Los colores progresivos de la mente de SOULENGINE

 

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión nos toca hablar del grupo italiano SOULENGINE, el cual está conformado por Ettore Salati [guitarras eléctrica, acústica de 12 cuerdas y de doble cuello, pedales bajos, dulcémele], Fabio Mancini [órgano Hammond, piano acústico, mellotrón, pianos eléctricos Wurlitzer y Fender Rhodes, sintetizadores Moog], Nando de Luca [bajos con y sin trastes, contrabajo, guitarra acústica] y  Giacomo Pacini [batería, percusión]. Varios de ellos han formado parte de THE WATCH y colaborado en discos de otras bandas amigas compatriotas (DAAL y ALEX CARPANI BAND, por ejemplo). La historia dicta que los orígenes de SOULENGINE se remontan a mediados de 2007, a partir de un encuentro entre Salati, Mancini y De Luca, quienes estaban interesados en explorar  nuevas maneras de revitalizar el ideal del rock sinfónico fuera de las pautas de los grupos y proyectos donde estaban habitualmente asociados. La semilla de estas exploraciones rindió sus frutos a fines de 2012 con el disco “Mind Colours”, al cual prestamos atención hoy. El ensamble es esencialmente instrumental, pero aún así se da maña para incluir un par de temas cantados en el repertorio del disco: en estas situaciones, el cuarteto cuenta con los servicios del invitado Joe Sal a la voz.   

 

 

Los primeros 7 ½ minutos del álbum están ocupados por ‘Polheim’, pieza que capitaliza a la perfección los legados del CAMEL clásico y el GENESIS 76-78 con una soltura que se siente muy contemporánea, y es justamente en este último detalle que se nota también la influencia de SPOCK’S BEARD de los tres primeros discos y las confluencias con su compatriotas de THE FORMER LIFE. La dinámica y pulcritud melódica inherentes al desarrollo temático de la pieza en cuestión garantizan su efectividad como apertura colorida del repertorio global. Luego sigue ‘Third In Line’, pieza que remodela el aura optimista del primer tema para darle una tonalidad un poco más pausada, tal vez un poco más introvertida, pero sin perder el punche de trasfondo. ‘Rain Flower’ es un tema especial dentro del repertorio del disco por dos razones: la primera es que inicia la inclusión de elementos jazzeros en el bloque sonoro elaborado por el ensamble; la segunda es que muestra marcados contrastes de ambientes y atmósferas en su ilación de motivos, incluyendo un envolvente interludio cósmico y un par de pasajes guiados por electrizantemente robustos solos de guitarra. Con ‘On The Other Side’, el grupo se focaliza en el susodicho factor jazzero, prodigándose en una idea melódica bellamente cándida, envuelta en un clima ensoñador que evoca sensaciones propias de un viaje sentimental o una reflexión serena sobre un momento de melancolía. ‘Down The Street’ es la primera ocasión donde hay presencia de canto; en cuanto al esquema instrumental y la estructura compositiva de los motivos, se sitúa en una cruza entre ‘Polheim’ y ‘Rain Flower’. A partir de aquí, ‘No Way Out’ entra a tallar para completar la idea con un poderoso despliegue de jazz-rock muscular que parece un híbrido de NIACIN y TRIBAL TECH.

 

 

‘No Rewarding’ sigue reforzando la sólida mezcla de estilizaciones sinfónicas y swing jazz-rockero que se ha venido remodelando continuamente desde ‘Third In Line’, además de insistir en la explicitación de contrastes dramáticos que tan buenos resultados había dado en ‘Rain Flower’. Podemos decir lo mismo de ‘No Rewarding’ con toda justicia. ‘Asleep’ (la segunda pieza cantada del disco) vira hacia una dirección totalmente diferente: una balada pastoral basada en múltiples ondulaciones de guitarras acústicas y fondos etéreos de teclado, una estrategia muy Genesiana que conocemos en bandas más recientes como IL TRONO DEI RICORDI y THE WATCH. La presencia del flautista invitado Davide Gandino ayuda mucho en la consecución de este efecto general. Para terminar el álbum tenemos a ‘Challenge To An End’, tema que dura 10 minutos y pico: su patente apuesta por climas calmados en las ideas melódicas centrales y el pulcro manejo de atmósferas solemnes en el tratamiento de la mayoría de ellas permite a la banda acercarse un poco más al modelo del PINK FLOYD de la era “Wish You Were Here” a la par que preserva sus relativamente recurrentes conexiones con los patrones Cameliano y Genesiano. La pieza fluye en su continuum de una forma muy “ligera” a pesar de las inclinaciones a la fastuosidad que muestra en varios pasajes: no se nota casi que sea la pieza más extensa del álbum.   

 

Para concluir la idea general de esta reseña no nos queda sino decirlo de forma directa y clara: SOULENGINE se ha lucido tremendamente en éste, su disco debut. “Mind Colours” es una delicia asegurada para los fieles amantes del prog sinfónico, y en general, de la música progresiva que es meticulosamente melódica y sanamente ecléctica. ¡Recomendado!    

Muestras de “Mind Colours”.-

Polheim: http://soulengine.bandcamp.com/track/polheim
On The Other Side: http://soulengine.bandcamp.com/track/on-the-other-side
Challenge To An End: http://soulengine.bandcamp.com/track/challenge-to-an-end

VADE RETRO: el florecer de una nueva generación del rock progresivo argentino

 

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el turno de VADE RETRO, grupo de rock progresivo oriundo de Quilmes y que está integrado por Lucas Bustos [piano eléctrico, teclados, Moog, voz], Matías Marques Monteiro [bajo eléctrico, guitarra acústica, voz], Álvar Llusá Damiani [guitarras eléctrica, guitarra acústica y steel guitar, charango, violín, voz] y Pato Benítez [batería, percusión]. En 2012, por vía del sello Viajero Inmóvil, el grupo logró concretizar su disco debut “Floreciendo En Heliópolis”, un muestrario de pulcra musicalidad donde la sensibilidad ecléctica (sinfónico, psicodélico, jazz, folk) es la pauta para crear y organizar los desarrollos sonoros de cada pieza del repertorio. En esta empresa, el grupo contó con las ocasionales colaboraciones de Paola del Puerto y Hernán Cupeta a los violines, Ángeles Eusebi a la flauta, Pablo Depaoli al piano Rhodes, Leandro Corin al saxo y Alejandro Saro al bombo legüero. Tras haber comenzado como dúo acústico en 2006, VADE RETRO evolucionó aumentando su personal y alimentando una sana nostalgia por su tradición rockera nacional a la hora de encuadrar sus viajes melódicos, aunque tampoco es ajeno a influencias de estándares internacionales como los de GENESIS y PINK FLOYD (73-75), ni tampoco a exploraciones de raíz jazzera, tal como muestra claramente “Floreciendo En Heliópolis”: pasamos a los detalles específicos en el siguiente párrafo.

