dirigiendo la marcha del crepúsculo hacia la inundación de una noche plagada de perturbadoras amenazas. ‘Plus De Pâtes’ es un minúsculo ejercicio de caos virtuoso que nos prepara para la densidad cadenciosa de ‘Foolish Grenade Amplifier’, tema que conduce su pesadez inherente a través de un tempo lento que parece arrastrar una angustia impenetrable a través de un terreno de tránsito dificultoso. Esta ordalía es llevada hacia recovecos más oscuros en el siguiente tema, ‘Beyond Free Zehl’, el cual se hace eco de la oscuridad reinante llevándola hacia un área fronteriza con el chamber-rock (en clave metalera... algo así como un reibuto de BEHOLD... THE ARCTOPUS a PRESENT). ‘Encore Plus De Pâtes’ es una nueva miniatura caótica que prepara el terreno para ‘Tone Box Pie 4’, tema que en sus 8 minutos y pico de duración explora tonalidades de free-jazz, matices de la tradición jazz-rockera de los 70s y algunos pasajes más rudos propios de la avanzada jazz-progresiva de las dos últimas décadas. La secuencia de ‘Le Chant De La Carpe’, ‘Adverse Anxiety And The Cheetah’ y ‘South Mountains’ resulta interesante y reveladora a la hora de calibrar las dimensiones de la aventura musical que emprende CARTEL CARNAGE: el primero de estos temas es como un paisaje sónico de una playa semi-abandonada al atardecer, un lugar solitario a punto de ceder al misterio de la nocturnidad, pero cálido y extrañamente acogedor; el segundo apela a complejidades progresivas excitantes y pulcramente elaboradas a través de su evidentemente incandescente energía; finalmente, el tercero regresa parcialmente a la pesadez cadenciosa de ‘Foolish Grenade Amplifier’ pero con una variante stoner que va emergiendo a lo largo del último tercio.

‘Ready, Steady, Go!’ es un breve preludio cargado de urgencia, un acompañamiento ideal a la ansiedad contenida a segundos de iniciarse una competición atlética, y así las cosas, surge ‘Mes Choux Gars’ para reconstruir la aureola de ‘Houx Wardiougue’ y enfatizar un poco más la aureola metalera, incluso incorporando algunos modismos Crimsonianos de la etapa 90-00. ‘Badaboom On Ze World’, otro tema que dura 8 minutos y pico, desarrolla un paseo sonoro sumamente rico, alimentado por los lenguajes del jazz-rock experimental de unos GUTBUCKET, la psicodelia, la fusión y algunas extravagancias Zappianas con buen pulso y, sobre todo, con consistente ingenio. ‘Missing Him’ es un nuevo interludio deconstructivo que opera como vía de entrada hacia una instancia mayor, en este caso, ‘Obliques Strategies’, el tema más largo del disco. Este tema nos brinda lo que tal vez sea el mayor ejercicio de constricción que exhibe la banda en todo el disco: tratándose como se trata de una pieza enérgica y dueña de una fuerza expresiva propia del grupo, resulta que los arreglos de los motivos y la estructura rítmica se cuidan mucho de llegar a igualar los grados de frenesí o despliegues de oscuridad que sí se dieron de forma más evidente en el repertorio precedente. Incluso se nota una arquitectura sólida y compacta que cuida de sí misma de manera decidida: este sentido arquitectónico resulta crucial a la hora de elaborar el pasaje final, que es cuando el grupo tiende puentes con la vibración ceremoniosamente siniestra de ‘Beyond Free Zehl’ y ‘Foolish Grenade Amplifier’. ‘Pourquoi’, el epílogo del álbum, consiste en una aleatoria sucesión de retazos de metales, guitarreo, efectos y percusiones, en medio de voces quejosas: algo muy a lo FANTÔMAS, con sus pertinentes alusiones a los estándares de NAKED CITY y la tradición del noise. Un retrato dadaísta de desazones e inconformismos que aporta un oportunamente inquietante cierre al disco.

Todo esto fue “Incorporated”, un testimonio de la valía que tiene CARTEL CARNAGE para
la preservación del espíritu experimental en el lenguaje rockero de nuestros días: un descubrimiento que recomendamos con amplia genuinidad a los amantes del rock experimental forjado con hierro y elaborado con músculo.


    

Muestras de “Incorporated”.-
Houx Wardiougue: http://www.youtube.com/watch?v=uObQ3I_a7rQ
Mes Choux Gars: http://www.myspace.com/cartelcarnagecartelcarnage/music/songs/mes-choux-gars-rough-mix-74889148

Un paseo por el mundo musical de JULIAN JULIEN

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el turno para hablar de JULIAN JULIEN, multi-instrumentista francés usualmente especializado en saxo y que viene dedicando su vida a darle giros renovadores a las áreas del jazz de avanzada y a la fusión. Como líder fundador de FRACTALE, también mantiene una carrera fonográfica solista, un poco dispersa en verdad, pero ciertamente sólida en cuanto a musicalidad, energía y colorido. Para sus discos solistas, JULIEN se concentra en tocar teclados y elaborar programaciones digitales de base, aparte de componer el material de sus discos. “Terre” (2000) y “Strange” (2006) son discos bellos y sugerentes, y justamente vamos a reseñaros aquí, generando y solidificando confluencias gentiles y excitantes de los lenguajes del jazz-fusión, la World Music, el jazz de vanguardia, las tradiciones del Canterbury, el RIO y las teorías de cámara contemporánea.

