Los nuevos artilugios progresivos de HÁBITAT

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Nos complace enormemente que el grupo argentino HÁBITAT vuelva a la carga con un disco muy especial dentro de su catálogo, el cual se titula “Utensilios y Artilugios”: la razón por la que se trata de un ítem muy especial es que refleja sin tapujos de ningún tipo una apertura hacia una refrescante renovación estilística dentro de su pertinaz asentamiento en el modelo prog-sinfónico. Editado por Lizard Records a fines del pasado mes de marzo, HÁBITAT sigue siendo liderado por la gentil visión musical de Aldo Pinelli [bajo, guitarras, teclados y canto], quien es acompañado consistentemente por Roberto Sambrizzi [batería y percusión], siendo así que los dos se encargan también de la producción del disco. El ensamble se aumenta ocasionalmente con Gonzalo Albarracín [guitarra en los temas 8 y 10] y Elizabeth Minervini [teclados en el primer tema]. Cabe añadir que el repertorio de “Utensilios y Artilugios” completa una duración de alrededor de 59 minutos, lo cual le convierte en el disco más largo que HÁBITAT ha producido hasta el momento. El proceso de grabación de estos 11 temas se inició en 2010 (justamente, el año de edición de su disco anterior “Tratando De Respirar En La Furia”) y continuó durante la segunda mitad de 2011: se añadieron detalles en lapsos sueltos de los dos años siguientes, y además está la pieza ‘Las Runas’, cuya gestación data de 2007. Bueno, vayamos ahora al repaso del repertorio en sí, ¿vale?

‘Las Gárgolas’ abre el disco de una manera impactante y sugerente: impactante por su expresividad musical, sugerente por su manera de mostrar nuevas facetas sonoras en el ideario de la banda. Una entrada frontalmente tétrica de órgano y el sonio de tormenta instauran un clima gótico que luego se confirma con la emergencia del ensamble en pleno, cuando se explaya en un motivo central que evoca una espiritualidad densa. Es en el arreglo general de la instrumentación que el grupo logra insuflarle al asunto una agilidad de línea sinfónica, no exenta de ciertos ornamentos Crimsonianos en algunos pasajes estratégicos. Luego sigue ‘La Persecución De La Nave Errante’, pieza que muestra una ambientación fastuosa para un motivo signado por sentimientos de expectativa y ansiedad: el talante arrollador de los ornamentos y armazones de teclados se alimenta eficazmente de las líneas arabescas que dibuja la guitarra solista mientras se escurre a lo largo del entramado global. ‘Mujer-Medusa’ se enfoca claramente en la línea prog-sinfónica que HÁBITAT ha madurado y consolidado en los mejores momentos de sus discos previos, especialmente “Tratando De Respirar En La Furia” – su esquema sónico tiene parentescos con los paradigmas clásicos de CAMEL y GENESIS, remozados con una aura razonablemente ligera, en este sentido, afín al modelo neo-progresivo. Con la secuencia de ‘Las Hadas Negras’ y ‘Las Runas’, HÁBITAT prosigue a paso seguro con nuevos golpes de inspiración a través de esta peculiar caminata musical. Durando 7 minutos, ‘Las Hadas Negras’ nos muestra a la banda volviendo a explorar esquemas melódicos y atmósferas de claro signo tenebroso, especialmente en lo que se refiere a la labor de los teclados que diseña muros sónicos abrumadores y misteriosos. Para la coda, el ensamble se deja guiar por las líneas de la guitarra para crear un poco de pomposidad sinfónica, casi como dejando salir la luz después de tantos minutos de dominio en manos de la bruma. Por su parte, ‘Las Runas’, que dura poco menos de 7 ½ minutos, sustenta un talante ceremonioso dentro de un esquema sonoro que es, a la vez, etéreo y sutilmente tenso. Las cadencias tribales que arma el dúo de Pinelli y Sambrizzi la mayor parte del tiempo son bastante funcionales para reflejar la actitud arcana que se pretende para la canción en sí.

 

‘Tema Para Los Campos Exhaustos’ es una canción que parece flotar en el cosmos al inicio, apoyado en su naturaleza aparentemente amorfa. Poco después de atravesar la barrera del segundo minuto, la pieza vira hacia una delicada combinación de jazz-rock con manierismo en clave de 3/4, cerrándose esta transición con un alucinante vuelo instrumental donde HÁBITAT da rienda suelta a su sofisticación intrínseca. El flotante motivo inicial vuelve momentáneamente para articular un colorido final al asunto. ‘Las Masas De Agua’ hereda mucho de las atmósferas y rebuscamiento musical expresados en la pieza anterior, aunque ostensiblemente porta más calidez. La conexión de estas dos canciones se refuerza por el hecho de sucederse dentro del repertorio del disco. ‘El Hombre Con Navidad En Sus Labios’ nos remite hacia una cándida atmósfera bucólica que es digna heredera del estándar del sinfonismo pastoral de herencia italiana – más específicamente, del paradigma de grupos como LE ORME y DELIRIUM.

‘Ajr’ es el pretexto idóneo para que Sambrizzi elabore un intenso y elegante solo de batería, lo cual anuncia en cierta manera la exhibición de extrovertida luminosidad de ‘Pasaje A La Ciudad Oculta Con Runas – Alpina’. En su sección inicial, esta pieza vuelve de lleno a las influencias de YES, GENESIS y CAMEL, y en una segunda instancia retoma el etéreo motivo central de ‘Runas’; a partir de aquí, el grupo se remonta hacia un vuelo jazz-rockero con subrepticio trasfondo psicodélico. Durando casi 4 ¼ minutos, el tema homónimo se encarga de cerrar el álbum: este instrumental muestra bastantes afinidades con el factor Cameliano de la época del “Rain Dances” así como con HAPPY THE MAN: se trata de un broche magnífico para un disco brillante, un catálogo de utensilios musicales y artilugios rítmicos donde el genio creativo de HÁBITAT se proyecta hacia nuevos y más amplios horizontes progresivos. Realmente debe considerarse a “Utensilios Y Artilugios” como un hito de la música progresiva que se hace en Sudamérica en el presente año 2014, y sobre todo, como un nuevo hito para HÁBITAT. ¡Recomendado!