 

 

Ocupando los ocho primeros minutos del álbum, la secuencia de dos secciones de ‘La Revolución  Solar’ transitando plácida y fluidamente desde la lánguida magnificencia Floydiana de la primera parte hacia el intimismo etéreo de leves toques jazzeros donde se percibe las herencias de INVISIBLE y SPINETTA-JADE. Con ‘Paranoia Colectiva Que Detiene El Pensamiento’, el grupo se detiene a explorar su faceta más extrovertida, apelando a una ingeniosa cruza retro de sinfonismo y psicodelia: el groove funky que la dupla rítmica maneja la mayor parte del tiempo es concretizada con bastante elegancia, mientras que los momentos de lucimiento de la guitarra potencializan muy bien el colorido inherente a la composición. ‘Crisis Existenciales’ se focaliza en un sencillo clima cálido, portador de un lirismo limpio y meticuloso (un tanto a lo SERÚ GIRÁN-con-PABLO “EL ENTERRADOR”) antes de que la pieza homónima desarrolle y refine las aristas más sofisticadas de la dimensión Floydiana de la banda: esta última, a pesar de ser una pieza lenta y plagada de vulnerable espiritualidad, tiene suficiente fuerza de carácter musical como para sustentar un clímax particular dentro del repertorio del álbum. Tras la breve coda jazz-rockera que refleja un instante de colorido optimista, ‘A Través De Tus Ojos’ recrea una simpática mezcla de exploraciones introspectivas y observaciones burlonas, alternado pasajes ceremoniosamente lentos con otros en clave de jazz de vodevil. Con el ágil optimismo destilado en ‘El Porvenir Del Alma’ (muy bueno es su jam fusionesco en el preludio) y la estilizada melancolía Spinettiana de ‘Lejanas Galaxias’, VADE RETRO se dispone a reforzar su proyección estética. Ya solo quedan 11 minutos de disco cuando nos enfrentamos a la tríada final de ‘Frío’, ‘Espiritualismo De La Putrefacción’ y ‘Sube, Trepa Y Crece’. Los dos primeros reflejan un énfasis en climas ceremoniosos que encapsulan eficazmente la profundidad existencialista de las letras, mientras que el último es un epílogo pastoral con base de guitarra acústica que nos remite al estándar del primer SUI GÉNERIS. Es un recurso muy ingenioso la adición de arreglos corales lúdicos en ‘Sube, Trepa Y Crece’, pues evita que el mensaje caiga fácilmente en una suerte de esnobismo: se trata, simple y llanamente, de celebrar la alegría de vivir mientras se está dentro de esa alegría misma.

 

 

Así pues, “Floreciendo En Heliópolis” encarna una estupenda muestra del continuo florecer de vitalidad y creatividad que se da en las últimas generaciones de avanzada rockera argentina. VADE RETRO, con su manera tan vigorosa de plantear enfoques frescos a las herencias de sus propias influencias, se asienta como un nombre a tener en cuenta en nuestra actual mirada al género progresivo.

 

 

Muestras de “Floreciendo En Heliópolis”.-    

Paranoia Colectiva Que Detiene El Pensamiento: http://www.youtube.com/watch?v=1EzvYbKBX1I
Floreciendo En Heliópolis: http://www.youtube.com/watch?v=oS7gzvEfli0

ÁNGEL ONTALVA y su mundo de fusiones flotantes

 

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos ante nosotros un proyecto muy especial de ÁNGEL ONTALVA, usualmente guitarrista de la banda puntera del R.I.O. español OCTOBER EQUUS, pero que siempre anda ocupado en actividades varias con tal y cual grupo, cuando no ocupado con su propia proyección solista. “Mundo Flotante” es justamente producto de este tipo de proyección: un disco solista de línea jazz-progresiva con fuertes tendencias fusionescas donde ONTALVA y sus colaboradores de turno elaboran un repertorio caracterizado principalmente por una sólida confluencia de exuberancia, energía y refinamiento. OctoberXart es el sello que se encarga de su producción y distribución desde fines de 2012, además de difundirlo en la red a través del enlace de Bandcamp http://octoberxart.bandcamp.com/album/mundo-flotante. ONTALVA se encarga de la guitarra (como es natural), además de tocar la flauta turca en un tema (la quinta y última sección de la “Suite Sendas De Ofir”), mientras que sus colaboradores son Víctor Rodríguez [teclados], Amanda Pazos Cosse [bajo], Fran Mangas [saxos] y Toni Mangas [batería], además de Pablo Ortega tocando el violonchelo en un tema y Salib cantando en otro. O sea… prácticamente se trata del ensamble de sus colegas de OCTOBER EQUUS y OFIR – ONTALVA se asegura muy bien de saber con quién se junta a la hora de planificar sus aventuras sónicas. En fin, bromas aparte, lo que tenemos en “Mundo Flotante” es un catálogo de alucinantes ideas musicales, creadas y grabadas entre 2009 y 2012 (autoría de ONTALVA, excepto un par de temas donde compone al alimón con su hermano teclista Víctor Rodríguez), las mismas que ahora pasamos a repasar detalladamente.

 

 

‘Sopla Viento Del Este’ abre el álbum con un despliegue de colorido realmente cautivador: los tránsitos del swing armado por la dupla rítmica entre momentos de auto-contención y otros momentos de soltura ayuda crucialmente a realzar el desarrollo melódico de la pieza. Acto seguido, con ‘Bounkam Rêverie’, nos ponemos a pasear por terrenos de austera melancolía contemplativa donde el factor Canterbury asume una posición predominante, mientras que ‘Leilya’ elabora un trayecto por la tradición jazz-fusionesca estadounidense, al modo de un WEATHER REPORT casualmente empapado de rocío arábigo-aflamencado (tal vez un poco a lo IMÁN CALIFATO INDEPENDIENTE). ‘Una Para Lars’ – elegía en honor al maestro Lars Höllmer – asume una aureola intimista que se complace en dar vueltas sobre sí misma mientras que los sinuosos coloridos melódicos de la guitarra, el teclado, el violonchelo y el bajo se articulan serenamente en una arquitectura magníficamente acabada.   

