EL ARCA DE VALJÓS: tribulaciones de una exquisita travesía avant-progresiva

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión presentamos un disco muy especial dentro de la vanguardia progresiva mexicana de estos últimos años: nos referimos a “Las Tribulaciones De Valjós” de EL ARCA DE VALJÓS. El nombre de EL ARCA DE VALJÓS corresponde al músico y compositor Raúl Valverde, quien orienta su creatividad por las sendas donde se cruzan el chamber-rock, el RIO de tradición francófona y el ambient de tenor cinematográfico. El núcleo estilístico ínsito en la vitalidad estética de EL ARCA DE VALJÓS se centra en el empleo de sonidos orquestales que, siendo masivos, siempre se mantienen dentro de una ingeniería meticulosa. En algunos temas de este álbum colaboró el teclista Héctor Silva Domínguez. Siendo un disco cuyo repertorio tomó varios años en completarse en lo referente a la composición y la grabación, “Las Tribulaciones De Valjós” tuvo su primera edición física en el año 2021, por vía del sello Kathmandu Records, fundado por Carlos Vivanco y Alex Eisenring, dos pilares de la avanzada mexicana y miembros actuales de DECIBEL; hace poco, a fines del año 2022, el sello connacional Azafrán Media se encargó de hacer una redistribución con miras a proyectar esta gran obra hacia un público más amplio. Lo que tenemos aquí es un disco conceptual basado en el gran estudio Historia de la locura del filósofo francés MICHEL FOUCAULT, poniendo énfasis en la lógica de confinamiento y exclusión de los leprosos y los dementes que permitió la institucionalización de las naves de los locos en la Inglaterra del siglo XVI, un acto de temor en lugar de protección y cuidado. La portada es un cuadro del maestro suizo HENRY FUSELI, nacido como JOHANN HEINRICH FÜSSLI (1741-1825) titulado El sueño del pastor. Bueno, vayamos ahora a los detalles estrictamente musicales de “Las Tribulaciones De Valjós”.

El tema homónimo abre el álbum ocupando un espacio de casi 5 ½ minutos, siendo así que su sección prologar consiste en una serie de agitaciones que casi parecen metamorfosearse en nubes pesadas, pero la verdadera concreción se da al emerger el cuerpo central con sus orquestaciones exquisitamente neuróticas. El aspecto terrorífico inspirado en los paradigmas de UNVERS ZÉRO y SHUB-NIGGURATH está patente, pero los arreglos globales le dan una cierta aureola etérea más cercana al modelo de los inolvidables RATIONAL DIET. Los delirios humanos que surgen cerca del final redondean la sensación de tétrico exorcismo que opera a lo largo y ancho del desarrollo temático. ‘Las Tribulaciones De Valjós’ estableció, sin lugar a dudas, un muy buen punto de partida para el repertorio y la dupla de ‘El Insensato Valjós’ y ‘Opera Stulta’ se encarga de ampliar el escenario sónico. El primero de estos temas mencionados instaura una espiritualidad solemne donde se transmite un lirismo torturado, pero sin llegar a una exaltación desbordada; la tensión emocional está muy finamente perfilada. En cuanto a ‘Opera Stulta’, combina factores trágicos y bufos dentro de un encuadre sonoro donde el perseverante predominio de lo tétrico adquiere matices surrealistamente lúdicos. Claro está, la presencia del canto impacta mucho en este sentido. ‘Incertidumbre Y Abismo’ se sitúa en un área más reflexiva donde el oscurantismo reinante se matiza con una extraña serenidad, la misma que mantiene una misteriosa gravedad merced a las acentuaciones señoriales exhibidas en el entramado de piano y maderas sintetizadas. ‘Witch And The Rotten Corpses’ sí se abre a un oscurantismo más explícito, siendo así que se somete a expansiones deconstructivas marcadas por una teatralidad tan lóbrega como contundente. Con su duración de alrededor de 6 ½ minutos, ‘Las Eternas Voces De La Maledicencia’ es el tema más extenso del disco. Su esquema instrumental se sitúa en un terreno intermedio entre los temas #1 y #2, pero las participaciones vocales le dan al conjunto un aura dadaísta que perpetúa parte de la densidad oscura de la pieza precedente, eso sí, con una estrategia más preciosista: posiblemente, ésta es muy afín a los ART ZOYD de los cinco primeros discos. A propósito, esas voces son del mismísimo MARCEL DUCHAMP. 

 
Ya desde hace rato estamos convencidos de la estupenda genialidad de este disco, pero todavía quedan más cosas por disfrutar. ‘Convención De Gnomos’ sigue a paso firme por la senda expresiva del tema precedente, añadiéndose una retoma de los aires bufos que se insertaron sistemáticamente en el tema #3. El pasaje epilogar se explaya convincentemente en una retorcidamente fulgurosa magnificencia. Cuando llega el turno de ‘Cegado Por La Fatalidad Del Fin De Los Tiempos’, se crea una ambientación que podríamos describir como cósmica, pero no al estilo de una liberación del espíritu, sino al modo de un ensimismamiento que obliga al corazón a reconocer los rincones más opacos de sus enrevesadas cavernas. Los aspectos más cortantes de las capas sonoras que arman el motif central se van destacando más mientras avanzan los segundos, como si gestara un tornado de indescriptible angustia metafísica. ‘Valjós Mira El Mar Nocturno’ nos devuelve a la dimensión introspectiva del disco al modo de un lamento que prefiere enunciar su desazón con estoica serenidad, dejando que el calculado armazón de los acordes de piano y las florituras orquestales sirvan de discurso y de ambientación simultáneamente. Cierra el repertorio ‘Marcha De La Melancolía’, la pieza más directamente lírica del álbum, estando centrada en exhibir una actitud dramática donde lo modernista y lo gótico se dan la mano. Es el crepúsculo de una pesadilla donde las huellas dejadas fungen como permanentes y apesadumbrados vestigios de la inevitable firmeza de lo oscuro. “Las Tribulaciones De Valjós” es, a fin de cuentas, el excelente testimonio de una de las diversas vías de expresión de música progresiva vanguardista que existen en América Latina. EL ARCA DE VALJÓS merece todo nuestro agradecimiento por haber aportado algo tan bueno para la avanzada musical de nuestros tiempos. ¡Totalmente recomendable!
 
 
Muestras de “Las Tribulaciones De Valjós”.-
Las Tribulaciones De Valjós: https://elarcadevaljs.bandcamp.com/track/las-tribulaciones-de-valj-s-2

El Insensato Valjós: https://www.youtube.com/watch?v=I6xwMQTk6Ss 

Las Eternas Voces De La Maledicencia: https://elarcadevaljs.bandcamp.com/track/las-eternas-voces-de-la-maledicencia
Valjós Mira El Mar Nocturno: https://elarcadevaljs.bandcamp.com/track/valj-s-mira-el-mar-nocturno

MILKBONE: una ventana londinense para el jazz-prog contemporáneo

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Llegamos bastante tarde al bastión del proyecto londinense MILKBONE, integrado por los músicos Phil Scragg [Piano eléctrico Wurlizter, órgano Teischord, sintetizadores Korg, Minimoog y Eurorack Modular System, bajos Fender, Rickenbacker y Maton Fretless, guitarras Fender Telecaster e E-bow, mandolina y dulcémele], Matt Berry [piano, sintetizadores Arturia Mtrixbrute, Minimoog, ARP 2600 y Yamaha SK15, y guitarra acústica] y James Sedge [batería]. Decimos que llegamos tarde porque su disco homónimo se publicó el 4 de enero del pasado año 2022. En algunos temas del repertorio de “Milkbone”, el trío contó con las ocasionales colaboraciones de Graham Mann (trombón y percusiones) y Cecilia Fage (sampleos vocales). La línea musical de MILKBONE expresa una meticulosa cruza entre jazz-prog, nu-jazz y retro-Canterbury, incluyéndose algunos coqueteos ocasionales con el ambient y el space-rock. El material contenido en “Milkbone” fue grabado en diversas sesiones que tuvieron lugar en RedLodge Studios, Peach House y Musicstation. El arte gráfica es de la autoría del propio Matt Berry. 

