La marejada prog-psicodélica danesa de CAUSA SUI

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En este momento presentamos al grupo danés prog-psicodélico CAUSA SUI y su más reciente trabajo fonográfico “Euporie Tide”. Formado en setiembre de 2004 como cuarteto donde cada integrante gozaba de cierta experiencia en la escena del hardcore metal, la meta de esta nueva congregación era la de estructurar una modalidad rockera más cercana al legado de diversas fuentes progresivas, principalmente la psicodélica, además de ahondar en las raíces stoner del paradigma del rock pesado. CAUSA SUI ha venido manteniendo una actividad muy prolífica, contando ya con ocho discos de estudio en su currículum desde el año 2005 en adelante: cultivando un gusto exhaustivo por los jams, entre 2008 y 2009, el grupo ha editado tres registros de grabaciones bajo el título de “Summer Sessions”, y en 2011 publicó dos registros de las “Pewt’r Sessioss”. ¡Casi nada! Hoy por hoy, el grupo opera como trío conformado por Jakob Skøtt [batería y percusión], Jess Kahr [bajo] y Jonas Munk [guitarras, teclados y canto], siendo ésta la alineación que ha gestado y grabado el disco que reseñamos ahora.

‘Homage’ abre el álbum con una energética muestra de rock que se explaya a su gusto por un desfachatado espacio de 10 minutos. El poderoso vigor de la pionera psicodelia Hendrixiana, la efectiva pesadez del paradigma Sabbathiano y el robusto magnetismo del space-rock se conjugan grandilocuentemente en este jam bien centrado, lleno de ingenio que sabe cuándo no explayarse en innecesarios paroxismos. Esta vía de entrada es suficientemente atractiva como para mantener en el espíritu de oyente una actitud de firme atención hacia la experiencia que acaba de empezar, y así, ‘The Juice’ y ‘Echo Springs’ se encargan sucesivamente de afianzar la buena primera impresión aportando ambientaciones diversas. ‘The Juice’ exhibe un eficaz balance de los modelos de ASH RA TEMPEL y el PINK FLOYD de la etapa 69-71; el tempo de blues sirve para que la banda focalice la aureola grisácea inherente a la composición. Por su parte, ‘Echo Springs’ se construye sobre una cálida cadencia de inspiración jazz-rockera, la cual debe mucho al estándar de AGITATION FREE: pasamos así del refugio al interior del alma a una caminata renovadora por un mundo visto con una mirada más serena. En perfecto e inmediato contrapunto, la dupla de ‘Boozehound’ y ‘Mireille’ se encarga de reformar convincentemente el filo extrovertido del trío: el primero de estos temas lo hace de una forma más calculada, como para hacer más comedido el viraje de atmósferas, pero en el segundo ya se nota un vigor a niveles electrizantes (al modo del GURU GURU de “KanGuru” y el HENDRIX de la etapa de “Band Of Gypsies”) desde el cual la visión musical del grupo muestra abiertamente sus colores más sofisticados.

Durando solamente 2 ¼ minutos, ‘Fichelscher Sun’ es un breve ejercicio de espiritualidad relajada con dupla de guitarras acústica y eléctrica; acto seguido, ‘Ju-Ju Blues’ elabora un magnético jam de blues-rock psicodélico que suena a un HENDRIX Floydiano. ‘Sota El Cel’ es un breve preludio minimalista cósmico a la monumental pieza ‘Euporie’, que se extiende por casi 11 minutos. Aquí, el grupo desarrolla una poderosamente llamativa síntesis del dinamismo y la expresividad que antes se expusieron en ‘Homage’ y ‘Mireille’. Durando poco menos de 9 ½ minutos, ‘Eternal Flow’ cierra el álbum con un enérgico ejercicio de espiritualidad lánguida, de tendencia minimalista, la cual exhibe imágenes sonoras de hogueras introspectivas a través de una cadencia lenta y cautivadora. La presencia de algunas atmósferas de tipo post-rockero se hace notar efectivamente.

 

Todo esto fue “Euporie Tide”, un manifiesto convincente de la psicodelia de nueva generación que se está haciendo en la escena underground escandinava: la verdad que este grupo danés CAUSA SUI es una entidad que vale la pena explorar en serio dentro de nuestras colecciones art-rockeras. 

Muestras de “Euporie Tide”.-

Homage: http://www.youtube.com/watch?v=EF7xq-vFWTY

The Juice [video-clip]: http://www.youtube.com/watch?v=ShaVBHvTfBc

Eternal Flow:  http://www.youtube.com/watch?v=m5tZbdGX-_4

Rescatando el legado de KHORUS

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy descubrimos a KHORUS, cuarteto nacido en Sevilla en 1974 y que logró sobrevivir unos 4 años haciendo música progresiva mientras era ignorado por el sistema del negocio fonográfico. La idea de KHORUS y la composición de los temas surgieron desde la iniciativa de Fernando Carmona [guitarras eléctricas y electro-acústica] y Jesús Carmona [piano eléctrico y sintetizadores]. Siendo el primero autodidacta y contando el segundo con estudios de música en el Conservatorio de Sevilla, ambos compartían una común afición entusiasta por lo que entonces era el modelo de grandiosidad en el lenguaje del rock: el género progresivo. La línea de trabajo de KHORUS, completado por Juan Falero [bajo] y Juan Carlos Nieto [batería], consistía en un prog sinfónico de amplias connotaciones cósmicas y ciertos guiños al swing y las cadencias propias del jazz-rock. A pesar de haber cultivado un público de culto en sus actividades en vivo en varios lugares de Andalucía y gozar de un amplio respeto de parte de los organizadores de conciertos e ingenieros de sonido que los escuchaban tocar, KHORUS no recibió el más mínimo gesto de atención de parte de las casas discográficas a cuyas puertas llamó. En fin, el transitar de la banda terminó en 1978 sin poder presumir de haber grabado un disco por lo menos. El siguiente paso fue transformarse en BOLA BANDA ELECTRÓNICA, y de allí pasara a GRUPO Q, lo cual le dio más réditos comerciales a Fernando en su momento, pero ése es otro cantar. Concentrándonos en el caso de KHROUS, se valida el refrán de que hay mal (como el olvido) que cien años dure, por lo que el colectivo Arabiand logró en 2010 rescatar en el CD “Suite” el breve pero estupendo legado que KHORUS dejó para la vanguardia andaluza de aquel momento: “Suite” recoge una suite progresiva simplemente titulada ‘Suite’, que fue grabada como maqueta en el exclusivo (y único) estudio sevillano de PlaySur, y dos temas registrados en vivo en un concierto que tuvo lugar en Huelva en 1978.

