Libre comunión peruano-chilena de TETÉ LEGUÍA y EDÉN CARRASCO

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La asociación peruano-chilena conformada por el bajista TETÉ LEGUÍA y el saxofonista EDÉN CARRASCO (aunque en la portada aparece el apellido como CARRAZCO) ha creado un muy interesante trabajo de jazz experimental de tendencia psicodélica. LEGUÍA es un músico inquieto dentro de la vanguardia peruana dentro de sus diversos enclaves de avant-jazz, psicodelia e improvisación free-form (TRÍO NUNA, LIQUIDARLO CELULOIDE, TRECTORUM). Por su parte, CARRASCO cuenta con un currículum vitae impresionante que incluye membrecías en URANGALILA, LA PICHANGA, AKINETÓN RETARD (bajo el nombre de EDÉN OCSARRAK), LAKUT, etc. El disco “Teté Leguía & Edén Carrazco” recoge una viaje musical registrado en vivo en el 4 de abril de 2014, en el contexto del evento Improvisación Sonora II, en Youth Experimental Studio, un local de Lima (distrito de Miraflores): su título es ‘Yes’, al modo de las iniciales del estudio donde tuvo lugar el despliegue sónico en cuestión. Con una portada predominantemente roja (diseño gráfico de autoría de LEGUÍA) y un disco de color verde claro, tenemos de entrada un agradable impacto visual. Analicemos ahora el impacto musical en sí.

Tras unos breves instantes de ruidos incidentales donde escuchamos un silbido casual y algunos pasos de los músicos acercándose a sus instrumentos, el bajo empieza a jugar con texturas discretas mientras que el saxo se detiene en ciertas notas para hacerlas flotar como ramalazos de inquietantes colores. La ausencia de batería o secuencia rítmica es aprovechada al máximo por el dúo para explorar todo el espectro de lo amorfo a fin de hacer de las combinaciones de ruido y silencio la estrategia de ingeniería definida para esta aventura musical. A poco de pasada la barrera del quinto minuto, el saxo de CARRAZCO empieza a intensificar su paleta sonora, mientras que LEGUÍA permanece apegado a sus texturas sutiles, dando mil y una vueltas al vacío, dejando que éste sea también un recurso de expresión. La sensación de estar atrapados en un limbo envuelto de densa niebla se alimenta de estos penetrantemente oscuros diálogos entrecortados que establecen los dos músicos con un pulso impecable: hace falta un sabio manejo del pulso creativo para no dejarse desesperar por el influjo del silencio. En la frontera del noveno minuto y medio, el ambiente vira hacia una electrizante neurosis movida por una agresividad misteriosa que vibra desde las cuerdas del bajo; el saxo prontamente se hace eco de este momentum inesperado y también saca su filo expresivo de acuerdo a la situación. Así las cosas, el terreno está preparado para que se arme una intensidad conjunta, algo que los dos músicos se toman su tiempo en articular y reforzar desde la soltura propia de la libre expresión: la sensación de misterio no desaparece, pero sí se nota una creciente luminosidad a medida que este groove dadaísta va progresando hasta su punto culminante, alrededor del minuto 20 y medio. Los últimos minutos de esta aventura se concentran en un ambiente parecido al del inicio de la neurosis que antecedió a la explosión central.  

  

Lo que nos ofrece este dúo de TETÉ LEGUÍA y EDÉN CARRASCO es, ante todo, una aventura, una aventura de quienes la emprendieron y una aventura como misión de quien quiera detenerse a escuchar este registro fonográfico. Hay una magia en este despliegue sonoro que es innegable, un ejemplo de cómo se puede sembrar música interesante a partir de semillas de osadía posmoderna. 


Para escuchar a Yes:  http://buhrecords.bandcamp.com/album/br63-tet-legu-a-ed-n-carrasco

Explorando sonidos con PAUCHI SASAKI y JUAN PABLO ARAGÓN

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El disco al cual prestamos atención ahora es el resultado de la asociación de dos excelentes músicos peruanos: PAUCHI SASAKI [violín, loops y recursos electrónicos] y JUAN PABLO ARAGÓN [guitarra y efectos]. Ella es una músico versátil que cuenta con estudios formales en Perú y los Estados Unidos, involucrada en varios proyectos de música electroacústica como partícipe principal o invitada, además de componer bandas sonoras y ser parte de proyectos multimedia; por su parte, él es principalmente conocido por conformar una mitad del grupo de rock experimental PILOTOCOPILOTO. Lo que aparece registrado en “Pauchi Sasaki & Juan Pablo Aragón” es el resultado de una improvisación en vivo desarrollada en un festival de improvisaciones musicales que tuvo lugar en el local Iris Pub el 11 de junio del 2014, en el distrito limeño de Miraflores. Publicado por el sello peruano Buh Records, la portada del disco contiene una bella foto tomada por ARAGÓN (también experto en artes visuales). Contiene solo una pieza, titulada ‘PSJA’.

La pieza en cuestión apuesta primordialmente por juegos de capas minimalistas que se entrelazan y /o superponen a fin de diseñar y dibujar paisajes cósmicos con una soltura voraz, una soltura afín al sentido de aventura del volar y no a las formas de la arquitectura. Algo muy propio de la tradición del krautrock sintetizado del TANGERINE DREAM pre-“Rubycon” y de CLUSTER, así como del paradigma de FRIPP/ENO, si vale poner paralelos en la descripción. Sasaki y Aragón manejan sus instrumentos y artilugios estableciendo diálogos continuos con una actitud contemplativa, siempre a la expectativa: la naturaleza minimalista de este proyecto se beneficia de ello, y de hecho, entre los minutos 3 y 9 se despliega un retrato sónico de flotante y envolvente serenidad. Sobre la barrera del minuto 9’30”, Aragón introduce una sencilla escala de guitarra sobre la cual se construye un motivo nuevo, haciendo de la reiteración de dicha escala el foco central de los nuevos ensueños sonoros en curso. El crescendo que se va dando genera una luminosidad atrapantemente hermosa que cambia lo envolvente por lo absorbente: en efecto, los sonidos llena espacios alrededor del lugar vital donde se encuentra el oyente.  

“Pauchi Sasaki & Juan Pablo Aragón” es un trabajo de muy buena factura donde se dignifica las concepciones contemporáneas de vanguardia musical a través del énfasis en atmósferas y texturas. Infaltable para quienes perciben y sienten a la música como aventura estética en el sentido más radical de la expresión: SASAKI y ARAGÓN se ofrecen como jefes de expedición para esta aventura de exploración.