La pieza justamente titulada ‘Canterbury’ abre el repertorio y lo hace con una aureola serena, la misma que permite que el cristalino lirismo de la estructura melódica se explaye plácidamente a través del desarrollo temático. Los momentos en los que el sintetizador y el trombón se destacan respectivamente se hilan muy fluidamente antes de que llegue el etéreo fade-out para traer consigo algunas texturas ensoñadoras. ‘Leaving Hawksbill’ sigue a continuación para exponer una mayor expansión del colorido musical esencial del ensamble, lo cual se traduce en una estupenda mezcla de nu-jazz y jazz-prog que se deja arropar por recursos sonoros propios del space-rock. La intensidad del swing y la impoluta elegancia del groove general hacen que la pieza exhiba su fulgor con inapelable prestancia. La miniatura de menos de un minuto ‘Toys Hill’ instala un llamativo ejercicio de ambient que nos remite al VANGELIS de la fase 1975-77, abriendo de esta manera la puerta al arribo de ‘Automatic Foot’, una pieza patentemente extrovertida que se adentra concienzudamente en una reconstrucción del legado del Canterbury en su dimensión más cálida (CARAVAN) a través de su filtro más señorial (GILGAMESH, NATIONAL HEALTH). La dupla de la pieza homónima y ‘Two Sequences’ sirve para que el ensamble siga explorando diversos matices de su plural propuesta estética. Específicamente, ‘Milkbone’ se asienta sobre un swing bien definido donde los tintes modernistas y los climas espaciales se utilizan con refinado sentido de la estrategia para realzar las bases armónicas diseñadas para la ocasión (las mismas que nos recuerdan al paradigma de los legendarios WEATHER REPORT). Usando parte del vigor estandarizado del jazz-rock mientras lo matiza con grooves psicodélicos, la pieza se centra en sus propias vibraciones expresionistas mientras va llenando espacios con comedida delicadeza. Por su parte, ‘Two Sequences’ se mete de lleno en una intensidad jazz-progresiva que busca cruzar las periferias respectivas de los mundos de RETURN TO FOREVER y OZRIC TENTACLES bajo la guía de GOGO PENGUIN. ‘Bleak Strategy’ se enfila hacia un jazz-funky envuelto bajo atmósferas progresivas suavemente densas (casi al estilo de los STICK MEN): el paisaje sonoro global está armado para que el bajo pase al centro protagónico del entramado instrumental.

‘Soft Weed’ desarrolla una atmósfera sosegada donde los músicos se permiten ahondar sesudamente en su faceta más calmada, logrando concretar una ambientación flotante que se sitúa a medio camino entre lo onírico y lo misterioso. Hay conexiones con el patrón de BURNT BELIEF. ‘Red Shift’, por su parte, regresa de lleno a la dimensión más saltarina del grupo, lo cual se traduce en una nueva reactivación del legado del jazz fusion de los 70. Con este viraje tan pronunciado frente a la atmósfera central del tema precedente, el grupo se deja llevar por la grácil luminosidad impulsada por la batería desde el mismo punto de partida. El solo de sintetizador inicial refuerza contundentemente este impulso primario para que se vaya soltando de manera creciente hasta que llegue el momento final. ‘Cecilia’ comienza con unas capas minimalista de tenor ambient que se agitan dentro de sus propias entrañas con un talante un tanto oscurantistas, pasando luego a un motif jazz-rockero que se sitúa a medio camino entre WEATHER REPORT y HERBIE HANCOCK. ‘Velvet Black’ impone un adecuado epílogo para el repertorio general del álbum. De todas formas, todavía hay espacio para otra versión de ‘Velvet Black’ con la participación de la invitada Harriet Langley al canto, una mujer que goza de una trayectoria propia como cantante y pianista. En este bonus, se advierte la presencia de vibraciones impresionistas que replantean la idea original de una manera fehacientemente refrescante; de paso, se la añade medio minuto más de duración. Todo esto es lo que salió de los cuarteles de MILKBONE: aparte de la tardanza de la presente reseña, es justo terminarla señalando a “Milkbone” como una hermosa obra que ensalza el ideal de la música jazz-progresiva en nuestros tiempos.

Muestras de “Milkbone”.-
Automatic Foot: https://milkbonemusic.bandcamp.com/track/automatic-foot
Milkbone: https://milkbonemusic.bandcamp.com/track/milkbone
Soft Weed: https://milkbonemusic.bandcamp.com/track/soft-weed
Red Shift: https://milkbonemusic.bandcamp.com/track/red-shift

RECÓRCHOLIS! o la nueva norma de la vanguardia argentina

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy se da la ocasión de presentar a RECÓRCHOLIS!, un ensamble argentino dedicado a cultivar una propuesta avant-jazz-progresiva y que está conformado por Ignacio Lois [bajo, teclados, guitarras, sampler y derbake], Francisco Huici [saxos eléctricos], Pablo Manuel González [batería y percusión] y Fernando Molina [proyecciones]. Tenemos aquí un colectivo cuatripartito de tres instrumentistas y un creador visual (o, como le gusta decir a Lois, un power trío de cuatro). Los RECÓRCHOLIS! tienen un disco de larga (no muy larga) duración titulado “Total Normalidad”, el mismo en el que reciben colaboraciones ocasionales de parte de Mariano Díaz (piano eléctrico y sintetizador) y Federico Nicolao (manipulación sonora). Lois es el autor de todas las composiciones de este disco publicado a fines de noviembre del pasado año 2022 (sí, llega un poco tarde esta reseña). Nos suena conocido el nombre de Ignacio Lois porque él fue integrante de TÁNGER, banda de donde su bajista y principal compositor Luis Colucci también ha emergido como creador solista de música progresiva. Volviendo a RECÓRCHOLIS!, se trata de una banda jazz-progresiva que se preocupa por centrar su propuesta en vías de expresión con un meticuloso cariz contemporáneo. Este disco fue producido por Lois y Nahuel Briones (otro nombre asociado a TÁNGER). Las sesiones de grabación para “Total Normalidad” tuvieron lugar en los Eleven Palace Estudios (CABA) y Mao Estudios (Olivos) en setiembre de 2022, bajo la dirección del antes mencionado Nicolao y Francisco Baeza. Federico Nicolao también se hizo cargo de la mezcla en los Eleven Palace Estudios, mientras que el ulterior proceso de masterización se realizó en el Alb Estudi de Barcelona (donde Lois residió durante varios años), en manos de Albert Guitart. Lois hizo el diseño y la maquetación de la portada en base a una ilustración de Guido Bompadre. Bueno, vayamos ahora a los detalles musicales de “Total Normalidad”.

 
Durando un minuto y pico, ‘Total Normalidad’ abre el disco con una exhibición de retazos sónicos de vientos sobre un trasfondo minimalistamente industrial que termina tornándose en un swing cibernético. De este modo, se abre la puerta para la irrupción de ‘Voltaje’ con su vibrante vivacidad que se desarrolla con una soltura jovial empapada de un contundente espíritu lúdico. La soltura exaltada de la ingeniería rítmica inicialmente impone el idóneo sustento para las alegres líneas dibujadas por el saxo, pero más adelante vira hacia un sendero de sofisticada densidad, con lo cual obliga a la jovialidad a retirarse en beneficio del conclusivo dominio de los misterioso. Muy convincente esto que suena como un híbrido entre GUTBUCKET y KING CRIMSON. Ya se puede decir que hay un inicio impactante de las cosas. Sigue a continuación ‘Telaraña!’, erigiéndose como la pieza más extensa del repertorio con sus poco más de 7 ¼ minutos de duración, y lo hace explayándose en una mezcla de jazz-prog, psicodelia y math-rock que destila una innegable aureola de refinada gracilidad mientras deja que el motif central desarrolle cabalmente sus expresiones de aguerrida inquietud. Es durante el solo de un masivamente distorsionado piano eléctrico que este tema capitaliza de una forma muy concreta todo el vigor latente que ha estado operando desde el punto de partida, y ya desde entonces no hay marcha atrás: esa contundencia sale al frente para no volver a su guarida, siendo así que sondea su propio camino a seguir hasta el momento final. El cénit del repertorio, sin duda. ‘Persecuta’ sigue, en buena medida, la pauta del tema precedente, aunque con una dosis más comedida de suntuosidad. El nervio sónico del ensamble es más árido, las puntuaciones del bajo son más cortantes, los fraseos de los saxos expresan abiertamente una tensión espiritual, la misma que se hará aún más intensa cuando la guitarra aproveche su momento protagónico (cerca del final). Mientras todo esto tiene lugar, el fulgor progresivo sigue intacto... Y el cénit se va perpetuando a paso firme. 