La suite abarca un espacio de más de 24 ½ minutos y se focaliza en una imaginería distópica marcada por un mundo híper-tecnologizado y un rol nulo del individuo como entidad capaz de autodeterminación. Así las cosas, St. K., el protagonista de este relato tiene que escapar del sistema político y esconder un valioso artefacto inventado por él en el Bosque de Khorus. Veamos los títulos de las secciones que la conforman: ‘Silencio Y Aparición’, ‘En La Entrada’, ‘Detectores De Controles De Inseguridad’, ‘Espías’, ‘Esos Ecos’, ‘Esperando’, ‘Ascenso’, ‘No Te Escondas’, ‘Perseguidos’ y ‘Evasión’. Hablando desde lo estrictamente musical, ‘Suite’ se enmarca dentro de un sinfonismo donde claramente se alternan ribetes cósmicos (afines a los estándares de PINK FLOYD, NOVALIS, PULSAR…) con estilizaciones melódicas bien consumadas (afines a YES y CAMEL). Tal vez se dé la sensación a veces de que una sección es demasiado corta pues goza de un obvio gancho melódico o invita a que el solo de guitarra en curso se imponga por un espacio mayor del que dispone de facto, pero en líneas generales cabe calificar a esta ‘Suite’ como impresionante y gratificante. Las ilación de las tres últimas secciones incorpora alegres grooves jazzeros a la cuestión, permitiendo así que la ‘Suite’ se cierre con un aura extrovertida. El hecho de que esta composición sea del año 1975 y anticipe por algunos años lo concretizado magistralmente por bandas como CAI, IMÁN y AZAHAR añade una importante dosis de admiración por el mérito de esta creatividad que se explaya ante nuestro oídos.

Los dos siguientes temas con los que se completa este rescate musical proceden de un registro en vivo de calidad mediocre en cuanto al aspecto técnico del sonido, pero de gran valor estético. El primero, titulado ‘1072’, despliega una ágil mezcla de energía esotérica a lo MAHAVISHNU ORCHESTRA con la ambiciosa estilización de FOCUS; cabe destacar especialmente los solos y ornamentos de guitarra que elabora Fernando, realmente monumentales, aunque queda claro que el brillo de la pieza se debe esencialmente al inteligente engranaje de la banda de forma integral. El segundo tema, ‘Dagas Flameantes En Los Horizontes Vencidos De Córdoba’, se centra en atmósferas flotantes de corte space-rock-sinfónico donde los teclados ocupan el rol protagónico en la colocación y desarrollo de aires arábigos. Funciona muy bien como cierre de la experiencia melómana del CD en tanto que su aureola cósmica es eficazmente envolvente… pero quién sabe si no hubiera funcionado mejor como parte inicial de otra suite… Pero en fin, es lo que hay y lo que existe de KHORUS tiene suficiente gallardía y suficiente creatividad para ser valorado como lo que es: un magnífico tesoro otrora perdido del rock progresivo andaluz que ahora ha sido rescatado para beneplácito de los conocedores coleccionistas de rock artístico. ¡Atención a esto!

‘Suite’: https://soundcloud.com/bola-banda-electronica/khorus-suite-1975      

RICARDA COMETA o el art-rock como delirio lúdico

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión se da el momento de presentar al trío argentino RICARDA COMETA, conformado por los guitarristas Jorge Espinal y Luciano Vitale y la baterista Tatiana Heuman. Cabe señalar que el primero de los dos guitarristas mencionados es oriundo del Perú, pero emigró a inicios del nuevo milenio a Argentina. Extroversión neurótica, espiritualidad festiva y arquitectónica intrincada conforman el tridente básico que opera como cimiento de la propuesta de RICARDA COMETA; para decirlo de una forma más específica, dicha propuesta articula recursos del math-rock, el no-wave, la psicodelia obsesivamente pulsátil de herencia NEU! y el rock-in-opposition en sus dimensiones más áridas (pensamos en ART BEARS, ETRON FOU LELOUBLANC, MASSACRE). Todo esto hallamos en el disco homónimo de este trío, publicado en el pasado mes de mayo tanto en su blog de Bandcamp como en formato físico. El modus operandi de la banda se enfila totalmente hacia la creación improvisada y un continuo recurso de las guitarras preparadas (insertando chapas metálicas entre las cuerdas) en oposición a los muy acostumbrados pedales: estos indicios revelan cuán comprometido está el trío con el sentido de aventura propio del avant-garde en el arte del ruido. 

La dupla inicial de ‘Dale Matraca’ y ‘El Sin-Chapa’ pone casi todas las cartas sobre la mesa respecto a la intención de RICARDA COMETA de compartir con el oyente sonoridades y esquemas rítmicos rockeros que transmitan desfachatez dadaísta y vigor inteligentemente articulado mientras cuestionan severamente los estándares del rock en sí. Un poco menos laberíntico pero igualmente pertrechado en la lógica de lo machacón con miras a crear nuevas modalidades de incomodidad estética, ‘Mango Biche’ refleja una visceralidad inquieta y juguetona. El tema más largo del disco es ‘Más Allá Vente Más Pa Acá’, ocupando un espacio de 6 ½ minutos. Aquí el trío nos muestra un nuevo ordenamiento de su visión musical, uno más oscuro y perturbador, aunque no tanto por lo siniestro sino porque los afanes de desestructuración están siendo llevados hacia límites más amplios – así, el resultado final es osado, bien enmarcado en la densidad deconstructiva de la musique concrete, estrechamente conectado con el dinamismo postmoderno de los legendarios HENRY COW en su época de “In Praise Of Learning”. Más adelante, en ‘Tembleque’, el grupo volverá a investigar este lado oscuro de su esencia sónica, aunque con niveles de tensión más comedidos, incluso señalando cierta aureola reflexiva. En medio de estas excursiones peculiares, el trío se retrotrae hacia las pulsaciones machaconas con ‘Glaseando El Camote’ (en base a un manejo irreverente de cadencias Latin-jazzeras) y la neurosis lúdicamente dadaísta de los dos primeros temas con ‘Empina El Codo’. Finalmente, ‘Los Animales’ ocupa los 2 últimos minutos y pico del álbum con una vitalidad que bien suena a un híbrido del PRIMUS más aventurado y el estándar de MASSACRE.

Es un poco frustrante que este disco dure menos de media hora, pero dentro del contexto general de esta situación, se trata de una queja muy menor, pues la música que hace RICARDA COMETA merece una celebración por su ingenio y vigor.