Muestras de “Utensilios Y Artilugios”.-

La Persecución De La Nave Errante: https://soundcloud.com/habitatmusica/la-persecuci-n-de-la-nave

Mujer-Medusa: https://soundcloud.com/habitatmusica/mujer-medusa-medusa-woman

[Gracias inmensas a Aldo por su generosidad y a Rodolfo Hugo por sus ideas y sugerencias: a ellos va dedicada la presente reseña]

Recordando las primeras locuras progresivas de los mexicanos DELIRIUM

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Hoy repasamos algunas páginas de la historia del rock progresivo latinoamericano y prestamos atención a un punto de referencia importante para la escena progresiva mexicana: DELIRIUM. El disco titulado “First” que se editó es en realidad una edición a posterior de una sesión de ensayos que se realizó en vísperas de la producción de su disco de debut oficial “El Teatro Del Delirio”, siendo éste original de 1984. Como sea, lo que tenemos en “First” se trata de una obra fundamental para entender y apreciar la efervescencia musical que tenía lugar en la vanguardia rockera mexicana en los 80s, compartiendo el vecindario sónico con otras bandas como ICONOCLASTA, NIRGAL VALLIS, 0.720 ALEACIÓN y CHAC MOOL (entre otras). Es justamente la cercanía con CHAC MOOL lo que permitió a DELIRIUM (originalmente denominado DELIRIUM TREMENS) grabar su primer disco, pues el líder de aquella banda, Carlos Alvarado, hizo buenas migas con los músicos de DELIRIUM cuando los conoció en 1983. Por entonces, el grupo era un cuarteto instrumental conformado por Amador Ramírez [sintetizadores y piano], Víctor Baldovinos [batería y percusión, también integrante de ICONOCLASTA], Daniel Rivadeneyra [guitarras eléctric y acústica] y Manuel Lhoman [bajo], siendo así que Alvarado llegó a prestarles teclados y equipo musical para ponerse a grabar este disco de forma un tanto artesanal en la casa de Baldovinos… ¡y en el transcurso de una sola noche! Ya para entonces el grupo también contaba con un vocalista llamado Óscar Saldaña en sus filas, aunque cabe decir que hay varias piezas íntegramente instrumentales en el repertorio de “First” (o “El Teatro Del Delirio”). La línea de trabajo del grupo está genuinamente insertada en la tradición del prog sinfónico, a veces remitido a la vertiente británica, otras veces a referentes continentales, siempre manteniendo sostenidos niveles de riqueza melódica y solvencia técnica, esta última al servicio de la primera. Vayamos a los detalles del disco.

‘El Teatro Del Delirio’ abre el disco con un aire ceremonioso, estructurado en torno a un fastuoso lirismo centrado en la labor de los teclados, pero arropado bajo un aura un tanto oscura: el resultado es como una amalgama de CAMEL y PULSAR. ‘Armageddon’ entra a tallar para meter mayor musculatura al asunto: esta vez es la dupla del teclado y la batería la que articula el encuadre general de la instrumentación, la cual se siente rotundamente vitalista. El breve solo de batería que emerge poco antes del final no hace sino reforzar este esquema de trabajo. Cuando llega el turno de ‘El Atrio De Las Ánimas’, la banda se pone a explorar una sonoridad solemne muy obediente de los estándares más habituales de la tradición progresiva sinfónica en lo que se refiere al empleo de matices barrocos y románticos en el desarrollo temático. La primera parte de este viaje instrumental está focalizada en ambientes calmados y relajados, mientras que la segunda vira hacia un frenesí estilizado lleno de bastante gancho. ‘Fruto’ sigue en buena parte la senda de la pieza precedente, creando también puentes con la ceremoniosidad que había marcado al primer tema del disco. ‘Asilo De Ancianos’ refleja una espiritualidad triste y ansiosa dentro de una musicalidad etérea al modo de un híbrido de los legados de CAMEL y PINK FLOYD.

‘El Lago De Cristal’ vuelve de lleno al esplendor sinfónico que anteriormente había marcado a ‘Armageddon’, aunque esta vez la dosis de vigor está suministrada de una forma más diversa. Al igual que en el otro instrumental mencionado, la labor de Baldovinos a la batería resulta crucial a la hora de asentar y afianzar el bloque instrumental íntegro. ‘Lágrimas’ ofrece un cuadro muy distinto en su segmento inicial, con las escalas de guitarras y ornamentos de glockenspiel creando un espíritu introspectivo. Dicho espíritu persevera cuando el ensamble entero entra en acción, pero no tarda mucho éste en explorar vías de expresividad más exaltadas al elaborar e hilar los demás motivos que van emergiendo hasta llegar a la barrera final del sexto minuto y medio. Aparte de las referencias continuas a CAMEL, también se pueden hacer al GENESIS 76-77 y al periodo clásico de unos ELOY. ‘Santo Oficio’ es la pieza con más gancho frontal de todo el disco, ostentando un punche llamativo tanto en los riffs como en el esquema rítmico, mientras que el instrumental ‘Nocturno En Caminata’ cierra el repertorio como una condensación de las cualidades más saltantes de la extroversión épica que es tan esencial al sonido grupal: de hecho, hay una garra que nos puede hacer recordar a ELP en cierto modo, aunque el lirismo absorbente del motivo central está más ligado a los paradigmas de GENESIS y la escena italiana (BMS, PFM).

Así termina nuestra experiencia con “First”, un testimonio inconfundible del talento y la fuerza de voluntad que DELIRIUM aportó a la escena progresiva mexicana de los 80s. Esta formación no se mantuvo estable por mucho tiempo; solo duró hasta fines de 1984, pero a pesar del carácter efímero de esta alineación, no nos cabe duda de que se trata de un ítem valioso para cualquier colección dedicada al género.