‘Una Conversación Sobre Árboles’ cambia de registro notoriamente para emplazarse, en una primera instancia, en un lugar introspectivo con la elaboración de una atmósfera contemplativa sobre un groove sereno. Funciona aquí un aura señorial en clave de nu-jazz, siendo así que los ornamentos modernistas que inicialmente operaban en un lugar sutil terminan saliendo al frente para impulsar un interludio ágil antes de que el epílogo traiga de vuelta a aquella atmósfera contemplativa. ‘Carpincho’ acoge la vitalidad explícita de tema #2 y la mezcla con la enérgica sofisticación del tema #4. De hecho, los pasajes más aguerridos ostentan una incrementada musculatura, lo cual permite al trío trabajar eficazmente con su vertiente más propiamente rockera mientras sigue ejercitando su ideal de exquisitez sónica. Otro momento particularmente destacado dentro del repertorio. Los dos últimos temas del disco son el que justamente se titula ‘Recórcholis!’ y ‘Una Hoja Desarbolada’. El primero de ellos desarrolla un groove bastante llamativo en base a un lirismo jovial muy semejante al del tema #2, pero con una prestancia un poco más contenida y una arquitectura rítmica más compleja. En cuanto a ‘Una Hoja Desarbolada’, se trata de un epílogo de connotaciones abstractas donde se retoma los aires industriales de ‘Total Normalidad’, pero dentro de una atmósfera desolada. Es el crepúsculo que clausura el carnaval de viajes musicales que se ha realizado hasta este momento. Todo esto fue lo que se disfrutó de “Total Normalidad”, un disco que el colectivo de RECÓRCHOLIS! ha gestado para mantener vigente la fuerza de la vanguardia argentina del momento. Mucha atención a este grupo que, de todas formas, nos deja con ganas de más respecto a nueva música que vaya a producir en el futuro próximo; mientras tanto, recomendamos este disco que sabe decir mucho en tan poco tiempo dentro de cualquier buena fonoteca de música jazz-rockera y progresiva.

 
 
Muestras de “Total Normalidad”.-
Voltaje: https://recorcholis.bandcamp.com/track/voltaje
Telaraña!: https://recorcholis.bandcamp.com/track/telara-a
Una Conversación Sobre Árboles: https://recorcholis.bandcamp.com/track/una-conversaci-n-sobre-rboles

RING VAN MÖBIUS: rock progresivo y ballet

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos un disco muy especial en nuestras manos: se trata de lo nuevo del grupo noruego RING VAN MÖBIUS, un disco titulado “Commissioned Works Pt. II: Six Drops Of Poison” y que, en lo esencial, se trata de un trabajo conceptual basado en una puesta de ballet contemporáneo.... Aunque no es exactamente así. En realidad, todo proviene de la primavera del año 2021, cuando este trío recibió la propuesta del coreógrafo Harald Beharie para que compusieran la música de su siguiente actuación solista, la misma que se llamaría “Batty Bwoy” y sería estrenada en Dansens Hus, Oslo, en enero de 2022. Este proyecto involucraba diversas expresiones artísticas y tuvo una gran acogida, tanto así que obtuvo una nominación para el Galardón de la Asociación de Críticos Noruegos del año 2022. De todas formas, el álbum del cual hablamos ahora no es exactamente la verdadera banda sonora de ese proyecto de ballet, sino una serie de piezas desarrolladas a partir de los primeros bosquejos musicales que fueron surgiendo durante el proceso de composición perpetrado por este trío conformado por Thor Erik Helgesen [sintetizador Spectral Modular Synthesis System, órgano Hammond L100, piano de cola Steinway, piano eléctrico Fender Rhodes, Mellotrón, piano vertical Yamaha, voz y coros], Dag Olav Husås [batería, campanas tubulares, tímpanos, glockenspiel, carillones, gong, platillos y coros] y Håvard Rasmussen [bajo de 6 cuerdas Danelectro Doubleneck, guitarra barítono de 12 cuerdas, Space Echo y Ring Modulator]. En palabras del propio grupo, “tratándose de un trabajo independiente basado en nuestras ideas musicales iniciales, este disco puede ser considerado como algo ligeramente inspirado por, que no limitado a, lo que había en e concepto original de Harald Beharie.” El 14 de julio pasado fue la fecha en que se publicó “Commissioned Works Pt. II: Six Drops Of Poison” por vía del sello Apollon Records, tanto en CD como en vinilo (en colores blanco y magenta). 

Cada una de las 12 piezas que componen el repertorio de este álbum tiene un título que comienza indicando el número del capítulo: The 1st Chapter, The 2nd Chapter, The 3rd Chapter, etc. Todo comienza con ‘Elements, including a) In Awe, b) The Portrait’, una canción empotrada en una parsimonia misteriosa que va, poco a poco, aumentando en brío expresivo bajo un techo bien definido. Sigue a continuación el breve ‘The Fire (Pt. I)’, que se ofrece como puente para que esa intensidad latente explote en un fulgor patente y asuma aires festivos de corte majestuoso. Siendo tan corta esta pieza, deja una huella importante en el desarrollo de las cosas, tal como lo de muestra el siguiente tema, el cual se titula ‘Moments And Movements, including a) The Questioning, b) Circles & Crosses, c) The Drifting (Pt. I)’ y se explaya por un espacio de poco más de 6 ½ minutos. Resultando ser el ítem más extenso del disco, se regodea inicialmente en exhibiciones de tenso vigor rockero y contundente prestancia progresiva muy emparentada con los legados de QUATERMASS, los últimos THE NICE y los primeros ATOMIC ROOSTER; posteriormente, con ciertos aires añadidos del paradigma de BO HANSSON, el trío incorpora al entramado sonoro un extenso pasaje centrado en una solemnidad preciosista. ‘Through Oceans of Glass’ es otro tema breve que recibe los ecos de la última sección del tema precedente para darle matices oscurantistas. Así las cosas, ‘When Man Becomes Wolf’ cuenta con suficiente fuelle para impulsar su estructuración de balada sinfónica donde los persistentes aleteos del mellotrón envuelven a las bases armónicas del órgano y el sutil solo de sintetizador que emerge más adelante. El pasaje epilogar ostenta una fastuosidad encantadora. ‘Hex’ comienza con un talante grisáceamente crepuscular para luego virar hacia un nuevo momento de gracilidad fulgurosa inspirada en el patrón Emersoniano con añadidos toques Canterburyanos (casi a lo EGG). Los matices marciales aportados por el dúo rítmico son muy interesantes a la hora de acentuar el rutilante arrebato sinfónico que tiene lugar. Los dos primeros temas de la segunda mitad del repertorio son ‘An Ending, including a) The Transfer, b) The Knife’ y ‘A Darker Poison, including a) The Dawn, b) Colossal’. El primero de ellos se remonta a un lirismo sobrio y arcano, esperando al último tramo para arrojarse a una breve implosión psicodélica; el segundo asume el esquema de una balada un tanto teatral que insinúa estar escondiendo algo ominoso bajo su calma exterior, la misma que se torna explícitamente majestuosa en sus últimos instantes. 

