GATTO MARTE y su lunático viaje a través de la vanguardia progresiva

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Hoy es el momento de habla del ensamble italiano GATTO MARTE, el cual vuelve al ruedo fonográfico en este año 2012 con un disco bastante exquisito titulado “Marte Sulla Luna”. Se trata del octavo ítem a cargo de este ensamble italiano formado a mediados de los 90s en torno al formato de cuarteto de piano-violín-contrabajo-fagot con la misión de crear un estilo ágil de chamber-rock que se tomara en serio las influencias del R.I.O. francófono así como de la fusión, el folk y el avant-jazz. “Marte Sulla Luna” es también el primer disco de la banda sin el fagotista original Giuseppe Brancaccio, pero para eso está Ben Newton, quien además del fagot toca el acordeón y algunos teclados adicionales. Contando todavía con la presencia de los miembros fundadores Nino Cotone (violín), Maximilian Brooks (piano) y Pietro Lusvardi (contrabajo), más la adición del guitarrista John Sheperd y el baterista Rob Bellamy, el ensamble concretiza con el sexteto resultante una sonoridad muy pletórica, y de hecho, se trata de uno de los trabajos más íntegramente líricos que ha hecho la banda hasta ahora. Lo reseñamos detalladamente a continuación.

‘Dagon’ abre el disco con un colorido y un vigor notables, siendo así que el violín ocupa un rol vitalmente protagónico en el diseño del cuerpo central de la composición; el clímax conclusivo guiado por la guitarra es tan llamativo que nos deja un poco con la miel en los labios al no ser un poco más extenso, pero el fondo no importa, pues ‘Il Cacciatore Di Farfalle’ emerge para llevarnos hacia senderos de musicalidad muy diferentes, llenos de una calidez cautivadora que mucho tienen que ver con el fastuoso sinfonismo de la tradición italiana y muy poco con las habituales capas de oscuridad y densidad que abundan en el chamber-rock. Siguiendo por el camino de la pura calidez, ‘Il Parruchhino’ nos recuerda más al ISILDUR’S BANE de la época de “The Voyage”, con ese sentido de la exquisitez bien llevado a través de la intensa pero delicada armonización en el diálogo establecido por los instrumentos. Por su parte, ‘Sinfonia n.1 (Notturno)’ asume una aureola más grisácea, levemente inquieta (a lo KRONOS QUATET), basándose en el desarrollo de una atmósfera moderadamente densa, mientras que ‘Kindering’ elabora un clima más juguetón, el mismo que es manejado con serenidad bajo la guía del piano. Estos dos temas tienen en común el realce que se da a las cadencias de inspiración jazzera desde la dupla rítmica. ‘Sinfonia No.2 (Vento Di Libeccio)’ retoma el espíritu de la ‘No. 1’ y la revitaliza con una agilidad sinfónica realmente deliciosa: se puede decir que con la secuencia de estas tres piezas, el álbum llega a un cénit contundente. Cuando emerge ‘Cthulhu’, el ensamble echa mano de su faceta más densa para armar un juego de claroscuros sonoros bastante inspirado: las confluencias con los idearios musicales de YUGEN y SKE son fáciles de advertir en esta situación, lo cual es un indicio de lo pertinente que es contar con una pieza de tanto carácter inmediatamente después del mencionado cénit. ‘Hotel Plaza’, por su parte, suena a una amalgama de las atmósferas y ambientes de los temas segundo y tercero: a través de su refinada arquitectura melódica, el motivo central destila una candidez envolvente y cautivadora. ‘Megavalse’ sigue en su base compositiva el esquema de un vals sinfónico, recurriendo nuevamente a las aristas densas de la banda: las afinidades con UNIVERS ZERO y el AFTER CRYING pre-“De Profundis” son rápidamente apreciables. ‘Honky Tonky’ cierra el disco con un ejercicio de música de cabaret alimentado con una cierta aureola circense que es manejada con la suficiente sobriedad como para el humor reinante no se haga farsesco: parece que ésa es la idea, especialmente cuando algunos pasajes plagados de una cálida ceremoniosidad sinfónica también entran a tallar. El empleo de tonalidades blueseras en ciertos fraseos de la guitarra es un truco muy curioso dentro de este contexto. Atención a la coda minúscula que surge tras unos segundos de silencio, lo cual hace que la idea humorística se redondea con travieso ingenio.

Reiteramos que “Marte Sulla Luna” es un disco hermoso y exquisito, y como tal, merece ser apreciado como uno de los viajes musicales progresivos más reveladores del presente año 2012. También puede ser una ocasión óptima para que los neófitos entren en el mundo musical de GATTO MARTE.


Muestra de “Marte Sulla Luna”.-
Dagon: http://www.youtube.com/watch?v=-7dCJCCLmA8

MAGMA: felicidad kobaïana y Zeuhl luminoso

 

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MAGMA es un nombre que se impone por sí solo con cada disco nuevo que saca al mercado, y este año 2012 es el momento de “Félicité Thösz”, disco que sacamos hoy a colación y que sucede a “Ëmëhntëhtt-Ré” (de 2009). Si esta penúltima obra era una especie de culminación de la leyenda kobaïana en sus aspectos más típicamente tensos y oscurantistas, el rol de “Félicité Thösz” es el de reconstruir el esquema visionario de MAGMA bajo una luz más optimista, como celebrando el nacimiento de una nueva luz. La acentuación de elementos jazzeros en la labor de la dupla rítmica y el empleo de matices “angelicales” en la mayor parte de los arreglos colares son inequívocos indicios de ello. El repertorio del álbum no es muy largo, ni siquiera llega a los 40 minutos de duración: en total, tenemos aquí la suite homónima de 28 minutos y una pieza autónoma de 4 minutos y pico. La suite ya ha sido presentada en concierto antes de la grabación del disco, como por ejemplo, en la gira que realizó MAGMA en los EE.UU. a fines de 2010. La formación que grabó la suite consiste en Christian Vander, por supuesto, a la batería, piano y sintetizador, el trío vocal de Stella Vander, Isabelle Feillevois y Hervé Aknin, Benoît Alziary al vibráfono, James MacGaw a la guitarra, Bruno Ruder al piano y sintetizador, y Philippe Bussonet al bajo.

 

‘Ëkmah’ abre la suite homónima con una ceremoniosidad tranquila pero obviamente imponente, mientras que ‘Ëlss’ y la dupla de ‘Dzoï’ y ‘Nüms’ se encargan de enriquecer el swing en curso, a la par que crean espacios para el reforzamiento de las intervenciones corales. El momento de ‘Nüms’ es cálido, incluso entrañable, lo cual prepara el terreno para que ‘Tëha’ lleve el tenor predominantemente evocativo de la suite hacia una instancia épica que es, a la vez, ensoñadora y contundente: Stella Vander se luce enormemente en esta sección, un elemento vital para la luminosidad sónica encapsulada en ella. Con ‘Waahrz’, la suite hace una parada para reformular su propia vibración contemplativa bajo el comando de unos estilizados efluvios de piano que fluyen en el éter con extrema pulcritud. La dupla de ‘Dühl’ y ‘Tsaï!’ vehiculiza la recapitulación de la fuerza expresiva del ensamble, capitalizándola con un vigor muy dinámico que se ajusta perfectamente a la musculatura y complejidad rítmica de la instrumentación así como a la variedad de ambientes “teatrales”. El estándar de MAGMA se muestra en su más pura esencia. Así las cosas, ‘Öhst’ se pone a cargo de elevar la temperatura sónica hasta niveles explosivamente climáticos, no rompiendo con el aura contemplativa sino dándole una magnificencia robustecida: Hervé se luce esplendorosamente en su momento de protagonismo. ‘Zahrr’ es el breve epílogo que aporta un aire de oscuridad emocional para cerrar la suite de una forma inesperada, tal vez extravagante, pero también coherente a su manera.