Muestras de “First”.-

Armageddon: https://www.youtube.com/watch?v=0ZkcQ3bQlS4

Nocturno En Caminata: http://www.youtube.com/watch?v=p9ivf61Gq0c  

CLEFT, expresión joven del math-rock británico

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Hoy se da la ocasión de presentar al power-dúo inglés CLEFT, formado en Manchester a fines de 2011 por un guitarrista llamado Dan y un baterista llamado John. La línea de trabajo del dúo se orienta por la línea del math-rock, aunque ellos prefieren describir su estrategia musical como una labor de condensación de largas composiciones de rock progresivo bajo formatos de 3 minutos: en pocas palabras, turbo-prog. La rapidez con que surgían las ideas musicales de esta banda dejaron su constancia en la grabación de los dos EPs “Utter” y “Whale Bone” a lo largo del año 2012, difundiéndolos en su blog de Bandcamp (dirección: http://cleft.bandcamp.com/). El disco de CLEFT que hoy traemos a colación es su primer disco de larga duración “Bosh!”, publicado en febrero de 2014. 

‘12 Second Panda’ ocupa los primeros 4 ¼ minutos del álbum asentando las bases para lo que serán los rasgos centrales del tenor general del álbum: convincente musculatura de los guitarreos, manejo fluido de pautas rítmicas complejas, bien armadas ilaciones de grooves diversos que transitan de lo extrovertido hacia lo contenido. ‘Tamed Beests’ incrementa un poco la dosis de vibraciones extrovertidas mientras que ‘Alec Baldwin’s Hair’ se basa en una simple idea juguetona que suena casi a un riff punk modelado con una versión remodelada de jazz-rock. Con los refrescantes aires de renovada sofisticación que traen sucesivamente ‘Gutter Brush’ y ‘Ghost Thighs’, la gente de CLEFT vuelve a poner toda la fibra rockera sobre la palestra. ‘Elephant In The Bar Room’ tiene letra, lo cual hace que la banda se mueva ahora por terrenos más bufonescos en su expresividad esencial: si imaginamos un retorno del viejo PRIMUS a través del filtro de BATTLES, entonces no podemos hacer una buena idea de a que va el asunto con esta canción. El engarce inmediato con ‘Drop A Bastard’ permite a la banda completar el recurso de tensión creado anteriormente derivar hacia una proyección sónica más abstracta desde la cual se genera un crescendo inquietante y electrizante. ‘Buffet Remorse’, por su parte, empieza su arquitectura con una sonoridad más marcadamente etérea desde donde el dúo explora su faceta más relajada. Luego, la banda vuelve a su punche sofisticado habitual, trabajando síncopas y riffs con una ambición netamente progresiva. Así las cosas, ‘Pudendal’ pone las cosas al rojo vivo en lo que tal vez es la más explosiva exhibición de fiereza de todo el disco. ‘Hostage’ cierra el álbum en un solvente ejercicio de síntesis de los que fueron los rasgos sónicos más saltantes del repertorio precedente: un cierre muy oportuno.

“Bosh!” es un síntoma positivo sobre lo que la escena math-rockera británica todavía tiene que ofrecer para la actual escena progresiva: CLEFT ha sido un descubrimiento muy grato para nosotros.

Muestras de “Bosh!”.-

12 Second Panda: https://cleft.bandcamp.com/track/12-second-panda

Ghost Thighs: https://cleft.bandcamp.com/track/ghost-thighs

Hostage [en vivo]: https://www.youtube.com/watch?v=qot35mfF_ls

RADAR MEN FROM THE MOON nos muestra las nuevas ondas musicales de la psicodelia holandesa

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Hoy presentamos a la joven banda holandesa RADAR MEN FROM THE MOON, cultora de una modalidad visceral y poderosa de prog psicodélico, por motivo de la reciente edición de su tercer disco “Strange Wave Galore”. Formado hace pocos años en la localidad de Enidhoven por el guitarrista Glenn Peeters, el bajista Jan-Titus Verkuijlen y el baterista Tony Lathouwers, RADAR MEN FROM THE MOON ha conquistado a un público de culto en su zona local con toda justicia. Su núcleo sonoro de power-trío se enriquece apropiadamente merced al empleo de recursos cibernéticos y generadores de audio por parte de sus integrantes: de esta manera, el grupo se permite contar con recursos suficientes para explorar solventemente las dimensiones lisérgicas del paradigma del rock psicodélico artístico. Muchas veces, el trío se hace acompañar de un colaborador al sintetizador para traducir mejor la sonoridad de los temas de estudio en el contexto del escenario.

El disco se abre con ‘Surrealist Appearance’, un viaje aguerrido que empieza con capas lisérgicas, tornándose pronto hacia una precisa combinación de vitalidad de la dupla rítmica y nervio de la guitarra. El grupo logra  desplegar una versión modernizada del viejo paradigma de HAWKWIND y del estándar del stoner. ‘Reverie’ se centra en ambientes cibernéticos que suena como si se tratara de una idea perdida de CLUSTER que fue retomada para expandirla bajo los patrones de la psicodelia árida que es tan común en la vanguardia progresiva del nuevo milenio. Su función es la de preparar el terreno para la fiereza rotunda de la pieza homónima, la cual exuda vibraciones cósmicas a raudales a través de un esquema sónico entusiastamente vivaz que nos recuerda a un híbrido entre el OZRIC TENTACLES de los primeros tiempos y el NEU! del tercer álbum. ‘The Sweet Confusion’ sigue a continuación, recibiendo directamente el impacto de ‘Strange Wave Galore’ mientras retoma el vigor electrizante del primer tema y añade nuevos recursos a la dimensión rítmica. Lathouwers se luce de forma especial aquí. ‘Lautrémont’ nos brinda otro espacio para expandir atmósferas electrónicas con un gancho envolvente, abriendo así la puerta al dinamismo space-rockero de ‘Opaque’: los aires de familia con bandas como AMPACITY, CAUSA SUI y EARTHLING SOCIETY son fáciles de notar, aunque siempre es preciso señalar que este trío tiende a focalizarse rigurosamente en la creación de vigor rockero con n inteligente manejo de la crudeza que sale de sus entrañas. ‘What The Lightning Said’ vuelve a traer a colación las influencias de NEU! y HAWKWIND. La banda explota el riff básico con convincente persistencia, llevando la parte final hacia una tonalidad relativamente etérea, algo para lo cual resulta gravitante la emergencia de atmósferas procedentes de los efectos sintetizados que insertan ágilmente entre el riff central y el esquema rítmico.

