Sigo tan sediento de absoluto como cuando tenia veinte años, pero la delicada crispacion, la delicia acida y mordiente del acto creador o de la simple contemplacion de la belleza, no me parecen ya un premio, un acceso a una realidad absoluta y satisfactoria.
HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Con la presente les traigo ahora a la banda italiana ROHMER. Se trata de una banda de reciente formación pero no conformada por neófitos, pues su origen proviene de las cenizas de FINISTERRE, grupo que fue tan vital para el revival progresivo italiano de los 90s. ROHMER está formado por Fabio Zuffanti (bajo y efectos), Agustino Macor (sintetizadores, mellotron, piano eléctrico y glockenspiel), Maurizio di Tollo (batería, percusión y guitarra) y Boris Valle (piano y órgano), y para su disco homónimo editado el mes pasado, cuenta con una buena cantidad de invitados ocasionales a la flauta, saxos, trompeta, viola, guitarra solista, además de recitadoras en algunos soliloquios en idioma francés.
El sonido y el estilo de ROHMER se hacen eco de la psicodelia estilizada del último FINISTERRE (“La Meccanica Naturale”), el jazz-rock relajado de ZAAL y el post-rock envolvente de LAZONA, haciendo una cuidada amalgama de todas estas fuentes en una mezcla que también incluye elementos ambient (a lo TALK TALK de los últimos discos), prog sinfónicos y space-rock. Como ven, he mencionado en la lista de influencias a otros proyectos donde estaban involucrados Zuffanti, Macor y Valle: ROHMER es producto de inquietudes definidas dentro de un contexto particular de profunda camaradería en el rock artístico. El resultado final es rico en texturas pero nada ostentoso en cuanto al ingenioso uso del colorido musical, pues ciertamente la banda se apresta a mantener de manera consistente una ambientación relajada y ensoñadora en el repertorio de “Rohmer”.
HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
De Uzbekistán (más precisamente, de la ciudad de Tashkent) proviene FROMUZ, un relativamente veterano ensamble de jazz-rock progresivo que en el año 2008 nos ha entregado esta joya de musicalidad, potencia y virtuosismo que es “Overlook”. El sonido de esta banda está enmarcado en la faceta del progresivo enlazada con el jazz-rock moderno de tintes pesados. Después de un excelente disco debut titulado “Audio Diplomacy” (2007) que recibió reseñas impresionantemente positivas, ahora llega su segundo lanzamiento fonográfico con un debido trabajo de estudio – “Overlook”. Este disco supone uno de los más explícitamente explosivos del año 2008 en cuanto al despliegue de solvencia técnica y la exhibición de polenta sonora, muy a tono con lo que hacen bandas como KARCIUS, PLANET X y LIQUID TENSION EXPERIMENT. También se pueden notar guiños a FERMATA y MODRÝ EFEKT, bandas que en los 70s crearon un eximio sendero musical jazz-prog en la entonces Europa del Este (al otro lado de la "Cortina de Hierro").
Para quienes gustan de CDs explotados en su formato, pues FROMUZ les da en la yema del gusto con este repertorio que consta de cinco piezas que duran entre 11 y 17 minutos – teniendo en cuenta lo que suena, se trata de una verdadera demostración de pretensiones compositivas y performativas. Las cualidades principales de FROMUZ se pueden reducir a una: la del gusto por el eclecticismo, el cual es bien llevado por un cauce de consistencia sonora en medio de la variedad intrínseca. Notamos elementos de fusión, space-rock electrónica, prog metal, rock duro instrumental a lo Steve VAI y los aspectos más ampulosos del rock sinfónico estandarizado, bien amalgamados dentro del progresivo jazzeado que la banda cultiva con convicción, comodidad y genuinas pretensiones artísticas. Ninguna pieza del repertorio de “Overlook” contiene desperdicio alguno en cuanto a la variedad de recursos y giros temáticos. Vayan mis palabras de ovación para Albert Khalmurzaev (teclados), Andrew Mara-Novik (bajo), Vitaly Popeloff (guitarras) y Vladimir Badirov (batería.)
HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Antes que nada, vayan mis bendiciones para todos ustedes con miras hacia unas Felices Fiestas Navideñas 2008.
Ya que el año está de salida, permítanme hablarles del grupo mexicano 1870 (MIL OCHOCIENTOS SETENTA), una de las más recientes sorpresas agradables para la música de vanguardia. Con le disco debut “Mitos de una Resurrección” editado en los últimos meses de 2008 por Luna Negra, la música chamber-rock de 1870 tiene una clara ligazón con las obras primeras de ART ZOYD y UNIVERS ZERO, y también con el osado legado musical de sus compatriotas pioneros de NAZCA. 1870 le aporta una frescura especial a este legado mediante el énfasis de recursos propios de la musique concrete y ambientaciones inescrutables electrónicas que nos remiten a otros visionarios compatriotas como ALQUIMIA y OXOMAXOMA, así como al krautrock minimalista de los legendarios KLUSTER. Los miembros de la banda son Gustavo Albarrán (corno francés, voz, platillo, tambor), Alfonso Cosme (corno francés procesado, percusión, teclado), Karel Gómez (oboe, corno inglés, theremin) y Hugo Luque (efectos electrónicos y procesamiento de datos en tiempo real), siendo así que el primero de ellos es el compositor de todas las piezas del álbum. “Mitos de una Resurrección” es un concept-disc inspirado en la poesía del Conde Lautreamont. Justamente el nombre de la banda proviene del año del prematuro fallecimiento del susodicho poeta francés, precursor de formas modernistas del género literario que habría de alumbrar diversas expresiones vanguardistas en las primera décadas del siglo XX.
El repertorio alterna atmósferas flotantes e inquietantes con fanfarrias elegantemente enarboladas, pasando por momentos de tensión electrónica abiertamente tenebrosa y otros más inclinados a reflejar una calma otoñal, engañosa en su inmenso misterio. Se puede escuchar parte de su material en su blog de Myspace http://www.myspace.com/1870rio - ¡¡a disfrutar!!
Our 2008 picks are the best examples of what's new and exciting about the Progressive Music scene this year. The Autopoietican Team carefully looked for and listened to all these albums during the prior 12 months, and we can attest to their high quality, great musicianship, and in a few surprising cases, extraordinary musical creativity to bring the progressive genre to a new level of innovation.
En este post les presentamos la lista de nuestros albums progresivos favoritos del año 2008, sin ningun orden premeditado.
Prog Metalico/Prog Pesado: IL BACIO DELLA MEDUSA – “Discesa dagl'Inferi d'un Giovane Amante” [Italia] OCTOPUS - "Coda" [Chile] CANVAS SOLARIS- "The Atomized Dream" [USA] CYNIC – “Traced in Air” [USA] EPHRAT - "No One's Words" [Israel]
Prog Eclectico BEARDFISH - "Sleeping in Traffic (part II)" [Suecia] FROMUZ - "Overlook" [Uzbekistan] TÉMPANO - "Memoria Selectiva" [Venezuela] HANDS - "Strangelet" [USA] GURTH - "Tormentes" [España] KHARMINA BURANNA - "El Arte de Seguir Vivos" [Peru] MATTHEW PARMENTER - "Horror Express" [USA]
Psicodelico/Espacial MAHOGANY FROG – “DO5” [Canada] DUNGEN - "4" [Suecia] ORESUND SPACE COLLECTIVE - "Inside your Head" [Dinamarca, Suecia, USA] HONDURAS LIBREGRUPO - "La Única Posición es la Oposición" [Argentina] POSEIDÓTICA - "La Distancia" [Argentina]
Prog Sinfonico: KEITH EMERSON – “Keith Emerson Band featuring Marc Bonilla" [UK, USA] BIRDS AND BUILDINGS - "Bantam to Behemoth" [USA] SAENA - "Saena" [Mexico] THIEVES KITCHEN - "Water Road" [UK] VERSUS X - "Primordial Ocean" [Alemania] HOSTSONATEN – “Winterthrough” [Italia]
Jazz Rock/Prog Fusion D.F.A. - "4th" [Italia] PLANETA IMAGINARIO - "Biomasa" [España] ELEPHANT9 - "Dodovoodoo" [Noruega] TÁNGER - "Mundos Paralelos" [Argentina] LEPRECHAUN - "Leprechaun" [Chile] TÓRAX - "Tórax" [Argentina] MANUEL MIRANDA - "Brujos Voladores" [Peru] DEUS EX MACHINA – “Imparis” [Italia]
Math Rock AHLEUCHATISTAS – “The Same and the Other” [USA] GIRAFFES? GIRAFFES! – “More Skin With Milk-Mouth” [USA]* DON CABALLERO – “Punkgasm” [USA] MAPS & ATLASES – “You, Me, and the Mountain” [USA]
* Releases in December 2007, but available for sales in January 2008.