El disco concluye con ‘Les Hommes Sont Venus’, una cantata típicamente kobaïana con tintes renacentistas: sobre una armazón de sintetizador y glockenspiel, una nutrida coral (a Stella, Hervé e Isabelle se les unen Sandrine Destefanis, Marcus Linon y Sylvie Fisichella) genera un colorido muy vitalista al asunto sin hacerse flagrantemente imponente a fin de no destruir el relajado clima general de la composición. Se trata de un hermoso broche de oro lírico para un álbum que refleja fielmente la incombustible grandeza de la visión musical de Vander y sus secuaces: MAGMA es capaz de seguir generando grandiosos motivos de felicidad  melómana a los conocedores y apreciadores de la esencia originaria del género progresivo brindando una nueva luminosidad al paradigma Zeuhl. ¡Imperdible a la n-sima potencia kobaïana!    

 

Muestras de “Félicité Thösz”.-

Tëha: http://www.youtube.com/watch?v=9V2d59Ov88Q
Öhst: http://www.youtube.com/watch?v=mlLTh8NWBIg

HEXATÓNICA vuelve con nuevas visiones progresivas

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Hoy es momento de celebrar una muy buena noticia para el prog sudamericano: ¡HEXATÓNICA ha vuelto! En efecto, este quinteto instrumental argentino ha editado su largamente esperada segunda placa fonográfica “El Visionario” seis años después de su inolvidable disco “Formas”. La alineación cambió bastante desde esos tiempos, pues solo queda remanente la dupla rítmica de Juan Gasco y Sergio Topham (siendo el primero de éstos quien asume la posición líder), mientras que la dupla guitarrera y la posición de teclista están ocupadas por ingresantes de los últimos años: Carlos Cattaneo, Abel Valente y Nahuel Acosta, respectivamente. Mucho ha recorrido y sufrido el grupo desde su fundación en 2002 y la sucesivas ediciones de un primer demo, un disco en vivo y el mencionado debut de estudio “Formas”, entre otras cosas, las primeras bajas importantes al poco tiempo de editado el debut. Ha sido un largo camino el que ha tenido que andar HEXATÓNICA para asentar una nueva formación estable, desarrollar nuevo material y concretizar éste en un disco de estudio: bajo la iniciativa editorial de Musea, “El Visionario” es ya una realidad, y ya nos toca aprovechar el momento para reseñarlo al detalle.

La pieza homónima abre el álbum con un vigor implacable, iniciándose con una impetuosa escala de piano, y luego prolongando la aserción y desarrollo de un extrovertido cuerpo central que dura casi 4 minutos y medio; a partir de allí emerge un interludio etéreo que oscila entre lo Floydiano y lo Yessiano, el cual sirve para crear una atmósfera envolvente antes de que la coda reinstaure el motivo central para un estupendo clímax de cierre. Con ‘Rompiendo Estructuras’, el grupo remodela sus esquemas sonoros para preservar su fuerza esencial mientras añade una mayor dosis de majestuosidad al desarrollo temático en curso. ‘Ευχαριστώ’ (así, con grafía griega) está marcado por melodías y aires exóticos, los mismos que adquieren una estilización especial naturalmente debida al colorido progresivo provisto por el grupo: compuesto por el ex-teclista del grupo Diego Yanivello (y de hecho, toca en esta pieza así como en ‘Rompiendo Estructuras’), se le nota un aire peculiar dentro del repertorio del álbum. Cuando llega el momento de ‘Sobrevuelo’, se puede decir que el esquema integral del álbum se afianza en su cima artística. Esta pieza porta un aura solemne que se impone a través de la aguerrida fuerza del ensamblaje instrumental, el cual se mueve sólidamente a través de las variantes de ambientes que se dan dentro de una atmósfera general suntuosa. Una mención especial debe ir para los exquisitos fraseos de teclado que dirigen el electrizante clímax conclusivo, y en general, cabe destacar la inserción de grisáceos matices amenazantes a través de varios momentos del desarrollo temático. ‘Intro B’, donde intervienen el flautista Gerardo Hurchins y el violinista Sergio Topham junto a Juan Gasco en su rol de guitarrista, es una breve pieza palaciega de fuerte inspiración renacentista que opera principalmente como preludio a ‘La Gracia De Ser…’; de hecho, los primeros pasajes de este extenso tema se hacen eco del aura palaciega de ‘Intro B’ y prepara el terreno para la instauración de la rigurosamente articulada vibración melódica bajo la que se trazan los primeros solos de guitarra. El cuerpo central de la composición porta un aura evocativa, una espiritualidad líricamente conmovedora, aunque con su espacio de 10 minutos y pico, tiene espacio para añadir variantes en las atmósferas: efectivamente, el grupo utiliza algunos pasajes razonablemente densos y otros marcados por grooves un poco más ligeros a medida que transcurre la pieza, siguiendo las lecciones del prog sinfónico clásico mientras se aferra a su propia sonoridad contemporánea. Tenemos aquí otro pico creativo del álbum. ‘El Infierno Interior’, a despecho de las torturadas alusiones de su título, ejerce una sólida reiteración de la vitalidad extrovertida la de banda: los estándares de LIQUID TENSION EXPERIMENT y PLANET X se hacen sentir sin por ello restarle personalidad al grupo en su labor creativa. ‘Amanecer Atardeciendo’ conforma el momento más introvertido del álbum, siendo así que el piano ocupa el rol protagónico tanto en la envolvente serenidad del inicio como en la controlada magnificencia que brota después con un esplendor espiritual cautivador. Como detalle cabe mencionar que Juan Gasco repite su función de guitarrista en la sección introductoria de esta pieza. ‘Aluvión’ cierra el disco con una ágil combinación de fluidez en las ilaciones temáticas y complejidad en las variaciones de ambientes, logrando así crear un intermedio entre ‘Sobrevuelo’ y ‘La Gracia De Ser…’, con un mayor énfasis en el elemento sinfónico a través del punzante nervio rockero que es tan patente.

HEXATÓNICA ha vuelto a todo dar con “El Visionario”, y con él ha vuelto a lucirse como lo que es: una fuerza de la naturaleza que brilla como fuego dentro del escenario actual del rock progresivo argentino: su amalgama de sinfonismo, prog-metal y jazz-rock es simplemente monumental. Este disco no es solo un catálogo de ideas musicales, es una celebración de la música misma y de la tradición progresiva en particular: las resaltantes personalidades del tema homónimo, ‘Sobrevuelo’, ‘La Gracia De Ser…’ y ‘Aluvión’ les permiten definir puntos álgidos dentro del repertorio, pero dicho repertorio se luce mejor como bloque integral. ¡Y eso lo hace un disco genuinamente excelente!