Para escuchar PSJA: http://buhrecords.bandcamp.com/track/psja

TRÍO NUNA y su aventura de un 7 de junio

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TRÍO NUNA es el nombre del ensamble peruano conformado por Marco Antonio Mazzini [clarinete], Teté Leguía [bajo] y Pedro Fukuda [batería] para crear una tipología especial de free-jazz embebida de orientaciones psicodélicas, lo cual hace que el sonido grupal asume un nervio muy especial mientras mantiene la elegancia en las interacciones sónicas al modo de la fabricación de una refinada pieza de orfebrería. Su  disco “07.06.2014” contiene un único tema, titulado precisamente ‘Nuna’, la cual perfila una navegación aguerridamente armonizada entre los tres aventureros musicales a bordo. Tal como indica el título de este disco publicado por Buh Records, lo que suena en él fue registrado el día 7 de junio de 2014 en la casa Shehan del distrito limeño de Barranco, en el contexto de un festival de improvisaciones experimentales que congregaba a varios artistas de la escena vanguardista local.

En fin, ‘Nuna’ es una expansión sonora que brilla con pura excelencia. La batería y el bajo inician las cosas con un cierto sigilo, siendo así que cuando el clarinete entra a tallar empiezan rápidamente a asentarse los diálogos sucesivos dentro de una atmósfera de total comprensión intuitiva entre los tres músicos. A poco de pasada la barrera del tercer minuto ya tenemos un swing vigoroso reconocible en curso sobre el cual las líneas del clarinete y los bizarros grooves del bajo se conectan y desafían mutuamente. Leguía sabe cómo hacer lucir su instrumento en aquellos momentos en que se erige en protagonista, mientras que Mazzini hace dibujos sónicos con el suyo. Poco antes de llegar a la barrera del séptimo minuto emerge un delicado momento de caos, el cual no es sino un puente hacia un esquema rítmico robusto y frenético que parece una rara mezcla de JOHN ZORN y ASH RA TEMPEL. Llega un momento en que Fukuda genera chispas de una hoguera con sus tambores y bombos, armando un momentum intenso para que el trío en bloque arme un sortilegio psicodélico arrollador. El grupo sigue jugando con variantes sin perder el pulso de la intensidad ya conquistada y colonizada, abriendo espacios de caos desde donde se puede crear nuevas ideas a ser explotadas con oportuno sentido de lo efímero. Poco antes de llegar a la barrera del minuto 18, el trío se concentra en un motivo más relajado, no ajeno a ciertas tensiones, pero ahora más focalizado en texturas misteriosas que en explosiones sónicas: de esta manera, el grupo se prepara para culminar apropiadamente su aventura tan bien compenetrada. Este disco es simplemente imperdible… ¡y ojalá contemos en el futuro con más y más extensos registros del TRÍO NUNA!    

Para escuchar NuNa: http://buhrecords.bandcamp.com/album/br60-trio-nuna-07062014

FABIO ZUFFANTI y sus múltiples espejos progresivos

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El talentoso y trabajólico multi-instrumentista italiano FABIO ZUFFANTI (especialista en bajo desde sus tiempos en la legendaria banda FINISTERRE, y diversificándose un poco más en grupos posteriores como LA MASCHERA DI CERA, HÖSTSONATEN, LAZONA, etc.) nos brinda su sexto trabajo solista “La Quarta Vittima”, un disco conceptual basado en el libro  “Der Spiegel im Spiegel” (“El Espejo en el Espejo”) de Michael Ende, una selección de relatos surrealistas que giran en torno a la preocupación por lo que pasa cuando un espejo refleja lo que se refleja en otro espejo, y así sucesivamente. Además de ser una valiosa pieza literaria por sí misma, este disco “La Quarta Vittima” resulta también excelente para los apreciadores del rock artístico. Y lo más curioso de este caso es que ZUFFANTI no toca el bajo (asigna las funciones de este instrumento y del contrabajo a Riccardo Barbera), sino que se concentra en los teclados, pedales bajos, efectos, samplers y el canto. La numerosa agrupación de colaboradores de ZUFFANTI en esta ocasión incluye a la guitarrista Laura Marsano, los teclistas Emanuele Tarasconi y Alberto Tafuri, su socio de toda la vida Agostino Macor tocando algo de Theremin, los bateristas Saverio Malaspina Paolo Tixi, Carlo Carnevali y Simona Angioloni en los coros, el vientista Gian Marco Pietrasanta, etc. El disco fue publicado por AMS records en enero de este año 2014, el mismo que marca el vigésimo aniversario de la trayectoria musical de ZUFFANTI.

Yendo ahora a “La Quarta Vittima” en sí, ‘Non Posso Parlare Più Forte’, que dura casi 12 minutos, abre el disco con un vigor claroscuro y una vitalidad sofisticada donde las variantes de motivos y ambientes se suceden de forma compacta. Las secciones que exudan un tenebrista frenesí nos recuerdan bastante a lo que hizo el proyecto L’OMBRA DELLA SERA, y tangencialmente, al modelo escandinavo de ÄNGLAGÅRD y SINKADUS. Otras secciones más serenas nos remiten a la lánguida tranquilidad de CAMEL y a la melancolía estilizada del PINK FLOYD 73-75. ‘La Certeza Impossibile’ sigue a continuación al modo de una balada grisácea, moderadamente densa, un tanto a lo STEVEN WILSON, aunque el peso musical está particularmente centrado en la guitarra acústica y los teclados, no tanto en capas y riffs de guitarra eléctrica. El tercer tema, titulado ‘L’Interno Di Un Volto’, se encarga de reivindicar a la guitarra eléctrica como instrumento proveedor de atmósferas y núcleos temáticos a la par que mantiene la influencia WILSON dentro del actual devenir musical. La densidad y la aureola tenebrosa son marcas relevantes en la ilación temática y la atmósfera plasmada en la arquitectura de todos los instrumentos activos: aunque predomina el medio tiempo, da la sensación de que el frenesí rítmico es mayor, lo cual habla muy bien de la manera en que ZUFFANTI y sus colaboradores han armado el clima general de la pieza. La pieza homónima es la más corta del álbum, durando poco más de 4 ½ minutos: su talante jazz-progresivo melódico sazonado con cierto groove funky alude a las bandas sonoras de las series televisivas de acción de los 70s: en efecto, es casi como si la gente de HATFIELD & THE NORTH y de PERIGEO se hubiera asociado para hacer un jam que sirva como música incidental para un capítulo de la serie “Shaft” o “S.W.A.T.”.