Recién hemos descubierto a RADAR MEN FROM THE MOON con este disco “Strange Wave Galore” y ya podemos afirmar que se trata de un grupo en el que vale la pena investigar. ¡Recomendación especial para los melómanos que aprecian la vertiente psicodélica del prog!

Muestras de “Strange Wave Galore”.-

Surrealist Appearance: http://radarmenfromthemoon.bandcamp.com/track/surrealist-appearance

Strange Wave Galore: http://radarmenfromthemoon.bandcamp.com/track/strange-wave-galore

KROKOFANT, un nuevo monstruo jazz-progresivo escandinavo

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Hoy presentamos al trío noruego KROKOFANT, integrado por Tom Hasslan [guitarras], Axel Skalstad [batería] y Jørgen Mathisen [saxofón]. Este ensamble de jazz-rock experimental patentemente filudo – algunos le llaman jazz noise – comenzó como un dúo conformado por los dos primeros músicos mencionados más arriba, pero con el ingreso del saxofonista pudo concretizar la forma más acabada de su propuesta sonora. Su disco debut, titulado con el mismo nombre del grupo, fue editado por el sello Rune Grammofon en febrero pasado, y conociendo el pedigrí que esta compañía fonográfica tiene, pues es de esperar que el repertorio de “Krokofant” contenga un talante aventurero y radiantemente vigoroso. Como siempre, la edición de este disco viene tanto en formato digital como de vinilo. Confirmemos las mejores expectativas con el siguiente repaso del repertorio pieza por pieza.

‘Polyfant’ abre el disco con una demostración de arrolladora vitalidad que se anuncia desde el minimalista loop cósmico de inicio: en una inspirada combinación de vieja escuela Crimsoniana y dinamismo osado a lo JOHN ZORN, el trío se embarca en el armado y consistencia de una robusta arquitectura rabiosamente alimentada de riffs y síncopas. El solo de saxo es puro fuego hecho sonido. Luego sigue la dupla de ‘Supermann’ y ‘Bodega’, una sucesión de piezas que ahonda en la manifestación sónica que el trío genera desde sus propias inquietudes estéticas confluyentes. Ambos exhiben electrizantes dosis de sofisticación progresiva y vigor rockero con incandescentes riffs, grooves salvajemente extrovertidos y complejas ingenierías rítmicas: el caso de ‘Bodega’ es especialmente paradigmático del tipo de brillo que puede alcanzar la estelar sonoridad de KROKOFANT, mientras que ‘Supermann’ elabora un esquema un poco más ambicioso en cuanto a las variaciones de ambiente que tienen lugar, incluso coqueteando a ratos con el math-rock. Otro detalle que hay que destacar de ‘Bodega’ es el solo de guitarra que tiene lugar, generoso en su extensión y humanamente imposible en su ejecución. Después de esta ilación de tres aventuras sónicas tan rotundas, emerge ‘Thispair’ para poner un poco de calma, o en todo caso, explorar la espiritualidad filuda de la banda desde su dimensión más reflexiva. El esquema rítmico es reposado, pero eso no impide a Skalstad usar ornamentos interesantes al compás básico: el saxo es el principal dibujante de líneas y atmósferas mientras que la guitarra establece bases etéreas que no se alejan mucho del paradigma de Fred Frith. De hecho, hay algunos ribetes de HENRY COW en este tema en particular.

‘EJS’ emerge para volver a la exhibición de fuego y acero, y lo hace con un aspaviento imposible de controlar. La pulsátil neurosis de la batería coquetea con el espíritu del free-jazz en un insano coqueteo con el thrash-metal mientras que el guitarreo crea vendavales de extravagancia jazz-rockera en una increíble consonancia con las exigencias rítmicas impuestas por Skalstad; por ahora, Mathisen se toma un descanso. En fin, ‘Castaway’ cierra el álbum ocupando los últimos 12 ¾ minutos del mismo. Su estrategia consiste en volver a la faceta más reposada del grupo, pero no para mostrar un talante reflexivo sino para explorar recursos sonoros inspirados en la psicodelia de vieja escuela y el aspecto abstracto del KING CRIMSON de la era Wetton. Después de haber dado una prioridad prácticamente absolutista a lo extrovertido y lo incendiario, ahora Hasslan, Skalstad y Mathisen deciden pintar un espectro sonoro de brumas parsimoniosas y nieblas otoñales. El vigor no ha desaparecido ni se ha trocado por otra cosa, sino que ahora se ha transformado en una fuerza adormecida que controla su expresividad en base a una actitud de misteriosa sutileza. Así concluye el disco homónimo de KROKOFANT, una entidad que permite a Noruega mantenerse en un lugar de privilegio dentro de la avanzada jazz-progresiva internacional. 

Muestra de “Krokofant”.-

Bodega: https://soundcloud.com/rune-grammofon/krokofant-bodega

El rock progresivo se torna estelar con RESISTOR

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Hoy se da la ocasión de prestar nuestros oídos al fantástico nuevo álbum de RESISTOR, el ensamble estadounidense liderado por Steve Unruh [guitarra, violín, flauta y canto] en la compañía de sus solventes colegas Rob Winslow [bajo], Barry Farrands [batería y coros] y Fran Turner [guitarra]. “To The Stars” es el título de esta nueva obra autoproducida que salió al mercado a inicios de marzo pasado. En líneas generales, podemos decir que el catálogo contenido en este disco recoge una adecuada síntesis de lo mejor de los dos lanzamientos anteriores, “Rise” (de 2010) y “The Secret Island Band Jams” (de 2011): nos referimos a la combinación de robustez y soltura en aquél junto a la sofisticación estilística de éste, que era totalmente instrumental. Vayamos a los detalles de “To The Stars”.