Los siguientes cinco temas son las correspondientes secciones de la “Suite Sendas De Ofir”. ‘En Ruta’ pone en marcha las cosas, estableciendo un cima evocativo durante un espacio de poco más de un minuto y medio; a partir de ahí, ‘White Bird’ vuela hacia sonoridades controladamente ágiles donde confluyen la calidez y la solemnidad, exorcizando los viejos fantasmas de íconos Canterburyanos como GILGAMESH y SOFT MACHINE (etapa del “Six”), así como ciertas atmósferas oníricas de tendencia space-rockera. ‘Sendas De Ofir’ porta una gracilidad más ostentosa, una celebración de las potencialidades caleidoscópicas de la fusión con base oriental: la amalgama de las milimétricamente calculadas progresiones armónicas y la compleja dinámica rítmica es simplemente deliciosa. Para decir lo mismo con otras palabras, el nivel de intensidad del groove que el ensamble desarrolla en la dupla de ‘White Bird’ y ‘Sendas De Ofir’ es genial en su precisión y versatilidad, llevando a la suite a la concreción de un pináculo decisivo. Las atmósferas oníricas regresan para los momentos finales, lo cual sirve para abrir la puerta a la secuencia de las dos últimas secciones – ‘Oricalco’ y ‘Oricalco Coda’. La primera retoma los ambientes preferentes de ‘White Bird’, mientras que la segunda se concentra en una ensoñación evocadora meticulosamente estilizada. ONTALVA aprovecha la ocasión para aportar líneas de flauta turca a las atmósferas centrales de esta última. Tras la Suite, los 9 minutos que quedan del álbum están ocupados por tres temas: ‘Aurelia Quiere Saber’, que se sumerge en texturas marcadas por una aureola introspectiva; ‘Sunda Stream’, que persiste en las manifestaciones más extrovertidas de la fusión arábiga haciendo gala de un sano virtuosismo; y ‘Aguas Del Bagradas’, que instaura una síntesis de las atmósferas y texturas de ‘Sopla Viento Del Este’ y ‘Leilya’.



En fin, solo queda concluir que ÁNGEL ONTALVA ha vuelto a formar parte de un momentum impresionante de la vanguardia española actual. El concepto de “Mundo Flotante” se ha concretizado en un disco que realmente vale la pena tener en cualquier buena colección de música progresiva, fusión o simplemente, buena música de avanzada.

 

Muestras de “Mundo Flotante”.-

Sopla Viento Del Este: http://octoberxart.bandcamp.com/track/sopla-viento-del-este
White Bird: http://octoberxart.bandcamp.com/track/suite-sendas-de-ofir-white-bird
Aguas Del Bagradas: http://octoberxart.bandcamp.com/track/aguas-del-bagradas

GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR ha vuelto... ¡Aleluya!

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Tenemos el placer de traer a colación a unos viejos conocidos: el ensamble canadiense GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR, grupo catalizador del crecimiento, asentamiento y maduración del paradigma de experimentación post-rockera. La razón de ello es su reciente vuelta al ruedo fonográfico con su álbum “Allelujah! Don’t Bend! Ascend!” a fines de 2012, tras un largo hiato de 10 años desde la publicación del trabajo anterior “Yanqui U.X.O.”. Ahora, de la mano de David Bryant [guitarra, dulcémele, Portsound, kemençe], Efrim Manuel Menuck [guitarra, hurdy-gurdy], Michael Moya [guitarra], Sophie Trudeau [violín, sintetizador Casio SK5], Thierry Amar [bajo, contrabajo, teclados], Mauro Pezzente [bajo], Aidan Girt [batería] y Bruce Cawdron [batería, vibráfono, marimba, glockenspiel], GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR reconstruye su visionaria mirada musical para orientarla hacia este catálogo de nuevos paisajes sónicos. Cabe destacar, de entrada, la manera tan decidida en que el ensamble ha remodelado sus propias raíces tal como se plasmaron en clásicos como “Lift Your Skinny Fists Like Antennas To Heaven” y “F#F#∞” para insuflarles un vigor fresco que varias veces roza con la pura polenta rockera: el resultado se traduce en una amalgama sonora donde la exaltación de la energía y la celebración de las dimensiones más oscuras del orden del universo se conjugan a la perfección. Pasemos al repertorio mismo del álbum para penetrar en los detalles de los cuatro temas que conforman su repertorio.

Durando casi 20 minutos, ‘Mladic’ abre el disco con un esplendor impactante, diseñado para retratar con los mágicos colores del sonido el proceso de evolución y expansión destructiva del fuego que arrasa con todo lo que se halla a su paso. El ominoso ambiente de amenaza que persiste robustamente a través del núcleo temático de la pieza se condice con la figura del jefe militar genocida serbobosnio de donde toma su título. La introducción de más de 4 minutos se expande en atmósferas de inspiración exótica desde las cuales se termina articulando una cadencia multi-guitarrera que roza grácilmente el patrón del “motorick”, la cual da pie a la antes mencionada plasmación sónica de expansión destructiva. En algún momento alrededor de los 12 minutos y medio, la pauta rítmica decrece para que la banda explore formas más contenidas de fragor, pero pronto vuelve a senderos más extrovertidos, aunque esta vez con una dinámica más contenida y más dramática. El epílogo consiste en un sampler de danzas exóticas, lo cual sirve como anuncio de la ambientación de ‘Their Helicopters’ Sing’, la siguiente pieza. Ésta explora una masificación majestuosa de cortinas minimalistas donde las guitarras y las cuerdas se hermanan en una sonoridad flotante que late entre lo etéreo y lo opresivo. Tal vez se trate de la elegía por lo que quedó arrasado tras el paso de ‘Mladic’. ‘We Drift Like Worried Fire’ regresa, en cierto modo, a la explosividad épica elaborada en la primera pieza, pero en vez de replicar sin más el aura de esplendor e ígnea intensidad, comienza desarrollando una vibración más sofisticada, dejando que los espacios de tensa calma gocen de espacios considerables de expansión para focalizarse en sonoridades ensoñadoras y melancólicas. El clímax que ocupa el último cuarto de la pieza consiste en dos vuelos sónicos sucesivos que emergen marcados por el frenesí airado de una manera calculadamente exquisita. Sin temor a exagerar, afirmamos que ‘We Drift Like Worried Fire’ funciona prácticamente como un “recordatorio oficial” de que GODSPEED YOU BLACK EMPEROR! nunca dejó de ser el ensamble definitivamente paradigmático del post-rock. Cierra el álbum ‘Strung Like Lights At Thee Printemps Erable’, ocupando los últimos 8 ½ minutos del mismo: su estrategia minimalista es bastante similar a la de ‘Their Helicopters’ Sing’, con la peculiaridad de que se focaliza en ambientes más siniestros, lo cual quiere decir que lo opresivo se impone ampliamente sobre lo etéreo.    

“Allelujah! Don’t Bend! Ascend!” resulta, en el balance final, una nueva cátedra fenomenal de cómo se hace y rehace el discurso del post-rock a través de las conjugadas labores del refinamiento intelectual, la neurosis emocional y la ansiedad moral. Para decirlo de una forma menos abstracta, GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR se ha vuelto a lucir, por lo que este nuevo disco se destaca como un ítem infaltable en una buena colección de rock experimental.

Muestra de “Allelujah! Don’t Bend! Ascend!”.-

Mladic: https://soundcloud.com/#constellation-records/sets/godspeed-you-black-emperor

SWEET FINGERS: los dedos mágicos de la avanzada prog-psicodélica mexicana

 

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Hoy nos toca hablar del grupo mexicano SWEET FINGERS, formado a mediados del año 2008 en la localidad de Querétaro, asumiendo la misión de desarrollar una experimentación rockera de claras raigambres progresivas y psicodélicas. La alineación actual de la banda consiste en Mano Leen (guitarras y flauta), Gerardo Muzquiz (batería y percusión), L. Marín (bajo y guitarra) e Ibis Ortiz (teclados), pero cuando hicieron el disco homónimo de 2011, conformaba un quinteto con la presencia de Sheriff… fungiendo de sheriff. “Sweet Fingers” fue publicado en asociación por el sello francés Musea Records y el mexicano Azafrán Media.