Muestra de “El Visionario”.-
Rompiendo Estructuras: http://www.youtube.com/watch?v=BKTbLnCrIMk

La evolución progresiva de XII ALFONSO con la trilogía de "Charles Darwin"

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Hoy es el turno de XII ALFONSO, un ensamble francés que  no es ni mucho menos novato en el negocio de hacer rock artístico después de la década dorada del rock progresivo. Este ensamble francés se formó a mediados de los 90s con la misión de crear una línea de trabajo progresiva que combinara el aprovechamiento de la tecnología rockera y el rescate de instrumentos rústicos y sonidos naturales, una línea de trabajo ecléctica con intenciones holísticas y con un instinto de celebración de la ingeniería natural del mundo y del sentido de la melodía. Fundado por la dupla de los hermanos Claerhout (el guitarrista-percusionista-bajista Philippe y el teclista-percusionista François), el grupo se ha venido sintiendo más cómodo operando en torno a un núcleo más poblado: el cuarteto constante que operó en “Under” y la solidez de un sentido de ensamble en los dos volúmenes del proyecto “Claude Monet” (que pretende completarse con una tercera parte próximamente) son prueba de ello. Para este inmenso trabajo conceptual de 3 volúmenes titulado “Charles Darwin”, los hermanos Claerhout se asocian consistentemente con el flautista Stéphane Ducassé (quien también tiene intervenciones a las percusiones y el Theremin) y siguen contando con el baterista-percusionista Thierry Moreno (quien también aporta algo de guitarra acústica), completando así el cuarteto central. Pero no solo eso: también hay una pléyade de colaboradores entre quienes se incluyen al vientista y frontman de SUPERTRAMP John Anthony Helliwell (el maestro Helliwell), dos teclistas de gran trayectoria progresiva como son Ton Scherpenzeel (líder de KAYAK y miembro ocasional de CAMEL) y Mickey Simmonds (FISH, CAMEL, RENAISSANCE), David Paton (el bajista histórico de THE ALAN PARSONS PROJECT, y también miembro ocasional de CAMEL y colaborador de RICK WAKEMAN), Ian Bairnson (el guitarrista definitivo de THE ALAN PARSONS PROJECT), Michael Manring (amo del bajo sin trastes en varios proyectos de jazz-rock, fusión y rock progresivo), Maggie Reilly (la cantante más habitual de MIKE OLDFIELD en la primera mitad de los 80s), Huong Thanh (una figura de la fusión y la World Music en Francia), Tim Renwick (guitarrista que colaboró con OLDFIELD en varios álbumes y giras), etc. Eso sí, todo este talento y toda esta habilidad están al servicio de las refinadas y claramente delineadas arquitecturas melódicas e ingenierías atmosféricas trazadas para cada pieza de cada disco. En líneas generales, XII ALFONSO da rienda suelta a las influencias de THE ALAN PARSONS PROJECT, ANTHONY PHILLIPS, el CAMEL y el OLDFIELD 80eros, THE ENID y algunos patrones del sinfonismo moderno y de la World Music a lo largo de “Charles Darwin”; entremos en más detalles a continuación. Una mención especial debe ir al lujosísimo empaque de este triple álbum, el cual contiene una libreta de más de 70 páginas donde se relata la vida y la expansión intelectual de este genio de la ciencia y la cultura mundial.    

 

‘Collection one’ abre el primer volumen con un hermoso motivo de piano, abriendo la puerta a la agilidad pop-progresiva de ‘Earliest Recollections’, la cual a su vez cede paso a coloridos musicales célticos que se desarrollan sucesivamente en ‘Stolen Fruits’ (de manera fastuosa) y ‘Physics And Haunting’ (en la línea folk-rock). Tras un nuevo paseo amable por los senderos del pop-rock sofisticado con ‘Silent Battle’, ‘Collection Two And Three’ brinda un sereno paisaje pastoral, poco después reiterado en las dos partes de ‘Leaving England’. En el ínterin, ‘The Bump Of Reverence’ establece un estilizado viaje por estilizaciones sinfónicas de tintes jazz-pop. ‘Letter From Henslow’ muestra matices más densos a la par que retiene la cálida vibración sónica propia de XII Alfonso en sus momentos más solemnes: esta pieza no hubiera estorbado en un disco de HANDS o HAPPY THE MAN. ‘HMS Beagle’, por su parte, nos devuelve a un espíritu frontalmente ligero, antes de que la secuencia de ‘Collection Four’, ‘Captain Fitz-Roy’ y ‘Straits Of Magellan’ elabore una ilación de atmósferas cinematográficas: la línea musical por d0onde transcurren estas tres piezas tiene como punto de partida la quietud introspectiva y como punto de llegada un esplendor sonoro magnífico y elegante. ‘Tierra Del Fuego’ se hace eco de la espiritualidad plasmada en la secuencia tripartita precedente para forjar una gentil sonoridad repleta de ambientaciones etéreas, las cuales están sabiamente alimentadas con cadencias fusionescas de inspiración soft-jazz. Tras este clímax de conmoción contemplativa, ‘Darwin’s Finches’ y ‘Homeward Bound’ sigue portando sus huellas con sendas muestras de refinada ingeniería sónica, donde la calidez cautivadora de los motivos y atmósferas es manejada con impecable pulcritud: el solo de saxo que cierra ‘Homeward Bound’ muestra que el nervio de John A. Helliwell (el héroe de SUPERTRAMP) sigue siendo intocable.       
 
‘Collection Five’ abre el segundo volumen con un arreglo de guitarra acústica para ‘Collection One’, dejando el camino presto para el gancho directo de ‘So Many Years’ y ‘Emma And Charles’, así como para el ejercicio de folk-prog preciosista de ‘Strange Fossil’ (al modo del OLDFIELD de la época “QE2”). ‘The Coral Of Life’ exhibe una dinámica armada sobre una cadencia llamativa de tinte fusionesco: el doble canto femenino se sitúa en el rol central del despliegue sonoro en curso. Con el toque de acordeón de ‘Collection Six’ se tiende un puente a la bonita balada acústica ‘Down House’: una mención especial debe ir para el hermoso solo de clarinete, cortesía del magistral Helliwell. ‘Island Of Devil's Riding School’ es un cálido ejercicio de World Music que termina dejando algunos ecos de su swing en las dos partes de ‘Annie’, las mismas que reiteran la base de balada acústica para terminar aterrizando en una ceremoniosa coda en clave de vals. Tras las hermosas proyecciones de saxo en la remodelación jazzística de ‘Collection Seven’, ‘Beloved Cirripedia’ se focaliza en proyecciones sinfónicas enriquecidas con sutiles matices fusionescos y factores de corte chamber-rock: sin duda, en él se hallan unos de los más prolijos arreglos instrumentales de este intensivamente extenso trabajo. ‘An Ordinary Day’ brinda otro momento de serenidad pop-progresiva antes de que ‘Salting The Needs’ ofrezca un interesante viaje jazz-rockero con domesticados matices psicodélicos: sus 6 minutos y pico d duración pasan casi volando. Congregando sonoridades pastorales de tenor optimista, ‘Lenny’ expresa un colorido bucólico al modo de una canción para niños mientras que ‘It’s Time To Write’ se proyecta hacia el área de la World Music. Este segundo volumen se cierra en cohesiva consonancia con el elemento World Music por vía de los aires del Extremo Oriente con que resurge ‘Collection Eight’ y el candor pop-progresivo de ‘Missing Links’.     

 

