DUENDE DEL HUECO - duende ecléctico del heavy peruano

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Hoy hacernos un alto en nuestras exploraciones progresivas para detenernos un poco en la escena heavy que se viene desarrollando actualmente en el Perú, una escena rockera cuya área underground afortunadamente es un incesante caldo de cultivo para iniciativas musicales de primer nivel y arrolladora polenta. El grupo que sacamos a colación ahora se denomina DUENDE DEL HUECO, un cuarteto formado en junio de 2005 y que, liderado por el guitarrista/vocalista Manuel Umbert, está completado actualmente por el guitarrista Julio Ramírez, el bajista Santiago Sime y el baterista Rafael Sánchez. El sonido de la banda cohesiona una amalgama de heavy metal, rock pesado clásico, stoner y grunge: herencias de las facetas más robustas del rock de los 70s, 80s y 90s que DUENCE DEL HUECO revitaliza a su modo para el nuevo milenio. Titulado al igual que el grupo, su disco debut fue lanzado al mercado en julio de 2010 de forma independiente.

‘Mary Jane’ abre el disco a puro músculo, con juegos contundentes de riffs y un compás trepidante perfectamente llevado; esta línea de trabajo se perpetúa en ‘Crimen Himen’ aumentando la dosis de gancho llamativo en medio del fragor rockero. En medio de estos dos termas se sitúa ‘Asesino’ se retrotrae hacia ambientes más contenidos, explorando la faceta más otoñal de la pesadez rockera a medio camino entre la melancolía grunge y la balada metalera. La cuarta pieza es el instrumental que se titula igual que el grupo y el disco: una secuencia de casi 5 ¼ minutos donde el desarrollo sónico se inicia con un tenor expectante, prosigue con una estilizada extroversión metalera muy a lo IRON MAIDEN pre-“Piece Of Mind”, y finalmente capitaliza dicha extroversión hasta una fiera explosividad un tanto afín al estándar de unos HELLOWEEN. ‘Tu Silencio’ matiza notoriamente la ambientación predominante con climas reflexivos, con solo voz y guitarra acústica; este mismo espíritu de introspección agria y ansiosa se sigue proyectando en el esquema eléctrico de ‘Ladridos’ (más cercano al grunge de unos STONE TEMPLE PILOTS que al metal o al stoner), mientras que ‘El Final’ permite al grupo volver a abrirse hacia ambientes más extrovertidos. Con un título tan combativo como ‘Morir De Pie’, el grupo despliega una recuperación frontal de la polenta bien afilada que DUENDE DEL HUECO había articulado tan puntualmente en los momentos más contundentes de los 20 primeros minutos del disco, incluso añadiendo ciertos matices que yo ciento como "Sabbathianos": hay ciertos aires prog-metaleros en el espacio que va entre el interludio y la coda. Los últimos 7 minutos del disco están ocupados por ‘Invasión Lunar’, tema que explora con mayor espacio disponible el sendero heavy complejizado ya abierto por la canción anterior. Esta dupla de ‘Invasión Lunar’ y ‘Morir De Pie’ conforma un muy oportuno clímax para un disco que apunta a asentar una referencia crucial dentro de la movida rockera peruana de nuestros días: Lima arde en llamas encendidas por DUENDE DEL HUECO.


Muestras de DUENDE DEL HUECO.-
Asesino: http://www.youtube.com/watch?v=lR2Kn4bOMw8
Crimen Himen: http://www.youtube.com/watch?v=r_-0xoGTgeY
Duende Del Hueco: http://www.youtube.com/watch?v=145zeq5A0vU
Invasión Lunar: http://www.youtube.com/watch?v=g3ms7fYxTX8

YUGEN - el resplandor permanente de la vanguardia progresiva italiana

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El ensamble RIO italiano YUGEN, liderado por el guitarrista Francesco Zago, llega a nosotros en la última temporada del año 2010 para ofrecernos su ambicioso tercer trabajo fonográfico: “Iridule”. Ambicioso no solo porque este disco funciona como una cumbre dentro de las exploraciones en el chamber-rock que Francesco Zago ha venido asumiendo como manifiesto de prestancia y exquisitez para la escena vanguardista italiana, sino también porque en medio de la copiosa pléyade de músicos que lo acompañan en esta aventura se encuentran al maestro Dave Kerman de 5UU’s, varios componentes de THINKING PLAGUE, un veterano del jazz contemporáneo como Peter Schmid, un bajista histórico de UNIVERS ZERO y asiduo colaborador de varios proyectos de vertiente RIO… e incluso al teclista/líder de AREKNAMÉS (banda dedicada al progresivo retro) colaborando con el arcaico pero siempre cautivante clavicordio. Después del excelente disco debut “Labirinto d’Acqua” y un tributo a Tommaso Leddi (ex-STORMY SIX y también participante en este disco), YUGEN luce en “Iridule” su visión progresiva bordada desde los confines más osados del género con un resplandor que se nota inagotable e incombustible: la música encapsulada en este álbum porta diversas aristas desafiantes, cinceladas con una amplia gama de atmósferas y niveles de energía sonora.