‘The Echoes, including a) The Drifting (Pt. II), b) Directions’ se encarga de resolver el misterio y se centra en la explicitación de algo enérgico y vigoroso cuya sofisticada arquitectura obliga a medir cuidadosamente sus espacios de frontal destello. Aquí tenemos algunos de los más complejos ejercicios de ingeniería rítmica de todo el álbum, así como una nueva exposición de matices otoñales de tintes crepusculares; estos últimos están apropiadamente enfatizados por los quiebres rítmicos y los ornamentos percusivos. De esta manera, el trío pone sobre la mesa todas sus cartas orquestales, las misma que se habrán de expandir de inmediato en ‘Paradoxal Fate, including a) The Eyes, b) The Drifting (Pt. III), c) The Cosmic Hour’. Aquí, las vibraciones caleidoscópicas diseñadas para la ocasión van organizando los turnos donde las gamas más claras y las más oscuras tienen que alternarse en medio de una algarabía exuberante que, a veces, se deja llevar por una densidad machacante. Un interludio ceremonioso con soliloquio incluido y un epílogo neuróticamente muscular gestan un vigor especial que termina aterrizando en una breve coda etérea. El trío se siente bastante cómodo regresando a sus recursos inspirados en ATOMIC ROOSTER, ARTHUR BROWN’S KINGDOM COME y QUATERMASS. ‘The Nine, including a) The Fire (Pt. II), b) A Nonagon In Eight’ establece una idónea continuidad del fastuoso empuje de las dos piezas precedentes para darle una nueva vuelta de tuerca al señorío teatral y solemne con el que el trío sigue explorando nuevos paisajes rotundos y aguerridos, todo ello sin perder la exquisitez preciosista propia del discurso prog-sinfónico. He aquí un clímax claroscuro y exaltado que, a la vez, cierra los efluvios multicoloridos predominantes hasta ahora y abre camino al final de la obra, que se concreta con ‘The Conclusion, including a) Astray, b) The Finale’. Aquí se realiza una retoma de los aires más ligeros que se exhibieron en los tres primeros temas del álbum, pero con una remodelación filtrada a través de los traqueteos ígneos que se manifestaron en varios pasajes de los cinco temas precedentes. Hay una emotividad envolvente en esta grand finale que, al fin y al cabo, tiene una función grandilocuente que cumplir: los últimos pasajes de órgano, enfatizados por las comedidas florituras del sintetizador, marcan el camino bajo pautas donde se fusionan lo gótico y lo romántico. 

Todo esto fue lo que salió de los cuarteles de RING VAN MÖBIUS con “Commissioned Works Pt. II: Six Drops Of Poison” para atizar a hoguera de la creatividad progresiva dentro de la actual escena escandinava. Posiblemente estamos hablando de su trabajo más muscular hecho hasta ahora, no sabemos si es el más notable, pero, sin duda, es el que tiene un perfil más ambicioso a la hora de establecer un esquema de trabajo marcado por modismos progresivo de vieja escuela. Muy recomendable en cualquier buena fonoteca actualizada de rock sinfónico y otras hierbas art-rockeras.

Muestras de “Commissioned Works Pt. II: Six Drops Of Poison”.-

The 3rd Chapter: Moments And Movements, including a) The Questioning, b) Circles & Crosses, c) The Drifting (Pt. I): https://ringvanmbius.bandcamp.com/track/the-3rd-chapter-moments-and-movements-including-a-the-questioning-b-circles-crosses-c-the-drifting-pt-i

The 5th Chapter: Hex: https://ringvanmbius.bandcamp.com/track/the-6th-chapter-hex

The 10th Chapter: Paradoxal Fate, including a) The Eyes, b) The Drifting (Pt. III), c) The Cosmic Hour:  https://ringvanmbius.bandcamp.com/track/the-10th-chapter-paradoxal-fate-including-a-the-eyes-b-the-drifting-pt-iii-c-the-cosmic-hour

The 11th Chapter: The Nine, including a) The Fire (Pt. II), b) A Nonagon In Eight: https://ringvanmbius.bandcamp.com/track/the-11th-chapter-the-nine-including-a-the-fire-pt-ii-b-a-nonagon-in-eight

La quinta materia retro-progresiva de los suecos AGUSA

 
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Siguen llegando sin parar las buenas nuevas desde la escena progresiva escandinava, pues, en este caso, tenemos a nuestra disposición el reciente quinto disco de estudio del quinteto sueco AGUSA. Publicado el pasado 14 de julio – hace muy poco – por el sello Kommun2, el disco en cuestión se titula “Prima Materia”. El colectivo conformado por Mikael Ödesjö [guitarras], Roman Andrén [teclados], Jenny Puertas [flauta y voz], Simon Ström [bajo] y Nicolás Difornis [batería, percusión y voz] vuelve a lucir sus medallas de liderazgo dentro de la línea de trabajo retro-progresiva donde se fusionan sinfonismo, jazz-prog y space-rock. De hecho, en el caso de este nuevo disco, el aspecto jazz-progresivo se siente generalmente  más acentuado que en trabajos fonográficos precedentes, lo cual implica que el filo expresionista que fue tan importante en los dos discos anteriores (“Agusa” y “En Annan Värld”, de octubre de 2017 y setiembre de 2021, respectivamente) se presenta ahora de manera más moderada. Por otro lado, esto también significa que hay una interesante predominancia de texturas líricas en los delineamientos y arreglos de los esquemas melódicos diseñados para cada pieza. Sebastian Acosta Moreno fue el encargado de la ingeniería de sonido y la producción de las sesiones de grabación en el estudio Acosmo Sound; el ulterior proceso de masterización estuvo a cargo de Magnus Lindberg. La bella labor gráfica se repartió entre Elin Löfgren y Klara Andrén, realizando aquélla la portada y ésta, la contraportada. 

 

El repertorio de “Prima Materia” se inicia con ‘Lust Och Fägring (Sommarvisan)’, su pieza más extensa con su espacio de 14 ½ minutos casi exactos. Tras un preludio pastoral de tendencia ceremoniosa emerge un primer cuerpo central bien insertado dentro de una cruza entre CARAVAN, la faceta más extrovertida de RAGNARÖK y los JETHRO TULL de la fase 1969-70: un refinado ejercicio de jazz-rock progresivo que se complace en extender lo más posible su muy vivaz groove mientras el órgano, la flauta  y la guitarra se reparten turnos en el engalanamiento del bloque musical. En una segunda instancia, el factor jazz-rockero se amplía por vía de la emergencia de un motif bluesero que va ascendiendo en garra mientras avanza y avanza... Y así llega el ensamble a elevarse hacia una musculatura muy llamativa cuando se arma un nuevo jam jazz-progresivo con inclinaciones Canterburyanas. Éste no dura mucho pues su función principal es la de preparar el terreno para una larga sección marcada por un sinfonismo solemne, el mismo que se sitúa a medio camino entre FOCUS y GENESIS con algunas trazas Floydianas añadidas al modo de una señorial parsimonia. Es en este momento en que el grupo elabora eficaces recursos de expresividad aristocrática. Para el último tramo, el recurso jazz-rockero vuelve con una contundencia inapelable que refleja muy bien el recojo de la siembra concretada a lo largo de las secciones precedentes. La dupla de ‘Under Bar Himmel’ y ‘Ur Askan’ sigue a continuación, siendo ambos temas dueños de ambiciosas duraciones entre 10 ¼ minutos y 10 ½ minutos. El primero de estos temas mencionados comienza centrado en atmósferas introspectivas arropadas por un manto reflexivo bajo la mágica guía de la flauta. Más adelante, se da un viraje hacia algo más dinámico que nos remite por igual a los dos primeros discos de CAMEL y FOCUS; en algún momento surge uno de los más notables solos de guitarra de todo el disco. Poco a poco, las cosas se van calmando para dejar que una atmósfera más serena se apodere del esquema sónico y reformule la majestuosa atmósfera que, de por sí, ya está muy bien afianzada. De esta manera, se puede retomar el motif inicial con toda naturalidad a fin de concretar una coda bastante efectiva que asume una dosis extra de densidad sonora.
 