Muestras de “Ricarda Cometa”.-

Dale Matraca: http://ricarda-cometa.bandcamp.com/track/dale-matraca

Más Allá Vente Más Pa Acá: http://ricarda-cometa.bandcamp.com/track/mas-alla-vente-mas-pa-aca

Una estupenda caminata musical con DUSAN JEVTOVIC

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

El guitarrista serbio afincado en Barcelona DUSAN JEVTOVIC se ha lucido tremendamente con su primer disco publicado por MoonJune Records “Am I Walking Wrong?”, segundo en su haber personal después de su trabajo debut “On The Edge”, que data del año 2009. Lo que JEVTOVIC y sus compañeros de viaje Bernat Hernández [bajo sin trastes] y Marko Djorjevic [batería] nos traen con “Am I Walking Wrong?” es una serie de excursiones bien armadas en una amalgama de jazz-rock, psicodelia y rock progresivo cuyo ingenio inherente es manejado sin desbordes ni exabruptos. En efecto, este ensamble de power-trío maneja las cosas con un buen sentido de la mesura y un nervio elegante que se amolda muy bien tanto a los momentos de expresividad pletórica como a esos otros momentos donde reinan la sutileza y la introspección. Y sobre todo, se nota un esquema sonoro muy macizo que solo en muy contadas ocasiones se enriquece con overdubs: la mayor parte del tiempo escuchamos al grupo en todo el crudo esplendor de sus diálogos musicales. Vayamos ahora a los detalles del repertorio de este disco.

‘You Can’t Sing, You Can’t Dance’ empieza al modo del hard rock de vieja escuela al estilo clásico de JEFF BECK, con ciertos aires Zeppelinianos metidos allí en los momentos en que el guitarreo y la dupla rítmica se amalgaman al 100% durante el básicamente sencillo desarrollo temático. Por su parte, ‘Drummer’s Dance’ ofrece esto mismo pero con un dinamismo más complejo que nos remite al estándar jazz-progresivo con matices psicodélicos. El breve solo de Djordjevic tiene suficiente intensidad como para generar un excitante clímax antes del final. En medio de ambos temas, la pieza homónima nos muestra una traducción jazz-rockera del discurso Hendrixiano; aunque la guitarra de JEVTOVIC se hace notar en todo su esplendor muscular, es el baterista Djordjevic quien carga sobre sus hombros la senda de sofisticada vitalidad sobre la que se despliega la armazón de la pieza. Con esto ya tenemos 13 minutos y pico de certidumbre en torno a lo que nos espera de esta experiencia melómana, siendo así que ‘One On One’ retoma la nostalgia Hendrixiana y la lleva más a fondo hacia sus inmortales raíces: parece casi un homenaje a esos tiempos de “Band Of Gypsys”. ‘In The Last Moment II’ (cuyo título alude a una continuación de un tema incluido en su disco anterior “On The Edge”) es un jam introspectivo en 11/8 donde el grupo se prodiga en recoger la dimensión etérea del paradigma de MAHAVISHNU ORCHESTRA para barnizarla con pinceladas de densidad Crimsoniana finamente explayadas para que el colorido resultante sea todo menos chillón.

‘Embracing Simplicity’ hace honor a su título trabajando, a través de un espacio de 6 ¼ minutos, un motif armado sobre una simple secuencia de dos acordes y con una armazón rítmica sencilla: a partir de esto, la banda explora variaciones de ambiente y crescendos, incluyendo algunos de los mejores solos que se prodiga JEVTOVIC en todo el álbum. Tras la simpleza alevosa del sexto tema, el séptimo, titulado ‘Third Life’, pasa al minimalismo en base a un esquema temático sutil y misterioso que la banda explora con la actitud de refugiarse en recovecos introspectivos para crear sobre el camino atmósferas y trucos extravagantemente etéreos. ‘Tra-Ta-Ta-Ta’ es un jam de rock duro brevísimo (dura menos de un minuto) que sirve de antesala para el divertido tema ‘Bluesracho’, el cual remodela la frívola alegría del blues-rock con un moderado manejo de nervio propio del rock duro. Se trata, sin duda, de una pieza amena y pegadiza, portando un optimismo frontal al modo que antes disfrutamos en ‘You Can’t Sing, You Can’t Dance’. ‘If You See Me Again’ cierra el álbum en perfecto contrapunto con el penúltimo tema, exhibiendo un constreñido ambiente de melancolía animado por el contraste entre evocativos desarrollos armónicos de guitarra acústica y ornamentos psicodélicos de la guitarra eléctrica.

Todo esto fue “Am I Walking Wrong?”, un disco agradable y muy interesante en el que el jazz-rock se muestra en una doble vertiente de búsqueda de vigores nuevos y rescates solemnes de algunos parámetros inmortales de la tradición rockera: DUSAN JEVTOVIC y sus secuaces se han lucido en este disco bastante recomendable.

Muestras de “Am I Walking Wrong?”.-

Am I Walking Wrong?: http://moonjunerecords.bandcamp.com/track/am-i-walking-wrong

In The Last Moment II: http://www.youtube.com/watch?v=mTJ5CfbPNs8

La nueva evidencia de TAYLOR'S UNIVERSE

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Habiendo registrado el disco “Worn Out” a inicios del presente año 2013 y volviendo a registrar otro nuevo titulado “Evidence” antes de que acabe el año, el talentoso y diestro multi-instrumentista danés Robin Christian Taylor ha evidenciado que se encuentra en una etapa creativa tremendamente intensa al mando de su proyecto jazz-progresivo TAYLOR’S UNIVERSE. Y no olvidemos mencionar la creación del antepenúltimo disco “Kind Of Red” que tuvo lugar en la primera mitad de 2012. Sí, realmente Robin Taylor está en una fase muy interesante como creador de música vanguardista desde su nicho escandinavo. Uno de los atractivos más notorios de “Evidence” es que en él aparecen como ilustres invitados dos veteranos de la primera generación progresiva danesa: el saxofonista-clarinetista Karsten Vogel y el guitarrista Claus Bøhling, de SECRET OYSTER (hay que añadir que Vogel ha venido colaborando varias veces con Taylor). Los demás músicos son el baterista Klaus Thrane y el teclista Thomas Thor Viderø Ulstrup: este último brilla con varios solos geniales de sintetizador en diversos momentos del disco. Taylor, por su parte, se reparte en las guitarras, teclados, bajos y percusiones como siempre, además de añadir algo de flauta. Adelantamos que el núcleo sonoro de “Evidence” tiene una inclinación mucho más pronunciada hacia lo lírico que en los trabajos precedentes: el muestrario de este álbum se distancia un poco del híbrido de chamber-rock, jazz-rock y progresivo vanguardista que se mostró tan ostensiblemente en “Return To Whatever”, “Kind Of Red” y “Worn Out” para centrarse en el factor jazz-progresivo de una manera notablemente focalizada. Además, teniendo en cuenta que la sección de vientos se reduce a un miembro (cuando en general estaba a cargo de dos músicos), se da la oportunidad de que los solos de teclado cuenten con más espacio potencial de expresividad... y en efecto, así es la cuestión. Vayamos a los detalles del repertorio de inmediato.