 

‘Sotto Un Cielo Nero’ es la composición más neurótica del álbum, pero no por cuestiones terroríficas sino por su desafiante amalgama de elementos sinfónicos, psicodélicos y free-jazzeros a través de la juguetona ilación de sus diversos motivos. La sección jazzera merece una mención especial por la manera tan sólida que tiene de reciclar y deconstruir los pasajes coloridos que le anteceden; emerge como un duende travieso vestido de etiqueta. ‘Il Circo Brucia’ es un tema aún más extrovertido que el anterior, haciéndose eco de su intensidad expresiva y jugando con atmósferas más oscuras, con lo cual volvemos a los fantasmas y neblinas del prog escandinavo revivalista (ANEKDOTEN, SINKADUS), así como a ciertos trucos netamente Crimsonianos y algunos recursos heredados de la faceta más agresiva de LA MASCHERA DI CERA. La verdad que ‘Sotto Un Cielo Nero’ e ‘Il Circo Brucia’ no son solo canciones sino trípticos pictóricos donde cada una de las múltiples escenas aporta su luminosidad específica dentro de un todo magníficamente tortuoso. La última pieza del álbum, ‘Una Sera D’Inverno’, es una balada intimista dominada por armonías sencillas de piano (acústico o eléctrico, según el momento): el aura contemplativa e introspectiva se plasma en una cálida combinación de post-rock jazzeado (a lo TORTOISE) y sinfonismo inspirado en la vieja escuela italiana.

Como ya muchos prog-melómanos sabemos, el buen ZUFFANTI anunció su partida de LA MASCHERA DI CERA para así disponer de más calidad de tiempo para promover y desarrollar su obra en otros proyectos musicales, lo cual significa que él piensa poner a su obra solista como el centro neurálgico de todo lo demás que él pretenda hacer de ahora en adelante. De hecho ya ha venido dando algunas actuaciones como solista con su banda de apoyo a lo largo del año (cómo no, tocando el bajo, los pedales bajos y cantando cuando no se enrolla en largos pasajes instrumentales como le gusta hacer). Tomando en cuenta lo bien que ha resultado “La Quarta Vittima” en cuanto expresión de música progresiva de nuestros tiempos, siendo efectivamente el más ambicioso de todos sus discos solistas hasta el momento, resulta lógico augurarle más temporadas de intensa y magnífica inspiración desde donde él pueda seguir honrando este estilo que tanto amamos con su maestría habitual.

Muestras de “La Quarta Vittima”.-

Non Posso Parlare Più Forte: http://fabiozuffanti.bandcamp.com/track/non-posso-parlare-pi-forte

Il Circo Brucia: http://fabiozuffanti.bandcamp.com/track/il-circo-brucia

GNU QUARTET: el karma progresivo de la música de cámara

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GNU QUARTET es un ensamble de músicos de cámara italianos que responden a los nombres de Francesca Rapetti [flauta], Roberto Izzo [violín], Raffaele Rebaudengo [viola] y Stefano Cabrera [cello]. Formado en el Conservatorio de Palermo y actuales residentes en la ciudad de Génova, GNU QUARTET – bajo el nombre de GNU QUARTET IN PROG – ha grabado y publicado en abril pasado un disco de tributo al género progresivo titulado “Karma”. De hecho, el inicio de este grupo tuvo lugar en un contexto netamente progresivo: en febrero de 2006, para telonear a PREMIATA FORNERIA MARCONI en un concierto especial de homenaje al cantautor FABRIZIO DE ANDRÈ, Rapetti, Izzo, Rebaudengo y Cabrera prepararon un par de temas que fueron bien recibidos por el público, y de paso, les dejó pensando en la idea de asociarse formalmente como grupo

“Karma” debe ser apreciado como una excursión bien planificada por lugares legendarios, y qué mejor manera que empezar esta excursión que con ‘Peaches En Regalia’ de FRANK ZAPPA y ‘Roundabout’ de YES. La primera de estas piezas es el patrón definitivo de colorido arquitectónico dentro del variopinto ideario Zappiano, convirtiéndolo GNU QUARTET en un ejercicio de estilizada vitalidad, mientras que la segunda ve su swing remodelado ingeniosamente por la amalgama de cuerdas que se desarrolla de principio a fin. Cuando llegamos al clásico de PINK FLOYD ‘The Great Gig In The Sky’, el cuarteto se recoge dentro de la solemnidad exigida para el caso, incluyendo el uso de una máquina de ritmos a cargo de Rapetti: la cantante invitada Durga McBroom-Hudson hace una labor decente para que el bloque sonoro logre aproximarse efectivamente al modelo original. ‘Stereotaxis’ es la composición original que se nos ofrece en este disco. Escrita por el cellista Cabrera, empieza con nebulosas líneas de flauta para que luego el ensamble entero entre en acción con un esplendor conmovedor e intenso. En su brillante ilación de diversos motivos y atmósferas, además de las vibraciones rockeras que advertimos en ciertas líneas de flauta y cello, se nota que el paradigma del prog sinfónico ha sido inspirador de esta pieza, alternando ambientes propios de un PHILLIP GLASS con ideas que podían muy bien haber sido de las cosechas de ISILIDUR’S BANE (etapa de los álbumes “Mind” y “Mind Vol. 2”) y RAMBLIN’ ORCHESTRA.

  

La suave calidez del clásico Genesiano ‘Hairless Heart’ (compuesto por el maestro STEVE HACKETT) queda ahora en manos del liderazgo de la flauta, mientras que la versión del ‘Allegro’ que abría el ‘Concerto Grosso 1” de NEW TROLLS guarda más fidelidad con el original de 1971. Andrea Maddalone aporta la guitarra eléctrica para llenar el bloque sonoro en toda su explosividad y así brindar un definitivo clímax al repertorio de “Karma”. Vale la pena adquirir y atesorar este disco como lo que es, una inspección de la tradición del art-rock desde las raíces de sus inspiraciones académicas, una labor que GNU QUARTET han realizado con suprema maestría. Definitivamente, los elogios hechos al grupo por parte de músicos tan diversos como STEVE HACKETT, PONCHO VIDALES y VITTORIO DI SCALZI (debidamente publicados en la página web de GNU QUARTET: http://www.gnuquartetinprog.com/) son totalmente merecidos. ¡Qué pena que este disco solo dure media hora!