‘On the brink’ abre el disco con una breve pero demoledora demostración de terror monolítico, cuya base minimalista arma una escalinata de tensión que lleva hacia el arribo de ‘The scuttle of the past out of the cupboards’, tema que combina misterios saltarines, ambientes abstractos y pasajes tétricos con una soltura tremendamente bien lograda. Parece mentira cómo una diversidad tan desafiante puede ser reciclada y reelaborada a través de un sentido de unidad que frontalmente desafía los cánones más habituales de la musicalidad. Desde este mismo momento tenemos la sórdida sospecha de que YUGEN ha generado su propia madurez adentrándose por senderos de inaudita oscuridad musical. Veamos si se confirman estas sospechas al seguir avanzando en “Iridule”. Justamente la pieza homónima es la que sigue a continuación: como un ensueño lírico, ‘Iridule’ destila un espíritu contemplativo arropado por capas envolventes de sintetizador, maderas y guitarra con efectos cósmicos, mientras Elaine Di Falco conjura cálidos pensamientos de ensimismamiento. Abrupta y dramáticamente ingresa ‘Overmurmur’ al ruedo, aportando poderosos matices zappianos y crimsonianos a un esquema sónico que bien pronto reconocemos como inspirado en la herencia RIO de PRESENT y UNIVERS ZERO: la inclusión de un par de interludios minimalistas serenos establece un correlato con el espíritu de la pieza precedente. ‘Scribbled’ en un breve retazo abstracto basado en piano, voz y guitarra acústica que sirve como preludio a ‘Becchime’, pieza que arrastra un frenesí extravagantemente multicolor muy semejante al del tema no. 2 y lo lleva hacia niveles más altos de complejidad y enredo: desde los confines más insospechados de lo surrealista y la vertientes más lúdica de lo dadaísta, ‘Becchime’ resulta un definitivo punto álgido dentro del disco. ‘Ice’ nos transmite momentáneos aires bucólicos con su doble dupla de cantos femeninos y guitarras acústicas, un pasaje transitorio de tranquilidad emocional que se agradece antes de que las fuerzas del dadaísmo vuelvan a imponer su lógica de travesura y tensión con ‘Ganascia’, dignísima hermana menor de ‘Becchime’, con una acentuación en lo lúdico y un aminoramiento de la densidad. Con ‘Thaw’ tenemos nuevamente un interludio reposado, esta vez enmarcado bajo las pautas de la musique concrete de tendencia minimalista; su aires a lo HENRY COW/THINKING PLAGUE son fáciles de notar, y además se perpetúan de manera robusta en ‘Serial(ist) killer’, pieza que sabe ser opresiva sin tener ni siquiera una milimétrica pizca de sordidez o estridencia: solo se basta con arreglar sus múltiples series de disonancias con una vigorosa deconstrucción orquestal. ‘Cloudscape’ cierra el disco al modo de una forma un tanto insospechada, más específicamente, explorando una faceta lírica entre lo ceremonioso y lo onírico (curiosamente coincidente, al menos hasta cierto nivel, con las sonoridades predominantes en los discos de la banda francesa SYRINX). En una primera escucha, puede parecer anti-climático que esta pieza (fabulosa por derecho propio) concluya el repertorio de este disco, pero tras algunas escuchas más atentas se puede interpretar su posición como un mensaje de conclusión para todo el derroche de tensión y travesura precedente y preparación para recibir una suerte de descanso espiritual.

“Iridule” me parece el mejor disco progresivo emergido desde Italia para la escena mundial en este año 2010. Me parece inapelable la noción de que YUGEN es ya un clásico contemporáneo de la experimentación en el arte del ruido: este grupo merece recibir el diploma y la medalla de maestro tal como ya lo hacen desde hace años grupos como UNIVERS ZERO, HENRY COW, ART BEARS, ESKATON, ART ZOYD y PRESENT, incluso sus compatriotas de RUNAWAY TOTEM. La vanguardia musical italiana vive un resplandor permanente, y una buena dosis de ese fulgor irrefutable proviene de las mentes que articulan esta realidad llamada YUGEN. ¡¡Obra maestra!!

JARDÍN DE LA CROIX - una remembranza progresiva de 2008

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Esta reseña llega un poco tarde, con dos años y pico de demora, para ser más precisos. JARDÍN DE LA CROIX es uno de los secretos más rockeramente excitantes dentro del feudo madrileño de la movida progresiva española. Surgido en el distrito de Moratalaz allá por 2006, JARDÍN DE LA CROIX constituye una referencia interesante e importante para la vertiente progresiva de math-rock que se desarrolla fuera de las escenas musicales angloparlantes: en efecto, el material de su disco debut “Pomeroy” revela inagotables secuencias de ambientes sofisticados, esquemas rítmicos complejos y vibraciones contundentes dentro de un lenguaje rockero artístico. La banda se muestra patentemente interesada en desarrollar una sonoridad potente, rebosante de electrizante muscularidad, pero cabe añadir además que la realización de esta misión musical está marcada por el refinamiento; la interacción entre los cuatro músicos (Ander y Pablo a las guitarras, Isra a la batería y Hugo al bajo) es pulcra y perfectamente calculada, revelando así que el grupo sabe interactuar con precisión milimétrica en medio del fragor apasionado vertido en los riffs y desarrollos rítmicos en curso.