JULIEN es un virtuoso y curtido músicos (principalmente, saxofonista) forjado en las áreas del jazz experimental y la fusión que cuenta con una trayectoria solista además de dirigir un proyecto
grupal llamado Fractale. “Terre” es el título de su disco solista editado en el año 2000, siendo así que su ingenio compositivo daba frutos diversos (además de otro disco de estudio editado seis años después de éste) como bandas sonoras y obras en la línea de la cámara de vanguardia. Comenzamos con “Terre”, un trabajo musical dinámico y preciosamente armado donde JULIEN cuenta con los siguientes invitados: Egbert Schagen (bandoneón), Antoine Giraud (trombón), Bennoit Donot (trombón), Loïc Soulat (saxo barítono), Siegfried Canto (voz), Sylvain Le Provot (contrabajo), Emmanuel Vaillant (gong), Mansoor Hosseini (tabla), Sébastien Koukel (djémbe) y
cuarteto de cuerdas conformado por Sébastien Reiss (1er violín), Sophie Barthélémy (2do violín), Frédérick Robin (viola alto) y Eglantine Schaffin (violonchelo).

La pieza homónima abre el disco con una actitud ostentosamente lúdica, con una dinamismo genuino de parte de la dupla piano-percusión y unos envolventemente arrolladores coloridos provistos por las cuerdas. ‘L’Attente’ pasa a un lirismo más relajado, focalizado en ensoñadores climas alusivos a la magia onírica de un relato fantástico; ojo, lejos está este viaje musical de perderse en la pura ingenuidad, pues las irrupciones de algunos ornamentos disonantes permite añadir un conveniente aire de inescrutable inquietud, aunque sin romper con el lirismo dominante. ‘Tupperware Et Bibelots’ retoma buena parte de la magia ensoñadora de la pieza precedente y la transporta hacia los terrenos del tango-fusión, bajo un sobrio de densidades grisáceas propias del chamber-rock. Esta prodigiosa mezcla de belleza y bizarría hace de la pieza uno de los puntos decisivos del disco. Por su parte, ‘Bencoleen Hotel’ nos traslada hacia atmósferas del Extremo Oriente con una delicadeza perfectamente lograda en su tremenda pulcritud, antes de que ‘Souquez’ nos lleve hacia parajes más nebulosos donde el ensamble de turno (piano, percusiones, contrabajo y violonchelo) se ubique en un punto intermedio entre el intimismo etéreo de los temas 2-3 y la ostensible extroversión del primer tema. El grácil colorido coqueto de ‘Promenade’ brinda un momento de cándido reposo emocional antes de que ‘Degung’ signe un camino de sonoridades estilizadamente sombrías provistas de un magnetismo tan extraño como imponente: lo que se escucha aquí puede describirse como un UNIVERS ZERO de la era “Uzed” remozado con exóticas cadencias centro-asiáticas. ‘Les Yeux’ continúa por esta senda en buena medida, añadiendo fuertes matices de tendencia fusionesca al esquema rítmico.

‘Clémentine’ y ‘P’tite Pêche’ son viñetas elegantes donde lo juguetón se reviste de fastuosidad sin llegar a lo hiperbólico: ‘Clémentine’ es una breve oda al aspecto más genuinamente cálido de la infancia, adornado con algunos giros disonantes manejados con refinada delicadeza; ‘P’tite Pêche’ exhibe una sobria arquitectura cercanamente hermanada con ‘L’Attente’. Finalmente, tenemos a ‘Le Tombe Des Lucioles’ para cerrar el álbum con una exhibición de las más ambiciones proyecciones sonoras de JULIEN y sus compañeros de viaje. El bloque sonoro está abundantemente lleno, pletórico de vigor dentro de las directrices marcadas por el núcleo armónico recurrente así como por el esquema rítmico: el cuarteto de cuerdas impone un posicionamiento protagónico dentro del bloque instrumental, llegando a crear una inquietante tensión en complicidad con el piano en el clímax intermedio. La sección final llega a una erupción entusiasta sin romper con el aura general de la pieza. En síntesis, “Terre” es un hermoso y peculiar muestrario de investigaciones fusionescas signadas por tendencias progresivas y con fluidas afinidades con variados recursos sónicos del mundo.