Muestras de “Karma”.-

Peaches In Regalia [en vivo]: https://www.youtube.com/watch?v=SfXlk9DOcLY

Stereotaxis [en vivo]: https://www.youtube.com/watch?v=4EQxTmu70aE

La nueva estrategia maestra de MATS/MORGAN

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MATS/MORGAN (que a veces firman como THE MATS/MORGAN BAND) es un dúo conformado por  dos suecos geniales, el baterista Morgan Ågren y el teclista Mats Öberg (este último, invidente de nacimiento). Los traemos a colación ahora porque el sello Cuneiform Records ha editado a fines de mayo pasado su nueva oferta fonográfica, “Shack Tati”, la cual amenaza seriamente con provocar unánimes elogios así como lo han hecho sus discos anteriores. El último de ello data de 2005 (“Thanks For Flying With Us”), por lo que este retorno al ruedo del dúo es bienvenido con creces. La asociación de Ågren y Öberg empezó cuando ambos eran aún colegiales (¡el segundo ni siquiera había cumplido 10 años de edad!) tras unas actuaciones en eventos escolares. Sus reputaciones como niños prodigio y la magia de su asociación escalaron a niveles estratoféricos cuando formaron ZAPPSTEETOOT en 1984 (ya había dos dígitos en la edad de Óberg por entonces) con el propósito de hacer versiones del vasto repertorio de FRANK ZAPPA. La incredulidad y buenas vibraciones de ZAPPA al respecto están bien documentadas, sobre todo por esa entrañable anécdota en que el genio californiano les invitó a tocar como parte de su banda de apoyo en un concierto que dio en Estocolmo en 1988. Mucho ha llovido hasta ahora, muchos discos han publicado con material propio, en muchos proyectos se han metido estos dos músicos por su cuenta, y ahora nos toca describir y evaluar los detalles de este disco de reencuentro.

La experiencia de “Shack Tati” comienza con ‘Rubber Sky’, tema que dura poco menos de 3 minutos: su colorido vitalista y juguetón nos recuerda al paradigma Zappiano en los tiempos del “Jazz From Hell”. ‘Walk Here’ se orienta más por el terreno del nu-jazz con fuertes resabios de tenor trance, mientras que ‘The Swedes’ se mete a una extravagantemente jovial versión cibernética de R.I.O. donde la prestancia de unos RASCAL REPORTERS y la magia de unos AKSAK MABOUL se mezclan fluidamente. Con sus poco más de 6 ¼ minutos de duración, ‘Mr. Piccand’ se erige en la pieza más larga del álbum: su talante contemplativo se explaya en una serenidad crepuscular revestida de recursos electrónicos etéreos. Esto mismo sitúa al dúo muy cerca al TANGERINE DREAM de la etapa 75-77 así como al VANGELIS de fines de los 70s, aunque es claro que las progresiones armónicas del teclado y los retazos de la armónica se encuadran dentro de los estándares del jazz. Con el final de este tema se engarza el frenesí rotundo de ‘Rappel’, pieza que nos devuelve al vigor colorido de ‘Rubber Sky’ pero con una dosis más vitamínica de polenta expresiva. La dupla de ‘Dracul Of Nancy’ y ‘Tati Bake 2’ sirve para solidificar aún más el bloque sonoro que el dúo sigue recreando con solvencia e ingenio: ‘Dracul Of Nancy’ se apoya en un groove ágil que sabe mantener una espiritualidad sobria (estableciendo así un paralelo con JAGA JAZZIST), mientras que ‘Tati Bake 2’ regresa a la remodelación electrónica de deconstrucciones R.I.O. en base a un esquema rítmico que debía ser humanamente imposible… pero no, es algo concreto que solo pueda hacer el Sr. Ågren. Éste a veces aporta partes de teclado y percusión programada a partir de aplicaciones computarizadas, pero es su socio quien asume los aportes musicales de los sintetizadores en su inmensa mayoría.

‘DJ Fetisov’ brinda una grácil mezcla de la faceta frenética y la faceta sofisticada del álbum, desarrollando a lo largo del camino una ambientación neurótica, mientras que la secuencia de ‘Vinyls & Pusherman’ y ‘The Curse Of Knowledge’ se centra en el dinamismo colorido que el dúo sabe manejar a su antojo. El primero de estos temas ostenta una vivacidad rotunda a través de una sencilla base melódica diseñada con pulcritud; el segundo, por su parte, se orienta hacia un medio tiempo signado por un groove un tanto funky (al estilo del HERBIE HANCOCK de la segunda mitad de los 70s), debidamente sazonado con complejidades nítidamente progresivas. Con la pieza titulada ‘Russian Tourists Not In Line’, el dúo explora nuevamente los terrenos de extravagante fastuosidad que antes vimos plasmada en ‘The Swedes’ aunque con un vigor más neurótico y una ebullición rítmica más sofisticada. En fin, la pieza homónima se encarga de cerrar el álbum con una aureola juguetona que lejos de invitar a simplezas simpáticas nos permite apreciar un nuevo giro de tuerca en la traviesamente retorcida visión musical de la banda: los aires de familia con el ZAPPA 80ero y de JAGA JAZZIST vuelven a salir al frente para esta ocasión. La cita final del primer tema del álbum cierra el círculo musical de una forma entrañable. 

“Shack Tati” es simple y llanamente una delicia, un delicatessen sonoro donde se conjugan aventuras inescrutables y coloridos llamativos: MATS/MORGAN es una dupla mágica e incombustible que encuadra una inacabable fuente de ingeniosa música jazz-progresivo. ¡Disco altamente recomendado!

Muestra de “Shack Tati”.-

Rubber Sky: https://www.youtube.com/watch?v=RwiOHxebDMU

El nuevo despertar progresivo de RODRIGO SAN MARTÍN

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Hoy es el turno del más reciente trabajo de RODRIGO SAN MARTÍN, músico argentino dedicado a esto del rock progresivo en una agenda de 24/7 con sus discos solistas y sus participaciones respectivas en los grupos VANISHED FROM EARTH y SOULS IGNITE. “A Lullaby For Mankind”, publicado en su propia página de Bandcamp en el primer día de enero pasado [http://rodrigosanmartin.bandcamp.com/album/a-lullaby-for-mankind], es su cuarto trabajo solista, y como amante que es de los discos conceptuales, pues éste también lo es: su temática un tanto apocalíptica se traslada a una ilación de canciones y pasajes instrumentales que se enfilan hacia una dinámica combinación de sinfonismo de espíritu moderno, prog-metal y guiños ocasionales a las viejas escuelas del rock progresivo. Los nexos estilísticos con su trabajo precedente “Eyes” son fáciles de advertir, pero cabe resaltar que, debido a la habitual utilización de duraciones restringidas, cada pieza del repertorio funciona como un capítulo dentro de una narración englobante que dura poco más de 40 minutos: lo más usual es que el núcleo melódica de un tema se complete con uno que le precede y/o el que le sucede. El nutrido bloque de colaboradores de SAN MARTÍN en este disco – mientras él se hace cargo de las guitarras eléctricas, acústica y española, algunos teclados, vibráfono y pads – incluye a las vocalistas Jelena Perisic y Canela Sol, su colega teclista Fernando Refay, el bajista Robert Lynch, el baterista Michael Black, y varios más. Repasemos ahora los detalles de “A Lullaby For Mankind”.