El repertorio del álbum consta solamente de cuatro piezas, siendo así que la primera se extiende por un espacio de casi 15 minutos y el segundo dura casi 12. ‘Buildings’ abre el álbum con un aura de serenidad otoñal, sostenida por suaves acordes de guitarra, flotantes capas de teclado y una impecable ingeniería etérea a cargo de la batería. En base a estos cimientos sónicos, se despliegan fraseos solistas de saxo, guitarra y clarinete, siendo así que cuando estamos en el octavo minuto se empieza a notar un crescendo de tensión manejado con elegancia. Poco antes de llegar a la barrera del undécimo minuto y medio, la pieza vira momentáneamente hacia un esquema rítmico más frenético, lo cual es aprovechado para que se descargue abiertamente la tensión hasta entonces contenida a través de los alternantes solos de guitarra y sintetizador. Esta emergencia climática dura poco, pero es efectiva para completar cabalmente la ambientación desarrollada y reforzada durante los primeros 11 minutos. El final de ‘Buildings’ llega con tonalidades cósmicas que se imponen de manera abrupta, incluyendo unas hermosas florituras de saxo soprano como lazo que ata un paquete de regalo: es una coda bizarra y efectiva a la vez. El segundo tema, ‘Red Afternoon’, cuenta con la intervención adicional de Louise Nipper al canto. Se trata básicamente de un jam semi-lento en clave de 8/8 que más adelante se torna a 7/8. El ensamble explora las posibilidades de una atmósfera reflexiva, colocándola como centro recurrente y elaborando una vitalidad que le permita mantener su magnetismo musical durante todo su transcurso. Muchos de los guitarreos que tienen lugar se apoyan en su filo psicodélico para brindar un elemento extra de vigor expresivo a la idea central: se notan confluencias con el factor evocativo del Canterbury (a lo GILGAMESH) y HAPPY THE MAN en la ingeniería sónica que el grupo elabora con pulso y buen gusto. ‘Marie Marolle’ comienza recibiendo el impacto de la pieza inmediatamente precedente en cuanto a la centralización de cierto tipo de atmósferas reflexivas, pero en el caso particular de este tercer tema del álbum tenemos un toque mayor de agilidad y extroversión merced a la robusta musculatura exhibida por la guitarra. La irrupción de un interludio juguetón empapado de aires sinfónicos instaura un clima de refinada extravagancia al asunto antes de que el cuerpo central retorne para impulsar otro fabulosamente electrizante solo de guitarra, esta vez sucedido por un solo de sintetizador no menos exultante. ‘Forever And A Day’ cierra el álbum con la mayor exhibición de colorido sonoro del álbum, instaurando una atractiva combinación de los legados de CAMEL, FOCUS y HAPPY THE MAN con oportunos matices añadidos afines a los estándares del jazz-prog contemporáneo (FORGAS BAND PHENOMENA y THE WRONG OBJECT, p.e.). Un broche de oro, sin duda, aunque tal vez merecía un final épico culminante en vez de un fade-out, pero bueno… se trata de una observación muy trivial, minúscula, para ser más exactos.    

Nuestro balance final es que tenemos en “Evidence” poco menos de tres cuartos de hora de gloria musical al más puro estilo de TAYLOR’S UNIVERSE; o sea, más de la misma calidad musical y más del esplendor creativo al cual nos tiene acostumbrados el maestro Robin Taylor. Esta banda parece ser inmune a decaimientos y errores: ¡disfrutemos de su música mientras siga significando algo importante dentro de la avanzada progresiva europea de nuestros tiempos!

Muestra de “Evidence”.-
Buildings: http://www.youtube.com/watch?v=XBzfsQs0k7Y 

LIQUID CASING nos trae una excelente proclamación prog-psicodélica

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos topamos con un joven cuarteto estadounidense formado en Houston (Texas) a inicios del nuevo milenio: LIQUID CASING. Sus integrantes son el guitarrista-vocalista Alvaro Rodriguez, el bajista Jim Stettner, el saxofonista-teclista Okikiolu Olufokunbi y el baterista-percusionista John Pilate. Lo traemos a colación por causa de su reciente disco “A Separate | Divide”, el cual sucede a su disco debut de 2007 “An Empty Sparkling Light”; se trata de uno de los discos más ostentosos en cuanto a sonoridades poderosas y urgentes que se han hecho en el underground progresivo estadounidense durante el presente año 2013. Su propuesta musical se basa en un cruce entre las viejas escuelas del stoner y la experimentación progresiva psicodelia y las nuevas tendencias del post-rock y el post-metal. Este disco está conceptualmente armado en torno a una visión crítica de las políticas de división y la crisis de unidad cívica en las sociedades contemporáneas: sin duda, la agudeza de las armazones instrumentales que inundan el disco ayudan a darle un oportuno paisaje sónico a estas nociones. 

‘A Path Of Footprints Forged In The Midnight Sun’ abre al álbum con fuerza de carácter pura y plena: ese aire de HAWKWIND razonablemente aliviado de su esencial crudeza por la intromisión de eventuales aires space-rockeros a lo STEVE HILLAGE marca un estupendo inicio que inmediatamente después será capitalizado por ‘Alambrista’. Esta pieza perpetúa esa faceta árida de la psicodelia de vieja escuela que nunca pierde su esencia vigorosa a lo largo de los años y décadas, ornamentándola con pertinentes variables de ritmos y atmósferas que también beben de aguas más contemporáneas como las del post-metal  de RUSSIAN CIRCLES. ‘Fingerprint Armada’ vuelve a la airada y expresionista desolación de ‘A Path Of Footprints Forged In The Midnight Sun’, esta vez con un teclado que suena como órgano de fuelles, logrando darle un cariz un tanto épico al asunto. ‘The Line Which Divides’ es un tremendo vuelo instrumental que articula un inteligente híbrido entre el lado retro-kraut de unos THE MARS VOLTA y el vitalismo rotundamente crudo del GONG pre-“Flying Teapot”. ‘For A Memory Erased’, con sus 10 minutos de duración, se erige como el tema más largo del disco. Se trata de una canción con un pathos bastante descarnado, y aún así, renuncia a toda languidez y hace de su lamento una expresión de espiritualidad expansiva: eso explica que la instrumentación sea tan alevosamente maciza, basada en una ofuscada confluencia de los estándares de RED SPARROWES y RUSSIAN CIRCLES con aires añadidos del Floydismo añejo (aquella etapa del “Ummagumma”). 