Pasamos ahora a “Strange”, su disco de 2006, para el cual JULIEN tuvo como compañeros de viaje musical a los siguientes intérpretes: André Jarca (1er violín), Koo Young-Euu (2do violín), Garik Heorhi Anishchanka (violonchelo), Michel Guay (sitar), Djamel Laroussi (guitarra), Karim Touré (djembé, derbouka, percusiones) y Apurbi Mukherjee (tabla). El esquema musical que
concibe JULIEN para “Strange” diseña estrategias más sofisticadas y coqueteos más abiertos con adornos y matices electrónicos, desarrollando así mayores dosis de agilidad a la par que abre puertas a la intromisión de retazos sombríos en ciertos lugares estratégicos.

‘Leh’ abre el álbum con un espíritu candoroso, dándose un mágico destaque de los violines y el sitar en el desarrollo melódico principal. El lirismo de la pieza en cuestión es arrollador y envolvente a la vez. El turno de ‘Cirque’ es uno de juegos armónicos disonantes, arropados bajo una aureola de muñecos mecánicos y cajas musicales: el aire circense de la composición se sostiene sobre la saltarina amalgama de teclados y percusiones, mientras que el compás de vals es manejado con un colorido surrealista de inclinaciones RIO (con el perfil de unos AKSAK MABOUL). ‘Charlotte’ es pura calidez sónica: un motivo melódico juguetón esbozado sobre un compás jovial que combina reggae con cadencias indias. Tras este despliegue de bizarro eclecticismo exótico, llega ‘What’s Democratie?’ para imponer una vibrante mezcla de swing funky y florituras arábigas: el aire optimista que se destila a lo largo de todas y cada una de las moléculas de sonido encapsuladas en la pieza tienen bastante de travieso, y tal vez sea un cinismo humorístico lo que se esté plasmando en ella. ‘Tinananan’ prosigue por esta senda de investigación de coloridos y cadencias orientales, esta vez mezclándolas con un arquitectura rítmica nu-jazz. También cuenta con una fuerte base nu-jazz ‘Sophie’, pieza dinámica iluminada por un distinguido destello etéreo que atraviesa fluidamente el patentemente marchoso motivo central. En medio de ambas piezas, ‘Le Caquou’ elabora una atrapante vibración fusionesca en torno a la raga india, dándole a esa magia particular un poco de robustez sin renunciar un ápice a la fineza exigida en esta ocasión: podemos encontrar cercanías a la línea acid-folk que se trabajó en ciertas esferas de la avanzada progresiva europea de los 70s.

Cuando llega ‘Cosmos’, es hora de dejar que los oídos naveguen por aguas un poco más densas: JULIEN y sus camaradas de turno desarrollan un motivo central cuya sonoridad impresionista ampliamente inspirada en las facetas más etéreas del chamber-rock y por el proyecto THE
OFFERING del maestro CHRISTIAN VANDER, pero por otro lado, el swing fusionesco sobre el cual se cimenta la arquitectura instrumental mantiene un tono vibrante a través de este viaje musical. Con sus 3 minutos de duración, ‘Planète’ focaliza su eminentemente cósmico tema central dentro de un encuadre electrónico donde el grupo regresa a sus devaneos con el nu-jazz: de hecho, el desarrollo y los quiebres de la secuencia rítmica adquieren un protagonismo especial en el bloque sonoro. Con sus poco más de 7 minutos de duración, ‘Strange’ es un cautivador jam étnico bien sostenido bajo un sólido dinamismo fusionesco: las bases y capas de teclado, las florituras de las cuerdas y el peso determinante de las percusiones establecen una pintura sonora magistral. La pieza exuda una extroversión manierista similar a la de las excursiones hinduistas de MCLAUGHLIN. Tras esta explosión de colores, ‘Nocturne Indien’ instala un recurso de sobriedad sin perder la pista a la pauta de colorido establecida por la pieza precedente: en este tema en particular, de conjugan a la perfección las vibrantes cadencias orientales y las texturas impresionistas, con algún toque Canterbury por allí y algunos ornamentos psicodélicos (a lo CLEARLIGHT) en los instantes finales. Así las cosas, se prepara el terreno para el último ítem del disco, el cual no tiene título: se trata de un tema flotante, hipnótico hasta cierto punto, pero dueño de un groove moderadamente intenso que le permite establecer una nueva estrategia de enriquecimiento de la fusión étnica, con algunas dosis medidas de densidad tipo RIO.

En el bloque general de estas dos experiencias melómanas, cabe concluir que JULIAN JULIEN no es tan solo un músico ni es tan solo un compositor, sino también un pintor sónico que sabiamente articula las figuras y colores de sus composiciones con los compañeros adecuados. ¡Vale la pena investigar en su obra!