La díada de ‘A Lullaby For Mankind (Intro)’ y ‘A Lullaby For Mankind II’ instaura una alucinante secuencia de sonoridades y dinámicas ostensiblemente coloridas en base a una ágil confluencia del clásico legado de unos ELP y las modernas tendencias elaboradas por gente como SPOCK’S BEARD y KARMACANIC. El canto de se encarga de transmitir las aristas más líricas de la visión musical de SAN MARTIN, preparando así el terreno para la irrupción del electrizante ‘The Skies Fall Down I’, tema donde el ensamble se aproxima a los estándares del prog-metal. Por su parte, ‘The Masterplan’  se deja arropar por tenues atmósferas etéreas a través de una ceremoniosa aura de sobriedad. Así las cosas, la secuencia de ‘Intermission I’ y ‘The Dark Ages’ se encarga de devolvernos al colorido y la pomposidad tan esenciales para el ideal progresivos: ‘Intermission I’ establece una mezcla peculiar (y muy breve) de estilizaciones sinfónicas y grooves jazzeros, mientras que ‘The Dark Ages’ nos remite a una vitalista aproximación a las facetas más enérgicas del lenguaje progresivo en una sólida confluencia de sinfonismo y prog-metal (un poco afín a la banda compatriota WILLIAM GRAY), incluso incorporando un talante dramático a las intervenciones cantadas. ‘Colonization’ irrumpe a continuación para introducir unos sorprendentes aromas a lo Latin-jazz, lo cual resulta idóneo para que cuando llegue el turno de ‘Intermission II’, el flujo de la ilación melódica se maneje con debida pulcritud a despecho del patente aumento de energía expresiva que tiene lugar. ‘A Lullaby For Mankind III’ vuelve al motivo de la Parte II y la adorna con nuevos quiebres temáticos.

La secuencia de ‘Two Children Are Born’ y ‘He’s Here’ supone la instauración de un nuevo momentum de luminosidad rockera, un nuevo ejercicio de estilizaciones fastuosas cimentadas sobre una claridad melódica patente. ‘No One Knew’ sigue por esta senda luminosa y absorbe su buena dosis de teatralidad musical referida a varias de las canciones precedentes. ‘Mass’ y ‘The Sky Falls Down II’ son sendos interludios que aportan interesantes recursos de variedad al asunto: el primero consiste en un canto operático mientras que el segundo se explaya en una agilidad rockera directa y vibrante. Los últimos pasajes de este segundo interludio elaboran una explosiva fastuosidad que desemboca en ‘For Everyone To See’, canción encargada de brindarnos poco menos de dos minutos de serenidad contemplativa antes de que emerja el último lapso de musicalidad incendiaria. En efecto, las dos partes de ‘We Will Drown In A Sea Of Ignorance Until We Evolve Into Something That Can Turn It Into Oxygen’ encapsulan una buena síntesis de los elementos de sinfonismo y prog-metal que han venido imponiéndose a lo largo de todo del repertorio nuclear del disco. Terminando con ‘Coda’, el álbum se cierra con tonalidades Floydianas en base a las delicadas armonizaciones de piano, guitarra y piano eléctrico, siendo así que los arpegios y fraseos se dejan caer cuales gotas de rocío al atardecer.

“A Lullaby For Mankind” es, en resumen, una nueva muestra auténtica y bien elaborada de la visión progresiva que proyecta RODRIGO SAN MARTÍN como núcleo esencial de su concepto del rock artístico.

Muestras de “A Lullaby For Mankind”.-

The Masterplan: http://rodrigosanmartin.bandcamp.com/track/the-masterplan

The Dark Ages: http://rodrigosanmartin.bandcamp.com/track/the-dark-ages

He’s Here: http://rodrigosanmartin.bandcamp.com/track/hes-here

Luz y oscuridad de KANT FREUD KAFKA

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KANT FREUD KAFKA no es solamente el nombre de una tríada de figuras eruditas que representan sucesivamente a la cúspide decisiva de la filosofía racionalista moderna, la gestación del psicoanálisis y el surgimiento de la narrativa contemporánea. También es, y ante todo, el nombre de un proyecto progresivo dirigido por el baterista y compositor barcelonés Javi Herrera, el cual se manifiesta en el excelente disco conceptual “No Tengas Miedo”. Herrera toca batería en THE LOGICAL GROUP, un quinteto que rinde tributo al legado de SUPERTRAMP. En cuanto al caso específico de KANT FREUD KAFKA, su línea de trabajo se enfila directamente por las pautas del prog sinfónico pero no lo hace de manera dogmática, sino alimentándola y remozándola con recursos eclécticos manejados con buen gusto y un meticuloso respeto por la fluidez de la musicalidad que irrumpe en cada momento concreto. Herrera se encarga de la batería, percusiones, teclados y programaciones, mientras que cuenta con una gran cantidad de colaboradores a las guitarras, el sintetizador, el bajo, las maderas y las cuerdas; en muchos pasajes son las maderas quienes ocupan un rol protagónico, mientras que las guitarras de Pol Sánchez saben lucir su eléctrica energía cada vez quela ocasión lo amerita. Tal como se nos informa en el Facebook de KFK, la idea de este disco surgió a partir de una narración inquietante en torno al miedo a la oscuridad: en palabras de Herrera, “esa historia desencadenó un primer proceso de composición y grabación de una maqueta que, tras largos años olvidada, ha madurado, reescribiéndose en parte y resurgiendo con fuerza de la mano de una necesidad vital, siempre latente, de materializarla en un disco primero y darla a conocer después.” Pues bueno, ya tenemos aquí la realidad de “No Tengas Miedo” y ahora pasamos a repasar sus detalles sónicos.

  

Ocupando los primeros 7 ¾ del disco, ‘Principio’ comienza con una solemnidad etérea y un tanto siniestra en base a unas capas de teclado que llenan espacios imponentemente: el siguiente momento es un interludio de piano ceremonioso, el mismo que abre paso al cuerpo central, el cual nos remite al bloque sonoro del ensamble en un cálido ejercicio de sinfonismo que se hermana tanto con la tradición de unos YES y unos KING CRIMSON como con figuras actuales tales como THE FLOWER KINGS y KARMACANIC. La manera tan fluida con que se hilan los diversos motivos y ambientes da buena fe del ingenio arquitectónico con el que se ha diseñado la musicalidad de este poderoso tema de entrada. Luego sigue ‘Dama’, pieza que se explaya ambiciosamente por un espacio de 12 ½ minutos. Empieza con un piano solo, así como concluían las últimas notas de ‘Principio’, pero la belleza esencial del núcleo melódico de este pasaje recién se expresa abiertamente cuando entran en acción los colores del violín, el cello, el oboe, el clarinete y la guitarra española, añadiendo sucesivamente sus colores mientras que la orquestación de teclado completa el sustento de base. Pasamos desde el estándar de THE ENID hasta el de MIKE OLDFIELD en medio de esta maraña de ensoñadoras texturas y atmósferas, y más adelante, cuando la batería emerge para darle un decisivo sostén rítmico a esta serie de ensueños sónicos, la cosa adquiere matices relativamente Floydianos… Al menos por un rato, pues en algún momento llegamos a una instancia donde el equilibrado orden se trastoca en un caos extraño y reposadamente delirante, como si se tratara de una confusión absorbente tras el resquebrajamiento de algo enorme. El último paraje sirve para retomar la atmósfera inicial. ‘Viajes’ empieza con un tenor parecido al de ‘Principio’ en su preludio, pero pronto el cuerpo central nos revela un tempo jazz-funky sobre el que la guitarra y los teclados se explayan en la creación de colores atractivos. Tras un breve interludio orquestal, el ensamble rockero vuelve a la acción para perpetrar un dinamismo poderoso y opulento, posiblemente con un toque de KANSAS.