La canción homónima, que dura 11 ¾ minutos, abre el álbum con un esplendor vitalista donde la energía rockera en curso se siente refinada y convincente a la vez. El canto solitario de Unruh que comienza justamente con las palabras del título abre paso a un llamativo motivo en 7/8 donde las dos guitarras se hermanan en armonizaciones bien cuidadas sobre el dinámico swing trazado por Winslow y Farrands. Alrededor de la frontera del quinto minuto y medio, la pieza vira a otro motivo que se explaya a través de un clima sónico donde conviven la claridad melódica y las pulsaciones tribales de la batería. Este mismo motivo se retuerce prontamente por senderos de robustez, coqueteando abiertamente con la psicodelia heavy… y es aquí donde entra a tallar un solo de violín diseñado con ribetes exóticos y ornamentos efectivamente tensos. Así las cosas, la canción se enrumba hacia su épico final. Tras esta estupenda entrada emerge ‘Random Values’, canción que dura menos de 3 minutos pero con mucha polenta y un buen despliegue de sofisticación progresiva: su atmósfera general se sitúa a medio camino entre los legados clásicos de CURVED AIR y KANSAS. Los aires de extroversión se perpetúan en ‘I, Of The Hurricane’, una muestra pura y directa de rock duro melódico con no pocos guiños al estándar del mejor grunge – es un recurso que de vez en cuando hace acto de presencia en los discos de RESISTOR, y la banda sabe emplearlo con distinción. ‘Train To Tucana’ tiene al violín como figura principal dentro del entramado instrumental, posteriormente reemplazado por la flauta: el lucimiento de Unruh se da dentro de una dinámica llamativa donde el esplendor psicodélico-fusionesco de unos EAST OF EDEN y la faceta rockera del paradigma de JETHRO TULL se complementan dentro de una sonoridad notoriamente contemporánea.

Con ‘Atlantis’ Final Flight’ y ‘Little Lie’ tenemos ocupados los siguientes 11 ½ minutos del disco. El primero de estos temas refleja un solvente híbrido de YES y PINK FLOYD (sin el boato habitual de los teclados) donde la banda da vueltas a un motivo central sencillo, sin agotarlo, añadiendo ornamentos y cambios de ambiente a lo largo del camino de forma muy natural. La poca letra que tiene es narrada por Unruh. Por su parte, ‘Little Lie’ es un blues sazonado con un correcto nivel de sofisticación procedente del mejor NEIL YOUNG  de los 70s. ‘AnnihilExcavation’ vuelve al elemento de rock duro pero con un buen empleo de recursos típicamente progresivos en cuanto a las variantes de ritmo y ambiente, algo necesario debido a la duración de la pieza en cuestión – poco más de ocho minutos y medio. La sección lenta porta un cierto aire Floydiano, y es obvio que Turner gesta el mejor híbrido de Dave Gilmour y Jeff Beck en uno de sus solos. Durando cerca de 13 minutos, ‘The Boy With His Brain Out In Space’ es la canción encargada de cerrar el álbum. Comienza con un motivo lento en clave céltica donde el violín ocupa el rol protagónico mientras los demás instrumentos coquetean con el paradigma stoner: el grupo se toma su tiempo para instalar y reforzar la magia melódica emanada del motivo central. Después, la banda inserta un motivo diferente de carácter ceremonioso, sostenido bajo una atmósfera grisácea donde el vigor psicodélico se despliega con comedida energía. Poco antes de traspasar la barrera del octavo minuto, el grupo elabora un nuevo motivo donde se intercambian interludios hard-rockeros recortados con inteligentes juegos de síncopas y secciones cantadas sobre una clave  blues-rockera. De este modo, el grupo se prepara para culminar la fase final de la canción, que consiste en un reprise del motivo inicial y una breve coda donde se reitera el antes mencionado interludio hard-rockero.  

 

Como balance general, “To The Stars” resulta un disco muy ameno y rebosante de vigor rockero dentro de una multitud de recursos estilísticos que encaja perfectamente con el perfil de la música progresiva que aún tiene cosas interesantes que decir en el nuevo milenio. Steve Unruh y sus secuaces han vuelto a lucirse una barbaridad. ¡Disco recomendado!

Muestra de “To The Stars”.-

To The Stars: http://www.youtube.com/watch?v=ucU-z-Yva5o

La vida como música según SUSAN CLYNES

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de presentar a SUSAN CLYNES, una intérprete y compositora belga graduada de la Universidad de gante en 2012 y que ha supuesto toda una revelación dentro del recientemente aumentado catálogo de MoonJune Records con su segundo disco “Life Is…”. Ella ya se hizo notar como invitada ocasional al canto en el disco de THE WRONG OBJECT “After The Exhibition” (publicado el año pasado también por MoonJune Records), y ahora le toca exhibirse ejecutando sus propias composiciones. El repertorio de “Life Is…” proviene de sendas presentaciones en vivo en The Archiduc de Bruselas (acompañada del baterista Nico Chkifi y el bajista Pierre Mottet) y el Auditorio de la Biblioteca Centro Cultural de Bree (acompañada del cellista Simon Lenski).