Los primeros casi 9 minutos del disco están ocupados por ‘Polyhedron’. Abriendo con un breve prólogo cósmico, la pieza instala pronto un primer cuerpo central en clave crimsoniano-doncaballeriana, afín en parte a sus compatriotas de PSICOTROPIA, pero más coincidente con las líneas de trabajo exploradas por grupos chilenos como EXSIMIO y FLOTANTE, o los franceses de 4/3 DE TRIO. Las cosas se intensifican un poco más desde poco antes del tercer minuto y medio, pero teniendo en cuenta el carácter resolutamente inquieto de la banda, no es de extrañar que la pieza vire, tarde o temprano, hacia atmósferas un poco más calmadas, las mismas que desarrollan un aura contemplativa antes del sorpresivo reprise del primer motivo que marca el fin de la pieza. Tras esta impactante entrada sigue ‘Jesse Harding’, tema que predominantemente explora la faceta más cadenciosa de la banda, aunque también encontramos algún exaltado pasaje climático en el medio. Es allí donde la pieza gira hacia un motivo en clave de bossa nova, el mismo que opera como un puente hacia una sección final repleta de polenta rockera. ‘Suomi’ tiene muchos aires a cruza entre DON CABALLERO y PRIMUS; la pauta rítmica es frenética y exigente, todo un desafío abierto para la dupla rítmica. A eso de los 3’40”, el asunto se transforma en clave death metal técnico, muy en onda con BEHOLD THE ARCHTOPUS y CANVAS SOLARIS; la inclusión de rasgueos de guitarras acústicas resulta un simpático detalle a la hora de darle un matiz inusual a las atmósferas pulsátiles de la coda mientras se va preparando el fade-out. Esta pieza supone, a mis oídos, un punto culminante del disco. ‘Boston Steamer’ es el tema más extenso del disco: dura poco menos de 9 ½ minutos. La primera ambientación que se desarrolla es una de mesura y contención, cósmica y minimalista en sintonía con el post-rock en su lado más intenso. Una segunda ambientación se perfila más tarde hacia cadencias más explícitamente intensas, al modo de un math-rock crimsonizado: al igual que en el caso anterior, el ensamble se solaza en explorar la idea consistentemente a fin afianzar su impacto en el desarrollo musical de la pieza como un todo, haciendo que la arquitectura misma sea la protagonista de esta experiencia estética particular. Nervio y precisión son cualidades que se resaltan tremendamente bien en los viajes instrumentales que recurrentemente acomete el grupo. ‘Antioquía’ es otro tema con preludio cósmico, esta vez un poco más largo que en el tema de apertura ‘Polyhedron’. Una vez instalado el cuerpo central, la banda desarrolla su propia revisión progresiva de sonoridades típicas de la psicodelia heavy, el estereotipo del math-rock y del prog metal. Con la explosividad tan contundente que el cuarteto invierte en tamaño viaje sónico, el diagnóstico solo puede ser este: otro punto culminante del disco. Los últimos cuatro minutos del disco están ocupados por el ágil tema ‘Synaesthesia’, el cual destila vivacidad grácil y buena onda: rock progresivo cañero y travieso con una coda fabulosa.

Ya va siendo hora de ir apreciando a este grupo, más aún cuando anuncia la pronta producción del que será su segundo trabajo fonográfico. Mientras tanto, tenemos en este disco de hace dos años una muestra valiosa e inapelable del talento y la energía que JARDÍN DE LA CROIX puede aportar y efectivamente aporta a la escena progresiva española.

Enlaces para disfrutar de la música de JARDÍN DE LA CROIX.-
Polyhedron: http://www.youtube.com/watch?v=V0oI1q44zXY
Antioquía: http://www.youtube.com/watch?v=qwzKaAUbZDs
Boston Steamer: http://www.youtube.com/watch?v=eqA22s5UN0I

LUZPARÍS, desde la tierra del post-rock

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Tenemos más noticias sobre el desarrollo actual de la vertiente post-rock en Argentina, y esta vez es el turno de mencionar a LUZPARÍS, banda formada en mar de Plata a inicios del milenio. En 2006, LUZPARÍS editó su disco debut “Dormir Con El Ruido De La Lluvia” por vía del sello Sadness Discos, y ahora en 2010, con el apoyo adicional de viajero Inmóvil en labores de distribución, lanzó “Tierra De Conejos”, brillante disco que pasamos a reseñar a continuación. En comparación con sus compatriotas de AUTUMN MOONLIGHT, quienes reciclan el esquema del post-rock a través de una armazón patentemente estilizada y fastuosa para su propia oferta, LUZPARÍS suena más denso y grisáceo, más cercano a la crudeza etérea de unos MOGWAI o unos RED SPAROWES, incluso haciendo guiños a ciertos recursos del krautrock y de la faceta vanguardista de RADIOHEAD. Hay mucha exquisitez en los vuelos instrumentales de LUZPARÍS, sin duda, pero esta se arropa bajo revestimientos de ácida muscularidad.