 

‘Good Night Robots’ abre el disco con un clima relativamente sobrio, creando una armazón sonora que está plenamente hundida en los parámetros psicodélicos mientras maneja algunos factores jazz-rockeros a través de los planteamientos de la dupla rítmica. ‘W_ _d_ _ h_ _ _ _ _ _ _s _’ (que es ‘Woodenhouse Mouse’ escrito en clave de juego del ahorcado) intensifica notablemente la densidad que en ‘Good Night Robots’ solo había sido señalada y matizada: ahora el grupo elabora atmósferas misteriosas y cósmicas en una suerte de híbrido entre AMON DÜÜL II y SIGUR RÓS, mientras que en el caso específico de los teclados, las confluencias con los legados clásicos de PULSAR y NOVALIS nos parecen fáciles de detectar. ‘Cliness Matter’ es un tema que se apunta hacia ambientes más fogosos, a juzgar por la agilidad efectiva y atractiva que se marca en su preludio, el cual se retoma en la sección final: en el ínterin, la sección cantada explora matices más relajados. En general, la pieza destila un irresistible aire retro que nos parecen en algo coincidentes con las iniciativas de bandas escandinavas como ELDBERG y GARGAMEL. Pasando a atmósferas más introspectivas, rayanas con lo depresivo, ‘Beau À Jouer’ elabora una sonoridad afín a los estándares del RADIOHEAD (etapa del “OK Computer”), mientras que ‘Regenbogen Flöte-Tropfen’ retoma la aureola retro que había sido predominante en ‘Cliness Matter’, proporcionándole un plus de vitalidad jazzera que ayuda crucialmente a realzar la agilidad inherente al núcleo compositivo del motivo central. La presencia protagónica de la flauta permite el correcto afianzamiento de la mencionada agilidad.



Los dos siguientes temas, que completan en su ilación una plenitud climática muy bien organizada dentro del repertorio del álbum, son los más extensos del álbum, circundando cada uno la frontera de los 10 minutos: se titulan ‘Turkey’ y ‘Screamed The Queen’, respectivamente, y ambos coinciden en manejar ideas específicas a través de articulaciones bien medidas, siendo así que los músicos exploran matices  y variaciones de ambiente en un recto aprovechamiento de sus campos de expansión. El caso de ‘Turkey’ es uno de prioridad para grooves ágiles, mientras que en ‘Screamed The Queen’ hay una preferencia por divagaciones grisáceas portadoras de cierta inquietud (un poco a lo post-rock), siempre preservando el uso ingenioso de las texturas y la manifestación de garra rockera. Durando poco menos de 7 minutos, ‘New Furniture’ cierra el álbum con un convincente despliegue de energía contenida donde regresan las influencias Radioheadianas mientras se focaliza el infaltable filo psicodélico de acuerdo a las pautas más consistentes del grupo.

Tenemos, en conclusión, a SWEET FINGERS como un talentoso exponente de experimentación psicodélica dentro de un encuadre progresivo que se siente contemporáneo dentro de su tendencia retro: el disco “Sweet Fingers” es un muestrario que refleja muy bien este tipo de creatividad, y como tal, es un disco muy recomendable. 



 

Muestras de “Sweet Fingers”.-
W_ _d_ _ h_ _ _ _ _ _ _s _: http://www.youtube.com/watch?v=24F1uil5_CE
Turkey [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=_ElSOXtIZ1E

YOWIE: la nueva bendición de la avanzada math-rockera

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Hoy se da la ocasión de hablar del power-trío estadounidense YOWIE y su más reciente trabajo discográfico, “Damning With Faint Praise”, editado en octubre de 2012 tanto en formato digital como en vinilo por el sello Skin Graft Records (el mismo de RUINS ALONE, DAZZLING KILLMEN, CHEER-ACCIDENT, SPACE STREAKINGS y otras entidades musicales caracterizadas por un uso valiente de las pautas de la vanguardia musical). Con una formación de dos guitarristas [Jeremiah Wonsewitz y Sr. (H) Jb, cuyo verdadero nombre es Jim Hagerty] y un baterista [simplemente apodado Defenestrator], YOWIE ha marcado una iniciativa particularmente desafiante de experimentación math-rockera dentro de la vanguardia de su país desde los tiempos de su disco debut “Cryptooology”, del año 2004. Podemos pensar en GIRAFFES? GIRAFFES!, HELLA y AHLECHAUTISTAS como compañeros de combate en primera línea vanguardista de YOWIE, especialmente en lo que se refiere a la combinación de exigente ingeniería y descaro aguerrido en las composiciones y arreglos de sus respectivos repertorios. Después de algunas apariciones en algún que otro disco compartido con otras bandas, “Damning With Faint Praise” emerge como un disco muy corto (no llega a la media hora de duración), pero tiene suficiente polenta como para satisfacer las ansias de explosividad emocional de los melómanos que tienen en continua alerta sus instintos más aventureros. Pasemos a continuación a repasar el repertorio del disco en cuestión. 

 

‘Slowly But Surly’ abre el álbum ofreciendo 6 minutos de pura fiereza endiosada, con una implacable fuerza de los guitarreos duales que van continuamente retorciéndose sobre quiebres rítmicos y variantes de swing desplegados en un narcisista frenesí cuasi-anarquista. El segundo tema, ‘Whippersnapper’, no entra a tallar precisamente para poner calma a las cosas, pero sí tiene la particularidad de aportar una jovialidad más explícita a la furia esencial de la banda, generar una cierta ligereza lúdica que renueve la permanente neurosis musical. Por su parte, ‘I Could Care Less’ se remonta desde el giro jovial de la pieza precedente para estructurar las interacciones entre los tres músicos en una estrategia más explícitamente sólida que en los dos temas anteriores. Así, cuando llega el momento del cuarto tema, ‘Shriners Sure Do Cuss A Lot’, se sintetiza con buen pulso y actitud vitalista los recursos de sofisticación rítmica, vibraciones traviesas y tensión que habían caracterizado a las bizarramente osadas ingenierías de las dos piezas anteriores: este tema puede muy bien definirse como el manifiesto más claro de la racionalización perversa inherente a la vos musical de YOWIE. El disco termina con ‘Eternally Collapsing Object’, que con sus casi 6 ¾ minutos de duración resulta la pieza más extensa del repertorio. Su talante tiene muchos aires de familia con el del primer tema – la banda retorna al énfasis en lo anárquico a fin de completar el círculo sónico en torno al cual se concibió el álbum.   

 

Solo nos queda, para concluir, que YOWIE como banda y “Damning With Faint Praise” como obra son dignas de entusiastas elogios: el despliegue de conceptos tan desafiantes de estructuración musical nos hace apreciar parte de los nuevos horizontes de creatividad que se siguen abriendo para la avanzada math-rockera.        