En lo referente a ‘Ur Askan’, su pauta prologar es muy semejante a la de la pieza precedente, aunque se nota una articulación más esplendorosa en el entramado de los instrumentos actuantes, el mismo que muy pronto abre camino a un jam fusionesco donde los colores y grooves exóticos creados para la ocasión exhiben una actitud razonablemente saltarina. Así las cosas, la batería puede insertar varios ornamentos en su swing, lo cual resulta crucial para que el ensamble pueda dar rienda suelta a su nervio más sofisticado mientras preserva un aura jovial bastante llamativa. Alrededor de la frontera del séptimo minuto, mientras el órgano elabora un breve puente sereno que se enfila hacia una sección particularmente intensa, nos sorprende una porción de un cántico religioso en la dulce voz de Jenny Puertas: se trata de ‘Perdona A Tu Pueblo, Señor’. Un hermoso solo de guitarra remodela los ecos emotivos de esa breve sección cantada, permitiendo, a su vez, que el órgano coja vuelo para explayarse en su solo más impresionante dentro del disco. Como dijimos un poco más arriba, se trata de una sección particularmente intensa, debiéndose añadir que también ostenta un lirismo pulcro y emotivo bajo la guía doble de guitarra y flauta. Todo concluye con ‘Så Ock På Jorden’, una canción que dura 7 ¼ minutos. Tras un prólogo con predominantes aires bucólicos que es muy breve (demasiado breve teniendo en cuenta su gancho melódico), el cuerpo central elabora un cuerpo central con una ingeniería melódica bien definida, la misma que se organiza bajo las influencias de KAIPA y JETHRO TULL con añadidos aires de YES (en lo referente al preciosismo temático) y TRAFFIC (en lo referente al grácil nervio con el que se disponen los grooves centrales). El enfoque comedido de la sección final tiende puentes con los recursos de inspirado colorido sinfónico que se utilizaron en los dos temas precedentes: una gran manera de terminar el álbum. He aquí todo lo que nos ha brindado la gente de AGUSA con ésta, su quinta exhibición de colorida materia progresiva para el cosmos rockero sueco de nuestros tiempos; “Prima Materia” es una estupenda obra que muestra unos matices más ligeros dentro de una visión musical que se mantiene coherente a lo largo de los años, una visión de AGUSA que vuelve a motivar un disco totalmente recomendable para cualquier colección de rock artístico.

 
 
Muestras de “Prima Materia”.-
Lust Och Fägring (Sommarvisan): https://agusaband.bandcamp.com/track/lust-och-f-gring-sommarvisan
Ur Askan: https://agusaband.bandcamp.com/track/ur-askan

ACTIONFREDAG, un nuevo proyecto progresivo noruego

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
La escena progresiva noruega está permanentemente inquieta desde hace varios años, siendo así que su más reciente nicho es el de un proyecto llamado ACTIONFREDAG, el cual publicó el pasado 16 de junio un disco titulado “Turist I Eget Liv”, tanto en vinilo como en modo de descarga digital, por el sello Hærverk Industrier. El colectivo de ACTIOFREDAG está conformado por Ivar Haugaløkken Stangeby [teclados], Aksel Valheim Lem [guitarra], Martin Hella Thørnquist [guitarra y voz], Katrina Lenore Sjøberg [voz], Espen Fladmoe Wolmer [batería y percusión] y Ola Mile Bruland [bajo]. Hay nombres asociados a TUSMØRKE y JORDSJØ en esta alineación. Hay varios colaboradores ocasionales en este álbum: Åsa Ree (violín), Mari Mile Bruland (clarinete), Steinar Børve (saxofón), Kristian Frøland  (glockenspiel), Aleksandra Morozova (voz), Håkon Oftung (flauta), Julia Wiedlocha (arpa) y Liv Santos Holm (melódica). El material recogido en “Turist I Eget Liv” fue grabado en el estudio Metronomicon Audio bajo la dirección en tándem de Kristian Frøland y Thomas Meidell (el primero de ellos es integrante de JORDSJØ). Luego, fue mezclado por David Aleksander Sjølie (él mismo es guitarrista en bandas de jazz-rock y rock experimental) y masterizado por Kjetil Bergseth. Bueno, veamos ahora los detalles del repertorio aquí contenido.

‘Pönk På Svenska’ abre el álbum con un frenesí bien encauzado en base a la inicial secuencia armónica del piano eléctrico. El bloque sonoro exhibe un vigor rotundo y hasta machacante donde se fusionan los estándares del jazz-prog y el hard rock con total naturalidad. Hay conexiones con los LANDBERK de los dos primeros discos, los ANEKDOTEN de la fase 1995-99 y RED KITE en el modo en que el ensamble reviste de convincente exuberancia a la razonablemente sofisticada vivacidad que penetra a la pieza. Tras este estupendo inicio de trayecto llega el turno de ‘En Behagelig Durakkord Som Sier Noe Om Hvordan Det Er Å Se Uten Å Bli Sett’, una pieza que se adentra en senderos expresivos más ceremoniosos mientras se explaya por un esquema melódico típicamente sinfónico donde lo melancólico y lo reflexivo marcan la pauta expresiva. Los ornamentos de vientos y violín realzan cabalmente el encanto innato a los recursos de evocador lirismo creados para la ocasión. Poco antes de llegar a la frontera del quinto minuto, se da un aumento de fulgor sónico que gravita de manera importante en el modo en que la canción se encamina hacia su momento final. Hay aquí resabios de los legados de GENESIS, CAMEL y BO HANSSON. ‘Gadgetry Cum Dystopia’ toma esta solemnidad y le da un aire más señorial, el mismo que se hace notar desde las primeras notas del prólogo de violín y teclado; a partir de allí, una vez instalado el bloque instrumental íntegro, la pieza se deja envolver por una aureola onírica. Ésta define inicialmente la cualidad flotante de los ornamentos de clarinete y los diversos fraseos del teclado y la guitarra solista, hasta que llega el ecuador y con él un ímpetu más denso. Ahora, lo ensoñador desaparece para abrir campo a lo intenso dentro de una parsimonia preciosista, sólo para reaparecer con una luminosidad incrementada para el epílogo. La segunda mitad del repertorio se inicia con ‘Peaches En Ulven’, un muy caleidoscópico ejercicio de vibraciones jazz-progresivas que en ciertas ocasiones se fusionan con traqueteos psicodélicos en clave space-rockera. El oasis celestial con el que termina la pieza es magnéticamente hermoso. 

 

Los dos últimos temas del disco son los más extensos del mismo y le brindan un muy efectivo clímax conclusivo: uno dura poco más de 7 ¼ minutos y se titula ‘Jesus I Min Bod’, el otro dura 9 ¼ minutos y se titula ‘Ensomhet Er Bare En Følelse’. El primero de ellos enfatiza la riqueza derivada de la cruza entre el aspecto jazz-progresivo de la banda con su aspecto prog-sinfónico, creando una suerte de síntesis entre los temas #1 y #4 mientras instaura una musculatura ágil y dúctil en la ingeniería sonora. Las continuas variaciones de ambiente y de groove que se dan en el amalgamiento de los instrumentos se hilan con ingeniosa fluidez sobre los complejos recovecos establecidos por la batería. En cuanto a ‘Ensomhet Er Bare En Følelse’, se trata de una nueva vuelta de tuerca a los aspectos más ceremoniosos del ideario estético del grupo mientras se recogen los ecos de penetrante suntuosidad heredados de los dos temas precedentes y del tema #2. El vigor está más contenido, pero éste todavía se hace presente en el modo en que ciertos ornamentos psicodélicos y otros de línea heavy prog se van insertando a través del desarrollo temático. El intermedio etéreo se da maña para brindar una fastuosidad especial al todo, la misma que terminará haciéndose explícita en el magnífico epílogo. Las conexiones con ANEKDOTEN y LANDBERK vuelven a hacerse presentes a través de un filtro híbrido de KIGN CRIMSON y VAN DER GRAAF GENERATOR. “Turist I Eget Liv”, a fin de cuentas, resulta ser un disco que exhibe bastante creatividad a través de su espacio de poco menos de 40 minutos, llegando a su cénit fundamental en la secuencia de sus tres últimos temas. Saludamos la emergencia de ACTIONFREDAG por erigirse instantáneamente como un soplo de aire fresco en medio de la imparable vorágine del universo art-rockero noruego: tenemos aquí otro referente bastante interesante de la música progresiva escandinava del presente año 2023. 