BIRDS AND BUILDINGS es el nombre de un ensamble progresivo norteamericano compuesto principalmente por músicos que ya han compartido cartel en bandas como CEREBUS EFFECT y DELUGE GRANDER. “Bantam to Behemoth” es el título de su gema discográfica que ya ha llamado poderosamente la atención de variados y diversos comentaristas internautas en e-zines progresivos de todo el mundo. Se trata de una obra que muestra sus influencias añejas sin por ello dejar de sonar revitalizadora y sugerente bajo sus propios términos: la psicodelia espacial, los vericuetos jazzeros a lo RETURN TO FOREVER y la aureola distinguida del Canterbury son las principales fuentes de inspiración para Dan Britton (telcados, guitarras y canto), Malcolm McDuffie (batería), Brian Falkowski (saxos, flauta y clarinete) y d’Annon (bajo y guitarras), músicos que cuentan con bastante espacio para demostrar sus dosis individuales de solvencia y sensibilidad dentro de un sonido grupal muy compacto y bien afiatado.
‘Birds Flying Into Buildings’ da inicio al disco con una actitud frenética, la misma que se plasma en una bien articulada dinámica encuadrada entre la batería y los teclados (cortinas de mellotron y vuelos de piano eléctrico): el factor jazzero desplegado por la dupla rítmica ayuda a agilizar la potente psicodelia que conforma el núcleo de la pieza, la misma que nos recuerda a una cruza entre RETURN TO FOREVER, GONG y un GUAPO bien “magmeado”. Las cosas giran hacia una dimensión más lírica y relajada con ‘Terra Fire’, aunque el aspecto cósmico de la pieza precedente se perpetúa todavía en cierta medida gracias a las cortinas flotantes de mellotron; por su parte, el saxo y la batería preservan la vibración jazzera, y así pues, el gancho de la pieza. Realmente se sienten muy cortos sus 3 ½ minutos de duración. ‘Tunguska’ se pasa a una dimensión más profunda de la línea introducida en el tema precedente, plasmando unas cadencias étnicas espaciales que nos pueden recordar en parte a EMBRYO mezclado con el SOFT MACHINE del “Third” y el HILLAGE de “Fish Rising”. Al pasar a una sección más agresiva, las cosas se ponen momentáneamente en un tono VAN DER GRAAF GENERATOR, tras lo cual el elemento jazz-rock es retomado con más vigor. La coda porta el boato propio del sinfonismo más clásico. ‘Caution Congregates and Forms a Storm’ comienza con un colorido cálido emanado por la inteligente armazón de guitarra acústica, piano, mellotron y flauta: una vez que entra la batería, el contexto se intensifica un poco pero la instrumentación principal sigue casi igual. El carácter general de la pieza transita entre un romanticismo grisáceo y ambientaciones pastorales etéreas, algo así como una conjunción de ANTHONY PHILLIPS, PULSAR, HAPPY THE MAN y PFM. Los casi 11 minutos que dura el tema pasan volando, y ciertamente el esquema sonoro del tema parece retratar musicalmente el cielo que sirve de marco para dicho vuelo. Las cosas siguen un sendero muy parecido con ‘Chronicle of the Invisible River of Stone’, enfatizando la vertiente sinfónica y apelando a atmósferas más intimistas. La inclusión de algunos pasajes de inspiración renacentista ayuda a mantener un aura distinguida, mientra que el ingreso de otros momentos más densos (guiados por el mellotron y el sintetizador) permite continuar con las cadencias espaciales a los cuales es tan afecta la banda. ‘Yucatan 65: The Agitation of the Mass’ reitera una vez más la preeminencia de desarrollos líricos con guitarra acústica, mellotron y flauta, pero esta vez el asunto resulta menos sinfónico y más fusionesco (incluyendo ambientes mediterráneos y arábigos de manera dosificada). Esto se ahonda cuando llegamos a la segunda mitad, la cual plasma un híbrido de EMBRYO y SOFT MACHINE, con algo del OLDFIELD de “Hergest Ridges” – un híbrido enérgico que no chillón. ‘Chakra Khan’ establece un dinamismo muy afín al que impregnaba al tema de apertura, sonando casi a una mezcla de BRAND-X y WIGWAM. Como siempre, los efectos cósmicos de sintetizador entran a tallar para aportar algo peculiar al entramado instrumental. El órgano tiene un sonido añejo entrañable, parecido al que escuchamos en los discos de COLOSSEUM y ARZACHEL. El solo de saxo me recuerda a Dick Heckstall-Smith, dicho sea de paso. ‘Battalion’ parte de la electrizante vibración precedente y la orienta hacia un aumento de la robustez. Eso último permite, de rebote, establecer un juego más pronunciado de contrastes entre el jam jazz-rock que ocupa el núcleo de la primera parte con el jam más psicodélico y contenido que ocupa casi toda la segunda mitad, antes de la intensa coda que concluye la pieza con gran esplendor. ‘Sunken City Sunny’ cierra el disco con un intimismo onírico y envolvente: se trata de un ejercicio de languidez dedicado a evocar una espiritualidad relajada y contemplativa. Algo así como una balada de HAWKWIND reciclada por un conglomerado de músicos de Canterbury y krautrock.
“Bantam to Behemoth” es un ítem infaltable en futuras listas Top 10 del progresivo en el año 2008 y BIRDS AND BUILDINGS es un referente esencial para el género progresivo realizado en los EE.UU. durante este año 2008 que ya se nos está yendo.
HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Hace poco hablé en este blog sobre ENTRANCE y su estupendo nuevo disco ”Entre Dos Mundos”, y ahora me toca hablar de un proyecto colateral de uno de sus miembros, el teclistsa Jaime Rosas. Me refiero a JAIME ROSAS CUARTETO y su CD en vivo “Viajero Astral – Live in Brazil”, editado este año 2008 por el sello Rock Symphony. Se trata de un disco en vivo que recoge la actuación que el ensamble dio en el festival Rio Art Rock en noviembre de 2005, además de ’Lluvia’, número tomado de la actuación realizada en la ciudad mexicana de Aguas Calientes, en el año 2004. Es decir, se trata de un producción largamente postergada.
El repertorio comienza con la suite ‘Viajero Astral’ del disco “Extremos”, continuando con la secuencia de las dos primeras secciones de la suite ‘Lobo Estepario’ que Rosas aportó para el segundo disco de ENTRANCE “En la Tierra”; en último término, el repertorio concluye con otra suite, ‘El Mito del Eterno Retorno’, del disco “Creciendo”. La intención de Rosas y sus compañeros de ensamble es claramente la de afirmar de manera directa la raigambre progresiva de su música: los tres primeros temas arman una ambientación musicalmente fastuosa para los primeros 23 minutos del concierto, una fastuosidad que es retomada en la suite final para darle un impactante broche de oro al asunto. Los temas restantes servirán para mostrar otros matices de la visión artística de Rosas en formatos menos extensos. ‘Gravedad’ es un poderoso instrumental en clave de prog metal que en el disco “Creciendo” conformaba un clímax de contundencia rockera. Esta mole de sonido halla aquí una versión incluso más potente – una mención especial debe ir a Von Chrismar, cuyos alucinados redobles exhibidos en algún lugar del medio destilan virtuosismo puro. ¿Y qué mejor tema que ‘Creciendo’ para suceder a este instrumental? – ‘Creciendo’ tiene un groove y gancho únicos, adecuados para mantener la vibración agresiva y llevarla hacia un esquema melódico y rítmico más atractivo. Temas como éstos conforman una cruza perfecta entre ELP y DREAM THEATER. Después de todo este vendaval de musicalidad virtuosa y electrizante, llega una calma espiritual concentrada en lo introspectivo y sereno. La hermosa balada ‘Lluvia’, pletórica de melancolía meditativa, nos transporta hacia terrenos intimistas y etéreos: esta versión en vivo se concentra en las bases de piano, por lo que resulta un poco más concisa que la más fastuosa versión de estudio incluida en “Virgo” (no hay nada malo en ello, por cierto). Este clima introspectivo se perpetúa con ‘Un Volcán en las Nubes’, donde Rosas aborda en solitario su teclado con sonido de órgano de fuelles: aquí lo introspectivo se cambia por lo ceremonioso, casi místico. Las cuatro ‘Breves Piezas Rockeras’ que siguen a continuación funcionan como terrenos para el explayamiento de la mezcla entre pomposidad progresiva (a lo ELP y YES) y polenta prog-metal que Rosas sabe plasmar tan bien en sus discos solistas así como en ENTRANCE. Totalmente garantizadas están las altas dosis de complejidad técnica, ímpetu y extroversión.
“Viajero Astral” es un manifiesto perfecto del tipo de musicalidad y de la dimensión dinámica que cabe encontrar en la propuesta de JAIME ROSAS CUARTETO en un ambiente en vivo. 2008 es un año que recordaremos con bastante agrado en el futuro al evocar la magia reflejada en obras progresivas tan buenas como el “Entre Dos Mundos” de ENTRANCE y este disco en vivo que acabamos de comentar. A fin de cuentas, el progresivo sudamericano sigue generando ingenio y potencia.
HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
Con la presente les muestro el más reciente lanzamiento discográfico de HANDS, titulado “Strangelet”. HANDS es una banda veterana sobreviviente de la oleada progresiva setentera estadounidense, y es casi un milagro que todavía pueda ser una banda activa sobre los escenarios y en los estudios de grabación, aunque sea de forma muy esporádica. De hecho, pocos son los integrantes originales que quedan todavía (el guitarrista Ernie Myers y el teclista Michael Clay), pero ninguno de los recientemente incorporados es tampoco un principiante. Por ejemplo, Mark Cook es un veterano guitarrista que lleva años experimentando con el Chapman Stick y el Warr Guitar, y justamente es este último instrumento el que trae dentro del renovado arsenal de HANDS. Históricamente, el sonido de la banda apostaba por una dinámica confluencia entre las influencias de parte de sus compatriotas y coetáneos HAPPY THE MAN y otras fuentes británicas como GENTLE GIANT, GENESIS, GILGAMESH, HATFIELD & THE NORTH y JETHRO TULL, incorporando también ocasionales elementos de country-rock, folklore pastoral y cámara contemporánea. “Strangelet” es, en mi opinión, una de las máximas joyas del género progresivo par este año. La banda misma la ha puesto a nuestro alcance por medio de la descarga autorizada: en su blog de Myspace (www.myspace.com/handsband) hay enlaces para la descarga iTunes del disco y para los créditos. “Strangelet” es un disco peculiar desde el momento en que leemos los créditos: se trata del primer ítem discográfico de HANDS sin un violinista y sin un vientista, y también del primero con dos bateristas-percusionistas; además, teniendo a un guitarrista que comparte a veces su rol con el bajista y el teclista, más y un Warr-guitarrista, resulta razonable que para este nuevo disco tendremos una muestra de alguna faceta más agresiva de lo habitual en HANDS - esto sucede a veces de manera muy marcada, tal como indicaremos más adelante. En líneas generales, el grupo está decidido a integrar sonoridades nuevas con otras más tradicionales en su (inconstante) historia.
El tema homónimo es un prólogo sintetizado que no dura siquiera tres cuartos de minuto, aterrizando en ‘Dark Matter’, que dura todo un cuarto de hora. Las primeras sonoridades de esta pieza ofrecen un esquema híbrido entre GORDIAN KNOT y DJAM KARET, explorando una alternancia de ambientes medio-orientales con otros más tirados hacia el space-rock. Los adornos de tinte pesado en ciertos riffs ayudan a mantener el aire de elegante extravagancia que el grupo pretende a todas luces plasmar. La sección bucólica que comienza al arribar el séptimo minuto aporta un momento de estilizada serenidad que poco a poco elabora una vía para el surgimiento de otra sección más fastuosa que se prolonga hasta después de pasado el duodécimo minuto y medio. El epílogo tiene un cierto acento a lo YES tanto en su actitud contemplativa como en su pomposo broche final. Progresivo con todas y cada una de las letras bien puestas, ‘Dark Matter’ deja un listón muy alto para el repertorio restante, pero tratándose de HANDS, es de esperar un disco con altos estándares de principio a fin. ‘Tambourin’ se basa en el protagonismo del piano, el cual transita fluidamente entre el emersonismo jazzero y el lirismo melancólico tipo HAPPY THE MAN – una pieza muy bien aprovechada en su espacio de 5 ¾ minutos. ‘Running Room’, con su inocultable cadencia inspirada en la etapa psicodélica de THE BEATLES, puede acusar ciertos parecidos “peligrosos” con THE FLOWER KINGS o el mejor SPOCK’S BEARD: una cosa parecida ya había hecho la banda en un tema de “Tewnty Five Winters” (2002). Al superar la barrera de los 4 minutos, algunos arreglos tipo GENTLE GIANT entran a tallar para aumentar un poco la intensidad sin romper con la bien fijada estructura melódica de la pieza. ‘Entry of the Shiny Beasts’ tiene un tono jazzero muy juguetón, emparentado con el Chick Corea de fines de los 70s, aunque también se notan ciertos adornos inspirados en el patrón de HAPPY THE MAN (una vez más). ‘Miracle in the Mind’ ofrece en su primera sección una peculiar mezcla de GENTLE GIANT y KING CRIMSON ochentero en clave semi-acústica: de este modo, la preservación de un ambiente mayormente sereno permite a la pieza ser más evocativa que chocante. La porción tribal se explaya eficazmente en cadencias tribales, tornando después hacia un frenesí fusionesco adornado con soundscapes frippianos y ruidos de gente en la calle. Los últimos 2 ½ minutos se basan en una retoma del primer motivo, intensificado con una reiteración de trucos frippianos de guitarra. ‘Rotten’ es la última pieza del disco, grabada en vivo en el estudio Cristal Clear Sound: un sólido ejercicio de crimsonismo al estilo más reciente, con una controlada acentuación de la faceta pesada. A través de todo este despliegue de vigor, el ensamble de HANDS se las arregla muy bien para insuflar una inapelable distinción al asunto, evitando así la tentación del “caos autoindulgente”: en principio, no hay nada destinado en ello, pero teniendo en cuenta los pilares de este álbum tomado como un todo, una desviación por ese terreno hubiera sido contraproducente. Bueno, a fin de cuentas, HANDS se conoce a sí mismo mejor de lo que quien esto escribe o cualquier otro puede pretender.
Como anécdota especial, el grupo dedica el disco a la memoria del fenecido baterista Ian Wallace, con quien estos músicos trabaron una estrecha amistad e incluso compartieron algún proyecto musical en los últimos años. Contemplando la belleza, intensidad y refinamiento que se invierten en el repertorio de este disco, HANDS realmente ha ofrecido a su amigo un homenaje de infinita envergadura artística, y para todos los melómanos que quedamos aún en la Tierra, “Strangelet” es un regalo enorme que nos da la vida.
HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Recientemente comenté algo sobre la banda chilena de jazz-rock progresivo LEPRECHAUN, y ahora me permito traer a colación a PRISMA-X, otra banda chilena que cultiva la misma vertiente y que en el año 2006 había editado un excelente disco llamado “Instantes”. Este quinteto crea una música con mucha polenta, ubicándose decididamente dentro del ámbito de influencias de LTE, TRIBAL TECH, CAB y COLOSSEUM II. Hay amplio espacio para que los fraseos de guitarra se desplieguen en el primer plano, evocando a veces a Holdsworth, otras veces a Steve Howe, y otras más a Satriani. La dupla rítmica reparte la mayoría de sus bases estructurales entre el funk y el rock duro, con suficiente gracilidad como para sostener solventemente a las piezas del repertorio en sus respectivos desarrollos. La banda casi siempre coquetea con el espectro más pesado del rock (a veces incluso con el prog-metal melódico), pero el núcleo artístico se enraíza en el jazz-rock de tendencia moderna.
‘Despertar del Sol’ es una introducción basada en progresiones de acordes que se desarrollan con una pomposidad contenida; la verdadera explosión surge con ‘Slick Groove’, un tema bastante ágil que refleja muy bien esa combinación de jazz-rock y rock sinfónico que conforma la mejor sazón de Prisma-X. También sintomático de la esencia musical de la banda es ‘Pero No Importa’, tema que se encuadra fluidamente bajo las pautas de energía y gancho expuestas en la pieza anterior. ‘Polos’ aumenta aun más la potencia de las guitarras duales, así como el swing funky en un inicio: el arribo de una sección de signo metalero a poco de pasados los 105 segundos hace que las cosas viren hacia atmósferas más agresivas, aunque sin caer en lo caótico ni recurrir a pirotecnias exageradas. Eso sí, qué bueno es el solo de guitarra que emerge a partir del tercer minuto... ¡y qué pena que el solo de sintetizador que comienza en el minuto 2 sea tan breve! La faena se redondea convenientemente con una retoma del motivo inicial. ‘Si Volase’ tiene un aura más melancólica, en un medio tiempo que permite introducir una calidez diferente al repertorio: la composición es llamativa en su sencillez. ‘Kalos Eidos’ es la expresión en griego antiguo para la Idea de Belleza, la culminación máxima del conocimiento y la virtud según el diálogo platónico “El Banquete”; también es el título del tema no. 6, el cual nos muestra a Prisma-X ahondando en la solemnidad que ya había sido aludida en ‘Si Volase’: el compás es relativamente más lento, lo cual es aprovechado por el teclista para armar unas cortinas casi cósmicas bajo los solos de guitarra. Durante el último minuto las cosas suben un poco el nivel de intensidad, pero el espíritu general de la composición se mantiene consistente. ‘Plenitud’ es un solo de piano adornado con sonidos orquestales, elaborado por Nader con pulcra exquisitez: sirve casi como preludio a ‘Simplest Word’, un tema que se mantiene en la línea emocionalmente reposada introducida en las piezas 5 y 6. Con un título tan explícito como ‘Aquí Les Va’ no es de extrañar que el andamiaje de jazz, funky y rock pesado vuelva al frente. El momentum creado por este tema es convenientemente capitalizado por ‘Sopapo’, un tema que sin duda hubiese puesto orgulloso a un Scott Henderson o un John Petrucci si se les hubiera ocurrido a ellos. ‘Misiva’ asume una frescura mayor que cualquiera de los dos temas anteriores, bajando el tono de fastuosidad simultáneamente. El disco concluye con el tema más largo, ‘Ancestros’, el mismo que dura poco más de 7 minutos. Parece como si el grupo aprovechara la ocasión para instaurar un poco más de dramatismo y trabajar más concienzudamente en el manejo de contrastes durante los cambios de atmósferas y motivos – el ensamble se acerca más que nunca al estándar progresivo. La sección estilizadamente tétrica que se desarrolla en el interludio está inundada por una magia especial.