El tercer y último volumen se abre con el retorno del saxo de Helliwell para ‘Collection Nine’, preludio a las juguetonas armazones reggae-pop de ‘Bound Together’. El nivel de sofisticación musical aumenta notoriamente con el pasaje cuasi-RIO ‘Descent Without Modification’ y un nuevo ejercicio de jazz-fusión de tintes World Music titulado ‘On The Origin Of Species’: dado el título de esta pieza individual dentro del concepto integral de este triple disco, es lógica la actitud de prestarle atención, notando que sus atmósferas abundantemente exóticas y su aureola contemplativa constituyen la base de su intimista belleza estilizada. La solemnidad ritual de ‘Controverse In Oxford’ y la introspectiva con base de guitarra acústica de ‘Collection Ten’ marcan el tránsito hacia la fastuosidad intensa y elegante de ‘Slave Makers’ (a medio camino entre THE ENIDy WAKEMAN). ‘Last Human Common Ancestor’ es una estupenda giga céltica al más puro estilo Oldfieldiano, mientras que ‘Sombre Thoughts’ nos brinda un momento de calidez directa que nos puede sonar conectado al GENESIS de fines de los 70s y al CAMEL de la etapa 82-85. ‘Collection Eleven’ se arma con una etérea dupla de guitarra acústica y flauta para abrir la puerta al lirismo cándido de ‘Mysterious Illness’, pieza que permite vehiculizar aires suntuosos y dimensiones expresionistas en aras de enriquecer el predominante espíritu reflexivo; una mención especial debe ir al solo de sintetizador, curiosamente situado entre la sensibilidad textural de un PETE BARDENS y el barroquismo exquisito de un WAKEMAN. ‘Copley Medal’ regresa al ámbito de los climas pastorales mientras que ‘Vision Of The Indian Mound’ retoma la placidez sinfónica Cameliana con añadidos aires Floydianos (etapa de Gilmour). ‘Descent Of Man’ es un ejercicio de pop-prog que se condice bastante con el TAPP de “Eve” y el BJH de la etapa de “Eyes Of The Universe”. Tras la dupla de guitarra acústica y violín en ‘Colllection Twelve’ y la breve atmósfera tensa de ‘Struggle For Existence’ (los últimos instantes de la vida de Darwin, su infarto final), ‘Charles Darwin’s Burial’ clausura el volumen y el álbum con un ejercicio de pop-rock sofisticado donde los estilizados arreglos célticos son cruciales para darle un aura progresiva; así, se logra generar un clima de complicidad final con el personaje cuya vida y milagros nos han sido relatados por más de 3 horas. Él había dejado escritas en su testamento instrucciones para que  lo enterraran en el patio de la iglesia de St. Mary en Downe, pero por petición de sus colegas, el presidente de la Royal Society  of London for Improving Natural Knowledge organizó un funeral de Estado en la Abadía de Westminster, donde su cuerpo fue enterrado junto a los de otros científicos inmensamente renombrados como John Herschel e Isaac Newton.
 

Pulcro, ecléctico y mayormente focalizado en la transparencia melódica: así ha sido siempre el trabajo creativo de XII ALFONSO y así vuelve a mostrarse en este ambicioso disco conceptual sobre Charles Darwin. Este ensamble francés vuelve a crear una obra muy agradable y bastante valiosa dentro del área más amable del estándar del rock sinfónico: ¡bien por ellos y por todos los ávidos coleccionistas progresivos!

Muestras de “Charles Darwin”.-

Tierra Del Fuego: http://www.youtube.com/watch?v=ktWPUHbiOxA
Last Human Common Ancestor: http://www.youtube.com/watch?v=AWW3jG-2_H4
Vision Of The Indian Mound: http://www.youtube.com/watch?v=N8V0pAaJbJM

El primer día del nuevo KARCIUS

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Hoy es la ocasión de hablara del grupo franco-canadiense KARCIUS, el cual vuelve al ruedo fonográfico tras pasar por una notoria fase de transformación en su línea de trabajo. No solo cuenta con un nuevo bajista llamado Sylvain Auclair en su alineación, sino que éste aporta un rol vocal al esquema grupal, y por sobre todas las cosas, el grupo ha forjado un nuevo cimiento sonoro basado en un reciclamiento neo-psicodélico de prog-metal, heavy prog y jazz-rock con tonalidades contemporáneas que lo emparentan con el PORCUPINE TREE post-“In Absentia”, RIVERSIDE y el QUIDAM post-Emila. Será imposible repasar el repertorio del grupo sin mencionar a estos referentes más de una vez. Vamos a ver qué nuevo impulso significará este disco para la banda, pero los tiempos de “Episodes” y “Kaleidoscope” se han ido para siempre: el esquema sonoro del grupo ha mudado de piel, de las llamas del viejo KARCIUS ha emergido uno nuevo que mira muy poco para atrás y se proyecta hacia nuevos cielos musicales por donde volar. Los tres miembros constantes de la banda, Thomas Brodeur (batería y percusión), Simon L’Esperance (guitarras) y Mingan Sauriol (teclados) suenan bastante entusiastas bajo la protección de estos vientos de cambio.    

  
La pieza homónima abre el disco con una dimensionalidad ecléctica donde los lenguajes del jazz-rock y la psicodelia pesada contemporánea confluyen muy armónicamente; algunos interludios tirados hacia el estándar prog-metalero refuerzan la patente muscularidad de la banda. Luego sigue ‘Hypnotic’, tema más reposado que se concentra en recrear atmósferas jazz-fusionescas dentro de un esquema sónico muy amigable con el estándar del sinfonismo moderno. El rol del piano es crucial para enfocar el desarrollo temático  central, mientras que la dupla rítmica sostiene con pulcra solvencia las variantes de ambiente que tienen lugar (especialmente en la sección final). Con la dupla de ‘Rest My Head’ y ‘The Word’, el grupo afianza y completa la renovada dirección sonora de su propuesta musical: el primero de estos temas nos devuelve un poco a la magia magnética de ‘The First Day’ con un aumento de los aires de familia con el RIVERSIDE 2003-2005 y PHI, con miras a darle una ostentosa fastuosidad al asunto; por su parte, el segundo establece nexos con patrones del PORCUPINE TREE 2007-2011 años así como con el lado melódico del prog-metal, y de hecho, se puede decir que es la canción emblemática de las aspiraciones sónicas desarrolladas en los primeros 25 minutos del álbum. ‘Number Ten’, en fluida consonancia con la atmósfera conclusiva de ‘The Word’, es un misterioso solo de piano arropado bajo capas industriales de sintetizador, al modo de una ceremoniosa sucesión de reflexiones arrojadas en medio de la expansiva estructura cósmica de la realidad. A partir de aquí, ‘Why’ emerge como la aseveración más filuda hasta el momento de la renovación estilística de KARCIUS: empezando con un aura parsimoniosa al modo de una cruza entre PORTISHEAD y NO-MAN, la climática segunda mitad se deriva hacia una expresión de aguerridas aventuras progresivas inspiradas tanto en el PT de “Fear Of A Blank Planet” como en el estándar Wilsoniano de “Insurgentes”.

‘Brother’ asume en la mayor parte de su esquema unos aires jazz-progresivos que nos recuerdan en cierta medida al viejo KARCIUS de “Episodes” y “Kaleidoscope”, aunque es cierto que algunos matices del guitarreo y la permanente intensidad de la dupla rítmica hacen que esta canción se acomode totalmente a la línea de trabajo reflejada en el repertorio. De hecho, el clímax que ocupa buena parte del momentum final nos muestra a la banda regresando de lleno a los modelos de RIVERSIDE y PT. La secuencia de ‘Djoko’ y ‘Water’ cierra el álbum con la adición de  nuevos aspectos que se integran dentro del espíritu general del disco: ‘Djoko’ es un dinámico ritual de percusiones tribales que se proyecta celebratoriamente a través de una levemente marcada atmósfera industrial, mientras que ‘Water’ se focaliza en un espíritu de talante neo-progresivo (al modo de la faceta más etérea del QUIDAM actual), pertinentemente ornamentado con vuelos sonoros robustos afines a lo que hemos escuchado anteriormente de forma consistente (además de un abierto coqueteo con cadencias dub-reggae en algunos pasajes de su estructura rítmica).
  
Éste es el nuevo KARCIUS, “The First Day” es su testimonio vital;  puede resultar chocante para muchos de nosotros que conocimos y apreciamos sus anteriores trabajos el tener que empezar a familiarizarnos con esta nueva línea de trabajo, y de hecho, la primera o primeras dos escuchas de “The First Day” puede generar ideas y sensaciones confusas y/o decepcionadas. Pero, a fin de cuentas, una vez que uno se anime a darle nuevas oportunidades a este nuevo material podrá disfrutarse de él como lo que es, un recurso de frescura y nuevo vigor para la vigencia contemporánea de la escena progresiva.     