‘Life Is’ da inicio al disco con un aura de reflexiva serenidad, bastando el piano y el canto de CLYNES para hacer una entrada con fuerza de carácter. ‘A Good Man’ sigue a continuación para instaurar un ambiente alegre embebido en un swing jazzero muy vitalista: la batería y el bajo se suman a la instrumentación de una manera muy funcional. ‘Childhood Dreams’ conjuga cabalmente la ceremoniosidad del primer tema y el vitalismo alegre del segundo, a la par que empieza a desplegar su faceta más sofisticada – dicho despliegue, sin duda, es facilitado por la presencia del cellista invitado Simon Lenski, quien aporta capas etéreas sutilmente inquietantes al asunto. ‘Les Larmes’ también cuenta con la presencia del cello, y con sus 9 ½ minutos de duración resulta la pieza más extensa del álbum. Los desarrollos temáticos a cargo del piano portan un talante ominoso, a la vez que elegante, mientras que el cello se encarga de realzar los matices oscuros indicados por el piano en varios momentos, usando para ello dibujos sónicos retorcidos: es casi como un UNIVERS ZERO traducido al lenguaje de KATE BUSH. Después de estas dos piezas densas, la hermosa ‘Tuesday Rain’ nos muestra un majestuoso retrato de nostalgia y vulnerabilidad emocional en clave de balada jazzera. No solo se trata de plantear un contraste frente a lo inmediatamente anterior, sino también de asentar el terreno para ‘Ileana’s Song’, probablemente la canción más cálida del disco. 

‘When You’re Dead’ nos muestra un híbrido de CAROLE KING y ART BEARS con una soltura creativa y una arquitectura impoluta: la pieza porta un aire místico, incluso entrañable, pero con una cierta brisa oscurantista que emana de los delirantes ornamentos de cello que entran a tallar en ciertos pasajes estratégicos. ‘Pigeon’s Intrusion’ es un instrumental que nos lleva por terrenos de SLAPP HAPPY: cabaret con un patente aire farsesco y un factor deconstructivo adicional inspirado en la cámara vanguardista. La dupla de ‘Le Voyage’ y ‘Linear Blindness’ se encarga de atar los últimos cabos del repertorio: el primero expande el tenor exquisitamente fastuoso de ‘Pigeon’s Intrusion’ con tonalidades más serias, mientras que el segundo nos devuelve a la espiritualidad de ‘Life Is’ y ‘Childhood Dreams’ con una mayor urgencia emocional. En fin, ‘Butterflies’ cierra el disco dándole un nuevo giro de tuerca al la faceta vanguardista de esta propuesta musical: el canto de CLYNES es tremendamente ceremonioso mientras que el cello se explaya en alevosos ornamentos intensos durante el clímax neurótico que tiene lugar en el intermedio, así como en el pasaje final. 

SUSAN CLYNES se revela a través de “Life is…” como una presencia importante para entender y apreciar una forma novedosa de crear canciones y atmósferas por vía de la dimensión más adusta de la escena vanguardista estadounidense, a la par que refleja enfoque originales de emotividad en el lenguaje musical. Vale la pena echar un vistazo detenido a este disco.

Muestras de “Life Is…”.-

Ileana’s Song: http://moonjunerecords.bandcamp.com/track/ileanas-song

Les Larmes: http://moonjunerecords.bandcamp.com/track/les-larmes

When You’re Dead: http://moonjunerecords.bandcamp.com/track/when-youre-dead   

El sonido del color rojo según BASta! (desde el sótano de ARANIS)

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A fines de 2013, el ensamble belga-neerlandés BASta! (que es una especie de off-shoot de ARANIS, a la sazón, uno de los nombres más destacados a nivel mundial dentro del chamber-rock de última generación), publicó el disco “In Rood”. BASta! es un proyecto donde el contrabajista Joris Vanvinckenroye asume una línea de trabajo patentemente más densa y oscura que la que se refleja en los discos de ARANIS, pero la asociación con sus colegas sigue firme en este proyecto. Así, el sexteto que grabó el repertorio de “In Rood” lo completaron Liesbeth Lambrecht [violín], Marjolein Cools [acordeón], StijnDenys [guitarra acústica], Jana Arns [flauta] y Ward De Vleeschhouwer [piano] se dispuo a plantearse nuevos horizontes sonoros cercanos a los márgenes oscurantistas del estándar del chamber-rock. 

La pieza homónima ocupa los primeros 28 minutos y pico del álbum. Las primeras notas asientan lo que será un protagonismo recurrente del violín y el contrabajo a la hora de crear los ambientes y cadencias del desarrollo temático, el cual pronto se revela como grisáceo y ceremonioso, portando un sutil aire de sombría amenaza. Wim Geysen se encarga de escribir y emitir las narraciones que se expanden a lo largo de toda la pieza, lo cual supone la creación de una atmósfera teatral como parte esencial de su núcleo musical, dado que son varios los momentos en los que el relato impone una presencia apabullante frente a la instrumentación que se va desarrollando... o mientras ésta se detiene momentáneamente, haciendo que el silencio signe una especie de gestación para su próxima aparición. Al escuchar esto, no hay manera de evitar la evocación a los discos conceptuales que de vez en cuando hacía ART ZOYD para obras teatrales o de ballet moderno, pero claro, sin toda esa amalgama sintetizada: los instrumentistas se preocupan sobremanera por perfilar los timbres y matices más propiamente naturales de los instrumentos, y en este caso son las cuerdas las que asumen el rol principal.

El concepto de ‘Aorta-tak’ ocupa el resto del disco a través de cuatro secciones que juntas suman casi 19 ½ minutos de duración. La primera sección comienza instaurando un clima de sigilosa tristeza, mostrando una faceta suave de lo lúgubre. Alrededor de la frontera del segundo minuto y medio, la pieza adopta una cadencia un poco más extrovertida, la misma que permite al clima general agilizarse de manera segura aunque sin dejar atrás la aureola de desolación; más aún, lo que hace es reforzarla mediante un giro fastuoso, especialmente en el clímax que se proyecta a lo largo del quinto minuto. El último paraje sirve para volver al sigilo inicial, aunque con una dosis de densidad moderadamente aumentada. La segunda sección empieza trasladando la sensación otoñal que nos dejó la primera hacia una dimensión más abstracta, con una clara tendencia deconstructiva que refleja una cierta intensidad oscurantista, pero más adelante vira hacia una dimensión sónica genuinamente vivaz. No se trata tanto de un contraste como de un giro inesperado a una idea musical que se mantiene cohesiva de principio a fin, lo cual se culmina en la breve coda ceremoniosa. La tercera sección reitera en buena medida el ambiente general de la segunda, mientras que la cuarta y última establece un punto intermedio entre la oscuridad predominante de la primera sección y la actitud expresionista de la segunda.