Muestras de “Turist I Eget Liv”.-

Pönk På Svenska: https://actionfredag.bandcamp.com/track/p-nk-p-svenska

Jesus I Min Bod: https://actionfredag.bandcamp.com/track/jesus-i-min-bod

Ensomhet Er Bare En Følelse: https://actionfredag.bandcamp.com/track/ensomhet-er-bare-en-f-lelse

* Adendum del 21-oct-2024: El sello español áMARXE publicó físicamente este disco a inicios de octubre del año 2024, conteniendo dicha edición el bonus track ‘Tobias’. Éste es un instrumental bastante vivaz cuya complejidad temática se inspira bastante en los paradigmas de HATFEIDL AND THE NORTH y NATIONAL HEALTH, con un armazón sónico cuyo talante vigoroso nos remite al estándar jazz-progresivo escandinavo del nuevo milenio. La dupla rítmica impone su presencia dentro de la ingeniería grupal; una mención aparte va para el cautivador solo de piano que emerge a mitad del camino.

AQANESUSS, una estupenda novedad dentro del escenario progresivo japonés

 
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hay un nuevo grupo en el vecindario progresivo internacional, o, más bien, un supergrupo. Se trata del colectivo japonés AQANESUSS, el cual está conformado por Yoshida Tatsuya [batería, percusión voz y teclados], Ito Nobuyuki [guitarra], Kirita Jin [guitarra y coros], Tsukada Madoka [teclados], Mayumi Shigeto [bajo y guitarra acústica de 12 cuerdas] y Kyoka [voz]. Vemos aquí nombres ligados a entidades legendarias como RUINS, KOREKYOJINN, KOENJI HYAKKEI, PROVIDENCE, etc. Este grupo publicó el 21 de diciembre del pasado año 2022 un disco homónimo por vía del sello Arcàngelo y con distribución de Disk Union. También se hacen presentes en el disco algunas intervenciones de parte de los invitados Imagawa Tengoku (saxo soprano), Hayashi Takashi (guitarra) y el celebrado líder de KBB Tsuboy Akihisa (violín). La propuesta de este nuevo proyecto dirigido por el maestro Yoshida se centra en el prog sinfónico, un área muy poco transitada por él, tal vez nunca... hasta ahora. También hay varios apuntes de jazz-prog en la arquitectura sónica del ensamble, algo que le acerca a venerables entidades compatriotas como INTERPOSE+ y WAPPA GAPPA. También hay algunos factores avant-progresivos que ocasionalmente se insertan por aquí y por allí, pero ellos están bastante filtrados para que el plan de trabajo musical no pierda su organicidad esencial. El material contenido en “Aqanesuss” fue compuesto y grabado entre los meses de junio y noviembre de 2022. El arte gráfica es de Mat Blackwell.

El repertorio de “Aqanesuss” se abre con ‘Soar In The Sky’, tema que se explaya por un generoso espacio de más de 8 ¼ minutos. Desde las primeras notas de piano con sus prontos ornamentos de sintetizador se impone una elegancia preciosista marcada por un lirismo cristalino y sumamente ágil. Las dos guitarras se hermanan fluidamente dentro de un entramado sonoro que se siente cómodo concentrándose en un ejercicio híbrido de estándares clásicos de YES, GENESIS y CAMEL; su musculatura es expresamente pesada, pero no estorba en el realce del esquema melódico creado para la ocasión. Por su parte, hay un solo de órgano que emerge en algún momento cuya soltura se sitúa en un inaudito terreno intermedio entre Wakeman y Bardens. Sigue a continuación ‘Kind Loneliness’ con el fin de establecer un predominio del elemento prog-sinfónico, siendo así que algunos cantos de gruñido y otros de talante burlonamente ceremonioso nos remiten muy comedidamente al Zeuhl y al avant-metal. Los aportes del violín y el saxo resultan cruciales para que la claridad melódica preserve el foco central que se le asignó a su ingeniería musical. La dupla de ‘Can’t Wait For Tomorrow’ y ‘Evening Scenery’ sirve para que el grupo siga dando rienda suelta a su esquema musical con firmeza y buen pulso. El primero de estos temas mencionados suena muy afín al paradigma del PÄR LINDH PROJECT con elementos añadidos de SOCIAL TENSION y TEE. Las partes de órgano y los riffs de las dos guitarras garantizan la musculatura contundente (lo cual también vale para el nervio mostrado por la dupla rítmica) en los predominantes pasajes recios, pero tal musculatura se mantiene bien perfilada para que el fulgor intrínseco del desarrollo temático como el elemento protagónico de la canción. En cuanto a ‘Evening Scenery’, se trata de un excelente ejercicio de confluencias entre elementos de prog sinfónico y jazz-prog con algunas trazas adicionales de prog-metal: o sea, una mezcla de JEAN-LUC PONTY, EMERSON, LAKE & PALMER y LIQUID TENSION EXPERIMENT. Esta vez, los solos y riffs de guitarra, violín y sintetizador van desafiándose en torno a parámetros de virtuosismo y garra expresiva sobre grooves variados que van desde lo gentil hasta lo incendiario, haciendo que este ambicioso bloque sonoro adquiera imparables aires épicos.  

‘Eternal Light’ dura igual que la pieza inaugural y decide combinar los ecos de ésta con los de la pieza anterior, lo cual significa que aquí se retoma el predominio del aspecto prog-sinfónico. Éste se concreta por vía de una refrescante ambición en la creación de mesurados recovecos melódicos que se enmarcan en un terreno más cercano a la tradición de YES; en simultáneo, el ensamble establece nexos con los legados de MR. SIRIUS y PAGEANT. La exaltación virtuosa está mucho más contenida, lo cual permite a la batería destacarse más dentro del bloque global; de hecho, hay un solo de batería insertado en el etéreo intermedio, el mismo que opera como terreno de despegue para el embrujador vuelo melódico de la sección final. ‘Artificial Soul’ se enfila por un área extravagantemente ingeniosa. Usando un esquema melódico bastante cándido que podríamos esperar de la canción principal de una serie de dibujos animados, le da un tratamiento cabaretero a un motif de rumba-jazz de una manera afín a la faceta más amable de COS, hasta que algunas vibraciones afines al paradigma del Zeuhl entran a tallar para darle un viraje aventureramente oscuro al asunto. Con esta estrategia, los AQANESUSS le dan un giro lúdico a sus inquietudes fusionesas, creando algo extravagantemente simpático dentro del discurso progresivo. Cuando llega el turno de ‘Swaying Flowers’, la banda regresa de lleno a su faceta más aguerrida para reavivar la llama del esquema de trabajo sinfónico en secciones bien diferenciadas a través de su pulida ilación. Hay un despliegue controlado de virtuosismo a lo largo y ancho del delineamiento de los núcleos temáticos que se van hilando mientras la pieza se enrumba hacia su contundente conclusión. ‘Emerald Hearts’ perpetúa la visión de este bien afiatado ensamble en lo referente a la mezcla de prog y jazz-rock mientras regresa a sus vínculos estéticos con WAPPA GAPPA e INTERPOSE+. El colorido extra aportado por el saxo completa muy eficazmente la exquisita exuberancia que signa a esta pieza. ‘You’ ocupa los seis últimos minutos del repertorio y es el único tema del álbum donde el grupo se deja lleva por una envolvente y señorial parsimonia. Sobre un lento swing de inspiración blues-rockera, el grupo realiza un delicado viaje musical que derrocha un cristalino lirismo. 

El nombre del grupo AQANESUSS y del disco “Aqanesuss” deben ser anotados en cualquier agenda melómana vinculada a una buena colección de rock progresivo. Se trata, a fin de cuentas, de uno de los más notables trabajos de rock progresivo publicados en las postrimerías del pasado año 2022 y, de paso, dignifica grandemente a la actual escena japonesa: totalmente recomendable.  
 