En fin, tenemos aquí jazz-rock progresivo realizado con destreza, potencia y buen gusto, con un manejo fluido de las ideas musicales (en su mayoría complejas): PRISMA-X es una banda que vale la pena valorar, siendo “Instantes” su excelente carta de presentación.
HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Con la presente les quiero traer a colación a LEPRECHAUN, una de las más recientes maravillas jazz-rockeras de Chile, cuyo homónimo disco debut es una de las ofertas más vibrantes para este año 2008. El guitarrista José Luis Santander es de por sí un joven veterano de las esferas jazzera y rockera de su país, y ahora en LEPRECHAUN se da un vehículo adecuado para que él pueda verter su rica visión musical dentro de un esquema instrumental tan dinámico como sofisticado. El sonido de la banda, que queda claro, no es el de simple acompañamiento para Santander – los teclados de Martín Sepúlveda llenan espacios y completan el colorido de las composiciones de manera tremendamente virtuosa, mientras que la dupla rítmica de Miguel Fonseca y Gonzalo Ubilla se mueve versátilmente por los linderos fuertes de los momentos más duros, sutilmente por los momentos más suaves, cadenciosamente en los pasajes marcadamente fusionescos. Los temas no suelen tener indulgencias en desarrollos notablemente largos: es una opción explícita de la banda la de no dejar que la tendencia a la complejidad de las ideas musicales gestadas se les salga de control. El repertorio comienza con ’Analorock’, un ejercicio de hibridismo entre PLANET-X y CAB, y esto del toque de jazz-rock contemporáneo no se desvanece, sino que se refuerza con ’El Lid’, un tema que introduce un toque extra de dinamismo progresivo al asunto. Comenzando con los cándidos sonidos de una tenue cajita musical, ’Fantasmagoria’ pronto muestra sus grisáceos colores cuasi-tenebrosos sobre un pegadizo esquema de funky-rock: la guitarra está entre lo zeppeliniano y Holdsworth, mientras que la dupla rítmica contiene perfectamente los efluvios impuestos por sus entusiastas compañeros. ’Destellos’ muestra las primeras aristas suaves de la banda: con su combinación de BRAND-X y Satriani semi-lento, la pieza logra crear un clima evocativo sin hacerse realmente lánguido. ’Despertar’ sí se adentra dentro de un lirismo romántico que nos transporta a un medio camino entre Satriani y Morse, sobre un compás de 3/4 manejado con soltura y sutileza a la vez. ’Encuentro Inesperado’ nos devuelve al terreno de los primeros temas, aunque esta vez el despliegue de polenta está mucho más medido: las tendencias funky se matizan con ciertos quiebres rítmicos propios del sentido sofisticado de la sorpresa en el progresivo. La misma descripción se ajusta en buena parte para el tema que le sigue, ’Leprefunk’, aunque aquí sí se nota una mayor explicitación del vigor sonoro, además de una mayor acentuación en lo jazzero. Por su parte, ‘2 Rutas’ despliega un fuerte espíritu de jam con un soberbio desarrollo de la faceta genuinamente potente de la banda: definitivamente, el punto más fuerte de LAPRECHAUN es el de crear calidez a través de la robustez de las marcadas líneas melódicas y las improvisaciones resultantes. Realmente me hubiese gustado que ’2 Rutas’ hubiese sido un poco más largo, sensación que se repite cuando escucho ’Laberintos’, tema con mucho gancho y magnetismo. El disco concluye con ’Cicatrices’, una hermosa balada de poco más de 3 minutos, dirigida por los matices de la guitarra acústica. Aunque no es exacto decir que el disco concluye con este tema, pues un minuto después de da un breve jam rockero de cariz muy alegre – un “hidden track” que sí cierra efectivamente el disco.
Bueno, solo queda concluir que LEPRECHAUN es una banda idónea para el placer melómano de los amantes del jazz-rock empapado de polenta y adornado con dosis de complejidad estilística de raíz progresiva. Mientras tanto, en los siguientes vídeos podremos constatar el colorido y vigor de LEPRECHAUN.
HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Después de un tiempo de hiato y proyectos diversos, el quinteto chileno ENTRANCE regresa a los estudios de grabación y escenarios para desarrollar su tercer trabajo de estudio, el mismo que finalmente se convierte en "Entre Dos Mundos". Este grupo conformado por Jaime Rosas (teclados), Richard Pilnik (guitarras), Jaime Scalpello (voz), Rodrigo Godoy (bajo y voz) y Alex von Chrismar (batería) logra cuajar un disco potente y melódicamente inspirado, gestando así una fina confluencia entre el progresivo sinfónico clásico (YES, ELP, RUSH), el rock duro melódico (RAINBOW, DEEP PURPLE) y el prog metal (el DREAM THEATER con Kevin Moore). A través de estas influencias, ENTRANCE sabe crear su voz propia. “Entre Dos Mundos” comienza y termina con sendas suites compuestas por Jaime Rosas. ‘Mágica’ ocupa los primeros casi 15 minutos del disco, con unos introductorios efectos de agua que pronto abren paso a una exhibición de órgano y sintetizador, la que a su vez dirige el desarrollo de la primera sección. La parte cantada está armada sobre un esquema férreo, mientras que el despliegue instrumental que comienza a poco de pasado el tercer minuto y medio se enmarca fluidamente dentro de un clima de ostentación progresiva de compases inusuales y mutaciones de ambientes en torno a unos motivos recurrentes. Al llegar al octavo minuto, la segunda sección llega con un piano lento y un canto introspectivo. Posteriormente, la polenta y la pomposidad explícita vuelven a adueñarse de la escena (incluyendo un fabuloso solo de Richard Pilnik) para articular la base de la última parte cantada a fin de llevarla hacia un clímax en el cual se retoma una de las escaladas de teclado que formaron parte de la sección instrumental intermedia. La suite de cierre es ‘Voces Ahogadas’. Ésta comienza con sonidos de guerra, dando paso al poco rato a una ilación melódica encuadrada bajo una predominancia de ambientes nostálgicos en medio del estilizado frenesí progresivo. En el sexto minuto brota por un momento el ambiente etéreo que había estado latente desde un principio, sucedido luego por un pasaje donde resalta un hipnótico solo de guitarra. Poco después hay un pasaje que suena a cantata religiosa, con unos mágicos sonidos que emulan un órgano de fuelles y un Jaime Scalpello que trabaja finamente los matices más evocativos de su estilo vocal. La última sección de esta suite saca a la luz un despliegue de complejidad que impresiona bastante: el bajo de Rodrigo Godoy fluye en inmaculadas espirales bajo el canto de Scalpello, mientras que el interludio instrumental nos revela a un Rosas en su dimensión más pletórica.
¿Qué hay en medio de estas composiciones con estructuras tan ambiciosas? Un repaso por la faceta más netamente rockera del grupo, donde por lo general se elabora una confluencia dinámica de rock duro melódico y prog metal, llevada con gancho y punche: ‘Promesas’ e ‘Invisible’ son sendas piezas contundentes cuyos arreglos ulteriores sirven como vehículos para la inserción de elementos progresivos. La primera contiene un bloque intermedio instrumental donde el sinfonismo se erige como un factor esencial antes de que regrese el riff básico del motivo principal; la segunda tiene un esquema más directo y conciso, pero se da abasto para incorporar compases de 7/8, solos de guitarra a lo Alex Lifeson y escalas de sintetizador a lo Wakeman en algunos momentos estratégicos. ‘Ilumina’ es una composición de Godoy (él también asume el rol de vocalista principal) que establece una complejidad más patente en su desarrollo melódico, especialmente en lo que se refiere a su colorido e intenso interludio. Sin siquiera llegar a los 3 ‘10” de duración, ‘Ilumina’ establece un viaje musical de gran envergadura progresiva. ‘Los Hijos de Bagdad’ es una balada rock compuesta por Scalpello: cálida y emotiva como es, en manos del ensamble de ENTRANCE adquiere un carácter más filudo en su desarrollo global. En fin, ENTRANCE nos vuelve a regalar una nueva manifestación de su propuesta rockera progresiva con especial acento en lo rockero. Después de conquistar una madurez estilística en su segunda obra “En la Tierra” (ya hace muchos años de entonces), “Entre Dos Mundos” revela un robustecimiento convincente de dicha maduración. Entrance renació con más fuerza de la que ya tenía en su “primer ciclo vital”.