 

Muestras de “Damning With Faint Praise”.-

Slowly But Surly: http://yowie.bandcamp.com/track/slowly-but-surly
Shriners Sure Do Cuss A Lot: http://www.youtube.com/watch?v=kyHrjoip39M  

PABLO CANALÍS: sonidos reales para “Folclores Imaginarios”

 

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PABLO CANALÍS es uno de los más ingenioso y brillantes músicos que existen en la vanguardia asturiana hoy en día. Se le destaca principalmente como bajista-percusionista de SENOGUL (banda puntera del rock progresivo español de la actualidad) y una mita del dúo MELANGE, pero como entidad individual, PABLO CANALÍS es, en esencia, un inquieto y voraz investigador de los sonidos – lo que son, sus contactos con el mundo y el cosmos, sus posibilidades, sus eclecticismos más inesperados. “Folclores Imaginarios” es el título de su disco solista publicado por el sello Norte Sur en la segunda mitad de 2012. El disco viene acompañado de un hermoso libro diseñado como si fuera de cuentos infantiles, pero en realidad recoge una generosa colección de fotos de instrumentos y una aún más generosa sucesión de explicaciones de las intenciones específicas de cada tema y de la mayoría de instrumentos inusuales utilizados en el arsenal sonoro de todo el disco. 20 piezas en total (19 más uno repetido y ampliado como bonus), 20 experiencias traviesas, 20 ideas que pasamos ahora a comentar pacientemente.

 

 

‘The Color Out Of Space’ abre este catálogo de viajes y paseos con un despliegue de oscurantismo minimalista basado en el manejo etéreo de percusiones, arreglos vocales y capas de sintetizador (en esto último colabora su colega Senogulense Eduardo García Salueña). Acto seguido emerge ‘Oba-ye’ para virar las cosas hacia un colorido de inspiración caribeña, manejado de una forma muy estilizada, y para seguir con lo exótico, ‘Capoeira Do Deserto’ desarrolla una estupenda samba deconstruida con la adición de factores gitanos y africanos. ‘El Bosque Del Fauno’ absorbe vibraciones surrealistas en su bien armado collage de atmósferas que van de lo cálido a lo misterioso a lo denso (como ART BEARS) con total fluidez, mientras que ‘Mohorovicic’ se inserta en climas oscuros bajo la predominante presencia del didgeridoo. ‘Debajo De La Higuera’ tiene la peculiaridad de sonar a un híbrido de fusión flamenca y matices del Extremo Oriente: los aportes de Salueña al Mini-Moog e Israel Sánchez a la guitarra ayudan a realzar la solidez del atractivo esquema compositivo de la pieza.

 

 

La secuencia de ‘El Sueño Del Cuélebre’ y ‘Colmena’ refleja imágenes sonoras de ingenuidad exploradora que va desde el contacto directo con las percusiones rústicas enraizadas en los materiales de la Madre Tierra hasta un ornamentado viaje en clave de fusión brasileña contemporánea donde los soplidos en botellas de vidrio, los fraseos de melódica y la jovial arquitectura percusiva se hermanan en un espíritu lúdico; este carácter ágilmente travieso termina cuando emergen los ceremoniosos ensamblajes corales de ‘The Voices Of Naranco’, en una extraña mezcla de exotismo oriental, vanguardia posmoderna y paradigma de THE BEACH BOYS. Con ‘Vereda De Los Tunantes’, CANALÍS nos ofrece un mágico híbrido de sonidos del Asia Menor con cadencias del Extremo Oriente: el instrumento japonés taishokoto es el protagonista de este viaje donde la flauta (a cargo del invitado Guzmán Argüello) también cumple un rol crucial. Más adelante, el taishokoto volverá a entrar en acción para cumplir con la extravagante misión de dirigir una labor de flamenco vanguardista: en efecto, ‘Sevillanas Del Negrón’ suena prácticamente a una versión ‘unplugged’ de una pieza de rock andaluz extraída de un inexistente álbum de GUADALQUIVIR de fines de los 70s. Para una labor de naturaleza tan cabalmente progresiva como ésta, qué mejor que contar con sus colegas de SENOGUL Eduardo Ga. Salueña e Israel Sánchez para completar la faena de manera totalmente bordada. Tras las exploraciones abstractas de fagot y máquina de escribir en ‘Yes Una Máquina!’ y los nuevos delirios juguetones percusivo-vocales de ‘La Ofrenda’, llega un conmovedor homenaje deconstructivo a los colores y matices del folclore andino con ‘Fractal Bird’: en medio de la armazón de hulusi, cantos y suaves percusiones, los múltiples charangos (a cargo del invitado José Luis Feijoo) hacen notar su poder para evocar melodías serenamente reflexivas y ritmos coquetos.

‘Hall Of Mirrors’ y ‘El Oráculo’ son dos piezas particularmente extensas dentro de la dinámica recurrente en este repertorio: ambas duran cerca de 8 minutos. Por su parte, ‘Hall Of Mirrors’ se basa en una osada mezcla de free jazz, abstracciones aleatorias a lo JOHN CAGE y RIO a lo UNIVERS ZERO: el resultado es obviamente tenso, pero la tensión en curso es manejada con pulcrísima fineza y un continuo estado de lucidez. Por su parte, ‘El Oráculo’ presenta una alternativa a todo el delirio bizarro de la pieza anterior y nos invita a adentrarnos en nuestra mente contemplativa de la mano de los suaves exorcismos emitidos por la cítara. 

 

 

Todo esto fue el catálogo de folclores que PABLO CANALÍS ha sacado del imaginario privado de su mente para los oídos que tengan a bien prestarles atención: nosotros lo hemos hecho y recomendamos la experiencia a los genuinos amantes de la experimentación musical hecha con refinamiento y sentido de la travesura. Lúdico y perturbador, luminoso y cavernoso, de todo eso hay en esta exquisita secuencia de “Folclores Imaginarios”.

 

Muestras de “Folclores Imaginarios”.-

Debajo De La Higuera: https://soundcloud.com/#pablo-canal-s-fern-ndez/debajo-de-la-higuera
Vereda De Los Tunantes: https://soundcloud.com/#pablo-canal-s-fern-ndez/vereda-de-los-tunantes
Fractal Bird: https://soundcloud.com/#pablo-canal-s-fern-ndez/fractal-bird
El Bosque Del Fauno: https://soundcloud.com/#pablo-canal-s-fern-ndez/el-bosque-del-fauno

El rompecabezas prog-metalero de MAESTRICK

 