El tema homónimo abre el disco estableciendo una decisiva confluencia entre el estereotipo de RED SPAROWES y la dinámica grisáceamente contemplativa del RADIOHEAD de “Amnesiac”. La coda vira hacia un despliegue de fuego rockero tan efímero como incandescente, lo cual funciona para abrirnos la puerta hacia el ensimismamiento denso de ‘Río Negro’, pieza donde el violín se utiliza para completar mágicamente las texturas aludidas desde los rasgueos de las guitarras. Los pasajes más fuertes nos recuerdan fácilmente a EXPLOSIONS IN THE SKY y, una vez más, RED SPAROWES. Bajo el sugerente título de ‘Mil Zombis Contra Mil Robots’, el tercer tema realza y refuerza el esquema de post-rock denso que el grupo ha venido trabajando desde el primer instante: hay una cierta cadencia cósmica al sonido general que le proporciona a este tema un cariz envolvente peculiar, incluso en aquellos contados momentos en que las guitarras se vuelven un poco más pesadas. ‘Evitando La Caída’ nos invita a centrarnos en atmósferas meditativas con su arquitectura sonora envolvente; en su sección final, el grupo sube los decibeles para guiar la meditación hacia parajes de pasión en medio del ensimismamiento, tal vez una apelación a las más recónditas fuentes de la energía interior para evitar la caída – algo muy a lo MOGWAI. La siguiente pieza, ‘La Calma (Que Antecede Al Huracán)’ reincide en climas sutiles y serenos donde las guitarras se complacen en dejar que sus sencillas secuencias de acordes aleteen en el aire cuales luciérnagas lisérgicas que parpadean en un bosque irreal en un amanecer melancólico que poco a poco deja emerger la luz del día. El huracán anunciado se engarza seguidamente sin conceder tregua: ‘El Huracán’ exhibe una vibración extrovertida bastante llamativa, portando una luminosidad bastante alegre sin hacerse ostentosa. El ruido de voces que coordinan el lanzamiento de una nave aérea se condice bastante con el aura space-rock que el grupo arregla para el esquema sonoro de esta pieza, un aura que se realza eficazmente en su lírica coda. La faceta introspectiva, dominante en la propuesta de LUZPARÍS, reaparece majestuosamente en ‘Televisión’, pieza que vuelve a remitirnos al referente de MOGWAI. Para el último minuto, el tema explora la tensión reinante hasta explicitarla con un inapelable vigor incendiario. Los 8 minutos y medio finales del álbum están ocupados por ‘Miami 275’, pieza que revela la faceta más extrovertida de la banda. Su primer motivo es ágil y casi robótico, casi como una cruza entre NEU! y RADIOHEAD. Poco antes de los 3 minutos, el tema gira hacia una exploración de atmósferas relajadas centradas en un espíritu contemplativo, siendo así que dicha exploración oscila entre momentos donde se impulsa hacia una suerte de crescendo y otros en los cuales prefiere mantenerse en una vibrante languidez. Esta última opción es la que prevalece en los parajes finales, alimentada con efectos de sonido espaciales, un truco que permite cerrar el círculo musical que se había estado dibujando a lo largo del repertorio integral.

Energía sonora e ingenio compositivo son dos cosas que LUZPARÍS elabora con patente solvencia en éste, su segundo disco, y son argumentos de peso para considerar a este grupo como un punto de referencia relevante para la vanguardia rockera que se va desarrollando en Argentina en estos tiempos: “Tierra De Conejos” es un disco cautivador y dinámico bajo sus propios términos. Nos despedimos con un par de muestras de la visión músical de LUZPARÍS.-
Río Negro: http://www.myspace.com/music/luzparis-11539774/songs/r-o-negro-66412335
Mil Zombies Contra Mil Robots: http://www.myspace.com/music/luzparis-11539774/songs/mil-zombies-contra-mil-robots-49444989

FALSOS CONEJOS, auténticas aventuras musicales

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Hoy traemos a colación al grupo argentino FALSOS CONEJOS, dedicado a cultivar una línea de trabajo rockera desde la experimentación progresiva psicodélica en base a su potencia inherente como power-trío. Fundado en 2006, FALSOS CONEJOS es el resultado de la asociación del guitarrista Juan K, el baterista Leandro y el bajista Matías, los tres discípulos del compositor guaraní Zofal Onejo… ¡y todos ellos se apellidan Conejo! – bueno, esta biografía “oficial” contiene abundantes cuotas de humor dadaísta. A un año de cumplirse su fundación, FALSOS CONEJOS editó un EP titulado “AntiTango”, y a partir de ahí, fue intensificando sus actividades en los escenarios underground de Buenos Aires, los cuales eran muy dados a incluir elementos multimedia. Siempre proyectándose hacia nuevos horizontes musicales, el trío acaba de editar su primer CD de larga duración “YYY” a través del sello Viajero Inmóvil: se ha tratado de una larga labor de gestación, pues todo el proceso de pre-producción, grabación, mezcla y masterización del repertorio tuvo lugar en la segunda mitad de 2009. Los vuelos instrumentales de la banda se caracterizan por su grácil elasticidad a la hora de realizar variantes en ambientes, compases y dinamismos: la propuesta de FALSOS CONEJOS no presta real atención a lo melódico sino a los desarrollos armónicos, los juegos de contrastes y los matices resultantes de la directa interacción entre guitarra, bajo y batería.