BASta! es una referencia muy interesante para el chamber-rock continental de hoy en día: se luce como una especie de mellizo perverso de ARANIS, y como tal debe ser apreciado por los habituales amantes de la música progresiva vanguardista. 

Muestras de “In Rood”.-

Aorta-tak 1: http://aranis.bandcamp.com/track/aorta-tak-1

Aorta-tak 2: http://aranis.bandcamp.com/track/aorta-tak-2

4 por IIII con PAPIR

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

El power-trío danés PAPIR lo ha vuelto a hacer; hablando más específicamente, ha vuelto a realizar una estupenda obra de música prog-psicodélica con inmensas dosis de fuerza electrizante. El sello El Paraiso Records ha publicado en febrero pasado “Papir IIII”, un disco que contiene cuatro viajes musicales contundentes donde los pilotos son el guitarrista Nicklas Sørensen, el bajista Christian Becher Clausen y el baterista Christopher Brøchmann Christensen. Al igual que en el caso del disco “Papir III”, los temas se titulan según la numeración romana. Se trata, en efecto, del cuarto disco de la banda como tal, aunque cabe señalar que algunos meses después de la publicación de “Papir III”, Sørensen, Becher Clausen y Brøchmann Christensen hicieron unos cuantos jams con dos integrantes de ELECTRIC MOON y uno de ØRESUND SOUND COLLECTIVE, recogiéndolos en el registro del disco “The Papermoon Sessions” bajo el nombre de PAPIR MEETS ELECTRIC MOON. Bueno, vayamos a los temas de “Papir IIII” ahora mismo.

‘I’ abre el álbum en clave de 5/4, comenzando con una ambientación sobria que pronto se torna gravitantemente intensa merced al creciente aumento de musculatura que se le da a los guitarreos. A mitad de camino, la banda vuelve a un estado de sobriedad mientras mantiene impoluta la ingeniería rítmica, la cual se vale de ciertas cadencias tribales en su estructura. En los últimos minutos, la guitarra y la dupla rítmica se compenetran en una armonización efectiva y atractiva. No está nada mal este comienzo, como tampoco lo está ‘II’, un tema que empieza con un talante sutil, marcado por series de acordes distantes de guitarra y una batería concentrada en hacer síncopas de carácter casi jazzero… Pero ésta es tan solo la antesala para el ulterior arribo del cuerpo central, el cual exhibe una explosividad cósmica que se siente genuinamente etérea a través de los arrebatos sonoros que lo conforman. Ciertas confluencias con sus paisanos de OBSTACLES (otra banda campeona de la psicodelia progresiva europea actual) se puede advertir sin lugar a confusión. Poco a poco, el vuelo del grupo se prepara para aterrizar en serenos parajes que invitan al oyente a relajarse en un ejercicio de introspección. Durando 21 ¾ minutos, ‘III’ resulta la proyección sónica más ambiciosa del álbum. Comienza con un amplio desarrollo de climas cósmicos bien perfilados, relativamente contenidos hasta poco después de pasar el margen del cuarto minuto y medio, que es cuando el trío desata solventemente la energía acumulada hasta entonces. La banda maneja muy bien los tiempos en los que se suelta más y se suelta menos: un indicio de ello está en el tipo de posicionamiento que toma la dupla rítmica. Las huellas de AGITATION FREE y ASH RA TEMPEL se notan a leguas dentro del esquema de trabajo que desarrolla PAPIR en el primer jam central, el cual pasa a un momento de receso a partir del minuto 11. A partir de aquí, la guitarra se pasea momentáneamente solitaria para armar la base del que será el segundo jam central: éste emerge decisivamente poco antes de llegar a la barrera del minuto 15, instalándose en un clima típicamente stoner e insertando algunos trucos rítmicos inusuales en su firme e incandescente ingeniería. La coda es brutal, muy afín al PINK FLOYD 69-71 con su aire stoner añadido. ‘IIII’ ocupa los últimos 5 ¼ minutos del disco, y lo que propone es lo más lógico después del extenso vendaval que tuvo lugar en el tema precedente – tomándose las cosas con calma. En efecto, se trata de un jam gentilmente cadencioso, focalizado en guitarreos de tonalidades otoñales y una relajada armazón tribal en el esquema rítmico. Si bien no hay muchas variaciones en la idea central, ésta es explorada con suficiente mesura como para no aburrir ni caer en lo trivial. Un buen cierre de álbum, la verdad que sí. Este último tema solo aparece en la edición digital, pues en la versión de vinilo solamente aparecen los tres primeros temas.

Nada más podemos añadir a esta reseña: solo nos queda reiterar que “IIII” es un disco excelente que permite a PAPIR mantenerse en las ligas mayores de la línea psicodélica dentro de la música progresiva escandinava de nuestros días.

Muestras de “Papir IIII”.-

I: https://www.youtube.com/watch?v=rPtwJf29Uzw

II: https://www.youtube.com/watch?v=gNJeDcyaGe8

El magnífico saludo al nuevo sol de parte de DEWA BUDJANA

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Prolífico y creativo como él solo, el soberbio guitarrista indonesio DEWA BUDJANA nos ofrece un nuevo trabajo titulado “Surya Namaskar” después de habernos brindado otras dos joyas fonográficas en 2013 (“Dawai In Paradise” y “Joged Kahyangan”) – todo ello a través del sello MoonJune Records. El trío de base para este disco se completa con un bajista y un baterista de lujo: Jimmy Johnson y Vinnie Colaiuta, dos de los nombres más distinguidos del jazz-rock contemporáneo, dos de las figuras más reclamadas para sesiones, giras y demás actividades musicales de la crema y nata de las escenas jazzera y fusionesca. Por supuesto que el anfitrión BUDJANA da la talla, por supuesto que sí, y es la confluencia de todas estas creatividades lo que hace de “Surya Namaskar” uno de los ítems más impresionantes de inicios de 2014. El disco fue grabado en 2013 en dos estudios distintos de Los Ángeles en sendas sesiones bastante espaciadas entre sí: a fines de enero en Henson Studio y a fines de octubre en Stagg Street Studio.