Muestras de “Terre”.-
Terre: http://www.youtube.com/watch?v=OM2sJIVJPHw
L’attente: http://www.youtube.com/watch?v=jq8VtXAuIo0

Muestra de “Strange”.-
Cosmos: http://www.youtube.com/watch?v=zFCHJQyQr4Y

PIERROT LUNAIRE: un legado de la música progresiva italiana originaria

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de hablar de un grupo italiano sorprendente e imprevisible que supo dejar una huella muy especial con dos discos de estudio durante la década de los 70s: PIERROT LUNAIRE.

Este sorprendente e imprevisible grupo italiano comenzó su trayectoria fonográfica con su homónimo álbum debut del año 1974, siendo su primera formación: Arturo Stálteri (piano, órgano, espineta, sintetizadores, celesta, percusión y canto), Vincenzo Caporaletti (guitarras acústica, clásica y eléctrica de 12 cuerdas, bajo, batería y flauta) y Gaio Chiocchio (sitar, mandolina, guitarras eléctrica y acústica, órgano, platillos, tímpanos y canto). El estilo progresivo que ellos comenzaron cultivando estaba bien enmarcado en la línea melódica de raíz bucólica, cercanamente emparentada con la onda de CELESTE y la faceta acústica de PFM. El rol de las guitarras (mayormente acústicas) es fundamental casi todo el tiempo a la hora de establecer las pautas armónicas y crear los ambientes reflexivos e intimistas que inundan el repertorio; por su parte, los teclados intervienen destilando cortinas, acordes y solos de piano y órgano con una delicadeza exquisita, mientras que las apariciones del sintetizador apuntan mayormente a complementar con ornamentos y texturas adicionales la labor realizada por las guitarras acústicas y los teclados más “convencionales”. Lo mismo vale para las intervenciones ocasionales de guitarra eléctrica y flauta.

Ahora bien, en este disco hay algo más que un simple catálogo de esbozos y esquemas amables: de alguna manera se filtran en ciertos pasajes algunos recursos sonoros ligeramente perturbadores, como si hubiese alguna fuerza de tensión subyacente al predominante clima bucólico, que a duras penas logra hacerse notar de vez en cuando. Esta tensión se manifiesta en algunas disonancias explotadas con suma sutileza, apelando más a una belleza misteriosa que a un desequilibrio deconstructivo. Esto se nota desde ya en el tema de entrada ‘Ouverture XV’, construido al modo de una pompa palaciega renacentista, en la cual la energía dispuesta en los acordes de piano destila una especie de inquietud en medio del dueto de guitarras acústicas. Otras muestras de sensibilidad acústica rociada con sorprendentes gotas de rocío disonante están contenidas en ‘Invasore’, la sincopada ‘Lady Ligeia’, y el sombrío ‘Narciso’. Pero por otra parte, la faceta pastoral queda reflejada con cautivante candor en ‘Raipure’ e ‘Il re di Raipure’, piezas muy mediterráneas; lo mismo sucede con ‘Sotto i ponti’. El instrumental de cierre ‘Mandragola’ es la pieza más bizarra del disco: sostenida sobre un compás marcial de piano, bajo y tímpanos, se extiende un motivo recurrente compartido por el órgano y el sintetizador, mientras algunos punteos de guitarra no exentos de agresividad se disparan a ratos al modo de contrapuntos ocasionales – finalmente, la coda expone un breve reprise del motivo del tema anterior, ‘La saga della primavera’, con una guitarra clásica que parece brindar una paz mística tras la explosión extrovertida que tuvo lugar. En fin, “Pierrot Lunaire” es un disco muy agradable y atractivo, con predominante sensibilidad acústica, pero dejando espacio para ciertas sonoridades extrañas. No nos dejemos engañar por los colores que ocupan la mayor parte de la envoltura: este disco contiene una complejidad inteligentemente sutil, manejada con elegancia y efectividad en simultáneo.

Tres años después de su homónimo disco debut, PIERROT LUNAIRE hizo una secuela totalmente ajena a la línea musical predominantemente bucólica del mismo para enrumbarse hacia caminos de abierta vena experimental. La dupla remanente de Stálteri y Chiocchio congregó a la mezzosoprano francesa Jacqueline Darby en la serie de aventuras que conforma el alucinado repertorio de “Gudrun”: una joya muy especial que salió a la luz en 1977, cuando el apogeo de la escena progresiva italiana estaba tocando su fase final. La instrumentación utilizada en el moldeamiento del nuevo material da mayor importancia a los sintetizadores tanto de parte de Stalteri como de Chiocchio. Por supuesto, el primero añade piano, órgano, espineta, violín, flauta dulce, percusiones y guitarra acústica a su arsenal, mientras que el segundo añade guitarras acústica y eléctrica, bajo, mandolina, clavicordio, cítara tirolesa, sitar y percusiones étnicas. Desafiando a las nociones convencionales de estructura y dejándose guiar por las musas de la sorpresa radical, el espacio que PIERROT LUNAIRE da a la absorción de influencias del RIO, la vanguardia electrónica, el dadaísmo y la cámara posmoderna. Las piezas están entrelazadas por sendos clicks de cámara fotográfica, como si cada tema fuera la encarnación musical de un recuerdo enmarcado.