HOLA AMIGOS DE  AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el momento de hablar sobre MAESTRICK, uno de los grupos más importantes de la última generación prog-metalera de Brasil. Tras grabar un EP homónimo en 2010, finalmente completó y editó su primer CD de larga duración, titulado “Unpuzzle!”, en la primera mitad de 2012. La alineación de MAESTRICK está conformada por Fabio Caldeira [voz, piano y teclados], Renato “Montanha” Somera [bajo, bajo sin trastes y guturales], Heitor Mattos [batería y percusión], Mauricio Figueiredo [guitarras y coros] y Danilo Augusto [guitarras]. El ideario musical del quinteto es un prog-metal ingeniosamente híbrido donde conviven las marcas estilísticas de la tradición power-prog-metalera de SYMPHONY X y el candor melódico de unos VANDEN PLAS, junto con las visiones estilizadas de la tradición del ANGRA (etapa de “Holy Land”), EPICA y HELLOWEEN, sin desestimar la ocasional presencia de ese añorado DREAM THEATER de la etapa Moore. Además, el grupo también sabe aplicar amplios espacios  para elaboraciones propias de la tradición progresivo-sinfónica de vieja escuela, lo cual implica una actitud genuina de masivas exploraciones eclécticas. El grupo se ha valido de una cantidad razonable de colaboradores en las secciones vocales y aportes instrumentales adicionales a fin de estructurar al 100% el colorido y la pomposidad exigidos en este disco conceptual basado en el poder de las imágenes de las artes plásticas para inspirar al espectador a explorar los rincones más inquietos de su yo interior. Repasemos ahora el repertorio de “Unpuzzle!”   

‘H.U.C.’ da inicio al disco con un despliegue frontal de vigor y fiereza: la contundencia es tan inapelable como la cualidad mágicamente magnética del gancho melódico desarrollado a través de los frenéticos esquemas rítmicos en curso. Hay un interludio cuasi-Wagneriano dirigido por el piano y una breve sección de canto gutural que añaden variantes interesantes al asunto, tras este espectacular inicio, ‘Aquarela’ (una auténtica mini-suite) entra a tallar como el primer momento de predominio del factor sinfónico, aunque debe quedar claro que la polenta rockera sigue totalmente vigente en los arreglos. En todo caso, la idea central es la de preservar y sustentar una ingeniería sónica muy meticulosa, proyectándose hacia una visión orquestal. ‘Pescador’ se mete en esencias folclóricas a partir de una importante presencia de las guitarras acústicas, percusiones étnicas y el violao entre los refinados riffs y fraseos de las guitarras eléctricas. Un muy bello tema que evoca miradas al vibrante espectáculo de la naturaleza antes de que la secuencia de ‘Sir Kus’, ‘Puzzler’ y ‘Disturbia’ nos lleve por una narrativa musical que comienza con cálidos ambientes circenses, luego transita hacia una reconstrucción metaleras de ambientes circenses y cabareteros, para finalmente aterrizar en un refinado ejercicio de prog-metal estandarizado donde los suministros de vigor están cuidadosamente medidos en aras de realzar la arquitectura melódica. Esto último que ocurre con ‘Disturbia’ se reitera poco después en ‘Radio Active’, pieza que también retoma algo de la llamativa explosividad de ‘H.U.C.’, además de introducir algo de swing jazz-rockero en algunos pasajes del desarrollo instrumental. Hay un solo de sintetizador a cargo del invitado Francis Botene que merece una mención especial. En medio de estas dos canciones, ‘Treasures Of The World’ se exhibe como una bella semi-balada etérea que integra la esencia añeja de YES y la dinámica contemporánea de unos SLEEPWALKER SUN en su faceta introspectiva.         

‘SmileSnif’ sigue por el sendero de crear sonoridades metaleras sofisticadas donde se creen espacios coherentes para pasajes marcados por la vulnerabilidad emocional y un manejo bien cristalizado del furor rockero, mientras que ‘Yellown Of The Ebrium’ alterna curiosas excursiones por el jazz de salón y la bossa nova. Las presencias de Yana Roberta al canto adicional y del flautista Vitor Guizilini son cruciales para enriquecer eficazmente el ambiente en el que se pretende articular el desarrollo de esta canción en particular. Los últimos 21 minutos del álbum están ocupados por la suite ‘Lake Of Emotions’, el oportuno cénit del álbum que ilustra fastuosamente el clímax de musicalidad que un disco como “Puzzler” exige. Para comenzar con una descripción resumida, diremos que se trata de una genial síntesis de la grácil fuerza de SYMPHONY X, el dramatismo estilizado del GENESIS con Peter Gabriel, la ingeniería desafiante de DREAM THEATER, el magnetismo candoroso de ROYAL HUNT, la magia ensoñadora del PINK FLOYD 73-77 y el colorido expansivo del primer ANGRA. Yendo a algunos detalles específicos, se puede mencionar especialmente el modo en que los teclados imponen su presencia en la articulación del flujo de ideas melódicas mientras la dupla rítmica navega por complejos esquemas con pulcra naturalidad (secciones ‘Delicate Gluttony’ e ‘Intimate Carriage’), el imponente esplendor de ‘Level Six – Convoked’, la explosividad coral de ‘Level Seven – She Is More Less Than She Used To Say…’ y la relampagueante elegancia de las secuencias finales, portadoras de una suntuosidad cinematográfica.      

Con la concreción de este disco “Unpuzzle!”, y sobre todo, con sus actuaciones a lo largo del año 2012 (incluyendo la participación en el Lima Prog Fest del último octubre, en la capital peruana), MAESTRICK ha conquistado en buena lid un lugar de renombre dentro de los grandes paisajes del rock brasileño y el prog-metal sudamericano. Lo que se plasma en este disco que acabamos de reseñar es un testimonio más allá de cualquier duda del sólido poder creativo que tiene MAESTRICK, y por qué no, también un indicio de que cabe esperar más cosas excelentes en futuros lanzamientos discográficos. ¡Recomendado!

Muestras de “Unpuzzle!”.-

H.U.C.: http://www.youtube.com/watch?v=NJ9CsY9B4Ko
Aquarela: http://www.youtube.com/watch?v=7pUgYLQrVtg 
Lake Of Emotions:  http://www.youtube.com/watch?v=-BTsXe-O3MY   

VESPERO: desde Rusia con amor kraut-psicodélico

 

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Hoy se da la ocasión de hablar del grupo ruso VESPERO, el cual ha agitado gratamente los surcos y senderos de la psicodelia progresiva en la segunda mitad de 2012 con su disco “Subkraut: U-Boats Willkommen Hier”, una verdadera delicia de ingenierías lisérgicas y combustiones alucinadas. VESPERO se mantiene muy activo creando excelentes aventuras musicales desde 2003, cuando se fundó en la localidad de Astrakhan (al sur de Rusia). Este disco supone  la quinta labor fonográfica del grupo como obra exclusiva suya, teniendo en cuenta que también tienen en su CV un disco titulado “The Split Thing” donde se alterna material de VESPERO con el de otro grupo llamado ZONE SIX. Concentrándonos en “Subkraut: U-Boats Willkommen Hier”, la alineación de VESPERO consiste en Ivan Fedotov [batería, percusión], Arkady Fedotov [bajo, flauta, efectos electrónicos], Alexei Klabukov [teclados, mellotrón, arpeggiator] y Alexander Kuzovlev [guitarras, efectos electrónicos]. Para el desarrollo del repertorio de este disco en particular, el cuarteto ha contado con las ocasionales intervenciones especiales de Vladimir Belov [cello], Ilya Semyonov [percusión, y en el segundo tema del álbum, trucando los roles de baterista y de percusionista con Ivan Fedotov], Elena Belozyorova [arpeggiator] y Alexei Esin [saxofón soprano].