Muestras de “Aqanesuss”.-
Soar In The Sky: https://www.youtube.com/watch?v=SzATCyZhjSs
Evening Scenery: https://www.youtube.com/watch?v=Lysu3xXRwgk
Eternal Light: https://www.youtube.com/watch?v=MjRjVUVC1lU

Una serie de cantos progresivos a Suramérica de parte de TRYO

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy tenemos la muy especial ocasión de presentar el nuevo disco del veterano y siempre creativo ensamble chileno TRYO, el cual se titula “Suramérica” y fue publicado en las redes virtuales a inicios de este mes de agosto, proyectándose para una posterior publicación física a fines del susodicho mes. Hay algo muy peculiar en este disco, pues el grupo ha operado como quinteto con la alineación de los sempiternos Ismael Cortez A. [guitarras eléctricas y acústicas, y voz], Francisco Cortez A. [bajos eléctricos, violonchelos acústico y eléctrico, trompe, trutruca y voz] y Félix Carbone K. [batería, Mallet Kat, tumbadoras, djembé, gong, crótalos y shaker] en coalición con Pablo Martínez R. [teclados, sintetizadores y programación] y Felipe Baldrich M. [Mallet Kat, tambor indio, bombo legüero, cascahuillas y voz]. Más exactamente, TRYO está proyectándose hacia una nueva etapa como cuarteto con la inclusión del percusionista Baldrich, discípulo de Carbone, para reemplazarle tras su mudanza a Francia, y además, resulta que también entró a tallar el teclista Martínez en el esquema grupal; pero, estando todavía presente Carbone en la gestación de este disco, el grupo funcionó efectivamente como quinteto. Adicionalmente, hay colaboradores que hacen algunos aportes ocasionales a lo largo de este nuevo álbum: Ernesto Holman G. (bajo eléctrico sin trastes), Cecilia Cortez A. (piano), Gonzalo Cortés M. (quena y charango) e Ignacio Carvajal G. (voz). En estos últimos tiempos, el colectivo de TRYO se mantuvo ocupado: además de realizar una extensa gira para celebrar sus 35 años de vigencia, realizó un proyecto de música acompañada por un ensamble orquestal (recogida en el disco “Intersección” del año 2022), e incluso se dio el lujo de telonear a la legendaria banda francesa MAGMA en su reciente paso por escenarios chilenos. Además, el grupo ya está preparado para lucirse en el Festival Crescendo 2023. Y ahora llega este álbum conceptual que prosigue por la vereda del llamado a la conciencia en torno a nuestro problemático modo de vivir en la Madre Naturaleza que se plasmó en el álbum anterior “Órbitas” (del año 2016) para enfocarla en un aspecto más concreto: el contacto con el entorno inmediato a través del legado espiritual de los ancestros que guiaban la sabiduría de los pueblos originarios. Casi todo lo que suena en “Suramérica” fue grabado en Estudio del Sur, el día 15 de octubre de 2021, por el ingeniero de sonido Claudio Ramírez E. con el asistente Daniel Ruiz Q. La grabación de pistas adicionales y la edición tuvieron lugar en el Estudio Las Gaviotas, durante el año 2022, en manos de Ismael Cortez A. Ya en el año 2023 tuvieron lugar las labores de mezcla y masterización: las primeras estuvieron a cargo de Claudio Ramírez E., mientras que las segundas fueron llevadas a cabo por Doug Wingert en el estudio Binary Audio Media de Los Ángeles (California, EE.UU.), con la ayuda de Juan Pablo Velasco. El arte visual es de Samuel Araya C., mientras que el diseño y la diagramación estuvieron a cargo de Iván González S.

 

La pieza homónima, que contiene las secciones ‘La Llamada’ y  ‘Los Orígenes’, inicia las cosas de una manera bastante significativa. En efecto, ‘Suramérica’ ostenta un vigor ígneo que, tras un preludio etéreo ejecutado por vientos andinos, brota con contundente musculatura sobre un groove en clave jazz-rockera que se desarrolla con variados swings: éstos son manejados con grácil soltura. El bloque instrumental se sitúa en un camino intermedio entre RUSH y JEFF BECK. El carácter evocador de la letra está bien capitalizado por el contorno armado comunitariamente por la guitarra y los teclados. ‘Canoeros Celestes’ sigue a continuación con la misión de llevar las huellas de la pieza de apertura hacia una instancia de incrementada sofisticación, siendo así que la ingeniería rítmica se articula con una mayor complejidad progresiva. Hay, de hecho, un señorío más pronunciado en la garra rockera de esta pieza, la cual se beneficia grandemente del solo de órgano que emerge en algún momento del intermedio. ‘Nómades’ es la pieza más extensa del álbum con sus cerca de 7 ¾ minutos de duración: contiene tres secciones, las mismas que reciben los títulos respectivos de ‘Conexión Espiritual’, ‘Ritual Chamánico’ y ‘Cruzando El Umbral’. Su introducción de quena y charango ostenta una mística aureola de encanto andino, explayándose en envolventes matices etéreos antes de que el cello entre a tallar para abrir la puerta al cuerpo central, el cual establece un fulguroso viaje de fusión progresiva en base a cadencias y atmósferas del folklore criollo. Cuando surgen los solos de guitarra, éstos toman la posta de tonalidades evocadoras inicialmente dibujadas por los vientos andinos. Más adelante, la musculatura rockera aumenta con el fin de impulsar las vibraciones majestuosas de la pieza. Definitivamente, tenemos aquí un cénit decisivo del repertorio. Cuando llega el turno de ‘Orillas’, el ensamble se dispone a crear una atmósfera contemplativa mientras sigue aplicando la logística sonora esplendorosa que ha ido trazando y madurando en la secuencia de las dos piezas precedentes. A rasgos generales, se siente una calidez revitalizadora en el núcleo expresivo de esta canción.

 

Con la emergencia de la dupla de ‘La Huida’ y ‘Danza Rebelde’, dos canciones bastante ambiciosas en sus propios términos, la gente de TRYO nos brinda casi 14 ¾ minutos de persistente gloria musical.* El primero de estos temas mencionados reactiva y remodela los grooves predominantes en las dos primeras canciones del álbum para insuflarles un nervio renovador. La tríada rítmica carga sobre sus hombros las cadencias de las secciones más agresivas, mientras que el interludio se centra en signos atmosféricamente crepusculares que enhebran la energía de lo introspectivo con un delicado sosiego flotante. Hay confluencias con las bandas paisanos ERGO SUM y ESTIGMA. Por su parte, ‘Danza Rebelde’ refleja lo que tal vez sea el indicio más directo de las señales más majestuosas del bloque sonoro grupal. La vitalidad de la pieza se centra primordialmente en las agitaciones y titilaciones tribales que sustentan el despliegue de fastuosidad absorbente que se concreta en el desarrollo temático. Los vientos y tambores andinos completan cabalmente la senda sonora en curso. ¿Cuándo fue que llegó un híbrido de URIAH HEEP y YES para perpetrar un inspirado ejercicio de rock progresivo con poderosos tintes sudamericanos? Tal vez nunca, pero para eso está TRYO ahora, para llenar ese vacío conjetural. Dos nuevos cénit excelsos del álbum. ‘La Unión’ es una serena pieza de piano solo cuyos matices impresionistas parecen retratar la melancólica noche que emerge tras varios festivales de luz (especialmente, los exhibidos en las dos piezas anteriores). ‘Elementos’ sirve para que el colectivo refuerce varios de los recursos sonoros empleados en los pasajes más extrovertidos de las piezas precedentes, logrando crear nuevos recursos de elaborado lirismo progresivo con estilizadas raíces folklóricas. Se trata de un tema bastante llamativo, no hay duda al respecto. ‘Trascender’ trae el cierre del repertorio con un peculiar reprise de los aires telúricos que conformaron el pasaje prologar de la pieza homónima, los mismos que reciben un impulso celebratorio con la inclusión de una urdimbre adicional de escalas de guitarra y ágiles ornamentos percusivos. Estos últimos instantes se sienten genuinamente masivos sin llegar a ser ampulosos: hermosa conclusión para un impactante repertorio.