 

Con la secuencia de los dos últimos temas ‘Antítesis’ y ‘Hombre’ se llena un espacio de casi 27 minutos. ‘Antítesis’, tras un inicio ceremonioso donde vuelven a emerger los aires a lo THE ENID, da rienda suelta primero a un ágil motivo jazz-progresivo que tiene algo de Cantebury pero con un talante Cameliano bien marcado. Una segunda parte refleja una actitud más serena, basada en un motivo etéreo. Luego siguen otras dos secciones más patentemente intensas, movidas por una combinación de estilizaciones profusas en el departamento melódico y grooves llamativos en el factor rítmico: cabe hacer una mención especial a los solos de sintetizador que irrumpen con esplendorosa magnificencia en la segunda de estas secciones extrovertidas. El cierre de guitarra acústica y madera concluye las cosas con prístina elegancia y prepara el terreno para ‘Hombre’, el tema que se ocupa de completar el repertorio con un marcado acento luminosamente épico. Ciertamente, ‘Hombre’ se catapulta desde el vigor expresivo desarrollado en la secuencia de las dos piezas previas. El piano elabora un prólogo sereno donde lo romántico y lo turbio se mezclan fluidamente, y para cuando entran en acción las maderas, la guitarra acústica y la dupla rítmica para instaurar un momentum cálido, nos sentimos protegidos por un candor reflexivo que nos recuerdan al ANTHONY PHILLIPS de su clásico debut “The Geese & The Ghost”. Pero no tardará en emerger un pasaje tenso y tenebroso donde los solos sucesivos de sintetizador y guitarra eléctrica marcan la pauta de la sutilmente compleja fiereza sónica que se viene armando. Finalmente, un ejercicio de solemnidad épica a lo PINK FLOYD cerrará el círculo de eclécticas emociones que se ha desarrollado en ‘Hombre’, y con ello, también el disco.

  

KANT FREUD KAFKA es una gratísima sorpresa dentro de la música progresiva hecha en España durante el presente año 2014. En su página de Bandcamp [http://kantfreudkafka.bandcamp.com/] hay instrucciones sobre cómo obtener un ejemplar físico de “No Tengas Miedo”, a la vez que se puede disfrutar del disco mismo en cualquier visita internauta. Siempre es de agradecer enormemente la oportunidad de presenciar y disfrutar de música progresiva interesante e ingeniosa mientras sigue avanzando el nuevo milenio.    

Muestras de “No Tengas Miedo”.-

Principio: https://kantfreudkafka.bandcamp.com/track/principio

Antítesis: https://kantfreudkafka.bandcamp.com/track/ant-tesis

El testimonio vivo de IL CASTELLO DI ATLANTE

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy volcamos nuestra atención en el más reciente registro fonográfico de la legendaria y aún vigente banda italiana IL CASTELLO DI ATLANTE, el CD+DVD en vivo “Capitolo 8: Live”. De hecho, se trata del octavo capítulo de su biografía fonográfica si contamos todos los ítems de estudio y en directo que estos campeones del prog sinfónico italiano tienen en su currículum vitae; una peculiaridad simpática referente a “Capitolo 8: Live” es la circunstancia de que se trata de su primera producción para un sello latinoamericano, a la sazón, Azafrán Media. Hoy por hoy, IL CASTELLO DI ATLANTE opera como un sexteto conformado por los veteranos Aldo Bergamini [guitarras, voz y teclados adicionales], Roberto Giordano [teclados y voz], Dino Fiore [bajos, contrabajo y Theremín], Paulo Ferrarotti [batería, percusión, voz y teclados adicionales] y Massimo Di Lauro [violín y teclados adicionales], además del joven baterista-percusionista Mattia Garimanno. Este ítem recoge una actuación de la banda que tuvo lugar en el Teatro Municipal de Casalborgone, a fines de marzo de 2012. Ha sido largo y tedioso el trayecto musical que ha forjado IL CASTELLO DE ATLANTE desde su fundación en 1974, en la localidad piamontesa de Vercelli, tan tedioso que recién pudo gozar de un contrato de grabación oficial a inicios de los 90s por iniciativa del sello Vinyl Magic. No cabe duda que este impulso inicial (ansiado por muchísimos años) nos permitió disfrutar de un catálogo abundante que fue grabado en varios discos a lo largo del tiempo. El estilo de la banda se hermana fehacientemente con los cultivados por sus coterráneos de PREMIATA FORNERIA MARCONI y LE ORME en sus cúspides de gloria creativa, así como en los estándares definitivos de JETHRO TULL, GENESIS y YES: tenemos, así, un sinfonismo ampuloso donde la arquitectura sónica se siente extremadamente cuidada, incorporando además sanas dosis de colores folclóricos y ocasionales excursiones en vibraciones fusionescas.