‘Estrobos’ inicia el disco con un controlado ejercicio de psicodelia machacante que se alterna naturalmente con otros pasajes más livianos y sutiles. Esta pieza se engarza seguidamente con ‘Villazon’, un tema ágil y llamativo cuyo primer motivo se instala en un compás funky-rockero, antes de transitar hacia un interludio cósmico casi floydiano; dicho interludio sirve para construir las bases del motivo final, un pequeño jam cálido y efectivo para redondear la idea. ‘La Cubatera’ desarrolla un esquema sonoro fluido y contundente que muy bien podría servir como ejemplo consumado del estilo específico del grupo: texturas potentes, manejo controlado de la polenta rockera en curso y perfecta ilación entre las variantes que van teniendo lugar. Da la impresión de que hay una fuerza incandescente actuando en el sonido pero que nunca se desborda a fin de que el oyente no pierda el enfoque en torno a las atmósferas que se van creando a medida que la pieza avanza. ‘Sobrevuelo’ suena a post-rock rápido, casi como un tema perdido de EXPLOSIONS IN THE SKY replanteado por un combo de músicos de DON CABALLERO y SONIC YOUTH: la ambientación flotante de esta pieza opera como una buena contraparte frente al dinamismo colorido de la anterior. Para el último minuto, el tema vira hacia reposados climas minimalistas, lo cual instala una antesala hacia el prólogo expectante de ‘El Panq’, tema cuyo cuerpo central se sumerge en vibraciones extrovertidas repletas de muscularidad, y como siempre, mostrando la prolijidad de parte de FALSOS CONEJOS en el manejo de las variantes y contrastes que van surgiendo en el camino. El momento del solo de bajo es el centro de un pasaje sobrio que antecede a la dinámica explosión rockera que conforma la breve coda. ‘El K-Co’ también está lleno de vibraciones extrovertidas sabiamente manejadas a través de los contrastes con otros momentos más lánguidos y misteriosos: el gozar de un espacio de 8 ½ minutos para concretizar las ideas permite a la banda capitalizar la dimensión más épica de su sonido con un fragor contundente. Noto ciertos matices crimsonianos de la etapa “Starless & Bible Black”-“Red” en el arrollador crescendo que cierra la pieza. Otro momento álgido del álbum, sin duda, e incluso deja huella porque ‘Atake DC’, la pieza siguiente, arma su propio núcleo sónico en torno a la preservación de la fuerza electrizante que había tenido lugar en ‘El K-Co’, llevándolo a arenas vecinas al propotipo stoner.

 

 ‘Sierra Maestra’ se concentra en la faceta más grisácea del grupo, dando prioridad a los ambientes otoñales en medio de las irrupciones de pasajes poderosos que también tienen lugar. El extenso interludio cósmico porta un aura inquietante muy afín a los pasajes más abstractos del primer GURU GURU. ‘MTPTS’ ocupa los últimos 10 minutos y pico del álbum. con un comienzo expectante semejante al de ‘El Panq’, el tema instala un motivo marcado por las pautas evocativas del post-rock nutridas por intensos colores psicodélicos que ya se definen como recurrentes y necesarios en el cosmos musical de FALSOS CONEJOS. Poco antes de llegar al sexto minuto y cuarto, el ensamble deja de tocar y asistimos a una ambientación de ruidos urbanos (tráfico, un avión surcando el cielo) captados desde el interior de una vieja casa: éste es el preámbulo para una última intromisión del trío, un áspero jam space-rock en clave semi-bluesera captado a través de perspectivas traslúcidas, lo cual le da un aire irreal a la experiencia auditiva. Un final inesperado y a la vez efectivo.

“YYY” es un ítem revelador de las cosas que se vienen cocinando en la vanguardia progresiva presente en el underground argentino: sonidos musculares organizados bajo una lógica de la experimentación y la robustez, esto es lo que nos ofrece FALSOS CONEJOS hecho con su ágil mezcla de fineza y nervio.


Aquí van unos tubitos con material del grupo, con su permanente estética de motivos conejeros.- Estrobos: http://www.youtube.com/watch?v=xd7U1G8EwGE
El K-co: http://www.youtube.com/watch?v=Fnn7Zclc97g
Atake DC: http://www.youtube.com/watch?v=t-HxjEpUxdo

LENIN - a la caza de la buena música

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Hoy nos toca prestar nuestra atención al grupo argentino LENIN, ensamble original de la localidad de Quilmes cuya apertura musical progresiva ecléctica conjuga psicodelia heavy, space-rock, stoner, math-rock y post-rock. A la luz de los excelentes resultados forjados en e l repertorio de este disco debut “Río Hecho Cacería”, editado y distribuido por Viajero Inmóvil, se advierte claramente que la propuesta musical de LENIN goza de una sonoridad compacta y enérgica, amén de una musicalidad ingeniosa: su propósito artístico llegó a muy buen puerto. Una peculiaridad llamativa es que cada uno de los cinco temas de “Río Hecho Cacería” se titula como el preciso segundo en que comienza dentro de la misma secuencia del disco.