 

Aquí está el gran aporte de “Suramérica” para la producción de rock artístico en el año 2023 desde la escena latinoamericana para el mundo entero. El renovado colectivo de TRYO ha hecho lucir las nuevas medallas de su lucha constante por renovarse a través del tiempo y bajo cualquier circunstancia. Este disco es una inmensa joya cuyos 50 minutos y medio de espacio enriquecen a la millonésima potencia los múltiples tesoros que guarda el multivalente palacio de la música progresiva sudamericana. ¡Que impresionante es esta serie de cantos progresivos chilenos!

 
Muestras de “Suramérica”.-

Canoeros Celestes: https://www.youtube.com/watch?v=MQinKXRJJx4
Nómades: https://www.youtube.com/watch?v=jMdpKjuMDOw
Danza Rebelde: https://www.youtube.com/watch?v=hwLIy4BnX_A
Elementos: https://www.youtube.com/watch?v=EDIpv2kiqSw

* Ambos constan de secciones con títulos autónomos. ‘La Huida’ contiene a ‘Choques De Dos Mundos’ y ‘Refugio En La Caverna Interna’, mientras que ‘Danza Rebelde’ consta de ‘Enfrentando El Destino’, ‘La Lucha’ y ‘El Desenlace Victorioso’.

La segunda muestra de infinidad vanguardista de THE HOLY FAMILY

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy presentamos el segundo álbum del ensamble avant-progresivo británico THE HOLY FAMILY, el cual salió al mercado el pasado 21 de julio bajo el título de “Go Zero”, por vía del sello Rocket Recordings, tanto en CD como en vinilo (versiones en verda transparente y en amarillo). A dos años de la publicación de su homónimo disco de debut, THE HOLY FAMILY vuelve a lucir sus galones de creatividad desafiante dentro del art-rock contemporáneo. El líder y fundador de este grupo es el multiinstrumentista David Jason Smith, quien otrora fue cofundador del inolvidable grupo GUAPO. Mientras en este disco Smith se limita a los sintetizadores, el canto, las percusiones y el sintetizador percusivo, él se hace acompañar por varios ex-colegas de GUAPO: Kavus Torabi [guitarras eléctrica y acústica], Sam Smith [bajo] y Emmett Elvin [pianos acústico y eléctrico Fender Rhodes]. El vigente quinteto se completa con el baterista Joe Lazarus, quien es el nuevo integrante de este particular cosmos musical. La inspiración para la composición del material de “Go Zero” se activó en la mente de David Jason Smith en el verano del año 2021, prácticamente al día siguiente de publicarse “The Holy Family”. Aunque el disco que ahora nos ocupa no es, estrictamente hablando, un disco conceptual con una narrativa meticulosamente elaborada, es verdad que las letras que aparecen en algunos temas hacen referencia a Vorrh, la trilogía de novelas fantásticas del literato y artista visual británico BRIAN CATLING, lamentablemente fallecido en el año 2022. Smith empezó a componer y grabar el material aquí contenido desde el año 2021, tal como se señaló más arriba, y mientras todo avanzaba, en varas sesiones realizadas en el año 2022 él convocó a sus compañeros de viaje musical. El proceso de post-producción estuvo a cargo del finlandés radicado en Londres Antti Uusumaki. Pasemos ahora los detalles de este disco.

‘Crawling Out’ abre el repertorio con un gesto de autoridad al desplegar unas abundantes capas de teclados y corales que le dan un giro ominoso a sus inherentes vibraciones misteriosas. Se trata de algo asentado en una cruza entre los TANGERINE DREAM de la fase 1971-73 y los CLUSTER de la fase 1971-72 donde también se dejan sentir algunas sazones de la faceta atmosférica de ART ZOYD. Tras este ejercicio de oscurantismo etéreo, sigue la dupla de ‘Bad Travelling’ y ‘Chalky’s Eyes’, temas que marcan buena parte de la dimensión más aguerrida de la esencia estética del grupo. El primero de ellos exhibe un espíritu guerreramente embrujador al modo de una procesión atemorizante de magos y brujas que han sido convocados para formar parte de un aquelarre. Las tesituras relativamente minimalistas que son compartidas por el piano eléctrico y el bajo y el talante sutilmente belicoso que ostenta el pesado medio tiempo de la batería arman el paisaje idóneo para los efluvios de flotantes sintetizadores y cánticos digitalmente distorsionados. En cuanto a ‘Chalky’s Eyes’, se trata de una expansión vitalista del bombardeo propio del paradigma Zeuhl que se filtra a través de recursos sónicos donde se hibridizan el space-rock y el post-rock. De esta manera, el bloque grupal suena ceremonioso e intenso mientras preserva una musculatura muy peculiar. Los retazos de guitarra que sobresalen durante la segunda mitad de este extravagantemente fabuloso jam ayudan a acrecentar la densidad expresiva de la pieza. Tenemos aquí un momento cumbre del disco. ‘The Watcher’ vira radicalmente hacia unos parajes de flotante introspección donde los aportes de los teclados y las voces se amalgaman en una maraña ensoñadora... Inquietamente ensoñadora, para ser más exactos, pues late la sospecha de que hay algo desosegado yaciendo bajo el ropaje metafísico diseñado para esta pieza. Cuando llega el turno de ‘Hell Born Babel’, el ensamble se dispone a concretar un fabuloso ejercicio de mezcla de oscurantistas atmósferas muy típicas del RIO y exuberantes grooves propios del jazz-fusion. El complejo tempo es manejado con inspirada gracilidad mientras la pieza gradualmente va acrecentando su tanática incandescencia. Los torturados aportes vocales gestan un elemento de perturbador caos que atraviesa liberalmente a la arquitectura central de la pieza sin llegar a alterar ésta. Otro excelente cénit del álbum. 

Ocupando un espacio de más de 15 ¼ minutos, la homónima ‘Go Zero Suite’ cierra el repertorio con patente opulencia. La Parte I es realmente un breve prólogo que dura poco más de tres cuartos de minuto y que consiste en un ejercicio de vibraciones tribales en base a la interacción de canto y tambores. La Parte II se explaya a través de 10 ¼ minutos (y un poco más) para elaborar una vibrante mezcla de nervio Zeuhl y densa neblina RIO, siendo así que el ritual aventurero diseñado como cuerpo central de la composición se encuadra cómodamente dentro del armazón sostenido por el groove de la dupla rítmica. Ésta sabe como integrar ligeras variantes en el swing mientras los minutos avanzan; en la labor específica de la batería se eliminan las diferencias entre la precisión mecánica y la organicidad pulsátil, especialmente cuando se gesta una sofisticación estructural en los ornamentos percusivos que entran a tallar cerca del final. Los ornamentos de piano eléctrico y los efectos de la guitarra se asocian fluidamente con el sintetizador a la hora de completar el paisaje sobre cuyo trasfondo se arrojan los cánticos. En esta Parte II (así como en algunos parajes de ‘Chalky’s Eyes’) advertimos algunas confluencias con los universos de KAYO DOT y SIMON STEENSLAND, aunque también son fáciles de notar los ecos de los tres últimos discos de GUAPO. La conclusiva Parte III regresa de lleno a esa atmósfera onírica en torno a la cual gravitó la pieza de apertura, pero se nota que hay una serenidad más categórica, así como una majestuosidad renovadora. Los soundscapes de sintetizador y guitarra complementan las misteriosamente bellas escalas del piano eléctrico a la perfección, creándose así un contexto idóneo para los arreglos corales que habrán de aparecer más adelante. En contraste con la ambiciosa duración del álbum debut, fueron poco menos de 42 minutos los que necesitó la gente de THE HOLY FAMILY para brindarnos este excelente segundo muestrario de la infinidad de su espíritu vanguardista: “Go Zero” es una auténtica joya eclécticamente progresiva que se brinda desde Gran Bretaña para el universo del rock experimental del actual año 2023. ¡¡Totalmente recomendable!! 

Muestras de “Go Zero”.-
Chulky’s Eyes: https://theholyfamilyuk.bandcamp.com/track/chalky-s-eyes
Hell Born Babel: https://theholyfamilyuk.bandcamp.com/track/hell-born-babel

Go Zero Suite: Part II: https://theholyfamilyuk.bandcamp.com/track/go-zero-suite-pt-ii