Lo que tenemos en “Capitolo 8: Live” es básicamente una recapitulación demostrativa de esta “venganza” que IL CASTELLO DI ATLANTE se ha estado tomando contra los peores demonios del negocio musical desde su disco debut “Sono Io Il Signore Delle Terre Ad Nord” del 1992 hasta “Tra Le Antiche Mura” del 2009. El DVD recoge el concierto completo que mencionamos antes, mientras que el CD omite uno de ellos por simples problemas de espacio; no importa, el disfrute de ambos testimonios musicales está garantizado En cuanto al repertorio del DVD en sí, pues qué mejor que abrirlo que con ‘Non Puoi Fingere’, una de las composiciones más majestuosas de su álbum “Quintessenza”. La sólida instalación de los diversos motivos, el peso tan poderoso que tiene el violín a la hora de completar las orquestaciones de teclado  y la pulcra belleza con la que el piano desarrolla los momentos más patentemente líricos (basados ya en la tradición barroca, ya en la romántica). El oyente-espectador tiene ya garantizada una sensación de empatía estética para con los músicos que está observando, y dicha empatía solo pueda aumentar en intensidad cuando siguen dos temas de su disco debut, ‘La Foresta Dietro Il Mulino Di Johan’ e ‘Il Saggio’, respectivamente. Con esta tríada inicial, IL CASTELLO DI ATLANTE brinda señales inequívocas de su talento para alternar e hilar pasajes serenos y filudos con insuperable fluidez. El carisma y soltura de Ferrarotti, frontman del grupo, se hace notar también sin ningún tipo de empacho: cuando sale al frente para dirigirse al público o alternar el canto solista con Bergamini o Giordano, se adueña del escenario al mismo estilo que un Franz Di Cioccio. Los tres temas siguientes provienen de “Tra Le Antiche Mura”: la pieza homónima, ‘Leggi E Ascolta’ y ‘Malebolge’. Todos estos añaden una ceremoniosidad fastuosa a los obligatorios esquemas de color musical que IL CASTELLO DI ATLANTE ostenta orgullosa y solventemente como sello personal. Cabe añadir que en el caso específico de ‘Malebolge’ también se añaden matices oscuros y turbios a varias atmósferas de la canción en cuestión. Por otra parte, la introducción de Theremín que desarrolla Fiori (mientras bromea con Ferrarotti y Bergamini) en ‘Leggi E Ascolta’ se siente como un verdadero exorcismo, pero en realidad se trata de un retrato sónico de alguna bruma crepuscular que pronto abre campo al explayamiento de elegante luminosidad que elabora el sexteto en bloque. ‘Stava Escritto’ (canción que originalmente cierra el segundo álbum “Come Il Sequitare Delle Stagioni”) es una pieza vibrante que se presta para introducir un jam sobre el cual se hace la presentación de los músicos del grupo, siempre a cargo del enérgico Ferrarotti. En fin, ‘Il Vesillo Del Drago’ pone la coda del concierto con un acrecentado sentido orquestal, lo cual se debe a que el guitarrista Bergamini aporta una labor de teclados a la que ya tiene a cargo Giordano: la verdad que se trata de un final precioso para un concierto magnífico y señorial.

Cuando IL CASTELLO DI ATLANTE está anunciando en su perfil de Facebook el próximo arribo de su siguiente trabajo de estudio “Arx Atlantis” – en el cual todavía están trabajando arreglos compositivos y grabaciones de instrumentos –, nuestra apreciación y disfrute de “Capitolo 8: Live” servirán como pretextos idóneos para seguir admirando muchas de las mejores composiciones que llenaron sus discos anteriores. ¡Este castillo musical es indestructible!

Muestra de “Capitolo 8: Live”.-

Il Vesillo Del Drago: http://www.youtube.com/watch?v=pLj8tjcFt7g

ENTITY: el nuevo centro neurálgico del prog sinfónico italiano

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos topamos con el grupo italiano ENTITY, formado hace 20 años en la localidad de Sardinia con la misión de aportar su grano de arena a esa luminosa playa del rock sinfónico que tan peculiar genialidad exhibe en ese país mediterráneo. Su disco debut “Il Falso Centro”, publicado por Lizard Records a fines del año pasado y reeditado por el mismo sello en conjunto con Locanda Del Vento el 1 de febrero de este mismo año, da buena cuenta del nivel de éxito con que ENTITY han concretado su misión. Con un encuadre melódico sólidamente desarrollado por los hermanos Mauro y Marcelo Mulas (teclista y guitarrista respectivamente, siendo el primero la principal figura del grupo, según parece) y la bien afiatada armazón rítmica del baterista Mauro Panzino y el bajista Gigi Longu (quien también aporta guitarras adicionales), la plenitud de musicalidad está altamente garantizada. Con el canto de Sergio Calafura se completan las fichas de este hermoso juego prog-sinfónico que tenemos en nuestras manos. El grupo ha mantenido una actividad intermitente a lo largo de los años – incluyendo una actuación como telonero de JETHRO TULL en 2001 – pero ha sido recién en diciembre de 2013 que ha logrado meterse en el entrono fonográfico. Nos da un poco de pena haberlo descubierto tan impuntualmente, pero ahora que lo hemos hecho, no podemos esperar más a contar lo que nos ha parecido este disco.

 

‘Davanti Allo Specchio’ abre el álbum con una estilización serena de colores exóticos portadores de una sobria tonalidad aflamencada: el piano de Mulas dirige la escena sonora con plena pulcritud, dirigiendo al desarrollo melódico en curso por su tránsito de sucesivos momentos relajados e intensos. Acto seguido viene el maratónico tema ‘Il Desiderio’, el cual dura poco más de 16 ½ minutos. Los vuelos instrumentales plasmados sobre una intensa cadencia en 5/4 plasman influencias de ELP, PFM y YES con oportunos toques modernizados que ayudan a crear un vigor rockero especial. Poco más de 8 minutos se toma el ensamble instrumental para virar hacia el compás de 6/8, y es entonces cuando escuchamos por primera vez el canto de Calafiura. A partir de allí, el acento dramático de la pieza se instaura de manera bien focalizada: mientras el grupo alterna tempos de 6/8 y 5/4 en lo que queda de los desarrollos multi-temáticos y pasajes donde se lucen solos de guitarra o sintetizador, Calafiura funge como exorcista de los mensajes líricos que quedan bajo su cargo. ‘Il Tempo’ es otro tema de intenciones musicalmente ambiciosas, pero esta vez en clave de balada progresiva: la marca principal del motivo central está en una melancolía reflexiva al más puro estilo de BMS (pensamos en su brillante tercera obra “Io Sono Nato Libero”) y LOCANDA DELLE FATE, pero además cabe resaltar la etérea aureola cósmica que arropa al desarrollo melódico diseñado para esta canción en particular. Por su parte, ‘Il Trip Dell’Ego’ despliega elementos psicodélicos preciosistas sobre un swing que tiene mucho de jazzero: la canción tiene poca letra en sí, por lo que lo más apreciable en ella está en la fluida serie de interacciones entre los instrumentistas, quienes trabajan en bloque para preservar la coherencia expresiva de las atmósferas donde se insertan las ideas musicales en curso.

‘“ANT”’ empieza con un pasaje de piano bastante solemne, en muchos aspectos reminiscente del paradigma Chopiniano. De esta manera se asienta con firmeza la espiritualidad otoñal de la canción, la misma que se expresa con convincente energía para que la fuerza de voluntad y la vulnerabilidad se fundan en un solo ímpetu. Luego sigue la segunda canción más extensa del álbum ‘L’Armatura’, que dura casi 12 ¾ minutos: ésta comienza revelando las sonoridades más musculares de todo el disco, metiendo un punche rockero a lo BLACK SABBATH a través de ideas melódicas inspiradas en los clásicos estándares de ELP y YES. Para las partes cantadas, el grupo decide centrarse en cadencias rítmicas lentas que permitan generar recursos de solemnidad expresiva, comunes a lo que encontramos en las creaciones de otros grupos italianos como LE PORTE NON APERTE y UNREAL CITY. El álbum se cierra con ‘La Notte Oscura Dell’Anima’, pieza de naturaleza reflexiva que remodela uno de los motivos centrales de ‘Il Tempo’ y que se centra en emociones vulnerables merced a la cálida interacción entre voz y piano.