‘Non Linear Solution’ es un excitante momento instrumental que se eleva a través de poderosas escalinatas sonoras explayadas en un crescendo que implosiona desde la energía propia de su motif básico. La banda sabe darle vueltas a esta mezcla de space-rock y post-metal sin perder la frescura ni el sentido de permanente excitación. ‘Checkpoints And Borders’ es una balada de base acústica en 3/4 donde la banda explora su lado intimista, cuasi-bluesera, antes de dejarse invadir nuevamente por sus demonios extrovertidos en ‘An End To A Means’. De hecho, ‘An End To A Means’ toma varios de los elementos más impactantes de ‘The Line Which Divides’ y ‘Non Linear Solution’, metiendo algunos factores stoner en la mezcla, y así lleva al álbum hacia su último cenit de explosividad psicodélica. Pero aún falta ‘Riot Path’ para cerrar el álbum, el cual despliega una densa serenidad emocional bajo ropajes de post-rock y psicodelia pesada, mientras que la dupla rítmica incorpora cadencias jazz-rockeras a su labor. Esto significa que el grupo tiene la intención de darle un broche de explícita sofisticación al disco, una idea muy efectiva, valgan verdades.  

 

Con “A Separate | Divide” tenemos una de varias muestras nuevas de la renovación tan interesante que viene experimentando en los últimos años el underground psicodélico estadounidense: LIQUID CASING nos ha sorprendido gratamente, vaya que sí.

Muestras de “A Separate | Divide”.-

Alambrista:  http://liquidcasing.bandcamp.com/track/alambrista

For A Memory Erased: http://liquidcasing.bandcamp.com/track/for-a-memory-erased

An End To A Means: http://liquidcasing.bandcamp.com/track/an-end-to-a-means

KORAI ÖRÖM y su ritual space-rockero para el año 2013

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

El colectivo húngaro KORAI ÖRÖM vuelve a la carga con un nuevo disco publicado en marzo de 2013… y titulado justamente así “2013”. El ensamble conformado por los guitarristas Andor Kovács y Péter Szalai, Miklós Paizs (que está a cargo de la fuyara, el arpa judía y la trompeta), el teclista Gábor Borosi, el vocalista Tibor Vécsi, el bajista Zoltán Kilián, el baterista Viktor Csányi y los percusionistas Zsolt Nádasdi y János Jócsik, concretiza su noveno trabajo de estudio – el quinto con título del año de edición – para poner un nuevo grano de arena dentro de la vertiente space-rockera que nunca deja de crecer en el seno de la actual escena progresiva de Europa del Este.

El álbum abre y cierra respectivamente con ‘Dawn Raga’ y ‘Night Raga’. La primera de estas Ragas instaura un clima ensoñador bastante agradable, sacándole el jugo a un motivo constante que nunca llega a cansar a lo largo de su expansión de 7 ¾ minutos; la segunda Raga, por el contrario, se centra en espartanos diálogos entre las dos guitarras para cerrar el álbum con un tenor meditabundo que coquetea con ciertos estándares del post-rock. Lo que sucede en el medio es un estupendo catálogo de atmósferas y cadencias ingeniosamente elaboradas bajo coordenadas rockeras cósmicamente estilizadas. ‘Arab Spring’ impone climas exóticos bajo un revestimiento rotundamente electrizante, rebosante de ímpetu y vibraciones frenéticas; su temprana aparición en el repertorio lo convierte en un tema climático bastante motivador para el oyente. ‘Victory’ traduce este frenesí a un esquema rítmico más contenido cuya cadencia tiene mucho de los OZRIC TENTACLES de los primeros años; por su parte, ‘Periodic’ retoma el impulso rockero anterior con un arreglo musical más marcadamente sofisticado. ‘Afro’ recicla el vigor rockero esencial del grupo para ajustarlo a las exigencias del encuadre tramado entre los sintetizadores y el bloque percusivo, encuadre que diseña el motivo central de la pieza. Aunque se trata de un ítem tan colorido como cualquiera de los anteriores, porta un cierto hálito ritualístico que lo convierte en una refrescante brisa musical conveniente tras muchas exhibiciones de garra inapelable.

 

‘Deltoid’ regresa orgullosa y ostentosamente a las atmósferas y delineamientos arabescos, aunque en comparación con ‘Arab Spring’, aquí el grupo teje un aura etérea bastante oportuna para refrescar su constante sensibilidad enérgica y capitalizar su faceta más evocativa: hasta cierto punto, establece una continuidad con la frescura étnica de ‘Afro’, pero queda claro que la extroversión rockera es el factor predominante aquí. ‘J.M.J.’ mantiene la expresividad dentro de un margen relativamente contenido, haciéndose eco de la exultante magia de ‘Victory’ y ‘Periodic’. Durando solamente 3 minutos, ‘Dissolve’ desarrolla un sortilegio de tendencia minimalista antes de que ‘Night Raga’ emerja para finiquitar las cosas, tal como dijimos antes, con una languidez etérea y meditabunda. 

Todo esto fue “2013”, un disco que enfatiza sólidamente el modus operandi de KORAI ÖRÖM y que seguramente servirá para seguir asentándola como una de las propuestas más atractivas de la psicodelia étnico-progresiva actual.

Muestras de “2013”.-

Arab Spring: https://soundcloud.com/koraiorom/korai-r-m-2013-2-arab-spring

Deltoid: http://www.youtube.com/watch?v=uo4Khr3ByG8

La psicodelia voladora y plenamente identificada de 3AM

 

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de presentar a 3AM, proyecto de experimentación rockera kraut-noise-psicodélica creado por el guitarrista peruano “Chino” Burga (LA IRA DE DIOS, LA GARÚA, etc.). Su primer trabajo “UFO Blues Tapes” ha sido editado en vinilo por el sello danés Levitation Records y en formato digital por el sello local Ogro Records. Bajo las fuertes huellas de las tradiciones del space-rock, el drone, la dimensionalidad oscura de la experimentación electrónica y el kraut ostentosamente pulsátil a lo NEU! (y algo de CAN también), Burga gesta un catálogo de sonoridades furiosas y vitalistas revestidas bajo bloques cibernéticos de guitarreos filtrados cibernéticamente, loops y efectos computarizados varios. En concierto, el proyecto se transforma en una acción dual gracias a la presencia de J.P. Kaiser, quien aporta una segunda guitarra para trasladar la fuerza de carácter del material de estudio hacia una dimensión amplificada. 