‘00.00’ abre el disco al modo de un tour por diversos matices y atmósferas. Comienza con un preludio cósmico que anticipa el despliegue de vigor psicodélico que va a ocurrir pronto durante la instalación del primer motivo principal: la fortaleza del bajo imprime un sello determinante para el desarrollo de este pasaje. Después siguen un breve bosquejo de guitarra acústica, unos golpes espartanos de bajo y un nuevo jam psicodélico que porta menos fuego que el anterior pero que se beneficia de una cadencia rítmica un poco más sofisticada. A continuación sigue una secuencia percusiva que comienza como una transformación con efectos de estudio y termina como un solo de batería, para así anunciar un jam mucho más frenético, el cual culmina con una secuencia envolvente de efectos de grabación. ‘11:26’ plantea desde el comienzo una excursión por terrenos sonoros incandescentes y explosivos, en cierto sentido afines a sus compatriotas de POSEIDÓTICA y FALSOS CONEJOS. Las secciones finales de la pieza giran una dimensión un poco más lírica, para lo cual resulta útil la inclusión de una cita de una pieza de Piazzolla (su archifamoso “Libertango”). Para cuando llega el momento de ‘18:48’, el grupo está preparado para aumentar su ya elevada dosis de extroversión rockera: forjando una estupenda mezcla de crimsonismo, math-rock y stoner, Lenin genera un tremendo clímax en el ecuador del disco que evoca fabulosas imágenes de estruendosas explosiones en un cosmos encendido de calor. El tránsito a ambientes sutiles para la coda hace que la pieza concluya con un aura de reposo, aunque de por sí la vibración psicodélica permanece bastante afilada, especialmente en lo que concierne a las intervenciones superpuestas de la guitarra. 

‘26:60’ tiene una polenta similar sin llegar a igualar del todo la magnífica contundencia expresada en ‘18:48’, pero igualmente reveladora a la hora de manifestar el gusto que tiene la banda por trasladar su inherente poder sónico por senderos musicales sofisticados y cambiantes. Los efectos de sintetizador finales brindan un curioso ornamento cibernético al asunto. El disco concluye con el segundo tema largo, ‘33:09’. A diferencia de la larga pieza de apertura, ésta encapsula una mayor consistencia temática a lo largo de sus diversas secciones. La alternancia entre pasajes extrovertidos e introvertidos está manejada con impoluta fluidez, y el rol predominante de los guitarreos en la mayor parte de los motivos garantiza que el bloque instrumental en pleno explote debidamente su potencial enérgico. La misteriosa sección espacial que se inicia alrededor del cuarto minuto y medio permite a LENIN lidiar con climas psicodélicos sutiles en combinación con ciertas cadencias jazzeras. Poco antes de los 8 ¾ minutos, se empieza a elaborar el retorno a los masivos sonidos rockeros (entre floydianos y crimsonianos), abriéndose así la puerta hacia el armado de un clímax arrollador.

LENIN evidencia con su disco debut que a despecho de su juventud cronológica ya cuenta con un estilo bien definido y sólidamente curtido dentro de la actual escena progresiva argentina, la misma que se está haciendo cada vez más diversa y prolífica. Para sustentar más fehacientemente lo que se ha dicho aquí sobre LENIN, aquí pasamos enlaces de audio para dos de sus temas.-
11:26 – http://www.myspace.com/soundlenin/music/songs/11-26-70493694
18:48 – http://www.myspace.com/soundlenin/music/songs/18-48-70495190

Surcando los cielos del post-rock con AUTUMN MOONLIGHT

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En esta ocasión nos toca hablar de AUTUMN MOONLIGHT, un dúo argentino dedicado a esto del post-rock con genuina devoción y de manera disciplinada que ha venido llamando la atención de loa seguidores de este género a través de Internet desde al año pasado con una primera versión de su disco debut “The Sky Over Your Shoulders”: ahora en 2010 el disco se ha beneficiado de nuevas labores de regrabación y post-producción para su edición “formal” a través de Viajero Inmóvil, convirtiéndose así en una de las novedades más sobresalientes de la vanguardia argentina. Recibiendo influencias de MOGWAI, SIGUR ROS, GOD IS AN ASTRONAUT, MOONCAKE y DO MAKE SAY THINK, este dúo de Alejandro Tomás Barrionuevo y Mario Spadafora elabora una propuesta musical delicada, al modo de una artesanía que se regodea en sus atmósferas estilizadas y las arropa con texturas cuasi-sinfónicas. El sonido plasmado en el repertorio de este disco sobrepasa largamente a las limitaciones logísticas que a priori encierran a un mero dúo: el caso es que Alejandro y Mario se valen de diversos recursos tecnológicos para completar la estructura rítmica y desarrollar todo el ensamblaje instrumental que va más allá de los aportes de las guitarras y el bajo (piano, sintetizadores, batería, orquesta).