 

“Il Falso Centro” nos revela en ENTITY como una banda a la cual debemos seguir la pista en nuestras investigaciones sobre el estado presente del ideal del rock sinfónico en la escena italiana: este disco es una buena referencia para la música progresiva hecha en 2013 y ciertamente esperamos que no sea la última que venga de parte de este quinteto. 

Muestras de “Il Falso Centro”.-

L’armatura [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=45SwFMY7MRM

FACTOR BURZACO... y van tres

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Siempre es una grata ocasión hablar del ensamble argentino avant-progresivo FACTOR BURZACO, especialmente si el pretexto para ello es la publicación de un nuevo disco de su parte. En efecto, el sello italiano AlrOck ha publicado en el pasado mes de febrero la tercera obra de FACTOR BURZACO, titulada simplemente “III”. Abel Gilbert vuelve a ponerse al frente del grupo solamente desde los roles de compositor y arreglista. La cantante Carolina Restuccia, el guitarrista Pedro Chalko, el baterista-percusionista Facundo Negri y el bajista Carlos Eduardo Quebrada Vásquez arman el quinteto performativo nuclear, al cual apoya una pléyade de efectivos invitados: Sebastián Preit a los teclados, Jacopo Costa a la marimba, Luciano Gambastiani a los clarinetes, Rosa Nolly y Martín Proscia a los saxos, Sergio Catalán a las flautas, además del apoyo vocal de The Nonsense Vocal Ensemble. El bloque sonoro que se despliega y desarrolla a lo largo del repertorio del disco es brutalmente poderoso, logrando así aportar una fuente importante de vitalidad e ingenio para la escena actual del rock-in-opposition y demás propuestas progresivas experimentales: específicamente, la vitalidad se siente con bastante punche rockero a lo largo y ancho de la peculiar sofisticación que define la esencia musical de este ensamble. Vayamos ahora a los detalles de “III”.

Durando poco menos de 2 minutos, ‘Donde Nos Habíamos Quedado’ da inicio a las cosas con un talante perturbador sin iniciarse con una actitud chocante, pues el canto y la guitarra acústica parecen sumarse a una suave travesura… pero pronto se revela un ímpetu extravagante en el modo en que la guitarra eléctrica y los arreglos de maderas arman un crescendo para el pasaje final. De esta manera se prepara el terreno para la emergencia de ‘La Vera Storia De Tristan O’, un fascinante ejercicio de osada vitalidad al modo del HENRY COW de la época del “Western Culture”, y con algunos matices a lo UNIVERS ZERO también, aunque sin una actitud tan oscurantista. Definitivamente, FACTOR BURZACO sabe aplicar una arquitectura sónica impecable para ilaciones de implacables disonancias y esquemas rítmicos sumamente exigentes. ‘Evasión Imposible’ es otra pieza cantada donde el grupo exhibe una espiritualidad más ágil, la misma que nos recuerda en ciertas armonizaciones de guitarra al estándar Crimsoniano, aunque también hay alusiones a los paradigmas de ART BEARS y THINKING PLAGUE: de hecho, Restuccia funge cabalmente con su rol de intensa exorcista desde detrás del micrófono para situarse en el centro del desarrollo temático de la musicalidad en curso. ‘Arnoldturro’ se explaya en esquemas anarquistas en los que el lenguaje de la avanzada progresiva explora las dimensiones surrealistas de nuestra racionalidad, al modo de una cruza entre ZAPPA y HENRY COW, mientras que la dupla rítmica apela a un groove de corte jazz-rockero en la mayoría de los pasajes a fin de insuflar un poco de aire fresco a este juego de alucinadas deconstrucciones. ‘LAS’ vira hacia una solemnidad otoñal y sutilmente inquietante: como si la canción anterior hubiese abierto la puerta hacia otra dimensión de la mente, ‘LAS’ observa a fondo esta nueva dimensión y se deja llevar por las atmósferas bizarramente etéreas que la llenan de cabo a rabo. ‘Transición Marimba / Asudepmal’ sigue por esta exploración empezando con efluvios de marimba, siguiendo con capas flotantes de efectos de voz y guitarra, y finalmente creando una ambientación serenamente grisácea que nos puede recordar, en parte, a TORTOISE.

‘Inter Dicción’ parece surgir del empuje creativo de las tres piezas precedentes y exhibe el pico de energía expresiva del disco con una portentosa mezcla de sofisticación punche y fineza. La conexión entre los diversos motivos y la integración de las diversas atmósferas reflejan la lucidez perfecta necesaria para que la ingeniería musical en curso se concretice con la magnificencia que exige el momento. ‘Soga’ se revela como un cántico aventurero mientras que ‘Sogafunc’ exhibe una aguerrida mezcla de avant-jazz, funk y rock duro de vieja escuela. Este tema bipartito, valioso en sí mismo por su particular luminosidad, opera también como interludio a la ambiciosa pieza de poco más de 14 minutos de duración que se titula ‘Silicio’ y que está a cargo de cerrar el álbum. Esta composición le saca el jugo a su patentemente épica expansión encapsulando y esquematizando una ingeniería multi-temática abundantemente ingeniosa, ciertamente alusiva a los modelos de ZAPPA, UNIVERS ZERO y THINKING PLAGUE a través del filtro particular del ensamble: hay momentos para coloridos traviesos, crescendos bien cuidados, predominio de sonoridades acústicas y actitudes sigilosamente contemplativas, dinamismos de inspiración jazzera… e incluso un parsimonioso discurso donde la voz se multiplica a sí misma sin que el oyente puede decidir si está ante un ritual mágico o recibiendo la advertencia de un peligro inminente. Y bueno, parece que es lo segundo, pues cuando aún no se acaba el fade-out del discurso en cuestión, los instrumentistas se asocian en una coda que comienza con un vigor apabullante y termina con una ensoñación un tanto tenebrosa.

 

Siendo como es uno de los trabajos más alucinantes de la variopinta movida progresiva sudamericana del presente año 2014, “III” resulta una apuesta segura para todos/as los/as amantes del rock de vanguardia. De la mano de Abel Gilbert, FACTOR BURZACO reafirma su lugar como figura señera de la música avant-progresiva argentina.