Vayamos ahora al disco en sí. El tema de inicio es ‘Can’t Stand’, y empieza con un fragmento de la introducción del clásico del cine de ciencia-ficción cutre ‘Plan 9 From Outer Space’ antes de que Burga dé rienda suelta a su mecanizado frenesí, inspirado al unísono por los legados del NEU! de los dos primeros álbumes y la faceta más rabiosa de SONIC YOUTH. ‘Endless Road’ sigue a continuación para remodelar este frenesí con un aura de distante melancolía (recordándonos de algún modo al VELVET UNDERGROUND clásico), pero igualmente apostando por una visceralidad incandescente. De hecho, a medida que nos vamos acercando al final, el vigor expresivo de la guitarra va in crescendo mientras el canto de Burga sigue ostentando su languidez terca. ‘UFO Blues II’ se proyecta hacia una densidad cósmica arrolladora relativamente semejante a la que hallamos en el estándar del primer ASH RA TEMPEL, una densidad que flota en el aire como una neblina pesada antes de que ‘The Calling’ haga una remodelación stoner de la dinámica cibernética introducida en la secuencia de los dos primeros temas. ‘The Calling’ incluye uno de los más fantásticos solos de guitarra en todo el álbum, muy a lo David Gilmour. ‘People Of The Dusk’, curiosamente, establece una síntesis bien definida de las atmósferas de ‘Endless Roads’ y ‘The Calling’. ‘UFO Blues I’ nos brinda otro momento de abstracciones solitarias de guitarreos recargados, un momento de tensa introspección que antecede a la explícita robustez de ‘Sonic’ – una perfecta mezcla de la vitalidad irreverente de HAWKWIND y la musculatura machacante de NEU! Llegamos ahora a la última canción del disco: ‘Girl’. Iniciándose con un fragmento de ‘Black Sunday’, otro clásico (y mucho mejor) del cine de horror, esta pieza se caracteriza por contener la secuencia rítmica más trepidante del álbum mientras que los guitarreos se dedican a explorar cadencias cósmicas a fin de darle a la intensidad reinante un factor un poco más “etéreo”.

Lo que nos ofrece 3AM con este disco debut es una muy interesante muestra de la pasión y el vigor que constantemente alimentan la creatividad que tiene lugar en el underground peruano. Mantengamos atentos nuestros oídos a esta escena.

Muestras de “UFO Blues Tapes”.-

Endless Roads: https://soundcloud.com/3am-ufo-blues-tapes/02-endless-roads

The Calling: https://soundcloud.com/3am-ufo-blues-tapes/04-the-calling

El rock progresivo como música multi-propósito en manos de BIRDS AND BUILDINGS

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Tenemos en esta ocasión la buena noticia de que BIRDS AND BUILDINGS vuelve al ruedo fonográfico con una nueva obra impresionante: “Multipurpose Trap”, el largamente esperado sucesor de “Bentam To Behemoth”, que a fines de 2008 supuso una sorpresa sumamente agradable para los prog-coleccionistas de todo el mundo. Ahora, en “Multipurpose Trap”, Dan Britton [teclados y guitarras] y su alter ego Brett d’Anon [bajo y teclados] nos traen un nuevo material pletórico de colorido en compañía de Malcolm McDuffie [batería y percusión], Chris Fyhr [violín] y Brian Falkowski [saxofones y clarinete]. También intervienen en las voces Cliff Phelps, Chris West, Megan Wheatley y Miyuki Furukawa. Así pues, tenemos una ocasión de pura y abundante celebración progresiva, especialmente para quienes gusten de las formas más exuberantes y retorcidamente eclécticas del género. Los que estamos familiarizados con el disco anterior de BIRDS AND BUILDINGS así como con los dos discos que tiene hasta la fecha DELUGE GRANDER sabemos cómo y bajo qué coordenadas se asientan los ambiciosos horizontes estéticos hacia los que se usualmente se proyectan Dan Britton y sus compañeros de viaje. Una mención especial va hacia el librillo, el cual contiene una amplia serie de alucinantes dibujos que ilustran, con variadas dosis de humor negro, la grotesca capacidad destructora del hombre ante su entorno vital. Incluso, la penúltima hoja incluye títulos alternativos para las canciones: por ejemplo, ‘The Dumb Fish’ se convierte en ‘Big Fish Eat Little Fish’, ‘Secret Crevice’ en ‘A Signal To Fight’, ‘Abominable Pelican’ en ‘Admirable Peacock’, y así hasta completar nueve títulos nuevos. Veamos ahora qué nos deparan los detalles de este disco nuevo, ¿de acuerdo? 

La tríada inicial de ‘The Dumb Fish’, ‘Horse-Shaped Cloud’ y ‘Miracle Pigeon’ es crucialmente rotunda en su continuado dinamismo ágilmente electrizante. Esta secuencia dura poco menos de 10 minutos pero tiene suficiente musicalidad como para ocupar dos discos enteros de otras bandas. La aureola de Canterbury hiperbólicamente Gentle-Giantianesco que envuelve a ‘The Dumb Fish’ y el dadaísmo frenético a lo Zeuhl que atraviesa a ‘Miracle Pigeon’ están explícitamente diseñados para estremecer gratamente al oyente; además, se condicen muy bien con la diversa sofisticación desplegada en ‘Horse-Shaped Cloud’. Cuando emerge ‘East Is Fort Orthodox’, el ensamble reformula su energía expresiva a través de unas ambientaciones un poco más reposadas, sutilmente inspiradas en cadencias y atmósferas orientales. Así, el lirismo mayúsculo al cual siempre se orienta la gente de BIRDS AND BUILDINGS cuenta con más espacios para respirar y expandirse. ‘Secret Crevice’ regresa por la senda de las tres primeras canciones y capitaliza su exaltación con un talante mucho más neurótico, al modo de un KING CRIMSON de la etapa “Lizard” resucitado por la conjunción de la brujería de HAPPY THE MAN y los sortilegios extravagantes de FRANK ZAPPA. ‘Tragic Penguin’ combina sabiamente lo etéreo y lo dramático: hay un aura de esplendorosa tristeza que delinea y catapulta la interacción de los instrumentos, principalmente basada en una efectiva confluencia de jazz-rock, sinfonismo y psicodelia de inspiración krautrockera.