El tema homónimo ocupa los primeros 11 minutos del disco, comenzando con capas y secuencias de sintetizador, sobre las cuales el canto de Darby, los ornamentos de guitarra eléctrica, acordes de piano y otros adornos varios se van aunando hasta crear una especie de clímax sostenido y permanente: una bizarra mezcla de krautrock y opereta de BERTOLT BRECHT. Marcando un agudo contraste, la pieza que sigue a continuación consiste en un espartano solo de piano que se concentra en su propia aura de introspección reflexiva: los silencios de ‘Dietro il silenzio’ resultan tan relevantes como los sonidos reales de piano, muy a lo ERIC SATIE. Luego sigue ‘Plaisir d’amour’, que consiste en una cantata dividida en dos secciones: la instrumentación de las partes cantadas se basa en capas de guitarra y sintetizador; el breve interludio instrumental está ejecutado en piano y congas, dándole así un toque de humor al asunto. Cualquier parecido con la balada de ELVIS PRESLEY ‘Can’t help falling in love with you’ no tiene nada de coincidencia: el hecho es que ‘Plaisir d’amour’ fue compuesto por un compositor de cámara germano-francés llamado Jean Paul Egide Martini (1741-1816), posteriormente adaptado a un arreglo orquestal famoso de parte de Hector Berlioz. Así pues, PIERROT LUNAIRE reivindica este patrimonio de la tradición francesa, yendo a su raíz pura para contaminarla con travieso espíritu experimental. ‘Gallia’ es una pieza compuesta por Darby, la misma que sirve para que ella juegue con su talento académico para el manejo de disonancias dadaístas – una vez más, sus compañeros se permiten trazar impenetrables viajes cósmicos con sus sombrías (incluso amenazantes) capas de guitarra y sintetizador.

La segunda mitad del disco comienza con ‘Giovane madre’, un tema basado en un atractivo motivo progresivo espacial, marcado por el sintetizador y el órgano y firmemente sostenido por una dinámica arquitectura rítmica en 3/4 (Massimo Buzzi funge de invitado a la batería), mientras Darby emite soliloquios, susurros y risotadas que van de lo sarcástico a lo jovial, y de allí a lo erótico. En algún momento irrumpe un jovial motivo renacentista, generando así una bizarra tensión que desafía la delicadeza misma de su belleza, como un cuchillo de papel que logra, contra todo pronóstico, cortar un robusto pedazo de madera. Se trata de la pieza menos anti-sinfónica del disco, por así decirlo, pero ciertamente bien integrada en la extravagancia metódica del mismo. ‘Sonde in profonditá’ empieza con un distante discurso radial, acompañado por un tenue motivo de órgano, al cual se suman la guitarra acústica, el sitar y el sintetizador para añadir coloridos evocativos. Los finales ruidos de oleaje completan perfectamente el aura contemplativa de la pieza. ‘Morella’ comienza con acordes barrocos de piano, efectivamente contrapunteados por citas renacentistas de cítara. El canto de Darby es el más emotivo de todo el disco, portador de una vibración ceremoniosa bastante cautivadora: las cortinas de sintetizador Solina le dan un aire ampuloso al asunto, sin perder la mesura. La pieza termina con un estilo de cabaret que da un giro hacia una alegría irónica, como ocultando un dolor bajo un manto de risa. En fin, el estrambótico ‘Mein Armer Italiener’ cierra el disco con la muestra más directa de humor absurdo. Su combinación de parodia de marcha militar, psicodelia, elementos pastorales y slogans nos pueden remitir muy fácilmente a los aspectos más teatrales de FRANK ZAPPA. Un cierre muy coherente para un disco muy críptico. "Gudrun" puede no ser un disco que se pueda recomendar abiertamente, pero sí deja muy bien el nombre de PIERROT LUNAIRE para los melómanos amantes de la línea más vanguardista del progresivo.