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Dada la inesperada y prematura muerte de Mike Baker, excelente vocalista de SHADOW GALLERY, a fines del pasado mes de octubre a la edad de 45 años, quisiera recordar con ustedes los dos discos que más me gustan de SHADOW GALLERY, banda de la cual él era uno de los miembros fundadores. SHADOW GALLERY era sin duda una de las bandas más refinadas y coloridas de la escena prog-metal estadounidense, siendo así que sus discos “Carved in Stone” (de 1995) y “Tyranny” (de 1998) conforman los picos máximos de su discografía, la misma que comenzó en 1992 con un registro homónimo y se quedó por ahora en 2005 con “Room V” (secuela temática de “Tyranny”). Menciono también “Legacy”, de 2001, obra con la cual el grupo anticipaba un endurecimiento de su sonido finalmente elaborado en el ya mencionado “Room V”.
“Carved in Stone” fue un disco que tomó a muchos por sorpresa, pues creaba un puente fluido y enérgico entre la robustez estilizada del prog-metal (inspirado en DREAM THEATER, QUEENSRŸCHE y ROYAL HUNT) y el dinamismo fastuoso del progresivo sinfónico clásico (inspirado en YES, GENESIS, RUSH, KANSAS y el PINK FLOYD de “The Wall”). La estrategia para llevar a cabo esto fue la de concentrarse en las dimensiones de versatilidad y sentido épico de cada vertiente, y a partir de allí, elaborar las vicisitudes comunes. Por su parte, “Tyranny” nos ofrece a la banda catapultándose a partir de esta estrategia hacia un modelo renovado de prog-metal, haciendo que la robustez sonora se retroalimente a fin de profundizar en el creativo contraste entre pasajes poderosos y otros más introspectivos. Otro aspecto importante es la parte vocal, cuidada de una manera muy llamativa con ingeniosas líneas cantadas para las partes solistas y las armonías adicionales en puentes y estribillos: las huellas de QUEEN y YES sirven de inspiración básica en este aspecto. La mayor parte de los conocedores de la banda se divide entre uno y otro a la hora de ubicar su favorito de SHADOW GALLERY. A continuación transcribo sendas versiones reducidas de mis reseñas sobre ambos discos que en su momento publiqué en el e-zine español La Caja de Música y el mexicano Manticornio. Espero que sean de su interés.
CARVED IN STONE
El tema de entrada ‘Cliffhanger’ comienza con un ambiente misterioso, para luego dar paso a un riff pesado y el motivo melódico principal, tras el cual se inicia un interludio trepidante que aterriza finalmente en un retorno al riff original. Este entramado de potencia rockera neta y estilizada sofisticación se hace también presente en ‘Warcry’, aunque en este caso adoptando un aire más sombrío y en un esquema más concentrado. ‘Crystalline Dream’ tiene un gancho más directo pero sin caer en lo simplón; lo mismo sucede con ‘Deeper than Life’. ‘Don’t Ever Cry, Just Remember’ nos muestra algo de la faceta más serena de la banda, en clave de una balada envolvente y meditativa, guiada por el piano y potenciada por los guitarreos: mención especial para el hermoso solo de flauta a cargo del bajista Carl Cadden-James.
La balada acústica ‘Alaska’ nos hace retornar mentalmente al YES y GENESIS de los momentos bucólicos, especialmente en lo que se refiere al manejo de un aura espiritual etérea, pero más que nada funciona como preludio para la irresistible epopeya que es la suite ‘Ghostship’. Este número, con sus más de 21 minutos de duración, encarna el perfecto compendio de la diversa riqueza que SG se apropia como oferta genuinamente suya. La alternancia de momentos juguetones de sabor medianamente céltico en clave de pomp-rock con otros ambientes más densos, la emergencia de un volcán netamente metalero a lo METALLICA de fines de los 80s, un increíble solo de piano a cargo de un pulcrísimo Chris Ingles, y la cantata final que está armada al modo de una fusión entre ‘Awaken’ y ‘Supper’s Ready’... todo ello se sucede en un collage sonoro armado de manera magistral. Las ideas de celebración, peligro, tormenta, destrucción, magia y misterio son sucesivamente transmitidas a través de imágenes precisas y motivadoras evocadas por la música. El disco no termina realmente aquí, pues siguen unos golpes a una puerta que alguien demora en abrir, hasta que por fin surge una hermosa sección orquestal que apela a la herencia del Romanticismo del siglo XIX: siendo éste el disco en el que Gary Wehrkamp (guitarras, teclados y coros) debutaba como miembro de SG, esta composición suya es una enorme carta de presentación.
En fin, ‘Carved in Stone’ es en mi opinión el disco ideal para iniciarse en SG, porque a partir de ahí se puede entender con una perspectiva más completa de dónde proviene el fuego creativo que brilla con tanta furia y pasión en discos posteriores como “Tyranny” y “Legacy”. TYRANNY
Se trata de un concept-disc, centrado en un año en la vida de un ingeniero de sistemas al servicio del ejército norteamericano, durante la Guerra del Golfo, quien pierde su inocencia al darse cuenta de que esta guerra no se declara por principios humanitarios sino solo por los intereses económicos de parte de las grandes multinacionales empresariales. Una vez que expresa sus dudas y preocupaciones a sus superiores, éstos lo despiden sin más. Tratando de hacer algo genuinamente constructivo para la humanidad, decide unirse a una banda de terroristas informáticos para sabotear los programas de la CIA, y así tratar de impedir que el imperialismo siga propagando guerras y medidas abusivas en el mundo entero. Pero el grupo debe disolverse ipso facto, apenas se enteran de que han sido localizados por la CIA y están siendo perseguidos. Al final, nuestro protagonista se encuentra sin un rumbo en la vida, sin trabajo, sin un lugar en la sociedad, desconcertado por el grave giro que tomó su vida en tan poco tiempo.
Este final desolador es un signo del ambiente pesimista que se destila a lo largo del CD. La crítica socio-política es un motivo para reflexionar sobre el rol mínimo que tiene la autodeterminación individual dentro de una sociedad mecanizada y materialista que trata al individuo como una de tantas piezas de su engranaje. La presencia de números fuertes y agresivos son excelentes vehículos para exhibir tanto la frustración del individuo como el frenético mecanismo de la sociedad capitalista: tal es el caso de la punzante obertura 'Stiletto in the Sand', 'War for Sale', 'Roads of Thunder', y el implacable instrumental 'Chased'. Por su parte, los temas más lentos reflejan el lado más vulnerable del corazón del rebelde protagonista: tal es el caso de la fastuosa balada 'Hope for Us?', así como del tema de cierre 'Christmas Day', rebosante de lánguido pesimismo. En otros temas como 'Victims' y 'Ghost of a Chance', SG demuestra muy bien su versatilidad para transitar naturalmente desde la contundencia del metal a la elegancia estilizada del sinfonismo dentro de los confines de una canción. Pero es en las dos mini-suites, 'I Believe y ‘New World Order' donde las virtudes propias de SG son explotadas con una mayor riqueza de recursos melódicos: las secciones más explícitamente sofisticadas se insertan naturalmente en medio del apremio propio de las secciones metálicamente agresivas, lo cual revela que la banda tiene bien en claro cómo hay que mantener el dramatismo adecuado para cada momento. ‘I Believe’ cuenta con la invitación de un colaborador especial, James LaBrie, de DREAM THEATER; ‘New World Order’ también tiene a un invitado de lujo, D. C. Cooper, de ROYAL HUNT.
En suma, un disco impactante y preciosista, que logra exitosamente transmitir un mensaje serio a través de un ambiente casi "cinematográfico", manteniendo altas dosis de energía rockera y de imaginación compositiva.
Como punto final, solo me queda agradecer a Mike Baker por la música, pues él fue una pieza fundamental para el disfrute de la música de SHADOW GALLERY.
HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Seguimos con nuestro repaso de la actualidad rockera progresiva española con otra banda que se ha lucido este año con un tremendo segundo disco – me estoy refiriendo al grupo instrumental OCTOBER EQUUS y su disco “Charybdis”. Éste fue editado por el sello ruso RAIG. Dos años después de su espléndido disco debut homónimo, donde la banda dio rienda suelta a su manera tan fresca y vital para preservar las herencias de HENRY COW, PRESENT y UNIVERS ZERO, en confluencia con elementos crimsonianos, ahora el sonido de OCTOBER EQUUS acoge un nuevo dinamismo al realzar el elemento jazzero y dar más espacio a ambientes etéreos. No es que la música de OCTOBER EQUUS haya renunciado a los factores de oscuridad y tensión propios del RIO, pero definitivamente aquí ha habido un ingeniosos ejercicio de renovada orientación estilística. Es como si los pasajes fuertes estuvieran casi siempre en función del desarrollo que las capas sonoras deban asumir en cada momento específico. Este cuarteto conformado por Ángel Ontalva (guitarra), Víctor Rodríguez (teclados), Amanda Pazos (bajo) y José Varela (batería) ha contado con invitados ocasionales como Francisco Mangas (saxos) y Tom Zunk (waterphone).