El disco empieza con ‘Fifty’, tema compuesto por Budjana en el mismo día de su cumpleaños no. 50, y como si se tratara de extender la celebración, el trío de Budjana, Johnson y Colaiuta se hace acompañar por Gary Husband al teclado. ‘Fifty’ es una pieza que ostenta su sofisticada gracilidad a través de sus versátiles esquemas rítmicos y su vitalista ambientación general. Los síntomas de virtuosismo técnico son fácilmente captables, pero sobre todo cabe rescatar la capacidad de diálogo y complicidad que muestra el trío nuclear en esta performance tan osada y elegante a la vez. Husband grabó sus colchones y solos en un estudio aparte, pero se nota que ha captado el espíritu de la pieza y ha sabido dar con los sonidos y cadencias adecuados para la ocasión. Tras este maravilloso punto de partida que dura casi 7 ½ minutos emerge ‘Duaji & Guruji’, un tema que se refugia un enfoque un poco más sereno aunque manteniendo la garra y la musicalidad expresionista que ya se habían manifestado abiertamente en ‘Fifty’. La peculiaridad de ‘Duaji & Guruji’ es que parece haber inventado el balance perfecto entre el paradigma de MAHAVISHNU ORCHESTRA (colorido fastuoso y denso) y el legado del WEATHER REPORT de la legendaria época con PASTORIUS (groove majestuoso). Si ‘Capistrano Road’ carga con la misión de suceder a la dupla inicial, pues cumple con ella cabalmente a punta de transportar el esquema sonoro del trío hacia una dimensión introspectiva, como paseando relajadamente no tanto por el gusto de caminar sino para complacerse en la contemplación del paisaje desde diversas posiciones, dejando que la vista de lo exterior y los pensamientos sobre el mundo interior se conjuguen en perfecta armonía. La influencia de HOLDSWORTH se hace notar en los fraseos que dibuja BUDJANA – de hecho, fue después de una visita a este ilustre maestro inglés que BUDJANA compuso este tema, además dedicándoselo. ‘Lamboya’ nos revela un clima musical ligero en clave de 11/8, con un groove parcialmente semejante al de ‘Duaji & Guruji’ pero con una vibración etérea que atraviesa los feroces fraseos de BUDJANA, exorcizando una vez más los ecos de JOHN MCLAUGHLIN. Es imposible que Vinnie Colaiuta no se luzca en cualquier cosa que haga, pero vale hacerle una mención especial respecto a este tema, pues hace un excelente empleo de ornamentos percusivos en ciertos parajes donde el trío se entretiene en intensificar el desarrollo temático. ¡Qué formidable primera mitad!... y todavía queda la segunda, donde BUDJANA dan una cierta prioridad a matices sonoros más contenidos. 

Durando 9 minutos y pico, ‘Kalingga’ es la pieza más extensa del álbum. El trío cuenta ahora con los aportes de Mang Ayi al canto, Kang Pupung al violín y Kang Iya al arpa (estos dos instrumentos, en sus versiones folclóricas sundanesas). Dentro de los ribetes claramente fusionescos del motivo central, el esquema rítmico de la pieza porta una cadencia lenta donde los momentos pesados (casi Zeppelinianos) y los livianos se alternan con impoluta fluidez. BUDJANA le da un punche rockero tremendamente poderoso a sus guitarreos durante los momentos agresivos… especialmente en el cierre. ‘Campuhan Hill’ es algo totalmente opuesto, una muestra de jazz-fusión con predominio de guitarra acústica y una armazón amable de Johnson y Colaiuta desde donde se realza el groove exótico inherente a la pieza. Es como volver a los tiempos de “Dawai In Paradise” por un rato… o por dos, porque luego sigue el tema homónimo (que significa “buenos días al sol” en el idioma indonesio, indicando el nombre de una posición de Yoga) para invitarnos a pasear por parajes aún más intimistas. En ‘Surya Namaskar’, BUDJANA se circunscribe a la guitarra acústica mientras deja que el invitado Michael Landau se haga cargo de la eléctrica. La pieza ostenta su aura reflexiva con un candor cautivador y suavemente envolvente, incluso en esos momentos en que la guitarra de Landau saca buen provecho de su rol protagónico. En fin, ‘Dalem Waturenggong’ cierra el repertorio con un nuevo juego de alusiones folclóricas, anexándose así al espíritu general de ‘Campuhan Hill’, pero con un empuje extra en el dinamismo que aporta la guitarra eléctrica, lo cual refuerza también la conexión con las sonoridades plasmadas en los temas 3 y 5. A propósito, hay un pasaje donde la guitarra y el bajo proyectan unos diálogos muy divertidos, logrando así que el vigor emocional en curso asuma matices especiales.

Como perspectiva conclusiva de esta reseña solo nos queda invitar a todos a ponerse de pie y quitarse el sombrero ante el magistral repertorio de “Surya Namaskar”: DEWA BUDJANA y sus señoriales compañeros de viaje han logrado darle un nuevo empuje al concepto contemporáneo del jazz-rock, del mismo modo que un nuevo sol da nuevos bríos al mundo.

Muestras de “Surya Namaskar”.-

Fifty: http://moonjunerecords.bandcamp.com/track/fifty

Kalingga: http://moonjunerecords.bandcamp.com/track/kalingga