Hasta aquí tenemos el legado de PIERROT LUNAIRE como miembro de la diversa y prolífica escena progresiva italiana de los 70s. El hecho es que PIERROT LUNAIRE ha vuelto a hacerse presente en el nuevo milenio con la edición de “Tre” en 2011, aunque el título de este disco no nos debe conducir a confusiones: no se trata de un tercer disco de la banda en sí, sino de un tributo principalmente, con algunas composiciones viejas rescatadas de las archivos bien resguardados de PIERROT LUNAIRE. En la serie de tributos, hallamos a IL SEGNO DEL COMANDO elaborando una versión psicodélica de ‘Lady Ligeia’, a GRAN TURISMO VELOCE reestructurando la calidez de ‘Il re di Raipure’ en una exaltación de agilidad colorida alimentada de buen punche rockero, y a SCIARADA haciendo una traducción densamente surrealista del intimismo original de ‘Dietro il silenzio’. Las aristas más alevosamente abstractas están expuestas en los tratamientos que hacen INSONAR y CLAUDIO MILANO-MARCO TUPPO-LIIR BU FER de ‘Plaisir d’amour’ y ‘Gallia’, respectivamente. ‘Giovane madre’ aparece versionada dos veces: por CENTRAL UNIT, que decide preservar el esqueleto esencial de la pieza y añadirle un toque jazzero, y por SCIRIADA, que opta por remodelarlo dentro de un esquema sonoro agudo y filudo, muy en línea con el estándar del stoner. El mismo Arturo Stálteri hace una versión instrumental de ‘Morella’, haciéndola más solemne a través de sus intervenciones de piano, clavinova, piano electrónico y efectos de cintas. Entre las reliquias recuperadas para este disco, tenemos dos demos de “Gudrun” grabados por el dúo Chiocchio-Stálteri para los temas ‘Sonde in profonditá’ y ‘Mein armer Italiener’: estos demos revelan que las gestaciones de los susodichos temas se dieron en exploraciones de texturas y climas calmados, como si el jardín de lúcida extravagancia germinado en “Gudrun” requiriese de semillas de tranquilidad y riegos introspectivos para sostenerse en su fase inicial. Otras composiciones inéditas rescatadas son tres composiciones de Chiocchio: ‘Soldato’, ‘Cilla’ y ‘What’d you say’. Tres piezas nítidamente líricas,
absortas bajo un aura contemplativa, las dos primeras con base de piano, la última con base de dos guitarras acústicas – de hecho, esta última se condice bastante con el espíritu general del debut “Pierrot Lunaire”.

“Tre” es, simultáneamente, un viaje al pasado y una celebración de su legado de parte de actores presentes de la vanguardia italiana: un digno y oportuno homenaje póstumo a PIERROT LUNAIRE y al hombre Gaio Chiocchio, quien partió de este mundo a fines de julio de 1996, a la edad de 42 años. ¡Gracias a toda la gente de PIERROT LUNAIRE por la música!


Muestras de “Pierrot Lunaire”.-
Raipure: http://www.youtube.com/watch?v=VAgXno72hIE
Invasore: http://www.youtube.com/watch?v=QpQULffgbrk
Mandragola: http://www.youtube.com/watch?v=Ox1CEv9NwrE

Muestras de “Gudrun”.-
Gudrun: http://www.youtube.com/watch?v=__0L9F8O4JY
Giovane madre: http://www.youtube.com/watch?v=lGqehvfVWbw

Muestras de “Tre”.-
Il re di Raipure – GRAN TURISMO VELOCE: http://www.youtube.com/watch?v=vIpl856I-8Y
Giovane Madre – CENTRAL UNIT: http://www.youtube.com/watch?v=NEH-9fe9fO8


[El repaso de “Pierrot Lunaire” y “Gudrun” está basado en los siguientes enlaces de la página mexicana Manticornio: http://www.manticornio.com/rock-progresivo/P/PIERROT-LUNAIRE/pierrot-lunaire-album.php y http://www.manticornio.com/rock-progresivo/P/PIERROT-LU
NAIRE/gudrun.php]

FORGAS BAND PHENOMENA y su nuevo acto de magia jazz-progresiva

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es la ocasión para hablar del ensamble galo FORGAS BAND PHENOMENA, vehículo de
expresión musical para Patrick Forgas. Este baterista amante del progresivo, el jazz-fusión, el Zeuhl, el Canterbury y el chamber-rock fue desde fines de los 70s partícipe de varios proyectos con ex-miembros de MOVING GELATINE PLATES y músicos asociados a ZAO y MAGMA. Con una carrera desarrollada hasta el día de hoy, no sin sus vaivenes y temporadas de abandono momentáneo, FORGAS BAND PHENOMENA es, desde mediados de los 90s, su proyecto principal. “Acte V”, editado por Cuneiform Records a inicios del presente año 2012, es el quinto
trabajo de esta banda (cuarto de estudio), estando a cargo de suceder al muy elogiado “L’Axe De Fou” (del año 2009, editado también por Cuneiform). Este disco no viene solo, sino que también contiene un DVD bonus con la actuación del ensamble en el NEARFest 2010, un documento audiovisual que da buena cuenta de la energía y solidez con que la banda recrea las infinitas dosis de gracia y complejidad de que se tiñen sus composiciones y arreglos musicales. Lo que nos revela “Acte V” es una cátedra de cómo se articulan las ricas sonoridades de vientos, violín y guitarra en un encuadre compositivo bien armado y no exento de pasajes de libre expresión: progresivo de genial factura para el año 2012. Los compañeros del Sr. Forgas son, desde hace un par de años: Sebastien Tregnon (saxos tenor, alto y soprano, flauta), Dimitri Alexaline (trompeta, fliscorno), Benjamin Violet (guitarra), Karolina Mlodecka (violín), Igor Brover (teclados) y Kengo Mochizuki (bajo).