El disco comienza con ‘Architeuthis Dux’, tema imponente cuya fuerza natural se despliega de manera inteligentemente armada sobre el desafiante esquema rítmico: el factor jazzero es manejado desde el aspecto de matices, lo cual supone un buen contrapunto a los predominantes pasajes de tenor más fastuoso. ‘Frozen Sea’ emite radiaciones más melancólicas con esas cortinas sombríamente grisáceas de órgano que nunca llegan a hacerse verídicamente tétricas; más adelante, cuando la pieza entra a un momento más extrovertido, marcan el liderazgo de lo jazzero (estilo Canterbury con una dosis extra de densidad) a la hora de estructurar este momentum, el mismo que al final encuentra un oportuno broche con un breve reprise del introspectivo motivo inicial. ‘Trylobites’ es una pieza no tan larga que se concentra en ambientes flotantes, que no exentos de una dosis de disonancia aventurera que apelan a una suerte de tensión controlada. ‘Fata Morgana’ prosigue por los renovadores aires jazzeros manejados por el grupo: la pieza oscila entre un cálido motivo en 6/8 que suena a un híbrido entre YUGEN y el primer HENRY COW, y un cuerpo central que suena como un vendaval muscular que oscila entre lo bizarro y lo caótico. ‘Unknown Pilot’ es un muy inspirado ejercicio de lirismo vanguardista, basado en la cámara moderna. ‘Forgotten Sirens’ es una pieza tremendamente muscular (en su mayor parte, pues también cuenta con una sección un poco más tirada hacia lo etéreo al llegar al final), muy a lo PRESENT aunque con el sello de OCTOBER EQUUS claramente marcado en ella. ‘Abyssal’ nos devuelve a la faceta más lánguida de la banda, sabiamente manejada con esos elementos de tensión y tenebrismo que ya habían ocupado un rol primordial y esencial en el disco debut – en el contexto de este disco, sin embargo, ‘Abyssal’ encaja muy bien dentro de un esquema más controlado. ‘Thera’ va por un sendero muy similar, incluso ahondando en lo etéreo, lo cual resulta muy efectivo cuando emergen esos breves momentos de intensificación de la energía sonora. ‘Niarsek’ no cambia mucho las cosas, con su núcleo sonoro que nos hace evocar una travesía por los parajes más reposados de la mente: las dominantes orquestaciones de teclado transmiten muy bien esa aureola contemplativa que en el género progresivo se explota tan bien en las composiciones de línea ceremoniosa. La pieza homónima, que completa una duración de casi 6 minutos, establece una vez más esa bien articulada combinación de vanguardia jazzera y RIO que OCTOBER EQUUS ha manejado tan magistralmente en los temas 1 y 4. ‘Helgoland’ es el epílogo que retoma la faceta reposada del grupo, jugando con una progresión armónica sencilla: la sección de piano es manejada con espartana delicadeza, mientras que el solo final de guitarra (con efecto midi) se explaya en fraseos sumamente diestros. El fade-out llega demasiado pronto: lo mismo me sucede con temas tan buenos como ‘Unknown Pilot’, ‘Abyssal’ y ‘Forgotten Sirens’, cuyo atractivo tan impactante me parece que no se muestran con suficiente holgura debido a las restricciones de sus respectivas duraciones. Pero bueno, esta queja menor no resta nada a mi gran aprecio general por “Charybdis”.
Se puede escuchar material de OCTOBER EQUUS en su blog de Myspace www.myspace.com/octoberequus . Definitivamente, “Charybdis” es una obra altamente recomendable para los genuinos amantes de las líneas de trabajo más vanguardistas del género progresivo.
HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Ahora vuelvo a hablar del progresivo de la Península Ibérica desde la nación catalana – esta vez me refiero a PLANETA IMAGINARIO, grupo que consta de una abundante formación de ocho músicos y cuyo segundo álbum “Biomasa” (2008, Cuneiform Records) constituye una auténtica joya musical del jazz-rock progresivo de nuestros tiempos. Hace ya cuatro años atrás, con su disco debut “¿Qué Me Dices?”, PLANETA IMAGINARIO había dado debida cuenta de su talento, creatividad y energía, pero bajo la perspectiva de este nuevo disco “Biomasa” podemos afirmar sin mayores tapujos que la banda ha encontrado el punto decisivo para la manifestación de su voz musical, especialmente en lo que se refiere a su funcionamiento como ensamble. También cabe notar que el sonido grupal es más fuerte, demostrando una inteligencia refinada a la hora de suministrar su potencia en los pasajes más agresivos del disco.
PLANETA IMAGINARIO saca provecho de la situación de contar con cuatro músicos especializados en vientos. Se nota en varios momentos del disco que el grupo recibe una fuerte herencia de WEATHER REPORT y FRANK ZAPPA, pero las influencias más notorias provienen de las vertientes del Canterbury planteadas por GILGAMESH, HATFIELD & THE NORTH y el SOFT MACHINE post-“Third”. El disco comienza con un preludio cósmico un tanto perturbador titulado 'Discurso Cósmico desde el Planeta Imaginario', muy a lo TANGERINE DREAM primigenio, antes de que emerja ‘El Francotirador de Washington’, a pesar de las intenciones criminales del título, es en realidad un tema colorido y estructurado sobre un fino equilibrio entre los instrumentistas. ‘Capture’ ofrece un dinamismo mucho más incrementado, sonando a una mezcla del ZAPPA de “Waka/Jawaka” con el de “One Size Fits All” – incluso hay un falsete burlón que realza el ágil humor inherente a la composición. El tema homónimo y ‘La Caja Negra’, durando 11+ y 12+ minutos respectivamente, ofrecen sendos picos dentro del repertorio. ‘Biomasa’ comienza con una ambientación relajada, con un intimismo propio de la actitud contemplativa; una vez que las cosas se intensifican un poco, la pieza vira hacia un jam muy enraizado en cadencias africanas, no furioso pero sí intenso de una forma controlada. La dupla rítmica funciona impecablemente a través de la evolución temática de este jam, el cual termina con un breve reprise del motivo inicial. ‘La Caja Negra’ ofrece un espectro sonoro más explícito, con una primera mitad que refleja una ágil combinación de HATFIELD y NUCLEUS, para luego pasar a una sección más agresiva, muy a lo GONG, en un despliegue de vivacidad bizarra. ¡Brillante! ‘El Teatro de los Faranduleros’ es una estupenda muestra de introspección y misterio, marcada por el contrapunto entre piano y guitarra acústica, y llenada por los vientos en una orquestación sutilmente sombría – me recuerda al PICCHIO DAL POZZO del primer disco. Pegado a un breve reprise del 'Discurso Cósmico' surge el cálido 'Hoy es un Nuevo Día', el cual suena a un homenaje a faceta lírica del ZAPPA 69-72, añadiendo elementos del vuelo introspectivo de un Zawinul en los momentos más etéreos del WEATHER REPORT añejo. 'L'estiu' aprovecha acto seguido este desarrollo sonoro para seguir ahondando en lo introspectivo en su primera instalación: más adelante, las cosas viran hacia un jam de tenor funky, pero no me suena tanto a contraste sino a un giro más extrovertido de un dinamismo reflexivo siempre presente. Teniendo en cuenta lo fabuloso que es el solo de guitarra que se explaya en esta porción del tema, junto con el delicioso armado de los vientos, me hubiese gustado que este jam durara un poco más, pero no tengo nada que objetar al hermoso solo de piano espartano que sirve de coda. ‘Trastornos Ópticos del Oso Polar’ cierra el disco con sus momentos más energéticos. Se trata de una exquisita mezcla de la densa tensión crimsoniana con la agilidad dadaísta del ZAPPA de la “big band”, atravesado por elementos de space-rock. El final es un delirio de caos neurótico y fantasía circense que suenan a humor negro. Un gran final para un gran disco.
“Biomasa” es un disco que ha recibido varios elogios, bastante merecidos, en e-zines varios y de diversos idiomas dedicados al progresivo y al jazz. PLANETA IMAGINARIO no debe faltar en la lista de compras de ningún serio coleccionista de rock y jazz vanguardistas. Por lo pronto, podemos ecuchar parte de su material en el blog de Myspace www.myspace.com/planetaimaginario - ¡a disfrutar!
HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
La escena progresiva española está generando muchas ideas nuevas y robustas en los últimos tiempos. Para ceñirnos solamente al presente año 2008 que está pasando por su recta final, podemos mencionar al grupo catalán GURTH, cuyo disco “Tormentes” muestra un sonido dinámico y colorido basado en la confluencia entre el KING CRIMSON ochentero, jazz-fusión al estilo de WEATHER REPORT, ICEBERG y SECTA SÓNICA, y el jazz-rock contemporáneo a lo TRIBAL TECH. Todas estas influencias básicas son traducidas por GURTH a un lenguaje fresco y original, mayormente signado por la exhibición de energía.
Tenemos un fabuloso tema de entrada en ‘Somnis Lliures’, una pieza no muy extensa pero portadora de un carisma crimsoniano muy a lo ‘Discipline’ pero con un swing más pronunciado y un uso más concienzudo de la calidez a fin de atenuar la latente neurosis. ‘Les Calderes d’en Pere Botero’ también tiene un fuerte elemento crimsoniano, con un añadido matiz de humor que me recuerda al ZAPPA de fines de los 70s. ¡Y qué decir de ‘Tormentes de Diners Amb Fang’ y ‘Truita de Tortuga’! – piezas bien armadas y robustas, siendo así que el primero termina con una divertida cita de ‘Larks’ Tongues in Aspic Part II’. También hay temas como ‘Camí Sonor’, ‘Cosses que Passen’ y ‘Juga’mi’ destacan por su inspirada vibración fusionesca adecuadamente alimentada por una buena dosis de riqueza melódica (especialmente en el segundo caso). Por el lado donde se acentúa el lado rock del jazz-rock, tenemos a ‘La Corrupció de l’Enyor’, que me recuerda un poco a COLOSSEUM II tanto por su punche como por su gancho. ‘Les Oliveres d’en Joan’ nos muestra a GURTH explorando el ámbito del Latin-jazz con fineza y alegría. ‘Sssss, A Dormir’ es el suave epílogo del álbum, revelando una atmósfera relajada y ensoñadora con base de guitarras acústicas duales y un hermoso solo de clarinete.
Gran disco es “Tormentes”, así como grande es GURTH, un grupo al cual hay que prestar mucha atención dentro de la faceta jazzera del rock progresivo contemporáneo. Por lo pronto, se puede ir escuchando parte de su repertorio en el enlace www.myspace.com/gurthprogressive . Su próximo concierto tendrá lugar el domingo 16 de noviembre en Sala La Nau de Barcelona, a partir de las 8.00 PM. ¡Toda la suerte del mundo para este grupo tan excelente!
HOLA A TODOS LOS AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
Me permito hablar en esta ocasión sobre el quinteto chileno MAR DE ROBLES, uno de los nombres más notables de la actualidad en la esfera progresiva de sensibilidad étnica.
MAR DE ROBLES es una de las bandas más notables surgidas dentro de la escena progresiva chilena actual. Su estilo se funda en una rica y pulcra amalgama entre la agresividad rockera crimsonianamente demencial y las finas y sensuales texturas del jazz fusión y el folklore acústico (herencia de ERGO SUM y CONGRESO en su faceta más muscular), a veces mostrando sus mutuos contrastes, pero mayormente combinándolos de una manera energética y solvente. La destreza y la naturalidad con que pasan de los registros potentes a otros más cadenciosos son sencillamente increíbles, amén de sumamente efectivos a la hora de realzar la fuerza expresiva de los temas. Es una marca registrada le hacer buen uso de su compleja red rítmica a través del aprovechamiento de los derroches de calor y solvencia técnica a cargo del barrista, el percusionista y el bajista. Por su parte, los músicos respectivamente a cargo de las guitarras y los vientos manejan con excelsa frescura las melodías y armonías que conforman los núcleos de las composiciones. Para el disco debut “MdR” (2003), MAR DE ROBLES cuenta con la formación de Christian Larrondo (bajo y coros), Ignacio Larrondo (percusión), Rodrigo Moris (guitarras y coros), Víctor Muñoz (batería) y Julio Tobar (saxo, flauta y voz). El pasaje introductorio del disco exhibe samplers de diversas secuencias informativas sobre los acontecimientos bélicos que tuvieron lugar en el Asia Central en años recientes. Esto da pie a la explosión inicial de ‘Involución’, que a golpe de potencia engancha al oyente de inmediato, pero es recién a partir de ‘Nómades’ donde el estilo variopinto de MAR DE ROBLES se muestra más claramente. El nivel de “MdR” es bastante sólido y parejo, pero puestos a elegir favoritos personales, me quedo con ‘Nómades’, ‘Tantic’, ‘Milodón’ (pura intensidad al 100 %) y ‘Aire Chileno’ (la cantata humanista con que concluye este número es emotivamente contagiante), pues en mi opinión, éstos ejemplifican con insuperable brillantez las multicolores virtudes musicales de MAR DE ROBLES.
El grupo se tomó su tiempo para ir gestando nuevo material, el mismo que finalmente se concretó en “Indígena” (2007). Yo me mantengo convencido hasta ahora de que se trata del mejor trabajo progresivo latinoamericano de ese año: el sonido de MAR DE ROBLES se muestra más filudo y con un nivel de afiatamiento más compacto que nunca. La presencia del Stick a cargo del bajista Christian Larrondo en un par de temas es de gran ayuda para la inclusión de vigorosos matices nuevos, los mismos que ayudan a completar más raudamente las ideas principales de guitarra. Este disco tiene una modificación respecto a la formación que grabó “MdR” – el nuevo baterista es Jesús Parada. La verdad que el predominante color oscuro de la portada hace juego con el despliegue de neurótica polenta que atraviesa a la notable mayoría de ideas musicales del repertorio; por su parte, los motivos floridos ancestrales que parecen flotar sobre lo negro se hacen eco de las florituras magistralmente ejecutadas por el ensamble a través de las llamativas cadencias fusionescas, riffs bien armados, esquemas rítmicos complejos, explosivos cambios de ritmos y ambientes. Vamos, que “Indígena” es una joya progresiva de alto nivel que da indicios de amplia vitalidad y férreas esperanzas de gran futuro para el género. ‘Chúcaro’ abre el disco de manera contundente, estableciendo una pauta central de corte psicodélico hard con tintes crimsonianos, algo así como una cruza entre ERGO SUM y GORDIAN KNOT. El filo agresivo de la pieza se enriquece con matices sucesivos de fusión y funk-rock que emergen con las variantes que surgen en el desarrollo: ocho minutos y pico bien aprovechados en un despliegue de potencia musical inteligentemente suministrada. El tercer tema, titulado ‘Perimontu’, sigue un sendero menos explícito, lo cual motiva el manejo de contrastes más marcados entre ambientes en un sistema de tensión interna bastante interesante desde el punto de vista progresivo: el contrapeso de las líneas de flauta y los acordes de guitarra generan una magia sofisticada muy peculiar, realzada por los ornamentos de bajo y las percusiones añadidas. Si ‘Chúcaro’ fue la entrada perfecta, esta pieza se convierte en un afianzamiento del camino que aún queda por recorrer al repertorio restante. ‘Rancagua Nocturno’ tiene una vibración extremadamente ágil, no exenta de fuerza y espíritu vanguardista, tal como lo demuestran las secciones más nítidamente pesadas (y a la vez, tribales) que cortan con el colorido candoroso de los primeros minutos. El nervio y la solvencia utilizados para el manejo de elementos fusionescos casi se pueden palpar a través del aire – el elemento onírico que atraviesa a la última sección hasta su hipnótico fade-out es digno de una mención especial.
Junto con ‘Chúcaro’, esta pieza es todo un emblema del actual sonido de MAR DE ROBLES. ‘Ubuntu’ cierra el disco con un apego más definido hacia compases telúricos, abriendo campo para que la sección rítmica adquiera una especial relevancia en varios momentos climáticos cruciales, amenazando con robar la escena a los contundentes efluvios guitarreros o a las mágicas florituras de saxo y flauta. Como pasa con muchas piezas de este repertorio, 'Ubuntu' concluye de porrazo, causando un efectivo dramatismo conclusivo. Espero que los comentarios de estas cuatro piezas específicas sirvan para dar una buena idea sobre el brillo sonoro vertido en la totalidad de “Indígena”.