Muestras de “The First Day”.-

The First Day: http://www.myspace.com/karcius/music/songs/first-day-87812082
Water:  http://www.myspace.com/music/player?sid=88003471&ac=now  

STABAT AKISH y su colorida nebulosa avant-progresiva

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Ahora es el turno para hablar de un grupo francés formado en Toulouse en 2007: STABAT AKISH. Se trata de un vigoroso y ecléctico ensamble de línea avant-progresiva que ya cuenta con dos discos de estudio en su haber: el homónimo de 2009 y “Nebulos” de este año 2012. Su línea de trabajo se delinea bajo las influencias de ZAPPA, ENSEMBLE NIMBUS, SAMLA MAMMAS MANNA, etc., además de  introducir aspectos de la tradición fusionesca de los 70s y de las nuevas modalidades de jazz experimental para enriquecer aún más su paleta sónica. Una característica formal resaltante en el esquema sonoro de STABAT AKISH está en los roles importantes que ocupan los metales y las percusiones tonales: la ausencia de guitarra eléctrica dentro del formato del grupo no es óbice para que el sexteto genere una genuina energía en sus composiciones, aunque también es justo especificar que muchas veces esta energía es elaborada bajo regímenes de sutileza y constricción. La alineación del grupo es como sigue: Guillaume Amiel (marimbas, vibráfono y demás percusiones), Maxime Delporte (contrabajo), Ferdinand Doumerc (saxofones barítono, tenor, alto y soprano, y flauta), Stéphane Gratteau (batería),  Rémi Leclerc (pianos acústico y Fender Rhodes, clavinet, sintetizador Moog y órgano Hammond) y  Marc Maffiolo (saxofones bajo y tenor). Para “Nebulos”, STABAT AKISH contó con las colaboraciones ocasionales de Nicolas Gardel (trompeta), Olivier Sabatier (trombón),  Sarah Roussel (recitaciones) y Olivier Cussac (guitarra lap steel). Pasamos a reseñar el disco en cuestión, al cual adelantamos como uno de los discos más interesantes de la producción progresiva del presente año 2012.     
 

La pieza homónima abre el disco desplegando un escenario sónico de más de 4 minutos y medio de sólidos coloridos guitados por la dupla de saxos, dándose también un grandioso lucimiento de a dupla rítmica a la hora de elaborar un swing atrapante. Luego sigue ‘Un Peuplier Un Peu Plié’, pieza cuyo cuerpo central porta un aura consistentemente jazzeada que sirve de encuadre para el protagonismo de la percusión tonal; en algún momento emerge un interludio marcado por una atmósfera cómica que define decisivamente la coda con la que se retoma una versión resumida del cuerpo central. Con las cuatro partes del concepto ‘Sprouts’, el grupo se mete a explorar sus inquietudes de inspiración RIO (a medio camino entre ENSEMBLE NIMBUS y HAMSTER THEATRE), siendo así que lo primero que se hace notar es la ilación de los vericuetos del exaltado saxo alto, la cual dirige el camino hacia un crescendo grupal tremendamente abstracto. Con la secuencia que une la desatada extroversión neurótica de la primer continuación y la crepuscularmente apagada serenidad de la segunda continuación (más el soliloquio de Sarah Roussel), se prepara el terreno para la ceremoniosa vibración manifiesta en la tercera y última continuación. Ésta brilla bajo una aureola contemplativa y evocativa que tiene ciertas afinidades con el estándar de ARANIS, y también algo de la grisácea tensión que HENRY COW desarrolló en su último disco de estudio “Western Culture”. ‘Troïde’ es un ejercicio de confluencia entre el swing modernista del nu-jazz y el paradigma de WEATHE REPORT. El soliloquio de Roussel es un factor relevante para darle un aire de poesía beat, una celebración de la corriente de conciencia que va del francés al inglés y de allí al español, con alguna frase en italiano que también se filtra por ahí. ‘La Serrure’ es una miniatura donde se alternan parajes circenses y pasajes marcados por una misteriosa sutileza, mientras que ‘Soft Fate’ es un ejercicio de big band construido sobre una retorcida progresión armónica dueña de una extravagancia exultante que se trasluce a través de la cuidad exquisitez performativa de los músicos: a todas luces, ambas composiciones gozan de amplia inspiración Zappiana, la etapa 72-75  para la primera, la época del “Hot Rats” para la segunda. La dupla de ‘Boletus Edulis’ y ‘Dynamique Cassoulet’ enfatiza explícitamente el gusto que tiene la banda por jugar con quiebres y contrastes a la hora de armar los bizarros arreglos de las ideas musicales en curso. La coda pseudo-bluesera de ‘Dynamique Cassoulet’ tiene toda la facha de un chiste musical Zappiano. ‘Fast Fate’ es una remodelación veloz del cuerpo central de ‘Soft Fate’, esta vez coqueteando abiertamente con el filo más atrevido de la tradición be-bop. Finalmente, ‘Le Chifre’ opera como una cruza entre el swing llamativo de ‘Un Peuplier Un Peu Plié’ y el pulcro colorido de ‘Soft Fate’, pero sin mucho lugar para la densidad: esta pieza está principalmente diseñada para cerrar el álbum con una espiritualidad cálida, a pesar de los sombríos matices expectantes con los que se arma su pasaje introductorio.
 
“Nebulos” es un disco alucinante, un catálogo de aventuras experimentales creadas con sumo ingenio y ejecutadas con una electrizante combinación de soltura, inteligencia y nervio: STABAT AKISH ya puede presumir de pertenecer a las grandes ligas de la música progresiva vanguardista del nuevo milenio. … ¡Y que no sea el último!

Muestras de “Nebulos”.-
Dynamique Cassoulet: http://stabatakish.bandcamp.com/track/dynamique-cassoulet
La Serrure: http://stabatakish.bandcamp.com/track/la-serrure

"No": la afirmación directa de NICHELODEON

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Hoy se da la ocasión de hablar de “No”, disco en vivo que el ensamble avant-progresivo NICHELODEON distribuye en Internet como download gratuito por vía de la página web oficial de Claudio Milano (http://www.claudiomilano.it/). El rotundo título del disco puede referirse tanto al posicionamiento de la banda dentro de la contracultura posmoderna en la vanguardia musical como a las iniciales de las dos partes de su nombre, Nichel y Odeon: en este segundo sentido, el título del disco respondería a una declaración sobre la “pureza expresiva” de la banda. Aparte de Claudio Milano a la voz, están aquí Fabrizio Carriero (batería y percusión), Francesco Chiapperini (saxo y clarinete), Andrea Illuminati (piano, teclados y laptop), Luca Pissavini (bajo eléctrico) y Lorenzo Sempio (guitarra eléctrica, guitarra-sintetizador y efectos), creando un esquema instrumental que se mueve fluida y sólidamente a través de los diversos recovecos y atmósferas exigidas por cada composición particular dentro del típico calor del momento propio de una actuación en vivo. El concierto aquí registrado tuvo lugar en el local Bloom, en la ciudad de Mezzago, en diciembre de 2011. 