El tema homónimo abre el disco con un despliegue de prístina luminosidad: el manejo de las sencillas progresiones de acordes de guitarra y la controlada agilidad de la dupla rítmica permite que el vuelo instrumental en curso transmita un bien definido aire de optimismo. El ruido evocativo de las olas del mar engarza el cierre de esta pieza con el arribo de la siguiente, ‘Dawn Of Atlantis’, cuyo compás recurrente es 7/8: suaves acordes de piano genera una sensación poética que pronto es retomada por una instrumentación más completa de guitarra, piano, bajo y batería. Si bien el desarrollo sónico sigue bien enmarcado en el post-rock melódico, también se puede advertir una oportuna presencia de texturas sinfónicas que brindan una calidez peculiar a este tema. Acto seguido, el motivo inicial de ‘Letters To God’ se hace eco del marcado lirismo vertido en el tema precedente y lo ahonda por vía de acentuaciones épicas que se hacen, curiosamente, cercanas al modelo de una balada power en un disco de metal progresivo. Una vez instalado el cuerpo central, la sonoridad básica pasa a un nivel más reposado, aprovechando cabalmente el carácter ceremonioso del compás de 3/4 en curso: cuando suceden ocasionales subidas de intensidad, se trata de cuestiones más directamente relacionadas con el colorido que con el ímpetu rockero. Paulatinamente, la atmósfera contemplativa se apodera de todo el aire. ‘T.O.R.’ comienza con suaves pasajes de piano que anuncian poco a poco la emergencia de traviesas pulsaciones de guitarra acústica y bajo desde el trasfondo y de sublimes arreglos orquestales que se van apoderando de los cimientos. Una vez afirmada la dupla rítmica, el encuadre orquestal se expande sólidamente mientras un cálido solo de guitarra va trazando sutiles vuelos de intensidad controlada.

‘The Outsider’ porta una aureola extrovertida que inesperadamente se muestra primeramente en clave prog-metal; a medida que la pieza se va desarrollando, nos encontramos con que el grupo está enfilado hacia un híbrido entre prog-metal melódico y post-rock salpicado de psicodelia espacial. ‘Lost Paradise’ vira hacia lo introspectivo aunque sin hacerse para nada lánguido: hay una fuerza exquisita y explícita tanto en la inteligente armazón compositiva de esta pieza como en el modo en que se ejecutaron las ideas, se nota una emotividad a flor de piel. De este modo, el terreno está preparado para que el tema homónimo se acople decididamente bajo el estándar post-rock: una pieza muy aplicada, en verdad. Los últimos casi 5 minutos del disco están ocupados por ‘Autumn Moonlight Part II’, tema que retoma los aires ensimismados que se hicieron presentes en los pasajes más introspectivos del repertorio precedente, para a partir de allí elaborar un crescendo que gesta el arribo de un clímax épico, antes de desembocar finalmente en suaves fraseos mínimos a cargo de la dupla de piano y bajo. Así concluye “The Sky Over Your Shoulders”, descendiendo hacia una calma espiritual que corona coherentemente el desarrollo de la propuesta sonora enarbolada por el grupo – AUTUMN MOONLIGHT confirma así su posición como un referente sólido del post-rock desde allende las áreas musicales europea y norteamericana.

Aquí hay algunos enlaces de muestra de AUTUMN MOONLIGHT.-
Dawn Of Atlantis: http://www.youtube.com/watch?v=8EQLflEhijQ
T.O.R.: http://www.youtube.com/watch?v=QwswPunWcS4

ASÍ SON LAS COSAS... en la vanguardia rockera argentina de nuestros días

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión se trae a colación a un grupo de rock argentino que se escuda bajo el estrambótico y a la vez simplista nombre de… LAS COSAS. Efectivamente, LAS COSAS es un referente actual bastante importante para la escena rockera vanguardista que se está desarrollando en el underground de Buenos Aires, y ya tiene en su CV un EP homónimo y un CD titulado “Solarística”. Imaginamos que hay ironía en la definición del grupo que aparece en su blog de Myspace (http://www.myspace.com/lascosaspriusdiscos) – Southern rock: la propuesta de LAS COSAS se enfila hacia desarrollos sonoros más aventurados y polivalentes que eso.

Si bien el germen de LAS COSAS se remonta hasta el año 2001, recién en 2006 es que se da una formación estable (PabloYedro al bajo, Blas Finger a la batería, Pablito Acosta y Pablo Gallardo a las guitarras) y un nombre definitivo al grupo. Al año siguiente, LAS COSAS entró a los estudios para registrar su primera obra fonográfica, la que finalmente se tradujo en el EP homónimo. ‘El Sonido’ inaugura el testimonio sónico de este EP con un muscular despliegue de psicodelia heavy que hereda bastante de HENDRIX y GURU GURU: la lenta cadencia de la pieza sirve para realzar su aura de misterio así como para articular un sólido contraste con la sesión más frenética que emerge a medio camino, haciendo que el cuarteto se reoriente hacia un esquema post-rock a lo EXPLOSIONS IN THE SKY. Muy buena entrada, en verdad. ‘Barracas’ tiene menor polenta, sonando afín a la faceta más serena de unos DON CABALLERO: la simpleza inherente a la recurrencia del cuerpo central es manejada con soltura y equilibrio. Luego sigue el tema tripartito ‘Autopista’, cuya primera sección ‘Piloto’ ofrece una ágil confluencia de psicodelia cuasi-math y krautrock a lo NEU!; la segunda sección ‘Pasando’ vira hacia una cadencia semi-crimsoniana cuyo gancho hace lamentar que no dure más que 1 ½ minuto; la sección conclusiva, ‘Finale’, es un ingenioso cover del clásico kraftwerkiano ‘Autobahn’ en clave no-wave. ‘Manual S.50 ms’ es un interludio abstracto que suena como una vieja partitura abandonada del dúo ENO & FRIPP trastocado por un combo de un guitarrista de SONIC YOUTH y otro de RADIOHEAD. ‘Beleu Sile’ cierra el disco comenzando con el mayor despliegue de extroversión rockera de todo el disco, una exploración en riffs y atmósferas psicodélicamente incendiarias; a mitad de camino, el giro hacia un motivo más constreñido permite al grupo renovar la atmósfera general con aires más envolventes. Personalmente, me parece que la pieza se pudo redondear mejor con una retoma final del fuego inicial, pero con todo, esto es lo que hay y está bien hecho tal como quedó. LAS COSAS debutó con pie derecho al lanzar este EP.