Cada uno de los tres últimos temas dura más de 10 minutos: poco más de 10 minutos para ‘Catapult’ y ‘Aviator Prosco’, 14 minutos para el tema de cierre ‘Abominable Pelican’. ‘Catapult’ tiene una estructura afín a algunos de los temas más intensos del disco “Bentam To Behemoth”, con la salvedad de que el destacado posicionamiento del violín de Fyhr hace que la musicalidad se sienta más orquestada, pues a veces brinda complementaciones para los teclados y otras veces se hermana con las partes de vientos. ‘Aviator Prosco’ empieza con aires de WEATHER REPORT en cuanto al espíritu del motivo inicial, aunque la nutrida instrumentación y el arreglo final apuntan claramente hacia un cruce de paradigma sinfónico y modelo Magmiano. Al agilizarse las cosas, la dupla rítmica utiliza un simpático swing de tendencia funky mientras que los teclados, vientos y cuerdas se proyectan hacia una ampulosidad cautivadora. En fin, ‘Abominable Pelican’ resuta el tema más largo del disco y también el que contiene menos variantes temáticas. La gracia principal de este tema de cierre es que revela la capacidad que tiene el ensamble de navegar en torno a un motivo bien definido, sofisticándolo sin generar demasiadas variaciones en su estructura esencial, motivando aproximaciones nuevas en el desarrollo de sus atmósferas y arreglos rítmicos. Una vez más, la dupla de McDuffie y Brett d’Anon ocupa un rol especialmente protagónico dentro de la arquitectura grupal, la cual nunca da señales de agotamiento.   

 

Bueno… ¿qué otra conclusión se puede hacer para esta reseña que no consista en redundar en lo estupendo que es “Multipurpose Trap”? BIRDS AND BUILDINGS ha vuelto a lucirse kilométricamente de la mano de Britton, d’Anon y cía. ¡¡Disco recomendado a la n-potencia!!

Muestras de “Multipurpose Trap”.-

Horse-Shaped Cloud: http://birdsandbuildings.bandcamp.com/track/horse-shaped-cloud

East Is Fort Orthodox: http://birdsandbuildings.bandcamp.com/track/east-is-fort-orthodox

Abominable Pelican: http://birdsandbuildings.bandcamp.com/track/abominable-pelican

Una estupenda novedad progresiva argentina con LÁQUESIS

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En esta ocasión traemos a colación a una banda progresiva argentina procedente de la localidad de Rosario: LÁQUESIS. Formado a mediados de la década pasada, la banda ha pasado varios años elaborando su material propio en sus actuaciones en vivo mientras hacía covers de canciones de KING CRIMSON y otros clásicos de la música progresiva. Por mucho tiempo estuvo el grupo operando como un cuarteto, pero actualmente es un quinteto de Diego Actis [a los teclados], Guillermo Caminer [a las guitarras], Ariel Loza [al bajo y los coros],  Martín Puntonet [a la voz] y Martín Teglia [a la batería y las percusiones], y como tal se luce en su homónimo disco debut, publicado por el sello Viajero Inmóvil justamente en este mismo mes de noviembre. Dicho punto de entrada es la oportunidad para que la banda haga lucir su propuesta ecléctica y dinámica como aporte decisivamente constructivo para el afianzamiento continuo de lo progresivo en la actual escena rockera argentina. De paso, no podemos dejar pasar el arte del disco, el cual muestra a las Tres Parcas con tonos marrones oscuros que realzan muy bien eso de mágico y ominoso que tienen dichas figuras mitológicas: verlas flotando en las orillas del mar en la tapa interior causa un impacto muy especial. Echemos un vistazo al disco en cuestión, ¿vale?

Escuchando el primer tema, titulado ‘Efecto Pacebo’, nos topamos con un buen inicio para el álbum: una canción bien lograda en base a una combinación de neo y jazz-prog donde lo melódico no llega a hacerse meloso, con la justa medida de fuerza rockera sin perder la exquisitez de un swing bien armado. Se puede pensar en paralelos con sus coetáneos de JINETES NEGROS y los chilenos de ASTRALIS, además de los suecos de KARMACANIC, a la hora de describir los datos objetivos de la sonoridad desarrollada en esta canción. Luego sigue ‘Tema X’, que tiene un inicio con un teclado muy cósmico y una batería muy jazz-rockera. Una vez instalado el motivo central, el ensamble entero se prodiga en un vigor exquisito y sofisticado, con un bajo que llena espacios de una forma bárbara. En el desarrollo ulterior de la pieza, el trabajo de teclados se ha puesto un poco más “agresivo”, pero igual sigue predominando lo cósmico, al modo de un EDDIE JOBSON absorbiendo influencias de los lucimientos de RICHARD WRIGHT en el paradigma Floydiano del “Wish You Were Here”. Por su parte, los guitarreos se mueven entre los paradigmas de HACKETT y HOWE con solvencia e ingenio peculiar. El tercer tema, titulado ‘Hamacamatic’, recapitula y capitaliza la energía electrizante de ‘Tema X’ y la lleva hacia una dimensionalidad más explícitamente rotunda. Las pretensiones de crear algo patentemente sofisticado en musicalidad son similares, pero la elaboración de los contrastes entre las secciones filudas y las suaves está mucho más pronunciada: de hecho, los pasajes rockeros tienen un gran parentesco con la línea de trabajo LIQUID TENSION EXPERIMENT, mientras que los momentos tranquilos portan una serenidad envolventemente etérea. Sin duda, conforma un cénit del disco. A continuación siguen ‘Puestas De Sol’ y ‘Lemuria’. ‘Puestas De Sol’ ocupa una extensión de 12 minutos, siendo así que los primeros tres minutos y pico están dedicados a explorar matices delicados e introspectivos; luego se desarrolla una sección más ágil y extrovertida, firmemente fijada en patrones sinfónicos que van desde YES a U.K., pasando además por el jazz-rock estilizado de unos TRIBAL TECH. La sección final vuelve a la introspección, pero esta vez lo hace bajo un suntuoso ropaje épico muy a lo STEVE HACKETT. Por su parte, ‘Lemuria’ empieza como una balada acústica sazonada con aires folclóricos bajo un ropaje sónico etéreo, para luego virar hacia un preciosista ejercicio sinfónico, el cual nos remite simultáneamente a los paradigmas de YES y CAMEL.