‘Fame’ abre el disco con músculo y gancho, dejando en claro cuán bien afiatado está el ensamble desde el punto de partida. Durando menos de cuatro minutos, el magnético desarrollo temático completa su discurso temático con solvencia y convicción, y de hecho, deja un claro indicio de la dinámica sónica que el ensamble concretiza solventemente sobre el escenario. Acto seguido emerge ‘Fiaba’, otra pieza destacada de “Il Gioco Del Silenzio” que en esta versión en vivo se beneficia de una vibrante rotundidad en cuanto a la exploración del sofisticado dramatismo inherente a la composición. La huella de AREA es clara en el ideario grupal así como el peso del paradigma del maestro Demetrio Stratos en el estilo vocal de Milano. ‘Malamore E La Luna’ es un clásico de la visión musical de Milano (desde el tiempo de su disco solista “La Stanza Suona Ció Che Non Vedo”), infaltable en un concierto de NICHELODEON: la versión en vivo aquí expuesta se focaliza en el núcleo de su parte cantada, prescindiendo de las expansiones concretas que habían generado momentos de electrizante oscuridad en el repertorio de “Il Gioco Del Silenzio”. Con todo, es justo indicar que el flujo instrumental aportado por el ensamble colorea ciertos espacios con efectividad. El momento de las frontales manifestaciones de las facetas electrizantes del avant-prog llega con ‘Apnea’, que nos revela todo el esplendor expresionista del ensamble. Por vía de su inspiración en una suerte de mezcla de ART BEARS y HENRY COW, ‘Apnea’ nos revela un ágil diseño de perturbadoras sonoridades donde luminosidades de torturada extroversión se dejan ver en medio de la imponente arquitectura de tensión. ‘Claustrofilia’ cierra el álbum con una densidad ceremoniosa donde la esencia de la agorafobia encuentra su expresión más intensa: siendo un tema ubicado en el medio del repertorio de “Il Gioco Del Silenzio”, aquí sirve como una conclusión de lo más eficaz. 

En conclusión, “No” encarna una  manifestación genuinamente reveladora de lo que significa NICHELODEON a pesar de su concisa duración de menos de media hora. También significa la afirmación de la esencia global de este ensamble en el sentido más completo de la palabra: aunque este disco en vivo no contiene material nuevo, sí permite a los conocedores echar una mirada renovada a su obra, redescubrirla desde su proyección hacia esquemas particularmente enérgicos.  

GA'AN: la nueva savia vanguardista estadounidense

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Hoy nos toca hablar de un grupo que hemos descubierto muy recientemente: GA’AN. Se trata de un ensamble estadounidense dedicado a cultivar una especie de remodelación “cibernética” del ideario Zeuhl desde la cual se desarrolla una modalidad dinámicamente modernista del estándar avant-progresivo. Formado a fines de la pasada década en el círculo underground de Chicago por la vocalista Lindsay Powell, el baterista Seth Sher, el sintetista Jeremiah Fisher y el bajista-sintetista Jason Sublette, el grupo logró editar rápidamente su homónimo trabajo debut en el anacrónico formato de casete, siendo así que al año siguiente se re-editó en una edición limitada de vinilo y en formato digital de download organizado por el sello independiente Captcha Records. De esta manera, el grupo logró hacerse del estatus de “grupo de culto” entre los amantes y coleccionistas de rock de vanguardia. Lo que encontramos en “Ga’an” es música Zeuhl de nueva generación que aporta una especie de frescura especial al paradigma de la tríada MAGMA-ZAO-ESKATON, una interesante alternativa a las revisiones que desde la ciudadela franco-europea se hace de parte de NEOM, SETNA y otras entidades: la tendencia minimalista electrónica se puede asociar al krautrock sintetizado y a la avanzada no-wave tecnificada en cuanto a los aspectos predominantes de la armazón sónica (parcialmente parecido al BIRDSONGS OF THE MESOZOIC de la primera etapa), pero indudablemente el núcleo creativo está inspirado en el avant-prog del Zeuhl y (en menor medida) el chamber-rock. Pasamos a reseñar el disco debut acto seguido.
 

‘Chasmaeon’ abre el disco empezando con un aura minimalista de tétrica solemnidad atravesada por vibraciones cósmicas, por un espacio de poco más de 2 minutos. Una vez que entra en acción la dupla rítmica comenzando con un lento 7/8, se asienta el motivo recurrente, el cual consiste en un mantra de claras referencias Magmianas (etapa “Mekanïk Destruktïw Kommandöh”) que se va resolviendo mágicamente con la estratégica inserción de recursos de intensificación rítmica. ‘Living Tribunal’ está más en línea con el paradigma Magmiano de “Köhntarkösz”, así como con la oscura agilidad de unos PRESENT, aunque sin la presencia de la guitarra en nombre de la dominación de los sintetizadores. El bloque instrumental maneja perfectamente las posibilidades creativas que brotan del contraste entre las sofisticadas cadencias elaboradas por la batería y el carácter flotante de las amalgamas de teclados, siendo así que el canto de Powell se articula en torno a aquéllas. En estos primeros 15 minutos ya tiene el oyente perfectamente claro de qué va GA’AN, y lo que sigue a continuación deberá confirmar y fortalecer nuestra comprensión de ellos: las dos partes de ‘I Of Infinite Forms’, pieza que tuvo que ser dividida para encajar dentro del formato de la doble cara del casete. Este concepto nos muestra la faceta más extrovertida del ensamble, en cercanía clara con la ideología de ESKATON y no tanto con la de MAGMA; de todas maneras, el rol crucial de los sintetizadores, especialmente lo referente a su mecanicista dimensionalidad, hace que la extroversión se acompañe con una razonable dosis de densidad. La culminación de la segunda parte finiquita las cosas con un acento épico bastante lírico, más cercano a los estándares de la línea de trabajo de TANGERINE DREAM de fines de los 70s que al estereotipo ostensiblemente oscurantista del Zeuhl. ‘Servant Eye’ parece hacerse eco de la exaltación sónica del concepto precedente, pero su patente arquitectura de sofisticada tensión le da aires de familia más urgentes con los climas desarrollados en las dos primeras piezas. Si ‘I Of Infinite Forms’ supuso un viraje hacia las secciones más brillantes de la llama avant-progresiva que el grupo alimenta con soltura e inquietud aventurera, ‘Servant Eye’ encarna una exultante síntesis de los matices predominantes en el repertorio precedente, amalgamando elementos propios de las tradiciones del chamber-rock y el krautrock sintetizado para completar la misión sónica en curso. El disco (o mejor dicho, el casete) termina con ‘Vultures Of The Horn’, pieza donde el grupo perpetúa la dinámica establecida en ‘Servant Eye’ pero con dosis aumentadas de gracilidad y una tensión un poco menos pronunciada: cumple así con redondear la lógica estética desarrollada en el repertorio íntegro.

GA’AN sufrió poco tiempo después de la edición de su casete homónimo una crisis en su alineación, más específicamente, la deserción del teclista y el bajista del cuarteto original: ante esto, el baterista Seth Sher y la vocalista Lindsay Powell reformaron el grupo como trío con el ingreso del teclista/bajista Tyson Torstensen, siendo así que la misma Powell también toca teclados dentro de este nuevo formato. Mientras el ahora alejado Jeremiah Fisher empezaba a concentrarse en una carrera solista de música electrónica que hasta ahora se mantiene en pie, GA’AN seguía al pie del cañón. Con un par de nuevas composiciones y una nueva versión de uno de los temas que formó parte del disco debut, el grupo logró editar en 2011 un estupendo segundo trabajo “Black Equus” (editado tanto en CD como en vinilo), el cual disfruta de una producción de sonido más robusta. Pasamos acto seguido a los detalles de este disco en cuestión.    
 