‘Corps Et Ames’ abre el disco con una espiritualidad majestuosa, lograda por vía del impoluto manejo de las texturas y variantes del cuerpo central de la pieza mientras se va desarrollando. El matrimonio múltiple de violín, metales y guitarra en la evolución de las ilaciones melódicas en curso porta una elegancia soberbia, heredera de ARTI + MESTIERI del mismo modo que lo es de HAMSTER THEATRE. El clímax final viene dirigido por un estupendo solo de guitarra, un prodigio sónico plagado de intensidad exquisita y saludablemente bizarra, al modo de los solos de guitarra que escuchamos en el primer disco de ESKATON. Y ahora que mencionamos al Zeuhl de orientación jazzera, sale a colación más fuertemente cuando mencionamos el siguiente tema, ‘Loin d’Issy’. En efecto, esta pieza puede muy bien describirse como una combinación fluida entre el dinamismo calculadamente denso del Zeuhl jazzístico y la tradición fusionesca encarnada en WEATHER REPORT y RETURN TO FOREVER. Este tema ahonda en el espíritu optimista vertido por el tema de apertura, pero lo maneja con una expresividad menos filuda de la energía inherente a la banda. ‘George V’ tiene una vitalidad menos incendiaria que la del primer tema y un colorido más aligerado que el del segundo, pero lejos de suponer un bajón dentro del repertorio, más bien encarna un momento de reformulación relajada de la garra y el fulgor que sostienen la intensa esencia artística del grupo. Una vez más tenemos aquí un fabuloso solo de guitarra, portador de una sensibilidad torturada en medio del despliegue de swing exhibido por la dupla rítmica; también tenemos un momento más clamo que da pie a que el violín dibuje texturas envolventes con plena naturalidad, mientras que la triangulación de piano eléctrico, bajo y batería elabora acentos Canterburyanos (a lo GILGAMESH) con eficaz soltura. La coda revuelve los segundos finales de esta excursión musical con bastante nervio, algo muy conveniente dadas las dosis de esplendor y dinamismo a ser exhibidas por la pieza siguiente, ‘Ultraviolet’. Esta pieza recupera mucha de la intensidad anteriormente desarrollada en ‘Corps Et Ames’, estableciendo así una nueva llamarada musical tras el predominio de climas sobrios en el tema precedente. ‘Feu Sacré’, por su parte, establece una atractiva combinación del lirismo de ‘George V’ y la densidad pulida de ‘Loin d’Issy’. Claramente, el grupo está orientando el repertorio del álbum hacia el continuo perfilamiento de sus propios referentes musicales a la hora de elaborar sus composiciones y arreglar sus consecuentes ornamentos y ensamblajes. Los últimos 13 ½ minutos del álbum están ocupados por ‘Midi-Minuit’, tema que está a cargo de recopilar y amalgamar los recursos de colorido que la banda sabe manejar con total solvencia. Se puede describir esta pieza como una estrategia de capitalización de las aristas más vigorosamente extrovertidas de la quintaesencia musical del ensamble: los sucesivos solos de saxo y trompeta nos hacen recordar los momentos más excitantes del SOFT MACHINE pre-1974, mientras que otros pasajes donde la guitarra o el violín pasan a primer plano nos remiten a parajes del área fusionesca del Zeuhl (ESKATON, ZAO). Los últimos 2 minutos y medio sirven para que la banda suavice un poco las cosas mientras preserva el swing y le da un viraje moderadamente onírico a la consistente energía en curso, logrando así derivarse fluidamente hacia el fade-out definitivo.

Además del CD con material de estudio en vivo, este ítem trae también – como ya mencionamos en el primer párrafo – un DVD que registra la actuación de la banda en el NEARFest 2010. Si bien es justo decir que el DVD íntegro es una joya y un emblema de cómo se hace música jazz-avant-progresiva, podemos destacar específicamente el adelanto de ‘Utraviolet’, la intensidad con que se ejecutan ‘L’Axe De Fou’ y ‘Extralucide’, y cómo no, la pulcra exquisitez con que ‘Soleil 12’ enamora al auditorio. El aura casual y divertido que muestra la banda en los recuadros donde los músicos aparecen haciendo turismo, relajándose o comiendo en el hotel, ensayando, discutiendo los últimos detalles de lo que tocarán en festival, es un fiel reflejo de la dinámica tremendamente fluida con que interactúan sobre el escenario para plasmar las diversas composiciones complejas. En cuanto al disco estrictamente en sí mismo, “Acte V” aporta vibraciones extraordinariamente renovadoras al estado actual de la multivalente escena progresiva mundial: no es sorpresa que un grupo tan vitalista y energético como FORGAS BAND PHENOMENA use este disco como motivo para realzar su posicionamiento dentro del jazz-prog contemporáneo, pero siempre es de agradecer de parte de los amantes y coleccionistas de música progresiva y demás vanguardias que obras cruciales como éstas sigan gestándose con cada nuevo año. ¡¡Un fijo para cualquier Top 10 del año 2012!!