La parte final del álbum está conformada por el concepto cuatripartito de ‘Las Moiras’: las secciones están autónomamente tituladas ‘Láquesis’, ‘Cloto’, ‘Atropos’ y ‘Réquiem’, sumando todas una duración de más de 16 minutos. ‘Láquesis’ es colorida y vitalista, fiel a las cadencias ágilmente complejas de los idearios de EMERSON, LAKE & PALMER y YES, con un vigor contemporáneo afín a las líneas de trabajo de KARMACANIC y LIQUID TENSION EXPERIMENT. El hecho de que la sección final de ‘Láquesis’ sea reposado calza muy bien con el sereno lirismo que inunda la segunda sección ‘Cloto’ (afín al estándar de CAMEL), pero pronto vuelve la vitalidad contundente en el cuerpo central de la tercera sección ‘Atropos’. Eso sí, volvemos en el momento del cierre a un pasaje reposado, un tanto Floydiano. ‘Réquiem’ cierra el concepto de ‘Las Moiras’ con una ambientación marcadamente dramática, revestida de una fastuosidad sinfónica impecablemente amalgamada a través del desarrollo melódico, virando hacia parajes cercanos al prog-metal mientras se aproxima el final.

 

En fin, nuestro balance favorito de este disco primero de LÁQUESIS es altamente positivo. Más allá de los temas favoritos que pueda sacar a colación cada oyente individual (nuestros favoritos son específicamente ‘Tema X’ y ‘Hamacamatic’), nos parece desacertado hablar de distinciones entre puntos altos y bajos a lo largo del repertorio de “Láquesis”, pues lo percibimos como un trabajo compactamente parejo a través de si genuinamente progresiva diversidad de ideas melódicas y ambientes. ¡Recomendado!

Muestras de “Láquesis”.-

Hamacamatic [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=PBR4MYlee40

Láquesis [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=viR-1iArSgM

DEFÓRMICA saca a relucir su magia progresiva por tercera vez

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En esta ocasión tenemos ante nosotros el nuevo trabajo fonográfico del grupo bonaerense DEFÓRMICA, uno de los ensambles más intensos e interesantes dentro de la nueva generación progresiva argentina que ha ido realizando y publicando discos en el nuevo milenio. Tras el empuje creativo de los dos discos anteriores “H” y “Páramo”, este quinteto todavía conformado por Alejandro Carrau [teclados], Leonardo Ghernetti [guitarra], Martín León Benito [batería] y Nicolás Pedrero [guitarra] y con un nuevo bajista llamado Chino Vega nos entrega su tercera joya fonográfica, la que precisamente se titula como la banda misma. ¿Cómo podemos introducir sucintamente a “Defórmica”? Bástenos por ahora con señalar que la banda deja desarrollar las aristas más agresivas y filudas de su ecléctica propuesta art-rockera, dinamizándola a sus anchas mientras que preserva su capacidad de elaborar refinados entramados donde los aportes de cada instrumento y cada esquema rítmico ocupa un lugar preciso. Vayamos ahora a los detalles del repertorio de “Defórmica”.

Durando poco más de 2 minutos, ‘Sirena’ supone un poderoso inicio de álbum, conformado por atmósferas robustamente Crimsonianas (en un híbrido de las etapas del “Red” y del “Thrak”) que se explayan en un dinamismo muy fluido. Los siguientes 4 minutos y pico del álbum están ocupados por ‘Pa Tun Tum’, pieza que coquetea a dos bandas con el legado del space-rock y los trazos modernos del post-metal: así, la banda elabora una capitalización de la sofisticada energía sónica introducida en el primer tema. ‘Pirrriiuum’ se encarga de darle un viraje un poco más lírico a la predominante faceta psicodélica de la banda, aunque en lo absoluto supone esto un descenso de vigor, pues definitivamente conserva su vibrante presencia en la ingeniería instrumental; por su parte, ‘Rumba’ desarrolla un juguetón eclecticismo de math-rock, Crimsonismo y krautrock guitarra-céntrico a lo GURU GURU. Se puede decir que esta dupla de ‘Pirrriiuum’ y ‘Rumba’ instaura un clímax rotundo e irresistible dentro de la secuencia del disco. Pero… ¡todavía queda más! – la síntesis de ambas piezas, tal como se encarna inmediatamente después en ‘Turun Pá’, con lo que la perpetuación del clímax llega a una cúspide de esplendorosa neurosis, hábilmente culminada con un cacofónico fade-out.

Y todavía queda más. ‘Toms’ desarrolla un ejercicio de psicodelia pesada de raíz stoner y con tintes jazz-rockeros, algo idóneo para resaltar la presencia de la batería dentro del entramado instrumental. A continuación, ‘¡¡!!!’ retoma la línea de trabajo antes plasmada en ‘Pa Tun Tum’ con una dosis aún mayor de vigor expresivo: los guitarreos son particularmente demoledores, mimetizando sus cadencias con las de la dupla rítmica y del teclado en ciertos pasajes específicamente tensos. ‘Tam Tam’ también retoma factores de ‘Pa Tu Tum’, pero también añade recursos de desafiante sofisticación que ya vimos en la secuencia que va desde ‘Pirrriiuum’ hasta ‘Turun Pá’. Durando poco menos de 5 minutos, ‘Motero’ cierra el disco realzando nuevamente la dimensión más patentemente impetuosa de la banda, incentivando convincentemente la presencia de factores heavy y stoner a través de su amalgama psicodélicamente ecléctica. Un disco como “Defórmica” merecía un final así, rebosante de nervio y fuerza de carácter.

 

DEFÓRMICA concretiza con este tercer disco un tercer triunfo artístico en nombre de la avanzada progresiva contemporánea argentina. Quienes ya los conocíamos de discos anteriores celebramos enormemente que la banda haya sabido renovar coherentemente su ingeniosa esencia musical; quienes no, encontrarán en este disco un estupendo pretexto para investigar en lo que han hecho en discos pasados y lo que acaban de hacer en éste. “Defórmica” dura menos de 40 minutos… ¡pero cuánta sustancialidad artística se destila a través de su repertorio! Al fin y al cabo, se trata de uno de los discos más contundentes de la escena progresiva cultivada en latitudes sudamericanas a lo largo del año 2013.

Muestras de “Defórmica”.-

Rumba: http://deformica.bandcamp.com/track/rumba

Turun Pá:  http://deformica.bandcamp.com/track/turun-p