Durando casi 10 minutos, ‘Arms They Speak’ refleja un vigor cálido e intenso que se agita como una colorida fuerza de la naturaleza, la misma que se articula dentro de un encuadre sonoro donde la inteligencia de la arquitectura y la orgánica vibración del espíritu vanguardista se unen en una única fuente sónica. La ingeniería desarrollada por la dupla rítmica es impecable, haciendo que la tensa oscuridad del expansivo desarrollo temático adquiera cierta aura mística. ‘Servant Eye’, tema retomado del repertorio del disco debut, sigue a continuación para llevar el espíritu del disco hacia una dimensión un poco más siniestra. Esta nueva versión porta una garra mejor focalizada que la original, lo cual repercute en que al aura de inquietud inherente al esquema compositivo del tema sea manejado con ágil y mayestática soltura. De esta manera, la huella Magmiana que es tan patente en el ideario musical de la banda se enriquece con la inserción de ciertas afinidades con el estándar de UNIVERS ZERO y la dimensión épica del krautrock sintetizado. La suite ‘Call Of The Black Equus’ cierra el concepto del álbum de una manera magnífica. El asunto comienza con un aire de grisácea majestuosidad donde las capas y cadencias de los sintetizadores elaboran una densidad cósmica muy efectiva en cuanto a crear una espiritualidad expectante, a medio camino entre la invocación a alguna fuerza trascendente y la contemplación del orden del universo. Una vez que entra a tallar la batería, se empieza a preparar el camino para que el primer cuerpo central se instale a paso firme: la espiritualidad expectante permanece pero se va tornando más extrovertida. Poco antes de llegar a la barrera del séptimo minuto, emerge una secuencia de dos nuevos motivos sucesivos, diseñada para explorar nuevas atmósferas dentro del microcosmos de estilizada densidad vanguardista que se impone. El primero de estos motivos tiene dos minutos de duración, portando un esquema instrumental marcado por una sequedad fácil de notar aunque no abrumadora, y sobre todo, conservando íntegramente el talante distinguido; el segundo motivo surge con la intención de emitir un mayor grado de fuerza expresiva al asunto, siguiendo claramente los patrones del MAGMA del “Mekanïk Destruktïw Kommandöh” y del primer ESKATON, pero con esa dimensionalidad electrónico-psicodélica tan propia del trío. Cerca de la barrea del duodécimo minuto, surge un nuevo núcleo temático donde el grupo revive la exquisita brujería sónica que tan buenos réditos había dado anteriormente en ‘Arms They Speak’, incluso potencializando su musicalidad hasta llevarla a un gallardo clímax rebosante de contundente luminosidad.   
 
Resumiendo como conclusión, “Black Equus” es un disco que tiene todo el merecimiento para ser valorado como un referente importante para darle sentido a la preservación de la experimentación rockera radical en los Estados Unidos en lo que va del nuevo milenio. Yendo ahora a un balance general de los dos discos que tiene GA’AN en su currículum hasta ahora, refrendamos ante la comunidad de coleccionistas de rock progresivo que el nombre de este grupo ha de ser anotado y subrayado en cualquier ambiciosa agenda de compras de música vanguardista. Fuera del contexto de GA’AN, Powell mantiene un proyecto solista llamado FIELDED en el que explora la electrónica y experimentos vocales, Torstensen se desdobla en su propio proyecto solista NIGHT TERROR y como líder del grupo de space-rock MAGICAL BEAUTIFUL, y Sher se desempeña como miembro del grupo de thrash metal-progresivo  ZATH a la par que mantiene su propio proyecto solista PSYCHIC STEEL. Esperemos que la grandeza creciente de GA’AN como entidad artística concretice futuros nuevos discos en medio de todas estas ocupaciones en las que están involucrados sus integrantes… ¡porque realmente este grupo vale la pena!

Muestras de GA’AN.-

Living Tribunal: http://www.myspace.com/music/player?sid=77049035&ac=now
Servant Eye [versión de “Ga’an”]: http://www.youtube.com/watch?v=WkemyhgHnEo
Call Of The Black Equus: http://www.youtube.com/watch?v=v-EPpQ_Pvjg  

La vanguardia vertebrada de BREŽNEV FUN CLUB

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Hoy se da la ocasión de hablar de BREŽNEV FUN CLUB, un colectivo musical italiano dedicado a crear una especie muy dinámica y ecléctica de rock avant-progresivo. El origen de este ensamble se remonta a los años 80s, en la localidad de Montescaglioso, pero recién en 2010 llegó a registrar su disco debut “L’Onda Vertebrata: Lost + Found, Vol. 1”. El núcleo instrumental de Tommasso Di Vito Francesco (bajo, contrabajo, oboe), Michele Fracciolla (batería, percusiones, vibráfono, marimba), Pino Manfredo (piano, teclados) y Rocco Lomonaco (guitarras clásica, acústica y eléctrica) recibe un fuerte apoyo de parte de instrumentistas de cuerdas (Duilio Macci al violín y Angela Schiralli al violonchelo), maderas (Maria Mianulli a la flauta y Francesco Manfredi al clarinete) y metales (Michele Motola y Gianfranco Menzella a los saxos, y Francesco Panico a la trompeta), además de las apariciones ocasionales de la mezzosoprano Giulana di Mitrio y el vocalista-recitador Franco Sciscio. Pasamos a reseñar el álbum a continuación.

‘Ludiche Ecchimosi’ abre el álbum con su secuencia de cinco secciones [1. Ludiche Ecchimosi # 0 Prelude “Butter” - 2. Ludiche Ecchimosi # 1 - 3.Ludiche Ecchimosi # 2 - 4. Ludiche Ecchimosi # 3 - 5. Ludiche Ecchimosi # 4], empezando con un tenor expectante y ceremonioso bajo la guía del piano y la mezzosoprano, pasando luego a una segunda sección más explícitamente fastuosa, desplegando una plenitud sónica entre inquietante y celestial. Con la tercera sección, el asunto se torna un poco más ágil sin abandonar su colorida prestancia, la cual marca la breve cuarta sección antes de que la quinta y última regrese a la actitud ceremoniosa inicial, esta vez adornada como si arrastrara una inercia del sólido colorido exhibido en las secciones precedentes. ‘Il Foletto Di Cera’ elabora una vibración ensoñadora en torno al esquema sonoro que ya se siente firmemente instalado en el ideario de esta orquesta progresiva; las recitaciones realzan el dinámico lirismo en curso, el cual a veces nos puede hacer recordar a HAPPY THE MAN, ARTI + MESTIERI y BANCO DEL MUTUO SOCCORSO. Con ‘Inseguito Dai Creditori’, el grupo asume una actitud más extrovertida en líneas generales, incluso adoptando una sonoridad aguerrida en algunos momentos, pero en lo esencial, lo que hace el ensamble es explorar renovadores recursos de vivacidad y desarrollar definiciones melódicas dentro de sus pautas artísticas. ‘Tre Pezzi Brevi’ se enfila más decididamente hacia las áreas más estilizadas del chamber-rock, aunque alejándose totalmente de cualesquiera dimensiones oscuras y sórdidas en beneficio de un lirismo ensoñador que, por obra y gracia del genio creativo del ensamble, nunca se torna meloso, sino que se mantiene consistentemente afincado en lo evocativo y lo envolvente: hay bastantes confluencias con las coordenadas de LACRYMOSA (la banda japonesa) y el PICCHIO DAL POZZO de 1980. Para la tercera sección, la inclusión de una mezzosoprano sirve para que el bloque sonoro adquiera más músculo en el momento del cierre.        
 