Pero como nada es para siempre, el grupo tuvo que experimentar una modificación importante con la salida de Pablito Acosta. Por un tiempo entró Ariel Isaharoff, pero hoy por hoy LAS COSAS opera como un trío. Así es como llega al mundo en 2010 el CD “Solarística”. Con este ítem, LAS COSAS asciende hacia otro nivel concretizando en este nuevo disco un repaso por varias fuentes de inspiración: space-rock, moderadas dosis de math-rock y crimsonismo respectivamente, krautrock (mucho krautrock), noise-rock, vanguardia pop 80era. En general, cabe agradecer que los arreglos y esquemas sonoros perpetrados por el grupo sea más prolijo: el lenguaje de la banda se ha intensificado a contrapelo de la reducción aritmética de su personal. 

‘Neurolab’ ofrece un sintético preludio cibernético a la experiencia integral del disco, que con los ambientes funky-rockeros de ‘Boitevique’ da sus primeros indicios de energía totalizante. Cuando poco antes del segundo minuto el compás se intensifica, el esquema sonoro se sumerge en una ágil envoltura space-rock que promueve un clímax llamativo. ‘Camun’ ofrece un ejercicio de psicodelia moderadamente heavy sazonada con ciertas cadencias a lo KING CRIMSON 80ero: siendo la única pieza con intervenciones vocales del disco, dichas intervenciones están arregladas con efectos de estudio que las hacen sonar casi robóticas. ‘Base & Cumbre’ ofrece un inteligente híbrido de SONIC YOUTH y NEU! – en el momento que entran a tallar los ornamentos de sintetizador, el factor cósmico entra para quedarse y aportar matices casi hipnóticos a un tema que en sí mismo es marchoso. La conexión con la vanguardia krautrock se completa si consideramos que se trata de un cover razonablemente ortodoxo de ‘Base & Apex’, pieza incluida en el segundo disco de la asociación de CLUSTER y BRIAN ENO. ‘Monotemático’ perpetúa el elemento NEU! en simultáneo con el elemento space-rock con un vigor patente (que no exaltado) que hace al grupo asemejarse a un EXPLOSIONS IN THE SKY tras una sesión de anfetaminas. A pesar de lo notorio que es el motivo central en su recurrencia, la pieza no resulta para nada cansina ni monótona, e incluso podría decirse que el fade-out llega demasiado pronto. ‘Agri’ es el interludio cósmico ejecutado que anticipa el vuelo lisérgico y casi lánguido de ‘Stalker’: una pieza muy a lo CAN en su esencia nuclear, también revela matices industriales que evocan al post-punk y al tecno-pop primigenios que se gestaban en las escenas británicas y continental de los primeros 80s. Como si este despliegue de arte tecnológico fuese una catapulta, ‘Una Serie De Eventos Inconexos’ impulsa una secuencia de ejercicios sonoros cibernéticos que tienen mucho que ver con el legado del krautrock sintético en su aproximación a la academia de música electrónica. ‘CTA (Surplus Arbeitzeit)’ articula una arquitectura más definida y deja que la guitarra entre para llenar espacios, pero lo cibernético sigue siendo indudablemente el elemento motivador para el ensamble global. ‘Nacimiento Y Muerte Del Alien’ ocupa los casi 8 minutos finales del disco: la cuestión cibernética se expresa con mayor intensidad merced al espacio tan privilegiado con el que cuenta, expansión de la abstracción en su máxima expresión. Esta secuencia de los temas 6-10 es el vivo manifiesto de las ganas de LAS COSAS de expandir su paleta sonora de forma netamente radical.

“Solarística” no es un disco muy extenso, dura alrededor de 35 minutos, pero ciertamente encapsula un excitante derroche de ingenio experimental que siempre es bienvenido por los amantes del rock hecho aventura y exploración: LAS COSAS es un nombre a tener en cuenta a la hora de observar y apreciar la vanguardia contemporánea argentina. ¡Así están las cosas!

Muestras de LAS COSAS.-
El Sonido: http://www.myspace.com/music/7372368/songs/10231142
Boitevike: http://www.myspace.com/music/7372368/songs/59844162
Stalker: http://www.myspace.com/music/7372368/songs/42637569