Durando 11 ½ minutos, ‘The Strangest Thing In The Ocean’ abre el disco con una actitud férrea de dinamismo rockero dentro de un esquema de trabajo totalmente fiel a la tradición space-rockera… y que a la vez se siente fresca y lozana. La estructura básica del jam es muy sencilla en cuanto a su motivo nuclear, pero el ensamble y su colaborador de turno a la percusión se dan bastante maña para revestir el motivo recurrente de una aureola de sofisticación convincente, potente sin llegar a lo abrumador, filudo sin renunciar un ápice a la idea de fineza performativa. Cual HAWKWIND retorcido por la Mente Cósmica de GONG, VESPERO inunda de luminosidades etéreas una idea musical cuya clave es patentemente terráquea. Luego sigue ‘Anpeilen!’, pieza que se despliega bajo un aura de vibraciones más intrépidas, lo cual se debe especialmente a la vitalidad muscular con la que la secuencia sintetizada y la dupla rítmica elaboran una cadencia rotunda que coquetea abiertamente con el paradigma del motorick. Las intervenciones del saxo soprano, por su parte, ayudan a realzar el vigoroso colorido exótico armado por los guitarreos y los sintetizadores principales. Imaginemos una partitura perdida de NEU! rescatada por la primera formación de OZRIC TENTACLES bajo la guía de THE COSMIC JOKERS y la colaboración de algunos músicos de AGITATION FREE… ¡y podemos anticipar lo que nos espera con este temazo! Tras el relevante clímax que supone ‘Anpeilen!’, emerge ‘Underwater’, pieza que se compenetra más decididamente con estándares contemporáneos del space-rock progresivo, y específicamente, estamos pensando en el modelo de HIDRIA SPACEFOLK así como en el OZRIC TENTACLES de la etapa 91-98. Si bien es fácil notar que el grupo sabe apegarse a una dinámica de trabajo que maneja a las mil maravillas, el caso de ‘Underwater’ elabora un manejo distinto de ese factor de visceralidad que en las dos piezas anteriores había sido, en líneas generales, más predominante: la polenta de este tema porta un vigor más “calculado”, por así decirlo.       

 

 

La segunda mitad del disco comienza con ‘Target Selection’, pieza construida sobre cadencias tribales y un nuevo uso particularmente agresivo de ciertas capas de sintetizador y riffs de guitarra: las alusiones al HAWKWIND clásico y al OZRIC TENTACLES temprano siguen siendo consistentes, pero también cabe señalar que el factor fusionesco generado desde el matrimonio de la batería y las percusiones nos remite al AMON DÜÜL II de la etapa 70-72. Los ornamentos de cello, sin ser invasivos, resultan importantes para completar la fuerza de carácter inherente al bloque instrumental global. Durando poco más de 11 minutos, ‘Angriff, Ran, Versenken!’ se erige como otro pico climático del álbum. Su posicionamiento es esencialmente una síntesis de la mayoría de sonoridades y ambientes explotadas en las piezas anteriores: porta esa alegre vibración fusionesca que había resultado esencial para la pieza precedente, desarrolla recursos de vigor contundente que hayamos en la secuencia de los dos primeros temas del álbum, y también ostenta algunas estilizaciones del space-rock contemporáneo que habían sido especialmente protagónicos en ‘Underwater’. Dentro de la valoración de los ítems específicos, los dos primeros factores evidencian tener más peso que el tercero, pero en el balance general es el carácter de síntesis el que prevalece, y es por ello que nos atrevemos a afirmar que ‘Angriff, Ran, Versenken!’ cumple el rol de manifiesto decisivo de lo que VESPERO quiere significar para el gran escenario del rock experimental a nivel mundial.

 

 

 

En fin, los últimos 12 ½ minutos del disco están ocupados por ‘ALARM… The Art Of Positive Thinking’, pieza que se encarga de redondear definitivamente el posicionamiento artístico de la banda con la reactivación del espíritu “motorick sofisticado” antes exhibido en ‘Anpeilen!’. Un cierre así de robusto y dominante es lo más idóneo para “Subkraut: U-Boats Willkommen Hier”, un disco que debemos admirar como una sorpresa tremendamente agradable para quienes aún atesoran en sus mentes y espíritus los placeres de las tradiciones de la psicodelia, el space-rock y el krautrock. VESPERO ha generado un trabajo muy bordado con este disco, por lo que solo nos queda recomendarlo con total honestidad melómana.  

 

 

Muestra de “Subkraut: U-Boats Willkommen Hier”.-

Angriff, Ran, Versenken!: http://www.youtube.com/watch?v=cQ3hfGN8IJY  
Underwater [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=y9m-wSgyrTY 

H7G nos revela su galáctica máquina progresiva

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de hablar del joven grupo costarricense HIMNO DE LA SÉPTIMA GALAXIA, o H7G, que es el nombre diminutivo que más se utiliza para designarlo. Con este nombre inspirado en el primer disco de la fase eléctrica del legendario ensamble de avanzada jazz-rockera de los 70s RETURN TO FOREVER, es fácil sospechar que el estilo de H7G se focaliza en herencias de la visión musical de Chick Corea y co., pero en realidad, el estilo progresivo de H7G consiste en una focalización de la vertiente prog-sinfónica, manteniendo una disposición a abrir espacios para el coqueteo ocasional con elementos del prog-metal melódico, el jazz-rock y el space-rock. El resultado global de esta confluencia de recursos es refinado, estilizado, pulcro a través del patente despliegue de energía sónica a cargo de Ignacio Duarte [guitarras y voz], Charly Fariseo [teclados], Mario Duarte [bajo] y Mariano Vidor [batería y voz]. El disco debut de H7G se llama “Esclavo De la Máquina”, publicado en setiembre de 2012 tras un año y medio de ardua labor creativa desde la fundación de la banda. Con un repertorio de cuatro temas que dura poco más de media hora, H7G se da el lujo de explorar hábilmente caminos de musicalidad que pasamos a describir en el siguiente párrafo.  