Ahora el grupo está ad portas de celebrar su 10mo. aniversario. Aquí transcribo el anuncio de su concierto especial de aniversario, el cual tendrá lugar en Santiago. “El Quinteto Rancagüino MAR DE ROBLES se prepara para celebrar sus 10 años de trayectoria musical, recopilando para sus amigos y seguidores una historia que nació a comienzo del año 1998, cuyos primeros pasos se debieron a una inmensidad de energía sustentada sobre una sólida hermandad, que logró transformar a la música en un estilo de vida y que poco a poco los fue envolviendo en un mar de creatividad. Fue así como a comienzos del año 2000, el ambiente musical de la vanguardia nacional comenzó a escuchar de una particular banda proveniente de la Región de O'Higgins con un estilo que propone un rico y pulcro contraste entre la agresividad rockera crimsonianamente demencial por un lado, y las finas y sensuales texturas del jazz fusión y el folklore acústico, por el otro. Con estos antecedentes se inician los primeros pasos de un largo camino, que les ha permitido estampar su rubrica en importantes escenarios nacionales e internacionales, logrando grandes elogios en renombrados festivales internacionales de Rock Progresivo como el de Baja-Prog en Mexicali, México. La invitación queda extendida a todos los amantes de la música nacional para acompañar este Sábado 25 de Octubre desde las 21:00 hrs. en la sala SCD de Bellavista, a una banda que promete hacernos disfrutar de un show audio-visual que recorrerá gran parte de su trabajo musical más nuevas composiciones no incluidas en su discografía, invitándonos a llegar con los sentidos sensibles a un estilo de rock rico en variedades rítmicas y armónicas, enmarcados en conceptos líricos y visuales que rescatan nuestras tradiciones y pretenden aportar a la diversidad cultural en el escenario de la música chilena.
Las entradas ya se encuentran disponibles por el sistema FeriaTicket en las tiendas adheridas y en http://www.feriaticket.cl
Coordenadas: Sábado 25 de Octubre 21:00 Horas Sala SCD Bellavista Santa Filomena 110, Barrio Bellavista, Santiago - Chile Valor: 2.500”
Desde este blog felicitamos a quienes tengan oportunidad para disfrutar de este concierto, el cual seguramente será un pretexto para el despliegue de una de las mejores músicas progresivas del presente.
El Sabado pasado tuve la oportunidad de presenciar (y conversar brevemente con los musicos, como describo mas abajo) en los estudios Orion de Baltimore un performance en vivo de la eclectica banda Canadiense Mahogany Frog, la nueva (y espontanea) adquisicion del sello MoonJune. Esta vez una buena cantidad de progheads y criticos llenaban el auditorio, lo cual debe haber dejado muy contentos a los cuatro jovenes provenientes de las congeladas pampas de Winnipeg. Debo decir despues del concierto que hay mas razones para estar contentos, siendo que los presentes hemos quedado extasiados con la intensidad del asalto sonoro, la magia y la originalidad de esta banda. El ahora cuarteto fue fundado en 1998 por los amigos Graham Epp y Jesse Warkentin, y tienen en su haber cinco albumes. Como su titulo sugiere, “Do 5” [2008] es su quinto trabajo. El tercero fue “Mahogany Frog Vs. Mabus” [2004], un ensamble de cinco rolas experimentales de alta calidad compositiva, para el que esto escribe su trabajo mas progresivo a la fecha. Le siguio “Mahogany Frog on Blue”, donde prefirieron trabajar rolas mas cortas, mas rapidas, y mas enfocadas. “Do 5” esta a medio camino de los otros dos. Antes les habia precedido su primer album “Mahogany Frog Plays the Blues” [2002], y su segundo, un album en vivo llamado "The Living Sounds of Mahogany Frog” en el 2003.
Como apuntan en su pagina de MySpace, la musica de Mahogany es una fusion energetica de un buen numero de generos: psicodelia, electronica, rock progresivo, jazz, space rock, lounge de los 60s al estilo del rey del “Space Age Pop” Juan Esquivel, y futurismo experimental. El resultado es una musica instrumental que parece venir de un universo progresivo paralelo, familiar pero ligeramente bizarra, a un tiempo progresivamente extravagante y melodica que explosiva y ambiciosa, que combina magicamente una pared de sonido neo-psicodelico con teclados quineticamente progresivos y excelentes melodias de estirpe clasico, salpicandola de toques de trompeta jazzeantes y mucha electronica. Tanto Graham como Jesse tocan tanto la guitarra como los teclados (moog, Korg, Farfisa), y saltan de un lado a otro del escenario para cambiar instrumentos, demostrando que llevan años de sinergia y coordinacion. El bajista (y segunda trompeta junto con Graham) es Scott Ellenberger y esta vez reemplazando a JP. Perron, estaba el baterista y graduado en matematicas Andy Rudolph, quien ya habia colaborado con ellos en “On Blue” y quien añade sonidos electronicos muy a la Tangerine Dream desde su suspendida laptop.
En esta ocasion, para empezar nos ofrecieron “Boatalone (we’re not sailing in this”), una estupenda rola de “Vs Mabus” de mas de 13 minutos de duracion que mezcla en partes iguales psicodelia, bossa nova y polirritmos progresivos, y enseguida varias rolas de “On Blue”, incluyendo “Sanchez says, And Soon the Aces will Ensue”, “Ux41”, “Zulumatic” y “Canadian Youths”, asi como buena parte de su reciente album “DO5”. Adicionalmente, segun me confeso Jesse en un intermedio, un par de nuevas rolas. De primera impresion es notable que el grupo pase de un estilo musica a otro sin mayor parpadeo, con muy buena quimica entre todos los integrantes, quienes rien entre si de vez en vez, cada uno demostrando un sofisticado conocimiento de sus intrumentos.
Siguieron con la larga rola "T-Tigers & Toasters" es un interjuego de suaves texturas clasicamente progresivas a cargo del sintetizador y del piano de Graham Epp, que en el climax explotan gracias a un intenso feedback de la guitarra de Jesse, conjugandose con rafagas de la urgente bateria de Andy Rudolph (en la foto de abajo, con Jesse), para luego gradualmente regresar a territorios llenos de la sensibilidad jazzistica de Scott y los patrones progresivos de Epp. Creo que muchos en la audiencia pudimos apreciar el especial enfasis melodico que pone Mahogany Frog en sus arreglos. Aun cuando la musica puede sonar por instantes ruidosa o caotica al estilo de por ejemplo el grupo japones Green Milk From the Planet Orange, la musica de Mahogany Frog no se pierde en un callejon sin salida, sino que siempre recupera su base melodica. Al terminar “Zulumatic”, una rola psicodelica, los musicos nos ofrecieron embelesados una sui-generis interpretacion del tema de Dave Brubeck “Blue Rondo alla Turca”, que llevaron al borde del paroxismo y que Graham remato con los alucinantes ritmos del Farfisa, un ya olvidado organo otrora usado por los Doors y los Beach Boys entre otros.
Las trompetas de Epp y Ellenberger son la clave melodica en la pieza "Last Stand At Fisher Farm", que Warkentin complementa apasionadamente con lineas progresivas del Farfisa para hacia un climax de brillante intensidad. La bataca urgente de Rudolph y un bajo distorsionante de Ellenberger dan entrada a los teclados progresivos de "You're Meshugah!", que en un principio parecieron sonar tetricamente oscuros, como salidos de una pelicula musicalizada por Goblin, pero al final sonaron tan divertidos como una feria de Domingo.
Asi se fueron sucediendo varias piezas, unas mas psicodelicas, unas mas jazzeantes y otras mas progresivas que las otras, siempre comandadas por melodias salidas de los teclados progresivos, la amplificada guitarra y los ritmos en colusion permanente, creando una pared de sonido semejante al estilo Marsvoltiano.
Al finalizar el concierto, los musicos entraron en la contertulia a charlar y disfrutar de los bocadillos. Graham me comento cuando un dia, muy nerviosos, le habian hablado por telefono a Leonardo Pavkovic, dueño de MoonJune Records, para preguntarle si ya habia podido escuchar sus grabaciones de muestra, y este les contesto que en efecto, y que queria de inmediato convertirse en su sello distribuidor. Asi nomas. Graham cuenta que hasta la fecha, aun no han tenido ocasion de conocer a Leonardo, quien siempre anda viajando y repartiendo tours por todo el planeta. Andy por su parte, me relato que aunque disfruta del gran ambiente cultural que se vive en Winnipeg, anhela un dia dejar la gelida tierra de Manitoba para irse de paseo por Sudamerica (su novia es Paraguaya). Jesse por su parte no paraba de mostrar los dos vinilos coloreados a la concurrencia, notando que el LP de "On Blue" esta teñido de azul, mientras que el de "DO5" esta psicodelicamente coloreado en tonos verde-apastelados.
Mahogany Frog esta haciendo, como sus congeneres de El Paso, Texas, musica tremendamente ambiciosa, intensa e innovadora, musica que nos lleva un viaje de transformacion y ruptura con habitos musicales establecidos, capturando el verdadero espiritu libertario y radicalmente explosivo de la musica progresiva. Simplemente fascinante.
En el primer video la banda interpreta la rola titulada "Lady Xoc and Shield Jaguar" del nuevo album DO5.
El segundo video Mahogany Frog interpreta dos piezas: "You Are Mashugga" y "We Are Not Your Sugar", tambien del album DO5.
El resultado final es rico en texturas pero nada ostentoso en cuanto al ingenioso uso del colorido musical, pues ciertamente la banda se apresta a mantener de manera consistente una ambientación relajada y ensoñadora en el repertorio de “Rohmer”.