Muestra de “Acte V”.-
Midi-Minuit: http://www.youtube.com/watch?v=HHdf9brZTgE

SARTORIUS: ideas nuevas para el progresivo-metal

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el momento de hablar de SARTORIUS, proyecto de música progresivo-metalera gestado y orquestado por el virtuoso guitarrista mexicano Juan Sartorius. El susodicho Sr. Sartorius, que cuenta con una importante trayectoria en la vanguardia rockera desde hace un tiempo, inició este proyecto a fines de 2010 con composiciones arregladas y grabadas en diversas maquetas: todo este proceso creativo aterrizó finalmente en este álbum titulado “+Idea”, cuya grabación duró entre abril y noviembre de 2011, con una edición concretizada al mes siguiente. Los compañeros de viaje de Juan Sartorius son Ángel Delgado (bajo) y Gerardo Ruiz (batería). Repasemos a continuación el repertorio de este trabajo.

‘Spider Hero’ inicia el álbum con un estilizado manejo de bases melódicas y riffs, además de llamativas cadencias rítmicas que se sienten cómodas con un pie en la tradición heavy y otro en el jazz-rock: es algo como AT WAR WITH SELF y SCALE THE SUMMIT con ribetes a lo FATES WARNING y a lo GORDIAN KNOT. Por su parte, ‘Aprendiendo A Volar’ transita hacia áreas
sónicas más reposadas, el cual reitera las afinidades con At War With Self: la idea básica del motivo central es trabajada con precisión, huyendo de explayamientos innecesarios. ‘The Last Prime’ supone un regreso a lo vigoroso, y de hecho, su dinamismo es robusto y contundente, frontalmente emparentado con FRAMESHIFT y las aristas más oscuras de DREAM THEATER (etapa “Train Of Thought”); acto seguido, ‘Close Enemy’ se pone a cargo de preservar este
espíritu de aguerrida extroversión y magnificarlo más aún, logrando asentar la maquinaria pesada con contundente nervio dentro de un organigrama rítmico ágil e intrincado. Después de esta cúspide de estilizada agresividad rockera que ilumina el ambiente como fuegos artificiales creados con luz de una aurora boreal, ‘Manos Limpias’ desarrolla una sonoridad cálida y amable: la presencia del factor fusionesco es sutil, muy discreto a decir verdad, pero ejerce el suficiente impacto como para mostrar solventemente el lado más delicado del ensamble. ‘Vuelve’ porta una ambientación melancólica y sobriamente tensa, reflejando así la lucha entre la vida y muerte que se anuncia en el fatídico sonido del cardiograma que sirve como prólogo a la pieza en cuestión: el Sr. Sartorius le da una vibración emotiva a sus fraseos, combinando a Gilmour y Vai con soltura y sensibilidad. ‘Tornado’ retoma a puro fuego el vigor filudo ya expresado fehacientemente en ‘The Last Prime’ y ‘Close Enemy’: en efecto, se trata de una pieza armada con lúcida visión arquitectónica propia del prog-metal, cómo no, pero cabe notar que en este caso se ostenta más la visceralidad, haciendo que la complejidad baje un poco el tono. Esta pieza es eficaz a la hora de motivar vibraciones optimistas antes de que ‘El Llamado’ (el tema más extenso del álbum) nos transporte de lleno hacia las dimensiones más explícitamente líricas de SARTORIUS. Así como
‘Tornado’ supuso una proyección más asequible de la faceta vitalista de SARTORIUS, ‘El Llamado’ despliega una versión un poco más comedida (Satrianizada) de la magnificencia reflexiva antes vertida en ‘Aprendiendo A Volar’. En fin, ‘The Green Hornet’ cierra el álbum en clave humorística. Esta adaptación de “El Vuelo Del Moscardón” de RIMSKY-KORSAKOV que se hizo parte importante de la cultura televisiva de los 60s se convierte en manos de SARTORIUS en una suerte de “ZAPPA metalizado”, alegre, a la vez ostentoso y satírico: para este ameno giro de tuerca que completa la experiencia de “+Idea”, los músicos invitados son Pavel Rodríguez (bajo), Mariano Rodríguez (trombón) y Marco Álvarez (trompeta).

Como balance final, este disco resulta un excelente catálogo de poco más de 40 minutos donde Juan Sartorius y co. elaboran una propuesta prog-metalera bien posicionada en la idea de brindar aires refrescantes al género. SARTORIUS merece captar la atención de los curiosos y coleccionistas de las diversas vertientes progresivas que siguen sobreviviendo en la escena rockera actual.


Muestras de “+Idea”.-
Spider Hero: http://www.youtube.com/watch?v=QSNcNJWILA0
Close Enemy: http://www.youtube.com/watch?v=9Hx_TwRGexg