‘Péndulo’ abre el álbum con una prestancia filuda y agresiva mas no estruendosa, pues la banda maneja su propio vigor esencial con meticulosa fineza. Las influencias de YES, TRIBAL TECH, KARMACANIC y PINK FLOYD se destacan dentro del horizonte sónico que se traza la banda a la hora de desarrollar y arreglar sus flujos de variadas ideas melódicas y esquemas rítmicos. Nos parece que el generoso espacio de 7 ½ que el cuarteto se otorga para esta pieza no resulta del todo suficiente para explotar el gancho inherente a su dinamismo particular, pero sí cumple cabalmente con provocar una muy buena primera impresión. ‘Estaciones’, por su parte, se focaliza en el factor sinfónico con soltura y gracilidad, un pretexto idóneo para que H7G se disponga a explorar concienzudamente las facetas más líricas de su visión artística. La ingeniería que articula los varios motivos es menos sofisticada que en la del tema de apertura, pero las evidencias de solvencia creativa siguen siendo sólidamente las mismas: realmente se saca el jugo al espacio de casi 10 minutos que el grupo se toma para llegar a la culminación de este viaje específico. ‘Ormolu’ empieza como una balada sinfónica de tenor Floyd-Cameliano hasta derivar en un estupendo interludio instrumental donde el grupo maneja alternancias de 7/8 y 4/4 en un despliegue de vigor sumamente elegante; el breve posludio regresa al clima de serenidad inicial. La pieza homónima cierra el disco, plasmando una suerte de balance entre la magia vigorosa de ‘Péndulo’ y la calidez melódica de ‘Estaciones’: así, esta pieza homónima cumple a la perfección el rol de cerrar el círculo de este primer manifiesto de H7G.  

        

En resumen, lo que tenemos en “Esclavo De La Máquina” es un indicio claro y contundente de la efectividad que es capaz de aportar HIMNO DE LA SÉPTIMA GALAXIA a la preservación del sueño progresivo en latitudes hispanoamericanas. Las coincidencias estilísticas con grupos de otros lugares como ÁUREA HYBRIDE, MR. HYDE, PLATURNO, WILLIAM GRAY y HEXATÓNICA, los cuales también se concentran en procesar formas enérgicas de eclecticismo progresivo, nos hacen tomar conciencia de un escenario más grande que los puramente locales en cuanto a cómo realmente vale la pena observar e investigar en esta línea de trabajo progresiva: Así pues, anotemos el nombre de H7G en nuestras agendas melómanas.        

 

Muestras de  “Esclavo De La Máquina”.-
Péndulo: http://himno7galaxia.bandcamp.com/track/p-ndulo
Esclavo De la Máquina: http://himno7galaxia.bandcamp.com/track/esclavo-de-la-m-quina

Renace el jardín musical de ARCO IRIS

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Hoy es momento de evocar una de las más gratas sorpresas que nos trajo 2012: el nuevo disco de ARCO IRIS titulado “Desde El Jardín”. Sí, hablamos de ARCO IRIS, la leyenda aún viva de la vanguardia fusionesca que desde fines de los 60s conformó una de las raíces fundamentales del surgimiento y primera juventud de la movida progresiva, tanto a nivel argentino como sudamericano. ¿Cómo olvidar la relevancia cultural que tuvo un disco doble tan ambicioso como “Sudamérica O El Regreso De La Aurora”?, ¿o esa enormidad que fue el también doble álbum “Agitor Lucens V”? Con el tremendo cisma que se abrió entre las dos mentes principales de la banda, Ara Tokatlian y Gustavo Santaolalla, todavía tenía ARCO IRIS para resurgir a puro fuego con “Los Elementales” – una gozada de disco – para, a partir de allí, coger impulso para un proceso de renacimiento y reconstrucción con miras hacia el área del jazz-fusión en tierras estadounidenses. Bajo la batuta del matrimonio de Tokatlian y Danais Wynnicka (o simplemente, Dana), ARCO IRIS se hizo de un buen lugar dentro de las siempre activas áreas del folclore remodelado que surgen en las grandes urbes norteamericanas, logrando editar discos con cierta recurrencia a lo largo de los 80s y más esporádicamente en los 90s. Dana ya no está entre nosotros desde setiembre de 2003 cuando sucumbió al terrible cáncer, pero prácticamente hasta el periodo de su última convalecencia, se mantuvo al pie del cañón como percusionista mientras que Tokatlian se concentraba, como siempre, en los vientos y teclados, dentro de un formato que desde hace años estaba más ajustado a la fusión folclórica melódica en abiertos coqueteos con los discursos del smooth jazz, la new-age y la Word Music.

Para el repertorio contenido en “Desde El Jardín”, quedan registradas varias intervenciones instrumentales de Dana a las percusiones y efectos especiales, además de un núcleo fijo de Pablo Allende [guitarras eléctrica, acústica y de 12 cuerdas], Juan Carlos Portillo [bajos eléctrico y acústico] y Julio Ledezma [batería, percusión, guitarra acústica, ronroco] como apoyo de Tokatlian. También hay una cantidad de invitados, destacando especialmente el ex-ARCO IRIS Guillermo Bordarampé, quien se reparte misiones al bajo eléctrico, contrabajo y charango en un puñado de temas. ‘Aurora Del Sur’ abre el disco con un convincente ejercicio de lirismo andino pulcramente insertado en una cadencia rítmica jazz-fusionesca, siendo así la canción homónima que llegará más tarde afianza este tipo de atmósfera. La segunda pieza, ‘Dai Moneda’, explota el camino de la fusión de inspiración andina ahondando en senderos más cándidos, reflejando una cierta coquetería en el trasfondo de su complacencia en la calidez lúdica. Una vez instalado este clima general de envolvente amabilidad, ‘Blue Jay’ y ‘Danais’ se sitúan en coordenadas introspectivas dibujadas con infinita estilización, notándose en el caso específico de ‘Danais’ un aura romántica que permite a la vibración reflexiva en curso asentarse de una manera genuinamente conmovedora. 

‘Nubecita’ regresa al fulgor suavemente vitalista de ‘Dai Moneda’, mientras que ‘Desde El Silencio’ es un ejercicio de etéreas navegaciones aleatorias apoyadas en la dupla de flauta y saxo soprano, un momento de ensueño antes de que la secuencia de ‘Tatuñu’ y ‘Tierras Coloradas’ nos haga transitar de una espiritualidad contemplativa a otra danzarina, dos maneras distintas de proyectarse a un mismo sentimiento de alegría de vivir. ‘Para que Juegue Yo’ retoma el clima general de ‘Danais’, el mismo clima que deriva en una nebulosa otoñal a través de ‘La Flor Del Ceibo’ y el tema de cierre ‘Ven Amada Ven’, otras dos muestras de los recursos de envolvente belleza que este ensamble es capaz de crear con soltura y comodidad. En medio de estas dos piezas, ‘Te Digo Sí, Te Digo No’ retoma la faceta lúdica del álbum y lo hace con un ambiente de estilizado jolgorio. “Desde El Jardín” es, antes que nada, un disco bellísimo, una obra que ostenta su propia apuesta por la calidez y el colorido, un posicionamiento de Ara Tokatlian y sus acompañantes dentro de una inspirada manifestación de jazz-fusión desde la cual se rescatan buenas dosis de sonoridades latinoamericanas. Bien por ellos en esta labor de persistencia en pos de la preservación de las ambiciones artísticas en la música popular, y bien por aquellos de nosotros que sabemos apreciar a ARCO IRIS en todas sus etapas.

Muestra de “Desde El Jardín”.-

Desde El Jardín: http://www.youtube.com/watch?v=b7jwHMh0O1s