La pieza homónima, una suite de 20 minutos, se explaya a lo largo de una ilación de 10 secciones [I. Ouvertura - II. … Tra Le Goce Vhe Verso l’Alto Guardano… - III. Tu… Onda Vertebrata - IV. … Di Un’Ombra - V. Intermezzo - VI. In Bilico - VII. Passaggio - VIII. … Addomestico Il Sogno - IX. …Non Credere Piu - X. Coda Con Fanfare].  ‘Ouvertura’ inicia la aventura con una vibración jazz-prog sólida portadora de un aura distinguida, deudora en parte del legado de WEATHER REPORT. Las dos siguientes secciones se enfilan hacia un sinfonismo marcado por cuidadas orquestaciones donde la sutileza es la norma absoluta, habida cuenta que se trata de secciones concentradas en reflejar atmósferas reflexivas y meditabundas: suenan un poco al BMS de “… Di Terra”, la verdad. Tras un minuto de inesperada intensidad rockera en ‘… Di Un’Ombra..’, ‘Intermezzo’ desarrolla una ambientación fusionesca bastante amable, patentemente lírica e inteligentemente adornada con algunos ornamentos bizarros que respetan milimétricamente la esencial actitud contemplativa de esta sección particular. La siguiente sección se centra en una ceremoniosa secuencia de acordes de órgano y recitaciones: el bloque sonoro, completado por las maderas, metales y percusiones tonales, añaden una cuidada dosis de densidad al asunto, aunque no hay nada sórdido ni neurótico en lo que se escucha, solo un aire de seriedad misteriosa. El pasaje de guitarra clásica con que abre ‘Passaggio’ es simplemente hermoso, un fabuloso ejercicio de sobria calidez que abre la puerta a un pasaje instrumental sereno al modo de un sueño mágico. La sección ‘… Addomestico Il Sogno’ porta una sonoridad confluyente con lo que hacen las bandas compatriotas PERIFERIA DEL MONDO y ACCORDO DEI CONTRARI, mientras que ‘…Non Credere Piu’ vira hacia una suerte de retoma de la parsimonia misteriosa de la sexta sección. De este modo se prepara el camino para que ‘Coda Con Fanfara’ cierre la sección recuperando temas de la tercera sección y añadiendo una melancólica fastuosidad al asunto: un estupendo cierre para una tremenda experiencia musical. Así termina el repertorio “oficial” del álbum, pero todavía quedan dos bonus tracks: la versión instrumental de ‘Il Folletto Di Cera’ y ‘La Follia Del Mimo Azoto’. Esta última cuenta con varios elementos sónicos de inspiración ZAPPA-con-WEATHER REPORT en su grácil reformulación cuasi-funky del lenguaje jazz-rockero en clave extravagante: demasiado corta para nuestro gusto, pero las cosas son así y son bastante disfrutables como están, al menos.  

“L’Onda Vertebrata: Lost + Found, Vol. 1” es un disco tremendamente bueno y rico en cualidades musicales, una obra magnífica que prácticamente obliga al coleccionista progresivo promedio a prestar atención a BREŽNEV FUN CLUB, un grupo que hemos descubierto un poco tardíamente como un referente muy valioso para la escena vanguardista italiana de nuestros días. ¡¡Recomendado!!

Muestra de “L’Onda Vertebrata: Lost + Found, Vol. 1”.-

Inseguito Dai Creditori: http://www.myspace.com/music/player?sid=77817958&ac=now

MACHINE MASS TRIO: música real para la intensidad del pensar

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Hoy es la ocasión de hablar de MACHINE MASS TRIO, proyecto de música avant-jazz-progresiva que se formó originalmente como un proyecto colateral de DOUBT, bajo la iniciativa del baterista/percusionista estadounidense Tony Bianco y del guitarrista belga Michel Delville (que también toca guitarra-sintetizador, bouzouki y teclado), completándose con la presencia del vientista Jordi Grognard (belga al igual que Delville), quien se desdobla al saxo tenor, clarinete bajo, flauta, bansuri y la tempura electrónica. “As Real as Thinking”, su disco publicado en 2011, es descrito en la página web de MoonJune Records como “una impresionante mezcla de retazos fieros, temas llamativos, ritmos telepáticos, soundscapes chamánicos y loops procesados”: nosotros no podríamos mejorar esta descripción general tan precisa, por lo que pasaremos a transcribir las impresiones motivadas por cada pieza particular del disco, el mismo que fue estructurado y grabado en tiempo real .   

‘Cuckoo’ da inicio al disco con un solemne aire de misterio que se emparenta equitativamente con el aura mágicamente grisácea del WEATHER REPORT 72-75 y con el SOFT MACHINE post-Wyatt, a la vez que transmite una sonoridad convincentemente contemporánea, emparentada con paradigmas del avant-jazz de los 90s en adelante. Las distinguidas líneas del saxo y los extravagantes vuelos de la guitarra se alternan el lugar protagónico con inteligente soltura mientras Bianco sustenta una base  rítmica fenomenal donde lo arquitectónico y lo orgánico se funden en una sola entidad. La dupla de ‘Knowledge’ y ‘Let Go’ que sigue a continuación nos permite seguir ahondando en el ideario musical del ensamble: ‘Knowledge’ es una composición de Bianco que se revierte hacia climas crepusculares donde la melancolía, lejos de arrojarse a la languidez, explora su propia inquietud y se aventura a explorar recursos de tensión oculta sin retorcer nunca una sola molécula del sutil equilibrio armado por los tres instrumentistas; ‘Let Go’, que es una composición de Bianco, nos lleva hacia una orilla muy distinta, una de pura extroversión revestida de  juguetona neurosis y danzarina densidad, y ello se nota especialmente en el modo en que Grognard explora las dimensiones más alocadas de su saxo. ‘Kharujao’ es una exploración bizarra por tierras y atmósferas exóticas en una estilizada mezcla de psicodelia semi-krautrock y fusión libre. La estrategia caótica que utiliza el trío para esta ocasión es oportuna para transmitir la idea de viaje hasta sus últimas consecuencias, poniendo énfasis en el aspecto del impacto mental que involucra adentrarse en lugares diferentes y apropiarse de ellos por unos momentos. Así las cosas, el terreno está preparado para ‘Hero’, tema que dura 10 minutos y pico: su esquema de trabajo es bastante parecido al de ‘Cuckoo’ pero alimentado por una extroversión más pronunciada en base a un groove de inspiración nu-jazz, además de contar con trucos progresivos en las intervenciones más fieras de la guitarra.        

‘UFO-RA’ entra de lleno en el territorio de WEATHER REPORT de las épocas de “Sweetnighter”: el uso de sonidos de órgano de parte de la guitarra-sintetizador de Delville ayuda bastante a enfatizar el aire nostálgicamente retro de una composición que, por lo demás, es patentemente optimista y grácil. La pieza más extensa del álbum es ‘Falling Up’, la cual se extiende hasta 18 minutos, y se trata de una exploración muy osada que encapsula delirios free-jazzeros, extravagancias de corte R.I.O. y recursos de academia postmoderna. Para este alucinado viaje por diversos universos paralelos en tiempos retorcidos y espacios desestructurados, Grognard da un paso al costado y deja que el dúo de Delville y Bianco construya y deconstruya sus inquietudes sónicas en una comunión continuamente desafiante. Las afinidades con SCORCH TRIO, COMBAT ASTRONOMY y ZS son fáciles de advertir cuando se racionaliza este evento de ingenierías aleatorias. El disco termina con ‘Palitana Mood’, un regreso a la fusión psicodélica india de ‘Kharujao’, un recurso de vibración reflexiva trascendental después del largo paseo por los fragores perturbadores del caos.    

Todo esto fue “As Real As Thinking”, una demostración de cómo siguen existiendo infinitas potencialidades para renovar y revitalizar el lenguaje del jazz-rock vanguardista: no cabe duda que MACHINE MASS TRIO es un proyecto donde la exquisitez y el sentido de aventura se encarnan a plenitud. Como anécdota especial, cabe añadir que la esposa de Tony Bianco estaba en la fase final de su lucha contra una enfermedad terminal mientras se grababa este disco, por lo que él dedica su performance a su memoria. Tal vez esto explique esa dimensionalidad tan furiosamente aventurera que Bianco aporta a la ingeniería rítmica de MACHINE MASS TRIO, pero más allá de este factor individual, el hecho es que este ensamble es valioso como eso mismo, un ensamble.        

Muestras de “As Real As Thinking”.-

Cuckoo: http://www.myspace.com/music/player?sid=76166966&ac=now
Let go:  http://www.myspace.com/music/player?sid=76167005&ac=now